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Livre numérique au collège des Pyramides.
Mélanger le réel et l'imagimaire.

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spip escal squelette academie lyon etablissement scolaire

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des visiteurs visiblement morts de peur!

En savoir plus: http://www.gentside.com/insolite/la-peur-immortalisee-en-photos_art28746.html
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Mariages : Gérard Urféras

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http://www.parisdamour.com Paris d'Amour, une exposition photographique de Gérard Uféras qui célèbre lamour, la tolérance et la liberté.

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Images

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Sous toutes ses formes, par la richesse et la variété de ses supports, par sa double qualité d'œuvre d'art et de document, l'image occupe une place importante dans les collections de la BnF et dans Gallica.

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« Aux frontières de l’intime : les photographes et leurs enfants » 

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« Aux frontières de l’intime : les photographes et leurs enfants » 

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Du 20 novembre 2014 au 15 avril 2015 à Bièvres

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Aux frontières de l'intime...

29 octobre 2014

Le musée français de la Photographie fête ses 50 ans. Il inaugure à cette occasion, un espace renouvelé dédié aux expositions temporaires pour faire découvrir la diversité de ses collections en se positionnant dans une réflexion sur le rôle de la photographie dans notre société.

Du daguerréotype au numérique, l'enfant traverse toute l'histoire de la photographie. Au XIXe siècle, il vient rehausser le groupe comme symbole de lignage. Il occupe alors une place périphérique. Aujourd'hui sujet de toutes les préoccupations, incarnation du couple et de notre narcissisme, il constitue un objet photographique majeur. Les collections du musée français de la Photographie permettent de souligner les permanences et les ruptures qui jalonnent cette histoire.

Les photographes prennent-ils leurs enfants en photo comme tout le monde ? Adoptent-ils une écriture particulière ? Quelle place occupent ces images dans leur travail ? Font-elles œuvre ? Quel statut ont-elles ? Pas si simple. Pour le musée français de la Photographie qui compte près de 900000 images réparties entre fonds professionnel et fonds amateur, aborder ces questions revient à interroger les frontières poreuses entre ces pratiques.

Les photographes qui font œuvre autour de leur(s) enfant(s) sont de plus en plus nombreux. L'avalanche de publications consacrées à l'enfant témoigne d'une véritable préoccupation pour l'intime dans notre société. La réappropriation et le détournement des figures imposées (le jeu, la promenade, le bain, le repas...) structurent aujourd'hui la démarche artistique de la plupart d'entre eux. L'écriture photographique se réapproprie les maladresses de la photo amateur, en lui donnant un nouveau sens.

Ce regard introspectif ne témoigne-t-il pas en réalité de la réflexion sur la transformation rapide de la famille nucléaire telle que nous l'avons connue jusqu'à présent ? Ne reflète- t-il pas également notre refus de vieillir et changer de place dans le cycle des générations? Un signe de notre " intranquillité " ? Autant de préoccupations qui traversent les sociétés occidentales et dont se saisissent massivement les photographes.

Exposition " Aux frontières de l'intime : les photographes et leurs enfants "
Du 20 novembre 2014 au 15 avril 2015.
Musée français de la Photographie
78, rue de Paris, Bièvres
Tél. 01 69 35 16 50
Ouvert du mercredi au dimanche de 13h30 à 17h30

Voir le communiqué de presse (pdf).
Voir le dossier de presse (pdf).

Documents pédagogiques
- Dossier pédagogique (pdf, 2,2 Mo)
- Livret-jeu à partir de 6 ans (pdf, 12,7 Mo)
- Livret-jeu à partir de 11 ans (pdf, 13,2 Mo)

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Aux frontières de l'intime... | Musée français de la photographie

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29 octobre 2014 Le musée français de la Photographie fête ses 50 ans. Il inaugure à cette occasion, un espace renouvelé dédié aux expositions temporaires pour faire découvrir la diversité de ses collections en se positionnant dans une réflexion sur le rôle de la photographie dans notre société.

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Gif-sur-Yvette 13 janv-13 février

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Elyx, c'est un petit personnage du web. Une nouvelle mascotte qui s'incruste de manière humoristique dans le décor parisien et suit son créateur partout où il se rend. Nous avons posé quelques questions à l'homme bien réel qui se cache derrière le petit bonhomme virtuel.
Il s'appelle Yacine Ait Kaci, aka Son pseudo est Yak. Il se considère comme un " artiste de l'ère numérique, donc fondamentalement éclectique". Il a étudié aux Arts Déco à Paris, dans la première promo multimédia.

Il a ensuite travaillé pour l'émission Archimède sur Arte, donné plusieurs cours dans diverses écoles et a fondé Electronic Shadow avec Naziha Mestaoui avec " l'idée que le numérique allait fusionner avec la réalité" et a participé à la création du mapping vidéo.

"Il", c'est Yacine Ait Kaci, le créateur d'Elyx, un petit bonhomme qui s'incruste dans tout type d'environnement, de Paris à New York en passant par une fontaine ou aux côtés d'une feuille. Depuis sept mois, Yacine se donne à temps plein dans ce projet, "une aventure qui s'est avérée passionnante".

De la génèse d'Elyx entre simplicité, évidence et poésie

S'il présente pour la première fois Elyx sur les réseaux sociaux en 2011, le personnage existe aussi bien dans sa tête que sur le papier depuis longtemps. Malgré une orientation multimédia, Yacine n'a jamais laissé de côté son attirance pour le dessin.

Le nom donné à son personnage est d'ailleurs ancré dans cette volonté de revenir aux sources. Car pour comprendre le sens d'Elyx, il faut revenir 20 ans en arrière, lorsque Yacine est sélectionné au cours de ses études pour façonner la mascotte du magazine XL, un mensuel français destiné aux ados et publié de 1994 à 2000. Il le surnomme "IXEL".

Le nom est un clin d'œil à cette carrière de dessinateur. Le "Y", c'est par rapport à mon prénom, ce qui donne aussi le YX des chromosomes, Elyx se voulant dès le départ un personnage universel qui se trouve en chacun de nous.

Soucieux de s'adresser à un large public, Yacine a eu envie à la fois " de simplicité, d'évidence et de poésie dans un monde qui s'accélère", pour donner naissance à une personnalité virtuelle, finalement à l'image de nos sociétés qui s'exportent toujours plus sur le web et les réseaux sociaux.

Je suis arrivé à Elyx en épurant au maximum une forme que j'ai créée à partir d'une contrainte forte : le maximum d'expressions et de mouvements à partir du minimum de traits, le tout pour un dessin que je devais pouvoir exécuter en quelques secondes et qui incarne dans son trait même la spontanéité de l'idée.

Alors quand on observe Elyx, le rapprochement se fait rapidement avec les personnages de Keith Haring, personnalité emblématique de l'histoire du street-art. Et s'il se dit très flatté par cette comparaison, ça n'a pas pour autant été " une inspiration consciente", confie-t-il.

Plutôt fan inconditionnel des auteurs de BD Moebius, Gotlib, Gary Larson ou du dessinateur humoristique Voutch, Yak pioche également dans tout ce qui est ciné, art contemporain, photo, architecture, culture geek, etc.

"J'appelle ça du digital street-art"

Son calepin sous le bras et un feutre dans la poche, Yacine se laisse guider par l'improvisation. "Rien n'est jamais préparé, c'est la ville qui donne son tempo, l'inspiration". Pour lui, le terme de "sérendipité" prend alors tout son sens puisque " cette pratique implique d'avoir les yeux constamment ouverts sur le présent", explique-t-il.

Après 15 ans d'art numérique, j'utilise souvent cette métaphore : les impressionnistes se sont libérés de leur atelier grâce à l'invention du tube de peinture qui leur a permis d'aller peindre "sur le motif". En 2014, je suis un artiste qui s'est libéré de l'ordinateur pour faire de la création numérique "sur le motif". Parfois, j'appelle ça aussi du Digital Street Art.

En troquant la souris par le stylo, l'artiste a donc alors voulu remettre la main au coeur de ses outils pour proposer aux internautes des situations souvent empreintes d'une gaîté légère.

"Le sourire est en soi un message"

Un brin enfantin, Elyx pose ainsi un regard nouveau, innocent sur l'espace qui l'entoure. Il débarque alors dans l'hémicycle du Sénat, soulève la tour Eiffel, se la coule douce à Paris plage, grimpe l'obélisque de la place de la Concorde, fait pêter le champagne devant la Pyramide du Louvre, pose à côté de Pharrell Williams et se retrouve même à New York.

"À travers ses yeux, on se surprend à adopter ce regard et... on sourit. Le sourire est en soi un messag e" analyse Yacine. C'est d'ailleurs ce que les internautes apprécient particulièrement.

Un terme qui revient très souvent dans les commentaires que je reçois, c'est le fait qu'Elyx donne le sourire et c'est exactement le but. Déjà c'est ce que ça me fait et le fait de le partager est une grande source de satisfaction, c'est déjà se mettre dans un certain rapport avec le monde, s'ouvrir et se permettre de voir les choses différemment. Du décalage naît la poésie. Je pense que c'est plus que jamais une valeur d'avenir.

Elyx, "l'exutoire low-tech" de Yacine

Yacine considère ainsi Elyx " comme un ambassadeur de notre capacité à imaginer". Mais pas seulement : il se positionne également sur des sujets d'actualité à travers son personnage 2.0.

Quand je l'ai créé, Elyx était une sorte de soupape créative, un moyen de m'exprimer sur les thèmes qui me sont chers sans toute la complexité technologique de mes projets d'alors, un exutoire low-tech qui me faisait avant tout du bien à moi.

Difficile de passer à côté de l'actu israélo-palestinienne. Alors, Yak a décidé de s'exprimer en décuplant plein de Elyx et en les réunissant sur un territoire sans frontière. Pour accompagner le dessin, il reprend le hashtag #JewsAnsArabsRefuseToBeEnemies et invente celui de #ElyxForPeace.

En vérité pour avoir un véritable message politique aujourd'hui, il s'agit de ne pas opposer des groupes supposés les uns contre les autres. C'est le sens de mon " WE ARE ONE " qui représente une carte d'Israël et la Palestine constituée par une multitude d'Elyx. Je vois l'humanité non pas comme une espèce mais comme un organisme en soi, de la même manière que notre corps est composé des milliards de cellules.

Il utilise alors la métaphore de ces nuées d'oiseaux et de poissons, qui suivent harmoniquement la même trajectoire comme s'ils étaient guidé par un seul. Or, rappelle-t-il, " il y a un ordre dans le chaos" et ce n'est pas un oiseau ou un poisson qui décide pour tout le monde, mais l'ensemble qui respecte un certain nombre de règles. " Je pense que nous fonctionnons fondamentalement de la même façon et qu'il est plus intéressant d'étudier ce qui nous rassemble plutôt que ce qui nous divise. C'est ça le message d'Elyx et la direction que je veux lui donner", résume-t-il.

Elyx party : la dimension participative du projet

La direction que veux donner son créateur, c'est aussi celle du partage et de l'échange grâce au projet "Elyx Party". Yak invite ainsi le public à mettre en scène Elyx dans diverses positions et situations puis à immortaliser l'instant en prenant une photo, comme il a l'habitude de faire.

Cette dimension participative, il l'a d'abord expérimentée il y a deux ans avec des étudiants en design colombiens, pour ensuite réitérer l'expérience en partenariat avec la mairie du 3ème à l'occasion de la semaine du développement durable puis pour la maison Hermès lors du Meuble de Milan.

Elyx se retrouvera même en octobre à Tokyo !

C'est la façon qu'a Elyx d'interagir avec le monde, à la fois à travers les photos mais ensuite il se retrouve invité, dans des musées, des premières, des lancements, en quelques mois il est devenu une petite personnalité du web et l'aventure ne fait que commencer.

Alors qu'il est exposé à la Galerie Bettina en ce moment, Yacine est actuellement en train de développer un format télé, une application mobile interactive avec sa soeur qui est développeur et qui devrait être disponible à l'automne prochain. Tout plein de nouveaux supports qui permettent à son créateur de " réinventer sans cesse [son] métier" et à Elyx de continuer à s'amuser.

Pour voir davantage d'images, rendez-vous sur le site internet Elyxou sur son compte Instagram.

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Elyx, le petit bonhomme papier qui s'incruste dans Paris avec humour

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Elyx, c'est un petit personnage du web. Une nouvelle mascotte qui s'incruste de manière humoristique dans le décor parisien et suit son créateur partout où il se rend. Nous avons posé quelques questions à l'homme bien réel qui se cache derrière le petit bonhomme virtuel. Il s'appelle Yacine Ait Kaci, aka Son pseudo est Yak.

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Phographer Suzanne Lafont Vue exposition: sur un pied d'égalité. Suzanne Lafont au Centre Art de Brest Passerelle photo N. Ollier Balayeur et Gardien, Sérigraphie sur PVC de Suzanne Lafont,...

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toutes ses photos

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Le site officiel de l'Atelier Robert Doisneau, la structure crée par les deux filles du photographe pour assurer la conservation et la représentation de son œuvre photographique.

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Les mains de Picasso

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Atelier Robert Doisneau | Galeries virtuelles des photographies de Doisneau

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Explorez les archives photo de Robert Doisneau en découvrant les portfolios issus de son propre classement thématique. Régulièrement de nouvelles découvertes...

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documents poétiques parfois inspirés par le surréalisme, mais toujours révélateurs d'une relation empathique et sensible à son sujet.
Elisabeth et moi (cadrage)

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André Kertész (1894-1985) est un photographe Juif né en Hongrie, alors dans l'empire austro-hongrois. Un artiste de l'avant-garde photographique dans le Paris des années 1925-1936, qui eut tardivement la reconnaissance internationale méritée. Le Jeu de Paume a proposé une rétrospective itinérante du célèbre artiste. Trois cents tirages et magazines originaux (vintages) montrent le regard poétique d'André Kertész, émigré en France, puis aux Etats-Unis. Le FOAM à Amsterdam propose André Kertész, Mirroring Life.

" À chaque fois que Kertész déclenche, je sens mon cœur battre ", a déclaré Henry Cartier-Bresson, célèbre photographe humaniste

Curieusement, le Jeu de Paume n'indiquait ni dans ses panneaux ni dans son Petit Journal ni dans sa vidéo - omission par les deux commissaires Michel Frizot et Annie-Laure Wanaverbecq - sur cette exposition qu'André Kertész était Juif. Le 27 septembre 2010, lors du vernissage presse, j'ai interrogé sur cette carence informative un des deux commissaires de l'exposition. Michel Frizot a reconnu que cet artiste était Juif et ne cachait pas sa judéité. Il n'a formulé aucun argument pour justifier cette occultation. C'était gênant. Et cette série sur les cheminées new yorkaises par André Kertész qui utilisait alors le téléobjectif et le zoom. Y aurait-il un rapport avec la Shoah ?

Cette rétrospective rend hommage à un perpétuel " amateur ", un photographe inclassable, pionnier du photojournalisme et considéré par Henri Cartier-Bresson comme un de ses maîtres.

D'Andor à André (1894-1925)

Andor (Bandi) Kertész est né dans une famille juive bourgeoise hongroise. Son père Lipót, libraire, décède en 1905. Le jeune Andor est élevé par un oncle tuteur, qui travaille à la Bourse de Budapest. Là, après avoir étudié à l'Académie de commerce de Budapest, Andor Kertész débute de 1912 à 1914.

" C'est en 1912 que j'ai commencé à prendre des photographies. A l'époque, j'étais encore débutant dans mes compositions. La première chose que j'ai apprise, c'est que l'équilibre et le tracé instinctif allaient de pair. Ce n'est pas dû à mon mérite, je suis né comme ça... Szigetbecse était important et déterminant à mes yeux, non parce que ma famille y résidait, mais parce que je pouvais être très proche de la nature, et de ceux parmi lesquels cela s'était produit en moi. Plus tard, que ce soit à Tiszaszalka, à Esztergom ou à Dunaharaszti, en France ou à New York, lorsque je prenais en photo des paysages ou des hommes, c'était toujours la campagne de Szigetbecse et ses habitants qui renaissaient à nouveau sur chaque cliché ".

Ces premières photographies sur sa Hongrie rurale et sa famille ont été exposées à l'Institut hongrois en 2004, dans le cadre du Mois de la photo à Paris. On le voyait notamment avec son frère cadet Jenö. Il considère la photographie comme " un petit livre de notes, un livre d'esquisses ".

Mobilisé pendant la Première Guerre mondiale dans l'armée austro-hongroise, Kertész photographie la vie quotidienne des soldats. Blessé, il est envoyé à l'arrière du front. Il publie en 1917 ses premières photographies.

" Très indépendant dès cette époque - il s'écarte d'ailleurs radicalement du pictorialisme ambiant -, Kertész met en place les éléments du langage photographique novateur qui lui sera propre : il photographie de nuit dès 1914, réalise l'étonnante vue du Nageur sous l'eau (1917), et saisit son frère en " scherzo " en 1919. Les deux voyeurs du Cirque (1920), Le Musicien aveugle (1921) s'inscrivent immédiatement dans la modernité. La photographie d'André Kertész s'affirme dès lors par une liberté et une diversité de traitement ainsi qu'une inspiration née essentiellement de ses émotions et de ses liens affectifs ".

En 1919, il rencontre Erzsébet (Elisabeth) Salamon qu'il épouse en 1933.

Il reçoit le diplôme d'honneur de la Société hongroise de photographie en 1923.

Le jardin français d'André Kertész (1925-1936)

A Paris, André Kertész se fait enregistrer à la préfecture de police comme " photo reporter ". Il est publié par des journaux allemands dès 1926 et expose à la galerie Au sacre du printemps en 1927.

Il fréquente ses compatriotes émigrés : Brassaï, etc. Dans l'atelier du sculpteur Étienne Beöthy, il photographie la danseuse Magda Förstner, qui mime une sculpture de l'artiste ( Satiric Dancer, 1926).

Chez Mondrian, Kertész " inaugure un type de portraits virtuels et décalés dont il deviendra le maître : il évoque plus qu'il ne montre, donne vie à ce qui est immobile et crée un langage de notations allusives, tant poétique que visuel ".

A ses débuts, Kerész achète un Leica en 1928 et tire une grande partie de ses clichés sur un papier photographique au format carte postale.

De la rue parisienne et de ses scènes banales, il tire des images métaphoriques.

" Premier représentant, avec Man Ray, de la modernité internationale à Paris, Kertész travaille pour la presse, initie le reportage photographique et participe à plusieurs expositions importantes, dont " Film und Foto ", à Stuttgart " (1929).

Il conserve son indépendance, et ne devient pas membre des mouvements animant le Paris artistique, tels le surréalisme ou le dadaïsme.

" Nourrie de ses émotions, de ses surprises et de ses associations personnelles, son œuvre, avec ses jeux de miroirs, de reflets, d'ombres et de doubles, ou ses éclairages nocturnes, l'installe comme acteur de l'avant-garde photographique ". La Fourchette (1928) révèle une autre particularité de Kertész : son attirance pour " les ombres portées des objets ou des personnages - qui, dans Les Mains de Paul Arma (1928) ou l'Autoportrait de 1927, jouent subtilement de l'alternative entre présence et absence, redoublement et effacement ".

Kertész crée pour " donner à penser " la réalité, via des images insolites.

Il s'intéresse aux déformations optiques. Ainsi, à la demande du magazine VU, il portraiture en 1930 le nouveau rédacteur en chef, Carlo Rim. Il choisit comme lieu : le parc d'attractions à Luna Park où il le fait poser devant des miroirs déformants.

En 1932, il expose dans la galerie new-yorkaise de Julien Levy.

En 1933, à la demande de l'éditeur d'un magazine " de charme ", Le Sourire, il réalise une série de nus féminins, Distorsions, avec deux modèles en usant de deux miroirs déformants qui crée " des étirements grotesques, des protubérances monstrueuses, ou la désagrégation complète du corps ". Kertész songe adapter ce procédé à publicité quand il émigrera aux Etats-Unis. Mais il ne convainc personne, et doit attendre 1976 pour que soit publié le livre Distorsions, en édition américaine et française.

Reportage et illustration

Au printemps 1928, est créé le magazine d'actualités VU.

Pour compléter les apports des agences photographiques, Lucien Vogel, son directeur, recourt à de " jeunes indépendants - André Kertész, Germaine Krull, Eli Lotar - qui pratiquent une photographie personnelle, apte à une illustration distancée ". La rédaction de VU fixe au préalable les thèmes à traiter. Ainsi naît le reportage photographique.

Kertész saisit cette opportunité pour faire preuve d'un savoir-faire nouveau.

" Par son habileté à produire des images inattendues, plus évocatrices que documentaires, Kertész fait figure de pionnier, notamment avec son reportage sur les moines de la Trappe de Soligny " qui va lui procurer une célébrité.

De 1928 à 1936, Kertész effectue une trentaine de reportages pour VU : des " constructions visuelles réfléchies, où la clarté d'expression et la mise en place graphique font merveille. Kertész préfère sans aucun doute un mode illustratif plus poétique que factuel ".

Il participe ainsi à la revue d'art Bifur (1929) et à Art et Médecine qui laisse place à sa " fantaisie moderniste ".

Vers 1930, Germaine Krull et Kertész ont le plus innové dans la photographie d'illustration. La renommée de Kertész croît quand sont publiés trois livres imprimés en héliogravure : Enfants (1933), Nos amies les bêtes (1936) et surtout Paris vu par André Kertész (1934), avec un texte de Pierre Mac Orlan .

En 1934, Kertész illustre aussi par ses vues de Paris Az igazi Ady [ Le Véritable Ady], biographie du poète hongrois Endre Ady (1877-1919), par son compatriote, le journaliste György Bölöni.

" Un nuage égaré " aux Etats-Unis (1936-1962)

Fort de son contrat avec l'agence Keystone, André Kertész quitte Paris pour New York en octobre 1936. Las ! Son contrat est vite rompu.

Les PM Galleries organisent sa première exposition personnelle en 1937.

En 1938, Kertész réalise la maquette du livre de Robert Capa, Death in the Making.

De 1939 à 1941, les réticences de Kertész " à l'égard de la photographie de mode, le rejet de ses reportages qui " parlent trop " selon les responsables de Life, l'incompréhension que suscitent ses Distorsions mènent lentement Kertész à la dépression ".

La Seconde Guerre mondiale ajoute à ses épreuves, avec notamment les restrictions qu'il subit comme photographe " étranger ". En 1944, le couple obtient la nationalité américaine.

En 1947, Kertész accepte un contrat pour le magazine House & Garden qui lui procure un revenu régulier jusqu'en 1961, année où il résilie son contrat. Il collabore aussi à Vogue.

En 1952, il s'installe dans un appartement au 2 Fifth Avenue, qui surplombe Washington Square. Ce qui va influer sur son art. Avec ses téléobjectifs et zooms, il capte la vie alentour.

Kertész vit jusqu'en 1985 dans la Big Apple qu'il n'arpente pas comme les photographes de rue ( Street Photographers). " Pour lui, New York est plutôt la caisse de résonance de ses pensées, que la ville lui renvoie en écho sous forme de photographies. Il cherche partout des antidotes à la régularité, dans les murs de brique délabrés, les inextricables lacis d'ombres, de poutrelles, d'escaliers extérieurs et il est parfois impossible de reconnaître des lieux spécifiques dans ces géométries brisées : le New York de Kertész est parcellisé à l'extrême, mais il suffit d'une seule photo pour révéler l'imaginaire de la ville ".

Par son " style personnel, intuitif et allusif ", il infuse dans son œuvre sa mélancolie ( Le Nuage égaré, 1937) et saisit des images de solitude, auxquelles il associe parfois des pigeons.

En 1959, Infinity publie un article sur Kertész. Ce qui augmente la notoriété du photographe.

" Le 1er janvier 1972, lors d'un voyage à la Martinique, il capte, derrière une vitre dépolie, une silhouette évanescente et pensive qui semble être un reflet de lui-même : cette vision nébuleuse du solitaire devant l'infini maritime, dernière image de son ouvrage rétrospectif Soixante Ans de photographie, 1912-1972 ".

Retours et renouveau, 1963-1985

Retraité dès 1961, Kertész fait l'objet d'une rétrospective en 1962 à Long Island Université.

Il est sollicité en 1963 par la revue Camera (Lucerne) pour un portfolio.

En 1963, la Biennale de photographie de Venise et la Bibliothèque nationale de Paris organisent des expositions monographiques sur ce photographe. Et en 1964, le MoMA lui rend hommage.

Kertész récupère des caisses de négatifs confiés à une amie en 1936, avant son départ pour les Etats-Unis. Ce qui modifie la lecture de son œuvre, et induit de nouveaux tirages et des recadrages.

Kertész bénéficie de la valorisation de la photographie comme art.

Dans l'exposition itinérante " The Concerned Photographer ", il apparaît comme un pionnier du photojournalisme.

Ses deux livres J'aime Paris (1974) et Of New York... (1976) révèlent son " écartèlement entre les deux milieux culturels ".

Son épouse Élisabeth décède en 1977, peu avant son exposition personnelle au Centre Georges Pompidou. Kertész crée The André and Elizabeth Kertész Foundation.

Vers 1979, Kertész s'intéresse alors au Polaroid, une technique nouvelle qui autorise une " démarche plus introspective " et où " l'émotion détermine l'activité photographique ". Il réunit 53 Polaroids dans le livre From my Window, qu'il dédie à Élisabeth, Kertész. Il " capte en fait la lumière de ses souvenirs et les déformations de sa mémoire ".

Distingué en 1982 par le Grand Prix national de la Photographie décerné par le ministère de la Culture à Paris, Kertész signe en 1984 un acte de donation à la France de ses négatifs, de ses archives et de sa correspondance.

Après le Jeu de Paume, cette exposition a été montrée à Winterthur, Berlin et Budapest, sa ville natale.

Au printemps 2011, le musée d'art Mercian Karuizawa , créé en 1995,a présenté au Japon une exposition/rétrospective composée pour un tiers d'inédits, dont des clichés en couleurs. Il "retrace le parcours d'André Kertész dont l'œuvre fut à l'unisson de sa vie et de ses sentiments : de ses débuts en Hongrie (1912-1925) à l'épanouissement de son talent en France (1925-1936), de ses années d'isolement à New York (1936-1962) à sa reconnaissance internationale (1962-1985)".

une attention particulière à l'influence de Kertész sur la genèse du photoreportage à Paris à partir de 1928. [Cette exposition] montre plusieurs numéros des magasines A l'été 2011, le prestigieux Martin-Gropius-Bau, " conçu par Martin Gropius, grand-oncle de Walter Gropius, fondateur du mouvement Bauhaus et par Heino Schmieden ", présente à Berlin cette exposition monographique. Dans le communiqué présentant sur Internet cette manifestation, est mentionnée la judéité de ce photographe. Est accordée " VU, Art et Médecine, Paris Magazine ainsi que diverses éditions de son reportage sur le monastère de trappistes à Soligny-la-Trappe ". Pour Kertész , " la photographie est comme un journal intime visuel, un instrument permettant de décrire la vie : " J'interprète mes sentiments à un instant précis. Non pas ce que je vois, mais ce que je ressens ". A sa mort, cet artiste a laissé des archives comptant plus de 100 000 négatifs.

Au musée national hongrois, c'est la première rétrospective en Hongrie sur ce photographe, que Cartier-Bresson considérait comme un de ses maitres. Ce musée a montré aussiVues de Kertész qui établit des liens entre les différentes étapes dans la vie de Kertész et son pays natal.

le
Après le Jeu de Paume (Paris), le musée d'art Mercian Karuizawa (Japon), Martin-Gropius-Bau à Berlin (Allemagne), le musée national hongrois à Budapest et le Museo Nacional de Bellas Artes à Santiago (Chili), le Museu Da Imagem e Do Som(MIS) à (Brésil), et l'Espacio de Arte de Fundación OSDE, la Sala Municipal de Exposiciones de San Benito présente cette exposition itinérante sous le titre André Kertesz. El doble de una vida.

En 2014, Mind's Eye Galerie Adrian Bondy a présenté "Au confluent d'un rêve et d'une réalité, exposition collective avec notamment un cliché de la série Distorsions d'André Kertesz.

La Biennale Internationale de l'Image 2014, Nancy a présenté André Kertész. L'intime plaisir de lire. " Qu'il soit dans un jardin, un autobus, un café, une bibliothèque ou un salon, sur sa terrasse ou dans son lit, à l'école ou à la guerre, debout, assis ou couché, le lecteur est ailleurs, dans un autre univers. C'est ce décalage spatial et temporel, affectif et spirituel, qu'André Kertész a photographié. Il réussit à nous raconter l'histoire de la prise en otage du lecteur capturé par la délectation de ce dialogue intime avec le texte".

La galerie Sage a montré Petit et Grand Format avec notamment une photographie d'André Kertész

Dans le cadre du Mois de la photographie 2014, l'Institut hongrois de Paris a présenté l'exposition La Première Guerre mondiale en images - La genèse du photojournalisme hongrois. Une "sélection de photos de guerre " d' André Kertész, de Gyula Jelfy, d'Ivan Vydareny et de Rudolf Balogh "conservées au Musée hongrois de la photographie, dont le directeur Péter Baki est commissaire de l'exposition, réalisées par des soldats et des correspondants de guerre, souvent amateurs, sur le front et à l'arrière du front : d'une part, des œuvres d'amateurs devenus artisans photographes ou photographes d'art reconnus en Hongrie (voire dans le monde entier, dans le cas de Kertész), d'autre part, des photographies inédites, réalisées par des amateurs restés dans l'anonymat, des médecins militaires pour la plupart, comme le dentiste Sándor Nádas, auteur d'œuvres d'une maturité surprenante".

La "majeure partie de la sélection provient des fonds de Rudolf Balogh, le photographe qui, avec Gyula Jelfy, a jeté les bases de la profession de photojournaliste en Hongrie". Parmi les photojournalistes hongrois les plus célèbres : Robert Capa.

"Les milliers de négatifs de Balogh conservés au Musée hongrois de la photographie sont des " produits dérivés " de ses reportages de guerre. Il ne s'agit pas de commandes, Balogh prenait ses photos pour son usage personnel. Plusieurs d'entre elles ont été réalisées avec un appareil panoramique, le No. 4. Panoram-Kodak Model D fabriqué par Eastman Kodak Co. Une particularité qui intéressera au plus haut point les passionnés de l'évolution technique de la photographie".

Après une première vente de photographie offrant "un panorama de la photographie aux XXe et XXIe siècles", Artcurial dispersa le 14 novembre 2014 "une collection de 125 photos d'André Kertész. Cet ensemble exceptionnel rassemblé par un proche de l'artiste" permettra "de retracer le parcours créatif d'André Kertész : depuis la Hongrie, son pays d'origine ; en passant par Paris où il apparaît comme l'un des acteurs principaux de l'avant-garde photographique ; et jusqu'à New-York où il vivra presque cinquante ans. Une partie de cette collection avait été présentée il y a 15 ans, lors d'une exposition monographique du photographe au musée Jacquemart-André à Paris".

"Précurseur de la mobilité permise par l'appareil photographique Leica dès 1928, André Kertész réalise tout au long de sa carrière de nombreuses images devenues emblématiques. Ces documents poétiques, sont toujours le révélateur d'une relation sensible au sujet. Dans l'œuvre de Kertész on perçoit la douceur de la vie, le plaisir libre et enfantin de son œil, parfois narquois, en se considérant toujours comme " un amateur ", alors qu'il fut le père spirituel de nombreux photographes comme Brassaï ou Henri Cartier-Bresson... et demeure l'un des fondateurs de la photographie moderne".

"La sélection offerte à la vente résume les trois périodes décisives de son oeuvre :

- la Hongrie, Budapest (1894 - 1925). "Issu d'une famille bourgeoise de Budapest, André Kertész achète son premier appareil photo en 1913, à l'âge de 19 ans. Il réalise ses premiers reportages dès 1917 : il est alors dans l'armée austro-hongroise et documente la vie militaire avec ses clichés. Premier succès : il remporte un concours organisé par un magazine hongrois. Son travail est rapidement remarqué : en 1919, ce sont des images d'André Kertész qui illustrent l'article défendant la place de la photographie comme " art " dans L'Art vivant".

- la France, Paris (1925 - 1936). "À la fin de la 1ère guerre mondiale, André Kertész sait qu'il veut faire de la photographie son métier. Il arrive à Paris en 1923, et intègre très rapidement le milieu artistique de l'époque. Il fréquente les personnalités parisiennes incontournables : Marc Chagall, Colette, Piet Mondrian... Le jeune photographe propose ses services à plusieurs magazines, notamment Bifur et VU. Il est le premier photographe à avoir une exposition monographique au Sacre du printemps en 1927.

- les Etats-Unis, New York (1936-1985). "S'il expose à New York dès 1932, avec la galerie Julien Levy, il ne part définitivement pour l'Amérique qu'en 1936. Il ne devait séjourner que le temps d'un travail pour Keystone, mais la seconde guerre mondiale approche et il décide de rester aux Etats-Unis. Il collabore là-bas avec de nombreux titres américains, mais son intransigeance artistique lui ferme la porte de plusieurs publications. André Kertész tombe malade en 1963 et décide de rompre son contrat avec les éditions Condé Nast. Il est désormais libre de se consacrer comme il l'entend à son art. La reconnaissance internationale ne se fait pas attendre et il fait l'objet d'une exposition monographique dès 1964 au MoMA. Il décède en 1985".

Artcurial a dispersé le 14 novembre 2014 "une collection de 125 photos d'André Kertész.

Evaluée à 100 000-150 000 dollars, Nature morte, chez Mondrian a été vendue 197 000 dollars. Elle provient de la collection d'Etienne Béothy, ami du photographe et expatrié de Hongrie en France (Sotheby's London, 2 May 1996, Sale 6256, Lot 147). "Nature Morte, Chez Mondrian, belongs to a small group of Kertész still life studies that suffuse the objects of daily life with poetry and mystery. Taken in the studio of Piet Mondrian, the image functions as an inventive portrait of the painter, whom Kertész had met in 1926. Other studies from that day are memorable: the artist's bed and easel, abstracted into a composition of overlapping rectangles; a single artificial tulip on a table near the stairs; Mondrian holding a pipe and gazing directly into the camera. In an early critical assessment of the photographer in L'Art Vivant, Florent Fels described him as 'un prestigieux créateur de poèmes, et ses métaphores sont d'humbles objets.' Nature Morte, Chez Mondrian, occupies an important place in Kertész's early exhibition history. It was shown in his famous one-man exhibition in 1927, at the Au Sacre du Printemps gallery; at the Galerie L'Epoque, Brussels, in 1928; in Essen, at the Fotographie der Gegenwart, 1929; and at the prestigious Film und Foto in Stuttgart that same year. Julien Levy may have included it in one of his pioneering exhibitions in New York in 1932 or 1937. Always recognized as an important work within the photographer's oeuvre, it became one of the first Kertész images to enter a museum collection when a print of it was purchased by the König Albert Museum in Zwickau after the Film und Foto show (cf. Of Paris and New York, entries for cat. nos. 21 and 63).
The print offered here was owned originally by the sculptor Etienne Béothy (born István Beöthy) (1897-1961), one of a circle of Hungarian expatriates in Paris in the 1920s and a close friend of the photographer. The Kertész icon, Satiric Dancer, was made in Béothy's studio; one of Béothy's sculptures appears in the image on the left. A year after Kertész's show at Au Sacre du Printemps, Béothy had his own exhibition there. In the 1996 Sotheby's London sale from which the present print comes, five other Kertész photographs from Béothy's collection were offered, along with photographs by Béothy himself".

Estimée 80 000-120 000 dollars, Behind Notre-Dame, Paris, octobre a été vendue 62 500 €. "The early Kertész photograph offered here, on carte-postale photographic paper mounted to tan vellum stock, has the classic presentation for a print from the photographer's years in Paris. It was one of a group of 21 photographs from the 1920s, each with the same presentation, that was discovered in a portfolio among the photographer's effects three years after his death. Also in the portfolio was the announcement for Kertész's first exhibition in Paris, in 1927, at Au Sacre du Printemps gallery, as well as an envelope printed with Kertész's Boulevard du Montparnasse studio address. With its exhibition-quality prints and related material, the portfolio was a time-capsule from the photographer's seminal Paris years. Using the checklist for the Au Sacre du Printemps exhibition as a guide, Toronto photographs dealer Jane Corkin was able to loosely recreate this landmark show by adding 16 more photographs to the newly discovered group. Corkin had known Kertész personally, and she became a representative for his estate after his death. The entire group, including this print of Behind Notre Dame, was ultimately sold in an historic auction in New York in 1997".

Estimé 100 000-150 000 dollars, This Quartet a été vendu 173 000 dollars. " photograph shows the Roth Quartet, founded by Czech-born, Budapest-educated violinist Feri Róth. When Kertész was asked by Róth to photograph the quartet for publicity purposes, the photographer used the session as an opportunity to experiment with unconventional cropping. In the present photograph, Kertész has tightened the frame to a narrow rectangle that focuses upon the musical score and the musicians' hands and instruments. His radical cropping and careful placement of elements within this narrow frame accentuate the rhythmic musicality of the image".
Photo Shanghai, foire artistique du 11 au 13 septembre 2015, a présenté les André Kertész œuvres d'artistes célèbres, dont celles d' .

Après le Jeu de Paume (Paris) et divers musées dans le monde dont la Sala Municipal de Exposiciones de San Benito, Museo de Arte del Banco de la Republica, Bogota présente André Kertesz. El doble de una vida, une rétrospective itinérante du célèbre photographe Juif André Kertész (1894-1985).
"Yo jamás documento; yo siempre interpreto con mis imágenes. Esa es la gran diferencia entre mi trabajo y el de muchos otros. [...] Yo interpreto lo que siento en un momento dado. No lo que veo, sino lo que siento." André Kertész
"A André Kertész (1894 - 1985) se le reconoce como uno de los grandes maestros de la fotografía del siglo XX. Fue contemporáneo de figuras como Robert Capa y Man Ray, cercano a los movimientos surrealista y constructivista y, ante todo, un referente ineludible del ensayo fotográfico, género del que fue pionero. Las imágenes de Kertész son testimonios en primera persona que revelan el potencial poético y extraordinario de la vida cotidiana y los personajes del común".

Esta muestra retrospectiva expone 189 fotografías de Kertész y repasa tres momentos determinantes "de su carrera: su estadía en Hungría y su vida militar durante la primera Guerra Mundial, su prolífico trabajo en la París vanguardista de los años veinte, y sus últimos años en Nueva York como fotógrafo de revistas".

"La obra del fotógrafo André Kertész precede o ilustra diferentes corrientes de vanguardia y se vincula a los valores humanistas".

"André Kertész nació en Hungría en 1894, en el seno de una familia tradicional que lo insto a formarse como corredor de bolsa, trabajo que desempeñó por varios años hasta que el ejército austrohúngaro lo reclutó para combatir durante la Primera Guerra Mundial. De estos años proceden sus primeras fotografías: imágenes del frente de batalla, de sus compañeros soldados, del tiempo muerto que pasó en las trincheras y de las largas camitas de campaña".

"Tras ser herido en un brazo y con la fuerte convicción de hacerse fotógrafo, Kertész se radicó en París en 1925 y vivió allí por once años. Se estableció en el barrio de Montparnasse, cuna de las vanguardias artísticas del siglo XX, lo que le permitió relacionarse con grandes artistas y retratar los ambientes intimos de la bohemia de la ciudad, entre otros, mantuvo una relación cercana con Mondrian, Chagall, Zadkine, Foujita y Colette. En París realizó su serie más famosa,Distorsions, realizó su primera exposición individual en la galería Au Sacre du Printemps y publicó el libro Paris vu par André Kertész con textos de Pierre Mac Orlan".

"En 1936 Kertész firmó un contrato con la agencia a Keystone, entonces la más importante a nivel internacional, y se mudó a Nueva York. Aunque su trabajo con la agencia duro menos de un año, logró trabajo importantes para las revistas House & Garden, Harper's Bazaar, Vogue y Coronet. En Nueva York Kertész nunca se sintió cómodo y no alcanzó el reconocimiento como fotógrafo de vanguardia del que gozaba en Europa, sin embargo realizó dos grandes exposiciones, una en la galería PM (1937) y otra en el Instituto de Arte de Chicago (1946); publicó el libro Day of Paris, diseñado por Alexey Brodovitch, y firmó un contrato de exclusividad con la agencia Condé Nast".

La "exposición presenta 189 fotografías en blanco y negro y en color impresas en sales de plata modernas, perteneciente a la donación que el fotógrafo realizó al Ministerio de Cultura y Comunicación de Francia en 1984, un año antes de su muerte; y que se constituyó en uno de los aportes más significativos al patrimonio fotográfico francés al entregar más de cien mil negativos, 1.500 diapositivas y numerosos documentos".

La Tate Gallery a présenté l'exposition The Radical Eye: Modernist Photography From The Sir Elton John Collection, avec notamment des œuvres de André Kertész.

Le Sungkok Art Museum a proposé l' exposition André Kertész, le double d'une vie. "Riche d'un tiers d'inédits dont une sélection en couleur, cette exposition rétrospective retrace le parcours d'André Kertész dont l'œuvre fut à l'unisson de sa vie et de ses sentiments : de ses débuts en Hongrie (1912-1925) à l'épanouissement de son talent en France (1925-1936), de ses années d'isolement à New York (1936-1962) à sa reconnaissance internationale (1962-1985). André Kertész (1894-1985), dont la carrière s'étend sur plus de cinquante ans (1920-1980), est aujourd'hui reconnu comme l'un des photographes les plus marquants du XXe siècle. Né en 1894 à Budapest, il réalise ses premières photographies en 1912. La période " hongroise " de Kertész (sa période de formation en tant que photographe) constitue une étape importante dans la constitution de son style. Enrôlé dans l'armée austro-hongroise pendant la Première Guerre mondiale, il dépeint le quotidien des soldats et développe une poésie de l'instant, enregistrant les détails et petits événements de la vie militaire, loin des faits d'armes héroïques ou dramatiques".
"Kertész arrive à Paris en 1925 et s'installe dans le quartier du Montparnasse. Il fréquente les milieux littéraires et artistiques (Mondrian, Chagall, Zadkine, Foujita, Colette, etc.). Son talent est reconnu rapidement et il expose, en 1927, à la galerie Au Sacre du Printemps. Il flâne dans les jardins publics, déambule le long des quais de la Seine, photographie les scènes de rue. En 1933, il réalise la célèbre série des Distorsions où les corps nus de ses deux modèles se reflètent dans un miroir déformant. Un livre, Paris vu par André Kertész, avec un texte de Pierre Mac Orlan, est publié en 1934. Dans le même temps, il est l'un des premiers protagonistes de la nouvelle presse illustrée de photographies, dont le magazine VU devient le fleuron en 1928. En France comme en Allemagne, la presse lui commande reportages et illustrations et publie ses photographies en même temps que celles de Germaine Krull, Man Ray, Emmanuel Sougez, François Kollar ou Brassaï, que Kertész rencontre en 1926 et initie à la photographie. En 1936, il part pour New York afin d'honorer un contrat avec l'agence Keystone. Sa collaboration avec la plus grande agence mondiale de l'époque dure moins d'un an. House & Garden, Harper's Bazaar, Vogue ou Coronet le sollicitent. Naturalisé américain en 1944, il signe en 1949 un contrat d'exclusivité avec les éditions Condé Nast, pour lesquelles il réalise essentiellement des photographies d'architecture intérieure. Il décide, en 1962, de mettre fin à sa carrière professionnelle. Le Museum of Modern Art de New York lui consacre une exposition personnelle en 1964. De nombreux hommages lui sont rendus à travers le monde et les expositions se multiplient à Tokyo, Stockholm, Budapest, Londres, Paris, Helsinki... En 1975, il est l'invité d'honneur des Rencontres internationales de la Photographie d'Arles. K ertész cesse alors d'arpenter les rues. Il réalise de sa fenêtre la plupart de ses photographies. L'enchevêtrement des toits et les vues plongeantes sur Washington Square le fascinent. Il s'éteint à son domicile new-yorkais le 28 septembre 1985".

Le FOAM à Amsterdam propose André Kertész, Mirroring Life.

Du 8 juin au 3 septembre 2017
Au Sungkok Art Museum
42 Kyoung Hee Goong-gil, Jongno-gu
Séoul 110-062, Corée
T. +82 (0)2-737-7650
Du mardi au dimanche de 10 h à 18 h

Du 3 mars au 6 juin 2016
Au Museo de Arte del Banco de la Republica, Bogota
Calle 11 No. 4-21
Bogota D.C., Colombie

Du 22 janvier au 1er mars 2015
A la Sala San Benito
Antiguo Monasterio de San Benito
Calle de San Benito
47003 Valladolid. C.P. 47001, Espagne
Tél. : 983 42 61 93
Du mardi au dimanche de 12 h à 14 h et de 18 h 30 à 21 h 30

Exposition les 12 et 13 novembre 2014 de 11 h à 19 h

7, rond-point des Champs-Élysées. 75008 Paris

Du 6 novembre au 13 décembre 2014
A l'Institut hongrois
92, rue Bonaparte. 75006 Paris
Tél. : +33 1 43 26 06 44
Entrée libre du mardi au vendredi de 9 h à 19 h 30, samedi de 13 h 30 à 19 h 30
Vernissage le 6 novembre 2014 à 19 h

Du 2 mai au 18 mai 2014
A la Biennale Internationale de l'Image 2014
Alstom, 50 rue Oberlin, Nancy

Du 13 février au 17 mai 2014
A la galerie Sage
1 bis, avenue de Lowendal, 75007 Paris, France
Tel.: + 33 (0) 1 47 05 05 20
Du mardi au samedi de 14 h à 19 h, et sur rendez-vous

Du 19 février 2014 au 26 avril 2014
MIND'S EYE GALERIE ADRIAN BONDY
221, rue Saint Jacques. 75005 Paris
Tél. : 06 85 93 41 92
Dumercredi au samedi de 15 h à 19 h. Vernissage le 22 février 2014

Tél. : (36-1) 338-2122, (36-1) 327-7749

Tous les jours de 10 h à 18 h

Jusqu'au 11 septembre 2011

Jusqu'au 17 juillet 2011

Jusqu'au 6 février 2011 Au Jeu de Paume
1, place de la Concorde, 75008 Paris
Accès par le jardin des Tuileries, côté rue de Rivoli
Tél. : 01 47 03 12 50
Mardi (nocturne) de 12 h à 21 h
Du mercredi au vendredi de 12 h à 19 h
Samedi et dimanche de 10 h à 19 h
Fermeture le lundi

André Kertész

Ministère de la Culture - France / Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine / Dist Rmn © Donation André Kertész

André Kertész

Nageur sous l'eau
Esztergom, 1917

André Kertész

Quai de la gare (Elevated Train Platform)

André Kertész

Ministère de la Culture - France / Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine / Dist Rmn © Donation André Kertész

Ministère de la Culture - France / Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine / Dist Rmn © Donation André Kertész

André Kertész

Ministère de la Culture - France / Médiathèque de l'Architecture et du Patrimoine / Dist Rmn © Donation André Kertész

Washington Square, 9 janvier 1954

André Kertész

Nature morte, chez Mondrian

credit 'Foto: André Kertész' in ink and 'Chez Mondrian' and date '1928' in pencil, on the reverse, 1926

3 5/8 by 4 3/8 in. (9.2 by 11.1 cm.)

Behind Notre-Dame, Paris, octobre
carte-postale, on a vellum mount, signed and annotated 'Paris' in pencil on the mount, framed, a National Gallery of Art, Washington, D. C., exhibition label on the reverse, 1925
3 1/4 by 4 1/8 in. (8.3 by 10.5 cm.)

Quartet
signed twice and dated '1927' in pencil and with the photographer's '75 Boulevard Montparnasse, Paris 6' studio and copyright stamps on the reverse, framed, a National Gallery of Art exhibition label on the reverse, 1926
3 by 5 5/8 in. (7.5 by 14.3 cm.)

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Le photographe André Kertész (1894-1985)

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André Kertész (1894-1985) est un photographe Juif né en Hongrie, alors dans l'empire austro-hongrois . Un artiste de l'avant-garde photographique dans le Paris des années 1925-1936, qui eut tardivement la reconnaissance internationale méritée. Le Jeu de Paume a proposé une rétrospective itinérante du célèbre artiste .

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"J'ai commencé par être peintre. En photographiant mes toiles, j'ai découvert l'intérêt de leur rep

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extrait des boites photos.

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des portraits des plus grands artistes de la bohême parisienne du XIXe siècle

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Disparu il y a tout juste 100 ans, Félix Tournachon dit Nadar (1820 - 1910), dont l'art de portraitiste a souvent été célébré, reste l'emblème de la photographie du XIXe siècle. L'époque des années 1850 a vu la réalisation des portraits des plus grands artistes de la bohême parisienne, et la mise au point d'une recette qui assure le succès de l'atelier sous le Second Empire.

Sous la Troisième République, alors que Paul Nadar (1856 - 1939) accompagne l'entreprise paternelle puis lui succède, la standardisation du portrait apparaît souvent comme une dérive commerciale. L'exposition propose de réviser ce point de vue en considérant le rôle du succès des photographies d'acteurs et d'actrices de théâtre de l'époque comme une vision complémentaire de la société fin de siècle. L'atelier du photographe apparaît alors comme le carrefour de la norme et du caprice : portraits des figures illustres et représentations solennels du corps social côtoient grimaces et gesticulations, parades et mimodrames du monde du spectacle.

À travers les archives de la Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, riche du fonds des négatifs des ateliers Nadar père et fils, l'exposition relie et relit les deux aspects a priori opposés du portrait et montre qu'entre les "grands hommes" et les "tableaux vivants", l'imaginaire d'une société se retrouve face à l'objectif.

L'exposition propose d'évoquer la filiation entre Nadar et son fils Paul en restant au plus près des images, grâce à un parcours d'environ 200 tirages réalisés à partir des négatifs originaux, non retouchés et non recadrés, qui donnent à la norme et au caprice la saveur de l'archive.

Commissaire : Michel Poivert

Exposition présentée
du 29 mai au 7 novembre 2010
au CHÂTEAU DE TOURS
25 avenue André Malraux - 37000 Tours
Tél. : 02 47 70 88 46
Horaires : du mardi au dimanche de 13H à 18H
Entrée exposition Jeu de Paume : 3 € (tarif réduit : 1,50 €)

Sur invitation de la Ville de Tours, le Jeu de Paume
présente une programmation "hors les murs"
au Château de Tours.

L'exposition "Nadar, la norme et le caprice" fait partie des
célébrations nationales 2010 organisées, sous l'égide du
ministère de la Culture et de la Communication, à l'occasion
du centenaire de la mort de Nadar (6 avril 1820 - 20 mars 1910).

Cette exposition est réalisée par le Jeu de Paume en collaboration avec la Ville de Tours et la Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, ministère de la Culture et de la Communication [ http://www.mediatheque-patrimoine.culture.gouv.fr].

En partenariat avec Azart Photographie, France Bleu Touraine, La Nouvelle République, Polka magazine.

Le Jeu de Paume est subventionné par
le ministère de la Culture et de la Communication.
Il bénéficie du soutien de Neuflize Vie, mécène principal.

> Téléchargez le Petit Journal de l'exposition

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Disparu il y a tout juste 100 ans, Félix Tournachon dit Nadar (1820 - 1910), dont l'art de portraitiste a souvent été célébré, reste l'emblème de la photographie du XIXe siècle. L'époque des années 1850 a vu la réalisation des portraits des plus grands artistes de la bohême parisienne, et la mise au point d'une recette qui assure le succès de l'atelier sous le Second Empire.

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Sa particularité est l’utilisation du miroir dans les portraits.

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Voir le portrait filmé :

Taryn Simon (née en 1975) élabore depuis plusieurs années une œuvre ambitieuse, résultat d'un processus de recherche et d'investigation aussi discret que rigoureux. Ses pièces mélangent photographie, texte et graphisme dans le cadre de projets conceptuels qui traitent de la production et de la circulation de la pensée comme des politiques de représentation. Taryn Simon examine la structure et le poids du secret ainsi que la précarité des mécanismes de survie.

L'exposition au Jeu de Paume présente un ensemble d'œuvres réalisées par Taryn Simon depuis 2000. Sa série la plus ancienne, The Innocents, documente plusieurs cas de condamnations illégitimes aux États-Unis et pose la question de la crédibilité de la photographie en tant que témoin et arbitre de justice. Elle met de plus en évidence la faculté de cette technique à brouiller la frontière entre vérité et fiction, une ambiguïté qui peut avoir des conséquences graves, et parfois même fatales.

Dans An American Index of the Hidden and Unfamiliar, Taryn Simon établit l'inventaire de ce qui demeure caché et soustrait au regard à l'intérieur des frontières des États-Unis. Elle se livre à l'examen d'une culture au moyen d'exemples tirés des domaines de la science, de l'organisation étatique, de la médecine, du divertissement, de la nature, de la sécurité et de la religion. Pour reprendre ses termes, ce travail " découvre le fossé entre les individus auxquels l'accès au savoir est accordé et le reste de la population ". Éléments constitutifs aussi bien des fondations, de la mythologie que du fonctionnement quotidien de l'Amérique, les objets, les lieux et les espaces répertoriés par l'artiste demeurent néanmoins inaccessibles, ou inconnus.

Contraband dresse l'inventaire des articles saisis par les douaniers américains à l'aéroport international John F. Kennedy de New York. Taryn Simon a passé cinq jours et quatre nuits sur place pour photographier en continu 1 075 objets interdits d'entrée aux États-Unis, à propos desquels elle a également rassemblé des informations. La méthode de classement de ces images évoque celle d'une collection entomologique : dans leurs boîtes de plexiglas, elles constituent une archive des perceptions du danger et des désirs à l'échelle mondiale.

A Living Man Declared Dead and Other Chapters I - XVIII est le résultat de quatre années de recherche (2008-2011) durant lesquelles Taryn Simon a voyagé à travers le monde pour recueillir les histoires associées à différentes lignées. Dans chacun des dix-huit " chapitres " qui composent l'œuvre, des forces extérieures, liées à des questions de territoire, de pouvoir, de circonstances, ou de religion, se heurtent à celles, intérieures, des héritages physiques et psychologiques. Parmi les sujets abordés se trouvent des victimes du génocide en Bosnie, des lapins de clapier infectés par un virus mortel en Australie, la première femme à avoir détourné un avion, et les paysans dépossédés de leur terre en Inde. À la fois cohérente et arbitraire, la collecte de Taryn Simon dresse une cartographie des rapports entre le hasard, les liens du sang et d'autres facteurs de la destinée.

The Picture Collection prend comme sujet les archives d'images de la Bibliothèque publique de New York, où sont conservés 1,2 million de tirages, de cartes postales, d'affiches et d'images imprimées. Organisée selon un système de catalogage complexe de plus de 12 000 rubriques, il s'agit de la plus grande bibliothèque iconographique de prêt au monde. Depuis sa création en 1915, la Picture Collection est une ressource importante pour les écrivains, les historiens, les artistes, les cinéastes, les stylistes et les agences de publicité. Dans cette œuvre, Taryn Simon met en évidence le besoin irrépressible d'archiver et d'organiser les informations visuelles, et attire l'attention sur les mains invisibles à l'origine de systèmes de collecte apparemment neutres. Elle voit dans cette immense archive un précurseur des moteurs de recherche sur Internet.

Les vidéos de l'artiste seront également exposées. La première, Explosive Warhead (2007) montre le test d'un missile MK-84 IM (Insensitive Munition) réalisé au Centre d'armement de la Base aérienne d'Englin en Floride. Ce centre est responsable du développement, de l'expérimentation et du déploiement de toutes les armes aéroportées conçues aux États-Unis. Ces images ont été filmées au moyen d'un séquenceur à distance qui a fait exploser le missile depuis un bunker de contrôle. La deuxième, Cutaways (2012), est empreinte d'absurdité ; elle témoigne en effet d'un épisode kafkaïen lors duquel les deux présentateurs qui venaient d'interviewer Taryn Simon pour l'émission Prime Time Russia, un programme de la chaîne d'information Russia Today, lui ont demandé de rester assise en silence et de les fixer du regard tandis que les caméra enregistraient ces images, destinées à servir de plans de coupe au moment du montage. Dans la dernière vidéo, The Innocents, son film le plus ancien, elle interroge les sujets de ses photographies sur le processus des identifications erronées dont ils ont été victimes.

Le travail de Taryn Simon a fait l'objet d'expositions monographiques au Folkwang Museum d'Essen et à l'Ullens Center for Contemporary Art de Pékin (2013-2014) ; au MoMA de New York (2012) ; à la Tate Modern de Londres (2011) ; à la Neue National galerie de Berlin (2011) ; au Whitney Museum of American Art de New York (2007) ; au Museum für Moderne Kunst de Francfort (2008) ; au Kunst-Werke Institute for Contemporary Art de Berlin (2004) ; ainsi qu'au PS1 Contemporary Art Center de New York (2003). Taryn Simon est diplômée de la Brown University (Providence, Rhode Island) et lauréate de la bourse Guggenheim. Plusieurs livres ont déjà été consacrés à l'ensemble de son œuvre, présentée à la lumière d'essais critiques rédigés notamment par Salman Rushdie, Homi K. Bhabha ou Hans Ulrich Obrist.

Commissaire : Ami Barak, commissaire d'exposition et critique d'art

Partenaire : Exposition produite par le Jeu de Paume

Partenaires médias : A NOUS PARIS, L'Architecture d'Aujourd'hui, LCI, Marie Claire, Time Out Paris et Radio Nova.

Et aussi, au Point du Jour, à Cherbourg, l'exposition "Taryn Simon. A Living Man Declared Dead and Other Chapters I-XVIII", qui réunit, du 1 er mars au 31 mai 2015, huit chapitres de A Living Man Declared Dead and Other Chapters I-XVIII.

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Voir le portrait filmé : Taryn Simon (née en 1975) élabore depuis plusieurs années une œuvre ambitieuse, résultat d'un processus de recherche et d'investigation aussi discret que rigoureux. Ses pièces mélangent photographie, texte et graphisme dans le cadre de projets conceptuels qui traitent de la production et de la circulation de la pensée comme des politiques de représentation.

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The Jeu de Paume presents the first retrospective in twenty-five years of the great American photographer, Garry Winogrand (1928-1984), who chronicled America in the post-war years. Winogrand is still relatively unknown because he left his work unfinished at the time of his death, but he is unquestionably one of the masters of American street photography, on a par with Walker Evans, Robert Frank, Lee Friedlander and William Klein.

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Le Jeu de Paume présente la première rétrospective, depuis vingt-cinq ans, du grand photographe américain Garry Winogrand (1928-1984). Chroniqueur célèbre de l'Amérique de l'après-guerre, Winogrand est encore mal connu, tant il a laissé de travail à accomplir - au moment de sa mort prématurée - dans l'archivage, le développement et le tirage de ses photographies.

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"Je prends le métro tous les jours et je me suis demandé comment le réenchanter". Le Lyonnais François Sola est un fin observateur de la ville. Il en sublime l'ennui ou la frénésie dans de courtes séquences de "cinémagraph". La technique repose sur un gif dont une partie de l'image a été figée pour mettre en avant une action dans le respect de son mouvement.

"Le métro est un lieu plus qu'à propos car entouré d'éléments cycliques, mécaniques et d'allers et venus. La possibilité de jouer avec est indéfinie. Il suffit pour cela d'ouvrir ses yeux, de réfléchir au cadrage et de scénariser un minimum, explique le photographe amateur joint par "l'Obs". J'aime beaucoup l'effet d'altération du temps qui perturbe le spectateur du gif."

Appareil photo et caméra en poche

Pour cela, le jeune homme a recours à un appareil photo. Il utilise la fonction caméra pour capturer une séquence et prendre une photo de la scène pour que l'image fixe soit nette. Il superpose ensuite les deux fichiers sous Photoshop et récupère l'outil transparence pour faire apparaître le mouvement retenu.

La difficulté du cinémagraph : s'assurer que la boucle de ce mouvement soit parfaite. La première et la dernière image doivent ainsi être quasiment similaires. Un léger fondu peut aider à assurer la confusion. Le traitement est plus ou moins complexe selon les prises de vue et le degré de précision avec la prise en compte ou non des reflets, des ombres...

"Le temps passé va de quelques heures à un week-end comme pour le gif avec un premier et second plan entre lesquels s'intercale un coureur qu'il a fallu détouré pixel par pixel, image par image. Mais on peut faire plus simple et j'invite tout le monde à s'amuser avec la technique. Qu'ils n'hésitent pas à me contacter si besoin."
> Voir tous les gifs de François Sola sur son site L'Obs

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Magique : le gif à deux vitesses, comme une photo qui prend vie

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"Je prends le métro tous les jours et je me suis demandé comment le réenchanter". Le Lyonnais François Sola est un fin observateur de la ville. Il en sublime l'ennui ou la frénésie dans de courtes séquences de "cinémagraph".