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Descobrir o património artístico foi o ponto de partida para o projeto, que permitiu a reflexão acerca das características essenciais que fazem de um objeto um objeto de arte e, ao mesmo tempo, planear a visita de estudo a Madrid.

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O problema da definição da obra de arte foi objeto de estudo em Filosofia e a partir de algumas obras de arte foram identificadas as principais teorias que dão resposta a este problema.

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A visita de estudo ao Museu Rainha sofia e Museu do Prado foi previamente preparada e foram realizadas visitas virtuais aos dois museus no sentido de conhecer o acervo de cada museu.

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A obra possui um caráter político, ao mesmo tempo que atenta para o poder de destruição da guerra.
Com características notadamente cubistas (perceptível pelas formas geométricas utilizadas), a atmosfera criada pelo artista denota os horrores da guerra e suas terríveis consequências.
Nas figuras presentes, podemos notar o desespero e os gritos de horror. No chão, há um soldado morto e ao seu lado uma mulher com uma perna ferida.
Na esquerda do quadro, uma mulher grita e chora a morte de seu bebé, do outro lado, outra mulher é exibida no meio das chamas. Além de pessoas, podemos ver construções e alguns animais (touro e cavalo), ambos símbolos da cultura espanhola.
Uma outra importante característica está na escolha das cores. Picasso produziu uma obra monocromática ao escolher tons de cinza, preto e branco, o que faz referência ao caráter documental das fotografias que o inspiraram na produção do painel.

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Fecha:  2007  Técnica descriptiva:  Pintura acrílica sobre tela de colchones ensamblados

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Esta obra chama-nos à atenção pelas sua cores vivas e pela forma como os tecidos estão interlaçados. Esta sugere um sentimento de relaxamento e conforto.
O título relaciona-se bem com a obra, pois esta dá vontade de  "agarrar" e de " abraçar "  como se fosse um sítio calmo e sossegado.

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Guernica é uma das obras mais famosas de Pablo Picasso foi pintada a óleo em 1937 e tem 349 cm de altura por 776,5 cm de comprimento.

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Nesta obra pode-se observar que o pintor colocou sobre tela o sofrimento e a dor causada pelo bombardeamento que atingiu a cidade de Guernica, criando um dos principais “ícones artísticos” do século passado.

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Ao contrário da crença popular, a jovem mulher neste famoso quadro de Dalí não é Gala, mas sim a sua irmã Ana María Dalí. Esta pintura, Figura numa Janela, é um dos muitos quadros que Dalí fez da sua irmã.

O realismo com que Dalí retrata esta obra contrasta com a maioria das suas obras que são caracterizadas por um surrealismo extremo.

A postura calma e relaxada da sua irmã e as cores azuis transmitem uma tranquilidade que também contrasta fortemente com a angústia de outras obras de Dalí. Esta obra-prima é a prova de que Salvador Dalí também dominou a pintura noutras facetas.

Autor: Salvador Dalí.

Data: 1925.

Localização: Sala 205.06 do Reina Sofia.

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Esta pintura mostra um dos elementos recorrentes nesta etapa da obra do artista, o violão, instrumento que também fascinaria outros artistas da sua geração, como Pablo Picasso.
Fazer do instrumento do cantor um símbolo de sua alma era um recurso encontrado na literatura estética que Gris possivelmente teria conhecido. Mais tarde, sobretudo entre 1913 e 1916, quando as guitarras e os violinos se tornaram os principais motivos da sua pintura, tiveram um significado implícito semelhante, uma vez que os instrumentos de Gris têm muitas vezes uma qualidade magistral que lhes confere as qualidades de um objeto reverencial. Às vezes, um instrumento e uma partitura dominam a natureza morta, indicando que Gris tinha em mente alguns precedentes, como os que aparecem na obra de Chardin, que Gris tomou como exemplo da tradição francesa na pintura. A combinação de um instrumento com partituras é um convencionalismo alegórico usado para celebrar os atributos da música; para Gris foi uma reinterpretação do violão de 1906 que simboliza o músico.

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“La table du musicien” é uma evidência do amor de Juan Gris pelo mundo da música, mostrado aqui e em muitos outros casos através da inclusão de um instrumento. As obras plásticas que simbolizam ou aludem às diferentes faculdades de perceber as impressões do mundo exterior são muito frequentes na história da pintura, de ‘Velvet’ Brueghel a Caravaggio.

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Caracol, mujer, flor, estrella por Dali, 1934 Foto: Reina Sofia

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Caracol, mujer, flor, estrella por Dali, 1934 Foto: Reina Sofia

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É apreciado com abundância no museu é Miró. Um criador plural, que fazia de tudo: gravuras, esculturas, cerâmicas e, claramente, pinturas também. A obra Caracol, mujer, flor, estrella,  pintada  por ele em 1934, demonstra o sofrimento e a angústia que passava seu país naquele momento, por conta da Crise de 1929 e de disputas políticas internas. A deformação dos símbolos, as tonalidades em marrom e vermelho e a confusão apresentada entre os elementos que na obra se encontram, também visaram captar o estado pré-guerra que desencadeou a Guerra Civil Espanhola, em 1937, a mesma que passou Picasso quando pintou Guernica. Enquanto antes havia cores fortes e alegres, agora havia quadros mais dramáticos, com linhas em deformidade, contrapondo formas que antes apareciam em sintonia.

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Toda esta obra é uma narrativa sobre os conflitos da mente causados pela bipolaridade: prazer e princípio da realidade. A obra representa as atitudes conflituosas do pintor em relação ao ato sexual. Quando era jovem, o seu pai deu-lhe um livro com fotos de pessoas a sofrer estágios avançados de doenças venéreas como forma de educá-lo. As fotos tanto o fascinaram quanto o assombraram e assim, pintor continuou a associar o sexo à purificação.

Assim sendo, eu escolhi esta obra devido às características da pintura, cores e ao significado de cada elemento da obra.

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Contextualização histórica:

“Las Meninas” é uma pintura de 1656 por Diego Velázquez. Esta encontra-se hoje em dia no Museu do Prado em Madrid. A composição enigmática e complexa da obra levanta questões sobre realidade e ilusão, criando uma relação incerta entre o observador e as figuras representadas. Por essas complexidades, “Las Meninas” é uma das obras mais analisadas da pintura ocidental.

A pintura mostra um grande aposento no Real Alcázar de Madrid durante o reinado do rei Filipe IV da Espanha, mostrando várias figuras da corte espanhola contemporânea representadas, de acordo com alguns analistas, num momento específico como se fosse em uma fotografia. Algumas olham para fora do quadro em direção ao observador, enquanto outras interagem entre si. A jovem infanta Margarida Teresa está cercada por um séquito de damas de companhia, chaperone, guarda-costa, duas anãs e um cão. Pouco atrás deles está o próprio Velázquez, que se representa trabalhando numa grande tela. O artista olha para longe, além do espaço pitórico onde o observador da pintura estaria. Ao fundo está um espelho que reflete o rei Filipe e a rainha Mariana. Eles parecem estar colocados fora do espaço da pintura numa posição similar à do observador, apesar de alguns acadêmicos especularem que suas imagens são o reflexo da pintura em que Velázquez é mostrado trabalhando.

Importância artística:

A pintura “Las meninas” retrata a Infanta Margarita, filha do rei Felipe IV, na oficina do pintor localizada no Palácio Real de Madrid. Atualmente está no Museu Prado em Madrid, Espanha.

A peça faz parte do estilo barroco que contrasta a formalidade da família real e seu entorno com o cotidiano comum a todos. Esta retrata a família, ambiente caseiro e íntimo da realeza, o centro do qual é o retrato da Infanta Margarita cercado por sua pequena corte. Portanto, é hoje uma das obras mais importantes da pintura espanhola.

Caracteriza-se pelo seu conceito inovador, excelente execução técnica, uso particular da perspetiva, contraste entre luz e sombra, distribuição de planos e personagens e a recriação do ambiente familiar.

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Ao aprofundar o seu método particular de expressão, por volta de 1915 e 1916 Juan Gris criou uma série de pinturas nas quais deixa para trás a cor explosiva dos anos anteriores, bem como a multiplicidade de elementos que caracterizaram a sua obra, para alcançar uma pureza incrível. Ele reduz ostensivamente a quantidade de objetos representados.  A estrutura da composição, em geral, é mais simples e a cor torna-se mais plana, aproveitando-se do pontilhismo como forma de iluminar o ambiente duro e compacto.

"Wine Jug and Glass" é uma das obras mais expressivas desta etapa da carreira do artista. A economia de meios, as cores escuras/ neutras, à procura de um único conjunto cromático. Na aparência, está muito próximo da abstração, mas, por outro lado, essa simplicidade o aproxima de uma pintura pura que articula uma realidade poética nova e autónoma, baseada na experiência real, como é característica do programa o poeta Mallarmé muito admirado por Gris.

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O Jardim das Delícias Terrena,Hieronymus Bosch

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O Jardim das Delícias Terrena,Hieronymus Bosch

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O Jardim das Delícias Terrenas é um tríptico de
Hieronymus Bosch, que descreve a história do Mundo
a partir da criação, apresentando o paraíso terrestre e
o Inferno nas asas laterais. Ao centro aparece um
Bosch que celebra os prazeres da carne, com
participantes desinibidos, sem sentimento de culpa. A
obra expõe ainda símbolos e atividades sexuais com
vividez. Especula-se sobre seus financiadores, que
poderiam ser adeptos do amor livre, já que parece
improvável que alguma igreja tradicional a tenha
encomendado.
Bosch revela uma atualidade do seu tempo, dado que
essa vida está entre o paraíso e o inferno como se
conta no Génesis. O tríptico, quando fechado, tem
uma citação transcrita desse livro "Ele mesmo
ordenou e tudo foi criado". Entre o bem e o mal está o
pecado, preposição cristã. No jardim, painel central,
estão representações da luxúria, mensagem de
fragilidade nas envolvências do vidro e das flores,
refletem um carácter efémero da vida, passagem
etérea do gozo, do prazer.
Cláudia Moura,n11

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"As Três Graças",  Pintura de Peter Paul Rubens

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"As Três Graças",  Pintura de Peter Paul Rubens

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As Três Graças é uma pintura a óleo das Três Graças de Peter Paul Rubens. A pintura permaneceu no acervo pessoal do artista até sua morte, então foi adquirida pelo rei Filipe IV da Espanha e em 1666 foi para o Real Alcázar de Madri, antes de ser pendurada no Museu do Prado.
Elas eram as deusas do charme prazenteiro, das acções caridosas e da gratidão, sem elas nada seria gracioso ou agradável. Elas transmitiam amizade às pessoas, verticalidade de caráter, doçura e conversação. Apresentadas como três belas virgens, ou estavam completamente nuas, ou envoltas num fino tecido transparente. Mantinham-se juntas, de forma que só duas estivessem viradas para o espectador e uma permanecesse de costas.

Mariana Soares nº19

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Entre os inúmeros e talentosos artistas que encontramos no Museu do Prado, em Madrid (Espanha), com belas obras expostas no edifício, destaca-se um dos pintores mais influentes na arte barroca, Rubens.

Autor de diversas obras como As Três Graças, Sansão e Dalila, Elevação da Cruz, A Descida da Cruz, etc…Peter detém na sua coleção um dos seus mais célebres trabalhos, “São Jorge e o Dragão”.

Para elaborar e realizar esta obra, Peter tomou como fonte de inspiração a lenda religiosa de São Jorge e o Dragão.

A história de São Jorge relata-nos este a dominar e a matar um dragão (símbolo do mal) que exigia sacrifícios humanos. A lenda diz-nos que, ao princípio, o dragão tomava para si tributo dos aldeões (habitantes de aldeias). Contudo, quando estes ficaram sem oferendas, como gado ou produtos agrícolas para o dragão, começaram a desistir de um tributo humano uma vez por ano. Ao início, esta prática foi aceite pelos aldeões, no entanto, quando uma princesa bem amada foi escolhida como próxima oferenda, provocando a revolta contra o dragão. O santo então resgata a princesa e torna-se o símbolo máximo de força das primeiras cruzadas do século XII (conjunto de guerras do período medieval).

A pintura foi elaborada em Génova, no ano de 1605 (São Jorge é o padroeiro da cidade) enquanto Peter estava em Itália. Alguns estudiosos consideram que a obra foi encomendada para a Igreja de Sant`Ambrogio, dedicada a São Jorge. Agora encontra-se no Museu do Prado.

Na obra, São Jorge é símbolo do bem, o triunfo do bem sobre o mal. O santo encara o dragão (escuridão, mal, diabo) do alto. A forma do dragão, que muito se assemelha a uma serpente, em vez do lagarto típico, serve de alegoria ao conto clássico de Adão e Eva, onde o diabo toma a forma de uma serpente. Além disso, a princesa e o cordeiro representam a igreja, sendo esta algo puro e inocente, divino e angelical.

Esta obra, assim como todas as outras de Rubens, apresenta traços barrocos: pinceladas fortes com cores vivas. É mais uma das importantíssimas pinturas do autor, de carácter religioso (um dos temas mais comuns), que contribuiu para o aumento do  seu prestígio na arte barroca, onde desempenhou um papel de desenvolvimento muito grande.

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Esta obra foi pintada em 1871, a óleo e pertence ao movimento do romantismo como se pode identificar através de características como o individualismo, a visão centrada nos sentimentos do indivíduo, e os diferentes efeitos de luz.

Um dos temas mais recorrentes nas pinturas, gravuras e desenhos de Fortuny é a representação de idosos. “Veijo desnudo al sol” que pode ser traduzido como “velho nu no sol” é uma das suas várias obras em que um idoso é representado com bastante realismo, o tronco nu e onde a expressão facial transmite os sentimentos do indivíduo.

Ana Ferreira Nº1

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A obra acima representada, foi pintada em 1808 a óleo e é considerado um grande marco para o movimento romântico e para a Guerra Peninsular.
Francisco de Goya tem característica do uso frequente de temas deste tipo, a originalidade da abordagem narrativa, e é por isso que esta obra é uma alegoria melancolia espanhola depois das forças francesas sob o domínio de Napoleão terem derrotado e ocupado Espanha durante a Guerra Peninsular.

Carolina Gonçalves Nº8

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José Gonzales nasceu na Espanha em 1887. Em 1906 muda-se para Paris, onde se autodenomina Juan Gris. Ele acha que esse nome é mais adequado para uma carreira como caricatural, que é o que ele tem em mente. Em Paris, ele se junta ao grupo de artistas que se formou em torno de Picasso e se torna um dos pais do cubismo. Gris se envolve no que ele chama de pintura dedutiva. Primeiro, ele aplica elementos visuais à tela, como linha, forma e cor. Em seguida, ele determina quais os elementos figurativos que podem ser encontrados nesse padrão.
Como os outros cubistas, Juan Gris tem uma preferência franca por motivos musicais. Os cubistas são especialmente fascinados pela forma dos instrumentos musicais. A favorita de Gris é a guitarra espanhola, que também ocupa uma posição significativa nesta obra. É impressionante que Gris represente o violão com cinco em vez das seis cordas usuais. A pauta musical também tem poucas linhas. Gris faz essas escolhas muito conscientemente para evitar uma representação realista e detalhada da realidade.
Helene Kröller-Müller dá a Juan Gris um lugar importante em sua coleção. Ela compra treze pinturas e dez desenhos deste artista. A primeira obra que Helene Kröller-Müller compra de Gris em 1913, a 'Natureza morta com lâmpada de parafina' de 1912, é também a primeira pintura cubista que ela já viu. Isso a pega completamente de surpresa. Ela vê nas coisas representadas "objetos da terra, mas arrancados da terra".
Gris pintou outra natureza-morta cubista no verso desta pintura, também com violão e partitura. Porque a maca está localizada neste lado 'Guitare sur une table' é considerado como a frente.

Bruno Macedo nº7

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Nesta obra de arte, o artista viajou do impressionismo ao surrealismo, passando pelo cubismo e o fascinante movimento dadaísta. Neste trabalho, Picabia brinca com a abstração geométrica, aperfeiçoando o seu estilo até alcançar aquela particularidade que o torna um artista tão valorizado. Nesta peça, ele conversa com o apreciador através de uma linguagem formal, tirada da mecânica e maquinaria, sem deixar de lado o simbolismo sexual.

Beatriz Rocha nº2

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 Anunciação (Fra Angelico, Prado) c. 1435

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 Anunciação (Fra Angelico, Prado) c. 1435

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Este retábulo foi pintado para o mosteiro de Santo Domenico em Fiesole , perto de Florença . O painel central mostra a Anunciação do Arcanjo Gabriel a Maria sob um pórtico. À esquerda, Adão e Eva estão sendo expulsos do Paraíso. A condenação e a salvação da Humanidade. A predela tem cenas da vida da Virgen ; O Nascimento de Maria, Seu Casamento com São José , a Visita de Maria à sua prima Santa Isabel , o Nascimento do Menino Jesus , a Apresentação de Jesus no Templo e a Dormição da Virgem com Cristo recebendo sua alma. Fra Angelico, também conhecido como Beato Angélico, dedicou sua obra exclusivamente a assuntos religiosos, pois entendia a arte como um aspecto da devoção religiosa. Ele era particularmente meticuloso nos detalhes e qualidades da Natureza e dos objetos e pessoas retratados. Em seu estilo, Fra Angelico fundiu o estilo gótico tardio italiano com a nova linguagem do Renascimento. Um exemplo disso é a profundidade espacial da arquitetura, que, embora de acordo com a recomendação de Brunelleschi de ocupar o centro de um palco quadrado e sem adornos, mostra alguns dos erros presentes nos primeiros trabalhos de Angelico.

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Totalisateur (Totalizador), Francis Picabia, 1922 

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Totalisateur (Totalizador), Francis Picabia, 1922 

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Esse artista multidisciplinar viajou do impressionismo ao surrealismo, passando pelo cubismo e o fascinante movimento dadaísta. Neste trabalho, Picabia brinca com a abstração geométrica, aperfeiçoando seu estilo até alcançar aquela particularidade que o torna um artista tão valorizado. Nesta peça, ele conversa com a gente através de uma linguagem formal, tirada da mecânica e maquinaria, sem deixar de lado o simbolismo sexual.

Francis-Marie Martinez de Picabia nasceu dia 22 de Janeiro 1879 e morreu a 30 de Novembro 1953 e foi um pintor, poeta e tipografista francês de vanguarda. Depois de experimentar o Impressionismo e o Pointillismo, Picabia tornou-se associado ao Cubismo. As suas composições eram coloridas e ricas em contrastes. Mais tarde foi associado ao Surrealismo.

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Visage du Grand Masturbateur (Rosto do grande masturbador), Salvador Dalí, 1929 

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Visage du Grand Masturbateur (Rosto do grande masturbador), Salvador Dalí, 1929 

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Esta pintura é caracterizada por formas distorcidas e evocativas entre uma paisagem desolada, com um horizonte claro, emblemático de Dalí. Ele pintou-a durante os seus primeiros dias com Gala, aquela que se tornaria a sua nova e incondicional musa para o resto da sua vida. A imagem mostra como o artista se representou várias vezes, em cenas que ocorrem simultaneamente, enquanto tudo gira em torno de uma rocha peculiar em Cap de Creus, na qual ele pensou ter adivinhado o seu rosto.

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Projeto DAC
Tema Geral: Património Artístico
Museu Nacional centro de arte Reina Sofia
O Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia é um dos mais importantes O Centro de Arte Moderna Reina Sofia
A obra que eu escolhi foi de Juan Miró - dançarina espanhola:
museus de arte moderna dos espanhóis.
de Setembro de 1992 e, o seu nome presta homenagem à Rainha Sofia,
, foi inaugurado oficialmente a 10
rainha de Espanha.
Joan Miró (1893-1983) foi um pintor importante, gravador, escultor e ceramista espanhol. Criou a sua própria linguagem artística. Foi um
dos mais destacados representantes do Surrealismo.

Bailarina espanhola:
A bailarina espanhola, também conhecida como Danseuse espagnole, é uma pintura a óleo realizada por Joan Miró em 1928.
As bailarinas espanholas situam-se a partir da criação de paisagens e retratos imaginários. É neste período que o pintor utiliza qualquer material para criar as obras, realizando as famosas pinturas-objeto.
Quando pintou este retrato, Miró mudou-se para Paris, onde vivia mal em um hotel e comia apenas uma vez por dia. Mais tarde recordaria aqueles tempos: “Pintei a cabeça de uma bailarina espanhola, hoje em poder de Picasso. Foram tempos difíceis ”. Nesta obra, Miró utiliza o estilo particularizado ou "detalhado”.Contra o fundo colorido, a mulher destaca-se com clareza e grande meticulosidade: o traje,o penteado são estudados e reproduzidos com uma fidelidade que ultrapassa a própria realidade. É possível também que neste tipo de obra o artista tenha sido influenciado pelas pinturas murais românico-catalãs, onde as caras dos santos aparecem com a mesma seriedade impermeável.

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I don't paint things as I see them, but as I think about them.
- Pablo Picasso

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The works that are represented throughout this project present different ways of looking at art. Art has no limits and the different artistic spirits are evidenced in these paintings.

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Art is a form of liberation. Not all art needs to be pretty, but it needs to be powerful and memorable.

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