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Van Gogh

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Monet

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Renoir

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Este lienzo se encuentra entre los más conocidos de Monet y el impresionismo.

Para resaltar la gama cromática de las flores, Monet juega con el verde azulado de las matas de hierba y las cuatro figuras dispuestas a recoger ramos de flores.

Los dos personajes más próximos son su esposa Camille y su hijo Jean, que parecen acercarse al observador creando una especie de movimiento descendente que enfatiza el inmenso campo.

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Edgar Degas

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El Impresionismo en 10 minutos! (y Postimpresionismo también!)

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Vídeo muy breve sobre el Postimpresionismo

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Belén Montilla realiza un vídeo muy bien detallado y explicado sobre las Vanguardias.

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VANGUARDIAS ARTÍSTICAS: CRONOLOGÍA y RESUMEN | ARTE CONTEMPORÁNEO

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Matisse )1905–1906)

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En esta página encontramos una gran recopilación de obras del artista Duchamp

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Marcel Duchamp - 83 obras de arte - pintura

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Kandinski (1925)

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The story featured may in some cases have been created by an independent third party and may not always represent the views of the institutions, listed below, who have supplied the content.

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10 Things You Might Not Know About Vincent van Gogh - Google Arts & Culture

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Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

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En esta página se recopila información sobre Gauguin y sus obras.

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Iniciado en la pintura dentro de la corriente impresionista, la evolución de Paul Gauguin hacia el sintetismo y el simbolismo habría de convertirlo en una de las figuras más influyentes del arte de finales del siglo XIX. Huérfano de padre desde los tres años, Gauguin pasó su infancia entre las ciudades de París y Lima, de donde procedía parte de su familia materna. Su escaso interés por los estudios hizo que en 1865 se embarcase rumbo a Río de Janeiro y que los siguientes años de su vida los pasase viajando por todo el mundo. Con posterioridad trabajó en París como empleado de un agente de cambio, ocupación que alternó con un creciente interés por la pintura y el coleccionismo de arte. Sería tras la crisis financiera que aquejó la Francia de 1882, cuando Gauguin, ya casado y con cuatro hijos, decidiese dedicarse por completo a la pintura. Su relación con Camille Pissarro parece que tuvo que ver con esta decisión y, por ello, tras perder su empleo, Gauguin se trasladó a Ruán, donde por aquel entonces vivía el gran maestro impresionista. En 1885, empujado por circunstancias familiares, Gauguin vivió en Copenhague, ciudad natal de su esposa, pero regresó a París junto a su hijo Clovis en junio de ese mismo año, donde se interesó por el arte de la cerámica.

Tras una visita junto al pintor Charles Laval a la isla de La Martinica en 1887, en la que su estilo comenzó a alejarse del impresionismo, Gauguin hizo la primera de sus visitas a Pont-Aven en Bretaña. Allí trabó conocimiento con Émile Bernard, cuyo estilo influiría determinantemente en él. Gauguin asumiría el cloisonismo de Bernard de colores planos y el uso de la línea al modo del arte de las vidrieras, y le imprimiría su sello personal tendente al simbolismo. Su Visión del sermón, de 1888 (Edimburgo, National Gallery of Scotland), es el paradigma de este momento estilístico del pintor. Algo más tarde conocería a Paul Sérusier, que se convertiría en decisivo para la formación de los nabi, que tomarían a Gauguin como ejemplo, tanto por su pintura como por su mítica personalidad.

A finales de la década de los ochenta, Gauguin mantuvo contactos con los hermanos Van Gogh. Theo se convirtió en su marchante y Vincent le invitó a compartir con él experiencias artísticas en Arles a finales de 1888. Su creciente interés por el primitivismo le impulsó a organizar una subasta en 1891 para pagarse un viaje a Tahití. Sin embargo, a su llegada a Papeete no encontró el paraíso perdido que había imaginado: la influencia occidental era fuerte en la isla y, tras cambiar varias veces de residencia y sufrir varias enfermedades, decidió volver a Francia en 1893. Su regreso tampoco respondió a sus expectativas, ya que las pinturas y esculturas realizadas en Tahití no recibieron demasiada atención.

De nuevo con problemas económicos y decepcionado a pesar de la admiración que despertaba en algunos círculos vanguardistas, Gauguin decidió abandonar de manera definitiva el país en 1895. Tras unos años de muy poca actividad artística en Tahití, se instaló en 1901 en Hiva Oa, en las Islas Marquesas, donde finalmente encontró una civilización primitiva y no contaminada por Occidente en la que inspirarse y, a pesar de sus problemas de salud, realizó con entusiasmo las últimas obras de su vida.

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Iniciado en la pintura dentro de la corriente impresionista, la evolución de Paul Gauguin hacia el sintetismo y el simbolismo habría de convertirlo en una de las figuras más influyentes del arte de finales del siglo XIX. Huérfano de padre desde los tres años, Gauguin pasó su infancia entre las ciudades de París y Lima, de donde procedía parte de su familia materna.

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Esta semana celebramos la Efeméride de la muerte del artista Paul Gauguin. Por ese motivo, hemos querido aprovechar para hablaros de algunas obras del artista que, para nosotros son las 10 mejores obras de Paul Gauguin. Por supuesto, esto es una opinión personal y nos morimos de ganas de que nos cuentes cuales son tus favoritas.

Eugène Henri Paul Gauguin, artista francés conocido como Paul Gauguin, tuvo una vida propia de su contexto artístico. Mientras vivió no tuvo ningún tipo de reconocimiento pero, a después de muerto, su estilo ha sido referente de muchos artistas actuales.

Respecto a su vida, Gauguin pasó toda su vida viajando. Empezando por trasladarse de Francia a Lima, volvió para dedicarse a la colección de arte antes de dejarlo todo para ser artista. Gauguin se muda a la Bretaña Francesa, se va a Panamá y regresa a Francia, donde comparte una larga época con el artista Vicent Van Gogh. Finalmente, Gauguin se muda a Tahití donde realiza una gran parte de su obra.

Respecto a su obra, el artista post-impresionista, instauró un nuevo y expresivo uso del color. En su estilo se observa el gusto por la simplicidad y una gran experimentación: Una obra muy contrastada y, en muchas ocasiones, con delineados negros. El artista se centró en la realización de paisajes así como desnudos simplistas y cargados de simbolismo, unas características que influyeron decisivamente en el arte moderno del siglo XX.

A pesar de ser uno de los artistas más importantes de su siglo, Gauguin no gozó de fama en vida. Por suerte, a día de hoy es uno de los artistas más reconocidos de la historia del arte y sus obras son algunas de las obras más caras del mundo. A continuación te dejamos 10 de los cuadros más importantes de Paul Gauguin:

Las 10 obras importantes de Paul Gauguin

Después de este breve resumen de la vida y obra del artista Pau Gauguin, te dejamos una lista con nuestra selección de los 10 cuadros más importantes de Paul Gauguin:

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897

Los cerdos, 1888

Bodegón con tres cachorros, 1888

Van Gogh pintando Girasoles, 1888

Café Nocturno, Arles, 1888

Cristo amarillo, 1889

Mujeres de Tahití, 1891

Mata Mua, 1892

Autorretrato con sombrero, 1893

Pechos con flores, 1899

¿Qué te parece la obra de Paul Gauguin? ¿Cuáles son tus favoritas? ¡Esperamos tus comentarios!

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Las 10 obras más importantes de Paul Gauguin - Noticias de Arte Totenart

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Esta semana celebramos la Efeméride de la muerte del artista Paul Gauguin. Por ese motivo, hemos querido aprovechar para hablaros de algunas obras del artista que, para nosotros son las 10 mejores obras de Paul Gauguin. Por supuesto, esto es una opinión personal y nos morimos de ganas de que nos cuentes cuales son tus favoritas.

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En esta página se comenta sobre la biografía Cézanne , y también se hace una venta de “sus” cuadros , copias de los originales.

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Cuadros de Paul Cézanne impresos en alta calidad sobre lienzo y a un precio

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Reproducciones sobre lienzo de las pinturas más famosas de Paul Cézanne.Paul Cézanne (1839-1906) fue un pintor francés postimpresionista radicalmente diferente

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Las estrellas que vemos en el cielo
son espejismos de soles
que nunca, nunca veremos.

Las estrellas que vemos
nos recuerdan que son resplandores
que en la larga noche del cosmos
se perdieron.

Las estrellas que vemos
son luz y recuerdo
del sueño de millones de soles ardientes
que brillan , orbitan y mueren
en el agujero negro del tiempo.

Sin retorno posible a sus fuentes
las estrellas que vemos
llenan de luz
el vacío del firmamento
y por qué no, coreografían
con sus constelaciones
también el destino incierto
de nuestros sueños.

Si las consideras,
O lo que es lo mismo,
si te fijas y hablas con ellas
tanto desgaste y tanto viaje
les habrá valido sobradamente la pena.

Las estrellas que vemos
¿Podemos decir que brillan cuando nadie las mira?
¿Podemos decir que al mirarlas es cuando las hacemos brillar?
¿Podemos decir que al verlas
millones de millones de soles
-que nunca, nunca veremos-
brillarán
por sus ausencias?

En algún tiempo y lugar
el majestuoso Sol que aún vemos
brillará como una más,
como una diminuta y lejana estrella más
en la esquina del tiempo.
¿Es importante saberlo?
Nunca,
nunca lo sabremos.

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Las estrellas que vemos en el cielo
son espejismos de soles
que nunca, nunca veremos.

Las estrellas que vemos
nos recuerdan que son resplandores
que en la larga noche del cosmos
se perdieron.

Las estrellas que vemos
son luz y recuerdo
del sueño de millones de soles ardientes
que brillan , orbitan y mueren
en el agujero negro del tiempo.

Sin retorno posible a sus fuentes
las estrellas que vemos
llenan de luz
el vacío del firmamento
y por qué no, coreografían
con sus constelaciones
también el destino incierto
de nuestros sueños.

Si las consideras,
O lo que es lo mismo,
si te fijas y hablas con ellas
tanto desgaste y tanto viaje
les habrá valido sobradamente la pena.

Las estrellas que vemos
¿Podemos decir que brillan cuando nadie las mira?
¿Podemos decir que al mirarlas es cuando las hacemos brillar?
¿Podemos decir que al verlas
millones de millones de soles
-que nunca, nunca veremos-
brillarán
por sus ausencias?

En algún tiempo y lugar
el majestuoso Sol que aún vemos
brillará como una más,
como una diminuta y lejana estrella más
en la esquina del tiempo.
¿Es importante saberlo?
Nunca,
nunca lo sabremos.

Hace tiempo que no escribía un poema. Siempre me defendí mejor con la pintura o con la prosa. El hecho de probar suerte con los haikus y metaforismos me han animado a hacerlo. Y he querido inspirarme en esa gran obra de arte que es "La noche estrellada" de Vincent Van Gogh, para dejarme llevar por el ondulante movimiento de sus insuperables vórtices azules y amarillos. Quise imitar el ritmo y la fuerza plástica de la pintura jugando con las palabras, que fuesen y viniesen líbremente, que brillasen con luz propia, como posiblemente brillaron las estrellas ante los ojos limpios y asombrados del pintor holandés, que en su malograda existencia tuvo que lidiar con la peor de las oscuridades, cargar en silencio con la mayor parte de la locura de su tiempo. Por suerte - o por desgracia- pudo pintar ese silencio.

(Dedico este poema a l@s navegantes que en estos días de luminarias y excesos navideños se hayan tomado el tiempo de desviarse de sus rutas para contemplar sin prisas el cielo estrellado de Ínsula Dulcamara. )

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Las estrellas que vemos en el cielo son espejismos de soles que nunca, nunca veremos. Las estrellas que vemos nos recuerdan que son resplan...

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El pintor francés Paul Cezanne abrió el camino para el cubismo y el fauvismo, comenta la casa Christie's, que muestra la colección del Museo Langmatt que ofrecerá en subasta.

Cezanne (1839-1906), cuyas innovadoras pinturas postimpresionistas allanarían el camino para el modernismo del siglo XX, nació en Aix-en-Provence. Era amigo de la infancia de Émile Zola; quien se convertiría en el novelista francés más destacado de finales del siglo XIX.

Mientras estudiaban juntos en el Collège Bourbon con Louis Marguery y Jean-Baptiste Baille, formaron un grupo muy unido al que apodaron Les Insparables. Cézanne defendió a Zola de los bravucones en el patio de la escuela y un día Zola se lo agradeció con una cesta de manzanas. El momento tuvo un gran impacto en Cézanne, y la manzana se convertiría en uno de sus temas favoritos.

Inicialmente, el padre de Cézanne no apoyó la carrera artística de su hijo. Quería que estudiara derecho y administrara el banco familiar. Después de dos años en la facultad de derecho de la Universidad de Aix-en-Provence, Cezanne abandonó sus estudios. Zola vivía entonces en París y lo instó a unirse a la comunidad de artistas y escritores de vanguardia allí. Con el apoyo de su madre, Cézanne convenció a su padre para que le dejara ir a la capital a estudiar pintura.

Una vez en París, Cézanne se postuló para la École des Beaux Arts, el campo de formación de pintores de salón, pero fue rechazado. Tomó clases en la escuela sin cita previa Atelier Suisse, pero ni siquiera allí fue completamente aceptado. Sus presentaciones al Salón fueron rechazadas año tras año y participó en el famoso Salón de los Rechazados de 1863.

Pissarro y Manet influyeron en él. Fue en el Atelier Suisse donde Cezanne conoció a Pissarro, nueve años mayor que él, en 1865. Desarrollaron una relación cercana y comenzaron a pintar juntos al aire libre en pueblos fuera de París durante los siguientes 10 años.

Por el contrario, muchos consideraban a Edouard Manet como el principal artista moderno de la época, y esto impulsó a Cézanne a actuar competitivamente. El estilo plano de pintura de Manet y su disposición a pintar escenas urbanas de la vida moderna llevaron a Cézanne a traspasar de manera similar los límites de la tradición artística.

Desarrolló su propio método de pintura. El "ideal de felicidad terrenal" de Cézanne, según una entrevista realizada a finales de la década de 1890, era crear su propia belle formule, o "hermosa forma de pintar".

Mientras pintaba en el mismo entorno que los impresionistas, desarrollaba su propia técnica única. En sus primeros años, usaba una espátula para bloquear grandes áreas de color de una manera plana y sin modulación. A medida que avanzaba su carrera, añadió pequeños trazos de pintura paralelos o perpendiculares repetidos en gradaciones cambiantes de color para construir formas.

El enfoque analítico del artista hacia la pintura se alejó un paso más de los impresionistas. Tras el inicio de la guerra franco-prusiana, Cézanne dejó París hacia el sur de Francia en 1886. Comenzó a pintar paisajes en Aix y sus alrededores y en L'Estaque, cerca de Marsella. Aquí desarrolló su teoría de que todo en la naturaleza podría reducirse a su forma geométrica primaria de esfera, cono, cubo o cilindro.

Muchos lo consideran el padre del arte moderno. Al comienzo de su carrera, Cézanne atravesó su 'Período Oscuro' (1861-1870). Sus obras de esta época se caracterizan no solo por sus paletas oscuras con dramáticos contrastes tonales, sino también por las gruesas capas de pigmento aplicadas con una espátula, que trabajaron juntas para comunicar emociones más allá del tema mismo.

El enfoque analítico de Cézanne, mediante el cual identificaba todo lo que veía con su forma geométrica primaria, y la forma en que jugaba con la perspectiva lineal y el espacio tridimensional (aplanando objetos para centrarse en sus superficies y verlos desde diferentes ángulos) sentó las bases para Cubismo del siglo XX.

Cezanne no tuvo mucho éxito como artista hasta los últimos años de su vida, pero Ambroise Vollard, un importante marchante y mecenas de los artistas de vanguardia en París, fue uno de los primeros en apoyarlo. Contribuyó decisivamente a elevar su perfil del de un artista desconocido al de un pintor muy solicitado.

Los principales admiradores y coleccionistas de Cézanne eran otros artistas. Monet conoció la obra de Cézanne por primera vez en 1863 y no hizo ningún esfuerzo por ocultar su admiración ilimitada, llamándolo "el maestro de todos nosotros". Su colección de arte personal incluía más obras de Cézanne que de cualquier otro artista: 15 en total, tres de ellas colgadas en su dormitorio. Los otros impresionistas (Gustave Caillebotte, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas y Camille Pissarro) también recopilaron su obra. Paul Gauguin incluso solía llevar uno de sus cuadros favoritos de Cézanne a un restaurante cercano para lucirlo.

Esta admiración fue igualmente fuerte entre la siguiente generación de artistas, incluidos Picasso y Matisse. Pablo Picasso llegó incluso a comprar el terreno que contenía el motivo más importante de Cézanne, el Monte Sainte-Victoire.

Su casa de Aix influyó en su obra. Cézanne estaba profundamente apegado a su ciudad natal de Aix-en-Provence. Pasó su tiempo entre París y Aix, y regresó al sur después de 1886. Allí pintó paisajes firmemente basados en detalles de la historia y la geología locales, como la cantera de Bibémus, el Château Noir y el Mont Sainte-Victoire, junto con imágenes de bañistas, jugadores de cartas y otras figuras.

Mont Sainte-Victoire era su tema favorito. Produjo más de 80 pinturas de la montaña, y este grupo icónico de obras es especialmente notable por sus formas protocubistas. Cézanne todavía pintaba el campo alrededor de Aix en el momento de su muerte en 1906.

Cezanne ha recibido reconocimiento en todo el mundo. Varias retrospectivas importantes realizadas tras la muerte de Cézanne fueron fundamentales para llamar la atención del público sobre sus logros e inspirar las siguientes oleadas de la vanguardia. El más importante de ellos tuvo lugar en el Salón de Otoño de París en 1907.

Desde entonces, Cezanne ha entrado en las colecciones de las instituciones más destacadas de todo el mundo. El Museo de Arte Moderno alberga una impresionante colección de sus naturalezas muertas, la colección del Museo D'Orsay abarca toda su carrera y la Galería Courtauld tiene una colección de paisajes de Cezanne de renombre mundial. La Fundación Barnes tiene la mayor colección de pinturas de Cézanne, con 69 obras.

La obra de Cézanne es muy cotizada en el mercado actual. Algunos de los precios más altos para el artista los obtienen sus obras maduras de la década de 1880 en adelante, como Bouilloire etfruits (1888-1890) de Si Newhouses, que se vendió en Christie's en 2019 por 59'295,000 dólares, y L'Estaque aux toits rouges (1883-1885), que se vendió en Christie's en 2021 como parte de la Colección Cox por 55'320,000 dólares.

Recientemente, La Montagne Sainte-Victoire (1839-1906) se vendió por 137'790,000 dólares en Christie's como parte de Visionary: The Paul G. Allen Collection, estableciendo un nuevo precio récord para el artista.

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El pintor francés Paul Cezanne abrió el camino para el cubismo y el fauvismo, comenta la casa Christie's, que muestra la colección del Museo Langmatt que ofrecerá en subasta.

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File:Jeunes Filles en noir by Pierre-Auguste Renoir 159.jpg - Wikimedia Commons

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1-Tal día como hoy, 25 de febrero, de 1841 nace en Limoges (Francia) el pintor francés Pierre- Auguste Renoir. De él destaca su legado pi

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Datos e información importante sobre las vanguardias 

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Datos e información importante sobre las vanguardias 

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del siglo XX que revolucionaron las artes plásticas occidentales (pintura y escultura). Algunos de estos movimientos se expresaron también en el diseño gráfico, industrial y arquitectónico.

Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas, en las cuales los artistas suscribían una misma agenda estética e ideológica. Por eso, varios movimientos tuvieron manifiesto escrito. Entre ellos, el expresionismo, el futurismo, el suprematismo, el dadaísmo, el neoplasticismo y el surrealismo.

Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e industrial, también quería que el arte "progresara". Este impulso transformador respondió en parte a la violenta modernización del siglo XX, que contrastaba radicalmente con el conservadurismo de la academia artística, todavía atada a la tradición plástica.

Veamos cuáles son los movimientos de vanguardia en el arte en la siguiente línea de tiempo:

1904. Fovismo.

h. 1905. Expresionismo.

1907. Cubismo.

1909. Futurismo.

1910. Abstracción lírica.

h. 1914. Constructivismo.

1915. Suprematismo.

h. 1916. Dadaísmo.

1917. Neoplasticismo o De Stijl.

1294. Surrealismo.

En este artículo compartiremos las características comunes de las vanguardias artísticas, en qué consiste cada una y cuál fue el contexto histórico que las hizo posibles.

Características de las vanguardias artísticas

Las vanguardias artísticas fueron muy diversas, aunque muchas de ellas colaboraron entre sí con libertad. Todas compartían el mismo espíritu, a partir del cual es posible delimitar características comunes, tales como la rebeldía, el rupturismo, la libertad de expresión, el interés por temas actuales y el rechazo de la burguesía. Veamos.

Espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística. Los artistas consideraban que la academia estaba de espaldas a los nuevos tiempos y la libertad creativa.

Cuestionamiento de la imitación de la naturaleza. Para los nuevos artistas, el significado en las artes plásticas no estaba regido por el parecido con la realidad ni con el contenido de la escena. Por eso se rebelaron contra el principio de imitación de la naturaleza en el arte.

Ruptura con el ideal clásico de belleza. Los vanguardistas supieron encontrar una estética valiosa en la fealdad y lo grotesco.

Ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte. Los nuevos tiempos preconizaban la libertad expresiva, y el arte debía ser tribuna para ese ejercicio de pensamiento.

Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto contemporáneo. Las preocupaciones del ser humano contemporáneo no aparecían en el arte académico, así que los vanguardistas le dieron representatividad.

Rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte de la burguesía. Los vanguardistas lamentaban que el arte se limitara a representar los intereses de la clase burguesa.

Fovismo o fauvismo (Francia, 1904-1908)

El fovismo ( fauvismo) se propuso liberar el instinto pictórico por medio de la exaltación violenta del color. Rechazaba tanto los discursos racionalistas como el sentimentalismo en el arte. Se empeñaba, más bien, en buscar la expresión más "salvaje" del artista, es decir, la menos intervenida por la "civilización". Por eso, el crítico Louis Vauxcelles los bautizó como fauvistas, vocablo proveniente del francés fauve, que significa 'fieras'.

En términos generales, el fovismo se caracterizó por:

Exaltación del color como elemento de expresión fundamental.

Impulsividad creativa expresada en trazos sueltos y espontáneos.

Despreocupación por el modelado del dibujo y la perspectiva.

Abandono del trabajo al aire libre.

Desarrollo de temas como el paisaje, el retrato y escenas interiores.

Los principales representantes del fovismo fueron Henri Matisse, André Derain, Mauricio de Vladminck y Raoul Dufy.

Puedes profundizar en: Fauvismo, Henri Matisse: 5 obras para entrar a su mundo de color

Expresionismo (Alemania, h. 1905-1930)

El expresionismo tiene sus antecedentes a finales del siglo XIX, gracias a la obra de artistas como Edvard Munch. Sin embargo, solo adquirió la forma de movimiento hacia 1905, cuando se formaron los grupos Die Brücke (El puente, 1905) y Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1911). Estos grupos se disolvieron con la Primera Guerra Mundial. Al finalizar esta, se formó la Nueva Objetividad o Neue Sachlichkeit.

El movimiento expresionista se caracterizó por su perspectiva crítica sobre la realidad; la reflexión sobre la esencia del sujeto contemporáneo; la exaltación de los sentimientos (especialmente los de disconformidad, temor y angustia) y el rechazo a la idealización.

En la práctica, el movimiento expresionista se concretó en las siguientes características:

Gusto por las formas oblicuas o angulosas.

Uso expresivo del color y de la perspectiva.

Aplicación de técnicas violentas.

Deformación de las figuras.

Temas existenciales, como la muerte, la enfermedad, la locura, la culpa y la sexualidad.

Sus máximos representantes fueron:

Por el grupo Die Brücke: E. L. Kirchner, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluff, Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Müller.

Por el grupo Der Blaue Reiter: Franz Marc, August Macke, Heinrich Campendonk; Paul Klee y Wassily Kandinsky.

Por el grupo Neue Sachlichkeit: Otto Dix y George Grosz.

Ver más a fondo en: Expresionismo: características, representantes y obras

Cubismo (1907-1914 aproximadamente)

El cubismo fue un movimiento de vanguardia nacido en Francia. No tuvo manifiesto propio. Aun así, su programa se fundaba en representar las cosas como el cerebro las capta racionalmente, y no apenas como son percibidas por los sentidos. Por ello, el cubismo analiza, descompone y sintetiza las figuras hasta los límites de la geometrización.

Las características del cubismo al nivel plástico se pueden resumir de la siguiente manera:

Síntesis gráfica.

Tendencia a la geometrización.

Superposición de diferentes planos en uno solo.

Introducción de técnicas no pictóricas en el lienzo, como el collage.

Preferencia por el bodegón y la figura humana como objetos de análisis cubista.

El movimiento cubista duró poco, aproximadamente una década. Durante ese período, se distinguen varias etapas:

Cubismo primitivo (1907-1909). Inspirado en Cézanne, reducía las formas a sus volúmenes esenciales.

Cubismo analítico (1910-1912). Descomponía los volúmenes en planos superpuestos y se desinteresó por el color.

Cubismo sintético (1913- 1914). Retomó el color y trabajó texturas por medio del collage.

Sus principales representantes fueron Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris.

Te puede interesar: Cubismo: características, representantes y obras.

Futurismo (Italia, 1909)

El futurismo nació con el publicación del manifiesto futurista en 1909, escrito por el poeta Fillippo Marinetti. Veía con entusiasmo el triunfo de la era de la máquina y, sobre todo, de la velocidad. Acompañaba con ferviente admiración el desarrollo de la industria automovilística, aeronáutica y bélica. Celebraba la violencia y creía en la guerra como un camino para la depuración de la humanidad. Por eso, a diferencia de otras vanguardias, el futurismo fue cercano a la extrema derecha.

El movimiento futurista se caracterizó por:

Deseo de representar la velocidad en las composiciones plásticas;

Continuidad espacial;

Estudio de la cuarta dimensión en el arte (el tiempo);

Exaltación del patriotismo y la violencia;

Aprovechamiento de recursos provenientes del cubismo, del divisionismo y la fotografía.

Sentido de ritmo visual y dinamismo;

Coloración vibrante.

Los representantes más destacados del futurismo fueron los artistas Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Carlo Carrà, entre otros.

Ver también Futurismo: características, representantes y obras

Abstracción lírica (Rusia, 1910)

Conocida también como abstracción informal o emotiva, la abstracción lírica fue el primero de los movimientos pertenecientes al abstraccionismo. Rechazó por completo la figuración y exaltó la validez del lenguaje plástico como vehículo para exteriorizar el mundo interior del sujeto.

La abstracción lírica desarrolló las siguientes características:

Ausencia de figuración.

Protagonismo y autonomía de línea, punto, color y composición.

Búsqueda del ritmo y la armonía visuales.

Licencia para la improvisación.

El primer exponente de la abstracción lírica fue Vasily Kandisnky, a quien luego se sumaron Paul Klee y Robert Delaunay en la primera generación.

Pero si bien la abstracción lírica inicia como una vanguardia concreta en 1910, inauguró toda una corriente artística en la que actualmente se inscriben diferentes tendencias del siglo XX. Entre ellas, el rayonismo (h. 1912), el gestualismo o action panting (h. 1945), el expresionismo abstracto (h. 1950), el neoexpresionismo (h. 1980) y la pintura salvaje (h. 1980).

Estas tendencias incorporaron técnicas como el dripping (pintura chorreada), el grattage o esgrafiado (capas de pintura rasgada) o el frotagge (pintar sobre objetos rugosos para obtener texturas) y el collage.

Más en: Arte abstracto: características, representantes y obras, Kandinsky y el arte abstracto: 11 obras esenciales

Constructivismo (Rusia, 1914)

El constructivismo es una vanguardia inscrita en el abstraccionismo geométrico. Aplica los principios compositivos del diseño arquitectónico, particularmente la geometría espacial y el estudio de los materiales en la pintura, la escultura, el diseño gráfico y el diseño industrial. De algún modo, representa la fe en un ciclo de cambio histórico, y estaba comprometido con la construcción del progreso de la nueva era industrial.

Entre las principales características del constructivismo destacan:

Uso de la geometría espacial.

Pretensión de simultaneidad entre tiempo, espacio y luz.

Uso de líneas puras.

Rechazo de la ornamentación.

Uso de materiales simples, como madera y metal, y otros asociados al progreso, como el plástico.

Entre sus principales representantes se encuentran El Lisitsky, Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko.

Olga Rozanova: Suprematismo, 1916, óleo sobre lienzo.

Suprematismo (Rusia, 1915)

Poco después del constructivismo, aparece el suprematismo, postulado a través del manifiesto suprematista escrito por Kazimir Malevich. El suprematismo pretendía expresar la subjetividad pura mediante el uso de recursos geométricos.

A diferencia del constructivismo, el suprematismo solo se interesa en la geometría plana, y desecha la profundidad espacial. No se interesaban tampoco en el discurso social. Fue proscrito en Rusia cuando los bolcheviques impusieron el realismo social en el arte y rechazaron las expresiones del arte abstracto, considerado muy intelectual. A pesar de ello, los movimientos de la abstracción rusa fueron muy influyentes en el diseño contemporáneo.

Entre las principales características del suprematismo podemos mencionar:

Buscaban una representación no objetual del universo, una supremacía de la nada.

Uso de la geometría plana, preferentemente el cuadrado, el rectángulo y el círculo.

Al principio, usa una paleta reducida de colores. Luego se amplía.

No trabaja la profundidad.

Entre los principales exponentes del suprematismo podemos mencionar a Kazimir Malevich, su fundador, Olga Rozanova y Liubov Popova.

Man Ray: Objeto para ser destruido (objeto indestructible), 1923, ready-made.

Dadaísmo (Suiza, h. 1916)

El dadaísmo fue un movimiento de vanguardia nacido en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Es fruto del desencanto frente a la belle epoque y la percepción de fracaso de los grandes relatos occidentales, como el racionalismo y el progreso. Se consideró más bien un anti-arte, pues se oponía a la instrumentación del arte al servicio de los intereses burgueses.

Entre las principales características del dadaísmo podemos mencionar:

Crítica contra el racionalismo y la ideología del progreso occidental.

Exaltación de lo absurdo.

Valoración del gesto artístico por encima del objeto.

Carácter provocador.

Introducción del fotomontaje, el ready-made y uso de otras técnicas como el collage.

Carácter interdisciplinario.

Entre sus máximos representantes podemos mencionar a Mancel Duchamp, Jean Arp, Man Ray y Hans Richter.

Profundiza en Dadaísmo: características, representantes y obras

Neoplasticismo o De Stijl (Países Bajos, h. 1917)

El neoplasticismo se conoció también como De Stijl, nombre de la revista del movimiento. El manifiesto De Stijl fue suscrito por los artistas Theo Van Doesburg, Piet Mondrian, Bart an der Leck y J.J.P. Oud. Se proponía crear una obra de arte que se concentrara en la valoración de elementos plásticos puros, e introducir al público en esta narrativa.

Este movimiento quería prescindir de la palabra, a la que veían vacía e incapaz de crear sanas transformaciones sociales. Así, dirigían la atención a la plástica, con la expectativa de construir un lenguaje universal. Para lograrlo, usaron la geometría plana, llevada nuevos límites.

Entre las principales características del neoplasticismo, podemos mencionar las siguientes:

Uso de la geometría plana, especialmente de las líneas perpendiculares, gracias a lo cual predominan el cuadrado, el rectángulo y las cruces.

Reducción de la paleta de colores, casi siempre colores primarios o neutros.

Aspiración a la universalidad.

Orden, equilibrio y optimismo.

Los principales exponentes del neoplasticismo son los mismos Theo Van Doesburg, Piet Mondrian, Bart an der Leck y J.J.P. Oud.

Surrealismo (Francia, 1924)

El surrealismo es una de las vanguardias más conocidas y valoradas. Fue creada en el período entrebélico, en 1924, tras la publicación del manifiesto surrealista de André Breton. Se basada en los conceptos tomados del psicoanálisis, especialmente de la idea del inconsciente. Por esta razón, su proceso creativo por excelencia fue el automatismo puro.

En las artes plásticas, el surrealismo se caracterizó por:

Automatismo como principio generador de ideas.

Construcción de sentido a partir de imágenes aparentemente incongruentes.

Gusto por las imágenes oníricas e inverosímiles.

Introducción de técnicas como el frottage, la decalcomanía y el cadáver exquisito.

Uso de técnicas dadaístas como el fotomontaje y el ready-made (objeto encontrado).

Entre los artistas más influyentes del surrealismo podemos mencionar a Man Ray, Marx Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y Joan Miró, entre otros.

Para más información, ver: Surrealismo: características, representantes y obras

Vuelo de los Hermanos Wright. Fotografía de 1903.

Contexto histórico de las vanguardias artísticas

La lucha contra el academicismo artístico había tenido sus antecedentes en el impresionismo y el postimpresionismo del siglo XIX con sus nuevos enfoques sobre el color. Pero los vanguardistas querían ir aún más lejos.

El contexto histórico estaba marcado por el imperialismo de Europa hacia África y Asia, que facilitaba la importación de mercancías exóticas. Estas despertaban el interés de los artistas. También estaba marcado por el progreso científico y el avance de la segunda revolución industrial (avión, cinematógrafo, automóvil, telégrafo y más). Estos aspectos formaron el espíritu entusiasta y progresista de la belle epoque, que pronto sería derribado.

La respuesta de los artistas a este contexto fue muy diversa. Algunas vanguardias desconfiaban del progreso, otras lo veían con entusiasmo. También hubo las que simplemente evadieron la realidad. Lo cierto es que el vanguardismo se convirtió en una tendencia del siglo XX.

El vanguardismo antes y después de las guerras mundiales

Todos los artistas del siglo XX querían revolucionar las artes, pero no todos tuvieron el mismo punto de partida. La segunda guerra mundial dividió el siglo y su espíritu a la mitad. Por eso, algunos autores distinguen dos períodos de las vanguardias en el campo de las artes plásticas:

las vanguardias históricas, que reune a todas aquellas formadas antes de la Segunda Guerra Mundial (desde el fauvismo hasta el surrealismo);

las segundas vanguardias, formadas después de la guerra. Por ejemplo, expresionismo abstracto, arte pop, happening y performance, arte cinético, arte conceptual, etc.

Sin embargo, fueron las vanguardias históricas las que abrieron el camino a las demás y promovieron el cambio de curso de la historia del arte. La segunda ola aprovechó la libertad conquistada por sus predecesoras para llevar el concepto del arte a su límite.

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Los límites de las vanguardias históricas

Las vanguardias artísticas se propusieron expresar los nuevos tiempos, para lo cual vieron necesario imitar el progreso científico, en el que el cambio es una constante. Sin embargo, algunos autores consideran que sus fines no fueron alcanzados, aunque obtuvieron otros logros.

Por ejemplo, el historiador Eric Hobsbawm sostiene que las vanguardias históricas fallaron en varios sentidos. Primero, no comprendieron que el progreso no es aplicable al arte. Segundo, en la era del cinematógrafo y la fotografía, continuaron pensando en la obra pictórica como cuadros de caballete. Por último, su rupturismo no les permitió consolidarse en el interés popular.

A pesar de la opinión de Hobsbawm, las vanguardias históricas ejercieron una enorme influencia en el mundo por caminos inadvertidos. Por ejemplo, en el diseño y la cultura visual de la era contemporánea.

De izquierda a derecha. Arriba: Cartel de A. Rodchenko. Cartel de El Lissitsky. Cartel de propaganda bélica de J. Gipkens. Portada del libro de Kandisnky, Punto y línea sobre el plano, editado por la Bauhaus.
Abajo: sillas de G. Rietvel. Logo de la Bauhaus de O. Schlemmer. Casa Rietveld Schröder de G. Rietvel.

La influencia de las vanguardias históricas

Las vanguardias artísticas tuvierion gran impacto en la cultura del diseño gráfico, publicitario e industrial de principios de siglo, a los que proveyeron de un lenguaje nuevo y muy efectivo. Muchos artistas de vanguardia trabajaron como diseñadores gráficos e industriales.

Parte de ese pujante movimiento creativo los llevó a ser profesores en la Staatliche Bauhaus, un proyecto educativo nacido en Alemania después de la primera guerra mundial. La Bauhaus participaba en la reconstrucción de Europa desde el diseño, proveyendo nuevos valores estéticos, siempre subordinados a la funcionalidad.

Gracias a ello, artistas como Walter Grupius, El Lissitsky, Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, por solo nombrar algunos, compartieron sus conocimientos en la Bauhaus y revolucionaron el concepto del diseño.

Las vanguardias revitalizaron la escena del arte e inspiraron una cultura de innovación, originalidad y creatividad. Hoy forman parte de nuestra cultura visual y artística.

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faithful reproductions of two-dimensional public domain works of art are public domain". This photographic reproduction is therefore also considered to be in the public domain in the United States. In other jurisdictions, re-use of this content may be restricted; see Reuse of PD-Art photographs for details.

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"La casa del ahorcado"

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Archivo:La Maison du pendu, Auvers-sur-Oise, par Paul Cézanne, Yorck.jpg - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Breve definición del Fauvismo. Autores y obras representativas.

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Otros movimientos

La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe: "Donatello parmi les Fauves" (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón de Otoño de 1905.

Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos... Era gente inconformista, que como todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica.

El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

Au centre de la salle, un torse d'efant, et un petit buste en marbre, d'Albert Marque, qui modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au milieu del'orgie des tons purs: Donatello chez les fauves...

(En el centro de la sala, un torso de niño y un pequeño busto en mármol de Albert Marque, que modela primorosamente. El candor de esos bustos sorprende en medio de la orgía de tonos puros: Donatello entre las fieras...)

de Vanguardias

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Otros movimientos La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe: "Donatello parmi les Fauves" (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón de Otoño de 1905. Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos...

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There's more to Salvador Dalí than just his moustache, discover more interesting Dalí facts below

Eccentric, divisive and visionary are just a few words to describe Spanish artist Salvador Dalí and it's hard to say if there are any number of words that could encapsulate his complex extravagance. With a colourful past and an extensive body of work, there's so much to learn about the surrealist painter - here's some facts about Dalí to prepare you for the Espace Dalí Exhibition at the Dalí Museum.

Dalí once collaborated on an experimental animated film with Walt Disney

Salvador Dalí and Walt Disney's film Destino only recently came to light in 2003, when Disney released the short film for the very first time to the public. It was first storyboarded in 1945 but World War 2 took a toll on Disney, so its production was halted until 1999 when Walt Disney's nephew Roy E. Disney unearthed it. Combining Dali's surrealism with the myth of the time god Chronos, it depicts a love story between the god and a woman named Dahlia.

Dalí believed he was the reincarnation of his brother, also named Salvador

Nine months before Dalí was born, his older brother Salvador passed away from a stomach infection. His parents named Dalí after him and due to his eerily similar appearance, his parents told him when he was five years old standing over the grave of his brother that he was his reincarnation. These ideas of reincarnation and references to his older brother permeate Dalí's works, suggesting that it had a big psychological impact on him.

To avoid paying restaurant bills, Dalí would draw on the backs of cheques

Dalí wasn't quite the dine and dasher, but he did cheat his way out of a few hefty restaurant bills. After hosting extravagant dinners for himself and a few friends, he would write out a cheque then scribble a drawing on its back. As nobody wanted to pass up the chance to own a Dalí original, more often than not restaurants wouldn't cash in the cheques.

Dalí had no illusions about commercial art

Dalí was practical in his approach to creating art, using his talents to create commercial pieces for big brands and for big bucks as well as endorse products himself in videos. His fellow artists viewed him as a sellout and nicknamed him 'Avida Dollars', an anagram of his name that translates to eager for dollars. Some of his most notable commercial accomplishments include the Chupa Chups and 1969 Eurovision logo, a jewellery line and he also appeared in commercials for brands like Alka Seltzer.

Dalí had extravagant taste and that carried through to his pets

Salvador Dalí had an ocelot named Babou, who he trotted around on a studded leash and collar to social gatherings and restaurants. Famously in Manhattan, Dalí took Babou to a restaurant where a fellow patron became frightened and he reassured them by explaining that his ocelot was simply 'painted over in an op art design'. If an ocelot named Babou sounds at all familiar, you won't have to look much further than the cartoon Archer and Cheryl's pet.

Dalí was well known for his bizarre antics

From arriving at a lecture dressed in a diving suit and helmet (which someone had to break him out of with a spanner when he nearly suffocated) to taking a Rolls Royce Phantom II filled with cauliflowers on a Spain-Paris road trip, Dalí was renowned for being just as surreal as his works. He also became obsessed with Hitler at one point, going as far as to paint a depiction of Hitler masturbating surrounded by horses.

Dalí wanted to be expelled from art school and got his wish

Dalí was expelled from the same art school not just once, but twice. While studying at the Academia de San Fernando, he was accused of inciting a student protest when the painter Daniel Vásquez Díaz was passed over for a professorship and expelled in 1923. He was allowed back in 1926, but again was thrown out when he told the panel assessing him that none of them were competent enough to judge him.

Dalí was married to Gala, who he met while she was already married

Elena Ivanovna Diakonova, who is better known by her nickname Gala, was initially married to surrealist poet Paul Eluard and Dalí fell immediately in love with her upon meeting her in 1929. Eluard and Gala were known for having an open marriage, but she eventually divorced him for Dalí (who she also had an open marriage with).

While Dalí was a defining figure of surrealism, he was expelled from the Surrealist Movement in 1934

His feud with André Breton, the leader of the Surrealist movement at the time, as well as his glorification of Hitler's Germany and neutral stance against Francisco Franco eventually led to his expulsion from the group, however he continued to be featured in their exhibitions.

In Dalí 's later years, he lost the ability to paint which sent him into a deep depression

At the age of 76, Dalí was diagnosed with a motor disorder named palsy which made it impossible for him to paint, let alone hold a brush. Coupled with his changing and sometimes violent attitude to his open marriage with Gala, her eventual death and his inability to create art left him utterly depressed.

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There's more to Salvador Dalí than just his moustache, discover more interesting Dalí facts below Eccentric, divisive and visionary are just a few words to describe Spanish artist Salvador Dalí and it's hard to say if there are any number of words that could encapsulate his complex extravagance.

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Etapas y carácteristicas del Expresionismo Alemán.

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La forma en que uno ve depende también de un estado emocional de la mente. Esta es la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto es lo que hace que el arte sea tan interesante.

El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos...)

Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo obsceno...

El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad...). Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.

Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, o El Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista -la "expresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión"-.

Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo... Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado, aislado... ¿Os suena...?

Hoy sigue existiendo el expresionismo... Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:

1. Etapa pre-expresionista: Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva la disección del alma humana.

2. (El puente). En 1905 nace en Dresde "un puente para sentar las bases de un arte de futuro". El grupo Die Brücke, liderado por pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista. Un poco de crítica social los convirtió en enemigos número 1 de la juventud alemana... y ya sabemos lo que le gusta a la juventud los enemigos Nº1.
El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.

3. Der Blaue Reiter: (El jinete azul). Surgió en Múnich en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en la que imperaba la libertad creadora y -otra vez- la expresión personal y subjetiva de las obras.
Distaban de Die Brücke por no tener una actitud tan temperamental, una plasmación casi fisiológica de la emotividad. Der Blaue Reiter pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción.

4. Finalmente hay que citar aparte el expresionismo libre de la Escuela de París, un grupo de gentes aún más variopinta que se crió en ese caldo de cultivo que fue el París de entreguerras (1905-1940). Como esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como "les maudits" (los malditos)- y crearon un arte heterodoxo, generalmente bohemio y torturado.

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Los expresionistas buscaron una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con esa visión trágica del humano en la que el individuo va a la deriva en una sociedad moderna, industri...

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1834Pintor y escultor, maestro del pastel y obsesionado por la danza (o más bien por las bailarinas) fue uno de los más célebres artistas vinculados al i…

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persistencia de la memoria (Dalí)

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Video breve sobre el Expresionismo

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Matisse

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Definición del Surrealismo.

Autores y obras representativas

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El hombre que no puede visualizar un caballo al galope sobre un tomate es un idiota. Breton André Breton fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación,...

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Wassily Kandinsky para niños

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Todo sobre el impresionismo

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¿Qué fue el IMPRESIONISMO? Características, obras y representantes🎨

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Fauvismo ¿qué es ?, sus diferentes características , artistas y sus diferentes obras.

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

El fauvismo o fovismo fue un movimiento pictórico de vanguardia que tuvo su origen en 1905 en París, Francia. La máxima plástica del fauvismo fue la exaltación del color, sustentada en la idea de que la creación surgía del instinto más que del intelecto o de los sentimientos.

Ahora bien, ¿cuáles son las características del fauvismo? ¿Cómo y cuándo se originó el arte fauvista? ¿Qué significa y de dónde proviene la palabra fauvismo?

Características de la pintura fauvista o fovista

En este segmento, podremos ver cuáles son las principales características del movimiento fauvista.

Exaltación del color

Aunque el fauvismo aún está atado a la representación de la naturaleza, es decir, de los objetos reconocibles, no busca la representación naturalista, sino exaltar el valor del color en sí mismo, al que prefieren usar en su estado puro y de manera directa.

Por ende, la obra fauvista hace gala de una coloración atrevida. Usa colores de manera brutal y con relativa arbitrariedad, procurando deliberadamente una sensación de disonancia que rompa la asociación del color con la representación de la realidad tal como ella es concebida.

Instinto e impulsividad

Más que indagar sobre los sentimientos o pensamientos del artista, el fauvismo exhibe el flujo del instinto creativo. En consecuencia, las líneas y los colores resultan de gestos impulsivos, pretendiendo con ello alcanzar la genuinidad atribuida a los niños o a lo "salvaje", es decir, a aquello que no ha sido "tocado" por el orden civilizatorio dominante.

Desinterés por la perspectiva y el modelado

Otro rasgo del arte fauvista fue el desinterés por la profundidad espacial, la perspectiva y el modelado y, con ello, por el claroscuro. Las figuras del plano fauvista suelen ser planas, y algunas veces aparecen delimitadas por gruesos contornos. Se desvanece, pues, la pretensión de construir imágenes que imiten el mundo visible.

Trazos espontáneos y sueltos

En coherencia con el sentido del instinto, en la pintura fauvista dominan los trazos espontáneos. Desde el punto de vista de la composición, estos trazos aparecen sueltos y suelen ser definitivos, esto es, no sujetos a perfeccionamiento y al acabado, ya que ello iría en contra de la "intuición". Así, muchas veces estos trazos derivaban en manchas que creaban efectos particulares.

Ausencia del trabajo al aire libre

Mientras que movimientos como el impresionismo se habían permitido trabajar al aire libre, el fauvismo, vuelve al trabajo en el estudio. No le interesa la observación de la naturaleza sino el lenguaje plástico, con énfasis en el color y su capacidad expresiva.

Temas del fauvismo

Los temas del fauvismo podían abarcar el espectro de los retratos, los paisajes, los objetos cotidianos, la relación idílica del ser humano con la naturaleza y las escenas de interiores.

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Contexto histórico y origen del fauvismo

Hacia finales del siglo XIX, el arte comenzaba una importante transformación, fruto de muchos procesos que convergieron. Por ejemplo, la influencia del romanticismo había animado a las generaciones siguientes a buscar un lenguaje personal y original. Por otro lado, la aparición de las tecnologías de la imagen, como la cámara fotográfica, incidieron en el modo en que era concebida la función del arte occidental.

Así, para el último tercio del siglo XIX, ya se veían propuestas arriesgadas como el impresionismo, el postimpresionismo, el simbolismo, el arte naif y otras corrientes. El fauvismo, de hecho, fue contemporáneo con el expresionismo alemán y, al igual que este, defendía la libertad expresiva.

El fauvismo logró abrirse espacio en el Salón de Otoño de París en 1905, que dedicó la sala número ocho a los artistas Henry Matisse, Maurice Vlaminck y André Derain. Pero las características de sus obras escandalizaron a la audiencia y, especialmente, a algunos críticos más conservadores. Los cuadros mostraban colores estridentes e incoherentes con la "realidad".

Aquello fue un espectáculo impactante y desafiante, de modo que el crítico Louis Vauxcelles se expresó de este modo: "Donatello chez les fauves", que en francés quiere decir: "¡Vaya! Donatello entre fieras". Así, lo que comenzó como una descalificación, fue asumido por los artistas como el nombre del nuevo estilo: "fauvismo", el movimiento de "las fieras".

No se puede decir que el fauvismo haya sido un movimiento con un manifiesto programático, como sí lo fue el futurismo, por ejemplo. Sin embargo, sus artistas compartían el interés por la exaltación del color y la intención de ruptura. En consecuencia, para el año 1908 el fauvismo se diluyó. Sin embargo, su influencia fue fundamental para la primera generación de vanguardistas.

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Principales artistas y obras del fauvismo

Henri Matisse (1869-1954)

Pintor, escultor, litógrafo y dibujante francés. Estuvo interesado en la composición más que en las figuras en sí. Abandonó la perspectiva, la profundidad espacial, el dibujo y el claroscuro para tratar el color como un valor en sí mismo. Recibió la influencia de Vincent van Gogh y del arte exótico. Fue una figura de gran importancia en la obra de Pablo Picasso y otros artistas de su generación.

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André Derain (1880-1954)

Pintor de origen francés. Trabajó con el uso de colores brillantes, trazos enérgicos y pinceladas sin continuidad. Fue ampliamente influenciado por Cézanne, lo que despertó su interés por el cubismo una vez que la oleada fauvista se diluyó. Años más tarde, volvió a un tipo de pintura que ha sido calificada como de tono "neoclásico", estilo que siguió desarrollando de allí en adelante.

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Pintor francés, proveniente de una familia de músicos. Incursionó en diferentes corrientes como el realismo y el expresionismo, y fue muy influenciado por la singular obra de Vincent van Gogh. Fue muy amigo de Derain, con quien estableció un estudio desde el que trabajaron juntos.

Raoul Dufy (1877-1953)

Pintor, grabador y decorador francés. En sus inicios, incursionó en el estilo impresionista de finales del siglo XIX. Gracias a la influencia que ejerció Matisse en él, se aproximó a la estética fauvista. Su obra estuvo caracterizada por el uso de la geometrización y el contraste de tonalidades.

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Fauvismo: qué es, características, artistas y obras

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Fauvismo

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vida y arte de Picasso

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🎨 PABLO PICASSO - Vida y arte | En 6 minutos

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Esta página nos muestra el expresionismo Alemán, resalta a Kandinsky y además nos muestra algunas de sus obras.

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EL EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKY

El expresionismo ha sido una constante en el arte alemán desde la Edad Media.

Trata de expresar emociones intensas distorsionando la forma y el color.

En 1905, 4 estudiantes de arquitectura fundaron en Dresde "El puente".

Se trataba de crear un movimiento que uniera el pasado y el futuro del arte alemán.

No eran seguidores del Impresionismo que tenia fama en esa época.

- Valoraraban el arte de las vidrieras góticas, las mascarás africanas, el arte de Matisse etc.

- Se llamaron "Los nuevos salvajes".

- Utilizaban la técnica de la xilografía: grabados en madera con seres angustiados.

- Las formas dramáticas parecen un preludio de la Primera Guerra Mundial.

En 1911, en Munich, surge el 2° grupo del expresionismo alemán, formado por Franc Marc y Vasily Kandisky y se llamo "el jinete azul" por un cuadro de Franc Marc (A 446) los caballos azules.

En realidad es un pintor de origen ruso.

En 1910 pintó su "Primera acuarela abstracta" (A. 447)

Vasily Kandisky (1866-1944)

Se trataba de la representación de un paisaje, visto cabeza abajo.

A partir de aquí realizó varios cuadros sin tema, elaborados con manchas de colores sin contornos geométricos precisos.

Para Kandinsky, el problema de la forma era secundario en el arte.

Defiende que hay que evadirse del realismo objetivo.

Su pintura se llena de manchas de color y de signos gráficos a los que da un valor emocional con los que quiere explicar su mundo interior.

Su obra inicia el camino de la ABSTRACCIÓN.

En 1.914, la I Guerra Mundial disuelve el grupo dé "El puente" (Die Brücke).

A finales de los años 40, los pintores norteamericanos imponen el expresionismo abstracto.

Kandisnky fue también músico y teórico del arte.

Realizaba comparaciones cromáticas (igualdad de colores) con los acordes musicales.

En 1917 regresó á Rusia y, tras el triunfo de la revolución, volvió a Alemania en 1921 con un estilo nuevo basado en el constructivismo geométrico de las vanguardias rusas.

En 1933 emigró a París, donde vivió hasta su muerte (1944).

Sus últimas obras se acercan al surrealismo de Miró: elementos curvilíneos inspirados en formas biológicas: amebas, protozoos y seres microscópicos.

Los artistas abstractos acabarán prescindiendo de los elementos figurativos, sus formas y colores no pretenden representar la realidad visual, y combinan formas y colores de acuerdo con una visión interior y subjetiva.

Obras de KANDINSKY

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EL EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKY. EL EXPRESIONISMO ALEMÁN: KANDINSKY El expresionismo ha sido una constante en el arte alemán desde la Edad Media. Trata de expresar emociones intensas

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Picasso fue un niño prodigio, y sus habilidades artísticas eran evidentes desde muy temprana edad. Nacido en 1881, el artista español se vio influenciado por Diego Velázquez y Francisco Goya, dos grandes maestros de su país natal, pero eventualmente se mudó a París. El pintor pasó la mayor parte de su vida adulta en Francia, tomando inspiración de todo el mundo, desde el trabajo postimpresionista de Cézanne hasta artefactos africanos.

Existen muchos detalles de la vida de Picasso que ayudan a entender el legado de su arte. Picasso era un individuo muy complejo (y hay quien lo llamaría difícil) y hubo varios eventos que marcaron su vida y su trabajo. A continuación te presentamos 10 datos curiosos que tal vez no sabías de Picasso y que te ayudarán a entender mejor al artista y sus creaciones. Si quieres saber más, también puedes adquirir una copia de la aclamada biografía de Picasso escrita por Patrick O'Brian.

1. El nombre completo de Pablo Picasso es mucho más largo de lo que crees.

El nombre Pablo Picasso es una hermosa aliteración, pero el nombre completo del artista en realidad es complicadísimo. Su nombre de bautizo consta de nada más y nada menos que 20 palabras: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Los nombres fueron elegidos de una lista de santos y de familiares. Curiosamente, su famoso apellido viene de su madre, María Picasso y López.

Explicando la decisión de adoptar el apellido de su madre, el artista dijo:"[Picasso] era más extraño, más resonante, que 'Ruiz'. Y esa es probablemente la razón por la que lo adopté. ¿Sabes qué es lo que me llamaba la atención de ese apellido? Sin duda la doble 's', que es muy poco común en España. Como bien sabes, Picasso es de origen italiano. Y el nombre que una persona tiene o adopta es importante. ¿Te imaginas si me presentara como Ruiz? ¿Pablo Ruiz? ¿Diego-José Ruiz? ¿O Juan-Népomucène Ruiz?"

2. Sus primeras palabras de niño auguraron su futuro.

Si bien las primeras palabras de muchos niños son "mamá" o "papá", Picasso nació para ser artista. Según la madre del artista, la primera palabra de Picasso fue "piz", haciendo referencia al lápiz que siempre llevaba en las manos.

3. Picasso fue un niño prodigio, e hizo su primera pintura a los 9 años.

El padre de Picasso, José Ruiz y Blasco, era pintor y profesor de arte, y no tardó en darse cuenta de que su hijo tenía un talento especial. Empezó a enseñarle a pintar a los 7 años. Ruiz era un académico estricto que creía firmemente que los artistas deberían de aprender copiando el trabajo de los grandes maestros, así como trabajando con modelos vivos. Los primeros dibujos y pinturas al óleo de Picasso muestran lo talentoso que era desde pequeño.

El artista completó su primera pintura, El Picador, cuando tenía 9 años, y a los 13 ya había sido aceptado en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Increíblemente, el joven artista había sido capaz de completar el riguroso examen de ingreso, que normalmente tomaba un mes en completarse, en sólo una semana.

4. El padre de Picasso dejó de pintar tras ver el gran talento de su hijo.

Aunque el padre de Picasso era artista y enseñaba en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, se dice que estaba fascinado por el talento de su hijo. La especialidad de Ruiz eran las palomas; un día, cuando Picasso tenía 13 años, su padre lo descubrió pintando sobre uno de sus bocetos de una paloma. Quedó tan impresionado por su trabajo que dijo que no volvería a pintar, ya que su hijo lo había sobrepasado. Existen pinturas posteriores de Ruiz, así que claramente no dejó la pintura del todo. Picasso y su padre tenían una relación complicada, y las peleas entre ellos eran frecuentes.

5. Era mucho más que solo un pintor.

Picasso no solo pintaba: también era escultor, ceramista, poeta, dramaturgo y escenógrafo. En cuanto a la escenografía, Picasso empezó a colaborar con la compañía parisina de los Ballets Rusos durante la Segunda Guerra Mundial. Diseñó vestuario y escenarios cubistas para varias de sus producciones, que se han ganado la admiración del público con el tiempo. Fue durante esta colaboración que Picasso conoció a su primera esposa, la bailarina Olga Khokhlova. Picasso empezó a escribir poemas más tarde en su vida, dedicándose en serio a la poesía después de su primer divorcio en 1935. El artista escribió más de 300 poemas entre 1935 y 1959. Durante los años 40 escribió dos obras de teatro, El deseo atrapado por la cola y Las cuatro niñas. Ambas eran piezas surrealistas escritas en forma de flujo de conciencia.

6. Lo acusaron de robar la Mona Lisa.

En 1911, cuando Picasso tenía 21 años, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci fue robada del Museo del Louvre. El poeta Guillaume Apollinaire fue nombrado como sospechoso del robo y Picasso era su amigo, por lo que ambos fueron interrogados. Eventualmente los dos fueron exonerados. Dos años después se descubrió al verdadero responsable del crimen: Vincenzo Peruggia, un empleado italiano del Louvre que creía que la pintura debería de estar en un museo italiano.

7. Picasso ayudó a inventar el collage moderno.

Junto con Georges Braque, el co-fundador del cubismo, Picasso inventó el collage tal y como lo conocemos hoy. De hecho, su nombre viene de la palabra francesa coller, que significa "pegar". Picasso no dudó en aplicar esta técnica a su arte, pegando fragmentos de papel tapiz y de periódico en algunas de sus pinturas. Fue el primer artista en incorporar el collage en las artes plásticas, continuando su legado de romper las reglas dentro del mundo del arte e introduciendo nuevos métodos para expresar su creatividad.

8. Es el pintor más prolífico del mundo.

En sus 75 años de carrera profesional, Picasso tuvo mucho tiempo para crear arte-y vaya que lo aprovechó. Picasso no solo pintaba: era una persona sumamente creativa, y usaba cada oportunidad y medio disponible para expresarse. Según el libro de Guinness World Records, el artista creó 13,500 pinturas y diseños, 100,000 impresiones y grabados, 34,000 ilustraciones para libros, y 300 esculturas y piezas de cerámica. Ningún otro artista se ha acercado a ser tan prolífico como él.

9. Sus cuadros son los más robados.

Dada la gran cantidad de obras de arte que produjo Picasso, no es sorprendente que también posea el récord de ser el artista con la mayor cantidad de obras de arte robadas, desaparecidas o en disputa. En 2012, el Art Loss Register registró 1,147 obras de Picasso como robadas. Uno de los atracos más famosos incluye el robo de una pintura de Picasso, así como cinco de otros artistas, del Museo de Arte Moderno de París en 2010. En su juicio en 2017, el autor del robo declaró que tiró todas las pinturas a la basura y fue sentenciado a 8 años de prisión.

En 2016, la multimillonaria y coleccionista de arte Wilma Tisch demandó a un marchante de arte en Florida al darse cuenta de que su cuadro de Picasso de 1929 estaba a la venta en su galería. La colección de Tisch era tan grande que no se había dado cuenta de que el cuadro había desaparecido; por lo visto una de sus amas de llaves había hurtado y vendido la pintura a la galería. El cuadro eventualmente fue devuelto a su legítima dueña por orden de un juez. Las obras de Picasso se venden por cantidades exhorbitantes de dinero en las subastas, por lo que, desafortunadamente, los robos seguirán siendo un problema.

10. Era un mujeriego.

La relación de Picasso con las mujeres era complicada, por decirlo de alguna forma. El artista estuvo casado dos veces, pero también tuvo varias amantes, resultando en cuatro hijos de tres mujeres diferentes. Estuvo casado con Olga hasta que ella falleció en 1955, aunque se habían separado en 1935 después de que Olga descubrió que le era infiel con Marie-Thérèse Walter, de 17 años de edad. Picasso se negó a dividir su patrimonio con Olga así que ella, de acuerdo a las leyes francesas, no tuvo más opción que seguir legalmente casada con él.

Muchas de las amantes de Picasso eran mucho más jóvenes que él, incluyendo a Françoise Gilot. Cuando se conocieron ella tenía 21 años; él, 61. Fue su musa y estuvieron en una relación durante 10 años, durante los cuales tuvieron dos hijos. En su memoria Life with Picasso, Gilot detalla su tumultuosa relación. Las múltiples infidelidades de Picasso causaron estragos tanto en las mujeres de su vida como en los miembros de su familia. La segunda esposa del pintor, Jaqueline Roque, no dejó que sus hijos con Gilot asistieran a su funeral. Roque eventualmente se suicidó, al igual que Marie-Thérèse, la mujer por la que destruyó su primer matrimonio.

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METAMORFOSIS DE NARCISO

Fuente de vida
de noches sin mañanas
yo puedo llegar al surtidor
donde he visto súbitamente
la imagen tan amada
que llevaba grabada
en el fondo de mis entrañas.

Yo sé dónde está
el pan de vida
tan blanco es
que cerrando los ojos
lo continuo a ver por transparencia
pan de vida
yo sé dónde está el horno
en las llamas del cual
he visto prefigurada
la imagen tan amada
de Gala tan amada
horno que las totémicas guirnaldas
le sirven de adorno.

Yo sé dónde está
en el fondo de la tierra
el bloque de mármol
donde está contenida
la imagen de Gala tan amada.
Cuatro elementos obsesionan mi Gala
aire, agua, fuego y tierra
que corresponden a mi Gala
que conocí antes de nacer.
¡Aire, aire! es el que respiro
de noche y de día
veo sin cesar la imagen de mi Gala tan amada
el recuerdo de mi Gala tan amada
donde respiro sin cesar
de noche y de día
¡el aire, el aire!
de mi Gala tan amada.

En el fondo sin mañanas
el agua se vierte sin fin
en el surtido del jardín
donde he visto detalladamente
el rostro de mi Gala
tan poco amada.