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Pavillon Bosio, Monaco, concours théorique 

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Pavillon Bosio, Monaco, concours théorique 

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à envoyer le 7 avril

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Pavillon Bosio Monaco, Concours théorique

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Mary Sibande photos des robes mises en scène

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Mary Sibande photos des robes mises en scène

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Mary Sibande | Her Majesty, Queen Sophie (2010) | Artsy

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From Strauss & Co, Mary Sibande, Her Majesty, Queen Sophie (2010), Colour digital print, 104 × 69 cm

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Jimmie Durham matériaux identitaire à mixer

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Jimmie Durham matériaux identitaire à mixer

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Non dépourvu d'une certaine ironie mais avec une réelle gravité, Jimmie Durham (1940, Houston-2021, Berlin) aborde à travers le détournement de clichés le thème complexe de la domination coloniale. Comme souvent dans le travail de l'artiste, Africa and Antinomianism (2010) est un assemblage d'éléments hétérogènes, naturels et manufacturés, composant un objet visuellement frappant et ambigu. La dimension symbolique du trophée évoque l'idée d'un prélèvement brutal sur un environnement naturel mais aussi culturel. Les tuyaux d'évacuation, recouverts en partie de tissu, dissimulent le crâne d'un koudou, une des antilopes les plus emblématiques d'Afrique, symbole de la nature sauvage des steppes, et dont les longues cornes en spirale jouent aussi un rôle important d'instrument de musique rituel dans certaines cultures du continent africain. Le titre de l'œuvre juxtapose deux réalités de nature différente en accolant au continent Afrique le terme " antinomisme ", issu du domaine de la philosophie et de la théologie. Celui-ci désigne une " doctrine hostile à la loi " et symbolise une tradition millénaire d'une pensée abstraite déconnectée de la vie réelle.

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Non dépourvu d'une certaine ironie mais avec une réelle gravité, Jimmie Durham (1940, Houston-2021, Berlin) aborde à travers le détournement de clichés le thème complexe de la domination coloniale. Comme souvent dans le travail de l'artiste, Africa and Antinomianism (2010) est un assemblage...

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Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre.

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Reconstitution poétique d’espaces perdus (maisons, lieux d’origine).

Architecture transparente = mémoire fragile.

Travaille le tissu, la soie.

Tu peux traiter la boutique chinoise comme architecture fantôme.

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Visiting-Artist Lecture: Do Ho Suh | Minneapolis College of Art and Design

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SONG DONG accumulation mémoire familiale 

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SONG DONG accumulation mémoire familiale 

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vêtement abris (rapport à l'architecture)

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vêtement abris (rapport à l'architecture)

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30 idées de Vêtement refuge | mode, impermeable, design de mode

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6 mai 2019 - Découvrez le tableau "Vêtement refuge" de Aurore Utopia sur Pinterest. Voir plus d’idées sur le thème mode, impermeable, design de mode.

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vêtement refuge (architecture de l'abris) Orta

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vêtement refuge (architecture de l'abris) Orta

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Rebecca Horn le vêtement comme prothèse pour augmenter le corps

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Rebecca Horn le vêtement comme prothèse pour augmenter le corps

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L’artiste. Les « fantasmagories corporelles » de Rebecca Horn

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Le musée Tinguely de Bâle propose, depuis le 5 juin et jusqu’au 22 septembre, une exposition consacrée à l’artiste Rebecca Horn. Ses « fantasmagories…

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Chinois ou japonais (les deux pays en revendiquent la paternité), l'origami - un art du pliage né au VIème siècle - est aujourd'hui encore une source d'inspiration pour les designers. Pas étonnant donc que le plissé ou l'imitation des plis soient toujours une valeur sûre du textile, de la mode et de la déco ! Plions-nous à l'art de la revue des tendances de ce printemps-été 2019 en matière de pliage...

Une mode plissée

Lorsque l'on parle du plissé dans la mode, impossible de ne pas commencer par le couturier japonais Issey Miyake, LA référence en matière de plissé. Car même si ce n'est évidemment pas lui qui l'a inventé, il l'a fortement remis au goût du jour dans les années 1980 !
collection printemps été 2019 ©IsseyMiyake
Et pour en arriver là, un mot sur la technique : pour réaliser un plissé, le plisseur utilise un moule à plisser, composé de deux feuilles de carton pliées au motif souhaité. Le tissu, placé entre les deux feuilles, séjourne alors dans une étuve afin de marquer les plis. Évidemment, en France, les artisans plisseurs sont rares, seules les plus grandes maisons de haute couture font appel à eux !

Pour autant, Issey Miyake continue de perpétuer la tradition du plissé et fait même de plus en plus d'émules. En ce printemps-été 2019, découvrons le travail du directeur artistique de la marque italienne , Pierpaolo Piccioli. A Paris, il a offert à ses fans quelques robes très influencées par l'origami. En noir ou en rouge, les plis sont là pour dessiner la silhouette des femmes. Un art du plissé qu'il maitrise à la perfection !

défilé printemps-ete-2019 ©Valentino // défilé printemps-ete-2019 ©Balmain

Même travail parfaitement maitrisé chez avec une folie supplémentaire et des volumes qui ne devraient pas laisser indifférents les adeptes du plissé. Olivier Rousteing, le facétieux directeur artistique de la maison, joue sur les plis pour donner au blanc de ses robes la théâtralité nécessaire à la haute couture !

Des murs et des sols à tendance origami

Passons à la maison, également très joli terrain d'expérimentation pour les designers, amoureux des plis et de l'origami. Que les plis soient réels ou sur des motifs au style chinois ou japonais, l'illusion d'une touche asiatique dans votre intérieur sera parfaite !

Et commençons par l'éditeur de tissus et de papiers peints , une maison fondée en 1928 et qui a toujours su s'entourer d'artistes de talent pour ses productions. Pour preuve, ce papier peint sur lequel on découvre une irrésistible palette de matières et de tons précieux mélangeant plis et marqueterie.

papier peint ©Nobilis // tapis ©St Maclou

La maison propose quant à elle Formentera - Juego de Paja. Un papier peint qui porte le nom de la plus petite île des Baléares et qui offre un magnifique jeu de paille (Juego de Paja) façon origami. Un travail inspiré des motifs japonais que l'on doit donc à Elitis, cette jeune maison toulousaine, éditrice de papiers peints, fondée en 1988. Sa marque de fabrique, vous l'aurez compris : le motif minéral et le motif végétal !

De son côté, 4 Murs propose , un papier peint intissé couleur chêne qui instaurera dans votre intérieur une ambiance à la fois contemporaine, chaleureuse et cosy. Le bois précieux est imité à la perfection et revisite aussi à merveille l'esprit club anglais et origami. Très élégant, ce plissé ne laissera personne indifférent...

papier peint ©4murs // papier peint ©Elitis

Le distributeur de papier peint Wall and Deco ose pour sa part le mélange de l'origami et des motifs Art Déco avec , un papier peint qui surfe donc sur deux des tendances actuelles : les années 20 et le plissé. Un travail raffiné que l'on doit au designer milanais multi casquette Lorenzo de Grandis.

Et pour clore le chapitre murs et sols, une idée pour votre salon avec ce tapis Saint-Maclou, intitulé . Des motifs plus géométriques, mais qui une fois encore respectent parfaitement la tendance du plissé et de l'origami. Ses couleurs douces en feront un élément apaisant de votre maison !

papier peint ©Wall & Déco

Des tissus qui se plient à la tendance

En matière de tissus, découvrons la proposition d' avec ce coussin plissé en lin et coton rose, : une très belle façon de jouer sur les effets de matières ! Un coussin qui arbore une face plissée très visuelle qui donnera à votre intérieur une allure chic qui n'est pas sans nous rappeler la haute couture !

Enfin, passons du rose au bleu orageux avec , le papier peint de la maison . Une belle interprétation des mouvements de l'eau qui s'expriment par le plissé. On remarquera aussi les dégradés façon " tie and dye " ... parfait pour une chambre où il fera bon s'endormir !

Assurément, la tendance origami est une promesse de beaux volumes et de belles silhouettes ! Des plis ; ou des motifs rappelant les plis ; qui apporteront à votre intérieur ou à vous-même, douceur et poésie... deux valeurs extrêmement précieuses face à la dureté du monde !

A lire :

Plissage : comment créer des plis sur un textile ?

TENDANCE WABI-SABI : C'est le slow de l'année !
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ORIGAMI : Pliez-vous à la tendance du plissé ! - Textile Addict

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Chinois ou japonais, l'origami l',art du plissé né au VIème siècle, est aujourd'hui encore une source d'inspiration pour les designers

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Un monde de plis, à Paris

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Féminismes et autres engagements

Sheila Hicks, Palitos con Bolas, 2008-2015, Centre Pompidou, Paris, Don d'Itaka Martignoni et Cristobal Zañartu en 2017, © Centre Pompidou, 2017 © ADAGP, Paris

" Les travaux d'aiguille, autrement dit la couture, la broderie, la dentelle, la tapisserie et le tricot, font historiquement partie de la vie des femmes. ", Aline Dallier-Popper, historienne de l'art et critique d'art, 1976.

À la fin du XIX e siècle, les travaux d'aiguille s'extraient de la sphère domestique et émergent peu à peu dans le monde de l'art : au sein du mouvement Arts and Crafts, puis dans des avant-gardes européennes. Principalement utilisé par des artistes femmes, ils vont nourrir de nombreux travaux plastiques. Sophie Taeuber-Arp et Sonia Delaunay les intègrent à leurs œuvres et déconstruisent progressivement les frontières entre arts appliqués, design et arts plastiques. Anni Albers puis Sheila Hicks se réapproprient des techniques et/ou matériaux traditionnels et tissent des liens entre l'art et l'artisanat. Le textile se libère alors de sa fonction utilitaire ou décorative et devient un médium artistique à part entière.

Son usage dans l'art s'impose à partir des années 1970, en écho aux mouvements féministes. Détournant les usages des travaux d'aiguilles, des artistes réalisent des œuvres soulevant une réflexion sur la condition des femmes et les rôles qui leur sont traditionnellement assignés : Raymonde Arcier ( Au nom du père, 1977) dénonce la servitude domestique ; Annette Messager ( Ma collection de proverbes, 1974) critique les stéréotypes de genre. Ce médium et ses techniques deviennent des outils d'expression et de revendication féministe. L'utilisation du textile par les artistes ne constitue pas un mouvement en soit mais est pratiquée de manière hétérogène : Ghada Amer associe peinture et broderie à ses toiles ( Ma lune noire-RFGA, 2016), Françoise Janicot réalise des performances avec des ficelles ( L'Encoconnage, 1972), Milvia Maglione utilise le tissu comme support d'accrochage ( Dédicacé à L., 1973). Qu'elles soient revendicatives (Hessie, Grillage, 1972-75) ou plus personnelles (Louise Bourgeois, Needle (fuseau), 1992), les pratiques textiles s'apparentent à un langage dont les artistes s'approprient les codes.

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L'art textile - AWARE Women artists / Femmes artistes

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" Les travaux d'aiguille, autrement dit la couture, la broderie, la dentelle, la tapisserie et le tricot, font historiquement partie de la vie des femmes. ", Aline Dallier-Popper, historienne de l'art et critique d'art, 1976. À la fin du XIXe siècle, les travaux d'aiguille s'extraient de la...

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Naissance

Décès

Sépulture

Nom dans la langue maternelle

Handl

Nom de naissance

Pseudonyme

Hantai, Simon

Nationalité

Activité

Lieux de travail

Conjoint

Enfant

Daniel, Marc, Jérôme, Pierre, Anna

Simon Hantaï, né Simon Handl le à Bia (aujourd'hui Biatorbágy) en Hongrie et mort le à , est un peintre français d'origine hongroise.

Son œuvre étonne par les multiples chemins artistiques du siècle parcourus (peinture surréaliste, gestuelle, all-over, d'écriture, par pliage...). Hantaï fascine par les sommets de ses différentes périodes, des peintures résolument singulières, inédites dans l'histoire de la peinture occidentale (cf. Sexe-Prime, Écriture rose, À Galla Placidia, Mariales, Meun, Tabula, Laissée ...). Il interroge aussi par le silence, la réserve où il s'est tenu : en 1982, Hantaï, au faîte de la reconnaissance, se retire de la scène artistique pendant de longues années.

Simon Hantaï est le deuxième de trois enfants d'une famille d'origine souabe, de confession catholique et de langue allemande.

Il n'apprend le hongrois qu'à l'école,. Il change de patronyme en 1938, son père ayant préféré utiliser le patronyme Hantaï, à consonance plus hongroise, en réaction à la politique allemande.

Destiné à des études d'ingénieur, Hantaï s'inscrit contre toute attente à l'École des beaux-arts de Budapest. La guerre est pour lui l'occasion de prises de position politiques (soutien des Russes contre les Allemands) et artistiques : ainsi, pour une harangue anti-allemande tenue à l'École des beaux-arts (), il est arrêté par les Croix fléchées, mais réussit à s'échapper.

Ses œuvres hongroises sont figuratives, porteuses d'influences diverses, principalement celles d' Henri Matisse et des peintres nabis. L'accent n'est guère mis sur les personnages, de peu de volume, mais davantage sur les fonds travaillés où l'on trouve déjà giclées, coulures, brossés à grands traits, etc..

Plaque 21, cité des Fleurs à Paris.

En 1948, avec son épouse Zsuzsa Biro, jeune peintre rencontrée aux Beaux-Arts de Budapest, il projette de séjourner à Paris, grâce à une bourse promise dans leur pays. Dans l'attente d'un visa français qui tarde à leur parvenir, le couple décide de partir pour Rome et parcourt l'Italie, où Hantaï découvre " Piero della Francesca, Masaccio, la Madonna bleu-noir de Giotto aux Offices ". Rejoignant Paris à l'automne, ils apprennent que leur bourse leur est finalement refusée et qu'ils doivent rentrer en Hongrie. Ils prennent la décision de rester en France : installés d'abord dans une chambre d'hôtel dans l' île Saint-Louis, puis rue Servandoni, ils aménagent finalement cité des Fleurs, dans le arrondissement ; une plaque commémorative lui rend depuis hommage.

Hantaï découvre le Louvre, le musée de l'Homme (" Le Musée de l'homme était mon Louvre " était une formule fréquemment utilisée par Hantaï,), parcourt les galeries (notamment La Hune, Nina Dausset, galerie René Drouin), les expositions, et fait de très nombreuses découvertes : notamment les papiers découpés de Matisse exposés pour la première fois en 1949, Max Ernst, Wols, Jean Dubuffet, Picasso, André Masson, etc. Hantaï - selon ses propres dires - expérimente alors en tous sens, sur tout type de support, différentes techniques : " collage, frottage, grattage à l'aide de lames de rasoir, coulures et même pliage " (Hantaï). En 1950, à la suite de sa rencontre avec la peintre Joan Mitchell, il est invité à participer à une exposition collective à la galerie Huit, au milieu de peintres américains ( Jules Olitski, Sam Francis ...) : c'est sa première exposition parisienne.

Le jour de ses trente ans, le , Hantaï dépose un petit tableau-objet non signé devant la porte d' André Breton, rue Fontaine. En passant devant la devanture de la galerie À l'étoile scellée peu après, Hantaï découvre que son œuvre y est exposée et se fait connaître à Breton. Celui-ci lui propose sa première exposition personnelle, qui aura lieu en janvier-. André Breton écrit la préface du catalogue : " C'est Simon Hantaï, à qui font cortège les êtres fabuleux que son souffle a doués de vie et qui se déplacent comme nuls autres, en ces premiers jours de 1953, dans la lumière du jamais vu. " Hantaï illustre le premier numéro de la toute nouvelle revue surréaliste Médium. Cependant, adoptant une attitude critique envers le groupe surréaliste, il écrit avec Jean Schuster l'essai Une démolition au platane (). Son importance théorique est soulignée par sa publication en janvier 1955 dans le numéro 4 de Médium.

Le texte vise à provoquer une crise salutaire au sein du groupe - il s'agit ni plus ni moins de sauver la peinture surréaliste engluée dans " la persistance de certains procédés " et dans la croyance " que l'image, qui continue d'être le véhicule poétique par excellence, pouvait, par simple transposition, passer du message verbal au message graphique ". Le texte propose de revenir aux fondamentaux surréalistes, à savoir la définition d'une peinture intérieure, libérée de la psychologie rationalisante par l'automatisme psychique. L'œuvre de Marcel Duchamp La Mariée mise à nu par ses célibataires, même est citée comme la voie à suivre. Devant l'absence de réactions et en raison de profonds désaccords sur les objectifs de toute peinture, Hantaï s'éloigne alors peu à peu du groupe.

Il pense alors que la seule voie possible passe par la dissolution du groupe surréaliste et veut en convaincre Breton. Il rédige alors avec Jean Schuster un texte dans ce sens : " travail long et difficile avec Schuster pour en arriver au texte de la conclusion " (Hantaï). Le document abandonné n'a pas été retrouvé.

La dernière exposition de Hantaï sous l'étiquette surréaliste est Alice in Wonderland (1955), organisée par le critique Charles Estienne. Elle associe peintres surréalistes et peintres d'autres tendances et met particulièrement en avant les œuvres de Hantaï en tant que pont entre l'art surréaliste et les tendances les plus modernes (peinture abstraite, gestuelle, tachisme...). En mars 1955, Hantaï annonce à Breton par lettre sa décision de quitter le groupe ; Breton n'a rien voulu entendre à propos du rapport entre l'action painting de Jackson Pollock et la théorie de l' écriture automatique.

Hantaï entame une série d'actions plus ou moins provocantes destinées, selon lui, à marquer de manière définitive sa rupture avec le groupe : " Il me fallait cette situation impossible, la fuite en avant, indéfendable, compromettante, irrémédiable, outrance obscène, chiffon rouge agité devant les yeux des surréalistes et des autres, après l'ennui et l'effort naïve [sic] et inutile pour changer la vie du groupe " (Hantaï).

Toujours cité des Fleurs, la famille Hantaï s'installe dans l'atelier plus vaste occupé auparavant par Ellsworth Kelly reparti aux États-Unis en 1954.

Depuis quelque temps, Hantaï peaufine une nouvelle méthode de peindre : il peint d'abord l'ensemble de la surface avec des couleurs vives, puis la recouvre d'une couche grasse foncée allant du brun au noir, qu'il va ensuite travailler dans le frais, la raclant en de grands gestes amples à l'aide de divers ustensiles (rasoir, pièce détachée d'un réveille-matin...), raclures qui prennent la couleur de la couche colorée. Le résultat est tout à la fois un " all-over " à la Pollock, une peinture négative (le trait est obtenu par enlèvement de matière) et une peinture gestuelle puissante, d'autant plus comparable à celle de Georges Mathieu (découvert en 1954) que les formats sont très grands.

L'influence de Pollock et Mathieu se manifeste pleinement lors de sa deuxième exposition particulière Sexe-Prime. Hommage à Jean-Pierre Brisset et autres peintures de Simon Hantaï (-) à la Galerie Kléber, chez Jean Fournier, début d'une collaboration qui ne s'achève qu'à la mort de ce dernier en 2006. Hantaï conçoit le carton d'invitation qui contient un long texte-manifeste, significatif sur sa nouvelle orientation (transe, vitesse, abandon de soi, automatisme, références à Georges Bataille ...).

Hantaï participe aux côtés de Jean Degottex, Judit Reigl et Claude Viseux à l'exposition Tensions organisée par la galerie René Drouin (juillet-).

En , Simon Hantaï critique de nouveau l'attitude des surréalistes face à l' insurrection de Budapest, notamment la récupération qui en est faite dans le tract Hongrie, Soleil levant.

Du 7 au , Mathieu et Hantaï organisent Les Cérémonies commémoratives de la deuxième condamnation de Siger de Brabant, une suite de quatre manifestations/performances (prenant pour prétexte la condamnation par l'Église de Siger de Brabant, adversaire de Thomas d'Aquin, le ). Hantaï, qui participe en réalité très peu au projet - se brouillant rapidement et définitivement avec Mathieu, veut poser la question de la religion - l'" ultime tabou" surréaliste selon lui. Le groupe surréaliste réagit effectivement en publiant le tract Coup de semonce () : " Le surréalisme ne laissera pas un cléricalisme fasciste se développer sur le plan théorique, à l'abri des divagations de quelques peintres en mal de gigantisme verbal. ".

En , Hantaï expose Peintures récentes. Souvenir de l'Avenir. À cette occasion, il rédige son troisième et dernier manifeste les Notes confusionnelles, accélérantes et autres textes pour une avant-garde "réactionnaire" non réductible.

Cette période, de complète remise en cause - constituée d'une vingtaine de toiles, bon nombre ayant été détruites - s'articule autour de deux œuvres majeures Peinture 1958-59 dite Écriture Rose et A Galla Placidia.

L'Écriture Rose a été réalisée pendant 365 jours (une année liturgique entière) : chaque matin Hantaï recopiait les textes quotidiens du missel en y ajoutant un ensemble de textes de philosophes et de mystiques principalement. L'œuvre a été réalisée à l' encre de Chine de différentes couleurs (rouge, vert, violet, noir) - selon le temps liturgique, mais elle paraît rose. Cette couleur rose est en quelque sorte une couleur épiphanique, non utilisée par le peintre.

Si le matin était consacré à l'" C'est Écriture rose, l'après-midi l'était à A Galla Placidia. Œuvre d'une finesse extrême constituée d'une infinie multitude de petits traits de différentes couleurs, elle offre un " velours " unique, où jouent des nuances subtiles d'ombres et de lumières. Le nom de l'œuvre renvoie aux jeux de couleurs propres aux mosaïques du mausolée de Galla Placidia, à Ravenne. ma peinture, je l'ai beaucoup regardée. Elle m'échappe et m'impressionne ". (Hantaï)

Ces deux œuvres marquent un tournant important dans l'œuvre de Hantaï :

l'aspect religieux est manifeste (Écriture rose se voulait un hommage au père jésuite Gaston Fessard, A Galla Placidia fait clairement référence aux premières mosaïques chrétiennes)

elles sont complètement abstraites : aucun motif, même le fond et la forme encore nettement séparés lors de périodes des raclages ne forment plus qu'un tout unique.

le format est immense : le regard de près et de loin sont très différents (posant la question de ce que l'on voit)

la réalisation en est répétitive, fastidieuse, contraignante : on a parlé d'exercices spirituels (Ignace de Loyola), de rituel, tout au moins peut-on parler d'épreuves de volonté

elles s'appuient sur des techniques anciennes, se confrontant donc résolument à la tradition picturale

les traits n'ont clairement plus la subjectivité qu'ils pouvaient avoir dans toute la " peinture gestuelle " des périodes précédentes, la peinture de Hantaï s'éloigne encore un peu plus de l' " expression de soi "

leur réalisation consiste en des gestes courts, cassés, fragmentés, humbles - complètement à l'inverse des gestes explosifs, tonitruants des œuvres antérieures

elles créent toutes deux une épiphanie - surtout si l'on prend du recul - celle d'une couleur révélée (rose) ou d'éclats tamisés d'ombres et lumières. L'aspect est au-delà de ce qui est posé sur la toile.

On a cependant pu mesurer leur importance que tardivement : Hantaï n'a présenté Écriture rose qu'en 1976 et A Galla Placidia qu'en 1998 lors de sa donation (soit près de 40 ans après sa réalisation!).

Cette période ne se résout pas seulement à ces deux œuvres. Hantaï a essayé simultanément de multiples voies :

Peinture dite Touches claires, 1958-59, huile sur toile, 302,5 × 201 cm, Paris, Centre Pompidou, don de l'artiste 1984, Inv. AM 1984-781,.

" considérée par l'artiste comme formant triptyque avec Peinture, 1958-59, huile et feuille d'or sur toile, 239 × 330 cm, Paris, coll. part,, qui constitue une sorte d'immense monochrome or : elle est constituée de fines plaques d'or posées sur un fond rouge - reprenant ainsi la technique gothique des panneaux dorés. Cette œuvre exposée pour la première fois en 1999 [sic] est Écriture Rose et A Galla Placidia ".

Peinture, 1958-59, huile sur toile, 175 × 275 cm, coll. part,, une autre expérience d'écriture, qui vue de loin donne à voir un ciel d'encre.

Peinture, 1958-59, huile et encre sur toile, 200 × 137 cm, coll. part,, autre œuvre d'écriture.

Peinture, 1959, huile sur toile, 177,5 × 295,5 cm, coll. part, est un monochrome de fines couches rouge-orange recouvrant un fond gris-bleu, que l'on perçoit par transparence.

L'ensemble de ces questionnements allait cependant trouver fin 1959 un aboutissement dans la technique du pliage.

Le pliage comme méthode (1959-1982)

Bien qu'utilisé dans plusieurs œuvres antérieures comme un procédé parmi d'autres, le pliage va être systématisé par Hantaï à partir de 1960 : la toile pliée, froissée, est peinte, puis dépliée. La couleur, qui s'est déposée de façon discontinue, apparaît en éclats répartis à travers l'espace de la toile et fait jouer sur le même plan les réserves.

" La peinture existe parce que j'ai besoin de peindre. Mais cela ne peut suffire. Il y a une interrogation sur le geste qui s'impose. Le problème était : comment vaincre le privilège du talent, de l'art, etc. ? Comment banaliser l'exceptionnel ? Comment devenir exceptionnellement banal ? Le pliage était une manière de résoudre ce problème. Le pliage ne procédait de rien. Il fallait simplement se mettre dans l'état de ceux qui n'ont encore rien vu, se mettre dans la toile. On pouvait remplir la toile pliée sans savoir où était le bord. On ne sait plus alors où cela s'arrête. On pouvait même aller plus loin et peindre les yeux fermés. "

- Hantaï

À partir de 1960, il décline ses abstractions par séries, tantôt très blanches, tantôt plus colorées, brutes ou fines, flottantes ou géométriques qu'il poursuit jusqu'en 1974.

Les premières séries s'intitulent :

Le Mur, dits : Les Manteaux de la Vierge ou Mariales (1960-62) : " Une fois la toile pliée (ou plus exactement, froissée de bord en bord), les parties visibles sont peintes avant d'être dépliées puis tendues, créant, avec les zones laissées en réserve, un espace totalement couvrant. Ces toiles sont repérées par une lettre qui correspond à la méthode utilisée (A pour les toiles régulièrement pliées, B pour les monochromes, C pour celles deux fois pliées, D pour les toiles préalablement éclaboussées de peintures) et suivies d'un numéro d'ordre " (Hantaï). L'ensemble de la série comporte 27 peintures : 8 m.a. (1960) très colorées, 6 m.b. plus monochromes (1960-61), 9 m.c (1962) et 4 m.d. (1962).

La Porte, dits : Les Catamurons (1963-64) : Dans cette série, " la toile pliée est peinte, puis recouverte d'une couche de peinture blanche ; ensuite les quatre bords de la toile sont repliés, et le carré restant est froissé et de nouveau peint plusieurs fois. Parfois, les quatre côtés sont repliés sans être peints ni préparés " (Hantaï).

" reflète la nécessité d'un retour à l'embryonnaire, au cellulaire, à la saucisse cosmique d'Maman! Maman! dits : La saucisse ultérieurement dénommées Les Panses (1964-65) : cette série Henri Michaux et un refus de solution formelles préconçues. La toile est nouée aux quatre angles, en un sac informe, avant d'êtres peinte et pliée plusieurs fois, puis tendue. Les formes ainsi obtenues flottent dans un espace non peint. " (Hantaï).

En 1966, Hantaï prend la nationalité française. La famille s'installe à Meun, en forêt de Fontainebleau. Hantaï arrête de peindre une année entière.

Meun devient le lieu éponyme de la nouvelle série, les Meuns (1967-68) : " la toile nouée aux quatre angles, et parfois en son centre, est recouverte d'une peinture monochrome. Le blanc, déjà important sur la périphérie, pénètre désormais la forme " (Hantaï). En fait, tous les Meuns ne sont pas monochromes comme on l'a longtemps cru jusqu'à l'exposition de 1999 à Münster. Le blanc, non-peint apparaît ici pour la première fois de manière évidente et le contraste avec les toiles sombres, all-over de la période gestuelle est énorme. Dans un premier temps, d'ailleurs, Hantaï n'appréciait pas ce blanc : " Cela ne correspondait à rien ". Du coup, suivait un autre pliage pour diminuer les surfaces blanches et l'obtention de Meuns polychromes. Mais Hantaï découvre que les monochromes, sous certaines conditions d'éclairage, font clairement apparaître une couleur phénoménale (mais d'un autre type que celle d'Écriture rose) : par exemple d'un Meun monochrome jaune émane une lumière rosée, soit une couleur non liée directement à un pigment de la toile mais à un " effet sensoriel et imprévu ". Une autre conséquence est de rendre la toile beaucoup plus " dynamique ". Quant au blanc qui rend possible cette apparition, il prend une place de plus en plus importante dans l'œuvre de Hantaï. Enfin, autre raison du succès de cette série, pour la première fois des œuvres semblent à même de dialoguer avec les œuvres de Matisse, avec ses découpes, ses Nu bleu surtout.

Il participe en 1967 à l'exposition " Dix ans d'art vivant (1955 - 1965)" à la Fondation Maeght à Saint-Paul-de-Vence, dont il est le premier lauréat.

Au même moment, une rétrospective portant sur l'ensemble des pliages Peintures 1960-67 (du au à la Galerie Jean Fournier) permet à Hantaï d'exprimer une théorisation de son utilisation du pliage - vécue jusque-là de manière principalement empirique, qui radicalise des expressions comme " le pliage comme méthode ", " silences rétiniens " ou encore " peinture à l'aveugle ".

Du au , la Fondation Maeght organise une importante exposition personnelle.

L'exposition de 1969 " Pour Pierre Reverdy " à la galerie Jean Fournier présente les premières œuvres de la nouvelle série des Études (1969-71): " la toile froissée, régulièrement pliée, reçoit une peinture monochrome (rouge, bleue, verte, violette, noire). Après dépliage, les zones en réserve apparaissent et entrent en interaction avec les zones peintes sur l'ensemble de la toile " (Hantaï). On a pour la première fois une équivalence voulue du peint et du non-peint - " Le peint n'est plus là pour lui-même, mais active le non-peint exclusivement. Le non-rapport est le rapport " (Hantaï), distribués par les variations méthodiques d'un motif monochrome répété de bord à bord (retour au 'all-over'). D'autre part, la couleur est uniforme, sans qualité et constitue un nouvel effacement de la main (a contrario des " Meun "). Cet effacement trouve son accomplissement dans la réalisation des Études en sérigraphies puisque les traces de plis dans les parties blanches comme dans les parties colorées disparaissent complètement.

Les deux séries suivantes s'intitulent Aquarelles (1971) et Blancs (1972-74) : " le pliage est conçu de telle sorte que les zones colorées restreintes activent le blanc et en révèlent la multiplicité des valeurs. Ce sont les éclats colorés qui tiennent le rôle habituellement dévolu aux parties non peintes " (Hantaï).

Puis suivent les premières Tabulas (1972-76), du mot latin signifiant " table " ou " planche " qui évoque aussi le tablier de sa mère. " Des nœuds placés à intervalles réguliers produisent, une fois la toile recouverte de peinture monochrome puis dépliée, un grand nombre de petits carrés ou rectangles. L'effet de quadrillage obtenu, contrebalancé par l'éclatement et la pénétration du blanc dans la couleur aux entrecroisements, souligne l'interaction entre fond, couleur et forme " (Hantaï).

En 1973, le Musée d'art et d'industrie de Saint-Étienne expose une grande rétrospective de ses œuvres. Hantaï achève une première commande publique : un mur de 3 × 14 m pour un collège de Trappes (aujourd'hui Collège Youri Gagarine).

En 1976, du au , c'est la consécration de l'importante rétrospective " Hantaï " au Musée national d'art moderne de Paris.

À partir de , Hantaï cesse de peindre pendant 3 ans et demi. Peintre célébré, il traverse une crise et s'interroge sur la place de l'art dans la société et sur son propre rôle face à l'économie triomphante du marché de l'art.

" Tout me paraît dans la vie culturelle le fonctionnement de Beaubourg si décourageant, ignominieux même, pire qu'au moment de ma venue en France, mais cette fois-ci je ne vois pas d'où pourrait venir une air [sic] respirable. L'esprit de compromis, de non-courage, absence d'idées directives, sinon l'idée d'un marché aux puces généralisé et d'amusement. Cette fois tout le monde est DEDANS, et travaille pour le même rendement production d'une culture de racaille. Puisque tout [est] valable et ne tire pas à conséquence, tout est rien. [...] Comment sortir de ce merdier ? "

- Hantaï

Du à la mi a lieu une nouvelle exposition personnelle à la Galerie Jean Fournier Peintures et ensembles variables 1976-1977.

: La famille Hantaï s'installe à Paris, près du parc Montsouris, Meun restant leur maison de campagne.

En 1980, Hantaï aborde une nouvelle série de Tabulas dite Tabulas II (1980-82) : les modules tabulaires sont plus grands et interagissent davantage avec le blanc du fond, provoquant notamment de larges " étoilements " aux intersections. Il reçoit le Grand Prix national des Arts plastiques.

L'exposition " Simon Hantaï 1960-1976 " au CAPC/Entrepôt Lainé à Bordeaux (1981) est l'occasion de présenter des toiles immenses, jusqu'à 9 mètres sur 15.

1982 : Hantaï expose à Osaka, à New York (André Emmerich Gallery).

Du au , invité par Dominique Bozo et Alfred Pacquement, il représente la France à la Biennale de Venise, avec 18 vastes Tabulas réalisées entre 1974 et 1981. Mais pour Hantaï, cet événement est davantage ressenti comme un échec : son projet initial d'" investir la totalité des murs pour inonder et saisir le visiteur dans un espace de peinture, nous y inclure absolument comme l'artiste dans son atelier " (Dominique Bozo) ne peut se réaliser ; de plus certaines Tabulas ne sont pas montées sur châssis - exigence que Hantaï a répétée inlassablement tout au long de sa vie; enfin les Tabulas doivent laisser l'espace central aux œuvres de Toni Grand, ce qui " sans doute [...] rétrospectivement [était] une erreur " (A. Pacquement).

Toujours en 1982, a lieu l'importante exposition Tabulas Lilas (Galerie Fournier) : 5 tabulas agrafées aux murs et deux autres au sol constituent un " accomplissement extrême " : de grandes tabulas blanches qui, sous la lumière, à la lisière de la peinture blanche et du support de lin blanc, laissent apparaître une couleur phénoménale de tonalité lilas, référence à Goethe et à Matisse.

Alors au sommet de la reconnaissance, Hantaï annonce renoncer à toute activité publique et se retire. Comme il l'expliquera par la suite, " c'est son enrôlement par l'économie que j'ai quitté et par-dessus tout sa fonction de bouche-trou " (Hantaï ).

Pendant quinze ans, le retrait de Hantaï est complet : il refuse toute proposition d'exposition (notamment celle de Dominique Bozo au Centre Pompidou en 1986, d'Alfred Pacquement en 2000...), ne s'exprime plus publiquement. Les expositions réalisées pendant cette période (jusqu'en 1997) le seront en dépit de sa volonté et sans sa participation. Il peint encore jusqu'en 1985, et son atelier parisien s'emplit d'une multitude de peintures qui ne seront jamais montrées.

Les interlocuteurs de Hantaï sont alors des philosophes (parmi lesquels Hélène Cixous, Gilles Deleuze, Jacques Derrida, Georges Didi-Huberman, Jean-Luc Nancy...) avec lesquels il échange et participe à la rédaction d'ouvrages. Puis Hantaï entreprend un travail réflexif, principalement sur ses œuvres de grands formats des années 1981-82 : il enterre certaines de ses œuvres dans son jardin (il les exhume 10-15 ans plus tard), en détruit d'autres, ou encore les découpe (cf. les Laissée ci-dessous, travail entrepris dès 1989). Le peintre Antonio Semeraro, qui l'accompagne désormais dans ses travaux, photographie quelques-unes de ces séances,.

Hantaï détruit un grand nombre de tableaux d'époques diverses, autant afin d'opérer un tri que pour protester contre la marchandisation de son travail. " Grand nettoyage entrepris, au début de 90, à la machette. Si libre des critères des institutions et du marché, libre aussi envers mon travail. Peut rester ou ne pas rester, sans critère prévus. " (Hantaï).

En 1996-97, approché par Georges Didi-Huberman, Hantaï réalise pour lui 3 sérigraphies destinées à l'exposition L'Empreinte au centre Pompidou, prélude au retour public des expositions de 1998-1999.

: Simon Hantaï effectue une importante donation à la Ville de Paris. Elle consiste en 16 œuvres, datées de 1958 à 1991, " cinq grande toiles, puis dix autres de petit format " et une sculpture. Les cinq grandes œuvres sont : A Galla Placidia (1958-59), ...dell'Orto, mariale m.d.2 (1962), A Enguerrand Quarton. Meun (1968-73), ...del Parto, Tabula (1975), Aux Tabulas Lilas. Tabula (1980). L'artiste qualifie ces œuvres de " peintures d'incertitudes ", " témoins de l'acharnement sur l'obstacle ", et fournit surtout pour chacune d'elles une note spécifique, réunies sous le titre Don de tableaux. Cette donation est ensuite présentée en 1998 au Musée d'art moderne de la Ville de Paris.

Du au , après de longues tergiversations, et avec l'exigence que le livre de Georges Didi-Huberman (L'étoilement - conversation avec Hantaï), fruit de leurs nombreux échanges, paraisse à l'occasion d'une exposition de ses travaux récents, Hantaï accepte d'exposer à Renn Espace (rue de Lille, à Paris) 22 œuvres de sa propre collection retraçant son parcours de 1962 à 1997. On y découvre, surtout, exposées pour la première fois, dix peintures (cat.12 à 21) et une sérigraphie (cat.22), intitulées Laissée (1981-1997) : ce sont en fait les Tabulas exposées à Bordeaux mais découpées, voire pour certaines " complétées " par des toiles vierges et retendues sur châssis. L'importance, la part, l'espace de la toile laissé vierge est donc beaucoup plus important sur le nouveau format. De même les blancs laissés par les plis faits à l'échelle initiale sont eux aussi beaucoup plus larges que s'ils avaient été réalisés à l'échelle de la toile finale . Dans cette ultime série, Hantaï semble parachever son propre retrait de peintre dans ses œuvres mêmes.

Enfin, l'ultime exposition de grande ampleur réalisée du vivant de Hantaï a lieu du au dans un musée qu'il a choisi après sa rencontre avec son conservateur, Erich Franz. C'est au Westfäliches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte de Münster qu'est organisée cette rétrospective importante de ses œuvres (de 1960 à 1995). On y découvre le monochrome doré de 1959 ainsi que des Meuns non monochromes.

À l'occasion de l'exposition collective intitulée " Les Fables du Lieu" (février-) au Fresnoy à Tourcoing, dont Georges Didi-Huberman est le commissaire, Simon Hantaï fait réaliser, à partir d'une Tabula Lilas de 1982, " salie par vingt ans de poussière et de tabac ", des impressions numériques sur toile dites Suaire (2001). Le texte d' Alain Fleischer décrit le contexte et le déroulement de ces réalisations : la photographie de la tabula est scannée, traitée informatiquement afin d'obtenir " sa projection grise, la tache de ce qui en elle n'est que de l'eau ou de l'huile, incolore sous le pigment " en 4 versions. Ces quatre versions sont enfin projetées par un traceur jet d'encre (assez proche des acryliques utilisées par Hantaï) sur quatre toiles au format identique à la Tabula d'origine (301 × 490 cm). L'exposition confronte ces œuvres, à non seulement la Tabula originale mais aussi trois peintures déterrées du jardin du peintre, dépliées, défroissées et retendues sur châssis.

Des œuvres de Hantaï sont exposées la même année au Centre Pompidou (dans une exposition confrontant Hantaï et Parmentier), ainsi qu'au Wexner Center for the Arts - exposition " As Painting : Division and Displacement " (The Ohio State University, Columbus, Ohio).

2003 : Hantaï fait une nouvelle donation importante, cette fois-ci au Centre Pompidou (5 peintures de grandes dimensions, 12 peintures de plus petit format, de 1950 à 1986), comprenant 2 Mariales, le premier Catamurons, 1 Tabula et 2 Laissées.

En 2005, la galerie Jean Fournier confronte les œuvres de Hantaï et Rouan. La participation de Hantaï consiste en deux œuvres de 1964 (Peinture, et M.m.3) et surtout en des petits " Suaire " dénommés Hebel (2004), Hbl ou Hobol. Sur l'exemplaire du catalogue envoyé à Jean-Luc Nancy, Hantaï avait écrit : " la seule chose de moi est le titre : Hobol, Hebel ou Habel [...] - buée " - " hbl ", mot hébreu, rendu habituellement par " vanité " (" L'Ecclésiaste ") et qu' André Chouraqui traduit par " fumée " , et au dos d'une photo du mur de l'atelier de Meun : " Dans mes rêves, continuellement, depuis très longtemps, elles [ses peintures] disparaissent tout d'un coup, partout, dans des collections, dans des livres, sans trace, sinon une légère différences de moindre salissure des places qu'elles ont protégées. Hebhel ".

En 2007, l'exposition " La couleur toujours recommencée. Hommage à Jean Fournier, marchand à Paris (1922 - 2006)" au Musée Fabre de Montpellier comporte de nombreuses œuvres de Hantaï.

Simon Hantaï s'éteint à Paris le à 85 ans.

Simon et Zsuzsa Hantaï ont eu cinq enfants : Daniel (médecin chercheur), Marc ( flûtiste), Jérôme ( gambiste), Pierre ( claveciniste) et Anna (documentaliste).

Il est inhumé dans la division 6 du cimetière du Montparnasse.

Peinture dite " les Baigneuses " 1949, , 110 × 167 cm, Paris, collection particulière,.

Le Revenant, 1952, huile sur toile.

Sexe-Prime. Hommage à Jean-Pierre Brisset, 1955, huile sur toile, 240 × 530 cm, Paris, Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, achat 1968, inv. AM 1976-972,,.

Souvenir de l'Avenir, 1958, huile et poussières sur toile, 136 × 179 cm, Paris, Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, inv. AM 1994-62,,.

Peinture (Écriture rose), 1958-1959, encres noire, violette, rouge, verte, feuilles d'or sur toile de lin fine, deux morceaux cousus, 329,5 × 424,5 cm, Paris, Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, don de l'artiste 1984, inv. AM 1984-783,.

A Galla Placidia, 1958-1959, 326 × 400 cm, Paris, Musée d'Art Moderne de la ville de Paris, don de l'artiste 1997,,.

A Enguerrand Quarton. Meun, 1968-1973, acrylique sur toile, 259 × 197 cm, Musée d'Art Moderne de la ville de Paris, don de l'artiste 1997.

Étude - Hommage à Pierre Reverdy, 1969, acrylique sur toile, 251 × 212 cm, Toulon, Musée d'art.

1953

janvier : " Simon Hantaï ", galerie A l'étoile scellée, Paris

1956

du 11 mai au 9 juin : " Sexe-Prime. Hommage à Jean-Pierre Brisset et autres peintures de Simon Hantaï. ", galerie Kléber, Paris

1957

du 7 au 27 mars : " Les Cérémonies commémoratives de la deuxième condamnation de Siger de Brabant ", galerie Kléber, Paris

1958

du 3 au 30 mars : " Peintures récentes. Souvenir de l'Avenir ", galerie Kléber, Paris

1959

du 10 au 30 mars : " Simon Hantaï : peintures 1949-1959 ", galerie Kléber, Paris

1961

mars : " Simon Hantaï : Peintures sur papier antérieures à 1955 et petits formats ", galerie Kléber, Paris

1962

mai - juin, " Simon Hantaï : Peinture Mariales ", galerie Kléber, Paris

1967

juin : " Simon Hantaï : peintures 1960-1967 ", galerie Jean Fournier & Cie, Paris

1968

du 15 au 30 juin : " Simon Hantaï : peintures récentes ", galerie Jean Fournier & Cie, Paris

du 21 décembre au 16 mars : " Hantaï ", Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence

1969

du 19 juin au 26 juillet : " Simon Hantaï : Pour Pierre Reverdy. Études ", galerie Jean Fournier & Cie, Paris

octobre : " Présentations des Études ", Musée des arts décoratifs, Paris

1970

1971

22 juin-juillet : " Simon Hantaï. Le Pliage comme méthode : regards sur 10 années ", galerie Jean Fournier, Paris

1972

du 14 avril au 13 mai 1972 : " Aquarelles ", galerie Jean Fournier, Paris

1973

novembre-décembre : " Hantaï ", Musée d'art et d'industrie, Saint-Étienne

1974

du 22 février au 9 mars : " Blancs I, principalement cinq toiles de l'été 1973 ", galerie Jean Fournier, Paris

du 13 mars au 6 avril : " Blancs II, travaux postérieurs à ces toiles ", galerie Jean Fournier, Paris

1975

du 12 juin au 12 juillet : " Hantaï 1974 ", galerie Jean Fournier, Paris

octobre : " Aquarelles ", galerie Vega, Liège

octobre-novembre : " Paintings and Watercolors 1971-1975", Pierre Matisse Gallery, New York

octobre : " Aquarelles ", galerie du Fleuve, Bordeaux

1976

du 26 mai au 13 septembre : " Hantaï, Rétrospective ", Musée national d'art moderne - Centre Georges-Pompidou, Paris

du 20 juin au 16 juillet : " Aquarelles ", galerie Mailliard, Saint-Paul de Vence

1977

21 octobre - mi-novembre : " Peintures et ensembles variables 1976-1977 ", galerie Jean Fournier, Paris

1978

du avril au 15 mai 1978 : " Hantaï : Tabulas ", Louisiana Museum, Humlebaek (Danemark)

1979

4 juin au 14 juillet : " Peintures ", galerie Ziegler, Zurich

1980

du 14 octobre au 15 novembre : " Tabulas, Suite récente ", galerie Jean Fournier, Paris

1981

mai-juin : " Peintures 1980-1981 ", abbaye de Sénanque, Sénanque

du 15 mai au 29 août : " Simon Hantaï, 1960-1976 ", entrepôt Lainé, CAPC, Bordeaux

1982

du 8 au 27 février : " Simon Hantaï, Peintures 1960-1980 ", Kasahara Gallery, Osaka

du 6 au 27 février : " Simon Hantaï "Tabulas" 1980-1981 ", André Emmerich Gallery, New-York

du 13 juin au 12 septembre " Simon Hantaï ", Venise, Biennale de Venise, pavillon français

du 17 juin au 17 juillet : " Tabulas lilas " (sous-titrée " le Deuil de Venise "), galerie Jean Fournier, Paris

1983

du 5 février au 19 mars : " Hantaï " Marseille, Arca

1984

du 9 février au 22 avril : " Simon Hantaï ", Cluses, centre d'art de Flaine

du 28 novembre au 27 janvier 1985 : " Hantaï : Falten als Methode ", galerie Marika Marghescu, Hanovre

1985

du 11 août au 29 septembre : " Simon Hantaï ", Institut français d'Écosse, Édimbourg

du au 17 octobre : " Simon Hantaï ", Délégation culturelle Royal Northern College of Music, Manchester

du 21 octobre au 15 novembre : " Simon Hantaï ", Institut français du Royaume-Uni, Londres

1988

" Présentation d'œuvres de Hantaï ", galerie Jean Fournier, Paris

1992

du 28 octobre au 12 décembre : " Simon Hantaï ", galerie Katia-Granoff, Paris

1994

du 16 avril au 13 juin 1994 : " Simon Hantaï et la collection Robert Nahmias ", musée Matisse, Nice

octobre : " Simon Hantaï ", galerie Katia-Granoff, FIAC, Paris

1997

" Donation Simon Hantaï ", Musée d'art moderne de la Ville de Paris

1998

du 7 mars au 21 juin : " Laissées " et autres peintures, Renn Espace, Paris

du 21 juin au 27 septembre : " Hantaï, collections du centre Georges-Pompidou, Musée national d'art moderne et autres collections publiques françaises ", Musée d'art moderne, Céret

1999

du 8 mai au 8 août : " Simon Hantaï, Werke von 1960 bis 1995", Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster

" Simon Hantaï ", galerie Katia-Granoff, Paris

2001

du 17 janvier au 19 mars : " Simon Hantaï - Michel Parmentier ", à partir des collections du Musée national d'art moderne, Centre Pompidou, Paris

11 mai - juin : " Quatre impression numérique sur toile de Simon Hantaï ", galerie Jean Fournier, Paris

2004

du 2 octobre au 6 novembre 2004 : " Signe-Geste-Ecriture, Degottex / Hantaï ", galerie L'Or du temps, Paris

2005

du 24 mars au 30 avril : " Simon Hantaï - Conversation - François Rouan ", galerie Jean Fournier, Paris

2007

du 5 au 30 juin : " Simon Hantaï - Judit Reigl ", galerie Malingue, Paris
Posthumes
2008

" Simon Hantaï ", galerie Kalman Maklary Fine Arts, Budapest

2010

" Simon Hantai: Not For Sale ", Paul Rodgers/9W, New York

du 19 mars au 24 avril : " Simon Hantaï ", Paul Kasmin Gallery, New-York.

du 8 avril au 22 mai : " Simon Hantaï ", galerie Jean Fournier, Paris

2012

du 11 octobre au 24 novembre : " Panses 1964-1965 Simon Hantaï ", galerie Jean Fournier, Paris

2013

" Go Figure/Ground ", Paul Rodgers/9W, New York

du 8 mai au 15 juin : " Simon Hantaï ", Paul Kasmin Gallery, New-York.

du 22 mai au 9 septembre : " Simon Hantaï ", Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, Paris : première rétrospective posthume de l'œuvre de Simon Hantaï, l'exposition comporte plus de 130 œuvres, avec notamment Écriture Rose et A Galla Placidia, réunies pour la première fois depuis leur création. Le commissariat de l'exposition est confié à Dominique Fourcade, Isabelle Monod-Fontaine et Alfred Pacquement.

2014

du 12 février au 11 mai 2014 : " Simon Hantaï ", Académie de France à Rome - Villa Médicis, Rome

du 9 mai au 31 août 2014 : " Hantai ", Ludwig Muzeum, Budapest

2015

du 28 avril au 26 juin 2015 : " Simon Hantaï - Pliage: the first decade ", Mnuchin Gallery, New York

du 13 mai au 9 juillet 2015 : " Simon Hantaï - Meuns ", Guttklein Fine Art, Paris

du 15 octobre au 28 novembre 2015 : " Simon Hantaï - Regard sur quelques Tabulas ", Galerie Jean Fournier, Paris

du 22 octobre au 5 décembre 2015 : " Simon Hantaï - Blancs ", Paul Kasmin Gallery, New York

2016

du 22 janvier au 5 mars 2016 : " Simon Hantaï ", Timothy Taylor Gallery, London

2017

du 14 décembre au 20 janvier 2018 : " Simon Hantaï - Paris, 1948-1955 ", Galerie Jean Fournier, Paris

2019

du 13 octobre 2019 au 27 juin 2020 : " Simon Hantaï. Les noirs du blanc, les blancs du noir ", Gagosian, Le Bourget

2020

du 17 janvier 2020 au 27 avril 2020 : " Simon Hantaï : Par où on ne sait pas", Musée des Beaux-arts de Rouen, Rouen

2022

du 18 mai au 29 août 2022 : " Simon Hantaï. L'exposition du centenaire ", Fondation Louis Vuitton, Paris

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par ordre chronologique

Simon Hantaï et Jean Schuster , " Une démolition au platane ", Medium communication surréaliste, 4,‎ , p. 58-62

Simon Hantaï, Carton d'invitation à l'exposition Sexe-Prime. Hommage à Jean-Pierre Brisset et autres peintures de Simon Hantaï, Paris, Galerie Kleber,

Simon Hantaï, " Notes confusionnelles accélérantes et autres textes pour une avant-garde " réactionnaire " non réductible, carton d'invitation de l'exposition Peintures récentes. Souvenir de l'Avenir, Paris, Galerie Kleber, repris dans Ouvrir le support ", La Part de l'œil : Revue de pensée des arts plastiques, 20,‎ 2004-2005, p. 27-53

Simon Hantaï, " Entretiens et témoignages sur l'œuvre peint d'Henri Michaux ", dans Henri Michaux, Les Cahiers de l'Herne, n°8, Paris,

Simon Hantaï, " Don de Tableaux - Notes de Simon Hantaï ", dans Catalogue de la Donation de Simon Hantaï au Musée d'Art moderne de la ville de Paris en novembre 1997, Paris, , p. 23-44

Simon Hantaï, " Biographie ", dans Catalogue de la Donation de Simon Hantaï au Musée d'Art moderne de la ville de Paris en novembre 1997, Paris, , p. 46. On la retrouve - mais complétée notamment en ce qui concerne les années ultérieures jusqu'à sa mort, - aussi bien sur le site de la Galerie Jean Fournier, qu'en annexe du Catalogue de l'exposition Panses 1964-1965 (2012).

Simon Hantaï, " Pour Debord ", dans Surréaliste et situationnistes : vies parallèles, Paris, Dilecta, , p. 146

Correspondances

par ordre chronologique de publication

Jacques Derrida , Simon Hantaï et Jean-Luc Nancy , La connaissance des textes : lecture d'un manuscrit illisible (Correspondance), Paris, Galiléé,

Simon Hantaï et Hélène Cixous , " H.C. S.H. Lettres ", dans Hélène Cixous, Le tablier de Simon Hantaï, Anagrammes, Paris, Galiléé, (contient en annexe 10 lettres de Hantaï à l'auteure).

Simon Hantaï et Jean-Luc Nancy , Jamais le mot " créateur "... (Correspondance 2000-2008), Paris, Galiléé,

Le symbole indique que l'ouvrage a été utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

Monographies

par ordre chronologique

Geneviève Bonnefoi, Hantaï, Beaulieu-en-Rouergue, Éditions de l'association culturelle de l'abbaye de Beaulieu-en-Rouergue,

Anne Baldassari, Simon Hantaï, Paris, Éditions du Centre Pompidou,

Georges Didi-Huberman , L'étoilement. Conversation avec Hantaï, Paris, Éditions de Minuit, , 123 p.

Dominique Fourcade , Sans lasso et sans flash, Paris, POL,

Ágnes Berecz, Continuité et rupture. L'œuvre de Simon Hantaï dans le contexte de l'art après la seconde guerre mondiale, thèse sous la direction de Marina Vanci-Perahim,Université de Paris I-Panthéon Sorbonne,

(en) Molly Warnock, Thought by Painting: The Early Work of Simon Hantaï, thèse sous la direction de Michael Fried, Johns Hopkins University,

Alain Fleischer , Simon Hantaï. Vers l'empreinte immaculée, Ennetières-en-Weppes, éditions Invenit,

Molly Warnock (trad. de l'anglais), Penser la peinture : Simon Hantaï, Paris, Gallimard, , 282 p.

(en + hu + fr) Ágnes Berecz, " Émergence et repli: Simon Hantaï, 1949-1959 ", dans Simon Hantaï, volume 1, 1949-1959, Budapest, Éditions Kálmán Mákláry Fine Arts,

(en + hu + fr) Ágnes Berecz, " Nœuds et plis: Simon Hantaï, 1960-2001 ", dans Simon Hantaï, volume 2, 1960-2001, Budapest, Éditions Kálmán Mákláry Fine Arts,

(en) Molly Warnock, Simon Hantaï and the Reserves of Painting, Pennsylvania State University Press, , 280 p.

par ordre chronologique

Catalogue de l'exposition à Saint-Etienne (1973) : Daniel Abadie et Alfred Pacquement, Hantaï, Saint-Etienne, Musée d'Art et d'Industrie

Catalogue de l'exposition du MNAM (1976) : Pontus Hultén (introduction), François Mathey (avant-propos), Dominique Fourcade et Marcelin Pleynet , Rétrospective Simon Hantaï, Paris

Catalogue de l'exposition du CAPC (1981) : Jean-Louis Froment , Marcelin Pleynet et Jean-Marc Poinsot, Simon Hantaï, Bordeaux, Musée d'art contemporain de Bordeaux

Catalogue de l'exposition de la Biennale de Venise (1982) :

Catalogue de la Donation de Simon Hantaï au Musée d'Art moderne de la ville de Paris (1998) : Suzanne Pagé, Alain Cueff et Marcelin Pleynet , Donation Simon Hantaï, Paris, . Ce catalogue contient les notes de Simon Hantaï sur les 16 œuvres données, ainsi que sa biographie rédigée par lui-même.

Catalogue de l'exposition à Renn Espace (1998) : .

Catalogue de l'exposition au Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte de Münster (1999) : (de) Klaus Bussmann (avant-propos), Heinz Knobeloch, Erich Franz, Alfred Pacquement et Simon Hantaï, Simon Hantaï : Werke von 1960 bis 1995, Münster, Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte,

Catalogue de l'exposition Simon Hantaï - Conversation - François Rouan (2005) : Hubert Damisch , Simon Hantaï et François Rouan , Simon Hantaï - Conversation : François Rouan, Paris, Lienart,

Catalogue des expositions de la Paul Kasmin Gallery et de la Galerie Jean Fournier (2010) : Molly Warnock, Simon Hantaï, Paris, .

Catalogue de l'exposition Molly Warnock et Karim Ghaddab (Panses 1964-1965 à la Galerie Jean Fournier (2012) : trad. de l'anglais), Panses 1964-1965, Paris, Galerie Jean Fournier / Lienart, , 63 p.

Catalogue de l'exposition au Centre Pompidou (2013) : Dominique Fourcade (dir.), Isabelle Monod-Fontaine (dir. et Chronologie), Alfred Pacquement (dir.), Georges Didi-Huberman , Marcelin Pleynet , Ágnes Berecz, Eric de Chassey , Daniel Buren (témoignage), Jean-Michel Meurice (témoignage), Pierre Buraglio (témoignage), François Rouan (témoignage) et Bénédicte Ajac (chronologie), Simon Hantaï, Paris, Centre Pompidou,

Catalogue de l'exposition à la Villa Médicis (2014) :

Catalogue de l'exposition au Ludwig Muzeum (2014) : (hu + en) Archives Simon Hantai (préf. Julia Fabényi), Hantai, Budapest, Ludwig Muzeum, , 211 p.

Catalogue de l'exposition Simon Hantaï - Pliage: the first decade (2015) : (en) Alfred Pacquement et Robert Storr (préf. Daniel Hantaï), Simon Hantaï : Pliage : the first decade, New York, Mnuchin Gallery, , 84 p.

Catalogue de l'exposition Rémi Labrusse, Simon Hantaï - Meuns 1967-1968 (2015) : Rose / lilas, et les Meuns, Paris, Guttklein Fine Art, , 52 p., p. 7-21

Catalogue de l'exposition Simon Hantaï - Blancs (2015) :

Catalogue de l'exposition Marc Donnadieu, Simon Hantaï - Paris, 1948-1955 (2017) : Simon Hantaï : Paris, 1948-1955, Paris, Galerie Jean Fournier, , 44 p.

Catalogue de l'exposition Simon Hantaï - L'exposition du centenaire à la Fondation Louis Vuitton (2022) : Anne Baldassari (dir.), Simon Hantaï : L'exposition du centenaire, Paris, Fondation Louis Vuitton - Gallimard, , 268 p.

par ordre alphabétique d'auteur

La Part de L'Œil, Revue annuelle de pensée des arts plastiques 20, Bruxelles, 2004-2005

ABADIE, Daniel

BONNEFOI, Geneviève

BERECZ, Ágnes

CHASSEY, Éric de

L'abstraction avec ou sans raisons, Paris, Gallimard, coll. " Art et artistes ", , 267 p. , p. 70-73, 143, 179, 215

Après la fin : suspensions et reprises de la peinture dans les années 1960 et 1970, Paris, Klincksieck, , 265 p. , p. 157-158

CLEBERT, Jean-Paul

Dictionnaire du surréalisme, Paris, Éditions du Seuil,

CUEFF, Alain

DAMISCH, Hubert

DELEUZE, Gilles

DIDI-HUBERMAN, Georges

ESTIENNE, Charles

FOURCADE, Dominique

FOURCADE, Dominique - MICHAUD, Yves

GHADDAB, Karim

LERNER, Ben

MILLET, Catherine

NANCY, Jean-Luc

PAGE, Suzanne

PACQUEMENT, Alfred

PLEYNET, Marcelin

RATCLIFF Carter

RODGERS Paul

ROUAN, François

" Retour sur image (Hantaï: Laissées et autres peintures) ", dans Notes de regard, Paris, Galilée, coll. " Écritures/Figures ", , p. 160-163

" Questions à Simon Hantaï ", dans Notes de regard, Paris, Galilée, coll. " Écritures/Figures ", , p. 173-177

WARNOCK, Molly

WAT, Pierre

Jean-Michel Meurice, avec la collaboration d'Alfred Pacquement, Des Formes et des couleurs, 1974, 19 min

Jean-Michel Meurice, Simon Hantaï ou les silences rétiniens, 1977, film tourné à Meun, été 1976, dans l'atelier de l'artiste, 58 min

Pierre Desfons, Béatrice Caufman, avec la collaboration de Dominique Fourcade, Simon Hantaï, artiste peintre, collection " Expression ", 1981, 14 min, disponible sur le site de l'

Didier Semin (conception), J.-P. Gras (réalisation), , 1984, tourné à l'occasion de l'exposition " Hantaï ", Flaine, Centre d'art, 8 min

Présentation de l'exposition Simon Hantaï et Judit Reigl par Agnès Berecz (2012) : , 61 min; , 49 min

Vidéos en hongrois autour de l'exposition Simon Hantaï, Judit Reigl et François Fiedler (2012) : , 3 min, , 4 min

(hu) " Première hongroise de la parution de la monographie d'Agnès Berecz " , 2012, 3 min

(hu) " Entretien avec Zsuzsa Hantaï à l'occasion de l'exposition au Centre Pompidou " , 2013, 26 min

p. 23 note 22 : " Au moment où je commence d'écrire ce texte (décembre 1997), cela fait plus de six mois que les tableaux de Hantaï sont accrochés dans un espace, en attente d'être montrés publiquement pour la première fois depuis quinze ans. Exigence de l'artiste : mettre du temps, encore, suspendre le moment de l'exposition tant qu'un certain travail, d'ordre philosophique, n'aura pas été engagé. Le motif " cézannien " de la conversation n'est donc ni obsolète, ni romantique, mais bien polémique et politique : pour que donner à voir des tableaux ne soit ni les donner en spectacle, ni les mettre en vente. "

Lettre du 6 septembre 2008 " pas la maîtrise de la sculpture nègre, mais les traces de doigts, traits, " traits d'orientation divers, dans des zones distribuées par grattage. p. 167) pour illustrer ce propos, Hantaï enverra deux œuvres de 1949, inspirées par le musée de l'Homme (reproduites sur la même page), avec les annotations suivantes : au dos de la première, etc. Ici : le bout de pinceau coupé droit, trempé dans la peinture blanche, et distribué sur toile beige ", et sur la deuxième : Jasper Johns a touché à ses questions dans les années 80 par des travaux pour Beckett. " (Hantaï 2008).

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Naissance Décès Sépulture Nom dans la langue maternelle Handl Nom de naissance Pseudonyme Hantai, Simon Nationalité Activité Lieux de travail Conjoint Enfant Daniel, Marc, Jérôme, Pierre, Anna Simon Hantaï, né Simon Handl le à Bia (aujourd'hui Biatorbágy) en Hongrie et mort le à , est un peintre français d'origine hongroise.

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Expositions personnelles

2014

"Obvious", CCA Andratx, Majorque, Espagne

2013

"Blocked", SAPH, Shanghai, Chine

2012

"États", de la série appartement, avec la Galerie Dakota, Paris, France

"Artfunkl", Manchester, Angleterre

2011

"Galerie Wagner", Le Touquet, France

2010

"États", Salle d'exposition de la médiathèque de Saint Grégoire, France

Expositions collectives

2013

" Poissy talents", Poissy, France

"Drapés, le tissu dans l'art contemporain", Évian, France

2012

"Géographies Nomades", exposition diplômés 2011 de l'école des Beaux Arts de Paris avec félicitations du jury, Galeries d'exposition quai Malaquais, Paris, France

2011

"Technè", galerie du Crous de Paris, France

2009

"Kill switch", galerie Bannwarth, Paris, France

"Trait d'union", Musée des Égouts de la ville de Paris, France

2008

"Exposition caritative collective à la galerie Michaud", , avec l'association L'envol, Paris, France

Écoles, formations

2011

École Nationale Supérieure des Beaux-arts, Paris (DNSEP, félicitations), France

ÉTATS

La recherche est jusqu'à présent invariable, comme si le quotidien offrait sans se tarir matière à scruter, assimiler et intégrer des sujets, que ce soit des formes ou des situations / supports et matière à penser et créer. Comme si tout pouvait devenir mégalithe, les échelles jouent et le sujet une fois cadré devient parfois difficilement lisible. Comme si nous vivions distraits, et comme si la forme nébuleuse devait captiver toute notre attention. La peinture serait tangible et dévouée à exprimer un monde au langage tacite, où tout s'élève en trompe l'œil. Si la technique abolit l'approche spirituelle, la recherche d'art tendrait à matérialiser la suggestion.

Il est question de montrer un sujet dans un cadre, en employant un vocabulaire qui peut s'apparenter tant bien au champ pictural qu'à celui d'une description d'une époque. Il en naitrait systématiquement un être informe, polymorphe et singulier.

Quel état se dresse devant nous?

La contradiction de cette recherche est récurrente, oscille entre l'élévation et affaissement, rebus et ressource, attirance et répulsion. Je cherche à discerner une forme de réalité, un aspect, une facette.
Inviter à fouiller, à dépasser la contemplation pour fixer l'attention sur une proposition plastique puisée dans la vie même, pour concrétiser un comportement total.
Sans que la recherche d'art ne tombe dans la frivolité : chercher la consistance dans un spectacle vide et l'urgence de la matérialiser. La masse et le voile dense qui chercherait à se déployer traite la question de la matière première au même titre que la vitrine traite de la mise en scène, qui agit comme paysage contemporain, et interroge ses sujets.

L'idée d'obstruction, de cadre, du hors contexte, de physionomie d'une époque serait le leitmotiv de ma recherche, au travers d'une orientation plastique ciblée. Dans mes rencontres, certains voient des notions comme la concaténation, la paraidolie, l'inquiétante étrangeté. Comme si une expression formelle pouvait faire découler différentes strates de lecture. Comme si la banalité pouvait devenir étonnante?

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Sullivan Goba-Blé * Artiste * Réseau d'artistes en Pays de la Loire

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2014 "Obvious", CCA Andratx, Majorque, Espagne 2013 "Blocked", SAPH, Shanghai, Chine 2012 "États", de la série appartement, avec la Galerie Dakota, Paris, France "Artfunkl", Manchester, Angleterre 2011 "Galerie Wagner", Le Touquet, France 2010 "États", Salle d'exposition de la médiathèque de Saint Grégoire, France 2013 " Poissy talents", Poissy, France "Drapés,

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à envoyer le 1er avril