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Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais - Search Result

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Exposition des travaux des élèves - Première Arts Plastiques - Lycée Georges De la Tour Metz

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Olga Boldyreff, tricotin et traces de rencontres

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Olga Boldyreff, tricotin et traces de rencontres

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L'IA au service de la verbalisation et du contrôle de connaissance

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L'IA au service de la verbalisation et du contrôle de connaissance

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AI Chatbot Solution for Teachers and Schools

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Mizou is an AI chatbot marketplace designed for educators. Offering personalized assessment, engaging activities, and automated grading, Mizou streamlines teaching processes for a more efficient classroom experience. The future of education with Mizou's AI-powered tools tailored for teachers and schools.

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Summary : Vocalization and the sequential memory of pictures and words. Pictures and words were compared in two sequential memory tasks with two vocalization conditions, with loud voice and with suppression of subvocalization. The verbal recall of order and the reconstruction of order were better fo…

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Livret d'exposition du Frac, présences voyageuses : vidéo

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Livret d'exposition du Frac, présences voyageuses : vidéo

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À propos de la série

Pour LSD Perrine Kervran s'intéresse à l'histoire du dessin, de l'impulsion qu'on a devant une feuille blanche aux griffonnages qu'on fait sans y penser. Quelle relation ont l'histoire de l'art et les artistes au brouillon, au dessin pas sérieux, au gribouillage, au dessin d'enfant et au graffiti ?

En lien avec l'exposition qui s'est tenue à la villa Médicis au printemps 2022 et dont Francesca Alberti et Diane Bodart étaient les commissaires, on va explorer en 4 épisodes la relation qu'ont au dessin les artistes et l'histoire de l'art.

Mais pas n'importe quel dessin. En effet longtemps l'histoire de l'art ne jurait que par le disegno et ne pouvait imaginer que les gribouillages, enfantillages, griffonnages ou dessins bouffons pouvaient être de la main des grands maitres. On disait qu'un enfant était passé par l'atelier ou que les élèves encore gauches s'étaient exercés à côté du maitre. Or si on regarde bien dans les coins des feuilles d'esquisses ou de modèles, dans les marges des lettres et au dos des tableaux on voit que les maitres griffonnent pour rire, pour se délasser, pour jouer avec le reste de l'atelier ou laisser vagabonder leur imagination. Et les feuilles se peuplent de petits monstres aux yeux globuleux ou de bouffons qui tirent la langue. Et si on déroule le fil, ce sont des générations d'artistes qui ont joué à dessiner et qui ont regardé ce que le dessin ludique ou le dessin ordinaire pouvaient leur apporter : du dessin d'enfant au graffiti, en passant par la sensualité du gribouillis ou de la ligne folle. Et aujourd'hui encore les artistes jouent à dessiner sur des murs, des toiles ou des feuilles.

Une série de Perrine Kervran réalisée par Assia Khalid.

Provenant de l'émission

LSD, la série documentaire, du lundi au vendredi de 17h00 à 17h55, rediffusion le soir à 23h sur France Culture

Documenter toutes les expériences de la vie, des cultures et des savoirs. Chaque semaine, un grand thème en quatre épisodes, autonomes et complémentaires. En ce moment, LSD, La Série Documentaire est en partenariat avec Tënk, la plateforme du documentaire d'auteur.

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Trait pour trait - Une histoire de dessin, de doodle et de gribouillis : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Pour LSD Perrine Kervran s'intéresse à l'histoire du dessin, de l'impulsion qu'on a devant une feuille blanche aux griffonnages qu'on fait sans y penser. Quelle relation ont l'histoire de l'art et les artistes au brouillon, au dessin pas sérieux, au gribouillage, au dessin d'enfant et au graffiti ?

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Difficulté : Il faut s'entraîner dans cette nouvelle façon de transcrire ses idées et sa pensée.

Utilisateurs : Tous public

Niveau scolaire : du primaire au lycée

Lien web : /

Présentation et intérêt pédagogique :
C'est une représentation visuelle qui va associer de dessins et de mots pour mieux mémoriser en se servant de la mémoire imagée.

Nul n'a besoin d'être dessinateur ou graphiste, le rendu sera certes meilleur mais ce n'est pas l'objectif ! Il faut juste avoir un niveau "Pictionnary".
A quoi ça sert ?

Comprendre, mémoriser, s'approprier des informations ;

Partager, expliquer des informations ;

Communiquer des informations , donner envie et capter l'attention.

Lors d'une formation sur la communication non violente.

Pour une recettes, un manuel, une liste, etc

Explication de Tony Buzan
"La manière traditionnelle de prendre des notes, par liste linéaire de mots, ne fonctionne pas. En fait, elle est même contre-productive. C'est parce qu'elle ne permet pas de faire des associations. L'absence d'association, impliquerait l'absence de connexion. L'absence de connexion, impliquerait l'absence de mémoire et de réflexion."

En réunion, cela permet de dessiner ses idées au lieu de griffonner en passant le temps. Remarque possible de personnes ne connaissant pas l'outil : "Tu n'as rien trouvé de mieux que de faire des petits dessins ?"

Il est composé de :

différentes textes : majuscules et écriture naturelle (manuscrite) ;

doodles : éléments visuels ;

containers : bulles, formes géométriques...

Pour débuter :
Se munir d'une feuille blanche et du matériel d'écriture disponible pour exprimer ses idées sur une thématique de son choix et procéder par étapes.

4 étapes :

4 règles :

On sait tous dessiner, au moins des choses simples ;
Les idées sont plus importantes que l'art graphique !

Mon écriture est la bonne ;

Aller à l'essentiel, apprendre le minimalisme ;

Se faciliter la tâche.

il est préférable de préparer son sketchnote car il est très difficile d'improviser !

La technique

La technique d'écriture :

Lettres en majuscules d'imprimerie → Lisible
Éviter les écritures cursives

Lettre doubles → Fun

Lettres en gras → Important

Plein de traits → Créatif

Lettres décorées → Stylisé

La technique de dessin en 2 étapes :

L'alphabet visuel : le carré, le rond, le triangle, la ligne et le point avec leurs variantes ;

L'ingénierie inversée : observer et dessiner simplement à l'aide des formes ci-dessus .

La grammaire

Les flèches ou connecteurs :

La flèche simple : lien - direction

La flèche en boucle : processus, évolution, étape

La flèche double ou en volume : objectif, résultat

En pointillé : en devenir

Les conteneurs :

Les bulles,

Les bannières,

Une règle : "Toujours le contenu avant le contenant"

Méthode : les poins clés de réalisation :

titre et sous-titres ;

pas trop de texte mais des mots clés, citations, expressions, etc ;

des doodles pour ancrage de la mémoire ;

des flèches pour les liens, les objectifs, les processus, les résultats...

des conteneurs pour mettre en relief de certaines parties .

Conseil : le numérique

Ordinateur en version pro : un logiciel de dessin vectoriel (Adobe Illustrator) et une tablette graphique

Ordinateur : Paint, LibreOffice Draw... gratuit mais moins pratique

Sur le web : autodraw

Un livre : L'art du management visuel (Du post-it au poster, rendez vos idées visibles) - Pierre Mongin, Laurent Delhalle, Elisabeth Planchon - DUNOD

Exercice n°1

Dessinez deux choses à partir de ces 5 formes simples. (Idée : objets ou termes en lien avec votre milieu professionnel)

Exercice n°2

Dessinez une " expression " de votre choix :

la dernière décision de votre équipe ;

ou les enseignants enseignent aux élèves ;

ou la dernière discussion de famille.

Consignes :

Utiliser un maximum de dessins simples en utilisant l'alphabet appris pendant l'exercice 1 ;

Utiliser un minimum de mots et écrivez-les avec la technique d'écriture ;

Utiliser la grammaire du sketchnote.

Exemples de structures

Des colonnes par idée avec une progression

possible en escalier

Exercice n°3

Dessinez un sketchnote :

du dernier compte rendu de votre dernière réunion professionnelle ;

ou du dernier événement familliale ;

ou de votre futur projet (vacances, travaux...)

Consignes :

Utilisez tous les conseils précédents ;

Utiliser l'alphabet de base (5 formes) ;

Choisissez un type de sketchnote pour la disposition ;

Enrichissez votre poster avec des éléments plus complexes du visualphabet

Exercice n°4

Préparez les pictogrammes ou doodles concernant la thématique de votre prochain sketchnote (présentation, formation, réunion...)

D'une lecture au sketchnote : comment se souvenir de ses lectures ?

Sketchnote : Comment se souvenir de ses lectures ?

Le carte mentale ou le mindmaping correspondrait au skectchnote radial. C'est une présentation qui permet de développer des idées à partir d'un thème central. Le scketchnote est beaucoup plus libre dans sa forme d'expression.

car c'est une création personnelle ;

car cela marque la fin du travail ;

car une copie rapide peut-être faite par d'autres personnes.

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Difficulté : Il faut s'entraîner dans cette nouvelle façon de transcrire ses idées et sa pensée. Utilisateurs : Tous public Niveau scolaire : du primaire au lycée Lien web : / Présentation et intérêt pédagogique : C'est une représentation visuelle qui va associer de dessins et de mots pour mieux mémoriser en se servant de la mémoire imagée.

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Sacha Guitry, Portrait de Claude Monet. - Bing video

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OPTIONNEL : Seul (ou en équipe), je commence par faire un remue-méninges (brainstorming) et je choisis ensuite les mots-clés les plus pertinents pour préciser mon sujet. Je fais une liste des idées principales et des idées secondaires…

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Livre de modèles

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Les livres de modèles sont des recueils de dessins d'un même artiste, reliés à l'origine, et conservés dans son atelier pour son propre usage (savoir-faire capitalisé, répertoire de motifs à sa disposition, exemples de figures à présenter à un commanditaire) et pour la formation de ses apprentis qui les copient pour s'exercer la main. Les plus anciens qui aient été conservés datent de la fin du Moyen Âge, comme ces cinquante-six petits modèles dessinés sur papier et contenus dans un étui de cuir, d'un peintre bohémien du xv e siècle (Kunsthistorisches Museum, Vienne). Ces dessins sont d'une exécution soignée, à la pointe de métal, ou préparés à la pierre noire et repassés à la plume, parfois rehaussés de lavis ou d'aquarelle, et les formes, parfaitement définies, semblent le fruit d'une patiente élaboration antérieure. Résolus, limpides, définitifs, isolés dans la page vierge de parchemin ou de papier, ils sont conçus pour être reproduits indéfiniment. Les motifs reflètent à la fois les sujets que le peintre a coutume de traiter pour sa clientèle et ses curiosités personnelles. À la fin de l'époque médiévale, ils recouvrent des domaines très divers : plans ou détails d'édifices, motifs ornementaux, compositions schématiques d'hommes et d'animaux, comme l'album de Villard de Honnecourt vers le milieu du xiii e siècle. Au fil des siècles, ces répertoires tendent à se spécialiser. Aux xiv e-xv e siècles, le terme " ouvrage de Lombardie " désigne des ensembles de dessins détaillés et fidèles d'animaux, d'oiseaux, typiques du mélange de naturalisme et de stylisation élégante du gothique international (carnet de Giovannino de' Grassi à la bibliothèque de Bergame). Le volume de dessins de Pisanello, conservé au Louvre ( Codex Vallardi) et qui comporte des modèles de chevaux, cerfs, chiens, costumes employés dans sa fresque de Saint Georges et la princesse à Sant' Anastasia de Vérone, en constitue l'exemple le plus justement célèbre. À Venise, Jacopo Bellini composa vers le milieu du xv e siècle deux volumes de dessins remarquables, pour la plupart des compositions sacrées, riches et détaillées, situées dans des paysages lyriques ou dans d'étranges édifices aux effets de perspective emphatiques (Louvre et British Museum). À Colmar, dans l'atelier de Martin Schongauer, les élèves ont reproduit les têtes d'Orientaux et de jeunes filles de son album de modèles ( Musterbüchlein). À la même époque, dans les ateliers florentins, le thème privilégié de ces recueils est la figure humaine dans une multitude d'attitudes dynamiques ( contrapposti) et expressives ( atti affezionati), des têtes, des nus, des scènes religieuses (carnet de l'atelier de Benozzo Gozzoli au Victoria and Albert Museum de Londres et feuilles, aujourd'hui dispersées, de Botticelli et de Filippino Lippi). Dès la fin du xv e et au xvi e siècle, le contenu des carnets évolue, ils deviennent des recueils de relevés d'après l'antique (fragments d'architecture, peintures et stucs à motifs de grotesques, statues ou reliefs de sarcophages, bustes ou autels sacrificiels), comme le Codex Escurialensis de l'atelier de Ghirlandaio, l'album de Pierre Jacques (Bibliothèque nationale, Paris), le livre d'Antonio da Sangallo (Bibliothèque vaticane, Rome) ou les volumes d'Amico Aspertini de Bologne, de Girolamo da Carpi, de Pirro Ligorio.

Parallèlement à ces compilations archéologiques apparaissent des carnets d'observations et d'inventions plus spontanées, où la technique d'exécution comme la finalité se transforment. L'on passe du volume, constitué de façon immuable, de patrons à reproduire ( Musterbuch en allemand, pattern-book en anglais) au carnet d'études faites sur le vif et de notations[...]
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Les livres de modèles sont des recueils de dessins d'un même artiste, reliés à l'origine, et conservés dans son atelier pour son propre usage (savoir-faire capitalisé, répertoire de motifs à sa disposition, exemples de figures à présenter à un commanditaire) et pour la formation de ses apprentis qui les copient pour s'exercer la main.

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Votre rendez-vous quotidien avec la facilitation graphique

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Bienvenue au Musée d'Art moderne ! Il est situé dans le Palais de Tokyo, un grand bâtiment construit en 1937, au moment de l'Exposition internationale des arts et des techniques.

Le musée présente l'art moderne, c'est-à-dire les œuvres et les grands mouvements de la première moitié du 20esiècle. Mais tu pourras aussi découvrir l'art contemporain, qui est encore plus proche de notre époque, et l'art actuel, qui est le reflet du temps présent.

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Bienvenue au Musée d'Art moderne ! Il est situé dans le Palais de Tokyo, un grand bâtiment construit en 1937, au moment de l'Exposition internationale des arts et des techniques. Le musée présente l'art moderne, c'est-à-dire les œuvres et les grands mouvements de la première moitié du 20esiècle.

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Ce carnet de croquis contient une trentaine de dessins peints à l'encre de Chine et à l'aquarelle, représentant d'un trait fin, la vie d'une troupe en cantonnement.

La provenance du carnet

Si nous ne connaissons pas l'auteur de ce carnet, plusieurs éléments permettent cependant de dater et localiser les scènes représentées. Une datation retrouvée sur un dessin, deux localités mentionnées en bas de de deux autres, la végétation représentée, ainsi que les uniformes peints, permettent d'affirmer que l'auteur se trouvait dans la plaine de la Woëvre, dans les environs du village de Manheulles durant l'été 1915.

Par ailleurs, dans plusieurs dessins, l'auteur s'attache à croquer des scènes de vie de la " 19 e compagnie ", ce qui nous laisse supposer qu'il s'agissait de son unité. L'auteur aurait donc appartenu à un régiment de réserve. À cette période, c'est la 132 e Division d'infanterie (DI) qui occupait cette partie du front. Il aurait donc été affecté au 303 e, au 330 e, au 364 e ou bien encore au 366 e Régiment d'infanterie (RI).

Un témoignage de vie au cantonnement

Dans les forêts de l'immédiat arrière-front français en Woëvre en 1915, les cantonnements se consolident, comme au bois de Manheulles au nord du village éponyme, théâtre des scènes représentées sur les croquis. L'auteur y dépeint un florilège, non exhaustif, des activités et occupations qui structurent les deux à trois jours de répit du combattant au cantonnement.

L'auteur croque ces moments pris sur le vif, avec une touche d'humour qui contraste avec la réalité des combats. On remarque par exemples un soldat qui visite le barbier, d'autres profitant de la nourriture de la cuisine roulante, certains lisant les nouvelles des journaux ou d'autres assistant à une messe catholique. Ces temps de pause peuvent aussi être consacrés à la rédaction du courrier, à l'artisanat de tranchée et à la production artistique pour certains, comme en témoigne cet objet. L'auteur n'hésite pas à y exprimer son patriotisme, en raillant l'Allemagne et ses alliés. Des soldats allemands sont ainsi grimés en cochon et l'empereur Guillaume II y est moqué pour ses prétendues victoires militaires.

Pour autant, les soldats en cantonnement ne sont pas oisifs et leurs journées sont régies par un emploi du temps rigoureux, rythmé autour des corvées et exercices militaires. Là encore, l'artiste anonyme dépeint ces travaux, du simple nettoyage du camp, à la préparation de la nourriture commune ou encore la confection de gabions qui seront transportés de nuit dans les tranchées pour les consolider. Plusieurs croquis montrent des soldats en armes effectuant des manœuvres militaires, des patrouilles ventre à terre, des revues.... Les officiers craignent le désœuvrement et les exercices sont nécessaires au maintien de la forme physique et à la discipline militaire. La guerre n'est en effet jamais loin, comme le rappellent les tirs d'artillerie adverses qui frappent ponctuellement ces cantonnements.

Cet objet personnel constitue un beau témoignage sur les conditions de vie et l'état d'esprit des hommes dans les cantonnements du front de la Woëvre, partie du front méconnue.

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Ce carnet de croquis contient une trentaine de dessins peints à l'encre de Chine et à l'aquarelle, représentant d'un trait fin, la vie d'une troupe en cantonnement. Si nous ne connaissons pas l'auteur de ce carnet, plusieurs éléments permettent cependant de dater et localiser les scènes représentées.

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Du 4 janvier au 25 février 2017

E Art Chine est installé à Hangzhou capitale du Zhejiang. Hangzhou est une ville de onze millions d'habitants. Les locaux de E Art sont situés dans un quartier récent de la ville en voisinage d'écoles préparatoires à l'Académie des Beaux Arts de Hangzhou, et d'ateliers d'artistes chinois. Composé de E Art Campus et E Art Espace, la plateforme associe à ses projets pédagogiques ou artistiques des artistes et des professeurs français, ainsi que des étudiants chinois intéressés par l'art et la culture française.

Le principe de la résidence est de proposer aux artistes un espace de travail et d'exposition avec E-Art espace. Des temps sont accordés à la rencontre dans leur espace d'études avec des étudiants chinois. E-Art campus prépare ces étudiants détenteurs d'une licence à intégrer un niveau Master en école d'art en France. Ils travaillent sous forme d'entretiens et de workshop avec les artistes français invités.

A l'invitation de Lan Ting, fondatrice et directrice de E Art Chine, j'ai effectué une résidence de deux mois à Hangzhou. Cette proposition donnait suite à sa visite dans mon atelier en décembre 2014, parmi une sélection d'ateliers d'artistes en France. J'ai aussi échangé avec Sujuan Xu directrice de E Art France.

La résidence combinait en ce qui me concerne plusieurs moments : le travail à l'atelier, les rencontres, des déplacements, des visites, et l'accompagnement dans leurs recherches des étudiants. Invité à mener un workshop, j'ai proposé à chacun(e) de définir l'espace d'un jardin, j'y ai associé des cours d'histoire des arts. Les étudiants ont répondu très librement par des projets qu'ils présentaient par des esquisses, des numérisations 3D, des maquettes, des photographies etc... Je suivais d'autre part l'élaboration de leur book.

Ces étudiants m'ont assisté dans la préparation de l'exposition " Lire les choses " pour mes démarches, visites et exécutions d'éléments divers.

La résidence s'organisait naturellement comme un lieu de vie assez communautaire. Deux étudiantes chinoises en langue française, Eva et Marie ont assuré la traduction de mon book en chinois. Elles géraient aussi les réseaux sociaux et la communication pour E Art.

Lan Ting a organisé durant ces deux mois des rencontres précieuses avec les instances de l'académie, des personnalités du monde de l'art chinois, des visites d'ateliers.

Dans un premier temps, situer, sur le plan, les zones et les parties de la ville s'est avéré nécessaire. Prendre mes repères. Je ne parvenais pas à établir clairement les axes et les limites de Hangzhou. En janvier et février, en raison de la fraîcheur du climat, la circulation s'y effectuait un peu à pied, beaucoup en taxi ou en bus. Le rapport de proportions entre la ville et ses usagers s'est mesuré durant quelques jours à la vue des groupes importants de candidats équipés de gilets de couleurs inscrits au concours d'entrée à l'Académie de Hangzhou. Ils déambulaient aux abords de l'Académie. Ces 175 000 candidats se présentaient pour les 1500 places disponibles qu'offrait en première année l'Académie. Ils furent d'ailleurs l'objet d'un film réalisé par Daniel Buren avec Joel Benzakin à cette même période. L'organisation des différentes étapes était gérée par Lan Ting et E-Art. J'ai parcouru les avenues, regardé les architectures monumentales, les chantiers, les zones commerciales, les logements, les routes et autoroutes. L'ensemble visuel des éléments s'est assemblé en une carte mentale fonctionnelle, indispensable à maîtriser pour me permettre d'imaginer une possible circulation.

Atelier /Résidence/Exposition :

L'espace de E Art, dans ses dimensions m'a poussé à établir très vite une méthode de travail qui prenait en compte tous les espaces disponibles du calendrier de janvier et de février. Le principe de production des pièces en vue du travail final devait s'inscrire dans une efficacité, dans le choix du projet, des supports et des matériaux. Repérages photographiques, vidéos, dessins, visites, et déplacements divers effectués ont fourni la matière du travail. Plafond haut, grande surface sur deux niveaux, baies vitrées et murs, impliquait une approche globale de l'espace d'exposition.
J'avais déjà pu évaluer, lors d'un précédent voyage dans le Shandong pour le projet céramique de l'EESAB de Quimper, que les traces du passé cohabitaient avec un développement quotidien et rapide d'une urbanisation par tranches de quartiers et de zones urbaines.
Shanghai et Hangzhou adoptent aussi cette juxtaposition des époques, tout en privilégiant un présent économique et social. Umberto Ecco dans son livre " La guerre du faux " traite par différents exemples du sens du faux dans différents domaines comme les médias, l'architecture, la culture. Il le définit comme un voyage dans l'hyperréalité du monde, pointe les politiques de l'industrie culturelle et touristique qui vendent du vrai, téléportent le spectateur consentant vers un passé glorieux dont il peut relayer la réalité de son témoignage. Je me suis senti durant la résidence le témoin privilégié et simultané de plusieurs époques.
Mes déambulations à Hangzhou, me permettaient d'observer des éléments icôniques du passé qui ne figeaient pas le présent. J'ai pu visuellement percevoir dans cette ville que l'héritage artistique et culturel chinois combine à l'architecture, la peinture et la poésie.
" Lire les choses ", le titre de l'exposition reprend une en-tête de chapitre de la " Guerre du faux " de Umberto Ecco. J'ai souhaité utiliser la matière sans cesse alimenter de mes intuitions et de mes perceptions de ce pays. Elles portaient la charge des écrits de Umberto Ecco et de Nicolas Bouvier, particulièrement " Le plein et le vide : carnets du Japon... ". Une grille interprétative agença les principes d'une restitution visuelle.

La mise en forme de l'exposition a nécessité un travail d'équipe, de réalisation avec les étudiants qui étaient aussi acteurs de cette exposition. Nous échangions sur le bien fondé de placer tel ou tel dessin, plutôt à un endroit qu'à un autre.
Le principe de résidence déplace les usages d'une pratique. Ma trousse à outils de résident comporte le dessin, la photographie, la vidéo, l'objet, la sculpture. Elle s'étoffe à chaque fois de réalités, d'expériences, d'étonnements. " Lire les choses " m'a donné la méthode, le principe de lecture du quotidien dans lequel m'immergeait la résidence. Je me suis livré à un exercice de compréhension, pour en mieux perdre le contrôle et ainsi constituer un langage visuel qui formule et restitue mes découvertes, et mes échanges. Ils furent fondés sur l'observation d'un mélange constant d'authentique et de faux aux influences multiples et complexes. Un tirage numérique sur papier Canson de 150 cm par 100 cm montre un fatras de références. Une vidéo de 5 minutes projetée dans la seconde partie de l'espace reprends tous ces images en cuts de la résidence sur un fond de musique électronique " French Psycho ".

Le temps d'une résidence

Le déplacement, l'immersion dans le contexte d'une résidence impliquent une rencontre avec des particularités géographiques, culturelles, artistiques, sociales différents.
La première bourse que j'ai obtenue en 1983 de l'OFAJ m'a permis de résider à Cologne durant un an de comprendre l'efficacité du marché allemand. En 1985, Pierre Gaudibert m'avait sélectionné pour une résidence à Asilah au Maroc dans le cadre d'un festival des cultures Arabes. Laurence Beaucé m'avait invité à la fondation américaine Henry Clews de La Napoule pour deux mois. Sélectionné par François Rouant et invité par Arman, la Villa Medicis Hors Les Murs, m'a conduit à New-York en 1988 en pleine période d'effervescence du rap où j'ai rencontré Antoni Muntadas et d'autres artistes, et croisé comme tout le monde Basquiat et Haring .
Ces périodes représentent des temps précieux qui ont généré ma réflexion, elles m'ont permis de mieux définir le sens que j'apporte à mon travail dans sa relation à un contexte. Le Quartier éphémère à Montréal en 1995 devenu depuis la fonderie Darling, m'a livré les éléments d'un contexte artistique et économique montré dans l'exposition " Le tourbillon de la vie ". En Dordogne à Monpazier en 1998, je me suis immergé dans la réalité d'un espace temps arrêté et tourné de façon un peu absurde vers la période médiévale. Ensuite auprès d'une classe d'un lycée agricole en Bretagne à Châteaulin, j'ai travaillé avec les élèves l'espace d'un jardin patrimonial, à Fort de France en 2007 invité par Marcel Dinahet, j'ai rencontré les situations d'une commande qui intégrait un travail avec des enfants et des associations locales dans un contexte urbain difficile, et la rencontre avec Aymé Césaire.
Dans le cheminement de mon travail, ces moments de déplacement ont toujours été des moments nécessaires, des périodes de ressourcement, de moments de questionnements divers en lien avec ma pratique.
La résidence crée des moments de frottements avec des réalités hors du quotidien habituel, hors de l'atelier. Mon travail développe un récit dont une part est issue de ce cheminement. Le dessin, la sculpture, l'installation, la photographie, la couleur, la vidéo, déterminent mon travail et induit que son déroulement passe par la série.
La résidence à Hangzhou rebat différemment les cartes. D'un pays émergeant, qui ne l'est déjà plus, en pleine croissance économique, il a paru comme une évidence de capter cette énergie fondée à la fois sur un passé riche de la Chine, l'après colonisation, l'après Mao, la reprise économique et culturelle en cours très puissante. Cette résidence m'a immergé dans le contexte d'une ville et de son énergie, un environnement social et visuel en évolution constante, des rencontres avec les personnes activement impliquées à E-Art, des personnalités et artistes français, et chinois. Un intense moment de recherche et de travail dont l'exposition en formulait l'expression.
L'exposition a présenté un journal de la résidence sur les murs de l'espace de E-Art. J'y ai réuni des pierres de lettrés, le coq du nouvel an chinois, le graphisme des sinogrammes, des éléments du théâtre d'ombre, la géométrie des architectures, la couleur etc... activant des pratiques différentes dessins, fresques, photographies, céramiques, impressions 3D, une sculpture de bambou...vidéo.

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© Droits réservés Du 4 janvier au 25 février 2017 E Art Chine est installé à Hangzhou capitale du Zhejiang. Hangzhou est une ville de onze millions d’habitants. Les locaux de E Art sont situés dans un quartier récent de la ville en [...]

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La pratique du dessin en plein air, sur le motif, est bien attestée en France (comme en Europe) au XVIIe siècle et devient courante au XVIIIe siècle. Au XIXe siècle, jugée indispensable à la formation des jeunes artistes, elle ne cesse d'évoluer et prend une place capitale dans l'histoire du dessin.

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Présentation de l'exposition : Dessiner en plein air. Variations du dessin sur nature dans la première moitié du XIXe siècle

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La pratique du dessin en plein air, sur le motif, est bien attestée en France (comme en Europe) au XVIIe siècle et devient courante au XVIIIe siècle. Au XIXe siècle, jugée indispensable à la formation des jeunes artistes, elle ne cesse d'évoluer et prend une place capitale dans l'histoire du dessin.

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Plongez dans l’esprit de David Hockney, à travers son carnet de croquis

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Âgé de 83 ans David Hockney est l’un des peintres britanniques les plus influents du XXe siècle, et sans doute le plus cher encore en activité. Alors lorsqu’une vidéo offre d’admirer page par page le carnet de croquis de l’artiste, il serait…

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Jacques de Loustal, dit Loustal, est dessinateur de bande dessinée, peintre et illustrateur français.

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RDV du 3 au 19 décembre dans les deux belles galeries de l' Hotel Albert 1er de Toulouse, à deux pas de la place du Capitole.

Je serai présente à la galerie tous les jours du 6 au 19 décembre, de 11h à 19h.

(Et absente le 3-4-5 décembre car je participe à festival à Bordeaux : Les Rencontres du Carnet de voyage, à l'Espace Darwin) Allez j'y retourne !

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Carnets de voyage dessinés et portraits du monde

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Le texte officiel permet d'envisager de multiples formes pour ce carnet de travail de l'élève qui est avant tout un objet personnel et singulier, témoignant d'un engagement individuel et d'une démarche exploratoire menée tout au long de l'année.

Ni livre d'artiste, ni pense-bête, ni "book", ni cahier de croquis, ni cahier de cours, il peut éventuellement emprunter et croiser quelques unes de ces formes (ou non) et il n'a surtout pas vocation à être formaté.

Accompagnant l'élève dans les expérimentations, recherches, visites, rencontres et découvertes qu'il effectue durant l'année de terminale, ce carnet lui permet de relier la pluralité de ses investigations en les rendant lisibles et visibles par le texte et l'image.

En ce sens, le carnet de travail peut réellement consituer le lieu de l'articulation entre la pratique et la culture artistique et plastique de l'élève, le moment où les liens, les hypothèses et les enjeux s'esquissent et se formulent.

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Le texte officiel permet d'envisager de multiples formes pour ce carnet de travail de l'élève qui est avant tout un objet personnel et singulier, témoignant d'un engagement individuel et d'une démarche exploratoire menée tout au long de l'année.

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Les plus beaux croquis de Léonard de Vinci

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La conservatrice du Met Carmen Bambach révèle ce qu'elle a appris sur le peintre de la Renaissance le plus célèbre au monde.

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1 Il est tout aussi significatif que Léonard de Vinci, par exemple, n'hésite pas à employer le terme (...)

1Il est significatif que les termes actuellement d'usage tels que réserve ou variante n'existent pas dans la terminologie artistique ou même dans le champ de la représentation à la Renaissance. Mis à part le terme repentir, tous les autres n'avaient pas de réalité dans la littérature artistique 1. Ils n'entrèrent qu'avec parcimonie dans le lexique artistique à partir du siècle des Lumières. Du reste, si on compare l'éventail des termes corrélatifs aux processus de création, à la genèse proprement dite ou encore aux phases postérieures à cause de leur aspect moins spontané ou plus éloigné de l'acte originaire, les périodes de création d'un vocabulaire appliqué aux pratiques artistiques, c'est-à-dire à partir du xiv e et surtout du xv e et xvi e siècles, comptent un nombre restreint de termes vraiment efficients pour soutenir toute étude génétique.

2La difficulté de cette période fondatrice pour le dessin est d'établir des corpus susceptibles d'inciter à un travail analytique sur les processus de création afin d'en proposer une interprétation. Elle ne peut être envisagée sérieusement qu'à partir d'une prospection sur un matériel de première main. Pour ce qui concerne le domaine graphique proprement dit, il est si vaste qu'il appelle une connaissance corrélative du champ artistique tout entier puisque le dessin constituerait, dans ses fonctions principalement retenues par les spécialistes, une série d'études préparatoires, le plus souvent pour une œuvre réalisée sur un autre support. La question est bien plus complexe car il est aussi impératif de considérer le dessin comme une étude en soi. Il ne peut se comprendre qu'au travers d'une analyse comparative quand d'autres feuilles sont connues et, dans le cas contraire, les réflexions nous entraînent sur le terrain des hypothèses à envisager avec une certaine distance. C'est au prix de tels efforts qu'on pourrait instituer les fondements d'une analyse génétique avec un appareil critique pertinent et solide, susceptible de nombreuses additions et corrections, ratures et éliminations, introduction d'infinies nuances et typologies nouvelles encore mal circonscrites mais portées à acquérir par la suite un statut primordial. De toutes ces mutations, ou plutôt de ces mouvances, nous n'en sommes aujourd'hui qu'aux balbutiements sans pouvoir en ébaucher des méthodes éprouvées après plusieurs années de réflexions. L'état actuel d'une étude génétique pour le dessin des périodes anciennes est donc en jachère. Il s'agit d'un champ immense, d'une infinie diversité au point qu'il pourrait même constituer une discipline à l'intérieur de la discipline. L'intérêt serait justement de l'inclure dans le vaste domaine de la critique génétique des textes tout en lui laissant une part d'autonomie.

2 Ce thème constitue notre prochain sujet de recherche qui devrait donner lieu à un ouvrage.

3 Nous fondons nos analyses sur la période de la Renaissance mais il va de soi que la périodisation i (...)

3L'analyse des pratiques dessinées permettra de mieux considérer quelques-unes des problématiques posées par les périodes anciennes et, en dernière instance, de les comparer très brièvement à l'époque contemporaine. On évoquera un seul exemple de pratiques qui constitue une pratique très banale en apparence, celle du primo pensiero ou " première pensée ". Il s'agit d'un dessin, qu'on peut désigner sous l'appellation d'" association libre " ou de " dessin spontané 2 " pour ne pas employer dès à présent la dénomination contestable d'" écriture automatique ", trop attachée au mouvement surréaliste et à l'époque contemporaine. Les difficultés provoquées par une désignation, qui serait tout à fait appropriée à la période de la Renaissance ou même de l'époque moderne 3, sont très symptomatiques de l'indigence d'une terminologie propre aux usages de cette période. L'adéquation d'une terminologie adaptée nous aiderait pourtant à en saisir immédiatement le sens s'il existait déjà une série de critères tout à fait précis portant exclusivement sur ces signes.

4Cet exemple correspond à une série de pratiques dessinées identifiables dès l'apparition du dessin inséré dans les codex, puis en feuillets indépendants. Le primo pensiero se rencontre aussi bien chez les artistes favorisés par des corpus abondants (Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Fra Bartolomeo, Perino del Vaga, Parmigianino, Barocci, etc.), grâce à la préservation de leurs dessins et à la vénération de leurs disciples, que chez beaucoup d'autres, moins bien connus malgré l'existence tout à fait attestée de leurs modes d'expression les plus courants.

5On peut désigner par primo pensiero les dissociations introduites par l'irruption de motifs sans liens thématiques ni formels entre eux sur le champ d'une même feuille et logés dans un espace plus ou moins réduit. Cette définition succincte implique évidemment de nombreuses nuances de tous ordres. Elle devient autrement plus complexe quand il s'agit de tenir compte d'une temporalité induite par l'inscription de motifs à divers moments, parfois éloignés dans la durée, ou encore de départager les motifs d'un maître d'atelier avec ceux de ses disciples qui l'imiteraient ou utiliseraient simplement la même feuille à des fins personnelles. Une feuille de Michel-Ange (Oxford, Ashmolean Museum) (fig. 1 et 2) 4 symbolise ces difficultés d'interprétation dans une sorte de dialogue entre le maître et ses principaux élèves (Antonio Mini, Andrea Quaratesi) à travers des motifs réitérés (girafe, crabe). Ces dernières pratiques sont tout à fait typiques de cet esprit collectif où le maître d'atelier joue certes un rôle premier, aussi bien dans la responsabilité morale que professionnelle puisqu'il a très souvent le devoir d'imprimer " de sa main " ( de sua mano), comme l'exigent les termes stipulés dans les contrats, la marque de fabrique de son atelier. Il partage la mise en œuvre avec son équipe qui peut ainsi donner des idées ou développer les siennes sur les mêmes feuilles que le maître. Si la problématique de l'attribution nous importe peu ici, elle est d'une certaine portée dans la compréhension des mécanismes de travail, de la répartition des tâches, du rôle effectif de certains assistants face à l'omnipotence du maître ou, au contraire, d'une collaboration vraiment complexe qui fait du maître le porte-parole de l'atelier dans les discussions et tractations avec les commanditaires, et non le seul et unique artisan de l'œuvre à élaborer et produire selon les souhaits du client. Toute une déclinaison de ces étapes pourrait faire l'objet d'une véritable démarche de caractère génétique, car chacune d'entre elles diffère d'un atelier et d'une région à l'autre. Ces différences sont autant de marques personnelles, individuelles, qui expliqueraient en partie les singularités, les antinomies régionales et les entités de chaque ouvrage et de chaque commande.

Fig. 1

Fig. 1 : Michel-Ange, Hercule et Antée et autres esquisses, Sanguine avec quelques traits légers à la plume et encre brune, 28,8  42,7 cm (Oxford, Ashmolean Museum, Inventaire 1844.63, r°)

Fig. 2

Fig. 2 : Michel-Ange, Diverses esquisses et croquis avec un poème autographe de Michel-Ange, Sanguine, plume et encre brune (Oxford, Ashmolean Museum, Inventaire 1844.63, v°)

6Ce fonctionnement complexe, hiérarchisé certes mais mal défini dans son exhaustivité, tant les cas sont innombrables et particularisés, en Italie comme dans le Nord, et difficile à schématiser en quelques idées générales, oblige à une démarche circonspecte sur une si vaste thématique. Temporalité et durée, geste improvisé, captation de l'instant en son mouvement ou, au contraire, perception de la lenteur du trait contrediraient ainsi toute approche trop rationnelle, forcée ou encore trop peu réfléchie qui ne tiendrait pas compte de paramètres méconnus, liés à des traces d'oralité 6, parfois perceptibles encore dans des traces à peine lisibles laissées sur le champ de la feuille. C'est en cela que la dénomination provisoire de " première pensée " vient s'inscrire dans le cadre d'une critique génétique proprement dite.

8 Elle se trouvait dans le second album (vol. N, fo 127), entre deux feuilles elles-mêmes remplies d (...)

9 Cette recherche est à peine entamée. Aussi je ne peux encore rendre compte de toutes les possibilit (...)

11 La question est bien sûr plus complexe et nuancée mais il est très rare de connaître toutes les pha (...)

12 Chris Fischer le rappelle amplement (op. cit., p. 324).

7Une feuille rare (fig. 3 et 4) de l'artiste florentin Fra Bartolomeo (Florence, 1472-Pian di Mugnone, 1517) définit très bien la notion de primo pensiero, couramment utilisée par les historiens de l'art à partir de la terminologie ancienne pour désigner les premières pensées jetées sur le papier et même sur la toile. Aujourd'hui détachée d'un des deux grands albums au contenu de cinq cent sept feuillets provenant de l'atelier de Fra Bartolomeo à Florence et conservés à Rotterdam (musée Boymans-Van Beuningen) 7, elle est un cas exemplaire et emblématique en raison du caractère disparate dû à l'association des idées. Il existe très peu de feuilles de Fra Bartolomeo qui définissent aussi bien le primo pensiero. Le fait qu'elle était rangée entre des dessins de figures et de compositions souligne combien sa présence est déjà une exception 8. Elle est tellement exemplaire qu'on pourrait envisager d'en faire un équivalent de la notion de " brouillon ", si importante dans la critique génétique en littérature, bien qu'il soit impératif de lui adjoindre de nombreux autres cas de figure, probablement contradictoires 9. Le caractère disparate des motifs et la variation de l'échelle, plus prononcée sur le recto, sont les éléments les plus notables. Particulièrement marquante pour la composition en forme de lunette du Jugement dernier au recto, la diminution de l'échelle amplifie au contraire l'effet grandiose de l'ensemble au lieu de l'amoindrir. Il en est de même pour la Crucifixion du verso, mais la composition moins ambitieuse et les essais d'agencement de motifs architectoniques sur les deux côtés en accentuent le caractère plutôt imposant à cause d'une recherche d'ordre structurel. De nombreuses figures étudiées parfois avec une grande attention aux détails, en dépit de leur moindre dimension, parsèment le recto sans ordre ni hiérarchie indiquée par l'échelonnement des figures. Il émane une grande spontanéité du projet très complet et vaste du Jugement dernier et de toutes les autres figures alentour. C'est du reste une impression soutenue par les esquisses dessinées près de sainte Catherine au centre (en relation avec la figure de sainte Catherine d'Alexandrie dans la pala de la Sainte Conversation avec Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne, Paris, musée du Louvre, datée par le peintre en 1511) (fig. 5 et 6). La feuille est aussi emblématique parce qu'elle contient toutes les phases (ou presque) d'un processus de genèse, peut-être à partir d'une remémoration partielle du Jugement dernier peint par l'artiste dans sa jeunesse (Florence, fresque de l'hôpital de Santa Maria Nuova, 1499-1500, fig. 7) 10. Le caractère le plus marquant est donné par différents stades discernables dans plusieurs figures et par la temporalité qui inscrit les motifs dans la durée. En effet, l'association des motifs va de pair avec leur variété et leur incongruité. Cela est tellement évident qu'ils laissent une série de traces peu courantes visibles dans l'état originel. C'est pourquoi cette feuille est emblématique d'une série d'états premiers et intermédiaires, rarement représentés ensemble. La superposition d'états d'avancement différents ajoute à la dimension spontanée et à l'effet de simultanéité. Quelles que soient les relations avec des œuvres existantes, retrouvées pour quelques-unes seulement, non réalisées ou perdues mais envisagées pour d'autres par Fra Bartolomeo, la plupart des motifs sont juxtaposés indifféremment, sans considération ni de techniques ni d'enchaînement logique entre eux. Les difficultés d'identification avec des bâtiments pour les architectures ébauchées sur les deux côtés de la feuille qui jalonnent la surface d'idées longuement pensées, sans doute, mais livrées ici à l'état brut, sont à cet égard un des exemples les plus intéressants : les traces infimes mais lisibles des griffonnages et l'ébauche de plan architectural au recto prouvent le caractère spontané de ces notations. Elles montrent aussi combien ce type de feuilles répondait à un travail sur les idées. Cette feuille représente véritablement un champ expérimental au sens premier de terrain cultivable. On se rapproche de la notion de " brouillon " avec toutes les conséquences qu'elle implique pour la génétique qui trouve son sens ici. Elle suppose une relation étroite avec le premier jet et, à travers celui-ci, le mouvement interne qu'il induit. Ni les rares reprises à la plume ni les détails plus appliqués n'entravent cet élan vital. Sans insister sur une preuve de la virtuosité manifestée par Fra Bartolomeo dans ce genre de dessins, lui si studieux partout ailleurs, toutes ces remarques caractérisent un ensemble marqué par la notation. Le caractère foncièrement utilitaire importait plus que l'aspect esthétique, c'est-à-dire détaché des contraintes diverses, en général laissées dans les arcanes de pratiques collectives liées à une coordination des tâches dans l'atelier. Première condition du travail artistique au Moyen Âge et à la Renaissance, l'atelier était certes hiérarchisé, mais le partage des tâches reste parfois difficile à déterminer, même sur un ouvrage achevé. Le chef d'atelier fournissait lui-même en général la totalité des dessins, souvent avec les modifications intermédiaires entre les projets initiaux pour la signature du contrat et les divers changements en cours de travail, mais l'aspect utilitaire est très rarement représenté sur des feuilles aussi spontanées 11. Elles contiennent donc des indices précieux parce qu'ils sont rarement parvenus jusqu'à nous. Ce type de dessin n'avait pas beaucoup d'importance puisqu'il remplissait une série de fonctions devenues caduques après l'usage. Les artistes ne les conservaient pas et les jetaient sans scrupule et, à part quelques disciples d'un maître, les collectionneurs ne s'y intéressaient pas encore 12. C'est peut-être par ce genre d'observation que la distinction s'opère avec la période contemporaine où le renversement du statut de l'œuvre, quels qu'en soient le support et les modalités de sa création, est total. L'intérêt de cette feuille est d'être parvenue indemne de toute intervention irréversible, de nous permettre en quelque sorte de surprendre l'artiste en plein travail, dans sa bottega, sans s'attacher ni aux reprises soignées, ni aux repentirs et aux retouches postérieures effectuées à des fins esthétiques par des collectionneurs soucieux d'uniformiser leurs collections, tel Everhard Jabach. Ce type de feuille est donc un témoignage directement issu de l'atelier de Fra Bartolomeo. Ces projets dessinés étaient conservés à des fins utilitaires, soit pour commencer un autre projet sur un thème déjà traité, soit pour garder en mémoire une partie des travaux antérieurs, les comptabiliser comme témoignage des transactions opérées entre le client et l'artiste, et parfois en faire une réplique ou une variante.

Fig. 3 et 4

Fig. 3 et 4 : Fra Bartolomeo, Feuille d'études Sanguine, plume et encre brune, papier beige, 29,1  21,9 cm (Rotterdam, Museum Boymans-Van Beuningen, I 563 N 127 r°-v° / Studio Tromp, Rotterdam)

Fig. 5

Fig. 5 : Fra Bartolomeo, Détail de la feuille d'études de la figure 3

Fig. 6

Fig. 6 : Fra Bartolomeo, Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne, Paris, musée du Louvre, 1511, 257  228 cm

© RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Gérard Blot

Fig. 7

Fig. 7 : Fra Bartolomeo, Jugement dernier (Florence, Museo di San Marco

© 2013 / Photo Scala, Florence courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali

8Les implications portées par l'interprétation de ce dessin peuvent donc se ramifier dans le champ social en tant que pratique artisanale, comme dans le champ génétique. Le discernement de fonctions différentes entrant dans divers champs d'étude institue des tensions au cœur du processus de la genèse en tant que recherche tâtonnante d'une structure à venir. Elle devrait donc ainsi contribuer à dissocier une série de pratiques communes à un atelier, spécifiques à une région donnée, de la part proprement individuelle. Cette distinction serait le meilleur garant d'une identification avec une pratique individuelle. Le dessin de Fra Bartolomeo en est un exemple représentatif puisqu'une pratique individuelle s'y déploie de façon spontanée.

9Qu'adviendrait-il pour la recherche génétique si la perspective d'éclairer les pratiques dominantes, peu exposées en dehors des arcanes de l'atelier, était possible à mettre systématiquement en œuvre et envisageable aussi sur l'ensemble de la période de la Renaissance, où les processus dessinés commencent à être plus visibles ? La feuille de Fra Bartolomeo se situe vers 1515, au moment où la période antérieure est parvenue précisément à sa maturité dans le dessin florentin et romain. Les processus deviennent plus ou moins codifiés et la dissociation entre pratiques dominantes et individualités se réconcilie par l'intermédiaire d'artistes de premier plan (Léonard, Michel-Ange, Raphaël, etc.), après la transition commencée depuis la décennie 1470-1480. Cette démarche permettrait d'appréhender " à vif " une présence marquée d'abord par la spontanéité et l'immédiateté des gestes et par la disparité du champ de la feuille ou de toute autre surface, puisqu'il ne s'agit pas d'ordonner une série d'idées déjà développées, mais au contraire de les apposer pour une toute première fois, sans ordre préétabli. Cette partie de la recherche génétique est confrontée à un phénomène essentiel, qui est un phénomène vivant déterminé par le libre cours d'un surgissement d'idées associatives, dans une orientation ludique comparable au Witz, au mot d'esprit et au jeu de mots. Ce processus serait donc en contradiction avec celui des phases postérieures, plus ordonnées, plus soignées selon des critères esthétiques. Le caractère utilitaire, réservé à un usage interne des pratiques d'atelier, nous met face à un phénomène vivant qu'est l'exposition des " premières pensées ". Le primo pensiero ne serait pas concevable au seuil de la dernière phase de travail au cours de la mise en œuvre mais, au contraire, dans les arcanes de l'atelier, au cœur même des fonctions les plus utilitaires, essentielles à l'émergence des premières idées. Il appartiendrait soit à la phase originelle du processus de création, soit à une phase intermédiaire ou encore postérieure si l'artiste modifie la conception de son projet ou bien s'il cherche à introduire des modifications radicales. Aussi la spontanéité et la disparité des motifs sont-elles la marque d'un phénomène en devenir et en constituent même la spécificité.

14 Malgré tout, ces cas demeurent extrêmement rares.

15 Les réflexions à ce sujet sont très insuffisantes.

10Remplie de croquis très différents sur toute la surface, une feuille (fig. 8 et 9) donnée 13 à Jacopo Bertoia (Parme, 1544 - Id., 1573/1574), travaillant pour la cour des Farnèse à Rome, confirme sa filiation avec Parmigianino, bien qu'elle complète aussi la forte parenté graphique avec l'écriture d'autres artistes de la génération éduquée auprès de Raphaël, avec la puissance, la grâce et l'élégance des figures rencontrées chez Perino del Vaga et Taddeo Zuccaro. Le dessin s'apparente à tout un courant engendré par la diversité et la polyvalence d'artistes formés dans les ateliers d'Italie centrale de la génération de Fra Bartolomeo et de Raphaël autour des années 1520. Les années centrales du xvi e siècle sont marquées par les solides acquis hérités de cette génération si décisive dans l'accélération postérieure des transmissions de pratiques, particulièrement dans la préparation du dessin, qui entrait alors dans la phase la plus accomplie de son histoire depuis que nous disposons d'une série de dessins de mieux en mieux connus, à partir du milieu et surtout de la fin du xv e siècle. La datation pertinente de cette feuille, autour des années 1565-1570, correspond donc à la maturité créatrice atteinte dans le dessin : toutes les phases de la genèse et de l'achèvement sont désormais visibles, parfois restituables dans leur intégralité 14. Le dessin de Bertoia incarne l'aboutissement de cette évolution dans l'écriture graphique parvenue à un très haut degré de raffinement. On l'a mis en relation avec un petit nombre de croquis dessinés pour une série de fresques du palais Farnèse à Caprarola, en particulier avec la fresque du Songe de Jacob dans la Stanza dei Sogni (fig. 10), et les armes dessinées au verso avec celles d'Ottavio Farnese, duc de Parme 15. Ces rapprochements ne prouvent pas réellement une correspondance indubitable avec des œuvres réalisées, même pour le motif central de la Madone à l'Enfant, pourtant étudié avec beaucoup de soin avec un lavis appliqué de façon très picturale, identique à l'étude du cartouche des armoiries au verso. Ces deux motifs plus élaborés forment le noyau autour duquel s'organisent en arborescence les autres croquis. Ceux-ci irradient en éventail autour de la Madone et, même si cette association à un thème sacré est fortuite, ce phénomène reste très fréquent. En fait, à part les putti sur les marges de droite et de gauche accompagnés par les reprises sur le verso, et les figures allongées sur le bord inférieur de la feuille, aucun croquis ne se ressemble vraiment 16. La seule évidence est signifiée ici par le développement associatif et substitutif, qui est, pour Bertoia, l'occasion d'opérer une métamorphose de chaque thème abordé. On pourrait interpréter ainsi la suite des croquis d'une échelle plus grande allant crescendo sur toute la partie supérieure de la feuille. Ce développement est aussi prétexte aux notations très énergiques près de la tête de la Madone. On distingue aussi plusieurs types d'écriture qui vont d'une préparation picturale renforcée par les accents de lumière et les volumes à des reprises très insistantes de la plume maniée avec une fermeté et surtout une dextérité très grandes. Mais d'autres types d'écriture, qui ne font qu'ébaucher les contours nécessaires d'une silhouette pour les croquis de la marge supérieure, au tracé encore plus subtil et bref sur les trois petites figures près de la tête de la Madone, montrent une forte modulation de possibilités graphiques infinies, déployées ou prêtes à se déployer sur un espace aussi réduit. Elles sont un signe de la variété que peut atteindre un artiste seulement au moyen d'un médium très commun et rudimentaire, mais manié avec autant de subtilité que ses acquis peuvent le lui permettre. L'expérience joue un rôle premier dans cette capacité à transformer un motif en une série de thèmes différents (par exemple, la transformation de la figure féminine drapée en son pendant masculin puis en une autre figure très proche de l'écriture de Parmigianino sur la marge supérieure au recto). Le développement métonymique s'accompagne d'un changement de sens et parfois de mode d'écriture, un peu à la façon des modes en poésie modulés selon le ton et les effets recherchés. On pourrait ainsi comprendre l'appellation de primo pensiero dans la mesure où il existe ici une très évidente adéquation du mode d'écriture au contexte et à la mise en page du champ de la feuille. Ces conditions entraînent l'orientation d'une lecture articulée autour du motif central. Pourtant, les modes de chacune de ces écritures graphiques, leur extrême variété sur des intervalles aussi exigus, les irruptions soudaines de motifs inattendus, comme les études de têtes et de fragments du verso au milieu d'autres motifs d'une écriture beaucoup plus raffinée, par exemple les putti dessinés à la sanguine sur des linéaments tracés d'abord à la pierre noire, en justifient l'appellation. Mais il est aussi évident que la dénomination de primo pensiero appelle une série de nuances afin de l'instituer comme une désignation propre à un ensemble de la production dessinée, rappelons-le, une immense production, infiniment variée. Si tel est le cas, cela validerait cette dénomination munie de signes et de dispositifs particuliers et différenciés d'autres types. En revanche, toutes ces figures typologiques se caractérisent par un point commun qui serait la présence explicite ou non du mouvement, marque d'un processus vivant et d'une présence indirecte de l'artiste par cette impulsion fondamentale.

Fig. 8 et 9

Fig. 8 et 9 : Jacopo Bertoia, Madone à l'Enfant et études pour le Songe de Jacob (recto) ; Études d'armoiries, de putti et de têtes(verso) Plume et encre brune, lavis d'encre brune, papier beige, 40,7  27,1 cm (Princeton University Art Museum, Inv. n° 48-667 © Photo Scala, Florence, 2013)

Fig. 10

Fig. 10 : Jacopo Bertoia, Songe de Jacob (voûte) ( Stanza dei Sogni, Palazzo Farnese, Caprarola, 1570-1571)

11La comparaison entre les feuilles de Fra Bartolomeo et de Bertoia met en évidence trois éléments communs : l'aspect disparate des motifs sur un espace restreint, l'effet de surgissement et de profusion de l'invention, peut-être stimulée par la contiguïté des idées, et le caractère utilitaire. Ils donnent une définition alternative du brouillon dans le dessin. C'est le point commun le plus important car le primo pensiero peut être en effet défini comme l'équivalent d'un brouillon avec toutes les nuances proposées par le domaine littéraire. Le résultat se voit dans la différence de la mise en page, morcelée chez Fra Bartolomeo, irradiante chez Bertoia, interrompue par des scansions irrégulières ou même imprévisibles. Si éloignées par l'esprit et l'écriture, les deux feuilles ont pour principe commun l'association des premières pensées traduites par la spontanéité de l'expression et le saisissement de l'instant. L'invention suit aussi une logique décelable dans la répartition de la mise en page. Même si un croquis n'est pas développé, il s'intègre à une place impartie. Dans les deux cas, l'insertion d'un motif sans lien avec d'autres est due au caractère utilitaire de ce type de feuilles. Le dessin est d'abord considéré comme instrument de travail dans l'émergence de l'invention. Il est conditionné par cette nécessité. On retiendra ici l'importance des notions de contexte et de durée dans la mesure où elles accompagnent toute interprétation de l'acte dessiné et ici, ces deux paramètres ont un rôle privilégié, qu'il faudrait étudier isolément de façon bien plus approfondie afin de reconsidérer leur définition dans le domaine du dessin ancien. La notion de contexte est produite par l'antériorité des motifs devenus prétextes à la notation de croquis subsidiaires encore à l'état d'ébauche, alors que la durée est déterminée par la disparité et la dispersion sans aucune logique sur le champ de la feuille.

12Ces deux exemples ne forment que l'amorce d'une recherche en cours sur une pratique courante présentée ici, très représentative d'un fonctionnement commun au processus de création dans le contexte de l'émergence de l'invention. L'équivalence entre brouillon et primo pensiero devrait se confirmer par la suite. Ou bien il serait nécessaire de distinguer plusieurs degrés dans la définition du brouillon qui ne saurait représenter seulement la toute première phase du processus. C'est en cela que la dénomination de primo pensiero serait une première proposition utile à la différenciation des degrés d'élaboration au cœur même de ce que nous appelons un " brouillon " ou, dans le champ de la représentation, une " esquisse ".

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Entre esquisse et brouillon, le primo pensiero

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L'articolo prende in esame le possibili interpretazioni di un processo genetico facente parte di una genetica del disegno e che possiamo chiamare primo pensiero, intendendo con tale termine lo stadio iniziale dell'abbozzo. Si è discusso di alcuni esempi nell'ambito del disegno nel Cinquecento italiano, e si può dimostrare un qual certo parallelismo con la condizione della copia di lavoro nell'ambito della genetica letteraria.

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Villard de Honnecourt , Album de dessins et croquis .

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Villard de Honnecourt , Album de dessins et croquis . -- 1201-1300 -- manuscrits

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Les carnets inédits de Picasso exposés à Paris - Archive INA

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De Villard de Honnecourt à Le Corbusier et alii : natures et usages...

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Quand on voyage et qu’on est praticien des choses visuelles : architecture, peinture ou sculpture, on regarde avec ses yeux et on dessine afin de pousser à l’intérieur, dans sa propre histoire, les...

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Exploring Artists Through Their Sketchbooks

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Here is a small selection of artists through the ages and some pages from their sketchbooks which have been passed on through the ages and the different ways in which their books were kept.

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Roven est une revue critique sur le dessin contemporain. Le neuvième numéro est intégralement consacré au thème du carnet de recherches et nous propose une immersion dans l'intimité de la pensée artistique.

Présentation
José Maria Gonzalez, Marine Pagès, Julie Enckell Julliard,
Roven n°9. Numéro spécial le carnet de recherches
La neuvième édition de la revue Roven propose une formule thématique intégralement consacrée aux carnets de recherches.

"Qu'est-ce que le carnet de recherches? C'est un objet singulier, lieu de la genèse de la pensée, de la notation immédiate et automatique, de l'introspection, de la réflexion, de la construction d'une recherche, d'un raisonnement.

Il nourrit la création et l'imaginaire et, en cela, il est bien plus qu'un simple outil, mais bien le support d'une découverte et d'une construction de soi.

Le carnet de recherches est lié à l'œuvre dans son ensemble, mais pas forcément à un œuvre en particulier, à la préparation de laquelle il n'est pas assujetti. C'est un objet de terrain et de mémoire, indépendant et autonome et dont le fonctionnement n'est ni chronologique, ni linéaire. Il use indifféremment du dessin, de notes, de diagrammes, de croquis, des plans, de références, d'objets glanés, etc.

Des liens se font et la rencontre de tous ces éléments produit un sens commun où l'artiste construit l'histoire de sa recherche personnelle. Le carnet permet d'assister, après coup, à la construction d'une pensée, de nous rapprocher de l'intention, de la main en train de faire. Il ne délivre pas les clefs de lecture d'une œuvre, mais donne à voir une expérience qui résonne parfois dans le travail artistique.

Les carnets ne sont pas destinés à être montrés. Ils dévoilent une part de soi, ils rendent visible ce qui reste de l'ordre de l'intime. (...)"
Johana Carrier et Marine Pagès

Roven n°9 est née de cette volonté de consacrer un numéro à cet objet si particulier, que les artistes ne partagent que très rarement.

"Tenir un carnet augure la fabrication d'un double, d'un compagnon avec qui entamer un dialogue. Il se fait machine à enregistrer, à commenter, à transcrire. Dans le flux du carnet de recherches, les pages agissent comme l'écran sur lequel les idées se dessinent, où la pensée se donne à voir.

Extraire des parties de ce tout, c'est mettre en dialogue des éléments par leur chose commune. Sélectionner des passages révèle alors, entre ce qui y figure, le dessein de ce qui s'y travaille."
Camille Bondon

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Roven n°9. Numéro spécial: le carnet de recherches

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Présentation José Maria Gonzalez, Marine Pagès, Julie Enckell Julliard, Roven n°9. Numéro spécial le carnet de recherches La neuvième édition de la revue Roven propose une formule thématique intégralement consacrée aux carnets de recherches. "Qu'est-ce que le carnet de recherches? C'est un objet singulier, lieu de la genèse de la pensée, de la notation immédiate...

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Ont contribué à l'élaboration de ce dossier: Stéphanie BEN TAARIT, Céline BERTHOLIER, Benjamin BISCIGLIA, Bertrand CHARLES, Céline CHIRON, Aurelie DOURMAP, Aurore DREUX, Alexandre GODEFROY, Sophie JAHN, Julie JANET, Florent LARGE, Sophie LAURENT, Ludivine LOBERTREAU, Virginie MICHEL, Héloïse PACTEAU, Sandline RICHIARDI, Anne RORTAIS, Dominique TERASAS, Lionel THEFANY.
Jean-Pierre MARQUET, Inspecteur d'Académie-Inspecteur Pédagogique Régional d'Arts Plastiques, académie de Nantes

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Ont contribué à l'élaboration de ce dossier: Stéphanie BEN TAARIT, Céline BERTHOLIER, Benjamin BISCIGLIA, Bertrand CHARLES, Céline CHIRON, Aurelie DOURMAP, Aurore DREUX, Alexandre GODEFROY, Sophie JAHN, Julie JANET, Florent LARGE, Sophie LAURENT, Ludivine LOBERTREAU, Virginie MICHEL, Héloïse PACTEAU, Sandline RICHIARDI, Anne RORTAIS, Dominique TERASAS, Lionel THEFANY.

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Europe (période) - période contemporaine de 1789 à 1914 [157451]

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Notre bâtiment Nos chefs-d'œuvre Arts plastiques Dessins Photographies Design et prospective industrielle Architecture Films et Nouveaux médias L'Atelier Brancusi La Bibliothèque Kandinsky Plan du Musée

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Léonard de Vinci, Michel-Ange, les Carrache... les plus grands artistes de la Renaissance s'adonnaient au gribouillage : c'est ce que nous dévoile l'exposition Gribouillage/Scarabocchio qui vient de s'ouvrir au palais des Beaux-Arts de Paris, sous la direction de Francesca Alberti et Diane H. Bodart. Cette dernière, professeure d'histoire de l'art à Columbia University, nous raconte comment le gribouillage s'est imposé dans l'histoire de l'art.

Le gribouillage à l'encontre de la théorie de l'art noble

Léonard de Vinci compare ce qu'il appelle des "compositions incultes" aux ratures sur les feuilles des écrivains. Il les considère comme utiles à la créativité. " Il y a une fonction du point de vue de la recherche des idées, analyse Diane H. Bodart, de voir comment, d'un trait fait sans vraiment y penser, peut surgir une forme, une figure. Et ça, c'était une idée de Léonard, et qui à l'époque contrevenait au discours officiel sur le dessin. Affirmer que c'est la forme qui surgit du geste de la main, et qui en se dissociant de l'esprit, permet de faire resurgir ces images latentes de la mémoire."

Ce dessin libre était pratiqué de manière officieuse, en cachette : derrière un tableau, sur des carnets, sur les murs des ateliers. En particulier au début de la Renaissance, alors que le dessin, jusque là, lié aux arts mécaniques, devient un art noble, grâce à l'idée du dessin théorisé, intellectualisé, explique l'historienne : "C'est l'idée d'un dessin qui apparaît d'abord comme conception, qui se forme d'abord dans le monde des idées, dans l'esprit de l'artiste de façon parfaite, et qui, ensuite, est traduit par le geste d'une main talentueuse et sûre, sur le papier.

Mais à l'instar de de Vinci, les artistes questionnent cette forme de dessin libre non pas dans des traités mais dans les œuvres elles-mêmes. Comme dans l'image ci-dessus, Portrait d'enfant montrant son dessin de Giovanni Francesco Caroto, qui place le gribouillage au centre de l'œuvre.

Le gribouillage institutionalisé grâce aux Carrache

Ces moments de liberté artistique vont finalement être promus à la fin du XVIe siècle grâce aux Carrache, trois artistes d'une même famille, qui ont renouvelé l'art de la Renaissance. "Les Carrache finiront par instituer cette pratique de récréation dans la formation des membres de leur académie, ils y voyaient un moment important pour se ressourcer, pour régénérer leurs idées" détaille l'historienne.

Au dos de cette gravure d'Annibal Carrache, on observe des gribouillages qui confirment la recherche de liberté du geste au travers de cette pratique.

Diane H. Bodart évoque la fonction pratique du gribouillage, "par rapport à la souplesse de la main, du geste. Là on a presque quelque chose qui est lié au moteur des articulations de la main. Donc le gribouillage c'est à la fois la recherche créative mais aussi celle d'un trait particulier, précis."

Le gribouillage comme geste social

Pour les artistes, c'est aussi un geste social : dans les ateliers, on joue à faire des caricatures des personnes que l'on connaît, d'autres peintres, etc. On les retrouve ainsi jusque sur les murs des ateliers.

Cette peinture de Barent Fabritius dresse un inventaire des instruments de l'artiste : toiles, chevalet, palette, baguette, accessoires pour les modèles... et gribouillages. "Ici, le gribouillage est partie intégrante du travail de l'atelier, commente la professeure. Barent Fabritius en a disposé au-dessus de la tête du jeune peintre : on a vraiment l'impression que ces gribouillages sont les projections des pensées du peintre au moment où il est très concentré sur son travail."

Mais malgré sa présence ancienne dans l'histoire de l'art, ce n'est qu'au XXe siècle que l'avant-garde artistique fera du gribouillage une œuvre à part entière, et contribuera ainsi à libérer définitivement l'art de son carcan normatif.

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Le gribouillage, pratique essentielle aux artistes depuis la Renaissance

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Insignifiant le gribouillage ? Au contraire. Bien avant le XXe siècle et son appropriation par l'art contemporain, les artistes de la Renaissance pratiquaient déjà ce dessin libre pour favoriser leur créativité et la souplesse de la main. Certains en ont même fait un geste social.

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A Vevey, le musée Jenish expose pour la première fois la "Map of Headlessness" de l'artiste plasticien Thomas Hirshhorn. Une cartographie monumentale et chaotique pour tenter de se repérer dans les divagations du monde.

Le plasticien bernois Thomas Hirshhorn est connu pour ses installations immersives stimulantes. Pour les concevoir, il ne travaille jamais sans plan. Pour lui, c'est un préalable important à son travail artistique, mais aussi à la structure de sa pensée. Mais avec son projet de cartes, "Maps" (créé le plus souvent en collaboration avec le philosophe allemand Marcus Steinweg), Hirschhorn va bien plus loin que de montrer des ébauches de plans de travail.

De l'avantage de perdre la tête

Le Musée Jenisch expose pour la première fois sa "Map of Headlessness" (littéralement "carte de la perte de la tête"), acquise en 2015. A priori, l'idée de perdre sa tête ou ses esprits pourrait sembler en contradiction avec le principe même d'organisation. Mais Thomas Hirschhorn et Marcus Steinweg voient - et donnent à voir - les choses différemment.

Un livre paru chez JRP/Ringier documente cette oeuvre à part entière, qui vise plutôt à établir des sortes d'immenses cartes géographiques de l'esprit. Des multiples images collées y dialoguent avec une foule de fragments de textes. Autant de détails via lesquels l'artiste et le philosophe font état de leurs préoccupations et les organisent.

A voir et à lire

Au premier regard, la "Map of Headlessness", haute de 2m40 et large de 4m, perturbe. Des extraits de journaux y côtoient des notes manuscrites, des photos et des extraits d'écrits de Goethe, Nietzsche, Georges Bataille et Michel Foucault. Les textes, pour la plupart rédigés en français ou en anglais, se préoccupent de la nature de l'art, de son sujet, du chaos et du vide. Un minimum de goût pour la lecture est donc requis.
>> A écouter: Une cartographie du monde selon Hirschhorn
Arts visuels: une cartographie du monde selon Hirschhorn / Vertigo / 5 min. / le 28 janvier 2019

Une carte pour Nietzsche ou Arendt

Le plasticien et le philosophe travaillent à ces cartes depuis 2003. Les collages sont le plus souvent dédiés à des thèmes ou des personnalités qui les ont marqués. Il existe ainsi une "Nietzsche-Map" ainsi qu'une "Hannah Arendt-Map", ou encore une "Carte de l'amitié entre la philosophie et l'art".

Leur méthode de travail est surprenante: l'artiste et le philosophe travaillent ensemble mais sans aucune discussion, pour la simple raison qu'ils n'en ont pas besoin.

Je suis d'accord avec tout ce que fait Marcus et il est d'accord avec tout ce que je fais. Nous travaillons dans un accord total

Thomas Hirschhorn au sujet de Marcus Steinweg

Un œuvre monumentale qui fourmille de détails

En se plongeant dans les détails de "Map of Headlessness", on retrouve bon nombre des sources d'inspirations et des thématiques de l'artiste. Connu pour la banalité des matériaux qu'il utilise (cartons, scotchs, etc), on peut par exemple y trouver de petites notes écrites à la main, expliquant pourquoi il aime utiliser le papier aluminium, aux apparences précieuses mais d'un usage totalement quotidien et précaire.

En prenant son temps, l'observateur attentif peut ainsi plonger profondément dans la pensée et l'oeuvre de Thomas Hirschorn.

Auteure: Alice Henkes / SRF2

Traduction et adaptation web: Manon Pulver
Cet article a été publié initialement en allemand sur le site de SRF Kultur.

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Le plan de Thomas Hirschhorn pour égarer (et retrouver) ses esprits

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A Vevey, le musée Jenish expose pour la première fois la "Map of Headlessness" de l'artiste plasticien Thomas Hirshhorn. Une cartographie monumentale et chaotique pour tenter de se repérer dans les divagations du monde. Le plasticien bernois Thomas Hirshhorn est connu pour ses installations immersives stimulantes.

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Les douze carnets de Léonard de Vinci conservés par l’Institut de France, datés de 1487 à 1508 environ, contiennent notes, croquis et ébauches de traités sur des sujets divers. Depuis la fin du XVIIIe siècle, ils sont distingués au moyen de lettres (A-M).

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Every great piece of art goes through a creative process, but that process is hidden and often forgotten. In this article, we will show you famous sketches made by the greatest artists.

Sketches are the most under looked and underrated artworks in history. (Yes, artworks!) We often only have the chance to look at the finalised artwork in the museums' walls which leads the viewer to think that artists are geniuses. Indeed, artists are geniuses! But to be a genius also requires a lot of work and effort. And that is where sketches are included in the story. Every great piece of art goes through a creative process, but that process is hidden and often forgotten. Sketches is the how a great artwork becomes iconic: with lots of experimentation and practice.

From drafts, doodles, sketches, texts, instructions- anything you can imagine is what leads to the finalised artwork. The creative process can be very time consuming, and its primary goal is to develop ideas and test out colours, shapes, sizes, composition.

Probably that ruins the fantasy for many that the artist is a genius capable of achieving perfection in a single attempt. But every art piece is backed up with a lifetime of practice, experiments and fails. Many times, the creative process is indeed more rewarding and intimate to watch than the perfected artwork.

But where do artists keep track of all this process? The famous term "sketchbook" is the answer.

To look at an artist sketchbook is an intimate act, and if you ever do/did that, you may feel privileged. The sketchbook is a visual diary of thought, a journal that ghosts the artist pathway, a friend. This way, the artist never misses an opportunity to note the beauty of things that they are surrounded by. These drawing diaries are an open space for expression-a space without pressure or judgement. Sketchbooks are considered the window to the soul of the artist. Full of details, sketchbooks are a visually pleasing mess that usually tells more about the artist than about the artworks itself.

There are also a variety of types of drawings that can compose the sketchbook, and that may vary with the time the artist employs in it. A sketch is more of a preliminary draft of an idea- a rough alignment of lines that might structure the finalise artwork. A sketch is less detailed than a study but more elaborated than a doodle.

Some artworks and artists are particularly famous for their iconic sketches. The aura of such doodling of the ideas gives the viewer an intimate connection to the finalised piece, and indeed it makes an artwork far more interesting. Let's look at some of the most iconic sketches of all time.

The French-swiss Painter, sculptor, architect, urbanist and writer was a visionary of his time. Le Corbusier is widely recognised for his modernist architectonic projects and urban spaces. He was inspired by his travels, art and notions of "order". Le Corbusier designed imaginative spaces exploring simpler forms of everyday life, purifying and organising cubist shapes. In this famous sketch, we can have a glimpse of what his travels may have looked like: urban spaces, buildings, and animals. Along with the drawing, we can also see some notes that guide the thought process of the artist.

Zaza Hadid was the first women to gain recognition in an industry-led by men at the time. The Iraqi-British architect was praised for her liberation of lines and shapes in the building's design. Zaza Hadid is known as the "Queen of the Curve" because of her unusual approach to traditional architecture. Her radical approach shifted architecture from geometrical patterns towards asymmetric, curvy and abstract designs. In this sketch, we can see her spatial conceptualisation of the building "Phaeno Sciecnce Center".

Degas was a French sculptor and painter that was an enthusiast about the human body. In his works, he portrayed mainly women - dancers, singers, and laundresses - in robust, innovative and unusual postures. He was intrigued by the challenges of capturing the light accurately and often used artificial light to enhance some theatricality in the figures he portrayed. There are a variety of sketches that have been publicly shared by recognised institutions. In his sketches, you can see his human body studies and how Degas was fascinated by women in delicate but strong postures.

Vincent Van Gogh almost does not need a presentation. Everyone has a slight idea of who he was and how visionary and influential he is in the art world. The Dutch painter is also known to be the stereotypical image of the tortured artist because Van Gogh struggled with mental health issues his whole life. Despite that, he created dense and vivid impressionist paintings that reflected his spiritual chaos. The famous artist also kept a sketchbook where he drew some studies to some of his most influential pieces like "Chair". For Van Gogh maybe the sketchbook was really a way of clearing his clouded mind and organising his thoughts.

Egon Schiele was an Austrian painter that is widely admired by his erotic drawings. His bold signature style challenged conventional forms of beauty through the exploration of his models' psyche and sexuality. His drawings and paintings depicted nude models in unsettling poses that avoided depiction of the genre. Schiele markings were aggressive, strong and bold, which enhanced the distorted notions of the beauty. Most of his well-known artworks are taken from his sketchbooks. Schiele sketches are considered to be artworks in their own right. In this image, you can see a Schiele sketch found in a drift store in 2018.

Leonardo Da Vinci is an undisputable genius of his time. He was a master of the Italian Renaissance, demonstrating expertise in multiple areas such as painting, sculpture, architecture, anatomy, geology, maths, science, astronomy and many others. His signature style was known to be precise and realistic. He also introduced a new technique called "sfumato" to which lots of artists still try to master nowadays. Da Vinci, like any other artist, practised the art of the sketch and his multiple sketchbooks can be seen in various institutions around the globe. In this sketch, we can see a preliminary study that may have influenced the famous Mona Lisa painting.

Rubens is another Old Master that exceeded in the Baroque Movement. His paintings showed an evident influence by the Italian Renaissance with a touch of theatricality. Rubens signature style was known to emphasise movement, colour, light, drama and sensuality. His highly charged compositions refer to Christian History and the myths of the Catholic Church. "Daniel in the Lions' Den" ( 1614-16) is a very iconic painting of Rubens, and there is a publicly known early sketch of these lions. The sketch is slightly more developed than just a preliminary drawing as we can note some study of light and texture. This lion sketch may actually be more famous than the painting itself.

Frank Gehry is the most famous living architect in the 21st century. The Canadian American architect is renowned for his unique style rooted in the modernism, considered to be entertaining, surprising and functional. He uses a variety of materials, ranging from cheap, mass-produced items to expensive and rare materials. His deconstructed style relies on hand-drawn sketches rather than sophisticated software, allowing the artists to have a more intimate connection with every line he puts on paper (and consequently with the building). The Guggenheim Museum Bilbao is one of his most notable projects and also one of the most prestigious buildings since its construction. In the images, you can see Gehry first hand-drawn sketch of the Bilbao Museum. Gehry says his inspiration to design such a layered structure was fish.

Picasso was one of the most influential artists from the 20th century. He was a pioneer of the Cubist movement and made some contributions to Symbolism and Surrealism. Although he is mainly recognised for his paintings, Picasso also was a sculptor, printmaker and ceramist. His charismatic personality captured the attention of many women, whom he used as models for his artworks. He was highly admired for his deconstruction of the space and perspective, with the use of bold and robust markings and colours. Like every other artist, he used to keep sketchbooks to perform his studies for posterior paintings. As we can see "Les femmes d'Alger" (1955) was not an exception of that. We may see the simplified work of forms, shapes and colours represented in an early sketch preparation for the iconic painting.

Eugene Delacroix was one of the leading figures of Romanticism and one of the most praised painters from the 19th century. His paintings are characterised by vivid and agitated colours concerning the sublime and the exoticism. He often painted contemporary scenarios featuring violence and tragedy in dramatic and dynamic compositions. Delacroix was known to have a sketchbook always at hand to which he used to draw his visits to the opera house or the theatre. The artist also used these sketchbooks to experiment compositions for his paintings.

To finish off this list, it had to be William Turner. Turner has got probably the most well-known collection of sketches and sketchbooks ever made. Turner was a British artist that is widely praised for his contributions for the Romantic Movement. In his paintings, he reflected on the importance of the individual experience in the Englightmenet era. Through sublime scenarios, Turner heightened notions of the consciousness and the being. His painting technique emphasised the power of nature and the fragility of the being. Turner sketchbooks were a fundamental discovery to study his understanding of the world. In his sketchbooks, he used pencil primarily and occasionally did some experimentations with watercolours. Most of these sketchbooks belong to the Tate Collection at TATE.

As you may see, sketchbooks function like a second skin of the artists and indeed a necessity to keep track of the artist's ideas. Sketches are a primordial form of art, and although it may not be considered a fine artwork itself, sketches are as insightful and significant as the completed artwork. Sketches are valued and admired in its terms and category and should never be understood as less valuable. Sketches are carriers of history, experiments, memories, stories and are an estimable element in art history. All the artists mentioned above are much praised nowadays, and that might have something to do with the time they employed to sketching ideas and compositions. No great artwork is known to be the first-ever attempt. Every great artist used sketchbooks as a tool of development and growth in a search for personal style and technique.

Cover image: Edgar Degas, "Danseuse de dos", Unknown, Red chalk on paper, 24 × 32 cm. Courtesy Artsy.

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Sketches are the most under looked and underrated artworks in history. (Yes, artworks!) We often only have the chance to look at the finalised artwork in the museums' walls which leads the viewer to think that artists are geniuses. Indeed, artists are geniuses! But to be a genius also requires a lot of work and effort.

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It's not uncommon for anyone even remotely interested in art to have an interest in the life and work of Leonardo Da Vinci. Nor is it uncommon for creatives to have a thing for peering into the sketch books of others to satisfy a creative curiosity as to how someone thinks and develops their ideas. I know I fall hard into both camps, so I thought I might bring the two together. Let's have a look at the brilliant sketchbooks of the old master.

The power of Leonardo's works is undeniable. While he may have only produced a handful of finished pieces, the impact he left is second to none. Below are the sketches for two of the most well known and renowned pieces of creative work the world has ever known.

These illustrations move me. Not because of what they are depicting, but because of the quality and care and craft that was put into them.

As a graphic designer, I have a love for seeing the sketch books of creatives, as I'm sure you do too. There's something to looking into the development of a piece of work you admire - to see how it was constructed, how the idea came to fruition-it's interesting and exciting.

The notes are mostly observations or little tidbits I read while putting this all together, that make the imagery a little more interesting.

The Last Supper

Easily in the top two of Leonardo's most renowned pieces, The Last Supper was commissioned by his employer of the time, the Duke of Milan, in 1495 and took three years to complete.

While the painting has deteriorated horribly over the years, what makes it so special is so easily seen - the emotion and expressions strewn across the faces of those at the table are stunning. The detail in their skin, hair and clothes are of such high quality and rich detail that it can be hard to easily understand the depth and complexity emotion and body language shown.

Let's start with a good look at the finished product. This is the moment in the Biblical story that Jesus says that he will be betrayed by one of those sitting with him. Looking closely at the expressions, you'll noticed surprise, anger, fear and sadness, which up to this point weren't always shown in such legitimately human ways in previous representations of this scene by other artists.

Now moving on to the sketches! This was an initial draft done hastily to establish position and proportion, done as if he had excitedly realised how he was going to compose the image.

I love this one for so many reasons. It's a considerable step up from the previous scrawl, but is still just reference - and it's stunning. The fact that he started at one spot of the page, made his way left and ran out of room is refreshing. There is something humbling in realising that even a genius makes mistakes.

This is an early sketch of St James the Greater, clearly focusing on the emotion that is carried through the expression on the face. In the final, he is sitting second on the right from Jesus. This is one of the sketches that is fantastic to see as it helps give a better understanding of the expression in the fresco.

The model used for the previous sketch of St John, as well as this one of St Philip were one in the same. While the expression is more visible in the final than the previous (St Philip is fourth from the right), the value of the emotion in the eyes is one of the best in all of the sketches featured here.

Judas, third from the left wearing the green and blue robe - the composition and expression in this sketch is very close to the one he wears in the final. The muscle tone is just breath-taking and the expression in the ridge above the eye is intriguingly powerful.

This sketch for St Bartholomew isn't much different in style than many other portraits by the Great Master - in fact it's less detailed and less impressive than most, but as always the eyes have something special in them. In the final, St. Bartholomew is on the far left, scorning a view across the table that, which when paired with the detail of this sketch, is easily felt. The dark, suspicious eyes with the brow buried in contempt, coupled with the down-turn in the edge of the lip make this one of the best expressions of emotion here.

This sketch of St. Peter sits in a nice spot between the previous sketches and the final, chronologically speaking. By now, you've probably noticed that none of the previous sketches have beards, but in the final, the almost all do. The composition in the final is quite a bit different than this one, as you'll notice the final is more of a profile than this. This is also one of the few sketches that shows more attention being paid to the clothing and overall composition, which, in this version, I actually prefer over the final. In the final, he is fifth from the left, reaching behind Judas.

As I've said over and over, take special note of the eyes and the age and emotion they show.

One more time, the final.

The Virgin and Child with St Anne (and John the Baptist)

This is a scene which Leonardo had thought about more than once. While there is only one finished product, there is another line of research and development done for an earlier piece, The Virgin and Child with St Anne and St John the Baptist.

Because the two images are concerned with the same theme and hold almost the same composition, I thought it would be worth-while to include sketches for both.

The two artworks that came out of his interest in this theme was the cartoon of The Virgin and Child with St Anne and John the Baptist, also known as the Burlington House Cartoon, and the final painting which was The Virgin and Child with St Anne.

The Burlington House Cartoon was his first attempt at this scene, and never became more than a large illustration. The second piece was completed eight years after the initial sketches were done. Why eight years? I'm not sure, to be honest. The painting was done at a different time in his life, when his interests were swung away from art and landed on mathematics and geology. Perhaps Freud's theory (below) was right and he became sentimental as he got older?

While the detail in the clothing is engaging and the muscle and flesh tone amazing, it's the emotion in both of these pieces that make them enticing. The love and admiration held for one another is truly warming, as they each gingerly gaze at one another in succession - St Anne smiling at her daughter Mary, Mary at her son - they are proud of what they have given life to.

Freud had suggested that the reason why Leonardo had a fondness for this scene, the depiction of the two mothers in particular, is due to his upbringing. At first cared for by his blood mother, he would go on to be adopted by the wife of his father. What helps give a little bit of legitimacy to this theory can be seen in the age of the two women, who appears much closer than a mother and daughter might.

An almost unintelligible mess this illustration became. Clearly trying to work the mixing of arms and fabrics and bodies over and over, Leonardo pushed this to a point where it is nothing much more than a scribble. What's interesting about it, is that the layout appears to be somewhere between The Burlington House Cartoon and the oil painting.

This is a development illustration that would become the final oil painting as it is one of the first to introduce the lamb, but was quite possibley done when developing the cartoon, rather than the oil painting. It seems as if he did a lot of the ground work for this theme, but abandoned it at some point, only to come back to it later in his life, resulting in the final.

This illustration for The Burlington House Cartoon is interesting because of the marks around the edge of the figures and the almost undecipherable scratches for the lower parts of the bodies. Both of these were because of Leonardo trying to find a satisfactory manner in which to have them sit in space.

The Burlington House Cartoon. This is as far as Leonardo came with this exact scene and the four people it portrays. As I mentioned earlier, it's the gazes that each person is throwing to the other that make this so beautiful.

Detail of the face of St John from the Burlington House Cartoon. One of the things that Leonardo did so well, in my opinion, is hair. I'm not sure why, but these ringlets of hair as drawn here are just fantastic.

Detail of the face of Mary. The softness of her skin can be felt through the gentle shading around the cheek bone, with the half closed eyes in her son's direction, there is such a delicate feeling to her expression.

St Anne looking on at her daughter, as she looks at her son. The delicateness isn't quite as soft as that of Mary and when looking at them closely, it's hard to determine what kind of age gap there is, giving a point to Freud's theory.

Where as with Jesus, the hair isn't of the same quality, but the facial expression and the shading around the eyes, nose and the bottom of the cheek are great.

And of course, here is The Virgin and Child with St. Anne, as a finished oil painting.As you'll clearly notice, St John is no longer included and instead, the baby Jesus is wrestling a lamb. This painting was done when Leonardo was starting to venture into other grounds, outside the walls of the art world, which is why this is apparently unfinished.

More Sketches

I was originally going to look at three works by Leonardo but decided against it as, at this point, the article is obviously quite long and I wasn't going to be able to get everything into it that I wanted. So rather than trying to squeeze another lot of development work and a final piece into this article, I thought I would just share with you a few sketches that really grabbed me. They range from art to science, math to engineering.

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It's not uncommon for anyone even remotely interested in art to have an interest in the life and work of Leonardo Da Vinci. Nor is it uncommon for creatives to have a thing for peering into the sketch books of others to satisfy a creative curiosity as to how someone thinks and develops their ideas.

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Sisyphe numérique, dans un mouvement contradictoire, la machine de LUQUE SANCHEZ dépose une trace et la retire aussitôt pour rejoindre et tracer l'infini par le plein du tracé et le vide de la feuille

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LUQUE SANCHEZ Felix - Repères numériques

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Felix Luque Sanchez travaille sur des installations sonores, d’animation en images de synthèse ou encore de sculptures électroniques afin de traiter des problématiques en lien avec la nature de l’intelligence.

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Henri Matisse speaking about drawing and painting

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Kusama's Self-Obliteration (Jud Yalkut, 1967)

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Gerhard Richter Painting: watch the master artist at work

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Série l'atelier A d'Arte : les artistes contemporains au travail

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Série l'atelier A d'Arte : les artistes contemporains au travail

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Entrez dans l'atelier d'un artiste

Chaque semaine ARTE et l'ADAGP vous font découvrir le travail d'un artiste à l'occasion de son actualité. En visitant son atelier, partez à la découverte des inspirations et des techniques de la nouvelle génération d'artistes contemporains.

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Tous droits de reproduction et de diffusion réservés © 2023 ARTE G.E.I.E. - ARTE G.E.I.E. 4, quai du chanoine Winterer CS 20035F - 67080 Strasbourg Cedex

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Chaque semaine ARTE et l'ADAGP vous font découvrir le travail d'un artiste à l'occasion de son actualité. En visitant son atelier, partez à la découverte des inspirations et des techniques de la nouvelle génération d'artistes contemporains.

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Esquisses de Sydney polyacides : Franck o gehry

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Esquisses de Sydney polyacides : Franck o gehry

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Frank Gehry / Sydney Pollack - Apuntes / Esquisses / Sketches - Artracaille 14-09-2010

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Des matériaux variés étaient à la disposition de l’artiste qui pouvait s’exercer à divers procédés ou choisir ceux qui s’adaptaient le mieux au rendu de son projet : subtil tracé à la pierre noire, à la plume, à la sanguine,…

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La pratique du dessin en plein air, sur le motif, est bien attestée en France (comme en Europe) au XVIIe siècle et devient courante au XVIIIe siècle. Au XIXe siècle, jugée indispensable à la formation des jeunes artistes, elle ne cesse d'évoluer et prend une place capitale dans l'histoire du dessin.

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Présentation de l'exposition : Dessiner en plein air. Variations du dessin sur nature dans la première moitié du XIXe siècle

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La pratique du dessin en plein air, sur le motif, est bien attestée en France (comme en Europe) au XVIIe siècle et devient courante au XVIIIe siècle. Au XIXe siècle, jugée indispensable à la formation des jeunes artistes, elle ne cesse d'évoluer et prend une place capitale dans l'histoire du dessin.

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Les photographies et les vidéos d’Abdessamad El Montassir retracent un itinéraire, celui du glanage sensible et de l’interprétation de micro-histoires et de poésies lui permettant de révéler une cartographie où des espaces géographiques auparavant invisibilisés se trouvent mis en lumière.

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Les ateliers d'artistes de la ville de Marseille

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Abdessamad El Montassir

Atelier :
1 place de Lorette
Fr-13002 Marseille

BIOGRAPHIE

Abdessamad El Montassir est artiste-chercheur, né en 1989. Il travaille entre Marseille et Boujdour.

Il est diplômé de l'Institut National des Beaux-Arts de Tétouan et de l'École Normale Supérieure de Meknès.Ses recherches sont axées sur une trilogie: le droit à l'oubli, les récits fictionnels et viscéraux, et le trauma d'anticipation.L'approche d'El Montassir est interdisciplinaire et prend forme dans des collaborations avec des scientifiques, des poètes et des citoyens-témoins. Son travail se déploie dans des installations visuelles et sonores.Abdessamad El Montassir a participé à plusieurs expositions parmi lesquelles "Ce qui s'oublie et ce qui reste" curatée par Meriem Berrada et Isabelle Renard au Musée National de l'Histoire de l'Immigration à Paris, "Surgir des cendres" pour Chroniques - biennale des imaginaires numériques à Aix-Marseille, "Demain c'est seulement dans un jour" curatée en ligne par Taous R. Dahamni pour Le Jeu de Paume Lab, "About Now" à la galerie Cécile Fakhoury à Dakar, "Invisible" curatée par Alya Sebti pour la 13ème biennale de Dakar et l'ifa-Galerie à Berlin, "Leave No Stone Unturned" curatée par Clelia Coussonnet au Cube - independent art room à Rabat, "De liens et d'exils" à La Villa Empain - Fondation Boghossian à Bruxelles, "Al Amakine" dans le cadre du OFF des Rencontres de Bamako, "Saout Africa(s)" dans le cadre de la documenta 14 à SAVVY Contemporary à Berlin.

Abdessamad El Montassir a également pris part à plusieurs résidences artistiques: "Solitude fellowship" à l'Akademie Schloss Solitude à Stuttgart, "Programme Art, Science et Société" à l'IMéRA à Marseille, La Cité Internationale des Arts à Paris, "le summer's lab" au Cube - independent art room à Rabat, "La Résidence Méditerranée" à La Friche La Belle de Mai de Marseille.

Partie intégrante de ses recherches, Abdessamad El Montassir intervient régulièrement dans des conférences, dans des Universités ou pour des institutions telles que l'ICI Institute for Cultural Inquiry à Berlin, ifa-Galerie Berlin, IMéRA - instituts d'études avancées à Marseille ou encore le Goethe-Institut.

Collaborant avec des scientifiques, des citoyen*nes-témoins et des militant*es, Abdessamad El Montassir développe une pratique artistique à la croisée de la recherche et de la création. Empreintes d'histoire personnelle autant que de récits collectifs, ses œuvres sont le fruit d'un méticuleux processus où le recueil de témoignages immatériels vient raviver des mémoires orales bien souvent enfouies et tues par une histoire officielle hégémonique. Les expérimentations qu'il mène et les rencontres avec des anonymes qu'il réalise sur le territoire saharien au sud du Maroc dont il est issu lui permettent d'explorer la notion de traumatisme et la façon dont les violences vécues, (in)transmises, ou anticipées s'incarnent dans les corps de celles et ceux qui en sont touché*es, et peuvent en influencer les comportements et les évolutions.

Les photographies et les vidéos d'Abdessamad El Montassir retracent un itinéraire, celui du glanage sensible et de l'interprétation de micro-histoires et de poésies lui permettant de révéler une cartographie où des espaces géographiques auparavant invisibilisés se trouvent mis en lumière. Porteuses de dimensions éminemment politiques, culturelles et sociales, ses œuvres sont notamment habitées par la résistance, qu'elle concerne la mémoire face au temps, une parole opprimée difficilement exprimable, ou bien encore une réaction face à un ordre établi.

Le travail et les recherches d'Abdessamad El Montassir s'établissent autour de trois concepts qu'il a théorisés : le droit à l'oubli, les récits fictionnels et viscéraux, et le trauma d'anticipation. Les humains et les entités non humaines telles que les plantes y sont abordés avec une considération égale et les récits qu'ils délivrent font apparaître autant d'interstices d'où naissent une parole et une histoire silencieuse, offrant de nouvelles manières d'appréhender et de vivre avec l'environnement qui nous entoure.
Camille Ramanana-Rahary

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Abdessamad El Montassir - Les ateliers d'artistes de la ville de Marseille

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Abdessamad El Montassir Atelier : 1 place de Lorette Fr-13002 Marseille BIOGRAPHIE Abdessamad El Montassir est artiste-chercheur, né en 1989. Il travaille entre Marseille et Boujdour.

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Nos habitudes inconscientes se dévoilent au travers de nos mouvements physiques, et révèlent un personnage de scène unique. A ce moment précis, tout un chacun porte à la fois son passé et marche vers son futur. Personne ne sait où tout a commencé, ni quand tout finira. Traçant en douceur sa propre route, se croisant, bifurquant calmement dans ce monde parallèle.

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Chroniques | Biennale des imaginaires numériques

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Le travail de Wan-Jen Chen est marqué par son approche du corps symbolisé, lisse et décontextualisé évoluant au sein d'un environnement numérique. En re-présentant et s'appropriant des images existantes au travers d'un prisme volontairement artificiel, l'artiste cherche à "couper" et "coller" la réalité afin de recréer au sein d'une boucle, un univers en extension infinie.

Il cherche avant tout ces fragments de vie du quotidien, matières premières à une recomposition personnelle. Les corps et les expériences des autres se mettent à la disposition de l'artiste et évoluent entre des images animées mécaniques et sans affect, à cheval entre réalité et monde imaginaire. Au cœur des œuvres de l'artiste, tout se déroule en une boucle fermée telle une métaphore de nos mécaniques sociales, où les actions ritualisées sous diverses formes ondoient dans un vide collectif.

À ce jour, le travail de l'artiste a été présenté à l'occasion de cinq expositions personnelles : The Unconscious Voyage (2008), The Extraordinary Ordinary (2011), To Hell with Your Future (2011), The Still Point of the Turning World (2017) et Midnight Black (2019) .

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Le travail de Wan-Jen Chen est marqué par son approche du corps symbolisé, lisse et décontextualisé évoluant au sein d'un environnement numérique. En re-présentant et s'appropriant des images existantes au travers d'un prisme volontairement artificiel, l'artiste cherche à "couper" et "coller" la réalité afin de recréer au sein d'une boucle, un univers en extension infinie.

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Nous sommes en 2040. M.O.A. est votre assistant personnel, votre intelligence artificielle personnalisée qui connaît la moindre de vos envies. Il guide vos pas dans la jungle urbaine et sous couvert d’une voix douce et bienveillante, vous incite à la prise de décision

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M.O.A. (My Own Assistant), de Charles Ayats | Institut français

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Bienvenue en 2040 : une surcouche de réalité augmentée s’implémente au réel pour mieux vous guider ou vous inciter à consommer dans l’espace urbain. Saurez-vous lui résister ? Présentation de M.O.A., une application en réalité augmentée créée par Charles Ayats, à destination des smartphones.

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Par son ton innocent et l’annonce de ses « presque 13 ans » sur sa homepage, ce qui paraît être au départ le site personnel d’une jeune fille pré-pubère, évolue ensuite vers des choses plus sombres L’identité de l’auteur de Mouchette a été un secret farouchement gardé jusqu’en 2010, par-delà toutes les controverses, établissant ainsi l’autonomie artistique du personnage virtuel

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La presqu’île consiste en des marches, du lever au coucher du soleil, en suivant autant que possible la direction de mon ombre portée.Dans la mesure où l’espace contraint le déplacement, m’intéresse la manière dont cette contrainte ‘dessine’, comment elle suggère en creux, des reliefs et des infrastructures ; comment, au cœur d’un territoire et de son aménagement, elle en esquisse le tracé d’un autre. Comment finalement, la marche devient le moyen de cosigner une ligne avec le monde.

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2016

1. Le 9 juin 2016, au départ de Metz, rue du Tombois (57) _ 65 km

2. Le 16 juillet 2016, au départ de Nancy, rue du Général Hoche (54) _ 63 km

3. Le 28 juillet 2016, au départ de Bulgnéville, place de la Fontaine Marant (88) _ 54 km

4. Le 30 août 2016, au départ de Strasbourg, avenue Jean Jaurès (67) _ 57 km

5. Le 16 décembre 2016, au départ de La Ravoire, chemin des Barreaux (73) _ 35 km

2017

6. Le 19 janvier 2017, au départ de Nancy, rue du Général Hoche (54) _ 39 km

7. Le 2 mars 2017, au départ de Metz, rue du Tombois (57) _ 50 km

8. Le 21 avril 2017, au départ de Luxembourg, place des Rotondes (LU) _ 56 km

9. Le 24 mai 2017, au départ de Strasbourg, avenue Jean Jaurès (67) _ 65 km

10. Le 20 juin 2017, au départ de Saint-Laurent-des-arbres, place A. Touranche (30) _ 65 km

2018

11. Le 21 février 2018, au départ de Dudelange, rue Dominique Lang (LU) _ 50 km

12. Le 11 novembre 2018, au départ de Tokyo, Minamiyukigaya, Ōta (JPN) _ 43 km

2019

13. Le 24 février 2019, au départ de Lyon, place Henri Barbusse (69) _ 46 km

14. Le 25 juin 2019, au départ de Belfort, 1 faubourg de Montbéliard (90) _ 66 km

15. Le 24 juillet 2019, au départ de Scheggia, Ponte Calcara (IT) _ 62 km

16. Le 18 septembre 2019, au départ de Daejeon, Bomun-ro, 199 beon-gli (KOR) _ 48 km

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2016 1. Le 9 juin 2016, au départ de Metz, rue du Tombois (57) _ 65 km 2. Le 16 juillet 2016, au départ de Nancy, rue du Général Hoche (54) _ 63 km 3. Le 28 juillet 2016, au départ de Bulgnéville, place de la Fontaine Marant (88) _ 54 km 4.

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ll s'agit donc d'expérimenter les outils proposer sur l’ENT, pour permettre à un élève d'avoir un accès libre et continu à un espace personnel dans l'espace de travail de sa classe. L'objectif étant que cet espace de travail devienne le carnet de l’élève.

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En tant qu'enseignante d'Arts Plastiques, l'ENT me permet de construire tout au long de l'année et pour chaque classe une base de ressources directement liées aux cours de pratique et de culture artistique.

L'élève peut consulter l'ensemble des documents (textes, images, vidéos, sites d'artistes, de lieux culturels...) via l'arborescence créée ou via les liens interactifs établis. Cet espace de travail numérique est devenu pour certains un véritable classeur numérique et constitue un outil plus sûr que sa version papier. Pour autant, cette plate-forme ne remplit pas, pour le moment, la fonction du carnet de recherches et résulte principalement des apports de l'enseignant.

Les élèves de lycée se servent tous d'un carnet physique, et souvent en version papier, mais ne l'emploient pas tous avec facilité, efficacité et plaisir. Une version numérique de cet outil serait peut-être pour certains élèves, intéressante et permettrait à tous d'établir des liens interactifs et de partager ses recherches plastiques et les références culturelles associées. Les élèves savent aussi que le carnet est un support demandé à l'épreuve orale du baccalauréat.

Il s'agit donc d'expérimenter les outils proposer sur l'ENT, pour permettre à un élève d'avoir un accès libre et continu à un espace personnel dans l'espace de travail de sa classe. L'objectif étant que cet espace de travail devienne le carnet de l'élève.

Pour témoigner de cette hypothèse initiale, l'expérience est menée en première d'enseignement de spécialité avec trois élèves volontaires pendant deux mois.

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En tant qu'enseignante d'Arts Plastiques, l'ENT me permet de construire tout au long de l'année et pour chaque classe une base de ressources directement liées aux cours de pratique et de culture artistique. L'élève peut consulter l'ensemble des documents (textes, images, vidéos, sites d'artistes, de lieux culturels...)

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Des arts graphiques dans  le carnet de voyage numérique

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Des arts graphiques dans  le carnet de voyage numérique

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en  quoi et  pourquoi les arts graphiques  sont‐ils caractéristiques d’une intermédialité du carnet de voyage orientée vers  le  numérique  ?

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Créativités artificielles – La littérature et l'art à l'heure de l'intelligence artificielle

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Créativités artificielles – La littérature et l'art à l'heure de l'intelligence artificielle

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Le tout premier ouvrage consacré aux représentations, aux significations et aux usages créatifs de l'intelligence artificielle (IA) dans la production de fiction, en textes (littérature), en sons, en images fixes et animées (séries, films, bande dessinée, arts plastiques, jeux vidéo).

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Le tout premier ouvrage consacré aux représentations, aux significations et aux usages créatifs de l'intelligence artificielle (IA) dans la production de fiction, en textes (littérature), en sons, en images fixes et animées (séries, films, bande dessinée, arts plastiques, jeux vidéo).

Rêvées pendant des siècles, les œuvres créées par les intelligences artificielles sont devenues des réalités concrètes en littérature et en art, désormais exposées et lues. Comment analyser, attribuer, juger de telles œuvres qui nous font entrer dans la vallée de l'étrangeté ? Quelles sont en retour les conséquences de telles innovations sur notre compréhension du champ artistique ? Comment la critique se doit-elle de réagir face à de telles créations, qui remettent radicalement en question l'ensemble des concepts et des valeurs esthétiques anciennes centrées sur l'humain ? Peut-on simplement les aimer et en être ému ? Voilà quelques-unes des questions de cet ouvrage, le tout premier consacré aux créations des IA et aux problèmes qu'elles posent.

Publié suite au colloque international éponyme organisé par l'Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle en 2021.

Alexandre Gefen, Directeur de Recherche CNRS au sein de l'unité Théorie et histoire des arts et des littératures de la modernité (UMR7172, THALIM, CNRS / Université sorbonne Nouvelle - Paris 3), est historien des idées et de la littérature. Il est l'auteur de nombreux articles et essais portant notamment sur la culture, la littérature contemporaine et la théorie littéraire. Fondateur de Fabula.org, il a été l'un des pionniers des Humanités Numériques en France. Travaillant à l'adoption des outils de l'Intelligence Artificielle pour la recherche dans les sciences humaines et sociales comme à son examen critique, il a notamment représenté les SHS dans le Forum mondial sur l'IA pour l'humanité organisé en 2019. Après un programme de recherche consacrées aux fictions de de l'Intelligence Artificielle ( Ia-fictions.net) il est porteur principal (PI) du projet ANR " CulturIA ", pour une histoire culturelle de l'IA. Alexandre Gefen est notamment l'auteur de La Mimèsis (Flammarion, 2002), Inventer une vie. La fabrique littéraire de l'individu (Les Impression nouvelles, 2015), Réparer le monde. La littérature française face au XXIe siècle (José Corti, 2017), Vies imaginaires de la littérature française. Une anthologie (Gallimard, 2015) et, avec Guillemette Crozet, La littérature. Une infographie (CNRS Editions, 2022).

Edité par Alexandre Gefen.
Contributions de Philippe Bootz et Hermes Salceda, Valérie Beaudouin, Barnabé Sauvage, Nevena Ivanova, François Levin, Nikoleta Kerinska, Anaïs Guilet, Ada Ackerman, Bruno Dupont et Carole Guesse, Pierre Depaz, Pascal Mougin, Claire Chatelet, Ilan Manouach.

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art et littérature des années 1960 à nos jours

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Créativités artificielles - Les presses du réel (livre)

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Le tout premier ouvrage consacré aux représentations, aux significations et aux usages créatifs de l'intelligence artificielle (IA) dans la production de fiction, en textes (littérature), en sons, en images fixes et animées (séries, films, bande dessinée, arts plastiques, jeux vidéo).

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Désordre, site conçu et réalisé par Philippe De Jonckheere et Julien Kirch, dans lequel la question des grandes théories de l’information ne sera pas abordée, pas davantage celle de savoir si la photographie est un art à part entière au même titre que la peinture. Il y est parfois question de sexe,…

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En Terminale Options Arts plastiques de spécialité, l'élève a la possibilité de choisir le numérique pour le Carnet de Travail qui va compiler son vécu de l'année

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- Diane Pin, Carnet de Travail du Baccalauréat, année 2015-2016,

dessin sur carnet de croquis photographié et intégré au Carnet numérique.

En Terminale Options Arts plastiques de spécialité, l'élève a la possibilité de choisir le numérique pour le Carnet de Travail qui va compiler son vécu de l'année : recherches sur les sujets de pratique artistique (dessins, collages, photos...), traces des productions en 3D, traces des sorties pédagogiques et personnelles, visites au musée, rencontres avec des artistes, productions libres exprimant son univers personnel...

CONSEILS POUR LE CARNET DE TRAVAIL

(DÉFINITION ET EXEMPLES) :

Cette année, au Lycée Apollinaire, deux élèves ont choisi le Carnet numérique, ce qui ne signifie nullement le "tout numérique". Bien sûr, photos, vidéos et travaux infographiques sont une évidence mais les élèves ont également produit des dessins sur papier, photographiés ou scannés ensuite, voire colorisés à la palette graphique. Voici l'exemple de Diane qui a créé un site avec défilement et sommaire pour son Carnet, alors que Julien a préféré la forme du diaporama.

- Diane Pin, Carnet de Travail du Baccalauréat, année 2015-2016,

croquis d'un personnage pour un projet personnel.

- Diane Pin, Carnet de Travail du Baccalauréat, année 2015-2016,

dessin sur format Raisin sur le sujet "Machine à rêves", photographié et intégré au Carnet numérique.

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522-GALERIE DES ÉLÈVES : LE CARNET DE TRAVAIL NUMÉRIQUE DE DIANE (2015-2016)

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Diane Pin, Carnet de Travail du Baccalauréat, année 2015-2016, dessin sur carnet de croquis photographié et intégré au Carnet numérique.

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Trace écrite et apprentissage personnalisé

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Trace écrite et apprentissage personnalisé

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A propos de la pédagogie du dessin [article]

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A propos de la pédagogie du dessin [article]

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sem-link Gaston-Louis Marchal

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A PROPOS

DE LA PEDAGOGIE

DU DESSIN

Plaidoyer pour une

alphabétisation plastique des enfants

" Le dessin est un. En cela l'éducation de l'homme du monde, de l'ouvrier et de l'artiste repose sur une base identique et qui doit être commune à tous. "

E. Guillaume. " Dessin " 1880.

m Vous qui refaites les programmes et voulez faire du neuf, faites du raisonnable. "

G. de Curton.

" L'Education Nationale " 1963.

Si la pédagogie du dessin existe aux yeux de ceux qui font remarquer que l'enseignement du dessin est prévu dans les écoles selon des horaires et des programmes officiels, il faut bien se rendre compte que les théories et les expériences concernant cet enseignement augmentent chaque jour en même temps que leur stérilité, voire que leur nocivité. A l'instar des conceptions et des manifestations concernant toute la production plastique contemporaine dont elles procèdent et qu'en même temps elles occasionnent (réaction circulaire), nos théories pédagogiques du dessin continueront à ajouter à la confusion

des esprits tant qu'on n'aura pas trouvé le moyen d'établir des garde-fous. Ces garde-fous sont en effet, à établir d'urgence, qui puissent limiter le champ de celles, parmi les théories, qui auraient quelques chances d'aboutir à faire s'accorder les artistes et les enseignants sur un enseignement qui conviendrait à tous les enfants et feraient progresser ces enfants vers un but défini, selon une suite graduée d'exercices étalonnages.

Critique de concepts et d'entreprises d'enseignement du dessin et d'initiation à l'œuvre d'art

La confusion des idées et des actes en matières d'enseignement du dessin et d'initiation à l'œuvre d'art découle d'un cercle vicieux établi sur le concept faux du don du dessin, lequel, empêchant de concevoir juste, provoque, - premier maillon d'une chaîne d'erreurs - l'inadmissible fait de confondre automatiquement tout dessin tableau ou modelage avec l'Art (A majuscule : " manifestation du beau " Larousse) et avec l'art (a minuscule : " ensemble des règles d'un métier " Larousse).

I. - Critique de concepts

A. - La possibilité de dessiner ne relève pas de la surnaturalité ; elle est naturellement bien partagée entre les hommes comme d'autres possibilités humaines plus ou moins exploitées. Quand l'homme put éprouver un sentiment ou émettre une pensée, pour vouloir manifester ce sentiment ou cette pensée, et précisément les communiquer à ses semblables, il disposa de plusieurs moyens individuels et communs : variabilité qualitative et quantitative des sons qu'il pouvait émettre vocalement, variabilité des bruits qu'il pouvait provoquer, variabilité des tracés ou des formes figuratifs ou symboliques qu'il pouvait produire sur une surface, des formes qu'il pouvait volumétri- quement modeler ou tailler, variabilité des gestes ou des mimiques descritiptifs ou symboliques. Les lois primaires de vie et d'évolution ne purent que conduire à l'usualisa- tion du moyen le plus souple, celui qui permettait la facilité maximum d'expression et de communication tout en coûtant le minimum d'effort personnel : la variabilité qualitative de la voix. Le langage à notre sens habituel du mot naquit ainsi... mais il est évident qu'existaient originellement et qu'existent encore plusieurs " langages de l'intelligible " (1). L'homme disposant de la forme vocale du langage pour l'expression de soi et ses échanges avec autrui, l'espèce humaine se développa en conséquence sur le mot et la phrase, sur la conversation, sur le conte, sur la harangue puis sur le livre (civilisation du mot, civilisation du livre) (1). En conséquence aussi, les

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A propos de la pédagogie du dessin - Persée

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A PROPOS DE LA PEDAGOGIE DU DESSIN Plaidoyer pour une alphabétisation plastique des enfants " Le dessin est un. En cela l'éducation de l'homme du monde, de l'ouvrier et de l'artiste repose sur une base identique et qui doit être commune à tous. " E. Guillaume. " Dessin " 1880.

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L'Année psychologique, 1995, 95, 661-673

Laboratoire de Psychologie expérimentale Université Rennes II1

MEMOIRE DES IMAGES ET DOUBLE CODAGE

par Alain LlEURY2

La légende de l'image

Fraisse me confia un jour " l'histoire de la psychologie, c'est ma passion ". Or c'est peut-être la mémoire des images qui est la plus ancienne histoire pour la psychologie puisqu'elle remonte

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Mémoire des images et double codage - Persée

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L'Année psychologique, 1995, 95, 661-673 Laboratoire de Psychologie expérimentale Université Rennes II1 MEMOIRE DES IMAGES ET DOUBLE CODAGE par Alain LlEURY2 Fraisse me confia un jour " l'histoire de la psychologie, c'est ma passion ".

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For fifty years, Eva Aeppli collected letters, manuscripts, drawings, graphics, and photographs sent to her from her circle of friends, as well as her own materials, in folios that she calls Livres de Vie. In this long period, she thereby created a kind of "Autobiography Without Words". Because some of her friends were important personages in circles of artists, writers, and scientists, her books of life are also a magnificent and very personal document of European postwar art. Today, the Livres de Vie are in the possession of the Solothurn Art Museum. Eva Aeppli, an artist born in Zofingen, Switzerland in 1925, has lived in France since the early 1950s. Her marriage to the Swiss sculptor Jean Tinguely and her studio on the Impasse Ronsin in Paris - across from the workshop of the momentous sculptor Constantin Brancusi - put her in close contact with the avant-garde art scene of her time. Eva Aeppli always disregarded the artistic trends and fashions and autodidactically creating an independent oeuvre of timeless validity. She began as a painter and, in the 1960s, turned to making figures out of silk, velvet, and cotton textiles, which she sewed in a technique she developed herself. From the beginning, her pictorial world circled the fundamental human themes, the world of the emotions, and death. With numerous colored reproductions, this book provides for the first time an overview of Aeppli's work: along with the Books of Life, also her drawings, paintings, individual figures, groups of figures, and late bronzes. Eva Aeppli. Les Livres de Vie - The Books of Life is bound in coarse linen, processed by silkscreen printing, and is published to accompany the major exhibition of the same name in the Museum Tinguely in Basel.

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For fifty years, Eva Aeppli collected letters, manuscripts, drawings, graphics, and photographs sent to her from her circle of friends, as well as her own materials, in folios that she calls Livres de Vie. In this long period, she thereby created a kin

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Artsteps : créer une exposition virtuelle

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Artsteps : créer une exposition virtuelle

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Approche historique Le carnetUn objet singulier et polyvalent

Le carnet de travail "Faisant droit à l'approche sensible, le carnet de travail est aussi pour l'élève un outil pour réfléchir son parcours de formation en arts plastiques. Il peut, par ailleurs, constituer une pièce essentielle à intégrer dans le dossier artistique demandé par des écoles supérieures d'art. Ce carnet de travail est un objet personnel mobilisant, selon la sensibilité et les intentions de l'élève, les potentialités des langages des arts plastiques et de l'image, articulant volontiers le visuel et l'écrit. L'élève le constitue et le nourrit, à son rythme, tout au long de l'année. Il peut y témoigner, au moyen d'éléments librement choisis, d'expériences vécues, de traces de sa pratique plastique et artistique, des évolutions et des étapes de réalisations abouties ou non, de démarches et de projets individuels ou collectifs, de découvertes et de rencontres avec l'art et la culture.arrêtés du 19-7-2019 publiés au BO spécial n° 8 du 25 juillet 2019. Annexe 2

Carnet de recherche, carnet de bord, carnet de travail, carnet de croquis, Sketchbook, portfolio, carnet de voyage, carnet d'etudes, carnet d'entraînement, livre de modèles, codex, album...

" Qu'est ce que la carnet de recherche ? C'est un objet singulier, lieu de la genèse de la pensée, de la notation immédiate et automatique, de l'introspection, de la réflexion, de la construction d'une recherche, d'un raisonnement. Il nourrit la création et l'imaginaire et, en cela, il est plus qu'un outil simple , mais bien le support d'une découverte et d'une construction de soi . "Johanna Carrier et Marine Pagès Roven n°9, 2013

"L'approche transpériode de cet outil qu'est le carnet d'artiste révèle la continuité depuis les époques anciennes, de pratiques consistant au grè de ses déplacements, de ses rencontres et des renseignements glanés ça et là, à consigner par le biais de dessins souvent assortis de textes sous formes de "légendes" et de commentaires, un choix large de sujets qui l'intéressent et peuvent servir" Denise Borlée et Arnaud Doucet, De Villard de Honnevourt à le Corbusier et alii : natures et usages du carnet d'artiste, Introduction, dans La revue de la BNU, Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg, n°26, septembre2022

Traces du visible et du monde sensible Répertoire de formes au service de l'oeuvre

Premier "carnet " : Villard de Honnecourt

Premières traces de la pratique du carnet date du 13ème siècle : feuillets de dessins de Villard de Honnecourt

Le manuscrit de Villard de Honnecourt est composé de feuillets de parchemin. Il se présente comme un carnet de format réduit, d'environ 14 cm sur 22 cm, relié et recouvert de cuir marron. Il est conservé à la Bibliothèque nationale de France.

Supposition quant à la fonction de l'auteur : il était architecte ou sculpteur, il dessinait pour mémoriser les formes lors de ses déplacements, s'entrainait.

Ecclectisme des sujets : animaux, architectures, notes dessinées, figures, détails, engins... juxtaposés, superposés, disposés tête bêche, notes dessinées.

Au 13 ème siècle, l'arrivée du papier provenant de Chine, va permettre la démocratisation du dessin (papier moins cher que parchemin, plus facile à produire).

Une pratique du Moyen âge : les livres de modèles sont des recueils de dessins d'un même artiste, reliés à l'origine, et conservés dans son atelier pour son propre usage (savoir-faire capitalisé, répertoire de motifs à sa disposition, exemples de figures à présenter à un commanditaire) et pour la formation de ses apprentis qui les copient pour s'exercer la main.

Les plus anciens qui aient été conservés datent de la fin du Moyen Âge, comme ces cinquante-six petits modèles dessinés sur papier et contenus dans un étui de cuir, d'un peintre bohémien du xv e siècle (Kunsthistorisches Museum, Vienne).

À la fin de l'époque médiévale, ils recouvrent des domaines très divers : plans ou détails d'édifices, motifs ornementaux, compositions schématiques d'hommes et d'animaux. Au fil des siècles, ces répertoires tendent à se spécialiser.

Les Livres de modèles : observer, consigner, répétér

Eléments du Livre de modèles Rothschild : Etudes d'animaux, Chien avec une muselière (idem recto mais inversé), un porc-épic 1450dessin à la plume, dessin au crayon de couleur, encre brune,lavis brun, parcheminAnonyme italien Paris, musée du Louvre, collection Rothschild

Taddeo Zuccaro copiant les statues antiques à Rome, Federico Zuccaro -Plume et encre brune, lavis brun avec rehauts de blanc sur papier préparé , vers 1595Galleria degli Uffizi Florence, Italie

Importance du dessin à la Renaissance > développement du carnet d'études

Disegno (dessin/dessein, projet) = base de tous les autres arts, devient un art de la pensée, une activité intellectuelle. Tout commence par le dessin et cela demande donc une maîtrise selon Vasari, fondateur de l'Accademia degli arti del disegno (1563), destinée à la formation des artistes et à la réforme de l'enseignement de l'art centré sur le dessin. Dans le traité qu'il écrit : Vite de'piu eccellenti Pittori, Scultori ed Architettori édité en 1550, Vasari écrit au sujet du dessin qu'il qualifie de "père de nos trois arts" : "Celui-ci est comme la forme ou l'idée de tous les objets de la nature, toujours original dans ses mesures [...]. De cette appréhension se forme un concept, une raison engendrée dans l'esprit par l'objet, dont l'expression manuelle se nomme dessin". Et plus loin : "Celui qui maîtrise la ligne atteindra la perfection en chacun de ces arts [...]"

Pratique du studio, étude directe basée sur l'observation de la nature, du modèle vivant ou de motifs inanimés (reliefs antiques, sculptures, moulages, peintures et dessins des grands maîtres)

A la fois acte analytique du dessin et exercice de mémorisation et d'entraînement de la main

Carnet d'études : imiter, observer, analyser, répéter, reproduire, s'entraîner

Attribué à Hendrick Van Cleve. Anvers, vers 1525-1589. Le Colisée, vue d'ensemble Vers 1550 (L. 167). 210 x 418 mm. Dessin à la plume, à l'encre brune et au lavis bistre. Paris, BNF, Estampes, Rés. B12

"C'est le dessin ou trait, car on lui donne ces deux noms, qui constitue, qui est la source et le corps de la peinture, de la sculpture, de l'architecture et de tout autre art plastique, et la racine de toutes les sciences." Michel Ange

Pierre Jacques. Reims, sculpteur 1520-1596Album de Pierre Jacques1.Vénus Médicis2 Dessin d'après des sculptures des jardins Carpi : Vénus au bain (bas-relief). Vers 1576 Plume et encre brune. 210 x 270 mm. Album de format in-4o oblong (210 x 270 mm), relié en parchemin, comprenant 96 feuillets entièrement couverts de dessins à la pierre noire ou à la plume et à l'encre. Feuillet 52 bis. Inscription dans la partie inférieure : A la vigne del cardinal Carpe. Paris, BNF, Estampes, Rés. Fb 18a-40

Léonard de Vinci : "Aie soin d'avoir sur toi un petit carnet de papier (..) et quand ton carnet sera rempli mets le de côté et sers t'en pour tes projets puis prends- en un autre et fais-en le même usage."

Le Peintre dans son atelier. 1725 / 1730 (2e quart du XVIIIe siècle) Boucher, François 0,27 m x 0,43 m x 0,22 m, huile sur boisMusée du Louvre, Paris

Renaissance jusqu'au 18ème siècle :

Pas d'enseignement pour le dessin sur le motif en extérieur dans les écoles mais on demande aux apprentis de dessiner pour observer le monde.

Les artistes se consituent leurs propres carnets, albums qui consistent souvent en des feuillets rassemblés.

Les motifs dans ces carnets sont utilisés dans les toiles, repris en atelier pour recomposer un paysage idéal. Opposition étude nature /étude atelier

Puis 19 ème :

La fabrication du carnet se mécanise : offre une diversité des formats, de qualité (dont carnet de poche). Objet qui se trouve chez le marchand de pigments.

Il ne s'agit plus de copier l'antique et les maîtres mais de revenir à une expérience individuelle en regardant de vrais modèles. Non plus imiter mais se saisir de ce qui nous entoure : l'homme est au coeur de la nature (idée humaniste héritée de Rousseau) il n'y a plus d'intermédiaire entre l'artiste et la nature.

Pratique dans le carnet de croquis change : il est un outil qu'il a sur lui en excursion, tout le temps pour saisir le monde sensible qui l'entoure

Album Chassériau Théodore -11- Folio 19 dessiné au recto-versomine de plomb, papier préparé/ Hauteur : 0.58 m x Largeur : 0.114 mParis, musée du Louvre

18 ème : Carnet artisanal sur le modèle du livre, fait à la main, souvent feuillets réunis et recouverts de parchemins

19 ème :Fabrication mécanisée, variété de qualités et de formats, couverture en cuir ou imitation cuir

Carnets de Eugène Delacroix (1798-1863)Théodore Chassériau, 1819-1856 )

Albums de Pierre Henri de Valenciennes (1750-1819)

" Quand on voyage et qu'on est praticien des choses visuelles (...) on regarde avec ses yeux et on dessine afin de pousser à l'intérieur, dans sa propre histoire , les choses vues. Une fois les choses entrées par le travail du crayon, elles restent dedans pour la vie ; elles sont écrites, elles sont inscrites [...] Dessiner soi même [...] c'est être apte à observer, apte peut être à découvrir...A ce moment-là le phènomène inventif peut survenir "Le Corbusier, L'atelier de la recherche patiente, 1960

Carnet de voyage, carnet de croquis :Au delà de l'atelier, au delà des frontières, s'imprégner du monde environnant :

William Turner 1775-1851

Ludlow Castle from the North-West, with the River Teme in the ForegroundDinas Brân, with the Dee in the Foreground Hampton Court, Herefordshire, from the North-East Snowdon from the Valley of the Seiont A Waterfall among Wooded Rocks 1798 Pencil and watercolour on white-wove paper,229 × 332 mm

Croquis divers d'Arabes dans des intérieurs et notes manuscrites

Eugène Delacroix

Une selle; croquis d'une femme arabe portant un enfant dans son dos

Campement dans la plaine ; études d'arabes

Ville, études de personnages, notes manuscrites; Etudes de personnages, rue, notes manuscrites

Intérieur de corps de garde, porte, notes manuscrites; Porte dans la muraille, tombeau, croquis d'arabes, notes manuscrites

Entre janvier et juin 1832, Eugène Delacroix, âgé de 33 ans, accompagne au Maroc au pied levé (il remplace le peintre Isabey) l'ambassade diplomatique du comte de Mornay auprès du sultan Moulay Abd-Er-Rahman" Avec un pinceau, je ferai sentir à tout le monde ce que j'ai vu... ", rapporte Eugène Delacroix dans son Journal (1822-1863). L'expérience bouleversante que constitue pour le peintre son voyage au Maroc est consignée soigneusement dans ses carnets ou sur des feuilles, parfois mises en couleur l Au Maroc, il s'agit de ne rien oublier, dessiner à la mine de plomb ou à l'aquarelle, annoter, consigner les détails des scènes quotidiennes, saisir au vol les éléments de décoration, l'architecture, les costumes, les paysages .L'image et le texte s'entrecroisent pour traduire la quête orientaliste des émotions, saisir l'ambiance et donner à voir le pittoresque. Au retour, Delacroix utilisera ses carnets comme source documentaire et réalisera quatre-vingt tableaux inspirés de l'Orient dont parmi les plus célèbres "Les femmes d'Alger" et "Une noce juive au Maroc".

Paul Gauguin

aquarelle , dessin à la plume , encre noire

Notes manuscrites ; figure d'homme ; sculpture maori ; coupure de presse ; tahitienne, encre bleue, photo

Texte manuscrit ; femme tahitienne assise de profil : chapitre XII, aquarelle

Tête coupée ; statue et homme jouant de la flûte ; tête de personnage. Estampe (technique) , photographie (technique) Dimensions Hauteur : 0.315 m Largeur : 0.232 m

Décor de couverture de Noa-Noa, voyage de Tahiti Gauguin Paul (1848-1903)

Les Jumeaux Victor Hugo (1802-1885), auteur et dessinateur, 1839. Manuscrit autographe sur papier bleuté Bibliothèque nationale de France,La pièce a été inspirée à Victor Hugo par l'histoire de l'homme au Masque de fer. L'œuvre demeurera inachevée, mais les décors des trois actes feront l'objet d'une étude détaillée. Le décor de l'acte II est d'abord minutieusement décrit sur la partie droite, puis complété à gauche. Lorsqu'en exil Victor Hugo apprend de Paul Meurice la publication par Alexandre Dumas du Vicomte de Bragelonne il lui rappelle, dans sa réponse du 18 mars 1861, l'antériorité de sa pièce.

Album du voyage aux bords du Rhin Victor Hugo (1802-1885), auteur et dessinateur, 1840. Album de papier à dessin, couverture cartonnée vert foncé. 17 dessins Bibliothèque nationale de France, ManuscritsOn trouve dans cet album un portrait auquel a été donné le nom de Goulatromba, l'un des personnages de Ruy Blas. Ce portrait rappelle les gueules de l'enfer des manuscrits médiévaux. La visite nocturne d'un burg ne s'apparente-t-elle pas en effet à une descente aux enfers, propice à des visions où "tous les monstres de l'ombre se réveillent et commencent à fourmiller" ?.

Carnet, années 1864-1865 , Bibliothèque nationale de France, Manuscrits, Ce petit volume factice réunit notes et dessins des deux voyages effectués du 15 août au 26 octobre 1864 et du 28 juin au 30 octobre 1865, en Belgique et sur les bords du Rhin. Les dessins de voyage y abondent, tel celui-ci, fait dès les premiers jours, à Hampton court : "30 juin 1865/ Vieux pont-moulin/ de Hampton court/ avant sa/ réparation". Dans l'angle droit, une note amusée de Victor Hugo : "j'ai trouvé mon portrait dans la gare d'Ostende".

Victor Hugo

Florent Chavouet

http://florentchavouet.blogspot.com/2010/

silhouettes de femmes, et portraitsd'homme peint au Mali, hiver 1995-1996, in Carnet de dessins, Paris, Centre Georges Pompidou (Cabinet d'art graphique), 1996

véhicule tracté par un âne, Mali, hiver 1995-1996, in Carnet de dessins, Paris, Centre Georges Pompidou (Cabinet d'art graphique), 1996

Bibliothèque des carnets de Miquel Barceló dans son atelier parisien, 19 mai 2016

Miguel Barcélo

"... Et si la pensée, dans son frémissement initial, était d'emblée image ? Si son ébullition parfois chaotique réclamait aussitôt le tracé clarifiant du trait dans l'espace d'une page ? La main guide l'esprit qui s'apaise avec le geste." Nicole Marchand-Zanartu et Jean Lauxerois32 grammes de pensée, Essai sur l'imagination graphique, Médiapop Editions, février 2020

Traces de l'invisible et de l'intime :Figer les fulgurances, tracer les images et les chemins de pensée

Images de pensées :

Texte "Eloge de l'imagination graphique" Jean Lauxrois Image de pensée, ed Réunion des musées nationaux, 2019

"L'image de pensée est autant matrice que motrice (...) Ces images de pensée sont des microgrammes(...) articulant le monde du dehors et l'espace du dedans. (...) La plasticité du dessin offre un cadre au sein duquel tout est possible : aucune résolution, aucune conclusion n'est attendue, tout est en mouvement et souterrain. "

> Rapport à l'intime, n'a pas visée à être vu : tracer sans filtre, sans but de communication, de monstration : "Pas d'idée sans schème, pas d'idée sans image" > L'image mentale n'est pas seulement une trace mais une concrétisation de la pensée , en lien avec cette idée de Goethe que la pensée se déploie toujours en une figure ("Traité des couleurs, avant propos"1810).> Comme cette pensée se fait ex nihilo , elle s'accompagne souvent de commentaires et de clé de lecture: image de pensée scripturaire, figurale et graphique à la fois. Comme elle côtoie l'idée originaire, elle est souvent confuse, brouillon, trait temblé, hésitant, griffoné.Poser ce qui est indicible : saisir le surgissement de la pensée avec un vocabulaire créé pour apprivoiser ce que le langage est impuissant à saisir : gribouillage, griffonage, écriture automoatique, schémas, tracés, diagrammes, esquisse, croquis, arborescence, rhizome, cartographie > spatialisaton de la pensée> Ancrer ce qui est fugace : saisir et conserver ce qui par essence est fugace, incertain, intime

Léonard de Vinci

Les douze carnets de Léonard de Vinci conservés par l'Institut de France, datés de 1487 à 1508 environ, contiennent notes, croquis et ébauches de traités sur des sujets divers.

Première transcription des carnets de Léonard de Vinci en 1906 (13 000 pages au total)

Coop Himmelb(l)au Open House, 1983-1992 Presentation Model Maquette Métal, bois, plastique, carton 63 x 151 x 140 cm 992 01 10 © Tom Bonner

Le projet de l'Open House, icône de l'architecture de la déconstruction, apparaît en 1984 sur la couverture du catalogue Architecture is Now (Rizzoli). L'Open House manifeste le concept d'" architecture ouverte " prôné par Coop Himmelb(l)au. Renouant avec l'écriture automatique des surréalistes, la maison est née d'un croquis conçu les yeux fermés (appelé psychogramme), selon un processus spontané où la main, tel un sismographe, enregistre et transcrit des sentiments et émotions forts que le bâtiment, à son tour, devra éveiller. Construire, dès lors, consiste à retenir l'énergie du croquis original : façades et coupes, intérieur et extérieur sont pensés en même temps et se superposent comme des vues radiographiques.

Coop Himmelb(l)au Open House, 1983-1992 Conceptual Sketch Drawing 1 et 2 Dessin Crayon graphite sur calque 30 x 53.5 cm 992 01 05 © Olivier Martin-Gambier

"Je commençais par dessiner un diagramme qui devait servir de dessin de l'idéale formelle pour l'église et bien sûr, ne voulait pas suggérer le projet.(...) Disons que dans mon idée,ce devait être un sanctuaire. AUtous du déambulatoire, je dessinai une galerie qui appartenait à un cercle extérieur enfermant un espace, m'école." Louis Kahn, Silence et Lumières, Paris Linteau, 1966

Louis I Kahn, architecte (1901-1974) Sans titre, non daté. Diagramme préparatoire à l'édification entre 1959 et 1967 de l'église de Rochetster aux Etats Unis.

"J'ai saisi cette idée au vol et je me suis jeté sur les premiers mots mal venus pour la fixer, afin du'elle ne m'échappe pas une fois encore. Et voici à présent que ces mots arides me l'ont tuée, et qu'elleprend et se balance en eux- et je ne comprends plus guère, en la considérant, comment j'ai pu être si heureux en attrapant cet oiseau. " Friedrich Nietsche, Le Gai savoir, 1882

Hundertwasser, peintre architecte (1928-2000The five Skin 1998Schéma des trois enveloppes, peaux, niveaux de conscience successifs determinant le rapport de l'homme à la réalité extérieure

Enseignant au Bauhaus de Weimar.Le tracé didactique de la sphère en 3D permet aux élèves de se promener dans la couleur.

Johannes IttenArtiste (1888-1967)Dreidimensionles Denken, 1919-1920Crayon sur papierKunstmuseum, Berne

William Kentridge

"L'atelier est mon espace fermé, physiquement et psychiquement, comme un cerveau en plus grand ; la déambulation dans l'atelier est l'équivalent des idées qui tournent dans la tête, comme si le cerveau était un muscle que l'on pourrait exercer pour le mettre en condition et améliorer ses performances."

William Kentridge (artiste (1955)Parcours d'atelier, 11 juillet 2007William Kentridge "L'artiste au travail" Préface, in William Kentridge , Cinq thèmes, Paris, cinq continents et Jeu de Paume, 2009, p12William Kentridge Studio

Le carnet apparaît comme le lieu de projection et de retroprojection : pour mesurer le travail accompli, le chemin parcouru

Il est un lieu de recherches et d'expérimentation qui méneront à l'oeuvre

Thomas Hirschhorn

" Le plan est le premier pas d'une édification, d'une constructiond'une sculpture. Le plan est bidimensionnel, je dois grâce à mon travail, le faire passer dans la 3ème dimension. 'tous mes travaux sont des pans ou des collages -passés dans la troisième dimension, je fais des collages dans l'espace. Je ne pars pas du volume, je pars toujours d'un plan _que j'ai dans la tête." Thomas Hirschhorn et marcus Steinweg, Maps, Berlin 2010, 4ème de couverture

Thomas Hirschhorn (*1957) et Marcus Steinweg (*1971), "The Map of Headlessness' "Carte de la perte de la tête", 2011. [Julien Gremaud - Musée Jenisch Vevey/2019, ProLitteris, Zurich]Le plasticien bernois Thomas Hirshhorn est connu pour ses installations immersives stimulantes. Pour les concevoir, il ne travaille jamais sans plan. Pour lui, c'est un préalable important à son travail artistique, mais aussi à la structure de sa pensée. Mais avec son projet de cartes, "Maps" (créé le plus souvent en collaboration avec le philosophe allemand Marcus Steinweg), Hirschhorn va bien plus loin que de montrer des ébauches de plans de travail.

" Tandis que les années, les siècles parfois, nous séparent du temps de la création d'une oeuvre, les documents de recherche donnent cette impression de pouvoir pénétrer un peu plus le mystère du processus créatif, de participer à ce temps si particulier de la genèse de l'idée et de sa mise en forme." Le temps de l'idée par Julie Enckell Julliard , in Roven, revue critique sur le dessin contemporain, n°9, 2013

De l'idée à l'oeuvre, le travail de l'oeuvre

Jacques Louis David

Jacques Louis David, Serment du jeu de Paume, 20 juin 17891791dessin à la plume , lavis de bistre , rehauts de blanc

Le serment du Jeu de Paume, 20 juin 1789Peinture à l'huile sur toile David Jacques Louis (1748-1825) (d'après) peintre , Merson Luc Olivier (1846-1920) peintre, dessinateur , Commandé par l'administration des Beaux-Arts dans le cadre de la restauration de la salle du Jeu de paume en août 1882. Pour la restauration de la salle, Luc-Olivier Merson réalisa une interprétation du tableau de David dans le format prévu à l'origine en se basant sur l'étude au lavis de David et la gravure de Jean-Pierre-Marie Jazet

Jacques-Louis David,1791-1792Craie blanche, pierre noire et huile sur toile. 304 × 654 cm Musée National de Versailles, Versailles (France)Au Salon de 1791, il expose le grand dessin préparatoire à la plume et encre brune avec rehauts de blanc, sous le Serment des Horaces, à nouveau montré. Le public comprend la similitude des deux épisodes historiques à travers celle de la dynamique des gestes.

Carnet de croquis pour le serment du Jeu de PaumeDavid Jacques Louis (1748-1825)Mine de plomb sur papierVersailles, châteaux de Versailles et de Trianon

Picasso

Carnet n° 50. 26 juin 1954 - 29 juin 1954. "Carnet de dessins des années cinquante". Le carnet se présente sous la forme d'un bloc de papier à lettres avec une couverture en papier beige ; sur le plat de la couverture sont imprimés les mots : "VELIN SUPERIEUR". Il comporte sept feuillets encollés de papier blanc fin et glacé précédés d'une feuille de papier buvard rose

Carnet de dessins (Études pour le Déjeuner sur l'herbe) Ensemble-437- Carnet (indissociable) 15 - 17 juin 1962

GERMAINE RICHIER (1902-1959) L'Echiquier, grand avril 1959Bronze, patine sombre

Dans les années 70, l'Art conceptuel veut montrer le processus de création, augmente la visibilité de notes d'intention, diagrammes, listes, croquis, ..

En 1972, ces pièces de diverses natures acquièrent le statut d'oeuvre d'art lors de deux expositions successives : au Kröller Müller Museum d'Otterio puir au Kunstmuseum de Bâle : Diagrams and Drawings : oeuvres sur papier de Sol LeWitt, Robert Smithson, Carl André, Walter de Maria etc...

Le dessin, l'intention devient le point de focalisation, la finalité même de la démarche artistique. L'oeuvre achevée passe au second plan, l'idée est l'oeuvre

Parallèlementà l'avènement de l'art conceptuel, de plus en plus d'espace d'exposition présente des travaux de recherche de grand ampleur : Sol Lewitt et son anthologie photographique : Brick Wall, Gerhard Richter et son Atlas en 1972 au Hegendaage Kunst D'Utrecht

Germaine Richier

Carnet relié par spirale métallique, couverture en carton. Carnet comportant 40 feuillets dont 17 pages de dessins et 63 pages vierges. La deuxième et la troisième de couverture sont vierges. [vers 1957]

Carnet relié par spirale métallique, couverture en carton. Carnet comportant 40 feuillets dont 17 pages de dessins et 63 pages vierges. La deuxième et la troisième de couverture sont vierges. [vers 1957]

Les Traces font oeuvre :Le processus de création exposé, suffit à lui même

Extrait des Livres de vies: Série entamée en 1954 et pourduivie avec minutie jusqu'en 2002.

Son musée sentimental

Archive dans ces folios tout un ensemble de souvenirs personnels, traces d'amies, images de ses proches, document de projets, débris d'oeuvres détruites, annales de créateurs qui l'entourent, extraits de manuscrits, poésies fantaisistes, hommages bouleversants, coupures de presse, timbres colorés

Tel un mémorial en constante évolution, souvent chronologique mais ouvert au flash back.

Le processus fait oeuvre

"Au début, j'ai essayé d'accommoder tout ce qui se trouvait quelque part entre l'art et les ordures et qui me semblait important et dommage à jeter.

Documenter l'intime : le spectateur devient complice de son intimité ,: écrits, notes, découpages, articles, photos, tickets

Comme des récits d'enquête, ses premières filatures, récits de voyage, récits autobiographiques sous formes d'histoires courtes

"Entrlacements inédits de récits factuels à tendance fictionnelle" Christine Macel, la question de l'auteur dans l'oeuvre de Sophie Calle Unfinished. ed Xavier Barral, 2003

Gerhard Richter

L'atlas de Gerhard Richter est une collection de photographies, de coupures de journaux et de croquis que l'artiste assemble depuis le milieu des années 1960. Quelques années plus tard, Richter commença à ranger les matériaux sur des feuilles de papier.Actuellement, Atlas se compose de 802 feuilles. Couvrant une période de près de quatre décennies, les feuilles individuelles reflètent différentes phases de la vie et de l'œuvre de Richter : Atlas offre un aperçu de la pratique artistique de Richter et de sa façon de créer des images. Certaines de ces photographies ont ensuite été utilisées comme source d'images pour les peintures ou ont été inclus dans les livres de son artiste,La vie et l'art de Gerhard Richter sont interreliés dans Atlas d'une manière multidimensionnelle : des sujets banals comme un rouleau de papier toilette [Feuille : 14] sont juxtaposés avec des images horrifiantes de l'Holocauste [Feuilles : 16-20]; des images de paysages en série sont alignées avec des photographies familiales intimes; des échantillons de couleur joints aux images sources ainsi que des photographies des installations muséales. Sur la base de sa complexité et de sa diversité, l'importance d'Atlas dépasse la simple documentation, et Atlas est largement considéré comme une œuvre d'art indépendante.

1962-1966 51.7 cm x 66.7 cm Atlas Sheet: 3

1969/1970 51.7 cm x 36.7 cm Atlas Sheet: 163

Carnet-portrait, le journal intime, le carnet cathartique

" En cas d'incendie, je ne me soucierais de rien et ne sauverais que mes Livres de Vies."

Eva Aeppli

Journaux intimesExtraits de trois journaux intimes1978-1992

Sophie Calle

"La tradition considère le carnet de recherches -une notion à envisager dans son sens élargide recueil de fragments d'images et d'écrits- comme ce lieu d'exception, se donnant rarement à voir, celui du non finito ou du work in progress, des assoiations d'idées multiples et des idées syncopées couchées sur le papier. "Julie Enckell Julliard, le temps de l'idée

Le carnet de croquis est telle une matérialisation de l'univers mental de son concepteur.

Il ne renseigne pas sur l'oeuvre uniquement mais sur la curiosité, les centres d'interêt, la sensibilité de son auteur. Le rapport à l'oeuvre est complexe : le carnet est un objet autonome qui n'est pas simplement un complément de l'oeuvre ou une étape avant. Il est souvent perçu comme laboratoire, un répertoire, un journal car c'est espace de liberté quand il n'est pas question de sa présentation.> son rapport au temps est particulier : figer le fugitif, garder en mémoire, revenir pour refaire, chronologie mais va et vient perpétuel, fini/non fini, work in progress > son rapport à l'espace est unique : spatialisation de la pensée, les traces peuvent à la fois être chaotiques, évoquer le fourmillement le désordre et tout à la fois être linéaires, agencées, organisées . Pose la question du lien entre l'image et le texte.Il est le lien entre le monde extérieur et le monde intérieur de l'artiste > son rapport à l'intime est riche : il interroge sur ce qui est de l'ordre de l'intime / du public, du dicible / de l'indicible, du visible, du présentable /du confidentiel
CONCLUSION

Fanzine, carnet, leporello...Gardez traces de cette journée. Témoignez des rencontres, des échanges, des lieux, des mots etc..en utilsant les médiums de votre choix. Possibilité d'envisager ce travail en groupe.

Choisissez une oeuvre de votre choix et mettez vous dans la peau de l'artiste qui l'a créée. Reconstituez les traces qu'il a laissées pour le mener à l'oeuvre.Possibilité d'envisager ce travail en groupe

Atelier 2 :

Atelier 1 :

En pratique

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Approche historique Le carnetUn objet singulier et polyvalent Le carnet de travail "Faisant droit à l'approche sensible, le carnet de travail est aussi pour l'élève un outil pour réfléchir son parcours de formation en arts plastiques. Il peut, par ailleurs, constituer une pièce essentielle à intégrer dans le dossier artistique demandé par des écoles supérieures d'art.

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Atelier : imaginez une restitution dans l'établissement

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Atelier : imaginez une restitution dans l'établissement

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points sur les échanges - traces intermédiaires