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Como se puede notar, este ejercicio parece ser hecho a mucha velocidad (cosa que es cierta) y hay unos contornos muy marcados los cuales impiden que haya un volumen en el dibujo. El signo tampoco es controlado y se ve desordenado y sucio

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Fausto Pacheco fue un pintor, grabador y fotógrafo costarricense conocido principalmente por sus acuarelas de paisajes. Desde el punto de vista del desarrollo de la pintura paisajista nacional, es el pintor más importante de la generación de los años 1930, por tradición nacional de su obra.

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Como parte de la naturaleza del proyecto de apropiación artística y dibujo con textura gráfica, se decidió optar por un enfoque contemporáneo e interactivo en donde el dibujo con textura gráfica estuviera en función al cambio del significado de la obra de Fausto Pacheco.
Por tanto, para este proyecto se propone realizar una copia en acuarela de uno de los paisajes (Sin nombre) de dicho artista para así luego trasponer una segunda composición que aporte una nueva visión tanto a nivel óptico como de representación.

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Se realizaron 3 copias de obras totales o parciales de la obra de Pacheco en un formato menor para decidir cuál de las 3 había un apego mayor y segundo para probar diferentes técnicas, ya que de mucha de las pinturas del artista no hay información técnica; por tanto, se probó con acuarela y wash con acrílico para emular las obras elegidas.

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Para la sección de textura gráfica, se decidió utilizar papel pergamino ya que este brindaba la transparencia y el soporte al rapidógrafo deseado para el proyecto.
Por otra parte, en esta composición se utilizarán elementos de la copia (como el follaje) y diferentes encuadres para traer al frente los nuevos elementos.

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Fausto Pacheco - sin nombre y sin fecha. Posible técnica: acuarela 

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Este primer intento de textura gráfica de follaje no cumplió los parámetros de la técnica. bordes muy gruesos, sin volumen y no hay signos claros: Esto no es textura gráfica.

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Hay un signo mucho más claro y organizado. Los signos de los tallos fueron muy bien logrados. Tal vez, que los blancos de la flor no sean tan blancos: hacer signos para crear una unión entre claros y oscuros.

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Los comentarios está escritos en la imagen. Pero a nivel de metal, el signo y la representación fueron muy bien logrados. Para la madera y el vidrio, es importante tener una dirección más clara, un signo más organizado y tener más paciencia a la hora de realizar la textura.
SÚPER IMPORTANTE RECORDAR NO HACER ÁNGULOS DE 90 CON LOS SIGNOS.

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A nivel general, fue un buen resultado. Es importante tratar que en los oscuros no haya un cambio de signo. La idea es ir oscureciendo los mismos signos que ya estaban previamente hechos en las primeras capas.

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Los jarrones demuestran un mayor entendimiento del signo y los claros y oscuros. Para la partes internas de los jarrones, es importante no olvidar la malla gráfica para crear realismo. Además, es importante respetar los volúmenes de los jarrones.

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Sin embargo, se considera que esa primera propuesta se puede mejorar a nivel compositivo. Por tanto, se propone un segundo boceto para respetar el concepto de apropiación.
Falta por realizar el boceto con textura gráfica.

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Estas obras fueron utilizadas para las copias

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Realmente, no hay mucha documentación del proceso. Sin embargo, sí hay do imágenes que en lo personal son interesantes a nivel proceso:

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Proceso de copia en acuarela

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Como se ve la acuarela bajo el papel pergamino antes de ser intervenido.

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El pergamino intervenido sin la intervención de la mancha

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Para trabajar lo que es perspectiva se decidió utilizar la plumita 0.3 para el primer plano y la 0.05 para el segundo. Sin embargo, en momentos estas dos se cohesionaron para realizar una armonía en la composición.

Existen pruebas de esta decisión, pero a muy pequeña escala. (ver imagen)

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Para realizar el follaje, utilicé el signo gráfico que Fausto utilizaba en sus bocetos más otro signo para los bordes

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En general, me siento bastante satisfecho con el resultado. Aunque reconozco que la lámina en papel pergamino no haya sido meramente un dibujo realista, y se puede considerar más ilustrativo, este proyecto me presentó la idea que el dibujo tiene muchas más posibilidades a lo académico visto en cursos anteriores. Aprendí que el dibujo simplemente es un medio más, como los que se ven en talleres y en los distintos cursos de diseño. El dibujo no es una medida para, valga la redundancia, medir el nivel de talento o creatividad. Con el dibujo puedo exponer mis ideas y siempre seguir aprendiendo. Al final de cuentas para eso se estudia artes: para aprender. Si ya hubiera nacido con toda la teoría internalizada, posiblemente no estaría acá.

“Yo dibujo así y está bien” ♥