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Louis Daguerre, artista francés, pionero de la fotografía e inventor del daguerrotipo. Daguerre patentó su diorama en 1823. https://www.ilustre.co/pd-fotografia-siglo-xix-historia

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La fotografía como tal no apareció hasta el siglo XIX, pero una serie de inventos anteriores le allanaron el camino. Son los llamados dispositivos visuales, como la linterna mágica o la cámara oscura, la cual era ya era conocida por Aristóteles, aunque él la utilizaba para observar eclipses solares. Durante los años 1820 y 1830, se desarrollaron y mejoraron múltiples dispositivos o juguetes visuales aplicables a la ciencia y al entretenimiento, como parte del progreso científico-técnico de estos años. La fotografía fue uno de estos dispositivos, uno que cambió la historia.

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La fotografía es una disciplina que mezcla en sí misma arte y ciencia. Hace de mediación tecnológica entre la vivencia humana y la realidad, capturándola con toda su belleza y esplendor, con toda su crudeza. Una fotografía puede ser una herramienta útil, una historia condensada en una imagen, o una puerta a la sensibilidad del espectador.

La palabra fotografía se deriva de los vocablos griegos phos (luz) y grafis (escritura), de modo que juntos se podrían traducir literalmente como " escribir o dibujar con la luz". Este elemento es lo que da vida a la fotografía.

La fotógrafa belga Martine Franck, esposa de Henri Cartier-Bresson, hablaba de una fotografía como " un fragmento de tiempo que no volverá". Una imagen es una forma de convertir en eternos los instantes, lo efímero, y lo cierto es que la historia estuvo varios siglos intentando detener el tiempo.

Por increíble que parezca, los primeros ingredientes que terminarían constituyendo la fotografía se conocían ya desde los tiempos de Aristóteles, pero no se combinaron hasta el año 1827, fecha de la primera fotografía conocida, realizada por Joseph Nicéphore Niépce.

La primera fotografía conocida

La fotografía como tal no apareció hasta el siglo XIX, pero una serie de inventos anteriores le allanaron el camino. Son los llamados dispositivos visuales, como la linterna mágica o la cámara oscura, la cual era ya era conocida por Aristóteles, aunque él la utilizaba para observar eclipses solares. Durante los años 1820 y 1830, se desarrollaron y mejoraron múltiples dispositivos o juguetes visuales aplicables a la ciencia y al entretenimiento, como parte del progreso científico-técnico de estos años. La fotografía fue uno de estos dispositivos, uno que cambió la historia.

La cámara oscura es el antepasado más significativo de la cámara fotográfica, pues permitía proyectar en una habitación a oscuras las imágenes del exterior, aunque del revés, a través de un pequeño orificio en la pared. Muchos intentaron hacer mejoras en el dispositivo para capturar las imágenes proyectadas en materiales sensibles a la luz, y Joseph Nicéphore Niépce sería el primero en conseguirlo.

El científico aficionado francés consiguió realizar la primera fotografía estable registrada en 1827. Niépce tomó un sistema de cámara oscura y colocó dentro una placa recubierta de betún como material fotosensible. Dejó el dispositivo en el ancho de su ventana, exponiendo la placa a la luz durante 8 horas. Niépce nombró a esta técnica " heliografía", y resultó en la fotografía que titularía " Vista desde la ventana en Le Gras ".

Una técnica, dos orígenes

A partir de los primeros éxitos de Niépce en la toma de fotografías, un empresario francés con visión de negocio leyó en estos primeros intentos un gran potencial. Era Louis Daguerre, un hombre hábil en el dibujo y la arquitectura, que había trabajado ya con otros dispositivos visuales como el Diorama, que él mismo inventó.

Para saber más

Daguerre y Niépce compartían los mismos intereses para fijar la luz proyectada en las imágenes, y establecieron un contrato de colaboración en 1827. A partir de ese momento, los dos aficionados sumaron sus conocimientos y decidieron optar por el uso de una placa de cobre para reducir el tiempo de exposición. La investigación colaborativa continuó hasta 1833, año en que murió Joseph Nicéphore Niépce. En ese momento, la cámara primitiva que llevaban años preparando ya estaba muy desarrollada. Daguerre continuó adelante con el proyecto, realizando en él algunas mejoras, y, cuando lo consideró terminado, en 1837, le puso su nombre al aparato: el daguerrotipo.

Como empresario, Louis Daguerre sabía que el invento creado era una oportunidad de negocio, así que realizó una campaña de marketing para vender la patente. Contactó con el secretario de la Academia de Ciencia de Francia, François Arago, quien vio en el daguerrotipo una tecnología versátil, servible para todo tipo de utilidades, y consideró que debía estar en manos de todo el mundo para contribuir a la igualdad social. Finalmente, el Estado francés compró la patente y difundió el proceso del daguerrotipo para el uso público.

Fuera de Francia, el inventor inglés William H. Fox Talbot había estado trabajando también en su propio método para capturar imágenes, partiendo igualmente de la cámara oscura. Consiguió buenos resultados utilizando un procedimiento al que llamó calotipo, un sistema que no era tan preciso como el daguerrotipo, pero permitía la reproducción de las imágenes. Talbot no era empresario como Daguerre, y solo se dio cuenta del potencial de su invento después de que el francés patentara su dispositivo. En 1844 autopublicó un libro titulado " The Pencil of Nature", en el cual exponía los valores del talbotipo (o calotipo), y mostraba algunos ejemplos de sus resultados fotográficos. Después de esta publicación, el calotipo se extendió entre grupos de clase alta que empezaron a practicar la fotografía amateur, iniciando la cara más artística de la disciplina.

Primeras veces de la fotografía

En 1838, Daguerre registró la primera fotografía en que aparecían personas humanas. Sin embargo, este logro habría sido un montaje del propio fotógrafo, según la investigadora Shelley Rice. En ese momento no se había conseguido reducir el tiempo de exposición a menos de diez minutos, por lo que es imposible que se capturaran dos personas en la calle, un limpiabotas y un cliente, a menos que fueran actores contratados por el mismo Daguerre.

Años más tarde se realizó la primera fotografía tomada a color: "Tartan ribbon". Se consiguió en 1861 por Thomas Sutton, con la ayuda de James Clerck Maxwell, profesor de física en la universidad King's College. La fotografía se consiguió superponiendo tres imágenes en blanco y negro tomadas cada una con un filtro de diferente color: rojo, azul y verde. Durante los años siguientes se siguieron realizando experimentos para perfeccionar la fotografía a color, incluso los hermanos Lumière hicieron contribuciones al proceso, pero este formato tardó un siglo en popularizarse.

las mujeres y la fotografía

Pese a que las mujeres tuvieron el acceso restringido a muchas ocupaciones y formas de arte, las puertas de la fotografía se abrieron desde bien al principio para ellas. Con la consolidación y extensión de dispositivos como el daguerrotipo y el talbotipo, muchos hombres empezaron a abrir talleres y tiendas especializadas en fotografía, y algunas de sus parejas trabajaban allí con ellos.

Las mujeres no solo tuvieron un papel importante detrás del mostrador. El arte estaba muy restringido a su género en aquella época, pero la reciente fotografía, al no considerarse un arte, les abrió un mundo de posibilidades. Vieron en esta disciplina una perfecta opción de entretenimiento y exploración, y la capacidad de representar la realidad que se les había negado en otras disciplinas hasta el momento.

Anna Atkins fue una de las primeras fotógrafas más destacadas. Ella fue la primera en publicar un trabajo científico con la fotografía como soporte, con el que se considera uno de los primeros fotolibros de la historia; el titulado "Cyanotypes of British Algae". Publicó esta obra en 1843, y en ella aparecían fotografías de algas británicas producidas con la técnica de la cianotipia, lo cual les daba a las imágenes una combinación de colores azul cían y blanco.

un arte para todos

La fotografía estuvo bastante limitada a los grupos de aficionados de clase alta durante sus primeros años, hasta que en 1888 salió al mercado la primera propuesta de Kodak: la primera cámara fotográfica dirigida al gran público. El eslogan de la famosa marca para para publicitar el producto fue: " Tú aprietas el botón, nosotros hacemos el resto". El mecanismo para tomar fotografías era ahora mucho más sencillo, y aunque estas cámaras fueran aún rudimentarias, los compradores solo debían pulsar un botón para tomar las fotografías, y llevándolas al laboratorio de revelado les devolvían las imágenes impresas.

La popularidad de la cámara fotográfica creció todavía más en 1925, con la aparición del formato 35 mm. Oskar Barnack diseñó esta nueva cámara, que se lanzó al mercado bajo la firma de Leica, y convirtió la fotografía en todo un fenómeno de masas. El dispositivo destacaba por su formato compacto y sencillo de manejar, y permitía realizar fotografías en casi cualquier parte de manera rápida y discreta.

Se sucedieron distintos modelos de cámara analógica, hasta que en 1927 se dio con la fórmula de la fotografía digital. Un ingeniero de la firma Kodak, Steven Sasson, consiguió fabricar la primera cámara de este calibre; un prototipo muy rudimentario, de grandes dimensiones y que podía realizar tan solo fotografías en blanco y negro. Aún así, empezó una revolución digital que escaló rápidamente hasta la aparición del primer teléfono móvil inteligente o smartphone con una cámara incorporada, un dispositivo con el que hoy día cuentan prácticamente todos los móviles del mercado. Esta innovación supuso un punto de inflexión en la fotografía de masas, ya que ahora todo el que disponga de un dispositivo móvil lleva consigo a todas partes una pequeña cámara en el bolsillo de los pantalones.

Arago lo consiguió. Hoy en día la fotografía es un arte democrático, un procedimiento que permite que cualquier persona con un teléfono móvil, o con una cámara cualquiera, pueda capturar la realidad con un simple clic. Ya no hace falta tener amplios conocimientos de dibujo o escultura que permitan crear con las propias manos un retrato fiel de la realidad. Las imágenes están al abasto de todos, forman parte de nuestra vida cotidiana, de nuestra realidad moderna. Arago lo consiguió, ahora todo el mundo puede parar el tiempo.

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Desde la cámara oscura hasta el teléfono móvil: la historia de la fotografía

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La invención de esta fascinante tecnología cambió nuestra realidad; hoy en día, nuestra vida está plagada de imágenes y casi todos llevamos una cámara en el bolsillo.

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el pintor y escenógrafo también francés Louis Daguerre desarrolló la que se considera primera cámara fotográfica de la historia, el daguerrotipo. La idea era encontrar un nuevo proceso que permitiera acortar la larga exposición necesaria para lograr una heliografía (unas dos horas en los últimos prototipos) y dejarla en apenas minutos.

https://photolari.com/la-historia-de-la-fotografia-contada-a-traves-de-diez-momentos-que-marcaron-su-curso/

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La historia de la fotografía contada a través de diez momentos que marcaron su curso

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La historia de la fotografía es muy larga. Mucho. Tanto que se remonta a la antigua Grecia, cuando pensadores griegos como Aristóteles y Euclides ya hablaban del principio de la cámara oscura. Pero oficialmente se considera su comienzo el 19 de agosto de 1.839, cuando el gobierno francés liberó la patente del daguerrotipo. Es decir, 182 años de historia “oficial” en la […]

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Los padres serían Niépce y Daguerre y en parte Talbot. Pero será en 1840 cuando se empiece a extender la fotografía como tal, surgiendo la profesión de daguerrotista.

https://theartmarket.es/fotografia-siglo-xix/

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La fotografía nació durante el siglo XIX, es decir, el Romanticismo. Los pintores se darán cuenta que ya hay un método para representar fielmente al realidad y que ellos deben explorar nuevos caminos. Esto llevará al Impresionismo.

https://theartmarket.es/fotografia-siglo-xix/

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The Art Market, Hub del mundo del arte - Agencia de marketing y medio especializado en el sector de arte

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Fotografía del siglo XIX - The Art Market, Hub del mundo del arte

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Desde el 28 de noviembre de 2017 hasta el 13 de mayo de 2018, se podrá visitar en el Museo del Romanticismo (ver enlace) la exposición Se va mi sombra pero yo me quedo. Ilusión y fotografía en el Romanticismo. La fotografía nació durante el siglo XIX, es decir, el Romanticismo. A principios del

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William Henry Fox Talbot (1800 -1877), patenta en 1842 el Calotipo. Fue un gran investigador inglés considerado el padre de los procesos que se impusieron en la fotografía durante casi 170 años. El Calotipo sentó las bases del negativo. Un papel sensibilizado registraba en la cámara la imagen que luego de ser procesada quedaba invertida. Ese papel era transparentado mediante cera y por contacto, otro papel similar daba el positivo.

https://www.aulafoto.com/historia-de-la-fotografia-las-mujeres-pioneras-siglo-xix/

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Bertha Wehnert-Beckmann (1815–1901). Es considerada la primera fotógrafa profesional. En 1843 junto a su marido Eduard Wehnert abre un estudio de daguerrotipos en Leipzig. A la muerte de este en 1847 amplía el negocio abriendo nuevos estudios en Nueva York adquiriendo un gran prestigio como retratista. Se retiró en 1883 a la edad de 68 años. https://www.aulafoto.com/historia-de-la-fotografia-las-mujeres-pioneras-siglo-xix/

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El científico aficionado francés consiguió realizar la primera fotografía estable registrada en 1827. Niépce tomó un sistema de cámara oscura y colocó dentro una placa recubierta de betún como material fotosensible. Dejó el dispositivo en el ancho de su ventana, exponiendo la placa a la luz durante 8 horas. Niépce nombró a esta técnica “heliografía”, y resultó en la fotografía que titularía “Vista desde la ventana en Le Gras”.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/historia-fotografia-arte-dibujar-luz_20128

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Esta primera imagen, en 1826, a la que Nicephore Niépce denominó "point de vue", punto de vista, es una impresión  directa de la realidad, diferente de las heliografías, las imágenes sobre papel mediante la cámara oscura

https://educomunicacion.es/cineyeducacion/historiafotografia_02_primeras_fotos.htm

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La empresa de George Eastman lanzó en 1.888 una cámara que contenía un rollo de película, sistema que sustituiría definitivamente a las placas de cristal que hasta entonces usaban la mayoría de cámaras.

https://photolari.com/la-historia-de-la-fotografia-contada-a-traves-de-diez-momentos-que-marcaron-su-curso/

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Primera foto en color de la historia (Adrián)

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Primera foto en color de la historia (Adrián)

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Tartan Ribbon es como se titula la primera foto en color de la historia y fue realizada en 1861 por Thomas Sutton, siguiendo las instrucciones del físico James Clerk Maxwell. Para ello utilizaron tres negativos con filtros de color verde, rojo y azul que se proyectaron a la vez para conseguir una única imagen.

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¿Cuándo se inventó la fotografía en color?

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La fotografía en color fue objeto de numerosos experimentos en el siglo XIX, y se confirmó oficialmente que la primera fotografía en color la realizó James Clerk Maxwell en 1861.

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Cómo se hacía la fotografía del daguerrotipo. (Haridian)

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Cómo se hacía la fotografía del daguerrotipo. (Haridian)

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El daguerrotipo se basaba en la exposición de una placa de cobre plateado recubierta de una sustancia sensible a la luz. Esta sustancia, a menudo una mezcla de yodo y bromo, reaccionaba a la luz y permitía crear una imagen latente. A continuación, la placa se colocaba en una cámara y se sometía a una exposición prolongada para capturar la imagen. A continuación, la placa expuesta se revelaba en vapor de mercurio. El mercurio reaccionaba con las partículas fotosensibles de la placa y producía una imagen visible. Para fijar la imagen, la placa se lavaba finalmente en una solución salina o en una solución de tiosulfato de sodio.

El daguerrotipo resultante era una imagen positiva única, invertida sobre una superficie espejada. El detalle y la nitidez de estas imágenes eran notables y a menudo superaban la calidad de otras técnicas fotográficas contemporáneas. Cada daguerrotipo era único, ya que no había forma de hacer copias de ellos. Sin embargo, el daguerrotipo no sólo era técnicamente exigente, sino que también consumía mucho tiempo y era comparativamente caro. Los fotógrafos tenían que manejar con cuidado el equipo y los productos químicos y a menudo disponían de un cuarto oscuro móvil para preparar y revelar las placas. A pesar de estos retos, el daguerrotipo tuvo gran popularidad, especialmente en las décadas de 1840 y 1850, y contribuyó significativamente a la difusión de la fotografía como forma de arte.

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De la redacción de WhiteWall

Una mirada a través del objetivo del tiempo: La historia de la fotografía

Como medio capaz de congelar momentos y capturar la historia, la fotografía es parte integrante de nuestra evolución cultural. Desde sus humildes comienzos hasta los revolucionarios avances tecnológicos de la era digital, la fotografía ha realizado un viaje transformador a través de la historia. En este amplio reportaje, realizamos un cautivador recorrido por las distintas épocas de la fotografía y exploramos su desarrollo evolutivo desde sus inicios hasta la actualidad.

El nacimiento de la fotografía: Daguerre y el daguerrotipo

En 1839, Louis Daguerre presentó al mundo su revolucionario descubrimiento, que rápidamente se hizo muy popular: el daguerrotipo, llamado así en su honor. Este proceso hizo posible tomar retratos detallados por primera vez, marcando el comienzo de una nueva era de representación visual, como alternativa a la pintura de retratos que había sido habitual hasta entonces. Por primera vez, el daguerrotipo hizo posible la representación permanente de personas y escenas, sentando así las bases de la fotografía moderna.

El daguerrotipo se basaba en la exposición de una placa de cobre plateado recubierta de una sustancia sensible a la luz. Esta sustancia, a menudo una mezcla de yodo y bromo, reaccionaba a la luz y permitía crear una imagen latente. A continuación, la placa se colocaba en una cámara y se sometía a una exposición prolongada para capturar la imagen.

A continuación, la placa expuesta se revelaba en vapor de mercurio. El mercurio reaccionaba con las partículas fotosensibles de la placa y producía una imagen visible. Para fijar la imagen, la placa se lavaba finalmente en una solución salina o en una solución de tiosulfato de sodio.

El daguerrotipo resultante era una imagen positiva única, invertida sobre una superficie espejada. El detalle y la nitidez de estas imágenes eran -teniendo en cuenta la época- notables y a menudo superaban la calidad de otras técnicas fotográficas contemporáneas. Cada daguerrotipo era único, ya que no había forma de hacer copias de ellos.

Sin embargo, el daguerrotipo no sólo era técnicamente exigente, sino que también consumía mucho tiempo y era comparativamente caro. Los fotógrafos tenían que manejar con cuidado el equipo y los productos químicos y a menudo disponían de un cuarto oscuro móvil para preparar y revelar las placas. A pesar de estos retos, el daguerrotipo gozó de gran popularidad, especialmente en las décadas de 1840 y 1850, y contribuyó significativamente a la difusión de la fotografía como forma de arte.

Hoy en día, los daguerrotipos se consideran valiosos artefactos históricos y se conservan en museos y colecciones privadas. Ofrecen una visión fascinante de los primeros tiempos de la fotografía y muestran los inicios de una tecnología que cambió el mundo para siempre.

La era de la fotografía: de la placa húmeda de colodión al rollo de película

A los logros pioneros de Daguerre siguieron otras innovaciones que hicieron avanzar la fotografía. La introducción de la fotografía con placas húmedas de colodión, por ejemplo, permitió acortar los tiempos de exposición y revelado y, por tanto, una mayor flexibilidad y movilidad para los fotógrafos. Sin embargo, fue la invención del rollo de película por George Eastman a finales de la década de 1880 lo que finalmente revolucionó la fotografía.

El rollo de película desarrollado por Eastman hizo posible tomar fotografías de forma continua sin tener que cambiar de placa entre disparo y disparo. Este avance hizo por fin accesible la fotografía a un público más amplio y sentó las bases de la cultura fotográfica popular del siglo XX.

La fotografía analógica del siglo XX vivió un apogeo que se caracterizó por una multitud de cámaras, fotógrafos y películas icónicos. Cámaras como la Leica M3, la Rolleiflex y la Nikon F se convirtieron en símbolos de artesanía y fiabilidad.

Estas cámaras permitieron a los fotógrafos trabajar con precisión y control y crear imágenes impresionantes. Fotógrafos famosos como Henri Cartier-Bresson, Ansel Adams, Dorothea Lange y Diane Arbus, entre otros, dieron forma con su trabajo a la fotografía analógica del siglo XX. Sus imágenes, tomadas con películas como la Kodak Tri-X, la Ilford HP5 y la Fujifilm Velvia, siguen siendo hoy en día obras maestras icónicas de la fotografía en blanco y negro y en color y se erigen como testimonios intemporales de experiencias humanas y momentos culturales.

La fotografía analógica ofrecía a los fotógrafos una forma única de trabajar en la que la paciencia y la planificación eran tan importantes como la habilidad técnica. Aunque la fotografía digital creció en importancia a lo largo del siglo, la era de la fotografía analógica sigue siendo un periodo importante en la historia de la fotografía que sentó las bases del lenguaje visual moderno.

La revolución digital: la transición a la era digital

Los albores de la era digital revolucionaron la fotografía -aunque algunas empresas no predijeron este desarrollo y se enfrentaron más tarde a las consecuencias económicas-, otras no hicieron la transición y ahora forman parte de la rica historia de la fotografía.

Las primeras cámaras digitales fueron desarrolladas y presentadas por Steven Sasson, un ingeniero de Kodak. Su trabajo pionero -e inicialmente ridiculizado- condujo al desarrollo de la primera cámara digital funcional en 1975. Sin embargo, el modelo de Sasson sólo alcanzaba una resolución de 100 x 100 píxeles (0,01 megapíxeles) y sólo fotografiaba en blanco y negro. No obstante, sentó las bases para futuros desarrollos que se introdujeron en la década de 1980. Un hito en particular fue la Sony MAVICA, que se lanzó al mercado en 1981: una cámara de fotos electrónica con tecnología CCD para cualquier fotógrafo interesado. Las imágenes se almacenaban en discos de vídeo especiales con tecnología de almacenamiento magnético - de ahí el nombre de "videocámara magnética".

Estos primeros modelos digitales ofrecían a los fotógrafos la oportunidad de capturar imágenes en soportes de almacenamiento digital sin tener que depender de los rollos de película tradicionales. A pesar del escepticismo inicial y de los retos técnicos, la fotografía digital se impuso rápidamente. En las décadas siguientes, fabricantes como Canon, Casio, Nikon, Sony y otros siguieron desarrollando sus modelos de cámaras digitales. La calidad de imagen mejoró espectacularmente y las cámaras se hicieron más pequeñas, ligeras y asequibles.

Los avances en la tecnología de sensores y procesadores permitieron a los fotógrafos capturar imágenes claras y detalladas incluso en condiciones de iluminación difíciles. La introducción de objetivos intercambiables, pantallas de alta resolución y conectividad inalámbrica amplió aún más las posibilidades creativas y la facilidad de uso de las cámaras digitales.

El desarrollo de las cámaras réflex digitales de objetivo único (DSLR) y de las cámaras digitales sin espejo con montura de objetivos intercambiables (DSLM) ha revolucionado la fotografía en muchos aspectos. Las cámaras réflex digitales de objetivo único se basan en el éxito de sus predecesoras analógicas y ofrecen a los fotógrafos una amplia gama de opciones para la composición creativa de imágenes. Al utilizar espejos en el interior del cuerpo, las DSLR permiten previsualizar con precisión las imágenes a través del visor óptico y controlarlas mediante ajustes manuales.

La introducción de las cámaras digitales sin espejo - introducidas por primera vez por Olympus y Panasonic - marcó el comienzo de otra era. Estas cámaras prescinden del sistema de espejo y permiten un diseño más compacto, sin dejar de ofrecer la opción de objetivos intercambiables. Mediante el uso de visores electrónicos y pantallas de alta resolución, las cámaras sin espejo ofrecen una vista previa de la imagen en tiempo real, así como una variedad de funciones avanzadas como el seguimiento del punto de enfoque y la estabilización de la imagen. El desarrollo de ambos tipos de cámaras ha democratizado la fotografía, dando a fotógrafos de todos los niveles de habilidad acceso a equipos de alta calidad que les permiten hacer realidad su visión creativa.

El cuarto oscuro digital

Paralelamente, el desarrollo de programas de edición de imágenes como Adobe Photoshop revolucionó la forma en que los fotógrafos podían editar sus imágenes después de tomarlas. El cuarto oscuro digital sustituyó al tradicional y permitió a los fotógrafos ajustar los colores, refinar los contrastes e incluso realizar montajes de imágenes para materializar su visión artística.

La llegada de Internet y los medios sociales ha acelerado aún más la transición a la fotografía digital. Plataformas como Instagram, Flickr y Facebook ofrecieron a los fotógrafos un escenario global para mostrar y compartir su trabajo con un amplio público. La fotografía se convirtió en parte integrante de la cultura digital y del intercambio social.

Hoy en día, estamos en la cúspide de nuevos avances tecnológicos como el desarrollo de tecnologías avanzadas de sensores de imagen y autoenfoque, así como de la inteligencia artificial en la fotografía.

Los maestros detrás del objetivo: Fotógrafos famosos que marcaron la historia

La historia de la fotografía estaría incompleta sin las aportaciones pioneras de algunos fotógrafos sobresalientes que ampliaron los límites de la fotografía gracias a su visión única y a sus habilidades técnicas. Nombres como Ansel Adams, cuyas icónicas fotografías de paisajes captaron la belleza de la naturaleza e inspiraron a toda una generación de fotógrafos, y Dorothea Lange, cuya fotografía documental durante la Gran Depresión pintó un inquietante retrato de la sociedad estadounidense, ejemplifican el poder de la fotografía para captar el cambio social y cultural.

Otros fotógrafos legendarios como Annie Leibovitz, Steve McCurry y Sebastião Salgado han influido y moldeado el mundo de muchas maneras con su trabajo. A través de sus perspectivas únicas y su capacidad para captar la profundidad emocional en sus imágenes, han hecho avanzar significativamente la fotografía como forma de arte y como medio de comentario social. Sus obras no sólo sirven de inspiración para los aspirantes a fotógrafos, sino también como testimonios intemporales de la experiencia y la emoción humanas.

Foto: Phil Penman.

En la actualidad, los Embajadores WhiteWall también se encuentran entre los fotógrafos profesionales más respetados, con más talento e influencia que trabajan en el sector de la fotografía en todo el mundo. Cada uno de ellos se caracteriza por un estilo propio y distintivo, de modo que juntos representan distintos géneros de la fotografía contemporánea. Por ejemplo, Phil Penmans, que ha ganado prestigiosos premios por su estilo distintivo, versatilidad y dedicación a su oficio, o Isabelle Bacher, la multipremiada fotógrafa austriaca de paisajes, arquitectura, productos y retratos con raíces noruegas.

Foto: Isabelle Bacher.

El futuro de la fotografía: IA y realidad virtual

A medida que nos adentramos en la era digital, se abren nuevos horizontes y retos para la fotografía. La integración de la inteligencia artificial en el software de edición de imágenes permite mejoras y optimizaciones automatizadas de las imágenes, mientras que la IA generativa puede crear sus propios mundos de imágenes, sin necesidad de utilizar una cámara, un objetivo o un fotógrafo. Por un lado, esto abre un amplio abanico de nuevas posibilidades creativas, pero también retos éticos con respecto a la autenticidad de las imágenes y vídeos creados artificialmente. Por otra parte, las tecnologías de realidad virtual abren posibilidades completamente nuevas para el diseño y la presentación de imágenes.

A través de la innovación continua y la exploración creativa, la fotografía sigue siendo una forma de arte muy dinámica que inspira nuestra imaginación y capta el mundo que nos rodea, y al mismo tiempo repasa más de 175 años de historia.

La perfección de la fotografía

Aunque la revolución digital ha catapultado a la fotografía a nuevas cotas, la impresión o copia fotográfica impresa o expuesta sigue siendo una parte esencial de la experiencia fotográfica. Los procesos especiales hacen que las imágenes sean físicamente tangibles y las anclan en nuestro mundo analógico. El proceso de impresión confiere a las fotografías una calidad háptica y estética que las pantallas digitales no pueden reproducir.

Desde la tradicional ampliación y revelado en el cuarto oscuro hasta las modernas impresoras de inyección de tinta y láser, la tecnología de impresión fotográfica ha evolucionado a lo largo de los años. Las impresoras de alta calidad y los papeles fotográficos especiales permiten a los fotógrafos reproducir su trabajo con una precisión de color y un detalle impresionantes: WhiteWall es un socio de primera calidad galardonado en varias ocasiones por la perfección de la fotografía y, al mismo tiempo, un innovador. Procesos modernos como el ultraHD o el WhiteWall Masterprint proporcionan a los fotógrafos opciones innovadoras para la presentación profesional de imágenes.

La impresión fotográfica también tiene un importante significado cultural, ya que las imágenes impresas o expuestas se presentan en exposiciones, galerías y museos o se guardan en archivos. Las fotografías que existen físicamente tienen una cualidad intemporal y pueden durar generaciones, lo que subraya su importancia como documentos históricos y formas de expresión artística.

En un mundo cada vez más dominado por las pantallas digitales, la fotografía analógica nos recuerda que la belleza y el poder de la fotografía existen fuera del ámbito digital. Nos brinda la oportunidad de experimentar, ver y compartir verdaderamente nuestras imágenes favoritas.

Conclusión

La fotografía no es sólo una forma de arte, sino también un poderoso medio de expresión cultural y registro histórico. Desde los pioneros del daguerrotipo hasta los visionarios digitales del siglo XXI, la fotografía ha experimentado una evolución impresionante. Al comprender la historia de la fotografía, no sólo podemos reflexionar sobre el pasado, sino también forjar el futuro. Así que preparen sus cámaras y exploremos juntos las infinitas posibilidades de la fotografía para ver el mundo con nuevos ojos.

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Explore el fascinante desarrollo de la fotografía desde el daguerrotipo de Daguerre hasta la revolución digital en nuestro completo resumen.

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Las primeras cámaras digitales fueron desarrolladas y presentadas por Steven Sasson, un ingeniero de Kodak. Su trabajo pionero condujo al desarrollo de la primera cámara digital funcional en 1975. Sin embargo, el modelo de Sasson sólo alcanzaba una resolución de 100 x 100 píxeles (0,01 megapíxeles) y sólo fotografiaba en blanco y negro. No obstante, sentó las bases para futuros desarrollos que se introdujeron en la década de 1980. Un hito en particular fue la Sony MAVICA, que se lanzó al mercado en 1981: una cámara de fotos electrónica con tecnología CCD. Las imágenes se almacenaban en discos de vídeo especiales con tecnología de almacenamiento magnético - de ahí el nombre de "videocámara magnética".

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De la redacción de WhiteWall

Una mirada a través del objetivo del tiempo: La historia de la fotografía

Como medio capaz de congelar momentos y capturar la historia, la fotografía es parte integrante de nuestra evolución cultural. Desde sus humildes comienzos hasta los revolucionarios avances tecnológicos de la era digital, la fotografía ha realizado un viaje transformador a través de la historia. En este amplio reportaje, realizamos un cautivador recorrido por las distintas épocas de la fotografía y exploramos su desarrollo evolutivo desde sus inicios hasta la actualidad.

El nacimiento de la fotografía: Daguerre y el daguerrotipo

En 1839, Louis Daguerre presentó al mundo su revolucionario descubrimiento, que rápidamente se hizo muy popular: el daguerrotipo, llamado así en su honor. Este proceso hizo posible tomar retratos detallados por primera vez, marcando el comienzo de una nueva era de representación visual, como alternativa a la pintura de retratos que había sido habitual hasta entonces. Por primera vez, el daguerrotipo hizo posible la representación permanente de personas y escenas, sentando así las bases de la fotografía moderna.

El daguerrotipo se basaba en la exposición de una placa de cobre plateado recubierta de una sustancia sensible a la luz. Esta sustancia, a menudo una mezcla de yodo y bromo, reaccionaba a la luz y permitía crear una imagen latente. A continuación, la placa se colocaba en una cámara y se sometía a una exposición prolongada para capturar la imagen.

A continuación, la placa expuesta se revelaba en vapor de mercurio. El mercurio reaccionaba con las partículas fotosensibles de la placa y producía una imagen visible. Para fijar la imagen, la placa se lavaba finalmente en una solución salina o en una solución de tiosulfato de sodio.

El daguerrotipo resultante era una imagen positiva única, invertida sobre una superficie espejada. El detalle y la nitidez de estas imágenes eran -teniendo en cuenta la época- notables y a menudo superaban la calidad de otras técnicas fotográficas contemporáneas. Cada daguerrotipo era único, ya que no había forma de hacer copias de ellos.

Sin embargo, el daguerrotipo no sólo era técnicamente exigente, sino que también consumía mucho tiempo y era comparativamente caro. Los fotógrafos tenían que manejar con cuidado el equipo y los productos químicos y a menudo disponían de un cuarto oscuro móvil para preparar y revelar las placas. A pesar de estos retos, el daguerrotipo gozó de gran popularidad, especialmente en las décadas de 1840 y 1850, y contribuyó significativamente a la difusión de la fotografía como forma de arte.

Hoy en día, los daguerrotipos se consideran valiosos artefactos históricos y se conservan en museos y colecciones privadas. Ofrecen una visión fascinante de los primeros tiempos de la fotografía y muestran los inicios de una tecnología que cambió el mundo para siempre.

La era de la fotografía: de la placa húmeda de colodión al rollo de película

A los logros pioneros de Daguerre siguieron otras innovaciones que hicieron avanzar la fotografía. La introducción de la fotografía con placas húmedas de colodión, por ejemplo, permitió acortar los tiempos de exposición y revelado y, por tanto, una mayor flexibilidad y movilidad para los fotógrafos. Sin embargo, fue la invención del rollo de película por George Eastman a finales de la década de 1880 lo que finalmente revolucionó la fotografía.

El rollo de película desarrollado por Eastman hizo posible tomar fotografías de forma continua sin tener que cambiar de placa entre disparo y disparo. Este avance hizo por fin accesible la fotografía a un público más amplio y sentó las bases de la cultura fotográfica popular del siglo XX.

La fotografía analógica del siglo XX vivió un apogeo que se caracterizó por una multitud de cámaras, fotógrafos y películas icónicos. Cámaras como la Leica M3, la Rolleiflex y la Nikon F se convirtieron en símbolos de artesanía y fiabilidad.

Estas cámaras permitieron a los fotógrafos trabajar con precisión y control y crear imágenes impresionantes. Fotógrafos famosos como Henri Cartier-Bresson, Ansel Adams, Dorothea Lange y Diane Arbus, entre otros, dieron forma con su trabajo a la fotografía analógica del siglo XX. Sus imágenes, tomadas con películas como la Kodak Tri-X, la Ilford HP5 y la Fujifilm Velvia, siguen siendo hoy en día obras maestras icónicas de la fotografía en blanco y negro y en color y se erigen como testimonios intemporales de experiencias humanas y momentos culturales.

La fotografía analógica ofrecía a los fotógrafos una forma única de trabajar en la que la paciencia y la planificación eran tan importantes como la habilidad técnica. Aunque la fotografía digital creció en importancia a lo largo del siglo, la era de la fotografía analógica sigue siendo un periodo importante en la historia de la fotografía que sentó las bases del lenguaje visual moderno.

La revolución digital: la transición a la era digital

Los albores de la era digital revolucionaron la fotografía -aunque algunas empresas no predijeron este desarrollo y se enfrentaron más tarde a las consecuencias económicas-, otras no hicieron la transición y ahora forman parte de la rica historia de la fotografía.

Las primeras cámaras digitales fueron desarrolladas y presentadas por Steven Sasson, un ingeniero de Kodak. Su trabajo pionero -e inicialmente ridiculizado- condujo al desarrollo de la primera cámara digital funcional en 1975. Sin embargo, el modelo de Sasson sólo alcanzaba una resolución de 100 x 100 píxeles (0,01 megapíxeles) y sólo fotografiaba en blanco y negro. No obstante, sentó las bases para futuros desarrollos que se introdujeron en la década de 1980. Un hito en particular fue la Sony MAVICA, que se lanzó al mercado en 1981: una cámara de fotos electrónica con tecnología CCD para cualquier fotógrafo interesado. Las imágenes se almacenaban en discos de vídeo especiales con tecnología de almacenamiento magnético - de ahí el nombre de "videocámara magnética".

Estos primeros modelos digitales ofrecían a los fotógrafos la oportunidad de capturar imágenes en soportes de almacenamiento digital sin tener que depender de los rollos de película tradicionales. A pesar del escepticismo inicial y de los retos técnicos, la fotografía digital se impuso rápidamente. En las décadas siguientes, fabricantes como Canon, Casio, Nikon, Sony y otros siguieron desarrollando sus modelos de cámaras digitales. La calidad de imagen mejoró espectacularmente y las cámaras se hicieron más pequeñas, ligeras y asequibles.

Los avances en la tecnología de sensores y procesadores permitieron a los fotógrafos capturar imágenes claras y detalladas incluso en condiciones de iluminación difíciles. La introducción de objetivos intercambiables, pantallas de alta resolución y conectividad inalámbrica amplió aún más las posibilidades creativas y la facilidad de uso de las cámaras digitales.

El desarrollo de las cámaras réflex digitales de objetivo único (DSLR) y de las cámaras digitales sin espejo con montura de objetivos intercambiables (DSLM) ha revolucionado la fotografía en muchos aspectos. Las cámaras réflex digitales de objetivo único se basan en el éxito de sus predecesoras analógicas y ofrecen a los fotógrafos una amplia gama de opciones para la composición creativa de imágenes. Al utilizar espejos en el interior del cuerpo, las DSLR permiten previsualizar con precisión las imágenes a través del visor óptico y controlarlas mediante ajustes manuales.

La introducción de las cámaras digitales sin espejo - introducidas por primera vez por Olympus y Panasonic - marcó el comienzo de otra era. Estas cámaras prescinden del sistema de espejo y permiten un diseño más compacto, sin dejar de ofrecer la opción de objetivos intercambiables. Mediante el uso de visores electrónicos y pantallas de alta resolución, las cámaras sin espejo ofrecen una vista previa de la imagen en tiempo real, así como una variedad de funciones avanzadas como el seguimiento del punto de enfoque y la estabilización de la imagen. El desarrollo de ambos tipos de cámaras ha democratizado la fotografía, dando a fotógrafos de todos los niveles de habilidad acceso a equipos de alta calidad que les permiten hacer realidad su visión creativa.

El cuarto oscuro digital

Paralelamente, el desarrollo de programas de edición de imágenes como Adobe Photoshop revolucionó la forma en que los fotógrafos podían editar sus imágenes después de tomarlas. El cuarto oscuro digital sustituyó al tradicional y permitió a los fotógrafos ajustar los colores, refinar los contrastes e incluso realizar montajes de imágenes para materializar su visión artística.

La llegada de Internet y los medios sociales ha acelerado aún más la transición a la fotografía digital. Plataformas como Instagram, Flickr y Facebook ofrecieron a los fotógrafos un escenario global para mostrar y compartir su trabajo con un amplio público. La fotografía se convirtió en parte integrante de la cultura digital y del intercambio social.

Hoy en día, estamos en la cúspide de nuevos avances tecnológicos como el desarrollo de tecnologías avanzadas de sensores de imagen y autoenfoque, así como de la inteligencia artificial en la fotografía.

Los maestros detrás del objetivo: Fotógrafos famosos que marcaron la historia

La historia de la fotografía estaría incompleta sin las aportaciones pioneras de algunos fotógrafos sobresalientes que ampliaron los límites de la fotografía gracias a su visión única y a sus habilidades técnicas. Nombres como Ansel Adams, cuyas icónicas fotografías de paisajes captaron la belleza de la naturaleza e inspiraron a toda una generación de fotógrafos, y Dorothea Lange, cuya fotografía documental durante la Gran Depresión pintó un inquietante retrato de la sociedad estadounidense, ejemplifican el poder de la fotografía para captar el cambio social y cultural.

Otros fotógrafos legendarios como Annie Leibovitz, Steve McCurry y Sebastião Salgado han influido y moldeado el mundo de muchas maneras con su trabajo. A través de sus perspectivas únicas y su capacidad para captar la profundidad emocional en sus imágenes, han hecho avanzar significativamente la fotografía como forma de arte y como medio de comentario social. Sus obras no sólo sirven de inspiración para los aspirantes a fotógrafos, sino también como testimonios intemporales de la experiencia y la emoción humanas.

Foto: Phil Penman.

En la actualidad, los Embajadores WhiteWall también se encuentran entre los fotógrafos profesionales más respetados, con más talento e influencia que trabajan en el sector de la fotografía en todo el mundo. Cada uno de ellos se caracteriza por un estilo propio y distintivo, de modo que juntos representan distintos géneros de la fotografía contemporánea. Por ejemplo, Phil Penmans, que ha ganado prestigiosos premios por su estilo distintivo, versatilidad y dedicación a su oficio, o Isabelle Bacher, la multipremiada fotógrafa austriaca de paisajes, arquitectura, productos y retratos con raíces noruegas.

Foto: Isabelle Bacher.

El futuro de la fotografía: IA y realidad virtual

A medida que nos adentramos en la era digital, se abren nuevos horizontes y retos para la fotografía. La integración de la inteligencia artificial en el software de edición de imágenes permite mejoras y optimizaciones automatizadas de las imágenes, mientras que la IA generativa puede crear sus propios mundos de imágenes, sin necesidad de utilizar una cámara, un objetivo o un fotógrafo. Por un lado, esto abre un amplio abanico de nuevas posibilidades creativas, pero también retos éticos con respecto a la autenticidad de las imágenes y vídeos creados artificialmente. Por otra parte, las tecnologías de realidad virtual abren posibilidades completamente nuevas para el diseño y la presentación de imágenes.

A través de la innovación continua y la exploración creativa, la fotografía sigue siendo una forma de arte muy dinámica que inspira nuestra imaginación y capta el mundo que nos rodea, y al mismo tiempo repasa más de 175 años de historia.

La perfección de la fotografía

Aunque la revolución digital ha catapultado a la fotografía a nuevas cotas, la impresión o copia fotográfica impresa o expuesta sigue siendo una parte esencial de la experiencia fotográfica. Los procesos especiales hacen que las imágenes sean físicamente tangibles y las anclan en nuestro mundo analógico. El proceso de impresión confiere a las fotografías una calidad háptica y estética que las pantallas digitales no pueden reproducir.

Desde la tradicional ampliación y revelado en el cuarto oscuro hasta las modernas impresoras de inyección de tinta y láser, la tecnología de impresión fotográfica ha evolucionado a lo largo de los años. Las impresoras de alta calidad y los papeles fotográficos especiales permiten a los fotógrafos reproducir su trabajo con una precisión de color y un detalle impresionantes: WhiteWall es un socio de primera calidad galardonado en varias ocasiones por la perfección de la fotografía y, al mismo tiempo, un innovador. Procesos modernos como el ultraHD o el WhiteWall Masterprint proporcionan a los fotógrafos opciones innovadoras para la presentación profesional de imágenes.

La impresión fotográfica también tiene un importante significado cultural, ya que las imágenes impresas o expuestas se presentan en exposiciones, galerías y museos o se guardan en archivos. Las fotografías que existen físicamente tienen una cualidad intemporal y pueden durar generaciones, lo que subraya su importancia como documentos históricos y formas de expresión artística.

En un mundo cada vez más dominado por las pantallas digitales, la fotografía analógica nos recuerda que la belleza y el poder de la fotografía existen fuera del ámbito digital. Nos brinda la oportunidad de experimentar, ver y compartir verdaderamente nuestras imágenes favoritas.

Conclusión

La fotografía no es sólo una forma de arte, sino también un poderoso medio de expresión cultural y registro histórico. Desde los pioneros del daguerrotipo hasta los visionarios digitales del siglo XXI, la fotografía ha experimentado una evolución impresionante. Al comprender la historia de la fotografía, no sólo podemos reflexionar sobre el pasado, sino también forjar el futuro. Así que preparen sus cámaras y exploremos juntos las infinitas posibilidades de la fotografía para ver el mundo con nuevos ojos.

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Explore el fascinante desarrollo de la fotografía desde el daguerrotipo de Daguerre hasta la revolución digital en nuestro completo resumen.

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Oskar Barnack. Trabajando para la empresa Leitz, que se dedicaba a desarrollar y fabricar dispositivos ópticos, este ingeniero se empeñó en crear una cámara que fuera pequeña y manejable, con la que se pudieran hacer varias tomas de una sola vez y fuera rápida.

https://photolari.com/la-historia-de-la-fotografia-contada-a-traves-de-diez-momentos-que-marcaron-su-curso/

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"Camaras fotograficas para todos" George Eastman (Laura)

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"Camaras fotograficas para todos" George Eastman (Laura)

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En 1888, George Eastman presentó una cámara mucho más fácil de usar.

De este modo, abrió la fotografía a un amplio público aficionado.

La patente de la primera cámara de rollo, la Kodak No. 1, el 4 de septiembre de 1888, fue así el hito de la democratización de la fotografía.

La Kodak nº 1 tenía un enfoque y una exposición fijos y se vendía con un rollo de papel para 100 fotografías (Eastman American Film), en un formato circular de 63 mm de diámetro.

s.citaliarestauro.com/george-eastman-1888-fotografia-para-todos/

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Cuando un ingeniero de Kodak llamado Steven Sasson creó la primera cámara fotográfica digital. O, mejor dicho, el primer prototipo de una cámara electrónica, primer paso hacia las futuras cámaras digitales.

https://photolari.com/la-historia-de-la-fotografia-contada-a-traves-de-diez-momentos-que-marcaron-su-curso/

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Roger Fenton , El primer fotografo de la guerra(Laura)

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Roger Fenton , El primer fotografo de la guerra(Laura)

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A mitad del siglo XIX, el mundo fue testigo de dos revoluciones monumentales: la invención de la fotografía y el estallido de la Guerra de Crimea. En este contexto de innovación y conflicto, Roger Fenton, un pionero británico, comprendió el poder de la nueva tecnología para capturar la realidad del campo de batalla.

https://www.muyinteresante.com/historia/64710.html

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A mitad del siglo XIX, el mundo fue testigo de dos revoluciones monumentales: la invención de la fotografía y el estallido de la Guerra de Crimea. En este contexto de innovación y conflicto, Roger Fenton, un pionero británico, comprendió el poder de la nueva tecnología para capturar la realidad del campo de batalla. Con una mezcla de audacia y determinación, en 1855, Fenton se embarcó en una misión sin precedentes. Con su equipo fotográfico cargado y el corazón lleno de propósito, zarpó hacia Crimea, dispuesto a documentar la guerra y a establecer un nuevo género: el fotoperiodismo de guerra.

Formación como fotógrafo

Roger Fenton nació en 1819 en Heywood, Lancashire, en el seno de una familia acomodada del Reino Unido. Su abuelo fue un próspero industrial algodonero y su padre, un destacado banquero y parlamentario. Educado entre privilegios, Fenton se orientó inicialmente hacia las artes y las leyes, estudiando en la University College de Londres, donde se graduó en 1840. Su carrera parecía encaminarse hacia la abogacía tras iniciar estudios de Derecho en 1841, pero su verdadera pasión estaba a punto de despertarse.

Esta transición ocurrió tras su visita a la Gran Exposición de 1851 en Londres, donde quedó fascinado por las imágenes fotográficas exhibidas. Profundamente impresionado por la capacidad de la fotografía para capturar y preservar momentos del mundo real, Fenton se embarcó en un viaje a París para aprender de los maestros fotógrafos de la época, incluido Gustave Le Gray. Esta experiencia marcó el inicio de su notable trayectoria como uno de los pioneros de la fotografía.

Rumbo a Crimea

Antes de partir hacia Crimea, Roger Fenton se enfrentó al considerable desafío de preparar un arsenal fotográfico apto para un teatro de guerra. Armado con cinco cámaras, cerca de 700 placas de vidrio, y los químicos necesarios, su equipamiento también incluía un carro oscuro adaptado, tirado por cuatro caballos, que servía como laboratorio móvil. Este innovador pero engorroso arreglo subrayaba la magnitud del desafío logístico y técnico que suponía la fotografía de campo en esa era.

El viaje de Fenton fue financiado y comisionado por el editor Thomas Agnew, con un objetivo claro: documentar la Guerra de Crimea de una manera que pudiera ser digerida por el público en casa. La influencia del gobierno británico fue palpable, pues se esperaba que las imágenes de Fenton sirvieran para mantener alta la moral de la población y apoyar la narrativa nacional sobre el conflicto, evitando mostrar los horrores y las verdades más brutales de la guerra. Este mandato definiría la naturaleza de su cobertura fotográfica, enfocándose más en la vida cotidiana del campamento y los preparativos militares que en la crudeza del combate.

Fotógrafo de guerra

En Crimea, Roger Fenton encontró un escenario bélico transformado en estudio fotográfico al aire libre. Sus días transcurrían entre el ajetreo de los campamentos militares y la meticulosa preparación de su cuarto oscuro móvil. A pesar de la vibrante vida de los campamentos, Fenton se enfrentaba diariamente a condiciones extremadamente adversas: desde la manipulación de productos químicos sensibles al calor y al polvo hasta el desafío de capturar imágenes estáticas debido a los largos tiempos de exposición requeridos por la técnica del colodión húmedo.

Una de las fotografías más emblemáticas de Fenton es "El Valle de la Sombra de la Muerte", capturada en un desolado paisaje salpicado de balas de cañón. Existen dos versiones de esta imagen: una con numerosas balas en el suelo y otra prácticamente limpia. La secuencia de las tomas ha sido objeto de debate, aunque la evidencia sugiere que la foto sin balas fue tomada primero. Esto ha llevado a especulaciones sobre si Fenton colocó las balas para intensificar el impacto visual y emocional de la imagen, un acto que, de ser cierto, anticiparía técnicas modernas de narrativa visual en el fotoperiodismo. Este análisis no solo refleja el compromiso de Fenton con la captura artística del ambiente, sino que también plantea preguntas sobre la objetividad y la manipulación en la fotografía de guerra.

Precedente del fotoperiodismo de guerra

La recepción inicial de las fotografías de Roger Fenton fue mixta. En su época, muchas de sus imágenes fueron vistas como demasiado estilizadas y alejadas de la cruda realidad de la guerra, lo que resultó en una respuesta tibia del público. Sin embargo, con el paso del tiempo, la perspectiva contemporánea ha reconocido el valor documental de su obra, considerándola fundamental para entender la Guerra de Crimea y la época victoriana.

Fenton no solo estableció un precedente técnico y estético en la fotografía de guerra, sino que también sentó las bases éticas y narrativas del género. Su enfoque, que evitaba la representación gráfica de la violencia, influiría en futuros fotógrafos de guerra, quienes continuarían debatiendo el equilibrio entre la representación cruda y la sensibilidad hacia su audiencia. Su legado se percibe en la manera en que la fotografía ha continuado evolucionando como una herramienta poderosa para contar historias de conflicto, manteniendo una tensión constante entre la objetividad y la necesidad de provocar empatía.

Roger Fenton emergió como un pionero en el terreno aún inexplorado de la fotografía de guerra, marcando un precedente en la honestidad visual. Su obra abrió caminos en el periodismo, demostrando cómo la cámara puede ser tanto un testigo como un narrador de la historia humana.

Referencias:

Gómez Gómez, A. J. 2008. La fotografía de guerra al servicio del poder: Roger Fenton. Laberinto visual 157-174.

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Roger Fenton, el primer fotógrafo de guerra

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Zarpó hacia la guerra de Crimea para documentarla y, de paso, inventar el género del fotoperiodismo de guerra a mediados del siglo XIX.

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Nadar fue un fotógrafo, pionero y figura clave en la historia de la fotografía del siglo XIX, conocido por sus retratos psicológicos, su técnica para capturar expresiones naturales y por ser el primer fotógrafo aéreo de la historia al documentar París desde un globo aerostático.

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Primeros pasos del cine: creación del cinematógrafo

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Primeros pasos del cine: creación del cinematógrafo

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Artículo principal: Cine mudo

La idea de capturar, crear y reproducir el movimiento por medios mecánicos es muy antigua, y existieron antecedentes tales como la cámara oscura, el taumatropo, la linterna mágica o el fusil fotográfico. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del daguerrotipo y la fotografía, a mediados del siglo XIX.

Thomas Alva Edison, inventor de la lámpara incandescente y el fonógrafo, estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el Quinetoscopio creado en su laboratorio por William Dickson, una máquina que solo permitía funciones limitadas.[

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Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey,[1]​ como el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881.[2]​ Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Alfred Stieglitz - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El cinematógrafo tiene un éxito tan grande que numerosas personas se interesaron por él. El museo Grévin y el Folies Bergères, dos de las salas que los había rechazado para la primera proyección, ofrecieron veinte mil francos uno y más de cincuenta mil el otro para comprarlo. George Méliès, uno de los primeros espectadores del 28 de diciembre de 1895 que se convertirá en el pionero de los efectos especiales en el cine, también se ofrece a pagar más de diez mil francos.

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Historia del cine - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La historia del cine comenzó en el año 1895, exactamente un 28 de diciembre en un salón del Boulevard des Capucines, París. Los hombres encargados de protagonizar este importante episodio de la industria cinematográfica fueron August y Louis Lumière

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

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La historia del cine es una que no ha dejado de ser escrita desde que inició hace más de 100 años, y en Brainstorming Films te contaremos todo. Seguro que los primeros en entrar a esta industria se imaginaron que evolucionaría, pero no tanto. En la actualidad, las películas son unos de los medios de entretenimiento más importantes.

¿Cómo comenzó todo? ¿Qué contribuyó a su evolución? ¡Veámoslo!

Comienzos de la historia del cine

La historia del cine comenzó en el año 1895, exactamente un 28 de diciembre en un salón del Boulevard des Capucines, París. Los hombres encargados de protagonizar este importante episodio de la industria cinematográfica fueron August y Louis Lumière.

Los hermanos presentaron el Cinématographe Lumière, un invento desde el que se transmitían imágenes en movimiento. En el evento del 28 de diciembre se presentó un cortometraje que tenía una duración de menos de un minuto y se titulaba "Salida de la fábrica Lumière ".

El cortometraje en blanco y negro, y sin sonido muestra la puerta de la fábrica de los hermanos Lumière. Allí se ve como hombres y mujeres salen del lugar al final de su jornada laboral. Aunque hoy en día es una grabación sencilla, en 1895 fue toda una innovación.

Si te interesa saber más acerca de la primera película de la historia, puedes conocer más sobre este hecho en el siguiente artículo.

Reacciones a las primeras imágenes en movimiento de la historia del cine

El evento en el que se presentó " Salida de la fábrica Lumière" fue promocionado mediante carteles por toda la ciudad. Sin embargo, solamente asistieron un poco más de 30 personas y, por raro que parezca, no hay un registro de eso, pues los Lumière estaban muy ocupados en la presentación.

A pesar de la poca asistencia, lo que se vivió en aquel salón no tardó en saberse en todo París. La popularidad de los hermanos August y Louis aumentó, pues ya eran conocidos (incluso fuera de su país) por sus inventos que contribuyeron a las fotografías estáticas.

Desde ese momento, los Lumière harían historia en la industria del cine, muestra de eso es que son considerados los padres del cinematógrafo.

¿Existía algo similar al cine antes de 1895?

El cine no surgió de forma repentina, para llegar al cinematógrafo fue necesario que se crearan otros elementos que llevaran hasta las imágenes en movimiento. Uno de los más destacados fue la Linterna Mágica, su principal objetivo era entretener a los niños. En ella se rotaban imágenes con la rapidez necesaria para simular movimiento.

El origen de la Linterna Mágica data del siglo XVI y en el siglo XVIII se dio a conocer un aparato llamado Fantasmagories. Con él se proyectaban imágenes que se pintaban en placas de cristal. En los años que siguieron surgieron otros inventos hasta que en 1874 se inventó la fotografía.

No pasó mucho tiempo para que las personas comenzaran a buscar las maneras de hacer que las imágenes se movieran. Eadweard Muybridge consiguió reproducir un caballo galopando mediante fotos.

Además, te dejamos este artículo acerca del inicio del cine donde puedes conocer más ampliamente acerca del inicio del cine.

La influencia de Georges Méliès

Uno de los precursores en la industria cinematográfica es Georges Méliès, él es llamado "El mago del cine". Él invirtió en la tecnología de los Lumière, su objetivo era lograr que las películas fueran más realistas y naturales.

Se puede decir que Méliès dio los primeros pasos en los efectos especiales en el cine, usó maquillaje, escenografías y saltos en la edición. Muchas veces, el mago del cine se inspiró en libros de Julio Verne, esto se puede ver en filmes como "Viaje a la luna" de 1902 y "El viaje imposible" de 1904.

Para muchos esta ha sido la primera "película" cinematográfica ya que hubo una gran producción detrás para el época en la que se realizó.

Otras personas que contribuyeron en la historia del cine fueron:

León Gaumont y Alice Guy Blaché: Alice asistió a una de las presentaciones de los Lumière y convenció a su jefe (vendedor de aparatos fotográficos) de incursionar en la industria cinematográfica. El jefe lo hizo y era Guy quien se encargaba de filmar.

Charles Pathé: decidió combinar el cinematógrafo y el fonógrafo con el objetivo de captar video y audio, pero su intento no fue exitoso. Aún así siguió en la industria del cine y creó la empresa Pathé Frères.

Del cine mudo al sonoro

La "Salida de la fábrica Lumière" comenzó con la historia del cine y con lo que hoy se clasifica como . Aunque se estrenó en 1895, la era dorada de las películas sin sonidos ni diálogos inició en la década de 1910 y concluyó en los años 30.

Una de las personas que tuvo más influencia en esta época cinematográfica fue Mack Sennett, él se especializó en la comedia física. Algunas películas destacadas del cine mudo fueron: "Sunrise" de 1927, "City Lights" de 1931 y "Amanecer", esta última ganó un premio Oscar. Por otro lado, los actores y actrices que destacaron fueron:

Cuando el cine mudo finalizó ya había iniciado el , la primera película en la que hubo efectos de sonido fue "Don Juan" de 1926. El filme "The Jazz Singer" de 1927 es considerado el primero con sonido, pues, además de efectos y música, los personajes tenían diálogos.

Datos sobre el cine mudo y el sonoro

Algo que muchos no saben es que lo que no tenía sonido era la proyección, pero en la sala sí lo había. En muchas proyecciones se transmitía música en vivo que estaba de acuerdo con el filme que estaba en pantalla. Esto sucedió en los primeros 30 años de la historia del cine, pues fueron creados aparatos que captaban los sonidos.

En las primeras películas sonoras, el sonido no tenía mucha calidad ya que los espectadores podían oír el ruido de fondo, este interfería en el disfrute del film. Al pasar los años se crearon nuevas tecnologías, con ellas podemos disfrutar de efectos de sonido increíbles.

Las películas en la actualidad usan tecnologías como Dolby Stereo y Dolby Atmos, gracias a ellas disfrutamos de una calidad elevada en el sonido.

El comienzo de las películas a color en el cine

El cine en color surgió de a poco, lo primero que se hacía era colorear cada fotograma, esto era costoso y poco eficaz. Fue en 1915 cuando se creó Technicolor, una tecnología que empleaba los colores primarios para añadir todos los colores a las películas.

Con Technicolor se realizó la película "La feria de la vanidad" de 1935, esta fue dirigida por Rouben Mamoulian. Esta es considerada la primera película en la que se apreciaban los colores. Desde su estreno, el Technicolor comenzó a ser una herramienta frecuente en las películas.

A comienzos de los años 50, la compañía Eastman Kodak llegó a la industria cinematográfica. Esta fue una solución más sencilla y eficiente con la que se lograba que las películas tuvieran imágenes a color. Las empresas encargadas de producir los filmes no tardaron en reemplazar Technicolor con Eastman Kodak.

Nacimiento de la industria del cine

El centro de la industria cinematográfica es Hollywood, ¿por qué es conocido este barrio como la Meca del Cine? Varios factores contribuyeron a esto, el primero es su clima. Allí predominan los días soleados y los directores de décadas pasadas aprovecharon eso para poder dedicar varias horas a la grabación de sus películas.

El segundo factor fueron las patentes y Thomas Alva Edison, a finales del siglo XIX él inventó un aparato en el que se veían imágenes en movimiento. Este se denominó "Kinetoscopio" y Edison lo patentó. Cuando se comenzaron a hacer presentaciones con el Cinematógrafo Lumière, las patentes entraron al mundo del cine.

Edison exigía que todo rodaje dentro de Estados Unidos debía tener un certificado emitido por su oficina. Obviamente, para esto era necesario pagar una gran cantidad de dinero. Además de esto, Thomas Alba Edison contrató detectives para descubrir los rodajes cinematográficos que no contaran con el certificado.

Hollywood y la industria cinematográfica

Como las investigaciones de los detectives de Edison se centraban más en Boston, New Jersey y New York, los productos hacían los rodajes en Hollywood. Este barrio tenía dos ventajas: estaba lejos de Edison y cerca de México, este país sería el refugio de los productores en caso de que Edison los descubriera.

Cuando la industria del cine comenzó a crecer, la popularidad de Hollywood aumentó considerablemente. Lo anterior perdura hasta la actualidad, pues el barrio es conocido como la Meca del Cine.

Los géneros en el cine

Los primeros dos géneros cinematográficos que existieron fueron la comedia y la tragedia, ambos eran mezclados con otros que conocemos hoy. Sin embargo, con el tiempo surgió la necesidad de crear géneros individuales que captaran la atención de los espectadores.

La importancia de los géneros del cine aumentó después de la Segunda Guerra Mundial. Los que se han creado y de los que seguimos disfrutando en la actualidad son los siguientes:

La creación del lenguaje cinematográfico en el cine

El cine es como lo conocemos en la actualidad gracias a la implementación de los elementos que los directores pueden usar. Entre ellos se encuentra: espacio, ritmo, sonido, tono, color, movimiento, montaje, color e iluminación. Estos factores forman el lenguaje cinematográfico.

Los principales pioneros de este lenguaje fueron David W. Griffith y Sergei Eisenstein. Gracias a ellos y sus trabajos se acabó la tendencia de grabar cada película como si se tratara de una obra de teatro.

En el cine se han añadido efectos especiales, animaciones y otras técnicas que han llevado a que esta industria experimente una verdadera evolución. Gracias a los trabajos de los pioneros podemos disfrutar de películas con la calidad que las caracteriza en la actualidad.

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Historia del cine: cuándo se originó y cómo ha evolucionado - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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La historia del cine es una que no ha dejado de ser escrita desde que inició hace más de 100 años, y en Brainstorming Films te contaremos todo. Seguro que los primeros en entrar a esta industria se imaginaron que evolucionaría, pero no tanto.

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La creación de la instantánea (Florencia)

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La creación de la instantánea (Florencia)

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En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa.

Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264

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Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis Lumière había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Para saber más

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

lumieres-cinematografo

Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895. El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla. Foto: Sspl / Getty images

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

lumieres-teatro

Tras el éxito de su primera proyección en Lyon, los hermanos Lumière abrieron un teatro para exhibir sus películas en París, en 1897. De la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París. Foto: Rue des archives / Album

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

Para saber más

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

# data[].attributes.attachment_link.description
Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las películas de cine y el autocromo en color.

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Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264

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Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis Lumière había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Para saber más

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

lumieres-cinematografo

Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895. El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla. Foto: Sspl / Getty images

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

lumieres-teatro

Tras el éxito de su primera proyección en Lyon, los hermanos Lumière abrieron un teatro para exhibir sus películas en París, en 1897. De la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París. Foto: Rue des archives / Album

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

Para saber más

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

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Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las películas de cine y el autocromo en color.

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Los hermanos presentaron el Cinématographe Lumière, un invento desde el que se transmitían imágenes en movimiento. En el evento del 28 de diciembre se presentó un cortometraje que tenía una duración de menos de un minuto y se titulaba “Salida de la fábrica Lumière”.

https://brainstormingfilms.es/blog/historia-del-cine/

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Uno de los precursores en la industria cinematográfica es Georges Méliès, él es llamado “El mago del cine”. Él invirtió en la tecnología de los Lumière, su objetivo era lograr que las películas fueran más realistas y naturales.

Se puede decir que Méliès dio los primeros pasos en los efectos especiales en el cine, usó maquillaje, escenografías y saltos en la edición. Muchas veces, el mago del cine se inspiró en libros de Julio Verne, esto se puede ver en filmes como “Viaje a la luna” de 1902 y “El viaje imposible” de 1904.

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

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La historia del cine es una que no ha dejado de ser escrita desde que inició hace más de 100 años, y en Brainstorming Films te contaremos todo. Seguro que los primeros en entrar a esta industria se imaginaron que evolucionaría, pero no tanto. En la actualidad, las películas son unos de los medios de entretenimiento más importantes.

¿Cómo comenzó todo? ¿Qué contribuyó a su evolución? ¡Veámoslo!

Comienzos de la historia del cine

La historia del cine comenzó en el año 1895, exactamente un 28 de diciembre en un salón del Boulevard des Capucines, París. Los hombres encargados de protagonizar este importante episodio de la industria cinematográfica fueron August y Louis Lumière.

Los hermanos presentaron el Cinématographe Lumière, un invento desde el que se transmitían imágenes en movimiento. En el evento del 28 de diciembre se presentó un cortometraje que tenía una duración de menos de un minuto y se titulaba "Salida de la fábrica Lumière ".

El cortometraje en blanco y negro, y sin sonido muestra la puerta de la fábrica de los hermanos Lumière. Allí se ve como hombres y mujeres salen del lugar al final de su jornada laboral. Aunque hoy en día es una grabación sencilla, en 1895 fue toda una innovación.

Si te interesa saber más acerca de la primera película de la historia, puedes conocer más sobre este hecho en el siguiente artículo.

Reacciones a las primeras imágenes en movimiento de la historia del cine

El evento en el que se presentó " Salida de la fábrica Lumière" fue promocionado mediante carteles por toda la ciudad. Sin embargo, solamente asistieron un poco más de 30 personas y, por raro que parezca, no hay un registro de eso, pues los Lumière estaban muy ocupados en la presentación.

A pesar de la poca asistencia, lo que se vivió en aquel salón no tardó en saberse en todo París. La popularidad de los hermanos August y Louis aumentó, pues ya eran conocidos (incluso fuera de su país) por sus inventos que contribuyeron a las fotografías estáticas.

Desde ese momento, los Lumière harían historia en la industria del cine, muestra de eso es que son considerados los padres del cinematógrafo.

¿Existía algo similar al cine antes de 1895?

El cine no surgió de forma repentina, para llegar al cinematógrafo fue necesario que se crearan otros elementos que llevaran hasta las imágenes en movimiento. Uno de los más destacados fue la Linterna Mágica, su principal objetivo era entretener a los niños. En ella se rotaban imágenes con la rapidez necesaria para simular movimiento.

El origen de la Linterna Mágica data del siglo XVI y en el siglo XVIII se dio a conocer un aparato llamado Fantasmagories. Con él se proyectaban imágenes que se pintaban en placas de cristal. En los años que siguieron surgieron otros inventos hasta que en 1874 se inventó la fotografía.

No pasó mucho tiempo para que las personas comenzaran a buscar las maneras de hacer que las imágenes se movieran. Eadweard Muybridge consiguió reproducir un caballo galopando mediante fotos.

Además, te dejamos este artículo acerca del inicio del cine donde puedes conocer más ampliamente acerca del inicio del cine.

La influencia de Georges Méliès

Uno de los precursores en la industria cinematográfica es Georges Méliès, él es llamado "El mago del cine". Él invirtió en la tecnología de los Lumière, su objetivo era lograr que las películas fueran más realistas y naturales.

Se puede decir que Méliès dio los primeros pasos en los efectos especiales en el cine, usó maquillaje, escenografías y saltos en la edición. Muchas veces, el mago del cine se inspiró en libros de Julio Verne, esto se puede ver en filmes como "Viaje a la luna" de 1902 y "El viaje imposible" de 1904.

Para muchos esta ha sido la primera "película" cinematográfica ya que hubo una gran producción detrás para el época en la que se realizó.

Otras personas que contribuyeron en la historia del cine fueron:

León Gaumont y Alice Guy Blaché: Alice asistió a una de las presentaciones de los Lumière y convenció a su jefe (vendedor de aparatos fotográficos) de incursionar en la industria cinematográfica. El jefe lo hizo y era Guy quien se encargaba de filmar.

Charles Pathé: decidió combinar el cinematógrafo y el fonógrafo con el objetivo de captar video y audio, pero su intento no fue exitoso. Aún así siguió en la industria del cine y creó la empresa Pathé Frères.

Del cine mudo al sonoro

La "Salida de la fábrica Lumière" comenzó con la historia del cine y con lo que hoy se clasifica como . Aunque se estrenó en 1895, la era dorada de las películas sin sonidos ni diálogos inició en la década de 1910 y concluyó en los años 30.

Una de las personas que tuvo más influencia en esta época cinematográfica fue Mack Sennett, él se especializó en la comedia física. Algunas películas destacadas del cine mudo fueron: "Sunrise" de 1927, "City Lights" de 1931 y "Amanecer", esta última ganó un premio Oscar. Por otro lado, los actores y actrices que destacaron fueron:

Cuando el cine mudo finalizó ya había iniciado el , la primera película en la que hubo efectos de sonido fue "Don Juan" de 1926. El filme "The Jazz Singer" de 1927 es considerado el primero con sonido, pues, además de efectos y música, los personajes tenían diálogos.

Datos sobre el cine mudo y el sonoro

Algo que muchos no saben es que lo que no tenía sonido era la proyección, pero en la sala sí lo había. En muchas proyecciones se transmitía música en vivo que estaba de acuerdo con el filme que estaba en pantalla. Esto sucedió en los primeros 30 años de la historia del cine, pues fueron creados aparatos que captaban los sonidos.

En las primeras películas sonoras, el sonido no tenía mucha calidad ya que los espectadores podían oír el ruido de fondo, este interfería en el disfrute del film. Al pasar los años se crearon nuevas tecnologías, con ellas podemos disfrutar de efectos de sonido increíbles.

Las películas en la actualidad usan tecnologías como Dolby Stereo y Dolby Atmos, gracias a ellas disfrutamos de una calidad elevada en el sonido.

El comienzo de las películas a color en el cine

El cine en color surgió de a poco, lo primero que se hacía era colorear cada fotograma, esto era costoso y poco eficaz. Fue en 1915 cuando se creó Technicolor, una tecnología que empleaba los colores primarios para añadir todos los colores a las películas.

Con Technicolor se realizó la película "La feria de la vanidad" de 1935, esta fue dirigida por Rouben Mamoulian. Esta es considerada la primera película en la que se apreciaban los colores. Desde su estreno, el Technicolor comenzó a ser una herramienta frecuente en las películas.

A comienzos de los años 50, la compañía Eastman Kodak llegó a la industria cinematográfica. Esta fue una solución más sencilla y eficiente con la que se lograba que las películas tuvieran imágenes a color. Las empresas encargadas de producir los filmes no tardaron en reemplazar Technicolor con Eastman Kodak.

Nacimiento de la industria del cine

El centro de la industria cinematográfica es Hollywood, ¿por qué es conocido este barrio como la Meca del Cine? Varios factores contribuyeron a esto, el primero es su clima. Allí predominan los días soleados y los directores de décadas pasadas aprovecharon eso para poder dedicar varias horas a la grabación de sus películas.

El segundo factor fueron las patentes y Thomas Alva Edison, a finales del siglo XIX él inventó un aparato en el que se veían imágenes en movimiento. Este se denominó "Kinetoscopio" y Edison lo patentó. Cuando se comenzaron a hacer presentaciones con el Cinematógrafo Lumière, las patentes entraron al mundo del cine.

Edison exigía que todo rodaje dentro de Estados Unidos debía tener un certificado emitido por su oficina. Obviamente, para esto era necesario pagar una gran cantidad de dinero. Además de esto, Thomas Alba Edison contrató detectives para descubrir los rodajes cinematográficos que no contaran con el certificado.

Hollywood y la industria cinematográfica

Como las investigaciones de los detectives de Edison se centraban más en Boston, New Jersey y New York, los productos hacían los rodajes en Hollywood. Este barrio tenía dos ventajas: estaba lejos de Edison y cerca de México, este país sería el refugio de los productores en caso de que Edison los descubriera.

Cuando la industria del cine comenzó a crecer, la popularidad de Hollywood aumentó considerablemente. Lo anterior perdura hasta la actualidad, pues el barrio es conocido como la Meca del Cine.

Los géneros en el cine

Los primeros dos géneros cinematográficos que existieron fueron la comedia y la tragedia, ambos eran mezclados con otros que conocemos hoy. Sin embargo, con el tiempo surgió la necesidad de crear géneros individuales que captaran la atención de los espectadores.

La importancia de los géneros del cine aumentó después de la Segunda Guerra Mundial. Los que se han creado y de los que seguimos disfrutando en la actualidad son los siguientes:

La creación del lenguaje cinematográfico en el cine

El cine es como lo conocemos en la actualidad gracias a la implementación de los elementos que los directores pueden usar. Entre ellos se encuentra: espacio, ritmo, sonido, tono, color, movimiento, montaje, color e iluminación. Estos factores forman el lenguaje cinematográfico.

Los principales pioneros de este lenguaje fueron David W. Griffith y Sergei Eisenstein. Gracias a ellos y sus trabajos se acabó la tendencia de grabar cada película como si se tratara de una obra de teatro.

En el cine se han añadido efectos especiales, animaciones y otras técnicas que han llevado a que esta industria experimente una verdadera evolución. Gracias a los trabajos de los pioneros podemos disfrutar de películas con la calidad que las caracteriza en la actualidad.

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Historia del cine: cuándo se originó y cómo ha evolucionado - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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La historia del cine es una que no ha dejado de ser escrita desde que inició hace más de 100 años, y en Brainstorming Films te contaremos todo. Seguro que los primeros en entrar a esta industria se imaginaron que evolucionaría, pero no tanto.

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Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264

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Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis Lumière había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Para saber más

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

lumieres-cinematografo

Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895. El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla. Foto: Sspl / Getty images

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

lumieres-teatro

Tras el éxito de su primera proyección en Lyon, los hermanos Lumière abrieron un teatro para exhibir sus películas en París, en 1897. De la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París. Foto: Rue des archives / Album

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

Para saber más

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

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Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las películas de cine y el autocromo en color.

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No pasó mucho tiempo para que las personas comenzaran a buscar las maneras de hacer que las imágenes se movieran. Eadweard Muybridge consiguió reproducir un caballo galopando mediante fotos.

https://brainstormingfilms.es/blog/historia-del-cine/

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Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas –como las que coleccionaba Claude Monet– hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla.

De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264

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Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis Lumière había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Para saber más

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

lumieres-cinematografo

Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895. El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla. Foto: Sspl / Getty images

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

lumieres-teatro

Tras el éxito de su primera proyección en Lyon, los hermanos Lumière abrieron un teatro para exhibir sus películas en París, en 1897. De la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París. Foto: Rue des archives / Album

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

Para saber más

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

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Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las películas de cine y el autocromo en color.

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En este artículo os presento lo que fue la historia y las características más comunes de las cámaras de cajón. El artículo está principalmente enfocado desde las cámaras alemanas y en parte las americanas pues mayormente se trata aquí de un análisis de los modelos que poseo en mi colección. Aún así en general lo descrito es aplicable a la mayoría de las cámaras de cajón igualmente producidas en otros países.

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La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/hermanos-lumiere-y-nacimiento-cine_12264

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Los Lumière fueron una familia de apellido premonitorio. La luz en todas sus formas estuvo detrás de sus inventos. Sin embargo, su historia arrancó en una Francia ensombrecida por la invasión prusiana de 1870. A la humillación de la derrota se sumó además la sangrienta revolución de la Comuna de París. Para huir de estos peligros, el matrimonio formado por Antoine Lumière y Jeanne-Joséphine Costille decidió cambiar de hogar. La pareja abandonó la fronteriza Besançon y se asentó en la ciudad interior de Lyon. Aquí empezaría una dinastía de burgueses emprendedores, el arquetipo social de una élite, cuya alegría de vivir culminará en la Belle Époque.

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis Lumière había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos

El padre, Antoine, era un retratista con gran visión de negocio. Tras asentarse en Lyon, abrió un estudio fotográfico en el centro de la ciudad, donde ganó clientela entre todo tipo de público. Atrajo a la burguesía acomodada de la plaza Bellecour exponiendo sus retratos en el escaparate. Y a los vecinos más populares del barrio de Guillotière les sedujo mediante la oferta de fotografías de pequeño tamaño, como de carnet, que vendía por un franco la docena. En medio del escaparate lucía un autorretrato en el que se apoyaba en su cámara y equipo fotográfico.

Sus hijos Auguste y Louis aprendieron a leer con los títulos señeros de la literatura infantil y los Viajes extraordinarios de Julio Verne. En 1877 se matricularon en la escuela técnica de La Martinière, donde, mediante una férrea disciplina, se educaban los futuros empresarios de la industria. Mientras Auguste mostraba interés por la medicina y la biología, Louis compaginaba su aprendizaje de física y química con su afición al piano, recibiendo clases en el conservatorio. Esta formación les dotó de un espíritu ilustrado y de una lógica científica.

Para saber más

Captar un instante

En 1881, con apenas dieciséis años, Louis había hecho algunas pruebas para detener el movimiento en las fotos: el humo de una lumbre de rastrojos en el jardín, su hermano lanzando un cubo de agua, saltando sobre una silla o arrojando un palo al perro de la casa. Acababa de inventar la instantánea que, como habían hecho los pintores impresionistas una década antes, captaba el instante y su luz fugaz. Este hallazgo fue divulgado en el Boletín de la Sociedad Francesa de Fotografía y suscitó gran admiración entre los colegas de medio mundo.

lumieres-cinematografo

Cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière, 1895. El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla. Foto: Sspl / Getty images

Poco después, el patriarca de la familia compró un terreno en el barrio de Monplaisir, situado en las afueras, lo que permitía la manipulación de productos químicos. En apenas una década, los Lumière construyeron la mayor fábrica de fotografía de Europa y crearon una marca de placas fotográficas con su nombre, que recibió el nombre de "Etiqueta Azul" por el color de la caja. La venta masiva de sus productos les hizo rápidamente ricos y permitió a los hermanos dedicarse a la investigación. En 1883, a la par que se expandían sus negocios, los Lumière convocaron un concurso público a fin de contratar investigadores para sus laboratorios; aunque se presentaron universitarios laureados, los Lumière prefirieron emplear a técnicos instruidos en el liceo de La Martinière.

La creación de la sociedad Antoine Lumière e Hijos acarreó cambios sustanciales en sus vidas. Desde el viejo estudio a orillas del Ródano se mudaron a una villa modernista que bautizaron como Château Lumière. Gracias a su patrimonio, la familia fue haciéndose un hueco en la alta sociedad local. Pero no todos los Lumière reaccionaron igual a su recién adquirida riqueza: mientras que el padre padeció el "mal de piedra", esto es, se hizo construir varias casas, los hijos, en cambio, heredaron los valores de la filantropía y la fe en el progreso.

Con la proliferación de los artilugios ópticos, los espectáculos audiovisuales se pusieron de moda y se registraron patentes de investigadores como Louis Leprince y Thomas Edison, lo que aceleró la carrera hacia el cine. Y de nuevo Louis Lumière dio con la solución: el "cinematógrafo". El aparato consistía en una caja de madera con un objetivo y una película perforada de 35 milímetros. Ésta se hacía rodar mediante una manivela para tomar las fotografías instantáneas que componían la secuencia (que no duraba más de un minuto) y proyectar luego la filmación sobre una pantalla.

Desde principios de 1894, los hermanos Lumière empezaron a ensayar rodajes con su nueva cámara, que, plantada delante de la entrada principal de su propia fábrica, trataba de retratar a golpe de manivela el fin de la jornada laboral. De manera que de la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París.

En busca del cien en color

Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por todo el mundo.

Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.

lumieres-teatro

Tras el éxito de su primera proyección en Lyon, los hermanos Lumière abrieron un teatro para exhibir sus películas en París, en 1897. De la película Salida de la fábrica Lumière realizaron tres versiones antes de proyectarla en la primera sesión pública, que se celebró el 28 de diciembre de 1895 en el conocido Salón Indio del Gran Café de París. Foto: Rue des archives / Album

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los japoneses en sus estampas -como las que coleccionaba Claude Monet- hasta las placas de vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura, la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba que compartiesen una mirada en colores.

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907, maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la posteridad. La Gran Guerra devolvería la realidad al blanco y negro.

Para saber más

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Los hermanos Lumière y el nacimiento del cine

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Louis y Auguste Lumière revolucionaron la industria y el arte de la imagen con sus inventos sucesivos de la foto instantánea, las películas de cine y el autocromo en color.

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Se puede decir que Méliès dio los primeros pasos en los efectos especiales en el cine, usó maquillaje, escenografías y saltos en la edición. Muchas veces, el mago del cine se inspiró en libros de Julio Verne, esto se puede ver en filmes como “Viaje a la luna” de 1902 y “El viaje imposible” de 1904

https://brainstormingfilms.es/blog/historia-del-cine/

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Uno de los avances más significativos fue el desarrollo del color. Los esfuerzos por intentar obtener el color en el cine se dieron desde el principio, pintando fotograma a fotograma, como podemos ver en este ejemplo de un fotograma real coloreado

Es decir, los cineastas NO querían ver las imágenes en blanco y negro, pero técnicamente era inviable por el momento, con lo que recurrían a este tipo de ingenios. Pensar que pintar a mano los 129.000 fotogramas que conforma una película de una hora y media es una tarea titánica y lenta de procesar.

https://www.trastomania.com/2017/02/historia-del-cine-vision-tecnologica-iii/

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¿Demasiado Texto?. Aquí tienes la versión en vídeo:
EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD
Paralelamente a estos avances, la industria cinematográfica cada vez era más grande. Edison, que vió la oportunidad, se hizo con los derechos de explotación del cinematógrafo en Estados Unidos. O más bien lo intentó, pues tras juicios y tiros de por medio (¡en serio!), los productores independientes, que no querían pagar el CANON impuesto por Edison, decidieron irse hacia Los Ángeles, para evitar a Edison y sus leoninas condiciones.

Recalaron en un pequeño pueblecito llamado Hollywood y allí pudieron desarrollar la industria evitando pagar a Edison los Royalties que exigía.

Además, allí tenían mejor tiempo y más horas de sol, lo que fue claramente determinante para que germinase una industria que prácticamente abarca el mundo entero.

Resulta irónico que los grandes estudios que se fueron allí para evitar pagar a Edison los derechos de autor, sean ahora los que actualmente tratan que la gente pague sus derechos de autor ...la historia se repite nuevamente 😉
LLEGA EL COLOR
Uno de los avances más significativos fue el desarrollo del color. Los esfuerzos por intentar obtener el color en el cine se dieron desde el principio, pintando fotograma a fotograma, como podemos ver en este ejemplo de un fotograma real coloreado:

Es decir, los cineastas NO querían ver las imágenes en blanco y negro, pero técnicamente era inviable por el momento, con lo que recurrían a este tipo de ingenios. Pensar que pintar a mano los 129.000 fotogramas que conforma una película de una hora y media es una tarea titánica y lenta de procesar.

Más adelante este sistema se mecanizó y se usaban plantillas y entintadoras para dar énfasis a determinadas escenas. Este sistema duró hasta 1930.

Pero fue en 1906 cuando nació el primer sistema de color (en dos colores inicialmente) por parte de Georgers Albert Smith, llamado Kinemacolor. Lo que se hacía era exponer la película sucesivamente sobre filtros de colores, a una velocidad superior a la normal, para que luego en un proceso de revelado, se reprodujese a la misma velocidad, de tal forma que ambos fotogramas iguales pero con colores diferentes, se superponían y generaban una única imagen en color. Lo vemos aquí:

Como se puede observar, el sistema está lejos de ser perfecto, pero es un primer paso hacia un sistema de color verdadero.

Durante unos años salieron numerosos sistemas similares entre sí, todos ellos basados en la adición de color, y posteriormente salieron otros sistemas basados en la sustración de color.

Pero en el año 1928 se produce la gran revolución, de parte de Technicolor:

El proceso se realiza sobre UN solo negativo, aquí de forma ilustrativa usando tres:

Este sistema además generaba unos colores llenos de color, vibrantes, nunca visto antes.

También cambia el material donde se realiza el positivo o copia de visionado, pasando del celuloide, que era altamente inflamable y origen de muchos incendios en cines, a otro más resistente, el acetato.

La industria del cine daba pasos de gigantes, pero un enemigo mortal llegó para complicar las cosas:

La llegada de la Televisión removió la industria. ¿Para qué iba a ir la gente al cine cuando en su casa podía ver las películas?. Aún estando en desventaja técnica, era un enemigo realmente complicado de batir...así que tuvieron que innovar, nuevamente.
LA [R]EVOLUCIÓN TÉCNICA
Bien, para situarnos técnicamente, analicemos un trozo de celuloide:

Como podéis ver, el ancho total del "film" son 35MM, de ahí que al cine siempre se le asocie como "35mm", por ese ancho. Existen otros formatos, que veremos luego, pero en el 99% de los casos, la típica película analogica es así.

Como se puede apreciar, cada fotograma tiene un tamaño de 22mm de ancho por 16mm de alto, con una relación de aspecto de 1.37, que es un poquito más ancho que el formato 4:3 de la televisión antigua, que tiene una relación de aspecto de 1.33.

Estos números de relación de aspecto surgen de dividir el ancho por el alto, ni más ni menos.

En un lateral tenemos la banda de sonido, que generalmente es óptica y en aquellos años, con sonido MONO (solo un canal de sonido).

Así, la comparación con la TV de aquél entonces, era demasiado igual:

Obviamente, no en tamaño, pero en comodidad era imbatible.

Durante una década el público fue bajando, hasta llegar a niveles preocupantes. Había que tratar de convencer de nuevo al público, ofrecer algo diferente, ¿pero que?. Pues aquí estuvo el contraataque de la industria, en 1952:

Cinerama, la gran apuesta por la espectacularidad. ¿Alguien sabría decir cómo cree que funciona?.

Bueno, si os fijais en la imagen, se puede apreciar claramente que hay como tres secciones empalmadas. Eso da una pista de por dónde van los tiros...

Efectivamente, este formato ultra panorámico se lograba gracias a un sistema de TRES cámaras sincronizadas en una posición que cubrían 120º en horizontal y una relación de aspecto o aspect ratio de 2:59:1, lo que es muy ancho. Aquí tenemos un detalle de las ópticas:

Y este es el sistema de cámaras unidas:

Como podéis ver, el sistema era todo un armatoste, pero la espectacularidad que ofrecían no la podía ofrecer la Televisión de aquellos tiempos. Ni siquiera hoy día.

Si a la hora de capturar la imagen ya era complicado, la proyección de las imágenes también era un reto, pues se usaban TRES proyectores sincronizados que proyectaban cada uno de ellos la parte que le correspondía, sobre una pantalla que además era exageradamente curvada, pues de lo contrario no era posible obtener una imagen correcta debido a la distorsión de imagen que capturaba el formato. Aquí se puede ver una maqueta de cómo era la proyección:

Pero no solo el avance técnico vino de la parte de imagen. También el sonido. Del sonido mono se pasó al sonido Stereo (dos canales izquierdo y derecho). La primera película en exhibirse en Stereo fue "Fantasía", en 1940, de Walt Disney.

En el caso específico de Cinerama, ya por la época se disponía de sonido "Surround", como este gráfico demuestra:

Tan solo dos películas con narrativa y guión se hicieron en este formato: "La conquista del Oeste" y "El maravilloso mundo de los Hermanos Grimm":

El resto de producciones eran más documentales que otra cosa. Y aún así se ganó muchísimo dinero gracias a la espectacular puesta en escena del formato, único en el mundo.

Sin embargo, tanto la forma de capturar las imágenes como de proyectarlas y los innumerables problemas técnicos, hicieron de Cinerama un sistema muy costoso. Pero era el camino a seguir para tratar de diferenciarse de la TV.

El reto de conseguir tan ansiado formato exageradamente panorámico llegó por fín tras la invención de la lente "anamórfica". Lo que hace este tipo de lente es estirar la imagen verticalmente, para que en el proceso inverso, se logre una imagen el doble de ancha que ocupe todo el negativo de exposición.

Aquí vemos una de las primeras lentes diseñadas para deformar la imagen:

Y aquí la vemos de frente, donde se puede apreciar como la lente no es redonda:

Y por último, vemos un fotograma original, tal y como se vería físicamente, y su resultado una vez des-anamorfizada la imagen en proyección:

Este sistema tiene un nombre que ciertamente es muy conocido y que ha trascendido a la historia del cine, ¿alguno sabe como se llama?.

Efectivamente, CINEMASCOPE. En 1953 se proyectó la primera película rodada en este nuevo formato super panorámico, llamada " The Robe ".

Este nuevo formato era mucho más sencillo y más económico, y obtuvo el espaldarazo definitivo para que la gente volviese al cine de nuevo, pues era un formato que la TV por aquél entonces no podía competir, al ser más cuadrada.

Muchos cines acometieron reformas para adoptar el nuevo formato y pantalla, y los nuevos que se construían ya lo hacían con el formato Scope en mente.

Nos falta un último formato, pues tenemos el original 1.33 o 4:3 y el nuevo formato Scope o 2:35.

Aquí es donde hace aparición otro nombre muy conocido por cinéfilos y gente de más edad, llamado:

Vistavision, que innovó girando el negativo 90º para abarcar más espacio y obtener más calidad (en la práctica finalmente no mejoró tanto), pero que introdujo un nuevo aspect ratio a caballo entre el cuadrado 4:3 y el alargado Scope, el formato 1:85:1 o "panorámico". También permitía el formato Scope, pero la preferencia general era usar el formato panorámico porque se obtenía la mejor calidad de imagen.

Como analogía, en las televisiones actuales es el formato 16:9, de ahí su compatibilidad entre uno y otro formato.

A rebufo de "Cinemascope" salieron un montón de formatos idénticos, buscando diferenciarse. Al final, el genuino Cinemascope fue el que se llevó el gato al agua. Aquí vemos algunos de esos nombres, a veces un tanto estrafalarios:

Ahora vamos a hablar sobre los 70...

Los 70mm, claro 😉

Que esto no es Cuéntame, pero casi...

El formato de 70 milímetros fue desarrollado casi a la par que el formato de 35mm, en 1929. Pese a su mayor calidad técnica, la mayor parte de los estudios decidieron migrarse a los 35mm, y dado que le dieron la espalda masivamente, desapareció del mapa. O más bien quedó "dormido" durante 25 años.

Aquí en realidad tenemos que hablar de dos formatos grandes, el 65mm y el 70mm. Son similares en cuanto a tamaño, pero tienen sus diferencias.

Uno de los más conocidos dentro del "gran formato", se llamó TODD-AO, introducido en 1955:

La comparación entre el tamaño de 35mm era evidente:

Los 70mm hacen referencia al ancho del film, aunque solo se aprovechaban 65mm, los 5mm restantes eran para la pista de sonido.

Aquí sí había una significante mejoría en cuanto a la calidad. Y prueba de ello eran las pantallas gigantes que se hicieron para mayor gloria de los espectadores:

De hecho, se solían proyectar en configuraciones parecidas a Cinerama por su similitud.

Sin embargo, el tirón del formato 35mm hizo que muchas producciones que originalmente se filmaron en 65mm, acabasen proyectadas en 35mm.

No todo estaba perdido, porque a raíz de ello salió un nuevo formato de 70mm muy muy conocido hoy día, ¿Alguno sabría decirme cual podría ser?

IMAX, que significa Imagen Maxima, se presentó en 1970. Su objetivo era lograr la mejor imagen posible y la más grande. Lo lograron con creces, con un tamaño de fotograma que deja al formato de 35mm (e incluso al de 65mm) a la altura del betún:

Y con un tamaño de pantalla que hoy día es el más grande de todos: 29 metros de ancho y 21 metros de alto. Los que hayan ido a una sala IMAX, lo habrán podido comprobar. No hay nada mejor, en serio. Aquí podéis ver cómo es una Sala IMAX por dentro:

El formato IMAX es, hasta la fecha, el mejor formato basado en film. Y dada la expansión del formato digital, probablemente sea el último.

En cuanto al sonido, IMAX usa un sistema de 12.1 canales distribuidos a lo largo de 60 altavoces, ofreciendo 12.000W de sonido atronador y totalmente sin distorsión.

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HISTORIA DEL CINE, VISIÓN TECNOLÓGICA (III) - Trastomania.com

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A finales del siglo XIX todavía se pensaba que el cine era una simple curiosidad y no se tenía todavía la idea que pudiera convertirse en un auténtico espectáculo de masas. De hecho el propio Louis Lumière se negó a venderle un cinematógrafo a Méliès, ya que no lo consideraba algo rentable. En paralelo a los inicios de la industria cinematográfica, fueron apareciendo los primeros estudios de rodaje.

Sin embargo, ya entrado el siglo XX, esa curiosidad de las primeras imágenes en movimiento se fue convirtiendo en un gran negocio.

https://www.20minutos.es/cinemania/blogs/la-claqueta-de-la-historia/finales-siglo-xix-fueron-naciendo-los-estudios-cine-5600241/

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A finales del siglo XIX todavía se pensaba que el cine era una simple curiosidad y no se tenía todavía la idea que pudiera convertirse en un auténtico espectáculo de masas. De hecho el propio Louis Lumière se negó a venderle un cinematógrafo a Méliès, ya que no lo consideraba algo rentable. En paralelo a los inicios de la industria cinematográfica, fueron apareciendo los primeros estudios de rodaje.

Sin embargo, ya entrado el siglo XX, esa curiosidad de las primeras imágenes en movimiento se fue convirtiendo en un gran negocio. Un buen ejemplo de ello es el nacimiento de Hollywood, en un lugar por entonces inhóspito como era la Costa Este de los Estados Unidos, y de paso lograban escapar de Thomas Alva Edison, el señor de las patentes (podéis ver el artículo ' Un uburbio llamado Hollywood').

El primer estudio que se construyó fue el Black María de Edison, situado en Nueva Jersey en 1893, del que ya os contamos aquí. El propio Edison pronto se dio cuenta se le quedaba pequeño y se trasladaron a la ciudad de Nueva York, era 1908, creando un estudio mucho más grande y llevando también todas las oficinas de la productora.

En 1895 construyó su estudio la Biograph (por entonces se llamaba American Mutoscope and Biograph Company). Era similar al Black María de Edison pues ambos fueron diseñados por William Dickson (también disponía de un sistema giratorio para perseguir la luz del sol). La llegada a la compañía de D. W. Griffith fue un impulso notable y en 1918 construyeron otro estudio mucho más moderno en el barrio neoyorquino del Bronx.

La Vitagraph nació de la mano de James Stuart Blackton y Albert Smith pocos años antes de entrar en el siglo XX. De primeras con un pequeño estudio en los tejados de un edificio de Manhattan, que al poco tiempo cambiaron por uno mayor en Long Island, ambos en Nueva York.

La Kalem había salido a rodar fuera de los estudios como vimos en ' Kalem, la compañía pionera de rodajes en exteriores y escenarios naturales'. Aún así mantuvo estudios permanentes en lugares como California o Florida.

La Pathé de los hermanos Charles y Henry, cogieron en Francia el testigo del gran Méliès, industrializando el cine y creando su primer estudio en Vincennes, Francia, en 1902 (más tarde hablaremos de los estudios europeos). Pronto dieron el salto a la industria norteamericana y construyeron un primer estudio en 1910. Pocos años después ya se habían extendido por Estados Unidos con nuevos estudios en la ciudad de Jersey. Pronto el estado de Nueva Jersey se convirtió en el epicentro de la industria.

La Fox tuvo grandes problemas con las patentes de Edison. Inicialmente su dueño se dedicó solo a la proyección en salas en la Costa Este, pero decidió crear su propia productora (sobre todo porque el grupo de Edison le negaba las películas) y así nació su primer estudio en 1915, formado por dos grandes platós.

El Coronel William Selig había creado la compañía Selig Polyscope Film en 1896 con sede en Chicago. El estudio era muy extenso y mezclaba edificios de rodaje con un set para tomas en el exterior, que incluía un lago y una montaña artificial e incluso un zoo para rodar con animales. En 1907 envió a uno de sus directores a California y, dos años después, terminó construyendo el primer estudio permanente en Los Ángeles.

Todos los que hemos visto hasta ahora fueron estudios construidos en Estados Unidos. Muchos de ellos fueron efímeros, como los creados en los tejados de Manhattan o incluso el Black María de Edison. Por eso se considera Francia como la pionera en la construcción de un estudio realmente profesional de la industria. Fue en 1897 y llevaba el sello del mago de la ciencia ficción, Georges Méliès. Transformó un invernadero de su propio jardín en su casa de Montreuil, en un increíble y luminoso estudio de 17 metros de largo por 6 de ancho. Apenas tres años después tuvo que ampliarlo debido a sus necesidades, como por ejemplo para rodar su famosa Viaje a la luna (1902). Como hemos comentado, los hermanos Pathé siguieron la estela de Méliès y crearon el suyo en Vincennes cinco años después. Solo 14 años más tarde de su estudio-invernadero, la Pathé adquiría todos los derechos de sus cintas. La industria se imponía al artesano del cine, como podéis ver en 'Méliès, el mago que inventó el cine de ciencia ficción'.

Todavía no había llegado el siglo XX a las Islas Británicas cuando el pionero Cecil Hepworth había convertido el cobertizo de su jardín en un primigenio estudio. Al mismo tiempo surgió el más legendario de Gran Bretaña, el de Robert W. Paul en la calle Sydney de Londres, un pequeño escenario de madera que se levantaba del suelo (generalmente los estudios ingleses tenían esa particularidad), con cristales y puertas correderas. Algunos de estos pioneros británicos lograron saltarse las patentes y poner en marcha el cine británico (podéis ver 'Cómo los primeros pioneros británicos del cine se saltaron las patentes de Edison').

¿Te ha gustado el artículo? Quizá te interese alguno más relacionado con los pioneros del cine:

Las grandes productoras de Hollywood y su origen europeo

Nickelodeons por 5 centavos, las primeras salas de cine

La historia de las grandes productoras de cine: Paramount

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A finales del siglo XIX fueron naciendo los estudios de cine

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A finales del siglo XIX fueron naciendo los estudios de cine

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La “Salida de la fábrica Lumière” comenzó con la historia del cine y con lo que hoy se clasifica como cine mudo. Aunque se estrenó en 1895, la era dorada de las películas sin sonidos ni diálogos inició en la década de 1910 y concluyó en los años 30.

https://brainstormingfilms.es/blog/historia-del-cine/

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La lámpara de destello eléctrica utiliza corriente eléctrica para iniciar la quema de polvo de destello, para proporcionar un breve estallido repentino de luz brillante. Se utilizó principalmente para fotografía con flash a principios del siglo XX, pero también tuvo otros usos. Anteriormente, la pólvora para flash de los fotógrafos, introducida en 1887 por Adolf Miethe y Johannes Gaedicke, tenía que encenderse manualmente, exponiendo al usuario a un mayor riesgo.

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Flashes de magnesio - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Magnum Photos es una cooperativa de fotoperiodistas fundada en 1947 por Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger y David Seymour, que revolucionó la fotografía al dar a los fotógrafos la propiedad de sus imágenes y la libertad de elegir los temas, en respuesta a sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial.

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A photographic cooperative of great diversity and distinction owned by its photographer members

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El cine en color surgió de a poco, lo primero que se hacía era colorear cada fotograma, esto era costoso y poco eficaz. Fue en 1915 cuando se creó Technicolor, una tecnología que empleaba los colores primarios para añadir todos los colores a las películas.

https://brainstormingfilms.es/blog/historia-del-cine/

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El Nacimiento y Evolución de las Cintas de Video Profesionales(Laura)

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El Nacimiento y Evolución de las Cintas de Video Profesionales(Laura)

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Antes de adentrarnos en los detalles intrincados de las cintas de vídeo profesionales, es esencial entender su origen. Las cintas de vídeo, tal como las conocemos hoy en día, fueron introducidas en la década de 1950. Las primeras iteraciones, como los formatos de Cuadrúplex y Escaneo Helicoidal, sentaron las bases para el futuro de la grabación de video profesional.

https://vcnpro.com/4115-2/

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Historia Cine, Vídeo. Audio, Imagen - Gestión Documental y Audiovisual

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Gestión Documental Audiovisual y Extraccion de Datos

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La fotografía en color se experimentó en la segunda mitad del siglo XIX, en laboratorios aislados. El primer procedimiento comercial, accesible a todos los fotógrafos desde 1907, fue la placa autocroma Lumière, en soporte de vidrio.

A partir de 1935 triunfaron las diapositivas en color Kodachrome, pero la fotografía en blanco y negro siguió siendo mayoritaria. La fotografía en color es la forma predominante de las tomas fotográficas desde la década de 1970.

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La fotografía en color es una división del arte de la fotografía que surge de la técnica de revelado de la fotografía en color. La fotografía en color ha sido la forma predominante de las tomas fotográficas desde la década de 1970, con la fotografía monocroma relegada principalmente a mercados especializados como la fotografía artística.

Desarrollo temprano

La fotografía en colores fue estudiada a lo largo del siglo XIX. Experimentos iniciales en color no pudieron fijar muy bien la fotografía ni prevenir que el color se desvaneciera. Además, hasta los años 1870 las emulsiones disponibles no eran sensibles a la luz roja o verde.

La primera fotografía con color permanente fue tomada en 1861 por el físico escocés James Clerk Maxwell. Presentó su método aditivo de fotografía en color en Londres, con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul) en diferentes proporciones. Probó la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en color y recibió el nombre de tricromía. La fotografía en color que realizó Maxwell fue a partir de tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. La fotografía se llamó Tartan Ribbon y está considerada como la primera fotografía de color permanente. Esta todavía puede verse en la Universidad de Cambridge. El procedimiento tiene un fundamento científico, pero el experimento resultó por pura coincidencia, ya que la emulsión utilizada por Maxwell poseía una sensibilidad cromática insuficiente.

Varios métodos patentables para producir imágenes fueron ideados desde 1862 por dos inventores franceses (quienes trabajaban independientemente), Louis Ducos du Hauron y Charles Cros.​ Basándose en el método sustractivo, utilizaron tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo. El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. Luego las imágenes eran sobrepuestas y entregaban una fotografía única conteniendo todos los colores. La complejidad de este método, que requería, como el de Maxwell, la utilización de varios negativos, y la carencia en esa época de emulsiones sensibles, hicieron que la fotografía en color fuera muy difícil de realizar. No eran métodos prácticos ni comercializables.

En 1873 Hermann W. Vogel descubrió que la placa de colodión húmedo normalmente sólo sensible al azul podía hacerse más sensible al verde tratándola con algunos tintes de anilina. Esto le llevó a la placa ortocromática, insensible al rojo y todavía supersensible al azul, pero ya se avanzaba en la dirección correcta. Más tarde (1884) logró sensibilizarla al naranja pero no será hasta 1906, que Wratten y Wainwrigth, en Londres, introduzcan la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro.

Las placas de vidrio Autochrome, o autocromas, salieron al mercado en 1907, siendo el primer sistema comercializado, y el único disponible en color hasta 1935. Se debió a la gran aportación de los franceses Auguste y Louis Lumière, que idearon un sistema de rejilla, en la cual la placa era recubierta de minúsculos granos de fécula de patata, teñidos. Las placas autocromas eran transparencias o diapositivas.

Otro procedimiento de fotografía en color fue inventado por Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii, el cual consistía en tres exposiciones monocromas diferentes (negativos separados) de una escena a través de filtros rojos, verdes y azules. El propio inventor, entre los años 1909 y 1915, tomó imágenes de gran belleza a lo largo del imperio ruso. Pero este sistema no se comercializó, y sólo sus herederos conservaron sus imágenes.

La moderna película en colores

La primera película diapositiva moderna en color fue la Kodachrome, la cual fue introducida en 1935 y fue basada en tres emulsiones coloreadas. La mayoría de las películas modernas en colores, exceptuando la Kodachrome, son basadas en tecnologías descubiertas por Agfacolor (como 'Agfacolor Neue') en 1936. (En esta nueva tecnología, los acopladores de color ya están incluidos en las capas de emulsión, en lugar de tener que ser cuidadosamente difuminadas durante el revelado.) En 1942 Eastman Kodak comenzó a producir películas negativas en color de las que se podían obtener copias positivas en color, la Kodacolor. La película instantánea en colores fue introducida por Polaroid en 1963.

Sistemas y colores

Existen básicamente dos sistemas de colores:

1. Aditivo: los colores son añadidos como luces coloreadas. En este sistema, el conjunto básico de colores primarios son rojo, verde y azul.

2. Sustractivo: los colores son sustraídos de la luz blanca por teñido o pigmentos. En este sistema, el conjunto básico de colores primarios son cyan, magenta y amarillo. Ducos du Hauron realizó varias fotografías utilizando este método a finales del siglo XIX.

Varios métodos comerciales de impresión fueron ideados usando la técnica sustractiva durante los años 30 para impresión desde la "separación de negativos". Kodachrome fue la primera película "tri-pack integrada" comercialmente disponible.

Existen dos principales tipos de películas en colores utilizadas actualmente:

1. El negativo en color que crea una imagen en negativo cuando es expuesta la cual es fijada durante el revelado. Esta es luego expuesta en papel fotográfico para formar una imagen en positivo.

2. Película de inversión en color, también conocido como diapositiva, crea una imagen negativa cuando es expuesta, la cual es revertida a positiva en el proceso de revelado. La película puede ser proyectada en una pantalla.

Según su sensibilidad, puede haber películas que van desde 50 ASA a 1600ASA. ASA es el estándar de ISO. La sensibilidad determina la capacidad de captar luminosidad, necesitándose mayor o menor tiempo de exposición o apertura del diafragma. La definición de la película vendrá dada por el tamaño del grano. A menor sensibilidad menor grano y por lo tanto mejor calidad fotográfica en cuanto a nitidez. Sólo queda decidirse por el resultado final de la imagen a la hora de elegir una u otra sensibilidad. A menor número ASA la sensibilidad es menor y por lo tanto se necesitará más luminosidad. Se puede decir que una película de 400ASA necesitará la mitad de luminosidad que una de 200ASA para obtener los mismos resultados en la imagen final.​

Normalmente al introducir una película en la cámara esta detecta la sensibilidad de la película con un sistema DX de modo automático. No pasa nada si la cámara no dispone de este sistema o la película o no lo soporta. En este caso en la caja de la película aparece el siguiente logotipo DXN.

AGFA presentó su película en color en 1936, la agfacolor de la cual proceden todos los procesos actuales de películas en color excepto la Kodachrome que fue presentada en ese mismo año por Kodak la cual fue inventada por dos músicos profesionales Mannes y Godosky, a la cual se le incorporaban los colorantes en el procesado (revelado) en lugar de en la fabricación.

Véase también

Notas y referencias

Bibliografía

Coote, Jack, The Illustrated History of Colour Photography, Fountain Press Ltd., 1993, ISBN 0-86343-380-4

Sipley, Louis Walton, A Half Century of Color, Macmillan, 1951

Sougez, Marie-Loup.Historia de la fotografía .Madrid. 2001. Octava edición. Ediciones Cátedra (Grupo Anaya, S.A). Capítulo VII, El color.

Enlaces externos

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La fotografía en color es una división del arte de la fotografía que surge de la técnica de revelado de la fotografía en color. La fotografía en color ha sido la forma predominante de las tomas fotográficas desde la década de 1970, con la fotografía monocroma relegada principalmente a mercados especializados como la fotografía artística.

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Lo mejor que se podía hacer era adaptarse a las nuevas circunstancias y aplicar varios métodos. A partir de la década de 1950 comenzaron a surgir películas con géneros que captaron la atención de las personas.

Luego de la Segunda Guerra Mundial, los dos géneros que existían comenzaron a cambiar y hasta a ser mezclados. Además, los experimentos que habían realizado los directores antes de 1950 en las tramas de las películas dieron lugar a los nacimientos de nuevos géneros.

https://brainstormingfilms.es/blog/el-nacimiento-de-los-generos-cinematograficos/

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

¿Cómo se generaron los géneros del cine y cuáles existen actualmente? Esto es algo que nos apasiona en la productora, y para entender más sobre el cine es necesario que conozcas la respuesta.

¿Cómo era la industria antes de los géneros cinematográficos?

Aunque los tipos de tramas de las películas no estaban divididos en géneros cinematográficos, los que existían en los primeros años del cine eran la tragedia y la comedia. En este último se mostraban situaciones cotidianas y en la tragedia se planteaban situaciones trascendentales y dilemas éticos.

Los espectadores se conformaban con estos dos géneros, pues las películas eran algo nuevo de lo que querían disfrutar. Sin embargo, eso cambió con el tiempo y después de las guerras mundiales los expertos en el cine se dieron cuenta de que se necesitaba una transformación.

Lo mejor que se podía hacer era adaptarse a las nuevas circunstancias y aplicar varios métodos. A partir de la década de 1950 comenzaron a surgir películas con géneros que captaron la atención de las personas. ¿Cuáles fueron creados?

Géneros cinematográficos: tipos existentes

Luego de la Segunda Guerra Mundial, los dos géneros que existían comenzaron a cambiar y hasta a ser mezclados. Además, los experimentos que habían realizado los directores antes de 1950 en las tramas de las películas dieron lugar a los nacimientos de nuevos géneros.

Los que son conocidos en la actualidad y sus respectivos orígenes son los siguientes:

Género de Acción

Fue reconocido como un género cinematográfico en la década de 1980, pero en los años 20 ya se habían realizado películas con esta temática. Las primeras en estrenarse estaban mezcladas con la comedia, es por eso que la acción tardó en ser considerada un género del cine.

Después de la Segunda Guerra Mundial ganó más protagonismo, pues muchos films se inspiraron en las dos grandes guerras. Lo que más caracteriza a las películas de acción es que necesitan de un presupuesto mayor ya que detrás de cámara hay muchos especialistas, como dobles de riesgo.

Algunos ejemplos de este género son:

"La marca del zorro" de 1920.

"Regreso del infierno" de 1955.

"Misión Imposible" de 1996.

"Sin tiempo para morir" de 2020.

Género de Ciencia ficción

En este tipo de películas se unen elementos basados en fenómenos que no existen, como alienígenas y viajes en el tiempo. En ellas también se usan factores futuristas como robots. Se considera que el film "El viaje a la Luna" de 1902 es de ciencia ficción, en ese tiempo el género tenía fines humorísticos.

En la década de 1950, la ciencia ficción no fue muy tomada en cuenta, pues muchas de las películas tenían bajos presupuestos. Años después, a finales de la década de 1970 se estrenaron películas exitosas que formaban parte de este género, como "Encuentros en la tercera fase" y "Star Wars". Otros ejemplos de ciencia ficción son:

"The Terminator" de 1984.

"Avatar" de 2009.

Género de Fantasía

Uno de los géneros cinematográficos que más gustan a los espectadores es la fantasía, en él se presentan criaturas como hadas, dragones, vampiros y más. Los elementos en los que se centran estas películas son fantasiosos. Uno de los primeros films de este género es "Drácula" de 1931.

Con los años surgieron otras películas, la mayoría son muy populares, algunas son:

"El mago de Oz" de 1939.

La trilogía de "El Señor de los Anillos".

La saga de "Harry Potter".

Drama en los géneros cinematográficos

Las tramas de las películas dramáticas tienen el objetivo de presentar conflictos humanos, algunas tienen giros inesperados. Este es uno de los géneros que existían desde el origen del cine, muestra de eso es que en 1898 se estrenó "La vie et la passion de Jésus-Christ".

En la década de 1960 los espectadores se centraron más en los filmes dramáticos, como "La jauría humana" de 1966 y "Matar a un ruiseñor" de 1962. Tanto los colores como la música juegan un papel importante en estas películas. El sonido ayuda a crear efectos dramáticos y el color añade realismo, los tonos fríos son los más usados.

Género Musical

Este es conocido porque en el desarrollo de las películas son presentados fragmentos en los que se canta e incluso baila. "La melodía de Broadway" de 1929 es considerado el primer film musical.

En los años 50 y 60, el género ganó protagonismo, películas como "Cantando bajo la lluvia", "Un americano en París" y "Mary Poppins" fueron exitosas. Luego, Disney incluyó los musicales en sus películas animadas, lo que contribuyó al desarrollo del género. Algunos ejemplos modernos de musicales son:

"Moulin Rouge" de 2001.

La trilogía de "High School Musical".

"La La Land" de 2016.

Género Romántico

Como su nombre lo indica, en él hay tramas que se centran en el amor y en las relaciones románticas. La popularidad del género aumentó con el nacimiento del cine sonoro, en él existen otros sub-géneros y son los siguientes:

Comedia romántica.

Drama romántico.

Thriller romántico.

Algunos ejemplos famosos del género romántico son: "Dirty Dancing" de 1987, "Titanic" de 1997 y "The Phantom of the Opera" de 2004.

Género de Suspenso y terror

Uno de los géneros cinematográficos más conocidos es el terror, el objetivo es que el espectador sienta miedo, preocupación y hasta repugnancia. Una película considerada de terror (pero que tenía toques de comedia) es "La mansión del diablo" de 1896.

Por otro lado, el suspenso es aquel en donde los espectadores tienen un estado de tensión o un sentimiento de incertidumbre. Lo anterior se logra mediante las acciones de los personajes y los desarrollos de las tramas. Entre los directores más destacados de este género se encuentra Alfred Hitchcock.

En su trayectoria cinematográfica dirigió unas 50 películas, muchas de ellas tenían tramas de espionaje o policiacas y eran de suspenso. La mayoría siguen siendo conocidas en la actualidad, como "Vértigo" de 1958 y "Psicosis" de 1960. Otras películas conocidas de suspenso y terror son los siguientes:

"Psicosis" de 1960.

"El exorcista" de 1973.

"La matanza de Texas" de 1974.

"Pesadilla en Elm Street" de 1984.

"It" de 2017.

Todos los géneros cinematográficos han sido exitosos y ofrecen filmes que mantendrán entretenidos a los espectadores, los divertirán o hasta los asustarán.

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El nacimiento de los géneros cinematográficos - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

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La cámara de cine ha experimentado una transformación radical desde sus inicios hasta convertirse en una herramienta avanzada capaz de capturar imágenes con una calidad sorprendente. Este desarrollo ha estado impulsado por los avances tecnológicos y las crecientes demandas de la industria cinematográfica, que buscan constantemente nuevas formas de narrar historias visuales.

https://rcservice.es/como-ha-sido-evolucion-camara-cine/

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La evolución de la cámara de cine: un repaso cinematográfico

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Con el paso del tiempo la evolución de la cámara de cine ha mejorado la fotografía, grabación y desarrollo de los proyectos. ¡Conoce sus cambios!

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Fue reconocido como un género cinematográfico en la década de 1980, pero en los años 20 ya se habían realizado películas con esta temática. Las primeras en estrenarse estaban mezcladas con la comedia, es por eso que la acción tardó en ser considerada un género del cine.

Después de la Segunda Guerra Mundial ganó más protagonismo, pues muchos films se inspiraron en las dos grandes guerras. Lo que más caracteriza a las películas de acción es que necesitan de un presupuesto mayor ya que detrás de cámara hay muchos especialistas, como dobles de riesgo.

https://brainstormingfilms.es/blog/el-nacimiento-de-los-generos-cinematograficos/

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

¿Cómo se generaron los géneros del cine y cuáles existen actualmente? Esto es algo que nos apasiona en la productora, y para entender más sobre el cine es necesario que conozcas la respuesta.

¿Cómo era la industria antes de los géneros cinematográficos?

Aunque los tipos de tramas de las películas no estaban divididos en géneros cinematográficos, los que existían en los primeros años del cine eran la tragedia y la comedia. En este último se mostraban situaciones cotidianas y en la tragedia se planteaban situaciones trascendentales y dilemas éticos.

Los espectadores se conformaban con estos dos géneros, pues las películas eran algo nuevo de lo que querían disfrutar. Sin embargo, eso cambió con el tiempo y después de las guerras mundiales los expertos en el cine se dieron cuenta de que se necesitaba una transformación.

Lo mejor que se podía hacer era adaptarse a las nuevas circunstancias y aplicar varios métodos. A partir de la década de 1950 comenzaron a surgir películas con géneros que captaron la atención de las personas. ¿Cuáles fueron creados?

Géneros cinematográficos: tipos existentes

Luego de la Segunda Guerra Mundial, los dos géneros que existían comenzaron a cambiar y hasta a ser mezclados. Además, los experimentos que habían realizado los directores antes de 1950 en las tramas de las películas dieron lugar a los nacimientos de nuevos géneros.

Los que son conocidos en la actualidad y sus respectivos orígenes son los siguientes:

Género de Acción

Fue reconocido como un género cinematográfico en la década de 1980, pero en los años 20 ya se habían realizado películas con esta temática. Las primeras en estrenarse estaban mezcladas con la comedia, es por eso que la acción tardó en ser considerada un género del cine.

Después de la Segunda Guerra Mundial ganó más protagonismo, pues muchos films se inspiraron en las dos grandes guerras. Lo que más caracteriza a las películas de acción es que necesitan de un presupuesto mayor ya que detrás de cámara hay muchos especialistas, como dobles de riesgo.

Algunos ejemplos de este género son:

"La marca del zorro" de 1920.

"Regreso del infierno" de 1955.

"Misión Imposible" de 1996.

"Sin tiempo para morir" de 2020.

Género de Ciencia ficción

En este tipo de películas se unen elementos basados en fenómenos que no existen, como alienígenas y viajes en el tiempo. En ellas también se usan factores futuristas como robots. Se considera que el film "El viaje a la Luna" de 1902 es de ciencia ficción, en ese tiempo el género tenía fines humorísticos.

En la década de 1950, la ciencia ficción no fue muy tomada en cuenta, pues muchas de las películas tenían bajos presupuestos. Años después, a finales de la década de 1970 se estrenaron películas exitosas que formaban parte de este género, como "Encuentros en la tercera fase" y "Star Wars". Otros ejemplos de ciencia ficción son:

"The Terminator" de 1984.

"Avatar" de 2009.

Género de Fantasía

Uno de los géneros cinematográficos que más gustan a los espectadores es la fantasía, en él se presentan criaturas como hadas, dragones, vampiros y más. Los elementos en los que se centran estas películas son fantasiosos. Uno de los primeros films de este género es "Drácula" de 1931.

Con los años surgieron otras películas, la mayoría son muy populares, algunas son:

"El mago de Oz" de 1939.

La trilogía de "El Señor de los Anillos".

La saga de "Harry Potter".

Drama en los géneros cinematográficos

Las tramas de las películas dramáticas tienen el objetivo de presentar conflictos humanos, algunas tienen giros inesperados. Este es uno de los géneros que existían desde el origen del cine, muestra de eso es que en 1898 se estrenó "La vie et la passion de Jésus-Christ".

En la década de 1960 los espectadores se centraron más en los filmes dramáticos, como "La jauría humana" de 1966 y "Matar a un ruiseñor" de 1962. Tanto los colores como la música juegan un papel importante en estas películas. El sonido ayuda a crear efectos dramáticos y el color añade realismo, los tonos fríos son los más usados.

Género Musical

Este es conocido porque en el desarrollo de las películas son presentados fragmentos en los que se canta e incluso baila. "La melodía de Broadway" de 1929 es considerado el primer film musical.

En los años 50 y 60, el género ganó protagonismo, películas como "Cantando bajo la lluvia", "Un americano en París" y "Mary Poppins" fueron exitosas. Luego, Disney incluyó los musicales en sus películas animadas, lo que contribuyó al desarrollo del género. Algunos ejemplos modernos de musicales son:

"Moulin Rouge" de 2001.

La trilogía de "High School Musical".

"La La Land" de 2016.

Género Romántico

Como su nombre lo indica, en él hay tramas que se centran en el amor y en las relaciones románticas. La popularidad del género aumentó con el nacimiento del cine sonoro, en él existen otros sub-géneros y son los siguientes:

Comedia romántica.

Drama romántico.

Thriller romántico.

Algunos ejemplos famosos del género romántico son: "Dirty Dancing" de 1987, "Titanic" de 1997 y "The Phantom of the Opera" de 2004.

Género de Suspenso y terror

Uno de los géneros cinematográficos más conocidos es el terror, el objetivo es que el espectador sienta miedo, preocupación y hasta repugnancia. Una película considerada de terror (pero que tenía toques de comedia) es "La mansión del diablo" de 1896.

Por otro lado, el suspenso es aquel en donde los espectadores tienen un estado de tensión o un sentimiento de incertidumbre. Lo anterior se logra mediante las acciones de los personajes y los desarrollos de las tramas. Entre los directores más destacados de este género se encuentra Alfred Hitchcock.

En su trayectoria cinematográfica dirigió unas 50 películas, muchas de ellas tenían tramas de espionaje o policiacas y eran de suspenso. La mayoría siguen siendo conocidas en la actualidad, como "Vértigo" de 1958 y "Psicosis" de 1960. Otras películas conocidas de suspenso y terror son los siguientes:

"Psicosis" de 1960.

"El exorcista" de 1973.

"La matanza de Texas" de 1974.

"Pesadilla en Elm Street" de 1984.

"It" de 2017.

Todos los géneros cinematográficos han sido exitosos y ofrecen filmes que mantendrán entretenidos a los espectadores, los divertirán o hasta los asustarán.

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El nacimiento de los géneros cinematográficos - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

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Fotoperiodismo en la segunda guerra mundial (Robert Capa)

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Fotoperiodismo en la segunda guerra mundial (Robert Capa)

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La importancia del registro y memoria de distintos acontecimientos históricos ha dado pie para que diversos personajes dejen huella en esta labor que, sin duda, no es nada sencilla, ya que en muchos casos se pone en riesgo incluso la vida de aquellos que dan cobertura a sucesos como las guerras.

https://cdijum.mx/robert-capa-y-el-fotoperiodismo-de-guerra/

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El género de ciencia ficción (Florencia)

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El género de ciencia ficción (Florencia)

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En este tipo de películas se unen elementos basados en fenómenos que no existen, como alienígenas y viajes en el tiempo. En ellas también se usan factores futuristas como robots. Se considera que el film “El viaje a la Luna” de 1902 es de ciencia ficción, en ese tiempo el género tenía fines humorísticos.

En la década de 1950, la ciencia ficción no fue muy tomada en cuenta, pues muchas de las películas tenían bajos presupuestos. Años después, a finales de la década de 1970 se estrenaron películas exitosas que formaban parte de este género, como “Encuentros en la tercera fase” y “Star Wars”.

https://brainstormingfilms.es/blog/el-nacimiento-de-los-generos-cinematograficos/

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

¿Cómo se generaron los géneros del cine y cuáles existen actualmente? Esto es algo que nos apasiona en la productora, y para entender más sobre el cine es necesario que conozcas la respuesta.

¿Cómo era la industria antes de los géneros cinematográficos?

Aunque los tipos de tramas de las películas no estaban divididos en géneros cinematográficos, los que existían en los primeros años del cine eran la tragedia y la comedia. En este último se mostraban situaciones cotidianas y en la tragedia se planteaban situaciones trascendentales y dilemas éticos.

Los espectadores se conformaban con estos dos géneros, pues las películas eran algo nuevo de lo que querían disfrutar. Sin embargo, eso cambió con el tiempo y después de las guerras mundiales los expertos en el cine se dieron cuenta de que se necesitaba una transformación.

Lo mejor que se podía hacer era adaptarse a las nuevas circunstancias y aplicar varios métodos. A partir de la década de 1950 comenzaron a surgir películas con géneros que captaron la atención de las personas. ¿Cuáles fueron creados?

Géneros cinematográficos: tipos existentes

Luego de la Segunda Guerra Mundial, los dos géneros que existían comenzaron a cambiar y hasta a ser mezclados. Además, los experimentos que habían realizado los directores antes de 1950 en las tramas de las películas dieron lugar a los nacimientos de nuevos géneros.

Los que son conocidos en la actualidad y sus respectivos orígenes son los siguientes:

Género de Acción

Fue reconocido como un género cinematográfico en la década de 1980, pero en los años 20 ya se habían realizado películas con esta temática. Las primeras en estrenarse estaban mezcladas con la comedia, es por eso que la acción tardó en ser considerada un género del cine.

Después de la Segunda Guerra Mundial ganó más protagonismo, pues muchos films se inspiraron en las dos grandes guerras. Lo que más caracteriza a las películas de acción es que necesitan de un presupuesto mayor ya que detrás de cámara hay muchos especialistas, como dobles de riesgo.

Algunos ejemplos de este género son:

"La marca del zorro" de 1920.

"Regreso del infierno" de 1955.

"Misión Imposible" de 1996.

"Sin tiempo para morir" de 2020.

Género de Ciencia ficción

En este tipo de películas se unen elementos basados en fenómenos que no existen, como alienígenas y viajes en el tiempo. En ellas también se usan factores futuristas como robots. Se considera que el film "El viaje a la Luna" de 1902 es de ciencia ficción, en ese tiempo el género tenía fines humorísticos.

En la década de 1950, la ciencia ficción no fue muy tomada en cuenta, pues muchas de las películas tenían bajos presupuestos. Años después, a finales de la década de 1970 se estrenaron películas exitosas que formaban parte de este género, como "Encuentros en la tercera fase" y "Star Wars". Otros ejemplos de ciencia ficción son:

"The Terminator" de 1984.

"Avatar" de 2009.

Género de Fantasía

Uno de los géneros cinematográficos que más gustan a los espectadores es la fantasía, en él se presentan criaturas como hadas, dragones, vampiros y más. Los elementos en los que se centran estas películas son fantasiosos. Uno de los primeros films de este género es "Drácula" de 1931.

Con los años surgieron otras películas, la mayoría son muy populares, algunas son:

"El mago de Oz" de 1939.

La trilogía de "El Señor de los Anillos".

La saga de "Harry Potter".

Drama en los géneros cinematográficos

Las tramas de las películas dramáticas tienen el objetivo de presentar conflictos humanos, algunas tienen giros inesperados. Este es uno de los géneros que existían desde el origen del cine, muestra de eso es que en 1898 se estrenó "La vie et la passion de Jésus-Christ".

En la década de 1960 los espectadores se centraron más en los filmes dramáticos, como "La jauría humana" de 1966 y "Matar a un ruiseñor" de 1962. Tanto los colores como la música juegan un papel importante en estas películas. El sonido ayuda a crear efectos dramáticos y el color añade realismo, los tonos fríos son los más usados.

Género Musical

Este es conocido porque en el desarrollo de las películas son presentados fragmentos en los que se canta e incluso baila. "La melodía de Broadway" de 1929 es considerado el primer film musical.

En los años 50 y 60, el género ganó protagonismo, películas como "Cantando bajo la lluvia", "Un americano en París" y "Mary Poppins" fueron exitosas. Luego, Disney incluyó los musicales en sus películas animadas, lo que contribuyó al desarrollo del género. Algunos ejemplos modernos de musicales son:

"Moulin Rouge" de 2001.

La trilogía de "High School Musical".

"La La Land" de 2016.

Género Romántico

Como su nombre lo indica, en él hay tramas que se centran en el amor y en las relaciones románticas. La popularidad del género aumentó con el nacimiento del cine sonoro, en él existen otros sub-géneros y son los siguientes:

Comedia romántica.

Drama romántico.

Thriller romántico.

Algunos ejemplos famosos del género romántico son: "Dirty Dancing" de 1987, "Titanic" de 1997 y "The Phantom of the Opera" de 2004.

Género de Suspenso y terror

Uno de los géneros cinematográficos más conocidos es el terror, el objetivo es que el espectador sienta miedo, preocupación y hasta repugnancia. Una película considerada de terror (pero que tenía toques de comedia) es "La mansión del diablo" de 1896.

Por otro lado, el suspenso es aquel en donde los espectadores tienen un estado de tensión o un sentimiento de incertidumbre. Lo anterior se logra mediante las acciones de los personajes y los desarrollos de las tramas. Entre los directores más destacados de este género se encuentra Alfred Hitchcock.

En su trayectoria cinematográfica dirigió unas 50 películas, muchas de ellas tenían tramas de espionaje o policiacas y eran de suspenso. La mayoría siguen siendo conocidas en la actualidad, como "Vértigo" de 1958 y "Psicosis" de 1960. Otras películas conocidas de suspenso y terror son los siguientes:

"Psicosis" de 1960.

"El exorcista" de 1973.

"La matanza de Texas" de 1974.

"Pesadilla en Elm Street" de 1984.

"It" de 2017.

Todos los géneros cinematográficos han sido exitosos y ofrecen filmes que mantendrán entretenidos a los espectadores, los divertirán o hasta los asustarán.

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El nacimiento de los géneros cinematográficos - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

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Uno de los géneros cinematográficos que más gustan a los espectadores es la fantasía, en él se presentan criaturas como hadas, dragones, vampiros y más. Los elementos en los que se centran estas películas son fantasiosos. Uno de los primeros films de este género es “Drácula” de 1931.

Con los años surgieron otras películas, la mayoría son muy populares, algunas son:

“El mago de Oz” de 1939.

La trilogía de “El Señor de los Anillos”.

La saga de “Harry Potter”.

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Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

¿Cómo se generaron los géneros del cine y cuáles existen actualmente? Esto es algo que nos apasiona en la productora, y para entender más sobre el cine es necesario que conozcas la respuesta.

¿Cómo era la industria antes de los géneros cinematográficos?

Aunque los tipos de tramas de las películas no estaban divididos en géneros cinematográficos, los que existían en los primeros años del cine eran la tragedia y la comedia. En este último se mostraban situaciones cotidianas y en la tragedia se planteaban situaciones trascendentales y dilemas éticos.

Los espectadores se conformaban con estos dos géneros, pues las películas eran algo nuevo de lo que querían disfrutar. Sin embargo, eso cambió con el tiempo y después de las guerras mundiales los expertos en el cine se dieron cuenta de que se necesitaba una transformación.

Lo mejor que se podía hacer era adaptarse a las nuevas circunstancias y aplicar varios métodos. A partir de la década de 1950 comenzaron a surgir películas con géneros que captaron la atención de las personas. ¿Cuáles fueron creados?

Géneros cinematográficos: tipos existentes

Luego de la Segunda Guerra Mundial, los dos géneros que existían comenzaron a cambiar y hasta a ser mezclados. Además, los experimentos que habían realizado los directores antes de 1950 en las tramas de las películas dieron lugar a los nacimientos de nuevos géneros.

Los que son conocidos en la actualidad y sus respectivos orígenes son los siguientes:

Género de Acción

Fue reconocido como un género cinematográfico en la década de 1980, pero en los años 20 ya se habían realizado películas con esta temática. Las primeras en estrenarse estaban mezcladas con la comedia, es por eso que la acción tardó en ser considerada un género del cine.

Después de la Segunda Guerra Mundial ganó más protagonismo, pues muchos films se inspiraron en las dos grandes guerras. Lo que más caracteriza a las películas de acción es que necesitan de un presupuesto mayor ya que detrás de cámara hay muchos especialistas, como dobles de riesgo.

Algunos ejemplos de este género son:

"La marca del zorro" de 1920.

"Regreso del infierno" de 1955.

"Misión Imposible" de 1996.

"Sin tiempo para morir" de 2020.

Género de Ciencia ficción

En este tipo de películas se unen elementos basados en fenómenos que no existen, como alienígenas y viajes en el tiempo. En ellas también se usan factores futuristas como robots. Se considera que el film "El viaje a la Luna" de 1902 es de ciencia ficción, en ese tiempo el género tenía fines humorísticos.

En la década de 1950, la ciencia ficción no fue muy tomada en cuenta, pues muchas de las películas tenían bajos presupuestos. Años después, a finales de la década de 1970 se estrenaron películas exitosas que formaban parte de este género, como "Encuentros en la tercera fase" y "Star Wars". Otros ejemplos de ciencia ficción son:

"The Terminator" de 1984.

"Avatar" de 2009.

Género de Fantasía

Uno de los géneros cinematográficos que más gustan a los espectadores es la fantasía, en él se presentan criaturas como hadas, dragones, vampiros y más. Los elementos en los que se centran estas películas son fantasiosos. Uno de los primeros films de este género es "Drácula" de 1931.

Con los años surgieron otras películas, la mayoría son muy populares, algunas son:

"El mago de Oz" de 1939.

La trilogía de "El Señor de los Anillos".

La saga de "Harry Potter".

Drama en los géneros cinematográficos

Las tramas de las películas dramáticas tienen el objetivo de presentar conflictos humanos, algunas tienen giros inesperados. Este es uno de los géneros que existían desde el origen del cine, muestra de eso es que en 1898 se estrenó "La vie et la passion de Jésus-Christ".

En la década de 1960 los espectadores se centraron más en los filmes dramáticos, como "La jauría humana" de 1966 y "Matar a un ruiseñor" de 1962. Tanto los colores como la música juegan un papel importante en estas películas. El sonido ayuda a crear efectos dramáticos y el color añade realismo, los tonos fríos son los más usados.

Género Musical

Este es conocido porque en el desarrollo de las películas son presentados fragmentos en los que se canta e incluso baila. "La melodía de Broadway" de 1929 es considerado el primer film musical.

En los años 50 y 60, el género ganó protagonismo, películas como "Cantando bajo la lluvia", "Un americano en París" y "Mary Poppins" fueron exitosas. Luego, Disney incluyó los musicales en sus películas animadas, lo que contribuyó al desarrollo del género. Algunos ejemplos modernos de musicales son:

"Moulin Rouge" de 2001.

La trilogía de "High School Musical".

"La La Land" de 2016.

Género Romántico

Como su nombre lo indica, en él hay tramas que se centran en el amor y en las relaciones románticas. La popularidad del género aumentó con el nacimiento del cine sonoro, en él existen otros sub-géneros y son los siguientes:

Comedia romántica.

Drama romántico.

Thriller romántico.

Algunos ejemplos famosos del género romántico son: "Dirty Dancing" de 1987, "Titanic" de 1997 y "The Phantom of the Opera" de 2004.

Género de Suspenso y terror

Uno de los géneros cinematográficos más conocidos es el terror, el objetivo es que el espectador sienta miedo, preocupación y hasta repugnancia. Una película considerada de terror (pero que tenía toques de comedia) es "La mansión del diablo" de 1896.

Por otro lado, el suspenso es aquel en donde los espectadores tienen un estado de tensión o un sentimiento de incertidumbre. Lo anterior se logra mediante las acciones de los personajes y los desarrollos de las tramas. Entre los directores más destacados de este género se encuentra Alfred Hitchcock.

En su trayectoria cinematográfica dirigió unas 50 películas, muchas de ellas tenían tramas de espionaje o policiacas y eran de suspenso. La mayoría siguen siendo conocidas en la actualidad, como "Vértigo" de 1958 y "Psicosis" de 1960. Otras películas conocidas de suspenso y terror son los siguientes:

"Psicosis" de 1960.

"El exorcista" de 1973.

"La matanza de Texas" de 1974.

"Pesadilla en Elm Street" de 1984.

"It" de 2017.

Todos los géneros cinematográficos han sido exitosos y ofrecen filmes que mantendrán entretenidos a los espectadores, los divertirán o hasta los asustarán.

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El nacimiento de los géneros cinematográficos - Brainstorming Films | Productora audiovisual

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Hace más de 100 años el mundo conocía las películas, las imágenes en movimiento fueron algo que impactó al mundo y lo sigue haciendo. En los inicios del cine no existían géneros cinematográficos como en la actualidad. Lo que se hacía era dar a los espectadores elementos que los ayudaran a comprender la trama.

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La fotografía en los últimos años (Florencia)

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La fotografía en los últimos años (Florencia)

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En la actualidad, la fotografía digital se ha convertido en una mezcla de lenguaje, medio de comunicación y arte

Sin duda alguna, el mundo de la fotografía ha experimentado una importante evolución en los últimos tiempos, sobre todo, a raíz de la implantación de las nuevas tecnologías en el conjunto de la sociedad. Hoy en día, la fotografía está al alcance de cualquiera, puesto que todas las personas tienen un teléfono móvil a mano. Además, el uso de las fotos se ha estandarizado, gracias en gran parte, a la aparición de las redes sociales.

https://www.nuevatribuna.es/articulo/varios/como-ha-evolucionado-fotografia-digital-ultimos-anos/20201020190458180352.html

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¿Cómo ha evolucionado la fotografía digital en los últimos años?

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En la actualidad, la fotografía digital se ha convertido en una mezcla de lengua…

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Antes de los ordenadores propiamente dichos, el cine en la primera década del siglo XX, la radio en 1920 y la televisión dentro de los hogares fueron los medios de comunicación de masa que nacieron en las sociedades occidentales.

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La historia del móvil a través del cine (Laura)

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La historia del móvil a través del cine (Laura)

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El rodaje de cine mediante smartphones facilita la realización de películas a talentos emergentes e, incluso, puede utilizarse como una narrativa propia. Se trata de una técnica que se ha asomado al reconocimiento internacional en filmes como Tangerine (Sean Baker, 2015), aunque, todavía, no cuenta con prestigio en nuestro país. Y ello a pesar de que uno de los cineastas más distinguidos en este campo es el español Conrad Mess. Él y otros creadores nacionales con experiencia en esta forma de grabación nos explican su papel democratizador y su situación en el vasto mundo del séptimo arte.

https://www.elespanol.com/el-cultural/cine/20180330/rodado-movil/295971489_0.html

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Los inicios de la fotografía móvil se sitúan en el año 1997, cuando Philippe Kahn incorporó la cámara de fotos a un teléfono móvil. Ahora bien, el primer teléfono que dispuso de cámara fue el Samsung SCH-V200. Esto permitió, por primera vez, compartir imágenes desde un dispositivo móvil.

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Actualmente la cámara fotográfica de nuestro teléfono móvil se ha convertido en un elemento imprescindible para captar la realidad del momento. El móvil es un accesorio inseparable de nuestra rutina diaria, por lo que la cámara de este dispositivo ha pasado a ser una herramienta esencial a la hora de captar imágenes.

La idea de que la mejor cámara que existe es la que siempre llevamos encima se ha hecho completamente real, dado que contamos con un dispositivo que tiene incorporada una cámara capaz de grabar imágenes con una calidad excepcional, fácil de transportar y que, además, permite captar imágenes al instante para después poder compartirlas muy fácilmente. Otro aspecto que también nos ofrece es la posibilidad de trabajar de manera inmediata las imágenes que obtenemos.

Cuando llevamos el móvil llevamos una herramienta que nos permite trabajar los diferentes lenguajes fotográficos: la fotografía documental, el paisaje, el retrato y la fotografía de arquitectura, entre otros.

Es cierto que la fotografía móvil está en constante evolución gracias a las innovaciones tecnológicas que experimentan los dispositivos móviles, pero también por el gran desarrollo que viven las aplicaciones móviles, que siempre incorporan estas innovaciones tecnológicas a fin de ofrecer mayor calidad y un rendimiento tecnológico superior.

Los inicios de la fotografía móvil se sitúan en el año 1997, cuando Philippe Kahn incorporó la cámara de fotos a un teléfono móvil. Ahora bien, el primer teléfono que dispuso de cámara fue el Samsung SCH-V200. Esto permitió, por primera vez, compartir imágenes desde un dispositivo móvil.

A partir de este aparato la evolución fue constante y todas las marcas empezaron a desarrollar terminales con una cámara fotográfica incorporada. La evolución ha sido muy intensa, llena de cambios continuos, y ha tenido momentos decisivos, como cuando se lanzó el primer iPhone y la aparición, más tarde, de las redes sociales de distribución de imágenes, tales como Instagram.

Dentro del mercado de los teléfonos inteligentes ( ) existen varios tipos de smartphones sistemas operativos. El sistema operativo (SO) es un elemento esencial en cuanto al rendimiento de la cámara, ya que no todos funcionan del mismo modo y no todos consiguen sacar el mismo rendimiento de las cámaras. En la actualidad encontramos tres sistemas operativos que ofrecen un mejor rendimiento:

Windows: es el sistema operativo de Microsoft. No tiene mucha presencia en el mercado, aunque ha presentado algunos dispositivos de calidad. Tampoco se desarrollan muchas aplicaciones para este SO.

El buen posicionamiento en el mercado viene determinado por las grandes prestaciones de los dispositivos, por el hecho de si logran obtener un alto rendimiento de la cámara y de si están presentes en la mayoría de marcas que hay en el mercado.

De los tres tipos de SO antes presentados, el mercado se divide realmente en dos: Android e iOS. Cada vez más la elección de un teléfono móvil está condicionada, entre otros aspectos, por la cámara del dispositivo, y quizás escoger entre estas dos marcas acaba siendo una cuestión de gustos. Es verdad que las cámaras de los dispositivos de gama alta tienen un nivel de calidad muy elevado; tanto, que resulta complicado elegir un modelo o una marca concretos. Tal vez se acaba decidiendo más por el sistema operativo o por las aplicaciones que podemos encontrar en el mercado virtual ( marketplace ) antes que por una marca concreta. Los mercados virtuales ofrecen una infinidad de aplicaciones, y cabe decir que quizás la App Store de Apple cuida más su mercado, ya que tiene un control más estricto de lo que se publica en él. También informa mejor sobre los permisos que piden las aplicaciones, pero es más cerrado a la hora de poderlas adaptar a nuestras necesidades.

Introducción a la composición, encuadre, enfoque y exposición con teléfonos móviles

Una vez hemos decidido qué tipo de dispositivo usaremos, tenemos que empezar a pensar en el proceso de trabajo que llevaremos a cabo con nuestro teléfono inteligente. Captar una imagen con un móvil es fácil, pero si no conocemos el funcionamiento de nuestro dispositivo nos resultará complicado conseguir buenas fotografías. A la hora de captar la imagen nos centraremos en cómo debemos sostener el dispositivo: debe ser con firmeza, independientemente de si la imagen es en vertical u horizontal. Si es posible usaremos siempre las dos manos, a fin de que el móvil esté bien firme. Esto nos permitirá obtener más movilidad y una perspectiva más adecuada a las necesidades de la imagen que queremos capturar. El móvil nos permite obtener puntos de vista muy extremos, algo que con la cámara fotográfica resulta más complicado.

Para captar la imagen podemos echar mano de diferentes elementos que nos permitirán obtener fotografías técnicamente más adecuadas o aplicar efectos creativos más interesantes. Algunos de estos elementos son:

Estabilizadores de imágenes (gimbal): los estabilizadores trabajan de manera independiente al movimiento que hacemos con el móvil en la mano. O sea, estos aparatos corrigen los movimientos que hacemos con la mano, tanto en vídeo como en fotografía, además de permitir hacer fotografías en panorámica de hasta 360°.

Adaptadores de objetivos: son elementos que permiten incorporar lentes a la cámara y la mayoría de veces se adaptan a las fundas o carcasas. No son muy cómodos, pero sí hay algunos que ofrecen mucha calidad.

Los dispositivos móviles nos permiten utilizar aplicaciones con las que podemos trabajar de manera manual. Así, podemos controlar la velocidad de obturación y decidir si queremos utilizar velocidades lentas, que nos permitan capturar imágenes movidas o en las que tendremos que usar un trípode para poderlas captar correctamente, o bien elegir diferentes velocidades de obturación, de manera que el diafragma de la cámara digital se abre y se cierra más rápidamente a fin de captar las imágenes congeladas.

Otro elemento que nos permite controlar de manera manual es la sensibilidad, que se mide con la escala ISO (Organización Internacional de Normalización). Es un aspecto que podemos utilizar a la hora de hacer las fotografías, ya que, dependiendo de la cantidad de luz, podemos emplear una sensibilidad concreta. Si tenemos poca luz utilizaremos un ISO más elevado, tal vez más de un 400. En cambio, si tenemos mucha luz podemos utilizar una sensibilidad más baja. Sí que debemos tener en cuenta que, cuanta más sensibilidad, mayor será el ruido y el nivel de aberraciones que tendremos en la imagen.

La compensación de la imagen puede ser otro elemento que nos facilita el control manual, dado que podremos elegir cómo queremos compensar la escena en el momento de ser captada.

Si decidimos hacer la fotografía en modo automático podremos controlar pocos parámetros, aunque los podremos ver en pantalla y, en algunos casos, si hacemos clic en los elementos podremos pasar al modo manual, siempre que la aplicación lo permita.

Ambos modos nos permitirán observar el histograma en pantalla, pero solo podremos trabajar en el modo manual.

Otro aspecto esencial en la fotografía es el enfoque. Así pues, cuando trabajamos con el móvil podremos jugar con esta característica, que nos permitirá crear fotografías más dinámicas y creativas. También podremos manipular la profundidad de campo y controlar la distancia que tenemos delante y detrás del objeto que queremos fotografiar, aunque con los móviles resulta muy complicado porque sus sensores suelen enfocar toda la imagen. Solamente podemos controlar por completo el enfoque cuando enfocamos un objeto que tenemos en primer término.

La cámara nativa del móvil o tableta y las aplicaciones para poder capturar instantáneas

Hoy en día prácticamente todos los dispositivos móviles incorporan una cámara que nos permite captar imágenes mediante una aplicación nativa del aparato. Sin embargo, también existen aplicaciones que permiten captar imágenes controlando los parámetros asociados al proceso de creación. Esto significa que por medio de estas aplicaciones podemos controlar la exposición, la velocidad de obturación, el enfoque, el diafragma e, incluso, el formato del archivo. Muchas de estas aplicaciones permiten grabar la imagen con diferentes efectos o filtros y, de esta manera, simulan diferentes tipos de películas. También permiten posprocesar las imágenes y hacer un revelado de la fotografía hecha.

Cámara FV-5

Se trata de una aplicación con la que podemos captar imágenes con los controles básicos de una cámara DSRL profesional. Permite seleccionar parámetros como el ISO o la exposición, hacer horquillado ( bracketing ), crear filmaciones a intervalos ( timelapses ), seleccionar el tipo de imagen con el que queremos trabajar y, además, controlar los parámetros manualmente.

Está disponible para Android.

Camera+ 2

Se trata de una aplicación que nos permite fotografiar separando el enfoque y la exposición. También posibilita la aplicación de filtros dentro del mismo programa. Deja controlar los parámetros de captación de la imagen, el enfoque, la exposición, la velocidad y el ISO, y de este modo simula el funcionamiento de una DSRL. Permite captar imágenes en formato RAW para luego editarlas en la cámara.

Está disponible para iOS.

ProCamera

Es una aplicación que logra transformar la cámara del móvil en una cámara increíble, de una manera intuitiva y con funcionalidades avanzadas que permiten captar grandes imágenes. Como las aplicaciones que hemos presentado antes, simula los parámetros de una DSRL y también incorpora diferentes modos creativos, tales como el modo retrato, que hace fotografías muy nítidas. Permite grabar vídeo en HD y 4K y hacer la edición desde el mismo programa. Trabaja con diferentes formatos de archivo: RAW, TIFF o HEIF.

Incorpora la función , que permite guardar las imágenes dentro de la aplicación en la nube.

Está disponible para iOS.

645Pro Mk III

Se trata de una aplicación que simula los procesos de trabajo de una cámara de formato medio, concretamente de una 6×4,5. Muestra en la pantalla los controles de este tipo de cámaras, que se pueden manipular de manera sencilla. También permite ajustar los parámetros a las necesidades de la escena que queremos captar y ofrece la opción de simular diferentes tipos de películas analógicas.

Está disponible para iOS.

Focos

Esta aplicación permite sacar el máximo provecho de la cámara de tu iPhone, ya que gracias a la doble cámara podemos trabajar directamente sobre la profundidad de campo y enfocar donde nosotros decidamos. Facilita la creación del efecto Bokeh, tan real como el de las cámaras réflex.

Está disponible para iOS.

Fotografiar en HDR

La fotografía HDR ( High Dynamic Range Imaging ) es una técnica que consiste en procesar imágenes intentando incluir la máxima cantidad de rango dinámico de las diferentes zonas de la imagen. Este efecto lo podemos conseguir mediante la mezcla de diferentes imágenes tomadas con diferentes exposiciones. Esta técnica permite que todas las zonas de la imagen queden perfectamente expuestas y, de esta manera, consigue un equilibrio en toda la fotografía.

Tenemos varias maneras de conseguir imágenes en HDR. Una es utilizando el modo HDR de la cámara nativa del móvil. Otra consiste en captar diferentes imágenes, con diferentes exposiciones, y después posprocesarlas con un programa de edición de imágenes.

También tenemos la opción de utilizar una aplicación específica a fin de registrar este tipo de imágenes. Son aplicaciones que permiten captar las imágenes directamente en HDR, además de ofrecer la posibilidad de controlar los parámetros de la cámara. A continuación, presentamos algunas aplicaciones HDR:

HDR Camera+

Este programa permite trabajar con la resolución completa del móvil y ver la imagen en modo HDR. Permite controlar el contraste, la intensidad del color, la exposición, etc.

Disponible para Android.

También encontramos aplicaciones de captación y edición de imágenes que permiten registrarlas o transformarlas en HDR.

Redes sociales de publicación de imágenes

Seguramente las aplicaciones más conocidas en la actualidad son las que permiten publicar los proyectos en internet. Con estas aplicaciones de redes sociales no solo podemos presentar nuestros proyectos públicamente, sino que también nos permiten generar interacciones con otros creadores. En algunos casos permiten crear grupos de trabajo, además de capturar, editar y publicar los trabajos. Se han convertido en una herramienta imprescindible si queremos presentar nuestras creaciones al resto del mundo.

A continuación, presentamos unas cuantas de las más relevantes en lo que se refiere al ámbito de la fotografía, si bien algunas de ellas permiten presentar trabajos de todas las disciplinas creativas.

Instagram

Permite hacer fotografías y vídeos de manera instantánea. Las imágenes se pueden captar desde la misma aplicación. También permite retocarlas. Es útil para dar a conocer nuestras fotografías y descubrir otros creadores. Ofrece la posibilidad de conectar con los autores, además de compartir contenidos en directo .

Está disponible para iOS y Android.

EyeEm

Actualmente funciona como comunidad fotográfica, en la que publicas tus imágenes y, si consideras que tienen suficiente calidad, las puedes incorporar a su mercado virtual, donde se pueden comercializar bajo licencia. EyeEm colabora con las agencias y las marcas principales, y los fotógrafos controlan sus derechos de autor.

Permite capturar y retocar imágenes y luego publicarlas desde la aplicación móvil o bien desde la web. Los editores ofrecen una selección de imágenes y de fotógrafos, y también publican un magacín.

Está disponible para iOS y Android.

Pinterest

Esta red social está más orientada a descubrir creadores, pero también podemos presentar nuestras propias creaciones. Es un muy buen reflejo de las tendencias del momento, ideal para recopilar ideas creativas y crear un archivo de que nos permite tener guardadas ideas creativas que quizás nos pueden inspirar o servir en el futuro.

Está disponible para iOS y Android.

Behance

Es la comunidad de creadores de Adobe. En ella se pueden encontrar trabajos creativos de varios ámbitos. También ofrece la posibilidad de conectar con creadores de todo el mundo, buscar trabajo y hacer público todo el potencial creativo que tenemos. Cuenta con una versión web que permite las mismas funcionalidades que la aplicación móvil. Es ideal para visualizar los proyectos creativos más interesantes.

Está disponible para iOS y Android.

500px

Otra gran comunidad de fotógrafos, en la que se pueden encontrar grandes proyectos inspiradores. Tiene versión web y una aplicación móvil que permite acceder al espacio personal, donde se pueden colgar imágenes y visitar las fotografías presentadas por otros fotógrafos de la comunidad.

Está disponible para iOS y Android.

Flickr

Esta aplicación nos permite colgar, organizar y editar las imágenes que creamos con nuestros dispositivos móviles. También tiene una versión web, mediante la cual podemos publicar imágenes desde nuestro ordenador. Ofrece un gran espacio para poder colgar fotografías y vídeos, que podemos publicar de manera privada o pública, y permite ver todas las fotos de una gran comunidad de fotógrafos. Además, existe la posibilidad de crear comunidades, donde podemos establecer colaboraciones entre diferentes fotógrafos.

Está disponible para iOS y Android.

Introducción al posprocesado de imágenes con aplicaciones para dispositivos móviles

Una vez hemos grabado la imagen debemos pensar en cómo la trabajaremos; es decir, cómo ajustaremos los diferentes elementos que la conforman. Es aquí donde entran en juego las aplicaciones que nos permiten ajustar los parámetros desde nuestros dispositivos móviles. Parámetros como la exposición, el balance de blancos, la intensidad de la imagen y el resto de elementos que necesitamos que estén ajustados. Con estos programas podemos convertir imágenes a blanco y negro o incorporar elementos a la fotografía para crear las composiciones que muestren lo que queremos expresar.

Así pues, son un elemento clave no solo a la hora de revelar o posprocesar la imagen, sino que también pueden sernos útiles a la hora de captarla. Si pensamos en cómo queremos que sea la imagen final y cómo podemos usar las aplicaciones con que contamos, podremos conseguir un resultado creativo más cercano a nuestra idea original. Por tanto, se trata de aplicaciones que pueden ser un elemento importante dentro del proceso creativo y de trabajo. Sobre todo, cuando estemos elaborando la idea creativa.

Aplicaciones que permiten la captura de imágenes y el posprocesado controlado

Hay aplicaciones que nos permiten llevar a cabo el procesado de la imagen que tenemos almacenada en el móvil, pero que también nos dan la posibilidad de captar imágenes para después retocarlas.

Snapseed

Es un editor de fotos diseñado por Google que permite conseguir unos resultados prácticamente profesionales. Esta aplicación ofrece la posibilidad de trabajar con archivos en formato JPG o RAW. Permite corregir la exposición, el color y el resto de parámetros esenciales de la imagen de manera automática o manual. También podemos recortar la imagen y girarla para corregir su perspectiva. Permite hacer un retoque selectivo en diferentes zonas de la imagen y ajustar los niveles según las necesidades de cada parte.

Incorpora la función HDR, que da un tono más equilibrado en las composiciones y ofrece un efecto Drama, que contrasta mucho las diferentes partes de la imagen. Incluye una gran variedad de filtros y la opción de doble exposición, lo que permite crear composiciones muy creativas. Con esta aplicación también podemos ajustar el grano de la película, además de poder convertir la imagen a blanco y negro o con el efecto Noir.

Está disponible para iOS y Android.

Pixrl Express

Es un editor fotográfico que tiene muchas herramientas y efectos de nivel profesional. Permite hacer collages con diferentes imágenes, crear capas a partir de varias imágenes, aplicar diferentes filtros, ajustar los niveles de la composición, crear máscaras de capa y compartir las fotografías en las redes sociales, entre muchas otras herramientas fotográficas.

Está disponible para iOS y Android.

VSCO

Esta aplicación permite captar imágenes y editarlas desde nuestro dispositivo móvil. También ofrece la posibilidad de publicarlas en su propia red social. Ofrece una suscripción que da acceso a materiales y programas de aprendizaje exclusivos. Cuenta con una gran gama de filtros que simulan películas analógicas, como las Fuji, las Kodak o las Ilford, entre otras.

Está disponible para iOS y Android.

Aviary

Aplicación de fotografía móvil creada por Adobe que permite retocar fotografías de una manera rápida, ágil y muy intuitiva. Permite aplicar filtros, ajustar los niveles básicos de las imágenes, dibujar sobre las fotografías y colocar texto en las imágenes, entre otros efectos creativos. Incorpora la posibilidad de acceder a su red social, donde se comparten los trabajos creados con esta aplicación.

Está disponible para iOS y Android.

Afterlight

Esta aplicación nos da la opción de editar imágenes rápidamente y con facilidad, con más de 15 herramientas que permiten ajustar la imagen, 59 filtros y 66 texturas que simulan películas de todo tipo.

Está disponible para Android.

Adobe Photoshop Express

Este editor de imágenes es la versión para dispositivos móviles del potente Adobe Photoshop CC. Con esta aplicación podemos trabajar de una manera ágil todos los parámetros de edición de la imagen, como la exposición, la composición o el balance de blancos. También podemos borrar de la imagen los elementos que no nos interesan, además de poder elegir la calidad que queremos que tenga. Ofrece la posibilidad de trabajar con los diferentes formatos de archivo de las marcas principales. También permite crear collages de imágenes, incorporar elementos y colocar marcos. Además, se puede conectar con la cuenta de Adobe Creative Cloud.

Está disponible para iOS y Android.

Adobe Photoshop Lightroom

Otra aplicación de la familia Adobe, basada en la aplicación para escritorio, que resulta una herramienta muy potente. Este programa permite captar la imagen en diferentes formatos para obtener la mejor calidad posible. Utiliza HDR a fin de captar todos los tonos. Permite trabajar con las imágenes almacenadas en nuestro dispositivo o bien conectar con la cuenta de Adobe Creative Cloud.

Está disponible para iOS y Android.

MaxCurve

Con esta aplicación podremos editar nuestras imágenes mediante las curvas de nivel que las forman, el contraste, el brillo, la exposición, el tono o la saturación. También podremos aplicar filtros y trabajar a partir de capas. Permite ajustar los canales RGB, CMYK, HSL y LAB. También ofrece la posibilidad de trabajar con diferentes formatos de archivo.

Está disponible para iOS.

Aplicaciones de captura y edición con efectos creativos

Dentro de la gran variedad de aplicaciones que existen en los mercados virtuales encontramos las aplicaciones que permiten capturar y editar las imágenes aplicando efectos creativos desde el momento de la grabación para después, si es necesario, ajustar o corregir la exposición captada. Se trata de aplicaciones que nos pueden ayudar a hacer trabajos muy creativos, dado que incorporan herramientas creativas basadas en diferentes técnicas analógicas.

Vignette

Permite captar la imagen y utilizar diferentes efectos desde el momento en que hacemos la foto. Algunas de sus características principales son: cámara instantánea, cámaras LOMO, Diana y Holga; películas Ilford, Portra, Velvia, Ektachrome y Tri-X; filtros y , como el sepia o la platinotipia, y efectos como el diorama, el foco suave o el HDR.

Está disponible para Android.

HipstamatiC

Con este programa podemos captar la imagen con los efectos de sus filtros creativos. También permite editar la imagen y ofrece la posibilidad de publicar las fotografías tomadas y editadas con esta aplicación en su red social.

Está disponible para iOS.

Aplicaciones que permiten utilizar técnicas fotográficas concretas

Hay aplicaciones que permiten la captación de más de una imagen o trabajar la larga exposición. Con estos programas podemos conseguir efectos creativos muy interesantes. A continuación veremos algunas de las aplicaciones que permiten trabajar con estas técnicas:

Slow Shutter

El funcionamiento de esta aplicación es sencillo: graba vídeo a cámara lenta que convierte en imágenes fijas, o en un vídeo en el que podemos observar el movimiento de los elementos. Capta imágenes con larga exposición.

Está disponible para iOS.

PhotoPills

Con esta aplicación podemos planificar las horas a las que queremos captar las imágenes. Permite ver en pantalla el movimiento de las estrellas para luego poder orientar la cámara hacia lo que queremos captar, sea un eclipse o el movimiento de los astros. Resulta esencial a la hora de captar imágenes de larga exposición.

Está disponible para iOS y Android.

Skrwt

Una herramienta muy eficaz para poder corregir la perspectiva de nuestras imágenes, ya que permite ajustar cada una desde sus cuatro puntos. Podemos crear efectos espejo muy creativos, además de invertir la imagen.

Está disponible para iOS y Android.

Decim8

Diseñada con el objetivo de conseguir efectos visuales muy creativos que, si repetimos varias veces con la misma imagen, nunca salen iguales.

Está disponible para iOS.

Gliche

Permite crear efectos creativos sorprendentes a la hora de captar la imagen, como pueden ser los efectos de vídeo VHS, efectos y transformaciones en 3D, etc.

Está disponible para iOS.

Aplicaciones de fotografía en blanco y negro

Estas aplicaciones permiten obtener un revelado en blanco y negro de una gran calidad. Trabajan a partir de la simulación de procesos de revelado de imágenes basados en los analógicos, o de la aplicación de filtros diseñados con el objetivo de conseguir un revelado de máxima calidad.

Darkr

Es una aplicación que permite simular el revelado en el laboratorio analógico y la grabación de imágenes con formatos de cámara analógicos, de formato universal, formato medio y gran formato. Gracias a este programa podemos editar la imagen siguiendo los mismos pasos que se llevaban a cabo en el laboratorio fotográfico analógico, como haciendo tiras de contacto para seleccionar la exposición correcta. Después se puede editar la imagen ajustando sus niveles básicos. Permite seleccionar una película en blanco y negro entre algunas de las más populares.

Está disponible para iOS.

Carbon

Se trata de un editor en blanco y negro que permite usar filtros profesionales en nuestras imágenes. Ofrece la posibilidad de editar las imágenes una vez aplicados los filtros. También incorpora la posibilidad de obtener un servicio prémium, que nos da la opción de utilizar filtros con unos efectos espectaculares.

Está disponible para iOS.

BW Darkroom

Permite captar la imagen directamente en blanco y negro o bien hacer un revelado de una fotografía que tenemos en nuestro dispositivo. También cuenta con una gran variedad de filtros monocromo. Nos deja elegir entre 13 tipos de escena diferentes, procesar las imágenes por lotes y trabajar con formato RAW. Además, podemos controlar los parámetros de la cámara y colocar marcos en la imagen. Está disponible para Android.

Hipocam

Con esta aplicación podemos hacer fotografías directamente en blanco y negro o bien editar las imágenes que tenemos en la galería y ajustar sus niveles.

Está disponible para Android.

Cita recomendada: CORDERO, David. Introducción a la fotografía móvil. Mosaic [en línea], mayo 2019, no. 171. ISSN: 1696-3296. DOI: https://doi.org/10.7238/m.n171.1932.

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Mosaic | Introducción a la fotografía móvil

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Actualmente la cámara fotográfica de nuestro teléfono móvil se ha convertido en un elemento imprescindible para captar la realidad del momento. El móvil es un accesorio inseparable de nuestra rutina diaria, por lo que la cámara de este dispositivo ha pasado a ser una herramienta esencial a la hora de captar imágenes.

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Las redes sociales y la fotografía (Florencia)

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Las redes sociales y la fotografía (Florencia)

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Facebook, Instagram o Pinterest son un claro ejemplo de cómo la fotografía reina en la sociedad del siglo XXI, y más concretamente, la fotografía digital. Desde la invención de la primera cámara digital en el año 1975 -creada por Kodak-, el mundo de las fotos ha cambiado por completo, ya que actualmente, los aficionados a la fotografía pueden conseguir instantáneas de enorme calidad.

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¿Cómo ha evolucionado la fotografía digital en los últimos años?

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En la actualidad, la fotografía digital se ha convertido en una mezcla de lengua…

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Con la aparición de la fotografía digital, el mundo visual ha dado pasos de gigante en cuanto a rapidez, abaratamiento de costes y facilidad de uso se refiere, puesto que las personas pueden tomar una gran cantidad de fotografías seguidas y previsualizarlas al instante. Algo inimaginable para la industria fotográfica del siglo XX, pero que hoy en día se ha convertido en una auténtica realidad.

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¿Cómo ha evolucionado la fotografía digital en los últimos años?

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En la actualidad, la fotografía digital se ha convertido en una mezcla de lengua…

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Este increíble avance no hubiera sido posible sin la digitalización, la cual ha pasado a ser una solución ideal para multitud de problemas del siglo XXI. Por lo tanto, no resulta extraño que las fotografías digitales se utilicen en diversos ámbitos de la vida, como el personal -recuerdos de cumpleaños, vacaciones, reuniones familiares- o el laboral -imágenes de eventos, sucesos, personajes famosos-.

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