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 El género  épico  son  hechos heroicos, legendarios o históricos, generalmente en verso y con la finalidad de exaltar a un pueblo, a través de las hazañas de un héroe individual o colectivo 

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 El género  épico  son  hechos heroicos, legendarios o históricos, generalmente en verso y con la finalidad de exaltar a un pueblo, a través de las hazañas de un héroe individual o colectivo 

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El héroe épico:

Un personaje extraordinario, con fuerza, inteligencia, honor y valentía, que representa los ideales de su cultura y sirve de ejemplo.

Estilo solemne:

El lenguaje utilizado es elevado y formal, adecuado para la magnitud de los hechos que se relatan.

Forma literaria:

Puede presentarse en verso (como el hexámetro en la épica clásica) o en prosa larga, y su extensión suele ser considerable.

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Género épico - Concepto, características, origen y ejemplos

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Género épico ✓ Te explicamos qué es el género épico, su origen, estructura y otras características. Además, ejemplos de la literatura universal.

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La Divina Comedia

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Redacción BBC News Mundo

Basado en la serie de la BBC "Dante 2021"

Fuente de la imagen, Getty Images

Si te nombran "La Divina Comedia" quizás pienses que es una de las obras cumbres de la literatura universal, pero sólo de interés si lo tuyo es la Italia del siglo XIV.

Pues prepárate para sorprenderte.

Aunque han pasado 700 años desde la muerte del florentino Dante Alighieri, su estremecedor poema épico sigue siendo relevante.

Dante trata grandes interrogantes, desde qué es lo que da sentido a nuestras vidas o cuánto control tenemos sobre nuestro propio destino, hasta por qué es que tan a menudo los ricos y poderosos parecen salirse con la suya.

En los 33 cantos -con versos agrupados de 3 en 3- que componen cada una de las 3 partes del poema, los cuales, junto con el canto introductorio, suman 100, el número perfecto según el pensamiento medieval, viaja por los 9 círculos del Infierno, las 7 cornisas del Purgatorio y los 9 cielos del Paraíso.

Haciendo eco al amor del escritor y filósofo por la numerología, entre las muchas que hay, escogimos 7 razones por las cuales, tras 7 siglos, en este 21° año del 21° siglo, vale la pena acompañarlo en su periplo.

1. Porque hay que salir del bosque oscuro

Empecemos por el principio, con Dante, en la víspera del Viernes Santo, huyendo de la vida...

"En medio del camino de nuestra vida,

Errante me encontré por una selva oscura,

porque mi ruta había extraviado"

Ese bosque oscuro y esa sensación de estar extraviado resuena con lo que hemos experimentado con la pandemia. Nuestras prioridades y sistemas de valores personales están siendo reevaluados; nuestras interacciones sociales, reconfiguradas.

Toda esa devastación deja la gran pregunta sobre hacia dónde vamos ahora.

"Absolutamente", le dice a la BBC Margaret Keane, del St. Hilda's College, Oxford, quien -por extraño que parezca- es experta en el infierno.

"Han transcurrido 700 años desde que se escribieron esas líneas y, sin embargo, parecen tan sumamente importantes para nosotros hoy en día. Creo que es en parte esa sensación de la vulnerabilidad, ese desconcierto en cuanto a lo que vamos a hacer para reconstituir nuestras vidas".

"Y lo que nos dice Dante es que hay que ser valiente, pero también razonable respecto a lo que haces, y tener fe tal vez en que las cosas pueden mejorar".

"El sendero que abre ante nosotros puede ser difícil, puede que no sea el que queríamos, pero lo que nos está diciendo es que si quieres comprender bien lo que se necesita para salir adelante, tienes explorar los lugares oscuros".

2. Porque hay un lugar especial en el infierno para...

Al amanecer, Dante sale del oscuro bosque pero su alivio es corto, pues pronto lo asedian una pantera (que representa la lujuria y su ciudad, Florencia), un león (la soberbia y el poder de Francia) y una loba (la codicia y el poder del Papa en Roma).

Por suerte, Virgilio, el poeta de la antigüedad romana que escribió la Eneida, acude a auxiliarlo y a llevarlo hasta las puertas del Paraíso.

Pero antes, deben pasar por los 9 círculos del infierno: 1° Limbo | 2° Lujuria | 3° Gula | 4° Avaricia | 5° Ira y Pereza | 6° Herejía | 7° Violencia 8° Fraude | 9° Traición.

En ese viaje por el averno, reexamina su vida y su sociedad, y va aprendiendo lecciones.

Y al leerlo, reconocemos "almas pecadoras" a las que ubicamos en distintos círculos, incluido el Anteinfierno, un aterrador lugar en el que podemos caer tantos, pues está reservado para quienes vivieron sin gloria ni infamia: desperdiciaron la oportunidad y por ello están condenados a correr desnudos para siempre, perseguidos por insectos.

"Uno de mis momentos favoritos es cuando llegamos a la zona donde encontramos a aquellos que cometen lo que podríamos llamar delitos de cuello blanco", comenta Keane.

"Son los que compran y venden poder, y Dante nos muestra varias formas diferentes en las que se hace y da claves para identificar a aquellos que son deshonestos en la vida pública.

"Pero lo grandioso es que metió en el infierno, en el 8° círculo, a líderes contemporáneos de la burocracia centralizada de Europa, y que lo hace indicando que pecaron por desperdiciar oportunidades económicas y espirituales porque corrompieron una parte importante de la buena gobernanza, pues no cuidaron el bienestar de la comunidad".

Hay incluso un poso reservado para castigar a los Papas, en el que Dante puso al papa simoníaco Nicolás III y hasta a Bonifacio VIII, a pesar de que aún no había muerto.

"...vuestra avaricia entristece al mundo, pisoteando a los buenos y ensalzando a los malos".

Fue un acto de valentía, considerando cuán poderosos eran los pontífices en el Medioevo.

"Hay todo un sermón sobre por qué el gobierno debe comportarse mejor. Es una declaración muy importante y una de las principales razones por las que creo que su voz es tan honesta".

3. Porque no todo es blanco y negro

A pesar de que su viaje es, en gran medida, una expresión de sus opiniones sobre el mundo, y de que no duda en condenar con palabras y castigar de formas espléndidamente inventivas, en ocasiones él mismo -autor y protagonista- queda estupefacto.

Al encontrarse con Ulises, el héroe de la Odisea, se sorprende y no puede más que preguntarle por qué está ahí.

Ulises es alguien que tiene el don de la palabra y puede hacerte creer cualquier cosa.

Y la calidad de la poesía en ese pasaje está a la altura: "es fenomenal", dice Keane de una de las partes más admiradas.

Ulises habla y encanta pero es alguien que no regresó a casa, dejó a Penélope esperando para seguir con su aventura. No sólo eso: convenció a sus marineros de embarcarse en ella sin saber cómo iba a terminar.

Y termina con la muerte de quienes le siguieron.

Entonces, por un lado, es como la retórica ardiente de los populistas, que hablan el idioma de la gente y se valen de eslóganes atractivos, pero que no ofrecen soluciones reales a problemas muy reales.

Sin embargo, la tan admirada belleza de los versos quizás apunta a otra visión, "en el sentido de retarte a mirar más allá de tus propias restricciones, a salirte del mapa o a darte cuenta de que el mapa podría necesitar un cambio, porque lo que Ulises quiere hacer es ver más que el único mundo conocido", señala Keane.

Una de las cosas que dice el héroe de la Antigua Grecia es que tengamos valor, que avancemos, que veamos lo que hay más allá.

Al poner eso en el poema, Dante nos está animando a reflexionar sobre a dónde podría llevarnos el libre pensamiento, aunque también a no dejarnos llevar ciegamente por las palabras.

Nos invita a reflexionar junto con él pues él no tiene todas las respuestas.

4. Porque sorprende

Uno de los aspectos emocionantes de la primera parte del épico poema es que, si bien se deleita en el horror y además cuenta historias muy serias sobre la justicia social y el comportamiento de la gente con los demás, también está lleno de sorpresas.

Una de ellas es que cuando finalmente llegas a lo más profundo del averno, donde están los traidores, en sus entrañas hay hielo, no fuego.

"La idea es el corazón frío, cerrado a los otros, a la sociedad, y ese tipo de actitud podría conducir al abuso de los demás", explica Keane.

"Es el abuso -el abuso del sistema social o el abuso de otros individuos- lo que te lleva al infierno de Dante".

Quienes están en ese terrible 9° círculo es porque así lo decidió esa monstruosa figura clásica llamada Minos, quien, tras escuchar los pecados de los condenados, enrosca su cola en torno al cuerpo tantas veces como sean necesarias para indicar la profundidad a la que serán enviados por toda la eternidad.

"Suena como algo que funciona bien, pero Dante descubre que algunas personas merecen estar en más de una zona del infierno", señala la experta.

"Ese enroscamiento furtivo de la cola que resuelve las cosas es un poco como un algoritmo, con todo y sus deficiencias, como los que se usan hoy en día".

Aspectos de tu personalidad pueden hacer que te cataloguen automáticamente de acuerdo a un razonamiento falso y lo que Dante está diciendo es que no se debe encasillar a la gente.

5. Porque inspira

Probablemente conozcas la frase "Abandonen la esperanza todos los que entren aquí".

Es la escalofriante frase de apertura de la novela "American Psycho" en la que Bret Easton Ellis nos arrastra al corazón vacío de una sociedad decadente, obsesionada con el dinero y el estatus.

También es la primera línea de la canción The Navesink Banks de la banda de rock The Gaslight Anthem, está colgada como advertencia sobre la entrada al parque temático de Disney "Los piratas del Caribe" y aparece en el videojuego World of Warcraft.

Y ese es sólo uno de los 14.233 versos de una obra que ha sido infinitamente adaptada, extraída y referenciada, y ha inspirado a pintores y escultores durante siglos.

Dante brindó la visión del infierno que hizo mella y que ha sido pintada por Botticelli y Blake, Delacroix y Dalí, convertida en escultura por Rodin -cuyo "El beso" representa a los amantes malditos de Dante Paolo y Francesca- e ilustrada en las páginas de los cómics de X-Men por John Romita.

Para Jorge Luis Borges, "La Divina Comedia" era "el mejor libro que la literatura ha logrado", mientras que TS Eliot resumió su influencia diciendo: "Dante y Shakespeare se dividen el mundo entre ellos. No hay un tercero".

...no porque te hará reír a carcajadas, sino porque tiene un final feliz: es por eso que se llama La Divina Comedia, no tragedia, en el sentido clásico de esa palabra.

Tras salir del infierno, donde aprendió qué lleva a la putrefacción en la sociedad -la avaricia, el mal uso del poder, las divisiones políticas-, Dante entra en el purgatorio, pasando de la fatalidad a la esperanza: algunos errores pueden ser corregidos y podemos aprender de ellos.

Mientras que en el infierno, los pecadores son como horribles discos rayados que repiten obstinadamente los mismos argumentos sin reconocer su error y sufren el mismo castigo por toda la eternidad, las almas del purgatorio quieren corregir lo que hicieron mal, consiguiendo la libertad para cambiar.

Al mismo tiempo, se trata de limitar las libertades -las personales- por el bien de la sociedad: no robes ni abuses de tu poder ni te acuestes con la esposa de tu hermano, dice Dante, porque eso conduce a una ruptura en la sociedad.

Y eso es algo que ha estado muy presente durante la pandemia, que frenó nuestras libertades individuales- de abrazar a tu abuela o reunirte con tus amigos- por el bien de todos.

7. Porque hay amor

Finalmente, el Paraíso, de la mano de Beatriz -quien fue su amor terrenal, ahora su guía espiritual-, con quien asciende a través de los diversos cielos hasta que llegan al Empíreo, el verdadero asiento de Dios más allá del tiempo y el espacio.

Aunque Paraíso a menudo se considera la menos atractiva de las tres regiones de Dante, hay lecturas alternativas a la estrictamente religiosa.

Para Vittorio Montemaggi, catedrático en Religión y Arte en King's College, en Londres, se trata de amor.

Un "amor ardiente que mueve al Sol y las demás estrellas", como dicen las últimas líneas de la obra con la que tuvo una epifanía personal, cuando leyó "La Divina Comedia" con los reclusos de una prisión de alta seguridad.

Quienes vivían tras las rejas concluyeron que todos llevamos dentro de nosotros una chispa de Inferno, Purgatorio y Paraíso.

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Por qué "La divina comedia" sigue siendo tan relevante 700 años después de la muerte de Dante - BBC News Mundo

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Redacción BBC News Mundo Basado en la serie de la BBC "Dante 2021" Si te nombran "La Divina Comedia" quizás pienses que es una de las obras cumbres de la literatura universal, pero sólo de interés si lo tuyo es la Italia del siglo XIV. Pues prepárate para sorprenderte.

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SensaCine

El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

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4,5 4085 notas incluyendo 38 críticas

Sinopsis

Película no recomendada a menores de 12 años.

La trilogía del Señor de los Anillos se estrenó en 2001 con La Comunidad del Anillo, le siguió Las dos torres en 2002 y acabó con El retorno del Rey en 2003.

En este episodio de la trilogía, el joven y tímido hobbit, Frodo Bolsón, hereda un anillo. Lejos de ser una simple baratija, se trata del Anillo único, un instrumento de poder que permitiría a Sauron, el Señor Oscuro, reinar en la Tierra Media y convertir en esclavos a sus habitantes. Frodo, con la ayuda de una Compañía formada por hobbits, hombres, un mago, un enano y un elfo, tiene la misión de llevar el Anillo viajando por toda la Tierra Media hasta el Monte del Destino, lugar donde fue forjado, y destruirlo para siempre. Un tal periplo supone aventurarse muy lejos en Mordor, la tierra del Señor Oscuro, donde se concentra su ejército de orcos maléficos... La Compañía, no solo debe combatir las fuerzas externas del mal, sino también las fuerzas internas y la influencia corruptora que ejerce el propio anillo. El final de la historia está íntimamente ligado a la suerte de la Compañía.

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La Crítica de SensaCine

El neozelandés Peter Jackson abría con contundencia y mucha ambición, poniendo el nivel muy alto, la ansiada adaptación cinematográfica de la novela homónima del británico J. R. R. Tolkien, a partir de la traslación de su primer tomo. Hasta 2001 solo una película de animación se había atrevido con la épica saga fantástica de Tolkien, el filme que en 1978 dirigió Ralph Bakshi adaptando la primera mitad del relato y sirviéndose para ello de técnicas de rotoscopiado. Sin embargo, Bakshi no contó con el apoyo financiero para completar su apuesta.En esta primera entrega, Peter Jackson, cuyo nombre es ya indisociable de esta trilogía (y de su precedente, El Hobbit), dedica casi la primera hora del filme a situar a propios y extraños en los territorios del imaginario Tolkien: las demarcaciones geográficas, la superpoblada galería de personajes de naturaleza bien diversa (hobbits, elfos, magos,

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Secretos de rodaje

Viggo Mortensen: un actor demasiado implicado con su papel

Viggo Mortensen tomó muy en serio su papel de Aragorn en 'El Señor de los Anillos'. Se implicó mucho con el personaje y llegando a romperse un diente con una espada. Lejos de perturbarse, el actor se aplicó pegamento para volver a colocar el diente roto y continuar con la filmación. Otro testimonio de la importancia que concedió a la película y su método para disfrutar de su papel, es que el actor portaba su espada en todo momento (cuando iba al Leer más

Ganadora de cuatro Oscar

La Academia nominó a esta película en trece categorías, obteniendo finalmente cuatro Oscar: la Mejor fotografía, Mejor banda sonora, Mejor efectos visuales y Mejor maquillaje.

Kylie Minogue se quedó sin el papel

La cantante Kylie Minogue se postuló para interpretar el papel de Galadriel, pero finalmente no se le otorgó a Cate Blanchett. De acuerdo con Elijah Wood, Peter Jackson se negó a que Minogue encarnara a Galadriel porque era demasiado bajita.

Secretos del rodaje

Especificaciones técnicas

Nacionalidades EE.UU., Nueva Zelanda

Distribuidora Warner Bros Pictures España

Tipo de película Largometraje

Fecha de retorno 30/04/2021

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El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo

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La trilogía del Señor de los Anillos se estrenó en 2001 con La Comunidad del Anillo, le siguió Las dos torres en 2002 y acabó con El retorno del Rey en 2003.En este episodio de la trilogía, el joven y tímido hobbit, Frodo Bolsón, hereda un anillo. Le

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 Es un género literario cuyo propósito es expresar las emociones, sentimientos y pensamientos subjetivos del autor, a menudo a través del verso y el lenguaje poético y metafórico

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 Es un género literario cuyo propósito es expresar las emociones, sentimientos y pensamientos subjetivos del autor, a menudo a través del verso y el lenguaje poético y metafórico

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Función poética del lenguaje:

Se prioriza la forma y el estilo, utilizando un lenguaje embellecido y original para transmitir emociones.

Abundancia de figuras retóricas:

Se emplean recursos literarios como metáforas, símiles y otras figuras para crear un lenguaje más expresivo y artístico.

Uso de la primera persona:

El hablante lírico se expresa desde el "yo", transmitiendo directamente sus emociones y reflexiones.

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Te explicamos qué es el género lírico, su origen, elementos y otras características. Además, ejemplos y subgéneros.

¿Qué es el género lírico?

La lírica o género lírico es uno de los más antiguos géneros literarios, cuya expresión habitual es el poema, en sus múltiples y muy diferentes presentaciones posibles.

Es decir, la lírica es el nombre tradicional para eso que modernamente denominamos poesía, si bien sus orígenes antiguos estaban más vinculados al canto y a la música, que a la composición literaria contemporánea, y abarcaban distintos tipos de canto que hoy en día consideramos un género aparte.

Se habla de género lírico en oposición, normalmente, al género épico, es decir, al narrativo. Sin embargo, ambas son categorías literarias antiguas.

Dado que la expresión histórica tradicional de cualquier obra literaria era el verso, especialmente antes de la invención de la escritura (servía de regla mnemotécnica), durante mucho tiempo se empleó el término poesía lírica para referirse a las formas de la poesía, en distinción al término poesía épica, que aludía a los textos narrativos en verso.

La diferencia entre uno y otro radica, al igual que hoy en día, en que la narrativa cuenta una historia, mientras que la poesía se centra en la transmisión de sentimientos, perspectivas, sensaciones y reflexiones a través de un lenguaje metafórico o poético.

Ver también: Tipos de poemas

Características del género lírico

En general, el género lírico se caracteriza por lo siguiente:

Expresa una realidad subjetiva del poeta o compositor, como sus sentimientos, impresiones, reflexiones, etc., usando para ello un lenguaje propio, original, en el que abundan los recursos retóricos, como la metáfora.

Emplea el verso para expresarse, tanto así que antiguamente se estudiaba la lírica conforme a la métrica, o sea, al tipo de verso empleado según su número de sílabas. Actualmente, en cambio, se prefiere el verso libre, sin métrica, y existen también la prosa poética y el poema en prosa.

Antiguamente era acompañada de música, como lo que hoy en día entendemos por canción o canto, mientras que en la actualidad se reserva para la lectura silente o para la declamación, en recitales y lecturas de poesía.

Emplea un lenguaje rico en figuras literarias y giros lúdicos, que puede llegar incluso a ser críptico, o sea, oscuro o difícil de entender.

Origen del género lírico

El género lírico nació en la Antigüedad, como una forma común de expresión de las culturas de la época, usualmente acompañada de diferentes instrumentos musicales.

De hecho, parece ser la forma más antigua de composición poética, presente incluso en textos sagrados o religiosos, como los Cánticos de Moisés y los Salmos de David del Antiguo Testamento, o en los poemas antiguos de la India como el Rig-veda (siglo XV a. C.). Debemos comprender que estos textos, si bien hoy no se consideran poesía (en algunos casos ni siquiera literatura), son previos a la idea misma de poesía que manejamos hoy.

Como en muchas otras artes, los grandes cultores y estudiosos de la lírica en Occidente fueron los antiguos griegos, quienes la acompañaban con el sonido de la lira (de donde proviene su nombre) u otros instrumentos musicales, y empleaban para ella cierto tipo de versificación muy específica.

El filósofo Platón (c. 427-347 a. C.) consideraba la lírica como el género propio "del recital del poeta", mientras que su discípulo Aristóteles (384-322 a. C.) se dedicó a su estudio formal en la Poética (335 a. C.), comprendiéndola como la palabra cantada y acompañada de música, sin que medie en ella intención alguna de relato.

Subgéneros del género lírico

La lírica ha tenido numerosos subgéneros a lo largo de su historia, muchos de los cuales se consideran hoy extintos. Entre los más conocidos destacan:

Oda. Composición poética de tono elevado y a menudo cantado, en la que el poeta expresa la admiración del poeta por algún aspecto vital que atrapa su reflexión, como la patria, el amor, etc.

Elegía. Similar a la oda, pero de carácter lamentoso, la elegía es un poema o canto de dolor ante algo perdido: un amante, la vida, la juventud, la ilusión, la patria, etc. Era común su inscripción en lápidas o estatuas mortuorias, emparentadas con el epigrama.

Epigrama. Poema brevísimo en el que se expresa, de manera similar a un aforismo, un pensamiento festivo, satírico o irónico, comúnmente para grabarlo en la superficie de algún objeto de valor sentimental.

Himno. Un tipo de canto lírico en el que se expresa alegría y celebración, especialmente ante situaciones gozosas o históricas, como la victoria, la fundación de la patria o la gloria divina. Pueden estar, por ende, dedicados a los dioses, la patria o a un héroe particular.

Balada. Típico de la Edad Media y el siglo XIV, la balada es una composición poética que evoca una musicalidad muy marcada, sin necesidad de ser acompañada por instrumentos. Para ello, repite un verso o estribillo al final de cada tres estrofas, como si fuera una canción.

Una de las formas poéticas más populares durante el Renacimiento, cuyos poemas de tema diverso se estructuraban siempre conforme al mismo orden: catorce versos de arte mayor (endecasílabos), organizados en cuatro estrofas: dos cuartetos y dos tercetos. De esta manera, el soneto tenía una introducción, desarrollo y conclusión en su abordaje del tema.

Elementos del género lírico

Las obras del género lírico suelen constar de los siguientes elementos:

Poema. Un poema es una obra de longitud variable, escrita en versos, en la que un hablante poético expresa una realidad subjetiva mediante un lenguaje propio. Así, un libro de poesía, obviamente, contiene poemas.

Cada una de las líneas en las que se escribe un poema, y que pueden tener una longitud variable y estar escritas con o sin rima final. Es oponible, pues, a la prosa (el texto continuo).

Estrofa. Una estrofa es un conjunto de versos que constituyen una unidad dentro del poema, y que deben ser leídos en conjunto, aparte del resto del texto. Son equivalentes a los párrafos de la prosa.

Rima. Se llama así a la similitud fonética que dos o más versos presentan en sus sílabas finales, y que puede ser de dos tipos: asonante, cuando coincide su letra final, y consonante, cuando coincide toda la sílaba final.

Métrica. Antiguamente, se empleaba la métrica como una forma de estudio del poema, midiendo la cantidad de sílabas por verso (y de versos por tipo de poema), en base a criterios fijos y recurrentes.

Ejemplos de género lírico

Son ejemplos posibles de la composición lírica los siguientes:

Bucolicum carmen (1357) del poeta italiano Francesco Petrarca (1304-1375).

La oda a la alegría (1786) del poeta alemán Friedrich Schiller (1759-1805), llevada a la música por Ludwig van Beethoven en 1793.

Los himnos a la noche (1800) del poeta alemán Novalis (1772-1801).

In principio erat verbum del poeta y religioso español San Juan de la Cruz (1542-1591).

Sigue con: Género épico

Referencias

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Género Lírico - Concepto, origen, elementos y características

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Género Lírico ✓ Te explicamos qué es el género lírico, su origen, elementos y otras características. Además, ejemplos y subgéneros.

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"La mariposa".

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Mariposita ✨🦋✨🥰  #cancionesparaniños #musicainfantil #videosparaniños #forkids #funnykids #niños #tiktokids #mariposita #parati 

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Se caracteriza por la ausencia de narrador, la acción se desarrolla a través de las palabras y los actos de los personajes, y su sentido pleno se alcanza en el escenario ante un público. 

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Se caracteriza por la ausencia de narrador, la acción se desarrolla a través de las palabras y los actos de los personajes, y su sentido pleno se alcanza en el escenario ante un público. 

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Representación escénica:

Está escrito para ser puesto en escena, integrando no solo el texto sino también elementos como la actuación, el vestuario, la escenografía, la música y la iluminación.

Conflicto:

El corazón del género dramático es un conflicto que se desarrolla en la vida de los personajes.

Estructura:

Se organiza típicamente en presentación, nudo (donde el conflicto aumenta la tensión) y desenlace (donde el conflicto se resuelve).

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Te explicamos qué es el género dramático, sus elementos, subgéneros y características. Además, cómo es la estructura de la obra dramática.

¿Qué es el género dramático?

En arte y literatura, cuando hablamos del género dramático nos referimos al género teatral, también llamado drama (del griego drama, "acción" o "actuación"). Este es un género que se caracteriza por representar situaciones a través del diálogo y las acciones de los personajes, ya sea en el texto escrito (el "guión" teatral) o en una representación escénica (la "puesta en escena" teatral).

Sin embargo, a diferencia de otros géneros literarios y narrativos, los eventos del género dramático ocurren en un presente continuo, frente a los ojos del espectador, y sin la intermediación de un narrador de ningún tipo.

Aunque es común manejar los términos drama y teatro como sinónimos, muchos especialistas señalan ciertas diferencias:

Drama: Se refiere específicamente a la parte escrita de este arte, o sea, a un género literario, por lo tanto, es fruto de un dramaturgo.

Involucra la parte actuada, o sea, un arte escénica en sí misma. Es decir que es obra de un director teatral.

Sin embargo, ambos aspectos están unidos y son inseparables a la hora de pensar este tipo de representación artística.

El género dramático tuvo sus orígenes en la antigüedad griega, específicamente en el culto a Dionisos, dios del vino y de la alegría, cuyas celebraciones consistían en el canto de himnos y, posteriormente, la representación de escenas mitológicas.

El teatro llegó a ser parte fundamental de la educación ciudadana griega, y sus grandes dramaturgos como Tespis (c. 550-500 a. C.), Esquilo (c. 526-c.455 a. C.), Sófocles (496-406 a. C.) y Eurípides (c. 484-406 a. C.) se inspiraron en los personajes y las anécdotas de su tradición religiosa, para construir una obra vasta y profunda que en gran medida sobrevive todavía.

Posteriormente, el drama fue heredado a Roma, cuyos grandes cultores del género fueron Plauto (254-184 a. C.), Terencio (185-159 a. C.) y Séneca (4 a. C.-65 d. C.). Tras un importante hiato durante el Medioevo cristiano, la tradición teatral fue retomada en Europa durante los siglos XI y XII, en los que resurgieron la comedia escrita en latín y la escenificación de pasajes del evangelio cristiano.

La primera obra teatral escrita completamente en español fue el "Auto de los Reyes Magos", pieza anónima escrita en el siglo XIII, de la que se conservan unos 147 versos aproximadamente.

Ver además: Dramaturgia

Características del género dramático

El género dramático se caracteriza por lo siguiente:

Los antiguos griegos llamaban "drama" a toda forma de actuación, independientemente de su contenido. Su equivalente actual sería "teatro". No debemos confundir este uso del término con lo que hoy en día entendemos por "dramático", o sea, vinculado a la tragedia y al sufrimiento emocional.

Si bien posee un texto literario de base, está pensado fundamentalmente para su escenificación, o sea, para ser actuado en un escenario. Por ello el texto dramatúrgico posee indicaciones y marcas para guiar la representación, aunque esta última queda libre a interpretación del director de la obra.

Representa un conjunto de acciones que forman parte de un relato, pero a diferencia de la narrativa lo hace en un presente inmediato, o sea, hace ocurrir las cosas frente al espectador, y normalmente carece de todo tipo de narradores.

El género dramático combina el arte literario y el arte escénico, y es considerado uno de los géneros artísticos más potentes de la tradición occidental.

Subgéneros dramáticos

Ha habido, a lo largo de la historia, muchas formas de clasificar y subdividir el género dramático, algunas propias de su época de origen, como las propuestas por Aristóteles (384-322 a. C.) en su Poética, y otras muy posteriores que evidencian la evolución del teatro conforme el paso de los siglos.

Actualmente, se considera que existen siete géneros dramáticos mayores, diferenciados entre realistas (apegados a lo verosímil) y no realistas (que se toman licencias frente a lo real), y que son:

La tragedia. Género realista, de gran tradición en Occidente, que se dedica a narrar la caída de personajes ilustres, para conmover al público a partir de su sufrimiento. Un claro ejemplo de ello son las tragedias griegas clásicas, como Edipo Rey de Sófocles.

. Género realista, contrapartida de la tragedia, dado que se ocupa de personajes vulgares, comunes y corrientes, representados mediante la ridiculización o exageración de sus rasgos, moviendo a los espectadores a la risa o a la simpatía. Esto ocurre a partir de una identificación con el personaje que, en muchos casos, puede apuntar a un trasfondo moralista, pues busca dejar algún tipo de enseñanza. Un perfecto ejemplo de comedia son las piezas del francés Molière (1622-1673), como El tartufo o El avaro.

La pieza. Género realista, caracterizado por someter a personajes comunes y corrientes a situaciones complejas y experiencias límites, que sin embargo no causan necesariamente una transformación en el fuero interno del personaje. Un ejemplo de ello es Casa de muñecas del escandinavo Henrik Ibsen (1828-1906).

La tragicomedia. Género realista, de protagonistas arquetípicos o incluso estereotípicos, que a lo largo de la obra persiguen algún tipo de ideal: el éxito, el amor, etc. Como su nombre lo indica, reúne elementos trágicos y cómicos en una anécdota compleja, que también abre lugar al sarcasmo y la parodia. Un ejemplo de ello es La tragicomedia de Calisto y Melibea de Fernando de Rojas (c. 1470-1541).

El melodrama. Género no realista, que relata anécdotas complejas protagonizadas por personajes dotados de reacciones emocionales exageradas, y que acompañadas por música y otros "efectos" teatrales buscan en el espectador una respuesta emocional superficial. Desde el siglo XVII existe principalmente como un género de ópera, y posteriormente en la radio, cine y televisión. Un buen ejemplo de ello es el Pagliacci de Ruggero Leoncavallo (1857-1919) o Madame Butterfly de Giacomo Puccini (1858-1924).

La obra didáctica. Género no realista, presentada al público en forma de reflexión o de silogismo, y que marcha en pos de una enseñanza o un aprendizaje, a través de personajes sencillos y una anécdota compleja. Un perfecto ejemplo de ello es El círculo de tiza caucasiano del alemán Bertolt Brecht (1898-1956).

La farsa. Género no realista, que echa mano a elementos de cualquier otro de los géneros dramáticos, para llevar a sus personajes hacia situaciones caricaturescas o simbólicas, a menudo funcionando como una parodia. Desde cierto punto de vista, no se trata de un género en sí mismo, sino de un procedimiento de reapropiación de los demás. Un ejemplo de farsa es Esperando a Godot de Samuel Beckett (1906-1989).

Además de estos siete, existen un número variable de subgéneros menores, considerados tendencias transitorias o puntuales en la historia del género, como el teatro del absurdo, el teatro de la crueldad, el teatro existencialista, etc.

Elementos del género dramático

El género dramático consta de diferentes elementos, tanto para su escritura como para su representación escénica:

La acción. El conjunto de acciones e intercambios que tienen lugar en escena durante la representación de la obra, y no todos los cuales están contemplados necesariamente en el texto escrito. En general, la acción compone el argumento de la obra, es decir, la historia que se desarrolla frente a nuestros ojos.

La espacialidad. El escenario o lugar ficcional en donde ocurre la obra, representado a través de elementos escénicos reales (decorados, instrumentos, etc.) o imaginarios (aquellos que se hacen "aparecer" mediante la actuación).

La temporalidad. En la obra coinciden dos formas muy distintas de tiempo, que son el tiempo de la obra, es decir, el tiempo que abarca el despliegue de la acción y que pueden ser minutos, semanas, meses o años, dependiendo de la anécdota contada; y el tiempo de la representación, que es el tiempo real que toma contar la anécdota, o sea, el tiempo de duración del espectáculo, usualmente comprendido entre una y tres horas.

Los personajes. Cada actor en escena le pone cuerpo a un personaje de la anécdota, de acuerdo a lo contemplado en el guión. Los personajes pueden ser protagónicos o secundarios, y pueden presentarse al público acompañados de disfraces, o no. En la antigüedad griega los actores empleaban máscaras que dejaban en claro a qué personaje encarnaban.

El conflicto. En toda obra dramática hay un conflicto que es la fuente de la tensión en la historia, o sea, que genera suspenso y ganas de seguir contemplando la obra (o seguirla leyendo). Dicho conflicto surge a partir de los deseos del protagonista y su encuentro con la realidad del resto de los personajes, es decir, cuando dos o más visiones de mundo se enfrentan en el argumento.

Estructura de la obra dramática

Las obras dramáticas pueden variar en cuanto a estructura, pero en general se estructuran:

Actos: Son unidades amplias en que la obra se segmenta, separadas entre sí por un descanso (entreacto) representado por una bajada del telón, oscuro o mecanismo similar.

Escenas: Son las unidades en que se divide cada acto, y que se corresponden con la presencia en el escenario de ciertos personajes o elementos, o sea, que están determinadas por la entrada o salida de los actores al escenario.

Una obra teatral puede tener 2, 3, 5 o hasta 7 actos o más, y cada uno de ellos un número diverso de escenas.

Por otro lado, hablando en términos narrativos, una obra teatral se divide, según la visión aristotélica clásica, en tres segmentos claramente diferenciados: inicio, desarrollo y desenlace.

Al inicio le corresponde la presentación de los personajes y del conflicto, generalmente a partir de posturas contrarias que son ofrecidas al público.

Al desarrollo le corresponde la complicación de la trama, conduciendo a los personajes al enfrentamiento decisivo o a la situación límite, que es donde el relato alcanza su punto máximo de tensión.

Al desenlace le corresponde la resolución del conflicto y la presentación de un nuevo orden de las cosas, que resuelve las tensiones y brinda el fin de la obra.

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Referencias

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Género Dramático - Concepto, elementos y características

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Género Dramático ✓ Te explicamos qué es el género dramático, sus elementos, características y subgéneros. Además, cómo es la estructura de la obra dramática.

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Edipo Rey de Sófocles

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

Edipo Rey de Sófocles es una de las obras clásicas del teatro griego, cuya importancia es capital para la civilización occidental. Además de constituir una pieza maestra desde el punto de vista teatral, Edipo Rey representa una serie de conflictos humanos y valores sociales que son considerados arquetípicos desde el punto de vista psicológico y sociológico. Veamos de qué se trata.

Resumen de Edipo Rey

La peste se ha desatado sobre Tebas y el pueblo está muriendo. En su desesperación, todos acuden al ágora para pedir la intervención de Edipo Rey. A fin de comprender la causa y remedio de tan terrible flagelo, Edipo solicita la ayuda de Creonte, hermano de su esposa Yocasta.

Tras consultar el oráculo de Delfos, Creonte le informa que la peste es el castigo de los dioses por el asesinato de Layo, el antiguo rey de Tebas a quien Edipo no llegó a conocer. Por lo tanto, hasta que el responsable no expíe sus culpas, la peste seguirá azotando a la ciudad.

Edipo ordena una investigación y exhorta al pueblo a entregar al culpable. Entre tanto, el rey consulta al ciego Tiresias por consejo de Creonte. Tiresias le hace saber que él es el asesino de Layo, y que además vive en incesto con su madre, Yocasta. Edipo, que se tiene por hijo de Pólibo, rey de Corinto, y Mériba de Doria, concluye que Creonte se ha confabulado con Tiresias para destronarlo.

Edipo y la esfinge. 470 a.C. aprox. Cerámica pintada con figuras rojas, alt. 7,2 cm; diám. 26,3 cm.

Creonte y Edipo discuten acaloradamente, hasta que se hace presente Yocasta. Con el propósito de disipar las preocupaciones de Edipo, Yocasta le hace saber que Layo murió en manos de unos bandidos en el cruce de tres caminos. Asimismo, le anima a no temer de las profecías del oráculo, ya que en tiempos pasados el oráculo predijo que Layo y ella tendrían un hijo que mataría a su padre y se desposaría con su madre. Para evitarlo, se deshicieron de la criatura.

Una profecía semejante había recibido Edipo en su juventud, razón por la cual se exilió de Corinto para evitar su suerte. Edipo recuerda que en su exilio mató a alguien en el cruce de tres caminos, pero lo hizo por sí mismo y no en grupo. Aun así, comienza a temer que él sea el asesino de Layo.

Un mensajero aparece para anunciar que Pólibo ha muerto y que este debe ir a tomar su cargo como sucesor. En la conversación, Edipo descubre que no es hijo de sangre de Pólibo, ya que el mismo mensajero le explica que lo recibió de un pastor cuando era niño y lo entregó al rey de Corinto.

Inmediatamente, hacen comparecer al pastor quien, finalmente, confiesa que ese niño se trataba del hijo de Layo, y que este se lo había confiado para que lo matara. Sin embargo, tuvo piedad de la criatura y lo entregó al mensajero confiado de que se lo llevaría lejos de allí.

Ante la terrible verdad, Yocasta se suicida. Edipo, consternado, decide romper sus ojos con los broches del vestido de Yocasta, de modo que cuando muera no pueda mirar a sus padres a los ojos en el Hades. Ciego, le pide a Creonte que lo exilie, de modo que Edipo se condena a vivir para siempre como un extranjero, desprovisto de todo poder, afecto y consideración.

Personajes

Edipo, rey de Tebas

Un sacerdote de Zeus

Creonte, cuñado de Edipo

Coro de ancianos tebanos

Corifeo

Tiresias, adivino

Yocasta, reina de Tebas

Un mensajero

Un pastor, criado de Layo

Otro mensajero

Análisis

Como género dramático Edipo rey es, ante todo, una tragedia. Por principio, la trama gira en torno a un elemento fundamental: el ser humano no puede escapar de su destino. Sea del tipo que sea, el destino se representa en la cultura griega como un sino ineludible, inevitable. Conozcamos ahora cómo Sófocles construye esta idea para haberse convertido en una obra referencial no solo de la Antigua Grecia, sino de la civilización.

Estructura

La obra de Edipo Rey se estructura en un solo acto, respetando el principio de unidad de tiempo y unidad de acción, del cual Aristóteles hablara en su poética. Aunque la obra contiene ocho episodios, todos estos se suceden y concatenan uno con el otro en una sola línea temporal.

Para lograrlo, Sófocles aplica un recurso utilizado ya por otros autores: lo que Sófocles representa no es una secuencia de acciones o sucesos propiamente dichos, sino la exposición verbal de una serie de noticias, es decir, hechos ya ocurridos, ante los cuales solo queda develar y descubrir sus implicaciones y, finalmente, esperar el desenlace que resulta de la revelación. Esto nos hace saber el investigador Javier de la Hoz en un ensayo titulado "La composición de Edipo Rey y sus aspectos tradicionales".

En efecto, el relato comienza con la aglomeración del pueblo de Tebas que exige una solución al problema de la peste. Tras consultar al oráculo, se comprende que el sufrimiento del pueblo es consecuencia de algo que ocurrió en el pasado y que todos ignoran, unos deliberadamente, otros por desconocimiento absoluto.

Retóricamente, es lo que se conoce como una elipse o elipsis: la información ha sido elidida deliberadamente para generar un efecto dramático en el espectador. Este no ve tales acciones representadas en la escena en ningún momento. La información develada es siempre parcial, lo cual va creando expectativa a lo largo de la obra. Así, entre la exposición del argumento en la primera secuencia y el desenlace, el espectador solo tiene ante sí un relato de palabras a partir del cual va construyendo el hilo de la trama.

Cada personaje que se incorpora a la escena va revelando más información sobre el curso de los hechos. Así, en esta obra se ve que Sófocles ya recurre a tres actores en la escena, entre los cuales la información se triangula y genera mayor tensión y conflicto.

Destino y conocimiento

Hemos dicho que la tragedia griega se fundamenta en la representación del destino como un sino ineludible. Es eso lo que experimentan tanto Edipo como Layo y Yocasta. Cada uno de ellos, al conocer el oráculo, ponen todo su esfuerzo en torcer su fortuna y evitar el desenlace terrible. Al hacerlo, apenas se aseguran que todo ocurra tal como ha sido profetizado. Habrá quienes, en el mundo de la psicología, llamen a esto "profecía autocumplida".

De la Hoz comenta lo siguiente en su ensayo:

Sófocles (...) ha transformado la narración de un mensajero omnisciente, épico, en una investigación de la verdad en que se enfrentan la voluntad de conocer, la ignorancia que impide comprender el sentido real de las noticias, la interesada ocultación de datos, y en la que se progresa en parte por inesperadas iluminaciones que surgen al entrar en contacto dos verdades a medias que mutuamente se completan, en parte por la mera voluntad e incluso violencia ejercidas por Edipo sobre los posibles informantes.

En todo caso, se presenta también una paradoja: en la medida en que estos personajes tienen información sobre su futuro, más se aseguran el cumplimiento de la profecía. Ni siquiera eso los puede eximir. Tener acceso a los videntes y oráculos no les da ningún margen de salvación. Tal como se puede observar, para el pensamiento de la antigüedad clásica no era posible al ser humano sustraerse a la voluntad de los dioses o al destino, por más esfuerzos que hiciera. Así, saber sobre el futuro no sería una ventaja en ningún caso.

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Mito, sociedad, justicia y castigo

En el sentido originario del término, en su sentido antropológico, el mito es un relato fundacional que explica, a través de símbolos y alegorías, el orden del mundo y el sentido de la existencia. En cada mito, hay una explicación para justificar por qué el mundo funciona como funciona.

Esto quiere decir que los mitos son un reservorio de un sistema de valores y, a la vez, cada expresión artística es un reservorio de los mitos de cada cultura, por lo cual son responsables de mantenerlos actualizados y vigentes. Sófocles recrea a través del teatro el mito de Edipo, que encarna los valores sociales de su civilización, y expone un sentido de justicia, castigo y orden para que el grupo social pueda tomar buen rumbo.

El principio fundamental es la creencia en el destino humano, tal como ya hemos dicho. Nadie puede evitar su destino, por más que crea que tiene el "poder" de hacerlo. De él no escapan ni siquiera los poderosos. Allí, en el texto dramático y en la virtual representación, la obra representa la realidad tal como ella es: nadie controla su destino y el poder es solo una ilusión. La condición humana es esta y todos están igualmente sometidos a su ley. Pero no solo eso.

El oráculo se pronuncia ante una posibilidad absolutamente abominable desde el punto de vista cultural y moral para Grecia: el incesto y sus consecuencias que pesan no solo sobre los que han caído en él, sino sobre la sociedad entera. Junto a esto, el peso del orgullo, la confianza desmesurada en el poder temporal y los apegos también hacen su parte. El peso moral de las acciones de los individuos recae sobre la sociedad en su conjunto. No hay, por tanto, una prefiguración del individualismo, pero sí una reflexión sobre la condición humana.

El sentido mítico de Edipo Rey llega a trascender de tal manera que hasta construye la imagen de un arquetipo: la relación de Yocasta-Layo-Edipo pone en evidencia un arquetipo de personalidad y de las relaciones humanas que se prefigura universal. Esto fue recogido y sistematizado en el psicoanálisis por Sigmund Freud, que vio claramente cómo esta obra simboliza, en realidad, el modo de funcionamiento de la psique, al menos hasta cierto punto.

De este modo, Edipo Rey demuestra a los detractores del mito, es decir, a quienes ven los mitos como "mentiras", que los mitos encarnan verdades universales, lo que explica que esta obra se haya vuelto una referencia fundamental para la cultura occidental.

Sófocles

Sófocles es un dramaturgo griego que nació en Colono en 496 y murió en Atenas en 406 a.C. Destacó en la escritura del género teatral conocido como "tragedia", gracias a lo que ganó más de una docena de competencias dramatúrgicas celebradas durante las fiestas dionisíacas.

Sus obras estuvieron basadas en los mitos de la antigüedad griega, lo cual es propio de su tiempo histórico, toda vez que el teatro nace en la Antigua Grecia enlazado a los relatos míticos fundacionales.

En sus casi 90 años de vida, Sófocles escribió más de una centena de tragedias, de las que sólo han perdurado siete hasta la actualidad. Estas son:

Además de haber tenido una obra prolífica, a este dramaturgo se le recuerda por haber impulsado importantes transformaciones en el teatro. Entre sus muchos aportes, se cuenta la inclusión de escenografía, así como el aumento en el número de actores en escena de 2 a 3, lo que supuso la composición de obras más complejas y tramas más enervadas. También aumentó el número de coristas por obra. Asimismo, rompió con la tradición de escribir trilogías. Esto dio entrada a la valoración individual de cada pieza de teatro.

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Edipo rey, de Sófocles: resumen, análisis y personajes de la obra

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Especialista en artes, literatura e historia cultural Edipo Rey de Sófocles es una de las obras clásicas del teatro griego, cuya importancia es capital para la civilización occidental. Además de constituir una pieza maestra desde el punto de vista teatral, Edipo Rey representa una serie de conflictos humanos y valores sociales que son considerados arquetípicos desde el punto de vista psicológico y sociológico.

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La vida es sueño de Calderón de la Barca

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La vida es sueño de Calderón de la Barca

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INBA - Instituto Nacional de Bellas Artes

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Dirección: Claudia Ríos

Es una de las obras cumbre de la literatura universal y posiblemente la más difundida del Siglo de Oro Español. Su relevancia radica en la presentación del dilema de la libertad, el libre albedrío, la justicia y el abuso de poder, en un juego escénico entre la realidad y el sueño.

Recomendada para mayores de 18 años

Previa reservación en: publicos.cnteatro@inba.gob.mx

Foto: Reforma

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La vida es sueo - De Pedro Caldern de la Barca

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Dirección: Claudia Ríos Es una de las obras cumbre de la literatura universal y posiblemente la más difundida del Siglo de Oro Español. Su relevancia radica en la presentación del dilema de la libertad, el libre albedrío, la justicia y el abuso de poder, en un juego escénico entre la realidad y el sueño.