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在文藝復興之前，意大利語並不是意大利文學所使用的語言。直到13世紀意大利的作家才開始使用母語替代拉丁文、法文和普羅旺斯語。1250年代意大利詩壇出現了一個重大的改變，以圭托內·阿雷佐和圭多·圭尼澤利為先鋒的《甜美新風格》（注重於柏拉圖式戀愛而非宮廷愛情）出現了。意大利文學的變化在文藝復興起始的數十年前就已經開始了，尤其是在意大利詩壇。由此可見，13世紀的意大利文學變革的確為文藝復興的到來做好了準備

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譚皓然 2C 16

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大卫》是1501年—1504年间意大利雕塑家米开朗基罗·博那罗蒂创作的大理石雕塑，现收藏于意大利佛罗伦萨美术学院。此雕塑为大理石雕像，高3.96米，连基座高5.5米。该雕像展现了一个年轻有力的裸体男子形象，体态健美、神情坚定、肌肉饱满、有生命力，似乎能够感觉到人物身体血管的跳动，更突出了大卫作为一名英雄的高大形象。[

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波提切利的蛋彩画《春》，是意大利文艺复兴前期重要的代表作。出自《圣经》传说中的大卫的这一形象，是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。有趣的是，庄严的宗教仪式在美丽的大自然中进行，体现了画家对自然的热爱。

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作者:達文西
介紹:最後的晚餐》是一幅廣為人知的大型壁畫，文藝復興時期由李奧納多·達·文西繪於米蘭天主教恩寵聖母多明我會院的食堂之牆壁上。1980年，繪有《最後的晚餐》的恩寵聖母被列為世界遺產。

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Siena，意大利語發音：[ˈsjɛːna] （i））是意大利托斯卡尼大區的一座城市，也是錫耶納省的首府。其老城中心區1995年被聯合國教科文組織列為世界文化遺產。錫耶納是意大利著名旅遊景點之一，在2008年共有超過169,000人次造訪這座城市。錫耶納以獨特的料理、藝術、博物館、中世紀景觀和賽馬節聞名於世。

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2B13。林先人，洛倫佐的文化修

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2B13。
林先人，洛倫佐的文化修 養無疑更勝一籌。他自己就是一位詩人和藝術評論家，身旁聚集著當時最優秀的學者、文人和藝術家。他贊助的藝術家中最有名的是達·芬奇，而米開朗琪羅，加一生都和美第三奇家族 密切相關。 洛倫佐最先註意到了才華橫溢的米開朗琪羅，對他加倍重視和愛護。這個14歲的少年走出洛倫佐的宮殿，與當時最有名望的人、文主義學者、詩人詩人交往。

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去佛羅倫斯，Uffizi Gallery是必遊之處，其鎮館之寶包括Sandro Botticelli三幅代表性作品︰《春》、《維納斯的誕生》和《三王來朝》。《三王來朝》畫中，作者Botticelli把自己和出資給他畫畫的有錢人，都畫進畫中的做法十分有趣，跟敦煌隋唐時期壁畫中把贊助人加入畫中如出一轍。曾幾何時，即使那些英國名門望族、富貴財主想去參觀這些名畫也不易。上文提到17、18世紀英國富胄貴族以長途遊歷歐洲為時尚，其中以意大利名城為終點。1670年，英國人Richard Lassels在《Voyage of Italy》中，叫這種文化朝聖之旅為Grand Tour，中譯「壯遊」

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去佛羅倫斯，Uffizi Gallery是必遊之處，其鎮館之寶包括Sandro Botticelli三幅代表性作品︰《春》、《維納斯的誕生》和《三王來朝》。《三王來朝》畫中，作者Botticelli把自己和出資給他畫畫的有錢人，都畫進畫中的做法十分有趣，跟敦煌隋唐時期壁畫中把贊助人加入畫中如出一轍。曾幾何時，即使那些英國名門望族、富貴財主想去參觀這些名畫也不易。上文提到17、18世紀英國富胄貴族以長途遊歷歐洲為時尚，其中以意大利名城為終點。1670年，英國人Richard Lassels在《Voyage of Italy》中，叫這種文化朝聖之旅為Grand Tour，中譯「壯遊」

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《布列達的投降》是一幅大型歷史畫。它是1629年委拉斯貴支獲得機會出訪意大利，在威尼斯、羅馬、那不勒斯等地看到了文藝復興諸大師的繪畫原作，他特別著重研究了威尼斯畫派的色彩與用光，回國後創作的作品色調更加柔和、晶瑩，形象塑造更加生動、細膩。這期間他創作出了最傑出的作品，就是《布列達的投降》

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2b 23

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紛繁複雜的冬日一瞥，在作者精確嚴謹的秩序中成為一體。恰當的遠近透視處理，使佈局和構圖具有深遠的空間感和流動的氣氛。山坡和地平線的交叉組合，濃重的樹木和白雪覆蓋的大地，與林間奔跑的獵人和敏捷的獵狗，共同形成了十分巧妙的動靜結合。而冰河上的身影和空中飛旋的小鳥，讓人們在肅穆寧靜感受到冬日裏也有勃勃生機。整體來説，作者基本上是運用黑白灰色調的交錯對比來控制畫中人物和自然的造型的，這種冷靜而透明的審視態度，其實在勃魯蓋爾本人的心目中也是難能可貴的。也許在這幅描繪尼德蘭地形風貌和美麗容姿的鉅作中，還隱藏着作者對這種場面的留戀，因為他不知道多難的尼德蘭何時才能從西班牙的奴役中走出來。

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《纳税银》[TThe Tribute Money]，马萨乔，1420年 马萨乔[Masaccio]继承了乔托的绘画传统并加以发展，他是首位将当时流行的透视法使用到绘画的画家，并将科学解剖等方法运用到绘画创作，力求真实的表现现实世界，作品构图严谨，空间宏大写实，人物姿态真实。

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《聖母領報》是被廣泛歸屬於意大利文藝復興畫家列奧納多·達·文西所創作的一幅畫作，據推測創作時間為1472年至1476年左右。是達文西留存下來的最早的重要作品之一。當時他是安德烈·德爾·委羅基奧的學徒，並在佛羅倫薩完成。

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The School of Athens is considered to be one of Raphael's greatest achievements. It uses innovative, Renaissance-era artistic techniques, such as linear perspective and the realistic portrayal of human figures. Additionally, the painting illustrates the significant impact of Greek thought on Renaissance Italy.

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岩間聖母是指李奧納多·達·文西的兩幅畫板油畫的統稱，這兩幅畫構圖基本相同，一幅畫作於1483年至1486年，現藏於羅浮宮

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岩間聖母是指李奧納多·達·文西的兩幅畫板油畫的統稱，這兩幅畫構圖基本相同，一幅畫作於1483年至1486年，現藏於羅浮宮

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《大洪水》這幅溼壁畫是米開朗基羅在西斯汀禮拜堂拱頂上繪製的第一個聖經故事。

此畫描繪著一群逃難者躲藏在被上帝的閃電擊中的帳篷下面.閃電是上帝大發雷霆的象徵。

畫面充滿悲愴和痛苦之情；那些備受痛苦的人類赤裸著身軀.四肢扭曲伸展、複雜地交織著.表現人類絕望和受上天懲罰的戲劇性場面是通過那些迷途罪人的姿態和表情展現出來的.他們有的互相幫助和照顧.另一些則在為苟延性命而苦苦掙扎。

綠色、藍紫色和粉紅色之間的色彩反差增強了大難臨頭的氣氛。看著這些由於受磨難而表情滯重的人物向前行進.我們幾乎能聽到狂風搖撼樹枝時的呼嘯.幾乎能感覺到上帝憤怒時的恐怖氣氛。

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威尼斯，另一个中心 文艺复兴时期的艺术 ，是一座闪烁如梦的运河城市，数百年来一直是意大利与异国情调的东方的纽带。 从她的早期开始，这座城市就为公元五，六世纪的哥特式和伦巴底式入侵等时期的帕多瓦等附近城镇的居民提供了避难所。 在六，七世纪由拜占庭皇帝统治，这座城市被置于拉文纳主教的宗教和临时保护之下。

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《農民的婚禮》（Peasant wedding）創作者為彼得·勃魯蓋爾（Bruegel，Pieter），創作年代為1568年。 《農民的婚禮》是一幅反映了農民平凡而溫暖的生活的風俗畫，充滿了真摯的情感。

《農民的婚禮》是他表現農民生活的作品中最有名的一幅，它描繪了舉辦婚禮喜筵時的熱鬧場面：地點看上去像一個穀倉，牆垛用乾草堆成，人們坐在用樹幹製成的簡陋板凳上，圍在長方形桌前就餐。如果讀者也有過參加婚禮宴會的經歷，那么盡可以將自己的感受調動起來，因為即使環境不同，但那嘈雜喧鬧的氣氛卻是可以想像的。然而，面對混亂的場面，勃魯蓋爾仍能憑藉他傑出的構圖技巧，將它們和諧地組織起來。

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《農民的舞蹈》是尼德蘭畫家彼得·勃魯蓋爾創作的油畫，現藏於奧地利維也納美術史博物館。

《農民的舞蹈》是一幅風俗畫，描繪的是一羣農民在鄉村空地上跳着笨拙的舞蹈。人物形象天真、純樸、憨厚，性格豪邁、樂觀，是一羣飽經風霜、受盡壓迫的農民肖像畫。人物裝束富有鮮明民族性特徵，畫中環境有地方特色，不失為一幅寫實的風景畫。從農民們使用的生活用品可見靜物寫實之功力。

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巴黎聖母院西面高浮雕裝飾。左側的主題是創造夏娃；中間部分表現了亞當和夏娃在伊甸園被引誘的情景；最右側的內容是亞當夏娃被逐出伊甸園。由於當時藝術作品表現的形象必須遵循聖經的記載，因此他們皆為裸體。（Jebulon/wikipedia）

由於色情藝術直接刺激人的感官，因此對現實生活甚至社會人口結構都產生了影響。當時的威尼斯史學家Marino Sanudo（一四六六～一五三六年）記載了這一現象：十六世紀初威尼斯不到十二萬人口中，在冊妓女竟高達一萬一千六百五十四人。十九世紀瑞士著名歷史學家布克哈特（Jacob Burckhardt）在他的研究中也證實了文藝復興時期義大利普遍存在的婚外情現象與婚姻家庭道德的墮落所導致的社會危機，他寫道：「這個時期義大利的一個特點是：在這裡婚姻及其權利比任何其他地方都更加頻繁地和更有意識地遭到踐踏……夫妻不忠的事情無疑是屢見不鮮的，並且在某些情況下還導致了血腥的復仇。」這些社會風氣的敗壞與文藝作品的引領和推波助瀾有著密切的聯繫。

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《布魯日聖母》是米開朗基羅的一尊大理石雕塑。 該作品是米開朗基羅生前離開義大利的第一件雕塑。 1504 年，當時歐洲主要商業城市之一布魯日的布商以 4,000弗羅林的價格買下這尊雕塑。 這尊雕塑曾兩次離開比利時。

藝術家： 米高安哲羅

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《救世主》（意大利語：Salvator Mundi）是一幅可能是列奧納多·達文西所繪製的畫作。過去它曾隱沒很長一段時間，甚至一度被認為只是達文西弟子的作品。2004年，紐約的羅伯·賽門（Robert Simon）以低價買下該畫作。並交由專家修復與鑑定後，2011年終於重現在世人面前。是一模擬肖像畫製作的空想作品，但關於其是否真為達文西真跡迄今仍存有爭議。
《救世主》與《蒙娜麗莎的微笑》約為同時期之畫作。受法王路易十二所託，畫中穿着寶藍色長袍的耶穌基督立於深邃混沌的畫面正中央，左手掌托著代表地球（Mundi）的水晶球，右手則舉起給予祝福的十字聖號手勢，象徵將全世界和人類的救贖與福祉捧於掌心。

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作品:儿童游戏
作者:老彼得·勃鲁盖尔
《儿童游戏》这幅闻名已久的画作。在这幅被称为又一幅百科全书般的全景绘画中，画家描绘了当时的80种游戏，在维基百科上有这80种游戏的完整介绍，还有学者专门写了书研究这些游戏。这幅画作前总是挤满了人，不管来自哪个国家，人们都是在寻找那些儿时经常玩的游戏吗？

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作者: 安德里亞·曼特尼亞

介紹:《哀悼基督》（也稱為《哀悼死去的基督》或《死去的基督》等變體）是意大利文藝復興時期藝術家安德里亞·曼特尼亞(Andrea Mantegna) 創作的一幅約1480 年的畫作。雖然這件作品的創作年代存在爭議，但它完成於 1475 年至 1501 年間，可能是在 1480 年代初。它描繪了基督的身體仰臥在大理石板上。聖母瑪利亞、聖約翰和聖抹大拉的瑪利亞守護著他，為他的死而哭泣。

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《迦拿的婚禮》是一幅義大利畫家保羅·委羅內塞創作的油畫，內容描繪聖經故事迦拿的婚禮。這幅作品是在文藝復興全盛期的大幅油畫，因此《迦拿的婚禮》是盧浮宮博物館收藏的最寬敞的油畫。 《迦拿的婚禮》為矯飾主義油畫，內容包含許多藝術家的影響，例如萊昂納多、拉斐爾和米開朗基羅，特別是早期的畫作。

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最後的晚餐
作者：達文西
介紹：畫面的構圖以耶穌為中心向兩旁展開，就像一個等邊三角形，再以高低起伏的人物動作形成三人一組的四個小三角形，使畫面顯得協調平衡又富有動態感，同時確立了文藝復興極盛時期高度理想化的構圖原則與表現手法。 達文西還運用正確的透視法成功呈現出「最後的晚餐」中的立體空間構圖。

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作品名称：《基督受洗图》
作者名称：皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡
收藏地点：伦敦国家美术馆

皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca，－1492年10月12日），意大利文艺复兴早期画家

他写了大量关于数学和透视法的文章，精准的线性透视法是其作品的主要特色。他的许多作品都是花大量时间完成，背景刻画十分细致，光线清晰，空间距离感得到适当强调，构图匀称，对当时的绘画有革命性的影响。

基督受洗图是皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡在1450年（35岁）时创作的早期文艺复兴风格的作品，属于文艺复兴时期的宗教绘画题材的作品，基督受洗图的尺寸116 x 167 cm，使用木板,，蛋彩画，目前该作品由伦敦国家美术馆保管。
这只鸽子所处的位置，恰好就是圆拱的圆心位置。沿着画面的中轴线向下，就是主人公耶稣，这样的构图模式非常流畅地让鸽子和耶稣之间形成一种视觉上的关联。在画面的两个黄金比例位置，画家安排了施洗约翰和与之对称的一棵树，在稳定了画面的同时，又再一次强化了耶稣的核心位置。

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以賽亞是聖經以賽亞書中的主要人物，傳統上認為他是該書的作者。他是公元前 8 世紀的猶太先知，曾預言：「地必全然空虛，盡被掠奪」，因此他警告以色列人歸回上帝。

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作者:喬托·迪·邦多內

猶大之吻（Kiss of Judas），也被稱為耶穌被出賣（Betrayal of Christ），指的是對觀福音書中記載的，耶穌的門徒猶大以親吻耶穌為記號，讓祭司、長老、士兵認出耶穌，並將耶穌逮捕。猶大之吻時間上發生在吃完最後的晚餐後，地點為耶穌和門徒們經常聚會的橄欖山客西馬尼園，猶大之吻直接導致耶穌被捕。

廣義地說，「猶大之吻」可以代指「某個看似表示友誼的舉動，實際上是陷害人的」。

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这是拉斐尔为梵蒂冈宫绘制的三幅巨型壁画之一。在《雅典学院》的画面上，作者把古希腊以来的著名哲学家和思想家聚于一堂，其中包括亚里士多德、苏格拉底、柏拉图、毕达哥拉斯、还有艺术家自己。整个壁画洋溢着浓厚的学术研究和自由辩论的空气，所有的人都是那样毫无拘束地按照自己的意志和个性在进行活动，他们或者在一起侃侃而谈，或者是独个儿在那里进行思考，人物或立，或坐，或缓步走动，人文主义的艺术家总是设法使画面上的人物享有充分的自由。

如果说米开朗基罗的壁画是在颂扬人的无限强大的意志和创造力，那么，拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。此画中，拉斐尔不仅塑造了那些思想家的典型形象，揭示了他们各自不同的性格特征和丰富的精神面貌，而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点，把画面上背景，建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来，扩大了壁画的空间效果，使建筑物显得更加宽敞，壮丽。

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15世紀末，佛羅倫斯城因陷入政局不安的情況而失去了之前的地位，取代它的則是由教皇統治的羅馬城和北義大利商業城市威尼斯。16世紀初教皇為確立羅馬在基督教世界的地位，各城市為了增加城市印象，彼此爭奪知名藝術家，相對也讓大師們相互競爭。藝術家們不再滿足於個人技巧和手藝，而是轉向對自然科學和文化藝術的探索，他們不再是所謂的工匠，大多數的人都是學識淵博。此時期的藝術家除了地位提高，個人性格也得到大大的肯定。
【風格】
羅馬及中部義大利藝術
羅馬教皇朱利二世以文化的倡導者和庇護者自居，招募人才來羅馬興建教堂，使羅馬成為藝術的中心。此時期在美術理論的部份也有不錯的成就，例如達文西的繪畫美學思想，以及瓦薩里的第一部傳記美術史。這些理論反映了人們對藝術與現實之間的觀感，他們認為藝術是現實的鏡子，主張藝術模仿自然，追求一種「絕對美」的概念，創造出古典理想美的藝術。
威尼斯畫派及北義大利藝術
威尼斯畫派在15世紀末到16世紀上半葉產生於威尼斯，對於色彩有特別的研究。由於貿易發達、城市繁榮，世俗的享樂主義在此盛行，有別於佛羅倫斯。此派畫風較為華麗盛大，充滿自由的世俗氣息，題材除了與宗教相關的，還多了描繪歡愉生活的畫面和感官美的女性人體。
【後續】
這時候的藝術形態已經成熟，新的古典藝術規範也建構完成。達文西、米開朗基羅、拉斐爾、布拉曼特、提香等人是在競爭激烈之後所產生的藝術巨匠，他們將前輩藝術家探索的基礎上做了概括和總結，使16世紀初的藝術達到最高境界。題材從宗教議題擴大到了現實生活，開始觀察大自然，作品具有複雜的個性和鮮明的意象。藝術家在創作時除了把握早期的透視、解剖等科學法則，更強調給人視覺的衝擊。完美、準確、概括的寫實體系建立，在美術史上寫下光輝的篇章。

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《耶穌顯聖容》壁畫，吳潤澎 2A 24

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《耶穌顯聖容》壁畫，吳潤澎 2A 24

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作者：拉斐爾
介紹：《耶穌的顯容》是作為法國納博訥主教座堂的祭壇畫。圖中可見拉斐爾把聖史馬爾谷、瑪竇和路加相繼敘述的基督在世生活的兩個事件聯繫在一起：上方是耶穌在大博爾山顯聖容，下方則是治好附魔的孩子。畫中誇張的手勢和互動的表情，以及借助多個光源更加渲染了强烈的感情參與。

畫作特點：顏色鮮艷、立體感、人們線條均衡、真實感
人文主義：畫上耶穌和基督徒畫法及可見基督徒的五官

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15世紀末，佛羅倫斯城因陷入政局不安的情況而失去了之前的地位，取代它的則是由教皇統治的羅馬城和北義大利商業城市威尼斯。16世紀初教皇為確立羅馬在基督教世界的地位，各城市為了增加城市印象，彼此爭奪知名藝術家，相對也讓大師們相互競爭。藝術家們不再滿足於個人技巧和手藝，而是轉向對自然科學和文化藝術的探索，他們不再是所謂的工匠，大多數的人都是學識淵博。此時期的藝術家除了地位提高，個人性格也得到大大的肯定。

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《最後的審判》

西斯汀禮拜堂天花板壁畫完工 24 年之後，反對宗教改革的教皇保羅三世委託米開朗基羅為祭壇牆壁繪製一幅壁畫。當時.米開朗基羅正經歷著精神與信仰的危機，他選擇「最後的審判」這一主題展現他的痛苦。 「最後的審判」場面恢弘，人物眾多，分為天上、人間、地獄三個空間。這幅壁畫的中心主題是人生的戲劇，人注定要不斷背離上帝，罪孽深重，但終將得到拯救。

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出生於意大利北部克雷莫納市的他，從小就接觸聖歌等音樂教育，並在未成年即有作品面世。16世紀末，受到貢扎加家族支助下，他與宮廷歌手合作，出版了牧歌等普羅歌曲。而《奧菲歐》可算是蒙特威爾第最出名的歌劇。

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作者：李安納度·達文西
介紹：《岩間聖母》是一幅背景相當原生態，似乎更能表現歷經滄桑的峭壁的原始結構，而不是刻畫基督在危險世界中降生並存活的奇蹟。達·芬奇似乎也忘記在畫中通過任何明顯的象徵來影射純淨受孕協會名字的由來（即聖母瑪利亞和基督一樣，都是經「純淨」受孕而生的，因此不背負任何原罪），這都令觀賞畫作的人大惑不解。一般題材的《岩間聖母》都按照教會意願把聖母畫在先知環繞之中，這是聖方救濟會贊助者用來提升聖母瑪利亞清白信念的一般性宗教構圖方式。而達文西的創作完全是一幅在佛羅倫斯正悄然興起的世俗性作品，畫面上的一切無不體現著新意：情節的藝術化處理；不尋常的難以捉摸的風景；人物與環境的有機融合；光的巧妙利用；高尚的美所輝照出的人物形象。這幅畫的主題是小施洗者約翰在聖母瑪利亞與天使面前參拜基督，達文西將他們安頓在幽美神秘的岩石風景間，聖母、孩子和天使直接坐在山岩地上，漸濃漸淡的輕煙薄霧呈現出佛蘭德斯或威尼斯畫派所少有的朦朧畫意，整個景象如幽遠的夢境。充滿了詩一樣的溫情，祥和而且典雅。

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作者:阿爾布雷希特·杜勒

它描繪的四位使徒尺寸大於真人。巴伐利亞的馬克西米利安一世向紐倫堡市議會施加壓力，於1627年獲得了《四使徒》。此後，這幅畫就收藏在慕尼黑。自1806年起，紐倫堡努力想要收回，但一直未能成功。

杜勒遷居紐倫堡後，創作了許多著名繪畫，其中包括幾幅自畫像。他將《四使徒》贈送給市議會。約翰和彼得出現在左側的板；右側的板上描繪的人物是馬可和保羅。馬可和保羅都手拿聖經，而約翰和彼得則正在閱讀打開的約翰福音。在每塊板的底部，是引用的聖經。 從聖經報價題寫閱讀。

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作者:喬托                                                               《哀悼耶穌》                                                      喬托，被尊稱為「文藝復興之父」，是最早跳脫僵化式拜占庭藝術的藝術家之ㄧ，也是義大利文藝復興盛世的開路先鋒。《哀悼耶穌》這幅作品以「人性」為導向，有別於十四世紀的宗教壁畫。內容描述耶穌受難，聖母與信徒剛接下遺體的情景。畫中人物強忍悲傷，戲劇性和張力都很強烈，畫面由前景延伸到天幕，就像天地之間確實發生了這一幕，令人動容。

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《垂死的奴隸》是義大利文藝復興藝術家米開朗基羅的一尊大理石雕塑，高2.15米，創作於1513-1516年。它與另一尊雕塑《叛逆的奴隸》，都用於裝飾羅馬聖伯多祿鎖鏈堂儒略二世墓。現收藏於巴黎羅浮宮。 1976年，藝術史學家理察·弗利寫道，它「暗示了生命在死亡的無情力量面前投降的時刻」

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作者：拉斐爾
《西斯廷聖母》
斯廷聖母（Sistine Madonna）是意大利文藝復興時期畫家拉斐爾（Raphael）的一幅著名作品。這幅畫是由拉斐爾於1512年至1513年間創作的，現收藏於德國德累斯頓的德累斯頓美術館。

西斯廷聖母描繪了聖母瑪利亞抱著嬰兒耶穌的場景。畫面中，聖母瑪利亞端莊美麗地站立著，雙手輕輕地抱著耶穌，她的目光投向觀眾，表現出慈愛和溫柔。耶穌則躺在她的懷中，朝著觀眾微笑。在聖母和耶穌的周國，有兩個天使，
特點：這幅畫作以其優雅的構圖、精細的細節和柔和的色彩而聞名。它展示了拉斐爾在人物形象塑造和情感表達方面的精湛技巧。西斯廷

聖母被認為是拉斐爾最偉大的作品之一，也是意大利文藝復興時期最具代表性的聖母子

主題畫作之一。

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是一幅文藝復興時期畫家列奧納多·達文西所繪的肖像畫與其代表作。[4][5]被認為是意大利文藝復興時期的傑作，也被視為世上最負盛名、訪問量最大且最常被寫、唱、模仿的藝術作品。該畫中描繪了一位表情內斂的、微帶笑容的女士，她的笑容有時被稱作是「神秘的笑容」

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作者： 杜勒 Albrecht Durer
介紹：杜勒他豐富的知識和高超的技巧，使他能非常精細地塑造動物的形象，而又不失其整體效果。野兔是杜勒用不透明水彩畫的一幅名畫，他甚至能在兔子的眼球上，畫出關著兔子的房間裡的窗戶。

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波提切利：持石榴的圣母。 波提切利：持石榴的圣母波提切利运用十五世纪新的绘画方法，发展了中世纪的装饰风格，创造出富于线条节奏，精致明净的独特画风。作品有《春》、《维纳斯的诞生》,等。
波提切利受当时富有的梅迪奇家族之一的成员洛伦佐· 美弟奇之托，为他的乡村别墅绘制了《维纳斯的诞生》这幅名画。画中，维纳斯站在一只贝壳上，从海中升起，飘飞在一阵洒落的玫瑰花中的风神，将贝壳吹拂到岸上。四季女神展开了一件紫色斗篷，迎接正要上岸的维纳斯。

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《維特魯威人》是李奧納多·達·文西在1490 年左右繪製的一幅畫。 受古羅馬建築師維特魯威 的著作啟發，這幅畫描繪了一個裸體男子處於兩個重疊的位置，他的胳膊和腿分開以他的足和手指各為端點，並外接圓形和方形。藝術史學家卡門·班巴赫 將其描述為「在西方文明的歷史標誌性圖像中名列前茅」

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作者：拉斐爾·桑蒂
作品《草地上的聖母》
介紹：這是一幅由蛋彩和油畫兩種手法混合創作完成的木版畫，畫中的三個人物構成了一個等腰三角形，而聖母的頭部則構成了三角形的頂端。聖母深紅色的上衣和圓形的領口體現出拉斐爾作品的特點。 兩個孩子則是占據了畫面的下部，稍稍偏左，聖母的左腳則側向畫面的右側，彌補了前者造成的空間上的失衡
畫作特點：有明暗對比，有真實感，人類的肌肉線條比較明顯這幅油畫的最特別之處他是有用暈塗法

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作者：拉斐爾          介紹：《雅典學院》（義大利語：Scuola di Atene），一譯《雅典學派》，是義大利文藝復興藝術家拉斐爾因受任裝飾梵蒂岡使徒宮，而在1509年至1510年間創作的一幅濕壁畫，位於拉斐爾房間的簽字廳，目前是梵蒂岡博物館的一部分。此作被廣泛認定為拉斐爾的代表作之一，象徵著文藝復興全盛期的精神。          畫作特點：《雅典學院》整個背景和構圖，如同舞台空間一樣，觀眾面對這幅畫就如同親臨劇場一般，採透視法以二度空間呈現三度空間的縱深。 拉斐爾將柏拉圖和亞里士多德變成劇中人物，（他把柏拉圖繪成達文西的臉，表達對達文西的敬重）以他二人為中心，激動人心的辯論場面向兩翼和前景展開。
人民主義：《雅典學院》這幅畫中，拉斐爾把不同時期的人全都集中在一個空間，古希臘羅馬和當代義大利五十多位哲學家藝術家科學家薈萃一堂。這麼多哲學家集中於一畫面，拉斐爾很聰慧的把不同人物，按其個別的思想特點，以最易讓人理解和感覺的方法繪畫出來。

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施洗者聖約翰》是達文西最晚完成的遺作，但這幅畫卻處處充滿了奇妙之處。一般而言，施洗約翰通常以年紀長於耶穌的男性姿態來呈現。然而達文西筆下所描繪的施洗約翰，光滑的臉龐卻不見鬍鬚，嘴角揚起謎樣微笑，掛著長長捲髮的臉蛋微向一側傾斜，在一片昏暗的背景之中隱約浮現。
許多人覺得，這幅作品中的施洗約翰散發出一股中性氣質。

如此感受並非誤解，因為這幅畫中的約翰其實是兩性同體（Androgyny）。達文西在臨終前親筆完成的畫作雖然屈指可數，卻留下數量龐大的素描，以及出自畫室弟子與追隨者筆下的延伸作品。在這些素描作品中，曾出現姿勢與本作相同、同時擁有乳房與陰莖這兩種器官的人物素描，而也能在其弟子的作品中，找到帶有明顯中性特質的約翰像。

如此感受並非誤解，因為這幅畫中的約翰其實是兩性同體。

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作者:波堤切利，《春》
對比父祖輩的成就，麥迪奇家族第四代的皮耶羅Piero di Cosimo de' Medici（1416-1469）因為身體狀況較差，大抵上屬於守成的定位。但傳承到了第五代的羅倫佐Lorenzo de medici（1449-1492）時，他承繼了祖父對於藝文的使命感，將更大量的資源挹注進入藝文建設。羅倫佐善用了天時地利，其治理下的佛羅倫斯一時之間人才輩出，城邦的聲望也在歐洲各地脫穎而出。

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《最終的審判》是意大利文艺复兴盛期画家和雕塑家米开朗基罗于1534年至1541年为西斯汀小堂绘制的一幅巨型祭坛画。 《最后的审判》取材于《新约圣经·启示录》中的故事，描绘世界末日来到时，耶稣再临，并亲自审判世间善恶。

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《埋葬》是意大利藝術家米開朗基羅創作的一幅壁畫，現收藏於英國國家美術館。
米開朗基羅(Michelangelo，1475—1564)意大利“文藝復興三傑”之一，著名的雕塑家、畫家和建築師。文藝復興時期雕塑藝術最高峰的代表。他的藝術創作將現實主義的手法和浪漫主義的幻想相結合，人物雕像雄偉健壯，氣魄宏大，充滿了無窮的力量。繪畫上不拘泥於宗教故事的情節，而是著重表現人的本質力量和內心世界。代表作有《大衛》《創世紀》《摩西》《奴隸》等。

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藝術與政治的互文性：以米開朗基羅的《大衛》雕塑為例

新藝術史研究論點帶給文藝復興時期藝術更貼近社會的走向。接下來，本文將以米開朗基羅的《大衛》雕塑為例，探究隱藏在作品外在形式背後，一段有關佛羅倫斯政治思想發展的歷史。

《大衛》雕像可以說是米開朗基羅最廣為人知的代表作，也是今日觀光客造訪佛羅倫斯不可錯過的重要文藝復興珍品。這件雕塑的真跡目前收藏於佛羅倫斯學院美術館(Galleria dell'Accademia di Firenze，圖2)。除了進入美術館欣賞原件，在佛羅倫斯市政廳(Palazzo della Signoria，1299-1314，又稱舊宮，圖3)的大門外、以及市區南邊的米開朗基羅廣場(Piazzale Michelangelo，1868，圖4)分別有一件大理石和青銅的複製品。

看到大衛像的第一眼，多數的人可能受到其雕塑的巨大尺寸、栩栩如生的肌肉線條、堅毅沉穩的面部神情所震撼。但這篇文章聚焦的

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《三博士來朝》
作者：達芬奇
創作於1481年，畫面顯示《聖經》中東方三博士朝拜耶穌基督的故事。自1670年起，該畫藏於意大利佛羅倫薩的烏菲茲美術館。但是最近的研究顯示，這幅畫作並非達芬奇作品的原貌，而是在達芬奇草圖的基礎上，由另一個不知名的畫家完成的。由於年代久遠等原因，這幅畫已經模糊不清。烏菲茲美術館決定對其進行修復，但卻引來了爭議，因為許多藝術品保護組織歷來不認同這種行為，他們認為這麼做無異於破壞原作。於是烏菲茲美術館請來了一位在藝術界曾經飽受爭議的“科學藝術家”毛裏齊奧·塞拉奇尼來對此畫作進行科學測試，看看修復可能產生的風險是什麼，然後再做最終決定，以應對藝術品保護組織的質疑。結果莫瑞希奧·塞拉西尼卻在測試修復風險的過程中發現了這幅畫並不是達芬奇本人完成的。

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《維納斯的誕生》是義大利文藝復興時期畫家山卓·波提且利最著名的作品之一，這件作品根據波利齊安諾的長詩吉奧斯特納而作，描述羅馬神話中女神維納斯從海中誕生的情景：她赤裸著身子踩在一個貝殼之上，右邊春之女神正在為她披上華服而左邊的風神送來暖風陣風，吹起她的髮絲。《維納斯的誕生》目前存放在佛羅倫斯的烏菲茲美術館中。

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《創世紀》壁畫 , 鍾老師

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《創世紀》壁畫 , 鍾老師

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作者:米開朗基羅
介紹:《創世紀》是一幅在梵蒂岡宗座宮殿西斯汀小堂大廳的天頂壁畫。畫中可見上帝與亞當互相伸手並快要觸碰到對方的指尖

畫作特點:
立體感、寫實感: 人物的肌肉線條明顯、比例付合人體結構
人文主義:畫上帝跟人類的畫法相近，上帝的形象也不再抽象，而是有血有肉、清晰五官的形象。

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神曲（意大利语：Divina Commedia，英语：Divine Comedy），是意大利诗人但丁·阿利吉耶里创作的长诗，约于1308年开始创作，1321年前后完成。《神曲》被广泛看作意大利文学的经典[1]及世界文学的瑰宝[2]，诗中对死后世界的描写向后人展示了十四世纪西方教会的世界观。全诗以托斯卡纳方言写成，为日后的标准意大利语奠下基础。[3]
《神曲》叙述但丁本人游历地狱、炼狱以及天堂的旅程[4]，描写人死后的情况与神圣正义的奖惩[5]。但丁的行程象征人对上主的皈依：首先是地狱，象征“认罪”；其次是炼狱，象征基督徒的“悔改”；最后是升至神前的天堂[6]。但丁借鉴了中世纪天主教神学思想，特别是多玛斯·阿奎那《神学大全》（Summa Theologica）的托马斯主义基督教哲学[7]，因此《神曲》又被称为“韵文大全”（Summa in verse）[8]。埃里希·奥尔巴赫认为但丁首创将人类描述为特定时间、地点和环境的产物，人类从此跳脱出神话原型，抑或恶习与美德的集合体。《神曲》的想像世界开创了现代小说的写实主义和自我描摹传统。[9]

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作者：阿爾布雷希特·杜勒
名字:祈禱的手
《祈禱的手》，是德國版畫家、畫家阿爾布雷希特·丟勒的一幅鋼筆素描，用白色和黑色墨水畫在珍貴的自製藍色紙上，現藏於維也納的阿爾貝蒂娜博物館。這幅畫是兩隻男性的雙手合在一起祈禱的特寫，以及部分捲起的袖子。 這幅素描描繪的是一位使徒的手，其全身形象出現在法蘭克福的一幅三聯畫中部的右側，名為海勒爾祭壇畫。

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介紹：《聖母子與聖安尼》是達文西於1510年前夕回到佛羅倫斯後創作了這幅現藏於巴黎羅浮宮的畫。在1507 ~ 1508 年之間，他曾以類似的主題在硬紙板上畫過一幅現收藏於倫敦國家畫廊的素描。為了豐富構圖，達文西在這幅畫中使人物的身姿在空間裡輕柔舒展地鬆開，並以籠罩在灰濛大氣中的重岩疊峰為背景。
與任何傳統描繪聖母的畫相反，達文西安排瑪莉亞橫坐在她的母親聖安娜的腿上，充滿愛意地探身向前去扶持想要騎上小羊背上的愛兒，聖安娜則面露微笑地看著這情景。

畫作特點：具立體感，人物線條明顯且帶有陰影。

畫風：文藝復興全盛期

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2c(7)

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根據約1500年前維特魯威在《建築十書》中的描述，達文西努力繪出了完美比例的人體。這幅由鋼筆和墨水繪製的手稿，描繪了一個男人在同一位置上的「十」字型和「火」字型的姿態，並同時被分別嵌入到一個矩形和一個圓形當中。這幅畫有時也被稱作卡儂比例或男子比例。

這幅畫於1810年首次以複製畫形式出版，直到 19 世紀後期進一步複製後才獲得現在的名聲，目前尚不清楚它是否影響了達文西晚期的藝術風格。目前《維特魯威人》典藏在意大利威尼斯的學院美術館中，和大部分紙質作品一樣，它只會偶爾被展出。

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2c11蒙娜麗莎是一幅文藝復興時

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2c11
蒙娜麗莎是一幅文藝復興時期畫家列奧納多·達文西所繪的肖像畫與其代表作。[4][5]被認為是意大利文藝復興時期的傑作，也被視為世上最負盛名、訪問量最大且最常被寫、唱、模仿的藝術作品。該畫中描繪了一位表情內斂的、微帶笑容的女士，她的笑容有時被稱作是「神秘的笑容」。

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作者： 李安納度·達文西

介紹：《最後的晚餐》壁畫取材自基督教聖經馬太福音第26章，描繪耶穌在遭羅馬士兵逮捕的前夕和十二宗徒共進最後一餐時預言「你們其中一人將出賣我」後，門徒們顯得困惑、哀傷與騷動，紛紛詢問耶穌：「主啊，是我嗎？」的瞬間情景。唯有坐在耶穌右側（即畫面正方左邊第五位）的叛徒猶達斯（基督新教中文作猶大）驚慌地將身體往後傾，一手抓着出賣耶穌的酬勞——一個裝有三十塊銀幣的錢袋，臉部顯得陰暗。

畫作特點：立體空間構圖。透視法

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名字：戴珍珠耳环的女孩作者：约翰

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名字：戴珍珠耳环的女孩
作者：约翰内斯·维米尔
介绍：目前陈列在豪华 莫瑞泰斯 在海牙，这位小女士是 博物馆藏品; 几个世纪以来

部分吸引画中女孩的是 她的身份之谜. 尽管存在一些关于她的性格以及她与维米尔 (Vermeer) 关系的浪漫故事，但没有一个得到历史学家的证实。
畫作特点：有立体感，背景用的黑暗来衬托他的颜色鲜艳，维米尔用一颗逼真的珍珠技术来装饰他的模型