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Buscando un tema transversal en el arte (e inevitablemente transversal al ser humano) y en gran medida influenciada por la introducción del libro del curso (La historia del arte, E. Gombrich) llegué a la muerte. Desde la primera línea, el autor deja muy claro una de sus posturas que como estudiante comparto: "No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas". Parto de esta idea para escoger el tema al que le buscaré obras durante este curso. Así pues, la muerte pareció ser una buena elección para rastrearla durante la historia del arte, hasta donde sabemos (más allá de la ciencia ficción o las leyendas) todos han muerto y todos vamos a morir; artistas, reyes, reinas, héroes y heroínas, gente del común, niñes, ancianes, etc. Es difícil pensar que existe algún periodo en el que ningún artista se dejó influenciar por la realidad de la muerte para la creación de sus obras.

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Prehistoria - La balsa muisca y El Dorado

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Prehistoria - La balsa muisca y El Dorado

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Balsa muisca

Orfebre muisca
Período tardío muisca (años 600 d.C - 1600 d. C.)
Vaciado a la cera perdida
Museo del oro, Bogotá

Esta pieza es una representación narrativa de la leyenda de El dorado.

Los Muiscas consideraban la laguna como el "centro del universo", un lugar de conexión entre el inframundo y el mundo exterior, ocupado por sus dioses. La leyenda dice que cuando moría el cacique del pueblo muisca su sobrino que lo sucedía en la jefatura era reconocido en una ceremonia en la que a manera de ofrenda a los dioses, se arrojaban piezas de oro y esmeraldas a la laguna.  De no ser por esta obra les historiadores no tendían registros tan claros de la cultura muisca en el territorio colombiano, como se lee al inicio de este párrafo este no era el propósito del orfebre al construir la balsa, pero para la actualidad ha sido un elemento muy reconocido y valorado como patrimonio arqueológico.

Fuentes:
https://www.banrepcultural.org/coleccion-arqueologica/balsa-muisca

https://www.itinari.com/es/el-dorado-legend-the-lagoon-and-the-town-of-guatavita-nsrd

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Estatua-cubo
Antiguo egipcio
Dinastía XVIII
Tallado sobre piedra
Museo Egipcio de Berlín

Debido a su estructura (y la dificultad para romperse) muchas estatuas-cubo han sido encontradas en templos egipcios. En las caras del cubo, figura que según algunas interpretaciones simula el cuerpo de un humano acurrucado, fueron grabados jeroglíficos con información de cuyos cuerpos yacen en dichos templos, convirtiéndose en una importante fuente histórica de la vida antes de la muerte. En la cultura egipcia se creía que la muerte era en realidad la continuación de la vida y para poder vivir en esa continuidad el Ka (fuerza vital de los egipcios) debía encontrar un contenedor distino al cuerpo del muerto, es por esto que estas estatuas poseen una cabeza que (bajo la lógica del cubo como cuerpo acurrucado) alude a un cuerpo entero que el Ka puede empezar a habitar.

Fuentes
https://franciscojaviertostado.com/2018/04/11/las-estatuas-cubo-de-egipto/

https://masdearte.com/movimientos/arte-egipcio/

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Arte mesopotámico - Obelisco negro de Salmanasar III

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Arte mesopotámico - Obelisco negro de Salmanasar III

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Obelisco negro
Súbdito del rey Salmanasar III
858-824 a.C.
Imperio Antiguo Asirio
Escultura en piedra caliza
British Museum, Londres

Antes de morir, el rey Salmanasar III ordenó colocar el monumento en la plaza central de Nimrud. En éste se ven retratadas más de  20 escenas en relieve de otros reyes postrándose ante el, en otro panel se relatan varios de los hechos más destacados de la vida y las campañas militares del reinado de Salmanasar III. En su época, este monumento fue hecho para representar el poder militar de su reino a los demás imperios, haciendo de las imágenes del obelisco una continuidad de su poder aún después de su muerte. Es por esto que esta obra hace parte de mi línea del tiempo: para los imperios de la época era de gran importancia demostrar el poder militar, así, Salmansar III a pesar de su muerte y a través de las representaciones de poder reunidas en el obelisco pudo seguir recordándole a los demás imperios sus vistorias sobre ellos. En otras palabras, el obelisco de alguna manera inmortalizó el poder militar qu en vida dirigió.

Fuentes
https://artsandculture.google.com/asset/the-white-obelisk/dwFIsI9hVhLqgg?hl=es

https://www.labrujulaverde.com/2021/07/el-obelisco-negro-de-salmanasar-iii-la-representacion-mas-antigua-de-un-personaje-biblico-y-primera-referencia-conocida-a-los-persas

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Crátera

ca. 750–735 a. C.

Atribuido al taller del pintor de Hirschfeld
Terracota
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

La cráteras o vasijas profundas eran los  monumentos fúnebres de principios del primer milenio a.C. en el arte griego. En éstas, una serie de escenas representadas dan cuenta de la "Ekphorá" o la proseción del cadaver junto a sus allegados, músicos  y familiares hacia la cremación del cuerpo. Pensando en lo que puede decirse de los artistas por la creación de estos elementos podría pensarse que sus obras surgen de la cotidianidad que veían acontecer frente a sus ojos, sin embargo, recurren a una representación geometrica y balanceada que sin ser explícita da cuenta de las acciones y los momentos retratados.

Fuentes:
https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/248904

https://xplicarte.wordpress.com/2019/02/20/la-muerte-en-el-arte-griego/

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Gálata Ludovisi
siglo I a. C copia romana (240-200 a. C original en bronce)

Tallado sobre mármol
Museo Nacional Romano del Palacio Altemps (Roma)

Esta escultura, llena de contrastes (hombre y mujer, erguido y yaciente, tensión y abandono) narra como un guerrero, reclamando el asesinato de la mujer se suicida concienzudamente clavándose su propia espada en el pecho. En primer lugar la obra puede ser analizada desde la narrativa que caracteriza al arte helenísitco, en el que no se presentan personajes sin más sino que éstos se contextualizan en una escena con movimiento y sentido sin necesidad de recurrir a otras fuentes más allá de la imagen pueden entenderse y "contarse". Otro de los puntos de análisis es el contexto histórico helenístico, en el que después de la muerte de Alejandro Magno, su imperio fue repartido entre sus generales desatando el suicidio de muchos ciudadanos que buscaban evitar  su destino tras la derrota: la esclavitud a manos de sus enemigos.

Fuentes:
https://www.lacamaradelarte.com/2021/01/galata-ludovisi.html

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Arco de Tito
Anónimo
79 d.C. - 81 d.C
15.40 metros
Mármol
Roma, Italia.

Tras la muerte del emperador Tito y a petición del senado se construyó el Arco de Tito, con el propósito de homenajear su victoria en la guerra contra los judíos quienes por ese entonces se habían revelado contra el imperio romano.  El arco está constituido por diversas figuras escultóricas que entre lo divino y lo real representan momentos del conflicto. En el centro de la bóveda se encuentra una ilustración que deidifica al emperador en una enorme águila que según interpretaciones iconográficas se encuentra "ascendiendo" al cielo.

Para este análisis visual me gustaría reflexionar frente a lo que este monumento podría representar respecto a la muerte de las personas: que el arco haya sido construido tras la muerte del emperador (79 - 81d.C) y no tras la victoria en Judea (70d.C), demuestra que la muerte que se honraba durante la época era la de quienes eran considerados poderosos a nivel militar, mientras las muertes enemigas al imperio representaban mayor veneración a la vida de quien les asesinó.

Fuentes
https://www.lacamaradelarte.com/2016/04/el-arco-de-tito.html

https://www.enroma.com/arco-de-tito/

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Arte bizantino - Mosaico en el techo del baptisterio arriano

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Arte bizantino - Mosaico en el techo del baptisterio arriano

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Mosaico en el techo del baptisterio arriano
Final del siglo V - inicios del siglo VI
Baptisterio en Rávena, Italia

Este mosaico, representa figuras religiosas (como Jesús y sus 12 apóstoles) en gran tamaño y en una técnica que en los periodos anteriores no habían sido muy usadas.

A primera vista puede notarse que en esta obra predomina el color dorado y no debería considerarse un factor poco relevante. Durante el periodo bizantino, cuando la religión cristiana dejó de ser considerada ilegal, los creyentes empezaron a construir espacios que con tan solo verlos hablaran del poder, la luz y la majestuosidad de la religión Cristiana.

Fuentes
Gombrich, E. H., Torroella, R. S., & Setó, J. (1997). Historia del arte (No. Sirsi) i9780714898704). New York: Phaidon.

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Arte románico - Iglesia de Castroverde / Arte gótico - Catedral de San Pedro de Gloucester

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Arte románico - Iglesia de Castroverde / Arte gótico - Catedral de San Pedro de Gloucester

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A la hora de hacer un análisis visual comparativo entre obras arquitectónicas del periodo románico y gótico, es inevitable pensar en la diferencia de los espacios respecto al nivel de luz que ingresaba a ellos (debido a disposición de los arcos, la cantidad de ventanas y el grosor de las paredes de los recintos). La oscuridad de la arquitectura románica podría relacionarse con la ideología que por la época profesaba la iconografía religiosa, que por medio de ilustraciones del "sufrimiento en el infierno" pretendían controlar  la conciencia de las personas y establecer relatos dominantes. Por su parte la luz de la arquitectura gótica (usualmente acompañada por grandes vitrales de colores) abandonó un poco la ideología del terror para empezar a representar la divinidad y la trascendencia espiritual (o la salvación de los creyentes) a través de los colores reflejados en el interior de las iglesias por los vidrios vitrales.

Respecto al tema que convoca a esta línea del tiempo, la muerte, podría hacerse el paralelo respecto al terror a morir y trascender al infierno que se producía a través de las iconografías románicas y la espiritualidad divina de trascender al paraíso que pretendían representar los vitrales.

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Medusa
Michelangelo Merisi da Caravaggio
1597
Óleo
Italia
Galleria Uffizi, Florencia (Italia)

En este retrato de Caravaggio es posible identificar a la figura ctónica de la mitología griega, Medusa, quien convertía a quien la mirase. Fue el semidios Perseo quien en un acto de astucia pulió su escudo hasta dejarlo tan reluciente que la diosa, al ver su reflejo en el metal, fue decapitada.

En esta obra el artista utiliza un escudo como base para pegar sobre él el lienzo pintado, haciendo juego con los cóncavos y convexos de la superficie y aludiendo directamente a la mitología griega. Es de resaltar el uso de la técnica del óleo, que permite representar desde el contraste texturas como las escamas de las serpientes, la fluidez de la sangre que se derrama desde el cuello y la vivacidad de la piel.

Fuentes
https://historia-arte.com/obras/medusa-de-caravaggio

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Vánitas
Antonio de Pereda
1660
53,5 x 47 cm
Óleo sobre lienzo
Gobierno de Aragón

Esta pintura barroca, a simple vista confusa, presenta un bodegón (género de arte visual que empieza a cobrar importancia durante este periodo de la historia del arte) con tres calaveras, que para quienes ven la obra empiezan a tomar forma a medida de los detalles empiezan a salir a la luz. En especial la calavera de la izquierda, en la que a partir de su perspectiva se pueden identificar los cuencos de la nariz y los ojos del muerto, y en los detalles de los dientes presentes en los tres elementos del bodegón.

De Pereda, inspirado en los grabados Memento Mori de Barthel (en los que la muerte se representa en forma de esqueleto) y en compañía del reloj de bolsillo presente en la esquina de la obra, hace referencia al paso del tiempo y el inevitable final de la vida: la muerte.

Fuentes

https://artsandculture.google.com/asset/v%C3%A1nitas-antonio-de-pereda/CAHkH1i-65sFsg

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San Francisco y el hermano León, quienes meditan sobre la muerte
Doménikos Theotokópoulos, el Greco
1610 - 1614
172.1 x 100.5 cm
Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim

Tras el exuberante legado de el barroco, en el periodo neoclásico los artistas decidieron enfocarse un arte sereno y equilibrado, con un lenguaje lejano al de quienes los precedían, quienes en sus obras, puede pensarse, fueron "vacíos" y reiterativos. Durante este periodo se retornó a la fidelidad a las artes del clasicismo, exaltando la pureza, la exactitud y la luminosidad

En la obra, pueden observarse a San Francisco y el hermano León, claramente religiosos (por sus nombres y su vestimenta) contemplando una calavera que a pesar de no ser de gran tamaño, es foco de atención en la obra pues quienes la acompañan se dirigen a ella con una mirada contemplativa. Podría pensarse que la obra se alude a la espiritualidad de la Contrarreforma, lejana a las banalidades del mundo, que resultan en la muerte.

Fuentes
https://masdearte.com/movimientos/neoclasicismo/#:~:text=El%20neoclasicismo%20se%20presenta%20como,%2C%20es%20decir%2C%20al%20Clasicismo.

https://artsandculture.google.com/asset/san-francisco-y-el-hermano-le%C3%B3n-quienes-meditan-sobre-la-muerte-dom%C3%A9nikos-theotok%C3%B3poulos-el-greco/bQEXd03Jy_80qw

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Gustavo Adolfo Bécquer en su lecho de muerte

Vicente Palmaroli
1870
Museo Nacional del Romanticismo

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The Death of Marat II
Edvard Munch
1907
w1480 x h1530 mm
Ellingsen Gruppen/Bono

Rechazando la idealización, una obra como esta, compuesta por pinceladas gruesas y aparentemente rápidas, retrata una escena con dos cuerpos desnudos en una habitación cerrada. A primera vista podría pensarse que se trata de una pareja que tras un evento desafortunado debe resignarse a la muerte del hombre, que según el título de la obra, es Marat. Marat fue un personaje revolucionario, valga la redundancia, de la revolución francesa, asesinado en su bañera por Carlota Corday, que consideraba a su víctima "una bestia", desde entonces varios artistas han utilizando la analogía de Marat para representar a su figura como la de un héroe y la de la mujer como una traidora.

Aunque las pinceladas de la pintura no retratan rasgos muy definidos de los personajes,  la posición de quien yace en la cama (además del título de la obra) alude directamente al revolucionario y tras un poco de investigación puede reconocerse que la mujer, que no comparte rasgos con Corday, representa a la ex esposa del pintor, Tulla Larsen. Es así como el símbolo de la muerte de Marat es usado como representación expresionista por el artista para representar un dolor en su propia vida:  la escena de la muerte, como escena trascendental en la vida de los artistas.

Fuentes
https://artsandculture.google.com/asset/the-death-of-marat-ii/AgHihh4p4aGqNw

Danton (A. Wajda, France, 1982) - Drama histórico (varias escenas en el taller de David, incluyendo una que muestra la pintura del retrato de Marat).