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é um termo utilizado para designar toda e qualquer forma de expressão artística produzida no Brasil, desde a época pré-colonial até os dias de hoje. Dentro desta ampla definição, estão compreendidas as primeiras produções artísticas da pré-história brasileira e as diversas formas de manifestações culturais indígenas, bem como a arte do período colonial, de inspiração barroca, e os registros pictóricos de viajantes estrangeiros em terras brasileiras.

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As criações artísticas feitas em rochas durante a Pré-História são chamadas de arte rupestre. Elas podem ser categorizadas em pintura rupestre e gravura rupestre.

A idade exata das imagens ainda é um mistério, haja vista que apenas 5% delas são datadas com precisão. A datação por carbono, o método mais comum, pode levar a erros se a amostra for contaminada. Assim, as explicações para essas criações também não são consensuais.

A arte rupestre geralmente possui a técnica e a temática relacionadas com a caça e a vida cotidiana. Por vezes, ela apresenta motivos abstratos.

Uma das hipóteses mais aceitas é de que certas imagens possuíam cunho ritualístico ou mágico, no qual pintar seria um rito propiciatório para garantir o êxito do caçador.

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A arte indígena faz parte da essência do povo brasileiro, sendo um dos pilares para a cultura do país. Cultura que é resultado da mistura de vários grupos, dentre eles os primeiros habitantes do território nacional os índios.

A cultura dos índios também contribuiu muito para as artes brasileiras. Com maior intensidade no Amazonas, os trabalhos indígenas eram mais focados na principalmente de terracota, traziam figuras antropomórficas e zoomórficas.

Para produzir sua arte, os indígenas utilizam elementos naturais, que representam e preservam sua proximidade com a riqueza da natureza.

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O Brasil estava sendo colonizado pelos portugueses e nesse contexto chamado de Período Colonial o foco artístico era bem diferente. Na historia da arte este período que se estende, aproximadamente, do ano 1500 a 1822 ficou conhecido como Arte Colonial Brasileira.

A Arte Colonial Brasileira se expressou especialmente pela escultura, desenho, pintura e arquitetura que eram utilizados, sobretudo na construção e ornamentação de igrejas, conventos e mosteiros. Por meios de desenhos e pinturas desse período é possível conhecer o cotidiano do país que estava sendo transformado.

A igreja católica que foi uma grande financiadora da arte na Europa, também, investiu no Brasil trazendo para cá os Jesuítas responsáveis pela construção de grandiosas igrejas, repletas de ouros e esculturas de santos católicos.

A prioridade aqui era construir casas e engenhos para receber os imigrantes e colonizadores. Por isso a Arte Colonial Brasileira é uma arte essencialmente arquitetônica. Mas estamos falando de uma arquitetura bastante simples com estruturas retangulares e paredes de madeira ou taipa e telhados de palha.

Nesse período nossos colonizadores vão trazer para cá os jesuítas, responsáveis pela catequização dos índios e divulgação do cristianismo no país. Eles vão construir belas igrejas e mosteiros para abrigar os novos fiéis. Um dos acervos mais famosos desse período é o monumento de São Miguel das Missões, na fronteira do Rio Grande do Sul com a Argentina.

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Embora o Barroco tenha sido a principal referência artística no Período Colonial, ainda levaria pouco mais de um século, desde o descobrimento, para que ele se estabelecesse de fato. Nesse período, africanos, holandeses e franceses começaram, gradativamente, a adicionar elementos de suas próprias culturas nas terras brasileiras.

O estilo Barroco pode ser identificado no Brasil a partir do século XVII, estendendo-se para os séculos posteriores, especialmente na arquitetura religiosa. Apesar desse estilo começar a ser difundido no Brasil ainda com traços do Barroco europeu, aos poucos foi ganhando características singulares em cada região do país. O interior dessas igrejas se destaca sobretudo pelo requinte, com decoração baseada em anjos, pássaros, cachos de uvas e flores tropicais, além de esculturas em pedra sabão ou madeira. A construção de naves poligonais e plantas em elipses entrelaçadas também, são de origem desse período. Destacam-se nesse período os artistas portugueses Manuel de Brito e Francisco Xavier de Brito.

Agostinho de Jesus, Aleijadinho, e Mestre Ataíde são alguns exemplos de artistas do período Barroco, que combinou as técnicas trazidas pelos padres jesuítas à cultura que já se estabelecia na colônia brasileira. O estilo de suas pinturas em espirais e esculturas, até hoje, faz parte das confecções católicas locais.

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Retrato de Mrs. Serizy, Jacques-Louis David

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O Neoclassicismo (novo classicismo) representa um movimento artístico e cultural que envolveu a literatura, a pintura, a escultura e a arquitetura.

A pintura apresenta diversas características desse período, o qual buscava a pureza e a harmonia das formas.

Inspirados na artes greco-romana e renascentista, o realismo, o racionalismo das obras e o equilíbrio das cores foram essenciais para disseminar esse estilo nas artes plásticas.

Merecem destaque os pintores neoclássicos franceses: Jacques-Louis David (1748-1825) e Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867).

No século XIX, a presença da família real portuguesa, e a eventual independência brasileira, trouxeram diversas mudanças na forma como a arte se desenvolvia. Entram em cena os artistas que seriam responsáveis por exaltar as escolas europeias dentro da colônia, trazendo uma boa dose do Romantismo ao Brasil.

D. João VI instaurou o estilo neoclássico como o oficial do Brasil. Porém, mesmo com os padrões europeus na arquitetura, nas artes e em outras correntes artísticas, as características brasileiras em cada um desses movimentos continuou muito ativa. Eliseu Visconti e Almeida Júnior são alguns dos exemplos da Corrente Imperial.

Surgiu no século XVIII na Europa se espalhando pelo mundo, permanecendo até meados do século XIX.

Recebe esse nome uma vez que esteve baseado nos ideais clássicos. Trata-se de um movimento de oposição aos exagero, rebuscamento e complexidades do Barroco.

Ele surge após a Revolução Francesa (1789), o início da Revolução Industrial e no contexto do Iluminismo chamado de “Era da Razão”.

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O maior evento que marcou a história da arte brasileira. Tal evento, conhecido como a Semana de Arte Moderna, ocorreu no Teatro Municipal de São Paulo, entre os dias 13 e 18 de fevereiro de 1922.

Desde o período que antecedeu a Semana de 1922, conhecido como Pré-Modernismo, houve uma reação por parte da classe artística em revelar um Brasil visto sob o plano real, longe do idealismo pregado pela era romântica.

Um Brasil dos marginalizados, indo desde o sertão nordestino até os subúrbios cariocas. Não por acaso, Euclides da Cunha, Monteiro Lobato, entre outros, souberam expressar sua insatisfação mediante as mazelas que corrompiam a sociedade daquela época – de um lado o progresso industrial oriundo da expansão do capitalismo, de outro a massa dos excluídos, formada pela classe operária que, cada vez mais organizada, realizava intensas greves.

A mudança mais radical na arte brasileira veio no início do século XX, com a Semana de Arte Moderna, em São Paulo, os eventos que a sucederam foram responsáveis por trazer uma nova leva de estilos artísticos.

O dadaísmo, o cubismo, o surrealismo e outras correntes modernas inspiraram artistas como Tarsila do Amaral, Anita Malfatti e Vicente de Rêgo; suas obras icônicas são as mais lembradas hoje em dia.

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Se o começo do século XX foi marcado pelas mudanças radicais e disruptivas na arte brasileira, os anos 1960 e 1970 trouxeram estilos mais rígidos, direcionados a trazer mais informações e a engajar seu público, mesmo durante esse período conturbado da história brasileira.

O Concretismo surgiu na Europa no início do século XX, advindo do movimento abstracionista moderno, o qual tinha como característica fundamental a abstração da arte através da incorporação de formas geométricas ao visual. Os concretistas adotavam meios para que a realidade fosse incorporada ao trabalho artístico.

A arte concreta tenta abandonar qualquer aspecto nacional ou regional e se afasta inteiramente da representação da natureza. E, negando as correntes artísticas subjetivistas e líricas, recusa o sensualismo e a arte como expressão de sentimentos.

Sem implicar uma arte figurativa, a arte concreta nasce também como oposição à arte abstrata, que pode trazer vestígios simbólicos por causa de sua origem na abstração da representação do mundo.

Linha, ponto, cor e plano não figuram nada e são o que há de mais concreto numa pintura. Segundo Doesburg, um nu feminino, uma árvore ou uma natureza-morta pintados não são elementos concretos, mas abstrações. O que há de concreto numa pintura são os elementos formais.

A partir dos anos 1970, novas correntes, mais modernas e interligadas a tecnologia, passaram a fazer parte do cenário artístico do país. Entre elas, o grafite é uma das mais conhecidas, junto às pinturas da arte postal.

Desde os anos 1990, temos uma mistura enorme de estilos, ora prestando suas devidas homenagens às escolas clássicas, ora misturando os conceitos artísticos e tecnológicos atuais.

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ARTE BARROCA