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En la película "127 horas" de Danny Boyle podemos observar como predominan las formas abiertas, ya que las técnicas cinematográficas y la composición utilizadas en las escenas son sencillas. No hay multitud de objetos y figuras situados en los frames, sino que se juega más con lo que hay, con las texturas que proporciona el paisaje.

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En este fragmento de la película “El retorno del Rey” (2003) de Peter Jackson perteneciente trilogía del "Señor de los Anillos" se puede apreciar como la banda sonora desarrolla una función narrativa. De este modo, antes de la batalla, la música comienza lenta acompañando al discurso del Rey Théoden, pero cuando este está finalizando el discurso se observa un incremento en el ritmo y el tono de la misma haciendo alusión a que va a dar comienzo la batalla.

Del mismo modo cuando el discurso termina, se introduce la música a un tono suave que denota que va a dar comienzo la guerra y que se va incrementando conforme avanza la llega el momento de avanzar. Justo en este momento, es cuando la música se vuelve más armónica para resaltar la heroicidad y la valentía de los hombres, incorporándose como un elemento más del desarrollo narrativo.

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El señor de los anillos- El retorno del rey /  El discurso del rey

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En este fragmento de la película "La Comunidad del Anillo" (2001) de Peter Jackson perteneciente a la trilogía del Señor de l os Anillos, se puede apreciar claramente como la banda sonora que se escucha de fondo tiene una función ambientadora, ya que establece un filtro romántico y celestial que pone en situación a los espectadores.

Dentro de la categoría de función ambientadora, se trata específicamente de la ambientadora emocional, ya que el propio tono de la música, su sonoridad y su lentitud transmiten tranquilidad y un ambiente mágico, lo que nos da a entender que entre ambos personajes existe un amor sincero y verdadero.

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Escena de Aragorn y Arwen en el Señor de los anillos

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El movimiento se ve claramente representado en este fotograma del entrenamiento de Rocky en la película "Rocky Balboa" (2005). El plano entero y el pequeño grado de inclinación hacia contrapicado de la cámara hacen parecer al protagonista enérgico y triunfante.

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Como sabemos, las formas cerradas son frecuentes en las películas formalistas. Cada plano está preparado y con la composición premeditada.
Este fotograma de “La Naranja Mecánica” (1971) de Stanley Kubrick es un ejemplo de ello.

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Este fotograma de la película “Pearl Harbor” (2001) es un claro ejemplo de una división del espacio territorial.  En este plano se aprecia a primera vista el primer término (la pareja) y el término de fondo (el avión), que aportan además un gran sentido narrativo.

Por otro lado, los personajes aparecen en una posición de perfil en la que según la teoría, denota que éstos están perdidos en sus pensamientos e ignoran que están siendo observados.

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Cuando en las películas de Harry Potter aparece su eterno enemigo
Lord Voldemort reunido con sus secuaces, los mortífagos,
se apuesta por una iluminación “low key”, o en clave tonal baja.
Este tipo de iluminación tan tenebrosa ambienta perfectamente la situación y nos dice mucho de las intenciones y la personalidad de los personajes que aparecen en este tipo de ambientes.

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Fotograma de la película “Grand Piano” (2013). Eugenio Mira es el director de esta película en la que la vida del protagonista está en peligro mientras interpreta un concierto para piano.

Este plano, con un encuadre tan obvio y con tan poco aire alrededor del protagonista es un claro ejemplo de que cómo transmitir tensión al espectador mediante un plano muy "agobiante".

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Fotograma de la película “Como Dios” (2003), dirigida por Tom Shadyac.

En este film podemos observar en ocasiones una predominancia intencionada del color blanco. En la imagen, “Dios” (Morgan Freeman), aparece vestido completamente de blanco y además el decorado que le rodea destaca por sus tonos luminosos y blancos, hecho que le aporta un aire sagrado a la escena.

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Frame de la película "El Imperio Contraataca" (1980) dirigida por Irvin Kershner en la que aparecen los personajes de Darth Vader (izquierda) y el Emperador (derecha).

En lo que respecta a la composición, se juega con los extremos del encuadre para poner en relieve un distanciamiento tanto situacional (Vader está físicamente mientras que el Emperador es un holograma), como emocional, ya que la lealtad de Vader hacia su maestro empieza a tambalearse en esta película de la saga de Star Wars.

Por otro lado, se manifiesta la diferencia de poder entre ambos. Vader, un personaje de más de 2 metros de altura, aparece con una rodilla hincada y empequeñecido por acción de la composición, y el emperador, personaje de mediana estatura aparece muy magnificado tanto por el tamaño del holograma como por su disposición en el encuadre y la composición del plano

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Fotograma de la película "Pulp Fiction" (1994) cuyo director fue Quentin Tarantino. En este caso, la situación de la cámara está en ángulo contrapicado, ángulo más atribuido a directores formalistas.

Tal y como afirma la teoría, los elementos en contrapicado se han "dejado vencer" y en el fotograma vemos que los protagonistas Vincent y Jules miran hacia el maletero del coche. En este maletero, que es donde está colocada la cámara, yace un hombre muerto disparado por accidente bajo un contexto de humor negro.

Esta perspectiva en contrapicado, más que diferenciar aspectos como el estatus o la felicidad, diferencia entre la vida y la muerte. Vincent y Jules están vivos y se encuentran en altura, mientras que el personaje muerto (cámara subjetiva) está hundido.