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🚀Formateur en digital & web design

caroline.beforma@gmail.com

🚀Co-fondatrice de l'agence Namasté - Agence de création de contenus digitaux

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Réservez votre créneau d'accompagnement avec SANGARIN Caroline 

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Réservez votre créneau d'accompagnement avec SANGARIN Caroline 

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Bienvenue sur ma page de planification. Veuillez suivre les instructions pour ajouter un événement à mon calendrier.

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Exportation pour le web et les réseaux mobiles 

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Exportation pour le web et les réseaux mobiles 

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Effets et transition videos dans Premiere Pro

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Effets et transition videos dans Premiere Pro

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Application de la correction  colorimétrique  de base

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Application de la correction  colorimétrique  de base

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Ajouter et modifications des images clés

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Ajouter et modifications des images clés

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Modification de la durée et de la vitesse des éléments

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Modification de la durée et de la vitesse des éléments

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Montage - création et modification de séquences

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Montage - création et modification de séquences

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Candidature à la certification à remplir 

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Candidature à la certification à remplir 

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La certification est obligatoire dès lors que vous financez la formation avec votre compte CPF ! Remplissez le document dès le début de la formation afin de vous inscrire à la certification.

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2 - Demande de candidature à la certification - Réaliser et monter des vidéos pour développer sa communication digitale

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Numéro d’image

Valeur du cadre / plan

Action de la scène filmée

Mouvement de caméra

Lieux de tournage/Éclairage

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Package clé en main
Tarifs prestations individuelles

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Prix de référence des prestations techniques (préparation / tournage / post-production) pour les reportages, les films institutionnels et les publicités, avec méthode de calcul.

Offres clé-en-main

Prestations complètes comprenant tournage, matériel et post-production :

Tarifs Production et Tournage

Détail des tarifs tournage pour les productions institutionnelles sur mesure :

(*1) Les demi-journées viennent en complément de prestations plus longues, sont réservées à certaines zones géographiques et/ou sont soumises à la disponibilité des techniciens.
(*2) Sauf exception, une journée isolée implique un minimum de 8 heures.
(*3) Le tarif semaine s'applique pour 5 jours consécutifs hors weekend et jours fériés.
(*4) Caméra 4K + trepied + panneau LED + kit son sous réserve de disponibilité.
(*5) Le Cadreur vient en complément d'un Chef Opérateur.
(*6) Hors bijoute.
(*7) Enregistreur + Perche + HF.
(*8) Maquillage hors FX.

Tarifs Post-Production

Détail des tarifs suivi et post-production :

(*1) Les demi-journées viennent en complément de prestations plus longues, sont réservées à certaines zones et/ou sont soumises à la disponibilité des techniciens.
(*2) Sauf exception, une journée isolée implique un minimum de 8 heures.
(*3) Le tarif semaine s'applique pour 5 jours consécutifs hors weekend et jours fériés.
(*4) Station de montage sans visite client. Inclus : montage, titrage fixe, sous-titrage, étalonnage pour le web, mixage son pour le web.
(*5) L'assistant vient en complément et/ou à la suite d'un Chef Monteur.

Méthode de Calcul

En tant que société de production, ChezFilms engage des intermittents du spectacle via des CDD dits "d'usage" (CDDU) pour des missions courtes à partir d'une journée.

Nos taris sont basés sur les minima sociaux de la la Convention Collective de la Production Audiovisuelle. En l'absence de location matérielle et de coûts spécifiques (longue distance, assurance, sécurité, etc), le tarif facturé est en général le double du minimum social :

La vidéo est votre locomotive.

Chaque mois, des conseils pratiques pour mieux comprendre et mieux utiliser l'audiovisuel :

Posez-nous vos questions

Comment adapter cette offre à vos besoin ? Parlons-en :
Par email : contact@chezfilms.com
Par téléphone de 10h à 19h du lundi au vendredi au 09 80 80 14 84.

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Production vidéo : Tarifs des prestations audiovisuelles

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Prix de référence des prestations techniques (préparation / tournage / post-production) pour les reportages, les films institutionnels et les publicités, avec méthode de calcul.

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*Balance des Blancs
*Shutter
*La Définition

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BONUS ZOOM#3 : Quelle est l'influence  du Shutter Speed ou Vitesse d'Obturation en Photo & Vidéo ?

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BONUS ZOOM#3 : Quelle est l'influence  du Shutter Speed ou Vitesse d'Obturation en Photo & Vidéo ?

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Coup de Pouce en vidéo avec Théo Mandard

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La VITESSE d'obturation : Comment la RÉGLER ? (1/4)

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Je test mes connaissances en COMPOSITION DE L'IMAGE

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Je test mes connaissances en COMPOSITION DE L'IMAGE

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BONUS ZOOM#3 : Les Qualité et Taille image photo

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BONUS ZOOM#3 : Les Qualité et Taille image photo

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La qualité et la taille des images déterminent l’espace occupé par chaque photo sur la carte mémoire. Les images plus grandes et de meilleure qualité peuvent être imprimées à un format supérieur, mais elles nécessitent plus de mémoire, ce qui signifie que seule une quantité réduite de ces images peu…

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BONUS ZOOM#3 : format vidéos = les différentes définitions de l'image

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BONUS ZOOM#3 : format vidéos = les différentes définitions de l'image

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Le format vidéo a énormément évolué au cours des vingt dernières années. On est désormais bien loin du format SECAM, utilisé sur le réseau hertzien pour la diffusion sur les téléviseurs cathodiques, qui avait une définition de 384 x 576 pixels ou de nos cassettes VHS au format PAL dont la résolution était 450 x 576 pixels !

On parle maintenant des formats " SD ", " HD " ou encore " 4K ", qui se caractérisent par des résolutions de plus en plus importantes, que ce soit à la source, sur les capteurs de nos caméras ou sur les supports de diffusion comme nos écrans plats LED.

Il est clair que la tendance du marché s'oriente aujourd'hui vers une définition " 8K ". Sony, Samsung, LG commercialisent déjà des écrans LCD dans cette résolution, et Sharp avait annoncé au CES 2019 une caméra 8K à moins de 5000 €.
Nous allons ici passer en revue les principales définitions d'image actuelles en vidéo, mais avant d'aller plus loin, il est à noter que chaque domaine - informatique, téléphonie, etc. - va se caractériser par des définitions d'image spécifiques. Par exemple, le format QHD (Quad-HD) de 2560 x 1440 px que proposent certains moniteurs informatiques est une définition qui ne concerne pas le domaine vidéo.

La définition d'image

Commençons par caractériser la définition d'image : c'est le nombre de lignes de pixels sur la largeur par le nombre de pixels sur la hauteur. Donc, si on prend la définition la plus répandue à l'heure actuelle, la Full HD, on parle alors de 1920 x 1080 pixels, soit 1920 lignes de pixels en largeur par 1080 lignes en hauteur.

Cette définition permet d'obtenir le " ratio " de l'image, en divisant le nombre de lignes en largeur par le nombre de lignes en hauteur. Si on reste sur l'exemple de notre Full HD, on est donc sur un ratio de 1920/1080, soit 1,77. On parle alors de ratio " 16:9 ", un ratio adapté à la diffusion d'œuvres cinématographiques et qui est devenu une norme. Le ratio donne donc la " forme " de l'image. Un format 1:1 correspond à un format carré, alors que le format 21:9, qui correspond au format d'image Cinemascope, est un rectangle très allongé.

Une définition est souvent résumée à sa taille en hauteur. Par exemple, pour la Full HD, on va parler d'un format 1080, suivi plus spécifiquement d'une lettre associée à ce chiffre : i pour "entrelacé" (" interlaced " en anglais) ou p pour "progressif". Sans rentrer dans les détails, le mode "entrelacé" est un héritage de la diffusion sur nos vieux tubes cathodiques, que le mode "progressif" tend à le remplacer. C'est la raison pour laquelle vous rencontrez maintenant plus fréquemment l'appellation 1080p (en particulier pour la diffusion sur le web ou dans vos réglages caméra) que 1080i.

Dernier point, il ne faut pas confondre définition d'image et résolution. La résolution correspond à la densité de pixels, c'est-à-dire la quantité de pixels sur un espace donné (par convention 1 pouce soit 2,54 cm). La résolution s'exprime en nombre de pixels par pouce -ppp (pixel per inch) - ou de points par pouce - dpp (dot per inch). Par exemple, un écran LCD Full-HD de 50 pouces de large comptera donc 1920 pixels pour 50 pouces, donc une résolution de 38 ppp.

On a tendance à associer la définition de l'image à la netteté ou au piqué. C'est partiellement vrai. L'enregistrement d'une image 4K va de fait capter plus de détails qu'une image en 2K. Et effectivement, même si vous exportez votre montage 4K en Full HD, vous obtiendrez un rendu plus détaillé que si vous aviez tourné en 1080 (peut-être même trop détaillé si vous filmez des personnages en gros plan, les très hautes résolutions étant impitoyables avec les défauts). Mais si vous visualisez votre film sur un écran 32 pouces, il y a de fortes chances que votre œil ne puisse pas faire la différence entre un export 4K ou un export HD.

SD, HD READY et FULL HD

Le format " SD " ou " Définition Standard " va regrouper un ensemble de définitions suivant deux formats :

NTSC : 720 × 480, 704 × 480, 352 × 480, 352 × 240 pixels ;

PAL : 720 × 576, 704 × 576, 352 × 576, 352 × 288 pixels.

Cet ensemble de définitions est aussi bien utilisé pour la transmission numérique de la vidéo ou l'enregistrement DV des camescopes que pour le support DVD. On y a de moins en moins recours pour la captation ou la création, le format HD l'ayant remplacé. En revanche, ce format est encore largement utilisé sur les plateformes de diffusion vidéo du web. YouTube ou Vimeo, par exemple, afin d'être en mesure d'adapter le flux vidéo à votre connexion, vont générer automatiquement des versions de votre fichier dans différents formats SD au format 16:9, comme le 360p (640 x 360 pxs) ou le 480p (854 x 480 px). Ces formats de taille réduite, moins consommateurs en bande passante, pourront garantir la diffusion de votre film en toute circonstance.

C'est vraiment au début des années 2000 que s'est opérée une petite révolution dans les définitions d'image avec l'apparition de la " haute définition ", qui recouvre en fait deux formats.

Le premier, dit " HD " et labélisé " HD Ready ", affiche une taille de 1280 x 720 px. Puis, quelques années plus tard, est apparue la " Full HD ", d'une définition de 1920 x 1080 px qui est devenue le format le plus utilisé actuellement. C'est aussi la définition utilisée par le Blu-ray, successeur du DVD. Ces deux définitions sont au ratio 16:9, ce qui a permis à ce ratio d'image de devenir une norme pour l'affichage vidéo. Le passage de la SD à la HD représente encore aujourd'hui un incomparable apport en qualité, quel que soit le support de diffusion.

UHD et 4K

Depuis 2012, la définition a encore augmenté et la 4K a envahi aussi bien nos caméras DSLR et hybrides que nos écrans. Mais, comme pour la HD, deux formats sont apparus et se disputent l'appellation 4K. On pourrait résumer leur lutte à : " Il y a une 4K pour la télé et une 4K pour le cinéma ".

Commençons par la plus répandue, l'Ultra HD ou UHD, qui affiche 3840 x 2160 px. Comme on peut le constater, c'est le même ratio d'image qu'avec la HD, mais surtout, c'est le double de la définition Full HD. C'est pourquoi ce format s'est imposé dans les supports de diffusion comme les écrans et téléviseurs LED : il a été plus simple pour les fabricants de faire évoluer leurs chaînes de production en doublant le format. C'est aussi ce format UHD que vous allez retrouver sur la plupart des DSLR ou hybrides du marché estampillés " 4K ", comme le populaire Sony A7III ou le Nikon Z6.

Parallèlement à l'UHD, la DCI (Digital Cinema Initiatives, groupement d'experts américain) a établi le format 4K pour le cinéma. Sa définition est de 4096 x 2160 px, soit un format un peu plus large que l'UHD avec un ratio de 2.39:1. On considère ce format comme la " vraie " 4K, et elle est nommée " 4K Cinéma ". Les caméras pouvant enregistrer dans ce format se situent en général dans une gamme de prix plus élevée - comme souvent quand intervient le mot " cinéma " - , mais on pourra noter que Blackmagic, avec sa gamme Pocket Cinema Camera, propose pour moins de 2000 € l'enregistrement dans le format 4096 x 2160 px.

Et maintenant, la définition 8K !

Quelques fabricants proposent à l'heure actuelle pour les caméras vidéo (comme le Panasonic Lumix S1H) le format d'enregistrement 6K, soit une définition de 6144 x 3456 px. Si ce format apporte une capacité de recadrage importante pour un montage 4K, il se situe toutefois en dessous de la prochaine norme en matière de définition.

Il est en effet clair que c'est la définition 8K qui va s'imposer dans un futur proche. Elle promet une définition de 7680 x 4320 px, soit quatre fois plus de pixels qu'un téléviseur 4K et seize fois plus qu'une télé 1080p. En conséquence, on peut supposer que la taille de nos téléviseurs va elle aussi augmenter dans les prochaines années et une telle définition devrait également apporter beaucoup d'avantages pour la vidéo immersive à 360° ou en 3D.

Concernant la production, il y a encore peu de caméras 8K sur le marché. On peut bien sûr citer Sony avec la F65 ou encore Red avec son modèle Helium, mais à n'en pas douter, cette année devrait nous apporter de nouveaux produits plus abordables. Reste qu'avec des rushs 8K, la postproduction nécessitera une configuration vraiment poussée afin de visualiser ses rushs en temps réel...

En résumé

La définition d'image correspond au nombre de lignes de pixels en largeur et en hauteur. Elle se décline sous différents formats qui ont constitué des normes successives.

SD : il s'agit de la définition standard, comme la définition de 720 x 576 pixels ;

720p ou HD Ready : avec 1280 x 720 pixels, elle est le point d'entrée de la haute définition ;

1080p ou Full HD : avec ses 1920 x 1080 pixels, c'est encore aujourd'hui la définition que l'on rencontre le plus souvent, en particulier pour la diffusion sur Internet ;

Ultra HD et 4K : avec 3840 x 2160 pixels, l'UHD est le format minimum pour la 4K et le format proposé sur nos téléviseurs LED. Le format 4K Ciné de 4096 x 2160 pixels est utilisé pour la production cinématographique ;

8K : promettant 7680 x 4320 pixels, elle deviendra la prochaine norme en matière de définition d'image.

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De la SD à la 8K, comprendre les différentes définitions d'image en vidéo.

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Pour la captation ou la diffusion, le choix de la définition de l'image est un élément crucial, mais quels sont les différents formats et à quoi correspondent les dénominations comme " 1080p " ou " 4K Ciné " ?

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#4 : Le matériel (1ère partie) : Les Filtres pour objectifs

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#4 : Le matériel (1ère partie) : Les Filtres pour objectifs

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BONUS ZOOM#3 : Comprendre la balance des blancs 

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BONUS ZOOM#3 : Comprendre la balance des blancs 

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Voilà un terme intriguant dont vous avez peut-être déjà entendu parler... tout en vous demandant bien à quoi il pouvait correspondre.

La balance des blancs (ou White Balance in english), c'est le réglage qu'il faut effectuer pour compenser la température de couleurs, de manière à ce que les zones blanches de votre scène apparaissent bien blanches sur votre photo... logique, n'est-ce pas ? 😉

Bon, plus sérieusement, je vais essayer de vous expliquer cette notion de manière simple mais complète, car elle vous fera progresser vers une meilleure maîtrise des couleurs dans vos clichés.

1/ Pourquoi doit-on faire la balance des blancs ?

La balance des blancs, c'est la manipulation qui consiste à régler votre appareil pour que les zones blanches de votre scène restent bien blanches sur la photo finale.

En effet, vous l'aurez peut-être déjà remarqué sur vos photos, une feuille blanche ou une chemise blanche n'apparaissent pas aussi blanches selon l'heure de la journée, selon qu'elles se trouvent sous la lumière naturelle du soleil ou encore sous la lampe de la cuisine en soirée...

Votre œil s'adapte bien à ces variantes de couleurs, et vous voyez toujours votre chemise comme étant bien blanche. Mais votre appareil photo, lui, ne s'en sort pas si facilement...

Pourquoi ? Et bien parce-que la lumière prend des températures différentes selon les heures de la journée, les conditions météo, les types d'éclairages... Ces températures s'expriment en Kelvins.

Est-ce que vous percevez bien la différence ?

2/ Oui mais Tonton, qu'est-ce que cette histoire de température de couleurs ?!

Vous avez sans doute déjà noté que les bougies dégagent une lumière rougeâtre, alors qu'en vous levant très tôt un matin d'hiver très froid et couvert, la lumière du jour paraît toute bleutée...

Pour compenser ces dominantes de couleurs qui peuvent parfois déformer l'ensemble des couleurs d'une photo, votre appareil vous propose diverses températures de couleurs.

Lorsque vous choisissez une température de 3000K car les couleurs de votre photo sont trop chaudes, il faut alors comprendre que vous dites à votre boîtier : " Sur ce cliché, le blanc se trouve à 3000K ",
ce qui a pour conséquence de ramener une dominante de couleurs froides dans l'image.

Voici un petit schéma animé de 25 secondes pour illustrer ces phénomènes :

Est-ce que vous comprenez davantage ?

Bref, si les détails techniques ne vous intéressent pas, voici simplement ce que vous devez retenir pour comprendre les menus de votre boîtier :
* Plus l'on descend dans les Kelvins, plus la lumière devient froide, elle tire vers le bleu.
* Plus l'on monte dans les Kelvins, plus la lumière devient chaude, elle tire vers le jaune.

3/ Comment régler la balance des blancs sur mon appareil photo, pendant la prise de vue ?

Les modes automatiques

En réglant votre boîtier sur " balance des blancs automatiques ", il devrait bien s'en sortir dans la grande majorité des cas.

Toutefois, vous trouverez aussi dans les menus de votre boîtier des pré-réglages qui pourront vous être utiles dans certaines situations où la balance des blancs automatiques ne fournirait pas un résultat satisfaisant.

Les pré-réglages sont quasi toujours les mêmes d'un appareil à l'autre, mais lisez bien quand même le mode d'emploi de votre appareil pour connaître précisément les vôtres. Par exemple, voici à quoi correspondent les pré-réglages sur mon Nikon D3s :

* Incandescent : pour les éclairages à incandescence (les bonnes vieilles ampoules de votre maison par exemple)
* Fluorescent (parfois nommé Tungstène sur d'autres boîtiers) : pour les diverses lumières type halogènes, lampes à vapeur de sodium, à vapeur de mercure... Vous pourrez par exemple utiliser ce mode pour compenser l'éclairage d'un gymnase, des éclairages publics, ...
* Ensoleillé : pour les scènes directement exposées à la lumière du soleil.
* Flash : pour la lumière d'un flash optionnel.
* Nuageux : pour la lumière du jour sous un ciel nuageux.
* Ombre : pour la lumière du jour, lorsque le sujet se trouve dans l'ombre.

Le mode manuel

Enfin, pour avoir pleinement la main sur votre balance des blancs et l'ajuster plus finement, vous aurez accès sur la plupart des boîtiers à la balance des blancs manuelle.
C'est à ce moment que vous pourrez sélectionner précisément une température de couleurs à compenser, en Kelvin.

(Il est également possible de faire une balance des blancs " en direct ", avec une mire de couleurs ou une feuille blanche que l'on présente à l'appareil photo. Les vidéastes sont familiers de cette pratique. Mais je ne vais pas rentrer dans les détails de cette manipulation ici car 1/ cela compliquerait un peu trop l'article, et 2/ cela n'a plus tellement d'intérêt de nos jours grâce au post-traitement...)

4/ Y'a-t-il un moyen de corriger la balance des blancs au post-traitement ?

Oui : grâce à la photo numérique, vous n'avez plus de soucis à vous faire... surtout si vous photographiez au format RAW !

Je vous en parlais déjà dansles bases du post-traitement dans Lightroom : il s'agit d'un format d'image non compressé. C'est-à-dire que toutes les informations capturées par votre capteur sont mémorisées dans ce format, ce qui permet de récupérer et modifier pas mal de paramètres au post-traitement... comme la balance des blancs par exemple !

(à l'inverse du format JPG par exemple, qui est un format d'image compressé pour que le fichier soit plus léger : on perd donc des informations importantes pour le post-traitement.
Pour en savoir plus, vous pouvez consulter la réponse à la question :
Quelle est la différence entre les formats RAW et JPG ?).

Voici comment modifier la balance des blancs dans Lightroom :

Voici en vidéo l'exemple typique d'une photo jaunie par les ampoules à incandescence d'un hôpital, une situation fréquente que l'on retrouve par exemple dans les photos de famille prises en soirée :

Un dernier exemple, plus subtil :
J'ai pris cette photo dans le cadre d'un reportage pour un évènement professionnel(c'est pour cette raison que je suis obligé de flouter le visage de la personne).
Il s'agit encore de l'exemple typique d'une scène où se pose la question de la balance des blancs, car les ampoules à incandescence provoquent une lumière jaunâtre(vous retrouvez ce genre de problèmes lors de photos de réunions de famille en intérieur, et surtout en soirée) :

Est-ce que vous percevez bien la différence ? Si vous ne la voyez pas, concentrez-vous bien sur la couleur du plafond.

5/ Conclusion

La balance des blancs est une notion peu importante pour la personne qui débute tout juste en photographie. En effet, sur les réflex récents, le mode " balance des blancs automatique " gère correctement 90% des situations.

En revanche, elle est importante pour le photographe amateur qui souhaite progresser dans la gestion de ses couleurs.

Au final, tout ce que vous devez retenir, c'est que la température de référence du blanc dépend des conditions de lumière et d'éclairage.
Plus vous descendez dans les Kelvins, plus vous refroidissez les couleurs.
Et plus vous montez dans les Kelvins, plus vous les réchauffez.

Enfin, comme toujours, je vous recommande d'essayer de manipuler la balance des blancs sur votre appareil ou dans Lightroom dès ce soir ou ce week-end ! C'est le meilleur moyen d'intégrer cette notion 🙂

Est-ce que la notion de balance des blancs vous semble désormais plus claire ? Avez-vous déjà eu l'occasion de manipuler cette fonction sur votre appareil photo ?
Dîtes-le moi dans les commentaires ci-dessous. Vous pouvez également m'y poser des questions complémentaires !

# data[].attributes.attachment_link.title
7 minutes pour (enfin) comprendre la balance des blancs

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Voilà un terme intriguant dont vous avez peut-être déjà entendu parler... tout en vous demandant bien à quoi il pouvait correspondre. La balance des blancs (ou White Balance in english), c'est le réglage qu'il faut effectuer pour compenser la température de couleurs, de manière à ce que les zones blanches de votre scène apparaissent bien blanches sur votre photo...

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BONUS ZOOM#4 : Le Matériel (1ere partie)

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BONUS ZOOM#4 : Le Matériel (1ere partie)

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Les Focales et les capteurs plein Ecran ou APS-C:
La principale différence entre les boîtiers APS-C et plein format se trouve au niveau du capteur.

Le capteur d’un appareil photo APS-C est plus petit que le capteur d’un appareil photo plein format (et un capteur 1 pouce est plus petit qu’un capteur APS-C, etc.).

Cette différence de taille de capteur a une implication forte sur la longueur focale perçue de votre objectif. À focale identique, le champ de vision est plus petit pour l’APS-C que pour le plein format : on parle de coefficient multiplicateur pour expliquer cela.

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BONUS ZOOM#4 Les formats de Capteurs caméra

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BONUS ZOOM#4 Les formats de Capteurs caméra

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#7 : Les Etapes Préparatoire au Tournage

# data[].attributes.subject
#7 : Les Etapes Préparatoire au Tournage

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 #8 : Préparations du Matériel avant/après tournage

# data[].attributes.subject
 #8 : Préparations du Matériel avant/après tournage

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Apparu après l' autofocus, le stabilisateur d'images révolutionne la prise de vue à main levée !

Principe du stabilisateur d'images

Les progrès spectaculaires de l'électronique et de l'électromécanique permettent de réaliser des micro-moteurs extrêmement légers et réactifs.

Le principe de fonctionnement du stabilisateur d'images est relativement simple.
Il consiste à rattraper les mouvements de l'appareil photo, par un mouvement en sens contraire, soit sur les lentilles (stabilisateur d'images dans l'objectif) soit directement sur le capteur (stabilisateur d'images dans le boîtier).

Problèmes de bougé et stabilité de l'appareil

Lorsque nous tenons notre appareil photo à main levée, nous ne sommes jamais totalement immobile.
Nous transmettons de légères vibrations à l'appareil photo.
En respirant, nous faisons bouger légèrement notre appareil.

Si cela ne pose aucun problème avec des temps de pose courts, c'est une tout autre histoire avec des temps de pose long, en basse lumière.

Il arrive même d'incriminer la qualité de son objectif, son piqué, alors qu'il s'agit tout simplement d'un très léger flou de bougé.

On donne donc comme règle de base, à condition de ne pas être trop brutal au déclenchement, de choisir un temps de pose correspondant à la longueur focale de l'objectif utilisé.

Par exemple, avec un 50 mm il est recommandé de déclencher au 1/60 de seconde.

Avec un 300 mm il est prudent de ne jamais descendre en dessous du 1/500 de seconde.

Pour peu que l'on désire conserver un minimum de profondeur de champ, si la lumière n'est pas abondante, il peut être difficile d'opérer à main levée sans augmenter considérablement la sensibilité ISO.

Stabilisateur d'images, notre sauveur

Les stabilisateurs d'images permettent, pour les moins performants de gagner deux crans de temps de pose et jusqu'à quatre crans pour les plus efficaces !

Selon les situations, il est possible d'utiliser cet avantage pour réduire la sensibilité ISO.
Avec un gain de deux crans, une photo à 800 ISO peut être réalisée à 200 ISO.

Avec un stabilisateur d'image performant une photo prise à 1/500 de seconde à f/5,6 peut être réalisée au 1/30 à f/5,6.

Sans compter les effets spéciaux possibles avec des poses longues réalisables à main levée au 1/8 ou 1/4 de seconde avec les équipements les plus performants.

C'est vraiment une révolution dans la manière de photographier.

Le stabilisateur d'images est un dispositif aujourd'hui omniprésent, même sur des appareils compacts simples.
Son fonctionnement se révèle particulièrement appréciable pour les amateurs de prises de vue de nuit.

Stabilisateur d'images dans l'objectif

La stabilisation est réalisée par un mouvement d'une lentille, dans l'objectif.

Cette stabilisation de l'image avant sa sortie de l'objectif permet d'avoir une image stabilisée dans le viseur.
Cette stabilisation au niveau de l'objectif est particulièrement appréciable dans le cas de l'utilisation d'une longue focale par exemple.

De plus, actuellement, les systèmes les plus performants font appel aux stabilisateurs d'images placés dans l'objectif, avec un gain de 4 valeurs.

Le stabilisateur d'images intégré à l'objectif, revient plus cher à fabriquer et devient relativement plus sensible aux chocs, sans être pour autant particulièrement fragile.

Le stabilisateur d'images dans le boîtier

Ici, le stabilisateur d'images agit directement sur le capteur numérique.

Le stabilisateur d'images placé au niveau du capteur, il stabilise n'importe quel accessoire fixé sur ce boîtier !
C'est un très grand avantage, puisqu'il stabilise n'importe quel objectif.

En macrophotographie, avec un équipement simple constitué de bagues allonge, vous profiterez de la stabilisation.
Si vous optez pour une solution encore plus simple comme les bonnettes, vos images seront toujours stabilisées.
Ce n'est pas un mince avantage.

De nombreux objectifs grand-angle ne sont pas stabilisés ; ils le deviennent avec le stabilisateur intégré au boitier.

Même si l'utilité est plus évidente sur une longue focale, en photo de nuit, ou dans un intérieur sombre comme une église, il peut être très appréciable de disposer d'un stabilisateur d'images efficace.

C'est appréciable avec un potentiellement capable d'utiliser n'importe quel objectif de reflex, de n'importe quelle marque !
En contrepartie de cet avantage important, l'image n'est pas stabilisée au niveau du viseur.

C'est un inconvénient insupportable pour un photographe utilisant régulièrement des longues, voire de très longues focales.

Alors, stabilisateur d'images dans le boîtier ou dans l'objectif ?

L'idéal est de disposer des deux !

Si vous envisagez d'acheter différents équipements pour être un photographe polyvalent de la macrophotographie à la photo sportive, avec un budget restreint, pour peu que le stabilisateur d'image soit pour vous un critère d'achat important, vous aurez sans doute intérêt à vous orienter vers un stabilisateur d'images dans le boîtier, comme le proposent entre autre Pentax et Sony.

Si au contraire, votre budget n'est pas une contrainte ou si vous n'envisagez de photographier qu'avec un seul et unique zoom ou deux objectifs, un équivalent 28 mm et un équivalent 100 mm de focale, le stabilisateur d'images dans l'objectif peut être pour vous une bonne solution (Canon, Nikon, Panasonic).
Comme toujours, le choix d'un système doit se faire en fonction de vos besoins personnels.
Il n'existe pas dans ce domaine de choix plus " intelligent " dans une solution ou dans l'autre.

Réglages du stabilisateur d'images

Sur la plupart des appareils, il est possible d'activer le stabilisateur, en appuyant sur le déclencheur, ce qui économise la batterie.
En contre partie, il est plus long à entrer en action.

Une deuxième position où il fonctionne en permanence.
Plus réactif, il est assez gourmand en énergie.

Disponible seulement sur certains modèles, votre stabilisateur d'image est paramètrable de façon à ne stabiliser que les déplacements verticaux.
Idéal pour réussir vos filés les plus audacieux !

Qu'avez-vous choisi pour votre appareil actuel ?

Est-ce que le type de stabilisateur d'images a orienté votre choix pour la marque d'appareil que vous avez retenue ?
Avez-vous accepté sans y prêter plus attention le type de stabilisateur proposé par votre marque ?
Faites-nous part de votre expérience en laissant un commentaire ci-dessous.

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Le stabilisateur d'images - Comment Apprendre la Photo

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Le stabilisateur d'images permet non seulement d'obtenir des photos plus nettes mais aussi des effets formidables de mouvement !

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BONUS ZOOM# 7 : Autorisation de Tournage

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BONUS ZOOM# 7 : Autorisation de Tournage

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BONUS ZOOM #7 : Conditions de Tournage en France

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BONUS ZOOM #7 : Conditions de Tournage en France

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reportages caméra à l’épaule ou sur trépied

photographies d’architecture avec ou sans pied

photographies de mode avec ou sans pied

exercices d’écoles de formation

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France Diplomatie - Ministère de l'Europe et des Affaires étrangères

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Les médias étrangers souhaitant tourner des reportages en France doivent contacter en priorité :

leurs correspondants parisiens (s'ils en ont)

leur ambassade

la DPAF (Direction de la Police de l'air et des frontières)

A SAVOIR : La diffusion ou publication de l'image nécessite l'accord préalable des personnes photographiées ou filmées ainsi que celui des responsables des établissements publics et monuments concernés par les prises de vues. Les tournages dans les lieux publics sont en principe soumis à autorisation.

Toutefois, les prises de vue sur la voie publique peuvent se faire sans autorisation préalable s'il s'agit d'opérations légères du type :

reportages caméra à l'épaule ou sur trépied

photographies d'architecture avec ou sans pied

photographies de mode avec ou sans pied

exercices d'écoles de formation

Comment obtenir une autorisation de tournage ? 1. A Paris
Tout tournage à Paris nécessite l'obtention de 2 autorisations : de la Mairie de Paris et de la Préfecture de Police.

Pour obtenir l'autorisation de la Mairie de Paris, une déclaration préalable suffira pour une équipe de tournage constituée de moins de 10 personnes. A partir de 10 personnes, une demande d'autorisation AGATE sera nécessaire.

Préfecture de Police
Service des Prises de Vues
9 boulevard du Palais, 75004 Paris
Site Internet : www.prefecturedepolice.interieur.gouv.fr/actualites-et-presse/demandes-de-presse/demande-de-presse

Mairie de Paris
Paris Film- Mission Cinéma
55, rue des Francs-Bourgeois
75004 Paris
Tel. 01 42 76 83 28
mail : tournages chez paris.fr
Site Internet : www.paris.fr/pages/deposer-une-demande-d-autorisation-de-tournage-a-paris-16204

Il est également recommandé de prendre l'attache du ou des commissariat(s) de police du ou des quartier(s) concerné(s).

Comme un grand nombre d'édifices appartiennent à la Ville de Paris ou sont sous la responsabilité du ministère de la Culture et de la Communication, il vous faudra obtenir d'autres autorisations.

Pour les lieux dépendant de la Ville de Paris, consulter le site Internet de Paris Film :

Mairie de Paris
Paris Film - Mission cinéma
Site Internet : www.paris.fr/pages/preparer-son-tournage-a-paris-16197#decors-emblematiques, (les décors dépendants de l'état ou de la Ville sont renseignés).

Pour les sites administrés par le ministère de la Culture : s'adresser aux responsables des monuments ou bien, si plusieurs sites sont concernés, au :

Centre des monuments nationaux
Tél : 33 1 44 61 20 30
Mail : location chez monuments-nationaux.fr
2. En province
En général, il faut contacter le service de presse de la mairie de la ville dans laquelle aura lieu le tournage. Voici quelques contacts qui pourront être utiles :

Bordeaux : Mairie de Bordeaux - service de presse
Tél. : 33 (0)5 56 10 20 46
sce.presse chez mairie-bordeaux.fr

Lille : Mairie de Lille - service de presse
Tél. : 33 (0)3 20 49 50 70
contactmairie chez mairie-lille.fr

Lyon : Only Lyon - Service presse
Tél. : 33 (0)4 72 40 57 15
sysoyev chez onlylyon.com

Marseille : Mairie de Marseille - service Fêtes et Manifestations
Tél. : 33 (0)4 91 55 30 74

Nantes : Mairie de Nantes - service de presse
Tél. : 33 (0)2 40 41 74 36

Strasbourg : Ville et Ville et Eurométropole de Strasbourg -
Bureau d'accueil des tournages
Contact presse
Tél. : 33 (0)3 68 98 50 00 / 33 (0)3 68 98 72 92

Toulouse : Mairie de Toulouse - Service de presse
Tél. : 33 (0)5 61 22 21 47
dominique.pottier chez mairie-toulouse.fr

La circulation des journalistes et de leur matériel est libre dans l'Union européenne.
Pour les journalistes venant de l'extérieur de l'Union, l'importation de matériel de presse est soumise à une demande d'admission temporaire, qu'il s'agisse de matériel de radiotélévision ou de matériel de presse et photographie.
Cette demande se fait auprès des autorités douanières au point d'entrée terrestre, portuaire ou aéroportuaire dans l'Union (hors transit).

Demande d'admission temporaire simplifiée (dite "Bona fide")
Il est préférable d'effectuer cette démarche avec l'aide de l'ambassade du pays d'origine. Les formalités sont simples (elles peuvent être menées par le journaliste lui-même) et rapides (délai normal : environ une semaine). Les titulaires d'un carnet ATA sont dispensés de cette procédure.

(NB : document douanier international, le carnet ATA permet d'exporter pendant une année, en franchise des droits et taxes d'importation, des marchandises vers plus de 33 pays.)

La demande écrite doit préciser :

la raison sociale de l'organisme demandeur

le type de tournage prévu (prises de son, prises de vue,...)

la durée du séjour (indiquer les dates et heures d'arrivée et de départ et numéro de vol)

le matériel concerné : type, marque, numéro de série et valeur pro forma de chaque équipement (cette liste ne pourra être modifiée après son dépôt)

les coordonnées d'un correspondant en France (l'ambassade par exemple)

À l'arrivée, les journalistes devront se présenter à la douane de l'aéroport avec leur matériel , l'Autorisation délivrée par la direction régionale des douanes (ou leur carnet ATA), et une liste détaillée de leur matériel en deux exemplaires. Il sera procédé à une vérification et au visa des deux listes détaillées. L'une sera remise aux journalistes, l'autre conservée par la douane qui, lors du départ des journalistes, vérifiera la sortie du territoire du matériel concerné.

Direction régionale des douanes de Roissy en France
Service de la réglementation
Rue du Signe
95701 Roissy CDG cedex
Tél. : 33 1 48 62 62 88
dr-roissy chez douane.gouv.fr

Direction régionale des douanes de Marseille
Service de la réglementation
48 av Robert Schuman
13224 Marseille cedex 02
Tél. : 33 4 91 14 15 08

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Ministère de l'Europe et des Affaires étrangères

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Les tournages en France Les médias étrangers souhaitant tourner des reportages en France doivent contacter en priorité : leurs correspondants (...)

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BONUS ZOOM# 8 : faire la Balance des Blancs

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BONUS ZOOM# 8 : faire la Balance des Blancs

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La plupart des appareils photo numériques modernes sont équipés de systèmes autofocus avancés, souvent difficiles à comprendre. Que vous preniez des photos avec un appareil d'entrée de gamme ou professionnel, il est essentiel de savoir comment utiliser efficacement le système de mise au point automatique pour obtenir des images nettes. Une image floue et mal mise au point peut ruiner une photographie et vous ne pouvez pas la récupérer en post-traitement.

Si vous apprenez à faire la mise au point correctement vous obtiendrez de bien meilleurs résultats pour vos clients et votre famille. En d'autres termes, une mise au point précise se traduit par des images plus nettes et c'est ce que tout le monde recherche dans les photographies.

Dans cet article, nous vous apprenons tout sur les modes de mise au point des appareils photonumériques modernes. Comme la fonctionnalité de l'autofocus dépend du type et du modèle d'appareil photo que vous utilisez, nous ne pouvons évidemment pas passer en revue tous les modes de mise au point automatique disponibles, mais nous donnerons quelques exemples.

Comment fonctionne l'autofocus de votre appareil photo

Ce qui est bien avec les appareils photo numériques aujourd'hui, c'est qu'il n'est plus nécessaire de faire la mise au point manuellement, comme c'était le cas auparavant. La photographie numérique est beaucoup plus indulgente à cet égard, car contrairement à la pellicule, vous pouvez voir les résultats instantanément et vous pouvez facilement changer les réglages de votre appareil et prendre de nombreuses photos sans vous soucier du coût et du remplacement de la pellicule.

L'autofocus s'est beaucoup amélioré au cours de la dernière décennie et même les reflex numériques d'entrée de gamme, sont équipés de systèmes d'autofocus assez complexes et performants. Alors, comment fonctionnent les systèmes autofocus des appareils photo modernes ? Passons en revue quelques éléments de base.

Autofocus actif ou passif

Il existe deux types de systèmes AF (autofocus) : actif et passif. Le système " AF actif " fonctionne en émettant un faisceau rouge sur votre sujet pour déterminer la distance entre l'appareil et ce dernier. Une fois que l'appareil photo connaît cette distance, il demande à l'objectif d'ajuster la mise au point en fonction de cette information. L'avantage de l'AF actif est qu'il peut être utilisé dans des environnements très mal éclairés, où l'AF normal (passif) ne fonctionne pas. L'inconvénient de l'AF actif est que vous ne pouvez l'utiliser que pour des sujets immobiles et qu'il ne fonctionne que pour des sujets proches. Si vous utilisez un appareil Nikon ou Canon qui possède une fonction " AF Assist ", il utilisera un système AF actif.

D'autre part, le système " AF passif " fonctionne de manière très différente : au lieu de se fier au faisceau rouge pour déterminer la distance entre l'appareil photo et le sujet, il utilise soit des capteurs spéciaux dans l'appareil photo pour détecter le contraste de la lumière qui traverse l'objectif (connu sous le nom de " détection de phase "), soit le capteur de l'appareil photo lui-même pour détecter le contraste de l'image (connu sous le nom de " détection de contraste ").

Que signifie " détecter le contraste " ? Sans entrer dans une terminologie complexe, cela signifie simplement que votre appareil essaie de rechercher la netteté dans une partie d'une image. Si l'image est floue, le système AF ajuste la mise au point de l'objectif jusqu'à ce que la netteté/contraste soit obtenue. C'est pourquoi le système AF passif exige que vous ayez suffisamment de contraste dans votre cadre pour qu'il puisse faire la mise au point correctement. Lorsqu'un objectif commence à " chasser " la mise au point sur des surfaces monochromes - comme les murs blancs - cela se produit parce que l'appareil photo a besoin d'objets dont les bords contrastent/se détachent de l'arrière-plan pour pouvoir faire la mise au point.

Si vous souhaitez en savoir plus sur ce sujet, consultez notre article

À lire : l'autofocus à détection de phase.

Note : Si votre reflex numérique est équipé d'une lampe " AF Assist " devant l'appareil, il ne s'agit pas d'un faisceau " AF actif " - il ne fait que diriger la lumière sur votre sujet comme le ferait une lampe de poche pour aider l'appareil à faire une mise au point. Il dépend donc toujours du système " AF passif " de votre appareil.

De nombreux appareils photo numériques, tels que les appareils compacts, les caméras vidéo, etc. utilisent souvent la méthode AF de " détection de contraste " pour obtenir la mise au point, tandis que la plupart des reflex numériques modernes peuvent utiliser à la fois " la détection de phase " et " de contraste " pour obtenir la mise au point.

Comme la méthode AF de " détection de contraste " exige que la lumière frappe réellement le capteur, les reflex numériques doivent avoir leurs miroirs relevés pour que cela fonctionne, ce qui signifie que l'autofocus de détection de contraste dans les reflex numériques ne peut être effectué que lorsque l'appareil est en mode " Live View ".

L'autofocus à détection de phase est idéal pour suivre des sujets en mouvement, tandis que l'autofocus à détection de contraste est idéal pour les sujets fixes.

La détection de contraste est souvent plus précise que la détection de phase, en particulier dans les situations difficiles ou de faible luminosité. L'avantage de la détection de contraste est que vous pouvez utiliser n'importe quelle partie de l'image (y compris les coins extrêmes) sur votre capteur pour faire la mise au point, tandis qu'avec la détection de phase, vous devez utiliser un ou plusieurs des collimateurs de votre reflex numérique. L'inconvénient de la détection de contraste est qu'elle est souvent plus lente.

Les appareils photo haut de gamme hybrides (sans miroir) combinent les deux systèmes de mise au point automatique, en utilisant une détection de phase rapide en cas de bonne lumière et une détection de contraste plus lente dans les situations de faible luminosité. Certains fabricants ont même trouvé des moyens d'intégrer des pixels de détection de phase directement sur les capteurs de l'appareil, ce qui améliore considérablement la précision de la détection de phase.

Les collimateurs

Les collimateurs (ou points AF) sont les petits carrés que vous voyez lorsque vous regardez dans votre viseur. Les fabricants différencient souvent les reflex numériques d'entrée de gamme des reflex professionnels en mettant en œuvre différents types de systèmes de mise au point automatique. Les DSLR d'entrée de gamme ont généralement des systèmes AF simples avec quelques collimateurs pour les besoins de base, tandis que les DSLR professionnels ont des systèmes AF complexes et hautement configurables avec beaucoup de collimateurs.

Ces collimateurs font partie de " l'autofocus à détection de phase ", de sorte que chacun des collimateurs peut être utilisé par les capteurs AF de l'appareil photo pour détecter le contraste d'un sujet. Les collimateurs sont disposés intentionnellement dans certaines parties du cadre et le nombre de collimateurs, ainsi que leur disposition, varient non seulement selon le fabricant, mais aussi selon les modèles d'appareil photo. Regardez ces deux types de systèmes autofocus avec un nombre différent de points AF et des dispositions différentes :

Comme vous pouvez le voir, le Nikon D5000 dispose d'un total de 11 collimateurs et le Nikon D300s en possède un total de 51 - une grande différence dans le nombre de collimateurs.

Ce nombre est-il important ? Bien sûr qu'il l'est. Non seulement vous disposez d'un plus grand nombre de points AF pour composer votre prise de vue et faire la mise au point sur une zone particulière d'une image, mais le système AF de l'appareil peut également utiliser ces différents collimateurs pour le suivi du sujet (extrêmement utile pour la photographie de sport et de la faune). Cependant, ce n'est pas seulement le nombre de collimateurs qui fait la différence, il en existe aussi différents types.

Les différents types de collimateurs

Il existe deux types de collimateurs :

Les collimateurs " simples " : Ils ne détectent le contraste que sur une ligne verticale ou horizontale. Le collimateur vertical permet une meilleure accroche sur des sujets horizontaux et à l'inverse, le collimateur horizontal accroche mieux les sujets verticaux.

Les collimateurs de type " croisé " : Ils peuvent détecter le contraste à la fois sur les lignes verticales et horizontales, ce qui rend les collimateurs croisés beaucoup plus précis.

Cela signifie que plus votre appareil photo est équipé de collimateurs de type croisé, plus la mise au point automatique sera précise et de meilleure qualité. C'est pourquoi, lorsque de nouveaux appareils sont annoncés, vous verrez généralement quelque chose qui dit " x nombres de collimateurs et x nombres de collimateurs de type croisé " - les fabricants indiquent fièrement le nombre, surtout lorsque ces chiffres sont élevés.

Par exemple, voici ce que Nikon énumère sous la rubrique " Caractéristiques " du Nikon D7100 : " Le D7100 utilise 51 collimateurs, dont 15 croisés pour détecter les variations de contraste verticales et horizontales, afin d'obtenir une mise au point rapide et précise ".

Cela signifie que le nombre total de points AF est de 51, dont 15 sont plus précis, car de type croisé.

Chaque fois que vous achetez un nouvel appareil photo, faites attention au nombre total de collimateurs, ainsi qu'au nombre de types croisé, car ces deux éléments sont importants, surtout si vous voulez shootez du sport et/ou des animaux sauvages qui se déplacent rapidement.

Autres facteurs ayant une incidence sur les performances de l'Autofocus (AF)

Comme vous pouvez le constater, tant le nombre total de points AF que leur type sont importants. Toutefois, ce ne sont pas les deux seuls éléments nécessaires pour obtenir des résultats précis. La qualité et la quantité de lumière sont d'autres facteurs qui peuvent sérieusement affecter les performances de l'autofocus.

Vous savez probablement déjà que l'autofocus de votre appareil photo fonctionne très bien lorsque vous prenez des photos en plein jour, sous un soleil éclatant, et qu'il commence à patiner dans des conditions de lumière difficiles. Pourquoi en est-il ainsi ? Parce que dans des conditions de faible luminosité, il est beaucoup plus difficile pour votre appareil photo de détecter le contraste. N'oubliez pas que l'autofocus passif repose entièrement sur la lumière qui passe à travers l'objectif. Si la qualité de cette lumière est mauvaise, les performances de l'autofocus le seront aussi.

En ce qui concerne la qualité de la lumière, l'état de l'objectif, sa qualité et l'ouverture maximale sont autant de facteurs importants qui influent sur les performances de l'autofocus. Si vous avez un objectifmal entretenu, la saleté, la poussière ou autre, vos performances de mise au point automatique en souffriront certainement.

En termes d'ouverture maximale, il y a une raison pour laquelle les objectifs f/2,8 de niveau professionnel font la mise au point beaucoup plus rapidement que les zooms f/5,6 grands publics : f/2,8 laisse tout simplement entrer plus de lumière et cela facilite grandement la mise au point.

Des ouvertures plus petites comme f/5,6 signifient que moins de lumière passe à travers l'objectif, ce qui rend le fonctionnement de l'autofocus plus difficile. C'est pourquoi les grandes ouvertures sont préférables aux petites pour un meilleur fonctionnement de l'autofocus.

Note : Il est également important de mentionner que tous les appareils photo numériques modernes font la mise au point lorsque l'ouverture de l'objectif est grande ouverte, donc chaque fois que vous changez l'ouverture de l'objectif à un chiffre plus élevé comme f/16, l'ouverture ne change en fait que lorsque vous prenez la photo.

Les différents modes d'autofocus

De nos jours, la plupart des appareils photo numériques sont équipés de plusieurs modes de mise au point différents pour des situations variées. C'est une chose de photographier une personne immobile, et une autre qui court. Lorsque vous photographiez des sujets immobiles, vous faites généralement la mise au point une fois et prenez une photo. Si le sujet bouge, vous refaites la mise au point et prenez une autre photo. Mais si votre sujet bouge continuellement, votre appareil photo doit faire la mise au point automatiquement au fur et à mesure que vous prenez des photos. La bonne nouvelle, c'est que votre reflex numérique peut gérer de telles situations. Passons en revue ces modes de mise au point plus en détail.

Mode de mise au point sur une seule zone

L'" AF à zone unique ", également appelé " AF-S " dans le monde Nikon ou " One shot AF " dans le monde Canon, est un moyen assez simple d'acquérir la mise au point. Vous choisissez un collimateuret votre appareil photo cherchera le contraste uniquement avec ce collimateur. Lorsque vous appuyez à moitié sur l'obturateur ou sur un bouton AF dédié (si vous en avez un), l'appareil se met au point une fois et si votre sujet bouge, il ne se remettra pas au point même si vous continuez à appuyer à moitié sur le bouton. La mise au point reste donc " verrouillée ".

Mode de mise au point continue

Un autre mode de mise au point disponible sur tous les reflex numériques modernes est appelé " Continu/AF-C " (Nikon) ou " AI Servo " (Canon). Ce mode est utilisé pour suivre des sujets en mouvement et il est indispensable pour la prise de vue de sujets sportifs, d'animaux sauvages et d'autres sujets en mouvement.

Ce qui est bien avec le mode continu, c'est qu'il réajuste automatiquement la mise au point si vous ou le sujet bougez. Il vous suffit d'appuyer à moitié sur le déclencheur ou de maintenir le bouton AF dédié de votre appareil photo pour que le système de mise au point automatique suive tout mouvement.

Par rapport à l'AF simple zone, le mode continu est généralement très configurable (en particulier sur les modèles haut de gamme) et peut effectuer des tâches compliquées, comme le suivi de sujets avec un seul ou plusieurs collimateurs.

Mode hybride simple/continu

Certains appareils photo ont également un autre mode appelé " AF-A " (Nikon) ou " AI Focus AF " (Canon), qui est essentiellement un mode hybride qui bascule automatiquement entre les modes " Single/One-Shot " et " Continuous/AI Servo ".

L'appareil détecte si le sujet est immobile, auquel cas il passe automatiquement en mode de mise au point unique, tandis que si le sujet bouge, il passe en mode de mise au point continue. La méthode par défaut sur les reflex numériques Nikon d'entrée de gamme est l'AF-A et elle fonctionne assez bien dans la plupart des situations. De nombreux reflex numériques haut de gamme/professionnels n'ont pas ce mode, car il est plutôt conçu pour les débutants.

Changer de mode de mise au point

Si vous ne savez pas comment changer le mode de mise au point de votre appareil photo, je vous recommande de consulter le manuel de votre appareil, car les différents appareils traitent cette question différemment.

Par exemple, tous les reflex numériques Nikon d'entrée de gamme nécessitent d'aller dans l'écran " Info " de l'appareil pour changer le mode de mise au point, tandis que les appareils haut de gamme ont un commutateur dédié devant l'appareil pour basculer entre les différents modes de mise au point. Par exemple, voici comment changer le mode de mise au point sur le Nikon D700 :

En tournant le cadran sur " C ", on passe en mode Continu/AF-C, en tournant le cadran sur " S ", on passe en mode Focalisation sur une seule zone/AF-S et " M " permet de passer en mise au point manuelle.

Les modes de zone AF

Après avoir choisi de faire la mise au point en continu ou non, vos appareils vous permettent de choisir la zone de mise au point. Que font donc ces modes de zone AF ? Passons-les en revue un par un.

Mode de zone AF à point unique

Lorsque vous choisissez le mode " Single Point " (Nikon) ou " Manual AF Point " (Canon), l'appareil photo n'utilise qu'un seul collimateur que vous choisissez dans votre viseur pour faire la mise au point. Ainsi, si vous déplacez votre collimateur vers le haut/le bas/la gauche/la droite, l'appareil photo ne détectera le contraste que sur ce collimateur particulier.
Ce mode est utile pour des paysages, l'architecture et d'autres sujets fixes.

Mode zone AF dynamique

En mode " Dynamique " (Nikon) ou " Extension du point AF " (Canon), vous choisissez toujours un collimateur et l'appareil photo acquiert initialement la mise au point sur ce point particulier. Cependant, une fois la mise au point acquise, si votre sujet bouge, l'appareil photo utilisera les collimateurs environnants pour suivre le mouvement du sujet et garder la mise au point sur votre sujet.

Le mode de zone AF dynamique fonctionne parfaitement pour les sujets se déplaçant rapidement comme les oiseaux, car il n'est pas facile de faire la mise au point sur des oiseaux en vol. Les appareilshaut de gamme ont la possibilité de contrôler le nombre de collimateurs environnants à activer pour ce type de prise de vue. Par exemple, le Nikon D7100 permet de choisir entre 9 points, 21 points et 51 points en mode zone AF dynamique.

Ainsi, si vous ne souhaitez suivre qu'une petite partie de la scène, vous choisissez 9 points et si vous souhaitez suivre l'image entière, vous pouvez choisir les 51 points pour suivre votre sujet. Enfin, la plupart des reflex numériques modernes de Nikon disposent d'un " mode de suivi 3D ", dans lequel vous choisissez initialement le point AF et l'appareil photo active automatiquement autant de collimateurs que nécessaire pour suivre le mouvement du sujet. L'avantage du mode 3D Tracking est qu'il utilise un système spécial de reconnaissance de scène qui lit les couleurs et suit automatiquement le sujet, vous permettant ainsi de composer votre photo pendant que le sujet se déplace.

Mode AF automatique

Le mode " Auto-Af Area AF " (Nikon) ou " Automatic AF Point Selection " (Canon) est la méthode des appareils compacts d'acquisition de la mise au point. En fonction de ce que vous photographiez, il sélectionne automatiquement ce sur quoi il faut faire la mise au point.

C'est un mode assez complexe, car il reconnaîtra les tons de peau d'une personne dans le cadre et fera automatiquement la mise au point sur elle. S'il y a plusieurs personnes dans le cadre, il fera la mise au point sur celles qui sont les plus proches de l'appareil photo. Si l'appareil ne détecte aucun teint de peau, elle se concentre généralement sur l'objet le plus proche et le plus grand dans le cadre. Si vous prenez des photos en mode Single Area/AF-S et que vous sélectionnez " Auto-Area AF ", l'appareil affichera les collimateurs qu'il utilisera pendant une seconde, ce qui vous permettra de voir et de confirmer la zone sur laquelle l'appareil fera la mise au point. Je n'utilise jamais ce mode, parce que je veux contrôler où faire la mise au point, au lieu de laisser l'appareil photo le faire à ma place.

Mode AF par groupes de zones

Les derniers reflex numériques Nikon, comme le D810 et le D4S, sont équipés d'un nouvel " autofocus de groupe ". Par rapport au mode AF simple point habituel, l'autofocus de groupe active cinq points AF pour suivre les sujets. Ce mode de mise au point est idéal pour l'acquisition initiale de la mise au point et le suivi des sujets par rapport à l'AF ponctuel ou dynamique, en particulier lorsqu'il s'agit de petits oiseaux qui volent de manière erratique et qui peuvent être très difficiles à suivre. Dans de telles situations, le mode AF de groupe peut donner de meilleurs résultats que l'AF dynamique, en montrant une meilleure précision et une meilleure cohérence d'une prise de vue à l'autre.

Comment fonctionne l'AF de groupe ? En gros, dans le viseur, vous voyez quatre collimateurs, le cinquième étant caché au milieu. Vous pouvez déplacer les quatre collimateurs en appuyant sur le contrôleur multitouche situé au dos de l'appareil (idéalement, vous voulez rester au milieu, car les collimateurs au centre du cadre sont croisés et les plus précis). Lorsque vous pointez sur un sujet, les cinq collimateurs sont activés simultanément pour l'acquisition initiale de la mise au point, la priorité étant donnée au sujet le plus proche, sans donner la préférence à l'un des 5 collimateurs.

La mise au point automatique par zone de groupe est particulièrement utile pour photographier les oiseaux, la faune et les sports non collectifs.

Un autre fait important que je dois mentionner est que lorsque vous utilisez l'AF de groupe en mode AF-S, l'appareil photo enclenche la reconnaissance des visages et tente de faire la mise au point sur l'œil de la personne la plus proche. Par exemple, si vous photographiez une personne entre des branches d'arbre et des feuilles, l'appareil photo tentera toujours de faire la mise au point sur le visage de la personne plutôt que sur la feuille la plus proche. Malheureusement, la reconnaissance des visages n'est activée qu'en mode AF-S. Par conséquent, si vous photographiez des sports collectifs rapides et que vous avez besoin que l'appareil photo se verrouille et se déplace sur le visage d'un sujet (et non sur l'objet le plus proche), votre meilleure option sera d'utiliser l'AF dynamique à la place.

Voici une comparaison illustrée de chaque mode AF Nikon :

Dans le sens des aiguilles d'une montre, en partant du haut à gauche : Mode AF ponctuel, mode AF dynamique (9 points), mode AF dynamique (21 points), mode AF dynamique (51 points), mode de suivi 3D, mode AF automatique et mode AF de groupe.

Autres modes " zone "

Les nouveaux DSLR sont dotés de modes de mise au point automatique supplémentaires, tels que " AF priorité visage ", " AF zone étendue ", " AF zone normale " et " AF suivi du sujet ", pour l'enregistrement vidéo. Je ne vais pas discuter en détail de chacun de ces modes, car ils sont spécifiques à certains modèles d'appareils photo et vont probablement changer à l'avenir. Canon dispose également de certains modes de mise au point automatique, comme le " Spot AF ", qui permet d'affiner la mise au point dans un point précis. Ces modes de zone AF supplémentaires sont spécifiques à certains appareils Canon comme le Canon 7D.

Changement de mode de mise au point

Pour savoir comment changer le mode de mise au point automatique de votre appareil photo, je vous recommande de consulter le manuel de votre appareil. Si vous possédez un reflex numérique Nikon d'entrée de gamme, vous pouvez sélectionner une zone de mise au point automatique via le " menu de prise de vue ", tandis que les reflex numériques Nikon haut de gamme disposent d'un interrupteur dédié au dos de l'appareil. Voici à quoi ressemble l'interrupteur sur les appareils Nikon D300/D300s/D700/D3/D3s/D3x :

Conseils pour améliorer les performances de l'autofocus en basse lumière

Comme je l'ai souligné précédemment, la mise au point dans des environnements lumineux et ensoleillés est souvent assez facile et nos appareils s'en accommodent très bien. Mais les gens commencent à avoir toutes sortes de problèmes lorsqu'ils photographient dans des conditions de faible luminosité, surtout en intérieur. Voici quelques conseils si vous avez des difficultés à photographier dans des conditions de faible luminosité :

Utilisez le collimateur central. Que votre appareil soit équipé de 9 ou 51 collimateurs, il est déconseilléd'utiliser les collimateurs dans les coins du cadre lorsque vous photographiez dans des conditions de faible éclairage, simplement parce qu'ils sont moins précis. Le collimateur central est souvent votre meilleur option, car c'est un collimateur de type croisé qui fonctionne mieux que tout autre collimateur de votre appareil photo.

Recherchez le contraste et les bords, au lieu d'essayer de faire la mise au point sur des objets unicolores, recherchez des objets " contrastés " qui se détachent de l'arrière-plan.

Ajoutez de la lumière/allumez plus de lumières. Cela semble assez basique, mais si vous avez des problèmes de mise au point, quoi de plus simple que d'ajouter de la lumières supplémentaires ou d'allumer plus de lumières dans la pièce ? Une fois la mise au point faites, vous pouvez éteindre de nouveau du moment que votre mise au point reste verrouillée.

Surveillez votre vitesse d'obturation. La mise au point peut sembler mauvaise, mais c'est peut-être en fait le tremblement de l'appareil qui donne à vos images un aspect mou. L'utilisation d'un objectif doté de la technologie de réduction des vibrations est certainement utile, mais assurez-vous de conserver une vitesse d'obturation assez élevée pour une utilisation sans trépied.

Utilisez la détection de contraste en direct. Si vous utilisez un trépied, essayez de faire la mise au point en mode Live View en utilisant la détection de contraste.

Utilisez une lampe de poche si votre appareil photo n'est pas équipé d'une lampe d'assistance à la mise au point automatique, utilisez une lampe de poche et demandez à quelqu'un de la pointer vers votre sujet pendant que vous essayez de faire la mise au point. Passez en mode de mise au point manuelle une fois la mise au point effectuée, puis éteignez la lampe de poche et prenez une photo sans que vous ou votre sujet ne bougiez.Utilisez la mise au point manuelle. Apprenez aussi à faire la mise au point manuelle de vos objectifs. En effet, parfois, la mise au point manuelle de votre objectif est plus rapide que l'utilisation d'une des méthodes de mise au point automatique. De nombreux photographes de paysage, de macro et d'architecture utilisent des objectifs à mise au point manuelle.

FAQ

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La plupart des appareils photo numériques modernes sont équipés de systèmes autofocus avancés, souvent difficiles à comprendre. Que vous preniez des photos

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BONUS ZOOM# 8 : Les Formats Fichiers Vidéos

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BONUS ZOOM# 8 : Les Formats Fichiers Vidéos

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BONUS ZOOM#8 : Pourquoi utiliser un clap

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BONUS ZOOM#8 : Pourquoi utiliser un clap

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3 - Evaluation à chaud - Réaliser et monter des vidéos pour développer sa communication digitale

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Référentiel d’activité ,de compétence et d’évaluation 

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Paysan-boulanger : portrait de Samuel Paulin, au four et au moulin dans le Tarn

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Audrey Moreau, danseuse et professeur de danse

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Le storyboard donne vie au scénario bien avant que le film ne soit diffusé sur un écran. Découvrez le processus créatif derrière ces planches de storyboard, les prises de vue à connaître pour la narration, et suivez les conseils de nos experts, tant pour la création de vos storyboards que pour vous lancer professionnellement dans ce domaine.

Storyboard : définition et enjeux.

Si l'on devait donner une définition du storyboard en quelques mots, on pourrait dire qu'il s'agit d'une série d'images racontant une histoire ou présentant un scénario. On les appelle d'ailleurs en français les scénarimages et ils ont de faux airs de bande dessinée.

Ils constituent une sorte de guide visuel donnant un aperçu de ce qui sera vu plus tard à l'écran. Il s'agit souvent d'une étape incontournable dans les mondes du cinéma, de la publicité, de l'animation et même dans le développement d'applications.

Des storyboards aux styles variés, mais aux objectifs communs.

Certains storyboards sont réalisés avec des dessins très détaillés, d'autres, avec seulement quelques bonhommes allumettes. Bien que les styles varient, l'objectif, lui, reste le même : le storyboard doit donner les idées principales de chaque scène de manière claire, afin que les équipes de production puissent comprendre et produire le film, le spot publicitaire, etc.

" Certains storyboards sont super grossiers, mais ça n'a pas d'importance. Ce qui compte c'est qu'ils puissent transmettre l'information et les émotions. "
Kevin Mellon

Les différents types de storyboards.

La manière dont est conçu le storyboard peut varier. Son style aussi. Le choix de l'un ou de l'autre dépendra bien souvent des besoins de l'équipe de production. On compte principalement :

Le storyboard traditionnel. Généralement un croquis au crayon (simples ou détaillés), il contient aussi des notes écrites sur ce qui se déroule dans la scène. Il est surtout utilisé dans le monde du cinéma et de la pub.

Le storyboard thumbnail. Il est fait de petits croquis moins détaillés que les storyboards traditionnels (sans notes). Il est utilisé dans les équipes ayant déjà une bonne compréhension de la façon dont la scène ou l'idée doit être représentée.

Le storyboard digital. Il est surtout utilisé dans le monde de l'animation et du développement d'applications. Ici, les visuels et graphismes sont bien souvent ceux que l'on verra dans le projet final.

Pourquoi faire un storyboard ?

Le storyboard est une partie très importante en production de vidéos ou d'animations, car il permet déjà de présenter clairement le déroulement de l'histoire. C'est un gain de temps considérable lors du tournage, puisque qu'il va aussi indiquer le numéro de plan, le lieu du déroulement de la scène et les mouvements de caméra.

Il permet également d'assurer la cohérence entre tous les plans avant la production et le tournage.

Un bon storyboard donne vie au scénario.

Étant la représentation visuelle d'un script, le storyboard commence déjà à donner un aperçu de ce que va donner l'histoire une fois à l'écran. C'est une phase importante du processus de prévisualisation, qu'il s'agisse d'un dessin animé ou d'un tournage en prise de vues réelles.

" Le storyboard constitue un guide qui permet au réalisateur d'exposer les idées et la vision qu'il a en tête, à une centaine de personnes sur le plateau "
Kevin Mellon
Qui réalise le storyboard ?

Dans l'industrie du cinéma américain, le métier de concepteur de storyboard (storyboarder ou encore storyboard artist) est bien implanté, mais cela est moins vrai dans l'hexagone.

En l'absence d'un storyboarder, il peut être réalisé de manière collaborative, entre le réalisateur, le scénariste et le chef opérateur de prise de vues. Pour les petites productions, le réalisateur ou le scénariste peuvent travailler seuls sur la création du storyboard.

Comment faire un storyboard étape par étape ?

Il ne faut pas forcément de grand talent d'artistes pour faire un storyboard. Ce qui compte, c'est déjà d'avoir lu au préalable l'ensemble du script (si vous n'êtes pas celui qui l'a rédigé). Cela permet d'avoir une idée de l'ambiance générale de l'histoire à raconter. N'oublions pas que vous devez indiquer quel type de plan utiliser pour transmettre une idée ou une émotion.

Un zoom ou gros plan sur un personnage peut aider à retranscrire une certaine tension, le cadrage de plusieurs personnages peut aider à souligner leurs relations, etc. Il s'agit de choix créatifs que vous devrez faire et garder tout du long pour assurer une cohérence. Et cela n'est possible qu'en ayant une bonne connaissance du scénario et du script dans sa totalité.

Bien, passons à présent au tuto storyboard.

1. Découper le scénario en différentes scènes.

Cette étape est essentielle et doit se faire avant de commencer à dessiner. Il s'agit de diviser le scénario en différentes scènes et ensuite, pour chaque scène, de décrire la manière dont vous visualisez les différentes prises de vue (cadrage, action et type de plan). Vous pouvez faire cela sous forme de tableau.

2. Dessiner les vignettes.

Définissez d'abord combien de vignettes seront présentes sur chaque planche du storyboard et veillez à laisser de l'espace entre chacune afin de pouvoir y apporter des annotations. Dans le cas d'un storyboard digital, vous pouvez créer votre planche et la dupliquer avec la fonction Plan de travail d'Adobe Illustrator.

Ensuite, dans les vignettes, dessinez ce que verra le spectateur. Pensez aussi à indiquer les mouvements à l'aide de flèches.

Dans l'espace dédié aux notes, décrivez par écrit tous les détails de la scène : les gestes, les sons, les zooms, etc. En somme, écrivez tout ce qui vous est compliqué d'illustrer, mais qu'il est important de comprendre !

3. Prendre du recul et vérifier la cohérence globale.

Vous avez un premier jet de votre storyboard et avez dessiné toutes les scènes ? Bravo ! Maintenant, il va falloir prendre un peu de recul et vérifier que toutes ces scènes s'articulent bien entre elles et que l'histoire est retranscrite de manière cohérente. Pour cela, étalez l'ensemble des planches du storyboard devant vous et voyez si certaines vignettes doivent changer de position afin de fluidifier l'enchaînement entre chaque scène.

4. Regrouper l'ensemble.

L'ordre des séquences est établi, il convient à présent de compiler toutes les vignettes et d'ajouter d'éventuelles transitions supplémentaires.

Maintenant que vous avez aussi votre nombre total de vignettes et de planches, pensez à écrire le numéro des plans et, éventuellement, une durée moyenne pour ceux-ci.

Les éléments importants d'un storyboard.

Afin que le storyboard soit utile à l'équipe de tournage, il est bon d'y mentionner certains éléments clés, comme :

L'angle de prise de vue : soit la position de la caméra (plongée, contre-plongée, au ras du sol, etc.)

Les mouvements de la caméra : si la caméra se déplace, change de direction, ou encore s'il faut zoomer ou dézoomer.

Le sujet : soit les personnages, animaux, objets se trouvant dans le champ principal, leurs positions, leurs mouvements, etc.

L'arrière-plan : en plus du sujet, il faut faire apparaître l'arrière-plan et l'éventuel premier plan.

Les différents plans utiles au storyboard.

Le storyboard de base va généralement comporter trois points de vue différents. Le plan qui se concentre sur une personne/un sujet, le point de vue par-dessus l'épaule (un personnage qui regarde un autre), et enfin, le plan qui affiche les deux personnages qui interagissent.

" On peut faire des allers-retours entre ces différents points de vue, assez facilement. Là où la narration entre en jeu, c'est quand il faut décider de la façon dont vous organisez ces plans et quand il faudra jouer avec le zoom pour créer différents effets et générer différentes émotions. "
Kevin Mellon
La première fois que vous allez réaliser un storyboard sera déjà une belle expérience d'apprentissage. Vous pourrez très rapidement comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas dans cette discipline. Une fois que vous aurez assimilé les bases, la pratique vous aidera à perfectionner vos compétences et vous pourrez vous permettre de tester de nouvelles idées.

" Prenez le scénario d'un film que vous n'avez jamais vu, et faites-en le storyboard. Une fois que vous avez terminé les vignettes d'une scène, visionnez la manière dont les cinéastes ont produit cette même scène. C'est un contraste super intéressant à analyser. Vous pourrez apprendre beaucoup de choses sur le travail des pros et sur leurs façons de fonctionner. "
Kevin Mellon
Devenir storyboarder professionnel.

Que votre souhait soit de devenir un concepteur de storyboard pour des vidéos d'animation, des longs-métrages, des clips musicaux ou encore des vidéos commerciales, la création d'un portfolio est un impératif.

" J'entends encore beaucoup trop de monde dire : 'Je veux vraiment faire des storyboards.' 'Ok, puis-je voir certains de vos storyboards ? 'Je n'en ai jamais fait' Si votre désir est de réaliser des storyboards, alors commencez par en faire. "
Neal Holman
Une fois que vous avez défini sur quel type de projet vous voudriez travailler et que vous avez commencé à créer vos propres storyboards dans les styles correspondants, créez votre portfolio. Ensuite, regardez les génériques et les crédits de films de projets similaires à ce qui vous botte. Une fois les noms identifiés, tentez de prendre contact avec ces personnes afin de leur présenter votre portfolio.

Pensez aussi à présenter différents types de storyboards dans votre portfolio.

" Si vous me présentez des projets très diversifiés, du film d'action au spot publicitaire pour une chaîne de fast-food, je serais d'autant plus impressionné par votre portfolio. Les artistes issus du monde de la bande dessinée peuvent être de très bons atouts. Ils sont tellement habitués à dessiner l'anatomie humaine et à soigner la composition au sein des vignettes. "
Neal Holman
Quelles sont les qualités d'un bon storyboarder ?

Nul besoin d'être un grand artiste et d'avoir un incroyable coup de crayon pour faire un storyboard efficace et digne de ce nom. En revanche, il convient de disposer de certaines compétences :

Être un bon narrateur.

Prêter attention aux détails.

Être capable de synthétiser.

Avoir le sens de l'observation.

Connaître les codes cinématographiques (types de prises de vue, d'angles, etc.).

Décrocher son premier job en tant que storyboarder.

Décrocher une mission dans la création de storyboards peut prendre un peu de temps. Pour autant, le contenu vidéo ne cesse d'être de plus en plus présent sur le web. Et qui dit contenu vidéo dit bien souvent storyboard en amont.

Inspirez-vous d'exemples de storyboards en ligne.

En attendant, continuez à construire votre réseau, faites du networking. Aussi, puisez dans la multitude de scripts et scénarios que l'on trouve en ligne et continuez à vous entraîner à dessiner des storyboards afin de compléter votre portfolio. Jetez également un œil aux modèles de storyboard sur Behance afin de voir ce que d'autres artistes réalisent. Vous trouverez plein d'idées et de conseils, et de nombreux exemples de storyboard vierges ou complets.

Storyboard : questions fréquentes.

Normalement, il s'agit d'un poste à part entière, celui de storyboarder ou artiste de storyboard. Il peut être employé, freelance ou encore intermittent du spectacle. Pour des petites productions, le scénariste, le réalisateur, ou encore le chef opérateur de prise de vues peuvent réaliser le storyboard, seul ou à plusieurs.

Storyboard et story map : quelles sont les différences ?

La story map est une sorte de carte narrative. Elle comprend des détails sur le contenu, les émotions et l'intrigue. Le storyboard, lui, se concentre davantage sur la suite chronologique et les différents plans.

Quelle différence y a-t-il entre la BD et un storyboard ?

Le storyboard est conçu dans le but de servir de guide pour une autre création (film, publicité ou dessin animé). Il contient des informations techniques à destination de l'équipe de tournage (durée du plan, etc.). La bande dessinée, elle, est un produit fini, une narration visuelle à destination du grand public.

Les partenaires d'Adobe experts en storyboard.

Kevin Mellon participe à la création des storyboards de nombreux films et séries célèbres, comme Archer, The Vampire Diaries, Black Lightning, et Dynasty. Découvrez ses travaux sur son compte Instagram.

Neal Holman a travaillé à la direction artistique et a contribué à la conception du storyboard de la série d'animation Archer.

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