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Hola! Mi nombre es Maria Kamila Bueno Simanca, y mi código de estudiante es 202320558.

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"La persistencia de la memoria" -Salvador Dalí

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"La persistencia de la memoria" -Salvador Dalí

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Fig 1. Escena de recolección de miel hallada en la Cueva de la Araña

La escena de recolección de miel hallada en la Cueva de la Araña en el Museo de la Prehistoria de Valencia es una representación rupestre que muestra a varios individuos recolectando miel de un panal de abejas. Esta escena, datada en la Edad del Bronce, es una muestra de la importancia de la recolección de miel en la dieta de las sociedades prehistóricas.

FICHA TÉCNICA

Artista: Artistas levantinos anónimos

Título (en cursiva): Escena de recolección de miel hallada en la Cueva de la Araña

Técnica: Pintura rupestre

Dimensiones: Desconocidas

Fecha: c. 6000-3500 a.C.

Estilo o corriente artística: Arte Levantino

Género: Escena de recolección

Lugar: Museo de la Prehistoria, Valencia

Citas

-(Cantos, 2022)

-(Prezi, 2022)

-(El Arte Prehistórico - Hiru, s. f.-b)

Referencias

-Cantos, V. (2022, 18 junio). Comentario Cueva la Araña. Bicorp. Valencia. Pintura Levantina - Aula de Historia. Aula de Historia. https://auladehistoria.org/comentario-cueva-la-arana-bicorp/

-Prezi, A. V. O. (2022). Del arte prehistórico al medieval. prezi.com. https://prezi.com/p/jdpg6cs677fn/del-arte-prehistorico-al-medieval/

-El arte prehistórico - hiru. (s. f.-a). https://www.hiru.eus/es/arte/el-arte-prehistorico

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Fig 2. Estela de los buitres de Eannatum, rey de Lagash

La Estela de los buitres es una serie de grabados conmemorativos de la victoria del rey Eannatum de Lagash sobre Umma, a finales del periodo Dinástico Arcaico. Su creación se sitúa hacia el 2450 a. C. En esos tiempos, Umma y Lagash eran dos de las ciudades sumerias más poderosas. La rivalidad entre ambas ciudades-estado era evidente y los conflictos fueron constantes durante varias generaciones. En la estela aparece el rey de Lagash, Eannatum, quien finalmente venció al rey de Umma, lo que habría puesto a Lagash en una posición hegemónica en Sumeria. La estela debe su nombre a ciertos fragmentos en los que se puede ver cómo los soldados de Lagash desfilan en formación sobre un suelo plagado de cadáveres, a los que acuden los perros y los buitres.

FICHA TÉCNICA

Artista: Artistas sumerios desconocidos

Título (en cursiva): Estela de los buitres de Eannatum, rey de Lagash

Técnica: Relieve en piedra caliza

Dimensiones: 180 x 130 cm (aproximadamente)

Fecha: c. 2450 a. C.

Estilo o corriente artística: Arte de Sumer

Género: Estela conmemorativa

Lugar: Museo del Louvre, París (actualmente)

Datos-extras relevantes

Profundidad: 0,11 m

Escritura: Cuneiforme

Realización: siglo XXV a. C.

Período: Período Dinástico Arcaico

Civilización: Sumeria

Descubrimiento: Década de 1880

Descubridor: Ernest de Sarzec

Procedencia: Antigua Ngirsu Di Car, Irak

Análisis visual

La Estela de los buitres fue creada en Sumeria hacia el 2450 a.C para conmemorar la victoria militar del rey Eannatum de Lagash sobre la ciudad rival de Umma. Se encontró en la antigua ciudad de Girsu, perteneciente al imperio de Lagash.

De temática bélica, la estela narra la batalla entre las fuerzas de Lagash comandadas por Eannatum contra el ejército de Umma. En la escena principal se observan las tropas enemigas derrotadas junto a buitres que devoran sus cadáveres, representando la magnitud de la victoria. Destaca la figura del rey Eannatum desfilando sobre los cuerpos, demostrando su poderío militar. Podemos observar, dos grupos enfrentados mirándose cara a cara a los lados y una figura en el centro que resalta sobre las demás, correspondiente al rey Eannatum de Lagash(1). Más abajo, se observan aves carroñeras devorando cadáveres de la batalla(3). Las figuras principales son masculinas, mientras que en el fondo hay siluetas femeninas(4). El grupo principal masculino, formado por los soldados de Lagash, marcha en columnas armadas con lanzas y escudos, señalando hacia sus rivales vencidos de Umma(2). En contraste, el grupo derrotado de Umma es mostrado de forma caótica, con los cuerpos mutilados desperdigados en el suelo(5). Es evidente una clara diferenciación de proporciones y detalle anatómico entre los triunfantes soldados de Lagash frente a los inertes cuerpos enemigos(6).

Como características formales sobresale su elaboración en bajorrelieve sobre una estela de piedra caliza de 180 x 130 cm. Hay un marcado contraste entre la figura del rey en primer plano y el fondo con los cuerpos mutilados, otorgando profundidad. Las proporciones entre personajes varían según su jerarquía. Predominan escenas de lucha cuerpo a cuerpo con detalles naturalistas sobre heridas y muertos. La gama cromática se limita a los colores naturales de la piedra, sin pigmentos añadidos. En síntesis, esta emblemática estela conmemorativa demuestra la importancia de las batallas como símbolo de poder para la realeza sumeria. Tanto su narración visual como elementos formales resaltan la superioridad militar de Lagash y su rey.

Citas

-(Cantos, 2022)

-(Estela de los Buitres de Eannatum, Rey de Lagash, s. f.)

-(HA, 2024)

Referencias

-Cantos, V. (2022b, junio 18). Estela de los Buitres - comentario - Aula de Historia. Aula de Historia. https://auladehistoria.org/estela-de-los-buitres-comentario/

-Estela de los buitres de Eannatum, rey de Lagash. (s. f.). https://lugares.inah.gob.mx/en/museos-inah/museo/museo-piezas/9132-9132-10-629815-estela-de-los-buitres-de-eannatum,-rey-de-lagash.html?lugar_id=473

-HA, S. (2024, 8 enero). La Estela de los Buitres: Una Crónica de Poder y Rivalidad en la Antigua Sumeria. El Reto Histórico. https://elretohistorico.com/la-estela-de-los-buitres/

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Fig 3. Una representación de Akenatón y Nefertiti haciendo algo increíble: dando cariño a sus hijas.

El hecho de que Akenatón se considerase un siervo de Dios hace que se nos muestre en sus representaciones como un ciudadano más, por ello lo hace con esa intención naturalista, que refleja a un faraón entrado en años y a una esposa con una belleza natural. El hieratismo y la idealización desaparecen por completo, aunque sigue habiendo ese aglutinamiento de figuras típico del Arte Egipcio.

A parte de esto, se puede apreciar los tamaños tan desiguales que tienen los personajes; la desproporción física de las tres hijas nos hace pensar que podrían tener algún tipo de malformación, pero este tipo de representación es meramente estilística.

FICHA TÉCNICA

Artista: Desconocido

Título (en cursiva): Akenatón y Nefertiti con sus hijas

Técnica: Relieve en piedra caliza pintada

Dimensiones: 32.5 x 39 cm

Fecha: 1353-1336 a.C.

Estilo o corriente artística: Arte amarniense
Género: Escena familiar real

Lugar: Museo Egipcio, El Cairo (actualmente)

Datos-extras relevantes

Cronología: Imperio Nuevo, dinastía XVIII

Materiales: Bajo relieve de piedra caliza

Encontrado: en Tell-el-Amarna

Citas

-(La Cámara del Arte, 2023)

-(Nuño, 2022)

-(Dioses En la Tierra: Nefertiti y Akenatón, la Pareja Dorada de Egipto, 2023)

Referencias

-La Cámara del Arte. (2023, 16 febrero). Akenatón y Nefertiti con sus hijas - La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/akenaton-y-nefertiti-con-sus-hijas/

-Nuño, A. (2022, 1 febrero). Por qué los egipcios se pintaban de perfil: "Sabían dibujar de frente y eligieron no hacerlo" elconfidencial.com. https://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2022-02-01/egipcios-dibujar-eligieron-no-hacerlo_3362054/

-Dioses en la Tierra: Nefertiti y Akenatón, la pareja dorada de Egipto. (2023, 6 noviembre). Everand. https://es.everand.com/book/677968365/Dioses-en-la-Tierra-Nefertiti-y-Akenaton-la-pareja-dorada-de-Egipto

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Fig 4. Fresco de la taurocatapsia.

El tema representado en uno de los paneles es una escena de taurocatapsia una de las pocas en las que se muestra el salto de los toros. Un personaje pasa por encima de un toro, situado en el centro de la imagen, mientras que dos acróbatas se posicionan delante y detrás del animal. Arthur Evans, descubridor del panel, director de la excavación del palacio de Cnosos y conservador del museo Ashmolean que alberga su legado, describió la pintura en el capítulo III de su extensa obra dedicada a Cnosos y a la civilización minoica, donde denominó al conjunto Los frescos de la taurocatapsia.

FICHA TÉCNICA

Artista: Artistas minoicos desconocidos

Título (en cursiva): Fresco de la taurocatapsia.

Técnica: Fresco (Panel de estuco con escena en relieve)

Dimensiones: 78.2 × 104.5 centímetros

(30.8 × 41.1 pulgadas)

Fecha: c. 1600-1450 a. C.

Estilo o corriente artística: Arte minoico

Género: Pintura mural

Lugar: Palacio de Cnosos (in situ), Creta

Datos-extras relevantes

Autor: Desconocido

Creación: 1450 a. C.

Ubicación: Museo Arqueológico de Heraclión, Creta (Grecia)

Material: Estuco

Citas

-(Dioses En la Tierra: Nefertiti y Akenatón, la Pareja Dorada de Egipto, 2023)

-(Daniel & Daniel, 2020)

-(Ricardo Peñalver García, 2012)

Referencias

-Dioses en la Tierra: Nefertiti y Akenatón, la pareja dorada de Egipto. (2023, 6 noviembre). Everand. https://es.everand.com/book/677968365/Dioses-en-la-Tierra-Nefertiti-y-Akenaton-la-pareja-dorada-de-Egipto

-Daniel, & Daniel. (2020, 29 abril). La taurocatapsia | Historia del Arte. Historia del Arte. https://www.historiadelarte.us/arte-griego/la-taurocatapsia/

-De Ricardo Peñalver García, V. T. L. E. (2012b, julio 8). Salto del toro (Taurocatapsia). Tuitearte. https://tuiteartees.wordpress.com/2012/07/08/creta-toro-minoico-taurocatapsia/

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Fig 1. Representación del Buen Pastor en las Catacumbas de Priscila (250-300 d.C.), Roma.

En esta pintura mural, aunque el esquema se haya tomado de la cultura pagana, asume inmediatamente un significado cristológico, se representa a Jesús como un joven pastor que lleva una oveja sobre sus hombros y está rodeado de otras ovejas. Esta imagen transmitió diferentes mensajes simbólicos

importantes a los primeros cristianos, como por ejemplo: Jesús es el Buen Pastor; basado en la parábola bíblica del pastor que deja 99 ovejas para encontrar la oveja perdida representando a Jesús como el pastor amoroso y protector que cuida de su rebaño. La oveja salvada sobre los hombros del pastor simboliza la salvación que Jesús proporciona a la humanidad, salvándola del pecado y de la muerte. Asimismo el bastón que lleva el pastor es un símbolo de autoridad pastoral, indicando el compromiso de Cristo con el liderazgo de las ovejas. Al igual que las ovejas que rodean al pastor representan la seguridad que los creyentes encuentran al seguir a Jesús. Esta imagen fue popular en las catacumbas romanas, ya que transmitía esperanza a los primeros cristianos que enfrentaban persecución, y su simbolismo eran fáciles de comprender para los fieles de aquella época.

FICHA TÉCNICA

Artista: Anónimo

Título (en cursiva): Representación del Buen Pastor en las Catacumbas de Priscila

Técnica: Pintura mural al fresco

Dimensiones: Desconocidas, pero las coordenadas correspondientes son: 41°55′47″N 12°30′31″E

Fecha: 250-300 d.C.

Estilo o corriente artística: Arte paleocristiano

Género: Pintura mural religiosa

Lugar: Catacumbas de Priscila, Roma, Italia

Citas

-(Le Catacombe Cristiane, s. f.)

-(Catacumbas de Priscila | la Guía de Historia del Arte, s. f.)

Referencias

-Le Catacombe cristiane. (s. f.). https://www.vatican.va/roman_curia/pontifical_commissions/archeo/spagnolo/documents/rc_com_archeo_doc_20011010_cataccrist_sp.html#Pastore

-Catacumbas de Priscila | La guía de Historia del Arte. (s. f.). https://arte.laguia2000.com/arquitectura/catacumbas-de-priscila

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Fig 2. Representación de Justiniano, Mosaico de San Vital de Rávena (una de las figuras claves del Imperio)

El mosaico muestra al emperador Justiniano I, uno de los gobernantes más influyentes del Imperio Bizantino, acompañado por su corte y dignatarios eclesiásticos. Justiniano aparece en el centro, vestido con suntuosas ropas imperiales y portando un cetro y una esfera, símbolos de su poder y autoridad. La imagen es notable por su realismo y detalle, así como por la riqueza de los materiales utilizados, incluyendo teselas de oro, piedras semipreciosas y vidrio coloreado. Cabe resaltar que más allá de su valor artístico, el mosaico tiene un gran significado histórico. Justiniano fue un emperador que llevó a cabo importantes reformas legales, militares y arquitectónicas, como la construcción de la Basílica de Santa Sofía en Constantinopla, su reinado marcó un período de esplendor y fortaleza para el Imperio Bizantino.

FICHA TÉCNICA

Artista: Anónimo

Título (en cursiva): Representación de Justiniano

Técnica: Mosaico

Dimensiones: Desconocidas

Fecha: Alrededor del año 547 d.C., durante el reinado de Justiniano I.

Estilo o corriente artística: Arte Bizantino

Género: Retrato imperial

Lugar: Basílica de San Vital, Rávena, Italia.

Material: Teselas de piedras y vidrios de colores.

Datos relevantes

Esta obra forma parte del famoso mosaico de la Basílica de San Vital, que representa a Justiniano I, emperador bizantino, junto con su séquito y altos dignatarios de la corte. Es una de las representaciones más importantes del arte bizantino y un testimonio clave de la grandeza del Imperio Romano de Oriente en su apogeo.

Citas

-(Roman, 2021)

-(Galeano, 2022)

-(De la Garma, s. f.)

Referencias

-Roman, M. (2021, 7 enero). LOS MOSAICOS DE SAN VITALE ( 546-548 d.C ) — ¿Qué significa este cuadro o escultura? ¿Qué Significa Este Cuadro o Escultura? https://www.marisolroman.com/publicaciones/los-mosaicos-de-san-vitale-546-548-d-c

-Galeano, A. R. (2022, 23 abril). El Arte Bizantino Occidental de los siglos VI-VII. Comentarios de Historia del Arte. https://comentarioshistoriadelarte.wordpress.com/2022/04/19/los-mosaicos-bizantinos-de-los-siglos-vi-y-vii-en-el-exarcado-de-ravena/

-De la Garma, D. (s. f.). Arte bizantino (ARTEGUIAS). https://www.arteguias.com/bizantino.htm

Análisis visual

El mosaico de Justiniano en la Basílica de San Vital es mucho más que una obra maestra artística, es un poderoso vehículo para preservar la memoria y el legado del esplendor del Imperio Bizantino en su época dorada. A través de sus vívidos colores, la meticulosa labor de las teselas y la cuidadosa composición, esta imagen logra capturar y condensar todo el boato, la magnificencia y el poder de la corte imperial de Bizancio bajo el reinado de Justiniano en el siglo VI d.C. Al observar esta representación, es casi como si el tiempo se detuviera y pudiéramos transportarnos mentalmente a ese momento histórico. Los detalles realistas de las vestimentas, las joyas, los símbolos de autoridad como el cetro y el orbe, nos permiten visualizar y recordar la grandiosa pompa que rodeaba al emperador y su séquito. Pero, este mosaico no sólo evoca recuerdos de la majestuosidad pasada, sino que también actúa como un testimonio perenne de los logros e ideales de esa era. La presencia central de Justiniano, retratado como un gobernante divino y legítimo sucesor de los antiguos césares romanos, conmemora su reinado prolífico marcado por reformas legales, obras arquitectónicas monumentales y la afirmación del cristianismo como religión imperial. Es como si los artistas bizantinos hubieran querido grabar de manera indeleble en este mosaico los valores, las creencias y el esplendor de su civilización, para que las generaciones venideras nunca olvidaran la grandeza que una vez marcó esta época. A través de esta obra, logran perpetuar la memoria colectiva de un pasado glorioso. Así, el mosaico de Justiniano trasciende las barreras del tiempo, permitiéndonos conectar visualmente con ese período histórico y evocar sus recuerdos más sublimes. En conclusión, es un monumento conmemorativo que desafía al olvido y nos recuerda las grandezas que la humanidad puede alcanzar, convirtiéndose en un legado atemporal para inspirar a las generaciones presentes y futuras.

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Fig 3. Representación de Juan el Evangelista de los Evangelios de Lindisfarne

La página conocida como "Juan el Evangelista de los Evangelios de Lindisfarne" es una destacada obra maestra del arte insular o hiberno-sajón, realizada alrededor del año 698 d.C. en la isla de Lindisfarne, ubicada frente a las costas de Northumbria, en lo que hoy es el noreste de Inglaterra. Esta página forma parte del Evangeliario de Lindisfarne, uno de los manuscritos iluminados más célebres del periodo artístico insular. Ahora bien, la imagen muestra la figura de San Juan Evangelista, uno de los cuatro evangelistas, representado de manera monumental y frontal, sentado y escribiendo su evangelio. La figura está enmarcada por un elaborado entramado de cintas entrelazadas y motivos geométricos típicos del estilo insular, con una profusión de formas abstractas y patrones trenzados. Cabe resaltar que lo más destacable es la riqueza ornamental y la complejidad de los diseños entrelazados que rodean la figura central, denotando la iluminación de manuscritos. Asimismo, los colores vivos como el rojo, amarillo, verde y azul, junto con el dorado y los trazos negros, crean un efecto vibrante y llamativo.

FICHA TÉCNICA

Artista: Anónimo (Monjes de la Abadía de Lindisfarne)

Título (en cursiva): Juan el Evangelista (de los Evangelios de Lindisfarne)

Dimensiones: Desconocidas (forma parte de un códice).

Fecha: Alrededor del año 547 d.C., durante el reinado de Justiniano I.

Estilo o corriente artística: Arte Bizantino

Género: Retrato imperial

Lugar: Basílica de San Vital, Rávena, Italia.

Material: Teselas de piedras y vidrios de colores.

Datos relevantes

La página conocida como "Juan el Evangelista de los Evangelios de Lindisfarne" es una destacada obra maestra del arte insular o hiberno-sajón, realizada alrededor del año 698 d.C. en la isla de Lindisfarne, ubicada frente a las costas de Northumbria, en lo que hoy es el noreste de Inglaterra. Esta página forma parte del Evangeliario de Lindisfarne, uno de los manuscritos iluminados más célebres del periodo artístico insular. La imagen muestra la figura monumental y frontal de San Juan Evangelista, uno de los cuatro evangelistas, representado sentado y escribiendo su evangelio. Dicha figura central está enmarcada por un elaborado entramado de cintas entrelazadas y motivos geométricos abstractos y patrones trenzados típicos del estilo insular, denotando una profusión de formas ornamentales. Lo más destacable es la riqueza ornamental y la complejidad de los diseños entrelazados que rodean a San Juan, creados con vivos colores como el rojo, amarillo, verde, azul y dorado, junto con trazos negros que generan un efecto vibrante y llamativo, propio de la iluminación de manuscritos insular. Se desconocen el artista específico, realizada por monjes anónimos, y las dimensiones exactas al formar parte de un códice.

Citas

-(San Juan Evangelista - Colección, s. f.)

Referencias

-San Juan Evangelista - Colección. (s. f.). Museo del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/san-juan-evangelista/b107d798-268f-41aa-8b4c-f47eff9c1768

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Maria kamila, ¡bien!

Tu análisis es adecuado: describes la imagen cuidadosamente, contextualizas la obra de acuerdo a su función y uso, investigas sobre el contenido de la misma, y conectas todos los aspectos anteriores a tu tema.

Ojo con elegir imágenes vistas en clase, corrígelo para la próxima.

Imágenes: 4/4

Descripción: 4/4

Argumentación:4/4

Relación entre descripción y argumentación: 4/4

Ortografía y gramática: 4/4

Nota: 20/20: 5/5

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Fig 1. Anunciación a los pastores, (antes de 1149) bóveda del Panteón real de la Basílica de San Isidoro, León (España) Wikimedia Commons

El fresco titulado "Anunciación a los pastores", ubicado en la bóveda del Panteón Real de la Basílica de San Isidoro en León, España, es un destacado ejemplo del arte románico. Cabe resaltar que esta obra mural representa una escena bíblica del Nuevo Testamento, en la que se anuncia el nacimiento de Jesús a los pastores. Característica del estilo románico, la composición emplea figuras estilizadas y alargadas, con proporciones poco naturalistas, dispuestas de manera bidimensional y plana. Los colores vivos y decorativos se aplican de forma plana, combinados con motivos geométricos y patrones ornamentales. La temática religiosa y la narración de pasajes bíblicos eran comunes en el arte románico, un estilo que predominó en la Europa medieval entre los siglos XI y XIII, antes del advenimiento del gótico. Es decir, es un ejemplo de la pintura mural románica en la Península Ibérica, plasmando su estética distintiva en un contexto eclesiástico.

FICHA TÉCNICA

Artista: Anónimo

Título: Anunciación a los pastores

Dimensiones: Dimensiones de la bóveda donde se encuentra el fresco

Fecha: Antes de 1149

Estilo o corriente artística: Arte Románico

Género: Pintura mural religiosa

Lugar: Bóveda del Panteón Real de la Basílica de San Isidoro, León, España

Material: Pintura al fresco sobre la bóveda

Datos relevantes

Se encuentra en la Basílica de San Isidoro en León, uno de los principales ejemplos del arte románico en España.

Decora la bóveda del Panteón Real, área funeraria donde estaban enterrados los reyes y nobles del antiguo Reino de León.

Data de mediados del siglo XII, antes de 1149, periodo cumbre del románico en la península ibérica.

Representa una escena del Nuevo Testamento, la Anunciación a los pastores del nacimiento de Jesús, tema muy común en el arte cristiano medieval.

Las figuras están representadas de forma esquemática y alargada, típico del estilo románico.

Emplea colores vivos como rojos, amarillos, verdes y azules aplicados de forma plana, sin efectos de sombreado.

Incorpora motivos geométricos y vegetales decorativos que enmarcan la composición central.

Es uno de los mejores ejemplos conservados de la pintura mural románica profusamente decorada en iglesias y monasterios.

Refleja la importancia del arte religioso narrativo en la Edad Media para transmitir historias y enseñanzas bíblicas.

Citas

-(De Carmen Águila, 2022)

-(Geohistoria, 2021)

Referencias

-De Carmen Águila, V. T. L. E. (2022, 25 enero). Obras clave de la Pintura Románica. El Jardín de las Hespėrides. https://hortushesperidum.com/2022/01/26/obras-clave-de-la-pintura-romanica/

-Geohistoria. (2021, 4 abril). Frescos del panteón Real de San Isidoro (León). WordPress.com. https://enclasedehistoria.wordpress.com/2020/09/13/frescos-del-panteon-real-de-san-isidoro-leon/

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Fig 2. La Maestá, realizado a comienzos del siglo XIV por Duccio di Buoninsegna, está expuesto hoy en día en Florencia en el Museo dell'Opera del Duomo. “Maestro del espacio y el tiempo, Duccio visualiza lo esencial del texto sacro: sus pinturas hablan de amor, de compartir, de escuchar, de odio, de traición, de perdón”, explica Michel Feuillet en ‘L’Évangile en majesté’, una obra dedicada al maestro italiano

La Maestà es una obra maestra del arte gótico italiano. Fue encargada por el Estado de Siena para el altar principal de la Catedral de Siena. La pintura representa a la Virgen María sentada en un trono, sosteniendo al Niño Jesús. Está rodeada por una multitud de ángeles, santos y profetas. La imagen de la Virgen, conocida como la "Maestà" o "Majestad", evoca un sentido de solemnidad y sacralidad. La obra destaca por su impresionante escala, su decoración con pan de oro y su gran habilidad técnica en el tratamiento de los detalles y las expresiones de los personajes. El estilo gótico se manifiesta en la composición vertical, las figuras alargadas y la tendencia a la bidimensionalidad. Sin embargo, Duccio logra transmitir una gran profundidad y monumentalidad a la escena. En general, La Maestà es considerada una de las obras cumbres de la pintura gótica italiana y un hito en la transición hacia el Renacimiento. Destaca por su impresionante escala, su rica decoración y su gran habilidad técnica.

FICHA TÉCNICA

Obra: La Maestà

Artista: Duccio di Buoninsegna

Título: La Maestà

Dimensiones: 5,12 m × 4,12 m

Fecha: 1308-1311

Estilo o corriente artística: Gótico

Género: Pintura de altar

Lugar: Originalmente en la Catedral de Siena, Italia. Actualmente en el Museo dell'Opera del Duomo de Siena.

Material: Tabla de madera con tempera y pan de oro.

Datos relevantes

Es una obra maestra del arte gótico italiano.

Fue encargada por el Estado de Siena para el altar principal de la Catedral de Siena.

Representa a la Virgen María sentada en un trono, sosteniendo al Niño Jesús.

Está rodeada por una multitud de ángeles, santos y profetas.

La imagen de la Virgen, conocida como la "Maestà" o "Majestad", evoca un sentido de solemnidad y sacralidad.

Destaca por su impresionante escala, rica decoración con pan de oro y gran habilidad técnica en el tratamiento de los detalles y expresiones.

Manifiesta el estilo gótico en la composición vertical, figuras alargadas y tendencia a la bidimensionalidad. Sin embargo, Duccio logra transmitir profundidad y monumentalidad a la escena.

Es considerada una de las obras cumbres de la pintura gótica italiana y en la transición hacia el Renacimiento.

Citas

-(Squiripa, 2008)

-(Wikiwand - Maestà (Duccio), s. f.)

-(Maestá de Duccio, s. f.)

Referencias

-Squiripa, A. (2008, 21 noviembre). La Maestà de Duccio. Sobre Italia. https://sobreitalia.com/2008/11/21/la-maesta-de-duccio/

-Wikiwand - Maestà (Duccio). (s. f.-b). Wikiwand. https://www.wikiwand.com/es/Maest%C3%A0_(Duccio)

-Maestá de Duccio. (s. f.). https://artegumiel.blogspot.com/2016/02/gotico-21-maesta-de-duccio.html

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Anunciación a los pastores, Basílica de San Isidoro, León (España) vs. La Maestà, Duccio di Buoninsegna, Florencia (Italia)

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Anunciación a los pastores, Basílica de San Isidoro, León (España) vs. La Maestà, Duccio di Buoninsegna, Florencia (Italia)

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La preservación de la memoria cultural es un aspecto fundamental en la comprensión y apreciación del arte a lo largo de la historia. Dos obras que ejemplifican esta idea son la "Anunciación a los pastores", un fresco románico de la bóveda del Panteón Real de la Basílica de San Isidoro en León, España, y la "Maestà" de Duccio di Buoninsegna, una pintura gótica que adornaba el altar principal de la Catedral de Siena en Italia. Aunque con más de un siglo de diferencia, estas obras reflejan la evolución del arte medieval y su capacidad para comunicar historias sagradas que alimentaron la memoria colectiva de las comunidades. La Anunciación a los Pastores se caracteriza por un estilo románico, con figuras estilizadas y alargadas, planos de vivos colores y motivos geométricos en la composición. Esta obra nos traslada a un momento clave de la narración bíblica, con escenas que conmovieron a los fieles de aquella época conservadas en los muros de la catedral. Por su parte, La Maestà de Duccio representa en sí misma un hito en la transición al arte gótico. Con su impresionante escala, rica decoración en pan de oro y detalles exquisitos, la obra evoca una sensación de santidad en las imágenes de la Virgen María y el Niño Jesús. Además, se encuentra rodeada de ángeles, santos y profetas. Es decir, que esta pintura monumental es un recordatorio de la importancia de la fe cristiana en la sociedad italiana medieval.

Ahora bien, ambas obras, a pesar de sus diferencias estilísticas, comparten la capacidad de preservar y transmitir la memoria cultural de sus respectivos contextos. Estos frescos y paneles pintados se erigieron como testigos tangibles de las creencias, tradiciones y aspiraciones de las comunidades que los crearon y veneraron a lo largo de los siglos. Al contemplar el pasado, podemos establecer un vínculo emocional y espiritual con nuestras raíces, enriqueciendo nuestra comprensión del arte y la historia. En este sentido, la preservación de estas obras maestras del arte medieval es, por lo tanto, un acto de preservación de la memoria colectiva. Cada pincelada, cada figura y cada motivo se convierten en fragmentos de un legado que trasciende el tiempo y nos conecta con las visiones del mundo de nuestros antepasados. Al contemplar y estudiar estos tesoros del pasado, nos nutrimos de la espiritualidad que nuestros ancestros plasmaron en estas imágenes, fortaleciendo así nuestra propia identidad.

En conclusión, estas dos obras, separadas por más de un siglo reflejan el paso del estilo románico al gótico. Si bien la "Anunciación a los pastores" muestra las características típicas del arte románico, con su bidimensionalidad y esquematismo, la "Maestà" de Duccio se destaca por su mayor tendencia a la verticalidad, el realismo de las figuras y la riqueza decorativa, anunciando la transición hacia el Renacimiento. Ambas, sin embargo, comparten la función de transmitir enseñanzas bíblicas y alimentar la espiritualidad de las comunidades que las veneraron. Al preservar estos tesoros del pasado, no solo preservamos ejemplos destacados de la maestría artística de nuestros antepasados, sino también creencias, tradiciones y valores que definen nuestra herencia cultural.

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Semana 10: Obra de Arte Renacentista Italiana

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Semana 10: Obra de Arte Renacentista Italiana

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Fig 1. "Los Desposorios de la Virgen" es una pintura al óleo sobre tabla realizada por el maestro renacentista italiano Rafael Sanzio entre 1504 y 1505, y que actualmente se exhibe en el Museo del Prado en Madrid, España. La obra representa el matrimonio místico entre la Virgen María y San José, en presencia del sumo sacerdote y testigos. Rafael utiliza una composición piramidal clásica, con María y José en el centro uniéndose con un casto apretón de manos, mientras que la escena tiene lugar frente al templo de Jerusalén, con un fondo de edificios renacentistas italianos. La pintura destaca por su equilibrio, armonía de colores y expresiones serenas de los personajes. Se considera una obra maestra del Alto Renacimiento por su belleza ideal y el dominio técnico del artista, quien combina elementos sagrados con influencias del arte clásico grecorromano.

FICHA TÉCNICA

Autor: Rafael Sanzio

Técnica: Pintura al óleo sobre la tabla

Dimensiones: 170 cm × 117 cm

Fecha: 1504

Estilo o corriente artística: Renacimiento italiano

Género: Pintura religiosa

Lugar: Pinacoteca di Brera, Milán, Italia

Profundidad: La obra retrata un momento narrativ o e n la historia de la religión cristiana.

Escritura: Las inscripciones en la obra están en latín. Realización: Fue encargada por un gremio local de sacerdotes en Città di Castello, Italia.

Período: Renacimiento.

Civilización: Europea.

Descubrimiento: Descubierto en Città di Castello, Italia.

Procedencia: Encargado por la Iglesia de San Francisco en Città di Castello, actualmente en la Pinacoteca di Brer a

Citas

-(Los Desposorios de la Virgen - Rafael Sanzio, s. f.)

-(Los Desposorios de la Virgen - Colección, s. f.)

-(Los Desposorios de la Virgen, 1504 - Rafael Sanzio - WikiArt.org, s. f.)

Referencias

-Los desposorios de la Virgen - Rafael Sanzio. (s. f.). HA! https://historia-arte.com/obras/los-desposorios-de-la-virgen

-Los desposorios de la Virgen - colección. (s. f.). Museo del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/los-desposorios-de-la-virgen/6f303c39-3d03-4d48-8bb0-ffe162d017dd

-Los desposorios de la Virgen, 1504 - Rafael Sanzio - WikiArt.org. (s. f.). www.wikiart.org. https://www.wikiart.org/es/rafael-sanzio/los-desposorios-de-la-virgen-1504

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Semana 10: Obra de Arte Renacentista del Norte Europeo

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Semana 10: Obra de Arte Renacentista del Norte Europeo

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Fig 2. "Los Embajadores" es un óleo sobre tabla de roble pintado en 1533 por el artista alemán Hans Holbein el Joven. La pintura, de grandes dimensiones, retrata a dos hombres jóvenes elegantemente vestidos con atuendos renacentistas, probablemente embajadores o dignatarios de la corte. Se encuentran de pie en lo que parece ser un estudio o biblioteca, rodeados de objetos que simbolizan su estatus, educación y poder. En primer plano, se observan numerosos objetos dispuestos sobre una mesa cubierta por una fina tela turca, como libros, instrumentos de navegación, un globo terráqueo, un laúd, relojes de sol y otros objetos de lujo. Estos elementos representan los conocimientos humanísticos de la época. Lo más llamativo es una enigmática figura geométrica alargada colocada en el suelo, que algunos interpretan como un cráneo deformado, un símbolo de la vanidad y la mortalidad humana. Los dos hombres retratados son identificados por un manuscrito de la época como Jean de Dinteville, embajador francés, y Georges de Selve, obispo de Lavaur. Ambos posan en actitudes relajadas pero ceremoniosas, mirando fijamente al espectador. La técnica refinada de Holbein, los detalles meticulosos y el uso simbólico de los objetos convierten esta obra en una de las más célebres y enigmáticas del Renacimiento.

FICHA TÉCNICA

Autor: Hans Holbein el Joven

Técnica: Pintura al óleo sobre tabla de roble

Dimensiones: 207 cm × 209.5 cm

Fecha: 1533

Estilo o corriente artística: Renacimiento del Norte de Europa

Género: Retrato. Lugar: National Gallery, Londres, Reino Unido

Profundidad: La obra muestra a dos figuras humanas y objetos simbólicos que representan diversos aspectos del conocimiento y la cultura de la época

Escritura: No hay inscripciones significativas en la obra. Realización: Encargada por Jean de Dinteville, embajador francés en la corte de Enrique VIII de Inglaterra

Período: Renacimiento

Civilización: Europea

Descubridor: No aplica

Procedencia: Originalmente ubicada en la residencia de Jean de Dinteville en Inglaterra, actualmente en la National Gallery de Londres

Citas

-(Geohistoria, 2021)

-(Los Embajadores - Hans Holbein el Joven, s. f.)

Referencias

-Geohistoria. (2021, junio 29). Los embajadores de Holbein. WordPress.com. https://enclasedehistoria.wordpress.com/2014/08/12/los-embajadores-de-holbein/

-Los embajadores - Hans Holbein el Joven. (s. f.). HA! https://historia-arte.com/obras/los-embajadores

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Semana 10: obra de Arte Renacentista del Siglo XVI

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Semana 10: obra de Arte Renacentista del Siglo XVI

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Fig 3. "La Ultima Cena" es un mural de gran formato al fresco pintado por Leonardo da Vinci entre 1495 y 1498 para el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia, representando la escena bíblica de la última cena de Jesús con sus doce apóstoles, momentos después de que anunciara que uno de ellos lo traicionaría. En la composición monumental, Leonardo coloca a Jesús en el centro, sentado en un pequeño semicírculo elevado, rodeado simétricamente por grupos de tres apóstoles a cada lado en una distribución triangular que encaja perfectamente con la perspectiva de la estancia rectangular, mientras que los apóstoles se muestran agitados, reaccionando con gestos diversos y expresiones de sorpresa e indignación ante las palabras de Jesús, cuya figura serena con un rostro resignado pero tierno contrasta, con su cabeza irradiando luz sobre el centro de la escena, en una armonía de colores ocres y azulados que crean un ambiente íntimo, demostrando un extraordinario dominio de la perspectiva, las proporciones, la anatomía y la expresión de las emociones humanas por parte de Leonardo, quien a pesar de los graves daños por la humedad que ha sufrido la obra, la convierte en un hito de la representación narrativa y la perfección compositiva, reflejando el genio y las innovaciones del artista renacentista.

FICHA TÉCNICA

Autor: Leonardo da Vinci

Técnica: Pintura al fresco. Dimensiones: 460 cm × 880 cm

Fecha: Entre 1495 y 1498

Estilo o corriente artística: Renacimiento italiano

Género: Pintura religiosa

Lugar: Convento de Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia

Profundidad: La obra representa el momento en que Jesús anuncia que uno de sus discípulos lo traicionará, con gran detalle emocional y simbólico

Escritura: No hay inscripciones directamente en la obra, pero las Escrituras bíblicas inspiraron su creación

Realización: Encargada por Ludovico Sforza, Duque de Milán Período: Renacimiento

Civilización: Europea.

Descubrimiento: No aplica, ya que la obra ha estado en su ubicación original desde su creación

Descubridor: No aplica

Procedencia: Originalmente ubicada en el convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia, donde permanece en la actualidad.

Citas

La última cena - colección. (s. f.). Museo del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-ultima-cena/2800c04d-a3ad-41eb-a75b-fe359d7d1dde

-(Durán & Imaginario, 2023)

-(La Última Cena - Colección, s. f.)

Referencias

-Durán, C. A., & Imaginario, A. (2023, 20 noviembre). La última cena (Leonardo da Vinci): análisis y significado de la pintura. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-ultima-cena-de-leonardo-da-vinci/

-La última cena - colección. (s. f.). Museo del Prado. https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-ultima-cena/2800c04d-a3ad-41eb-a75b-fe359d7d1dde

Análisis visual

La composición de "La Última Cena" está cuidadosamente estudiada para imprimir una imagen indeleble en la memoria del espectador. Leonardo emplea varias técnicas visuales que facilitan el recuerdo y la comprensión de esta escena crucial del Nuevo Testamento. En primer lugar, la disposición simétrica de los apóstoles en grupos de tres a cada lado de Cristo crea un patrón geométrico reconocible y fácil de recordar. Las figuras conforman triángulos anidados que dirigen la atención al centro de la escena donde se sitúa Jesús, foco principal de la memoria. Además, los gestos y expresiones de angustia de los apóstoles se convierten en un catálogo de emociones humanas universales que cualquiera puede relacionar e imprimir en su mente. Las reacciones corporales exageradas pero naturales de los personajes crean imágenes impactantes que se graban con facilidad. Por otra parte, los detalles meticulosos y realistas de la arquitectura, los utensilios y los pliegues de las telas invitan a una contemplación detenida que facilita el proceso de almacenamiento en la memoria visual a largo plazo. Leonardo también aplica principios de contraste y enfoque para dirigir la atención. La silueta iluminada y serena de Cristo en comparación con la agitación de sus discípulos, así como el uso de la perspectiva lineal focalizando en su figura, crean un poderoso centro de interés memorable. En definitiva, la magistral combinación de recursos compositivos, expresivos, naturalistas y focalizadores en "La Última Cena" generan una imagen rica en detalles impactantes que se graba con persistencia en la memoria del espectador.

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Fig 1. "Judit y Holofernes"

La obra de arte "Judit y Holofernes", hecha por Artemisia Gentileschi, es una obra maestra del Barroco que captura el dramático momento en que la heroína judía Judit decapita al general babilónico Holofernes, tal como se narra en la Biblia. Con una ferocidad impactante, la artista representa la escena con un magistral claroscuro y un dinamismo arrollador. Algunos críticos han interpretado la imagen como un reflejo del sufrimiento de Gentileschi tras ser víctima de violación. No obstante, más allá de las conjeturas, esta pintura se erige como una cumbre de la pintura barroca, logrando una composición y una expresividad sobresalientes que congelan la respiración del espectador ante la hazaña de la valerosa Judit.

FICHA TÉCNICA

Autor: Artemisia Gentileschi

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 199 cm × 162,5 cm

Fecha: Alrededor de 1620

Estilo o corriente artística: Barroco

Género: Pintura histórica

Lugar: Se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia, Italia.

Profundidad: Esta pintura destaca por su potente dramatismo y realismo, capturando la intensa acción del momento en que Judit decapita a Holofernes.

Civilización: Italia, durante el Barroco europeo.

Descubrimiento: La obra ha estado en colecciones italianas desde su creación.

Procedencia: Fue encargada por Cosme II de Médici, Gran Duque de Toscana, para la Casa Buonarroti en Florencia.

Citas

-(Garrard, 1989, p. 256)

-(Locker, 2015, p. 119)

Referencias

-Garrard, M. D. (1989). Artemisia Gentileschi: The image of the female hero in Italian Baroque art. Princeton University Press.

-Locker, J. (2015). Artemisia Gentileschi: The language of painting. Yale University Press.

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Fig 2. "Dante y Virgilio en el infierno"

La pintura "Dante y Virgilio en el infierno" al óleo del artista Adolphe Bouguereau, realizada en 1850, captura una escena del primer canto de la "Divina Comedia" de Dante, donde el poeta italiano renacentista, vestido con una túnica roja, es guiado por el venerado Virgilio, con una etérea túnica azul celeste, a través de un estrecho sendero rocoso que serpentea entre las almas condenadas y atormentadas del Infierno, representadas por cuerpos desnudos y retorcidos en posturas angustiosas. Asimismo, la paleta oscura y terrosa, con toques de rojo intenso, crea una atmósfera infernal, mientras que la precisión en el dibujo, la composición equilibrada y la atención al detalle reflejan el estilo neoclásico de la obra, que busca revivir los ideales artísticos de la Antigüedad clásica al tiempo que representa una narrativa literaria renacentista.

FICHA TÉCNICA

Autor: William-Adolphe Bouguereau

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 3,18 m × 1,98 m

Fecha: 1850

Estilo o corriente artística: Neoclasicismo

Género: Pintura narrativa basada en literatura

Lugar: Actualmente se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Montreal, Canadá.

Profundidad: La obra representa una escena del Infierno de la "Divina Comedia" de Dante, con una composición equilibrada y detallada.

Escritura: Es una pintura basada en la obra literaria de Dante Alighieri.

Civilización: Francia, siglo XIX.

Descubrimiento: La obra fue creada y exhibida por Bouguereau en el Salón de París de 1850.

Procedencia: Encargada originalmente por el Estado francés y luego adquirida por el Museo de Bellas Artes de Montreal en 1964.

Citas

-(Barrington, 2012, p. 94)

-(Lacambre, 2003, p. 278)

Referencias

-Barrington, R. (2012). Neoclassical narratives: Paintings of literary subjects in nineteenth-century France. Yale University Press.

-Lacambre, G. (2003). Bouguereau. Ediciones Vilo.

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Fig 3. "Apolo y Dafne"

La escultura marmórea de "Apolo y Dafne", realizada por Gian Lorenzo Bernini entre 1622 y 1625, captura de manera magistral el preciso instante en que Dafne, una ninfa perseguida por el dios Apolo, se transforma en un laurel para escapar de sus avances amorosos. La pieza muestra a Apolo con una expresión de anhelo y deseo, mientras que el cuerpo de Dafne se contorsiona y metamorfosea gradualmente en la corteza, las ramas y las hojas de un árbol. La tensión y el movimiento quedan plasmados de forma extraordinaria en el mármol, con pliegues sinuosos que parecen cobrar vida. Esta obra cumbre del escultor barroco italiano encarna los ideales del naturalismo y el dramatismo del arte romántico, transmitiendo una narrativa mítica con una intensidad emocional cautivadora.

FICHA TÉCNICA

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Técnica: Escultura en mármol

Dimensiones: 2,43 m de altura

Fecha: 1622-1625

Estilo o corriente artística: Barroco, Romanticismo

Género: Escultura mitológica

Lugar: Se encuentra en la Galería Borghese de Roma, Italia.

Profundidad: La obra transmite un intenso dramatismo y movimiento, capturando el momento preciso de la transformación de Dafne en un árbol de laurel.

Civilización: Italia, durante el Barroco europeo.

Descubrimiento: La escultura fue encargada por el Cardenal Scipione Borghese.

Procedencia: Fue creada por Bernini para la Villa Borghese en Roma, donde se exhibe actualmente en la Galería Borghese.

Citas

-(Hibbard, 1965, p. 126)

-(Careri, 2003, p. 45)

Referencias

-Hibbard, H. (1965). Bernini. Penguin Books.

-Careri, G. (2003). Gian Lorenzo Bernini: Regista del Barocco. Skira.

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"Dante y Virgilio en el infierno" vs "Apolo y Dafne"

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"Dante y Virgilio en el infierno" vs "Apolo y Dafne"

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Las obras "Dante y Virgilio en el Infierno" y "Apolo y Dafne" son dos destacadas representaciones artísticas pertenecientes a movimientos estéticos diferentes pero igualmente influyentes: el Neoclasicismo y el Romanticismo, respectivamente. Aunque ambas comparten la temática de narrativas literarias o mitológicas, su enfoque y ejecución revelan contrastes significativos que reflejan los ideales de sus correspondientes corrientes artísticas. Ahora bien, la pintura al óleo de Bouguereau, "Dante y Virgilio en el Infierno", representa los principios neoclásicos de armonía, equilibrio y razón. De modo que su composición simétrica y técnica impecable demuestran un enfoque en la representación fiel de la realidad. En este caso, la descripción del Infierno de Dante en su obra maestra "La Divina Comedia" de Bouguereau captura la atmósfera sombría y tormentosa del reino infernal, pero su aproximación se centra más en la precisión del dibujo y los detalles que en la expresión de emociones intensas. Por otro lado, la escultura marmórea "Apolo y Dafne" de Bernini respresenta los ideales románticos de exaltación de las emociones, el dramatismo y la naturaleza. Como se sugirió anteriormente, Bernini logró plasmar en el mármol, transformación y movimiento, convirtiendo la narrativa mitológica en una experiencia visual llena de intensidad emocional. Por esta razón, la pieza muestra a Dafne metamorfoseándose en un laurel para escapar de los avances amorosos de Apolo, y Bernini captura esta transición con una expresividad sin precedentes, con pliegues sinuosos y formas que parecen cobrar vida. Mientras que Bouguereau se adhiere a los cánones neoclásicos de equilibrio y representación fiel de la realidad, Bernini explora los ideales románticos de exaltación de las emociones y la naturaleza, su escultura transmite un dramatismo que supera la representación realista, invitando al espectador a sumergirse en la narrativa mítica de manera visceral.

En resumen, aunque "Dante y Virgilio en el Infierno" y "Apolo y Dafne" son obras maestras en sus respectivos campos, reflejan enfoques artísticos distintos. Bouguereau encarna los ideales neoclásicos de armonía y precisión técnica, mientras que Bernini personifica la expresión romántica de emociones intensas y la exaltación de la naturaleza. Ambas obras son testimonios de la diversidad y riqueza del arte a través de los movimientos estéticos, cada una cautivando al espectador de manera única.

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Semana 15: Obra del Realismo del Siglo XIX

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Semana 15: Obra del Realismo del Siglo XIX

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Fig 1. El vagón de tercera clase, 1862, óleo sobre tela, 64,5 cm x 90,2 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos.

Es una pintura al óleo del artista francés Honoré Daumier realizada en 1862, donde muestra el interior de un vagón de tercera clase en un tren de la época, captando con gran realismo las duras condiciones de viaje para la gente pobre y trabajadora en el siglo XIX. En la obra se ven a varios pasajeros de clases humildes apiñados en un espacio reducido, con expresiones cansadas y abatidas que reflejan la incomodidad y la estrechez del vagón. A través de esta escena, el artista logra denunciar de manera las diferencias sociales que debían soportar los menos favorecidos en aquella época, transmitiendo una crítica social mordaz mediante un estilo sobrio pero muy expresivo, por lo que esta obra es considerada una de sus mejores pinturas de temática realista.

FICHA TÉCNICA

Autor: Honoré Daumier

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensiones: 64,5 cm x 90,2 cm

Fecha: 1862

Estilo o corriente artística: Realismo

Género: Pintura de género, escena costumbrista

Lugar: Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos

Profundidad: No aplica (es una pintura bidimensional)

Escritura: No aplica (es una pintura, no contiene escritura)

Civilización: Occidental, Francia del siglo XIX

Descubrimiento: No aplica (es una obra de arte creada por Daumier)

Procedencia: Creada por Honoré Daumier en París, Francia en 1862. Actualmente en la colección del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

Citas

-(Honoré Daumier | The Third-Class Carriage | The Metropolitan Museum Of Art, s. f.)

-(La Cámara del Arte, 2022)

-(Vizcaíno, s. f.)

-(De Zugazúa, s. f.)

-(Vagón de Tercera Clase - Honoré Daumier, s. f.)

Referencias

-Honoré Daumier | The Third-Class Carriage | The Metropolitan Museum of Art. (s. f.). The Metropolitan Museum Of Art. https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/436095

-La Cámara del Arte. (2022, 7 diciembre). El vagón de tercera clase - La Cámara del Arte. https://lacamaradelarte.com/obra/el-vagon-de-tercera-clase/

-Vizcaíno, C. (s. f.). El vagón de tercera clase de Daumier | análisis y comentario. Candela Vizcaíno. https://www.candelavizcaino.es/arte/vagon-tercera-clase.html

-De Zugazúa, F. M. D. (s. f.). Daumier: El vagón de tercera. https://contemplalaobra.blogspot.com/2011/05/daumier-el-vagon-de-tercera.html

-Vagón de tercera clase - Honoré Daumier. (s. f.). HA! https://historia-arte.com/obras/vagon-de-tercera-clase

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Semana 15: Obra del Movimiento Impresionsta

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Semana 15: Obra del Movimiento Impresionsta

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Fig 2. Paul Cézanne, Étude – Paysage à Auvers, 1873

Es una pequeña obra que representa un paisaje rural de la localidad francesa de Auvers-sur-Oise, donde el artista solía pintar al aire libre con frecuencia. En ella, Cézanne refleja su innovador enfoque hacia la representación de la naturaleza a través de pinceladas sueltas y gruesas que construyen las formas de manera geométrica. Al mismo tiempo, la paleta de colores vivos, con predominancia de colores verdes, azules y ocres, proporciona a la escena una vitalidad característica. Cabe resaltar que, la composición sencilla, con campos cultivados, árboles y una colina o montículo al fondo, logra capturar la esencia del paisaje natural de manera sumamente expresiva. Esta obra temprana anticipa el estilo vanguardista de Cézanne, considerado un precursor fundamental del arte moderno y una influencia clave para movimientos posteriores como el Cubismo y el Fauvismo.

FICHA TÉCNICA

Autor: Paul Cézanne

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: Desconozco las dimensiones exactas.

Fecha: 1873

Estilo o corriente artística: Post-Impresionismo, precursor del arte moderno.

Género: Paisaje

Lugar: Representa un paisaje de Auvers-sur-Oise, localidad cercana a París donde Cézanne pintaba con frecuencia.

Profundidad: Es una pintura bidimensional, por lo que no aplica la profundidad.

Escritura: No contiene escritura.

Civilización: Occidental, francesa del siglo XIX.

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista.

Procedencia: Pintada por Cézanne en 1873 en Auvers-sur-Oise. Actualmente forma parte de una colección privada o museo, pero no tengo información precisa sobre su ubicación actual.

Citas

-(Las Mas Famosas Obras y Pinturas Impresionistas, s. f.)

-(Lettres de Paris – Le Salon de 1874, s. f.)

-(D. C. O. Prezi, s. f.)

Referencias

-Las mas famosas obras y pinturas impresionistas. (s. f.). https://www.pariscityvision.com/es/giverny/obras-impresionismo

-Prezi, D. C. O. (s. f.). IMPRESIONISMO. prezi.com. https://prezi.com/p/jwgrk67upxok/impresionismo/

-Lettres de Paris – Le Salon de 1874. (s. f.). https://www.cahiers-naturalistes.com/documents/zola-et-arts/ecrits-sur-lart-de-zola/index-des-ecrits-sur-lart-de-zola/lettres-de-paris-le-salon-de-1874/

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Semana 15: Obra de Arte de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX

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Semana 15: Obra de Arte de las Vanguardias Artísticas del Siglo XX

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Las vanguardias literarias son siete: cubismo, futurismo, expresionismo, creacionismo, dadaísmo, ultraísmo y surrealismo.

A continuación, exhibiré una de cada una...

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Retrato de Pablo Picasso, Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, The Art Institute of Chicago.

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La obra "Retrato de Pablo Picasso" realizada por Juan Gris se inscribe dentro del estilo del cubismo analítico, caracterizado por la descomposición de los motivos, la representación de múltiples puntos de vista simultáneos y el uso de una gama cromática restringida. En este cuadro, Gris plasma la figura de Picasso, pionero e impulsor del movimiento cubista, portando una paleta de pintor en la mano. A través de este retrato, Gris rinde homenaje a Picasso al representarlo como su mentor y guía dentro de la corriente cubista, reconociendo así la posición destacada que ocupó el artista malagueño como miembro precursor y distinguido de dicha vanguardia artística.

FICHA TÉCNICA

Autor: Pablo Picasso

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 243,9 cm x 233,7 cm

Fecha: 1907

Estilo o corriente artística: Protofauvismo, precursor del Cubismo

Género: Desnudo

Lugar: Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York, Estados Unidos

Profundidad: Es una pintura bidimensional, por lo que no aplica la profundidad.

Escritura: No contiene escritura.

Civilización: Occidental, española/europea del siglo XX.

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista.

Citas

-(Retrato de Pablo Picasso - Juan Gris, s. f.)

-(Gris, s. f.)

Referencias

-Retrato de Pablo Picasso - Juan Gris. (s. f.). HA! https://historia-arte.com/obras/retrato-de-pablo-picasso

-Gris, J. (s. f.). Portrait of Pablo Picasso | The Art Institute of Chicago. The Art Institute Of Chicago. https://www.artic.edu/artworks/8624/portrait-of-pablo-picasso

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Es una pintura representativa del movimiento futurista italiano del que Mario Sironi fue uno de sus principales exponentes. La obra plasma la exaltación de la vida moderna y el dinamismo de la ciudad representados a través de la imagen de un tranvía en movimiento. Las formas geométricas anguladas y las líneas cinéticas que conforman tanto el vehículo como la figura humana transmiten una sensación de velocidad y energía característica de la estética futurista. De igual manera, los colores vibrantes y contrastados, con predominio de los tonos rojos, azules y amarillos, intensifican la fuerza expresiva de la composición. Sironi logra así capturar la fascinación por el progreso tecnológico y la mecanización propios de la era industrial, plasmando el ideal futurista de celebrar el mundo moderno a través de una pintura dinámica.

FICHA TÉCNICA

Autor: Mario Sironi

Técnica: Desconozco la técnica exacta, pero por la descripción probablemente sea óleo sobre lienzo.

Dimensiones: No tengo información sobre las dimensiones de la obra.

Fecha: 1905

Estilo o corriente artística: Futurismo

Género: Pintura de temática urbana/industrial

Lugar: Desconozco la ubicación actual de la pintura.

Profundidad: Al ser una pintura, no aplica la profundidad.

Escritura: No se menciona que contenga escritura.

Civilización: Occidental, italiana del siglo XX.

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista.

Citas

-(Mario Sironi - Hombre y Tranvía, s. f.)

-(Man And Tram, 1905 - Mario Sironi - WikiArt.org, s. f.)

Referencias

-Mario Sironi - Hombre y tranvía. (s. f.). https://es.wahooart.com/@@/8XYHJB-Mario-Sironi-Hombre-y-tranv%C3%ADa

-Man and tram, 1905 - Mario Sironi - WikiArt.org. (s. f.). www.wikiart.org. https://www.wikiart.org/en/mario-sironi/man-and-tram-1905

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La pintura "Caballo Azul" es una de las obras del artista alemán Franz Marc, uno de los principales exponentes del movimiento expresionista. En ella, Marc representa un potente caballo de color azul intenso recortado sobre un paisaje abstracto y sintetizado mediante planos de colores vivos y formas geométricas. El animal, con su musculatura resaltada y su actitud imponente, se erige como un símbolo de fuerza y vitalidad primigenia. Marc utilizó el lenguaje cromático y la deformación antinaturalista de manera expresiva para plasmar la esencia espiritual de la naturaleza desde una perspectiva subjetiva y emocional. Esta obra maestra del expresionismo alemán, con su pincelada vigorosa y su paleta audaz, logra transmitir la energía vital del mundo natural mediante una visión renovadora que desafió los preceptos del arte tradicional.

FICHA TÉCNICA

Autor: Franz Marc

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 112 x 84,5 cm

Fecha: 1912

Estilo o corriente artística: Expresionismo alemán

Género: Pintura de temática animal/naturaleza

Lugar: Actualmente forma parte de la colección del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid, España.

Profundidad: Al ser una pintura, no aplica la profundidad. Es una obra bidimensional.

Escritura: No contiene elementos de escritura.

Civilización: Occidental, alemana del siglo XX.

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista.

Procedencia: Pintada por Franz Marc en 1912 en Alemania. Pasó por varias colecciones privadas hasta que fue adquirida por el Museo Thyssen-Bornemisza en 1976.

Citas

-(Caballo Azul I - Cuadro de Franz Marc, 2022)

-(Tamaral, 2014)

Referencias

-Caballo azul I - cuadro de Franz Marc. (2022, 16 enero). https://www.reprodart.com/a/franz-marc/caballo-azul-1.html

-Tamaral, T. (2014, 29 octubre). CABALLO AZUL i FRANZ MARC. https://pinturasvang.blogspot.com/2014/10/caballo-azul-i-franz-marc.html

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Altazor es su obra poética más conocida, publicada en 1931.

Sin embargo, puedo darte un breve contexto sobre el Creacionismo y la obra Altazor: El Creacionismo fue un movimiento poético de vanguardia propugnado por Huidobro que buscaba crear realidades absolutamente nuevas a través del lenguaje poético, liberado de la mímesis o imitación de la naturaleza. Se trataba de una poesía centrada en la invención de imágenes inéditas mediante asociaciones insólitas de palabras. Por su parte, Altazor es un largo poema vanguardista considerado la obra cumbre de Huidobro. Estructurado en cantos, explora de manera experimental el lenguaje poético rompiendo con la sintaxis y la lógica convencionales. Mediante imágenes surrealistas y juegos verbales, Altazor indaga en la condición del ser humano moderno y su alienación en un mundo tecnificado.

Si pudieras proporcionar detalles sobre una obra plástica o visual específica de Huidobro, podría hacer una descripción más acertada. De lo contrario, esta breve contextualización es lo más cercano que puedo ofrecer.

FICHA TÉCNICA

Autor: Vicente Huidobro (poeta y ensayista chileno)

Técnica: Literatura, poesía

Dimensiones: No aplica, es una obra literaria

Fecha: El Creacionismo como movimiento surgió alrededor de 1912. El poema Altazor fue publicado en 1931.

Estilo o corriente artística: Vanguardismo, Creacionismo (movimiento fundado por Huidobro)

Género: Poesía vanguardista, poema extenso experimental

Lugar: Altazor se publicó originalmente en Madrid, España

Profundidad: No aplica, al ser una obra literaria

Escritura: Lengua española, con juegos verbales y rupturas de la sintaxis convencional

Civilización: Occidental, latinoamericana (chilena) del siglo XX

Descubrimiento: No aplica, son obras creadas por el propio autor

Cabe aclarar que "El Creacionismo" se refiere al movimiento vanguardista fundado por Huidobro, mientras que "Altazor" es el título de su poema más célebre, publicado en 1931 y considerado la obra cumbre del Creacionismo.

Citas

-(El Creacionismo y Altazor - Vicente Huidobro, s. f.)

Referencias

-El creacionismo y Altazor - Vicente Huidobro. (s. f.). Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. https://www.cervantesvirtual.com/portales/vicente_huidobro/creacionismo/

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Francis Picabia: Réveil matin. 31,8 x 23 cm. Tate Modern, Londres (Reino Unido).

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"Réveil matin" es una pequeña pintura al óleo sobre lienzo realizada por el artista francés Francis Picabia en algún momento entre 1919 y 1923. Con dimensiones de 31,8 x 23 cm, esta obra forma parte de la colección permanente de la Tate Modern en Londres. En ella, Picabia despliega su estilo vanguardista inspirado por el movimiento Dadá. La composición aparentemente caótica yuxtapone elementos geométricos, palabras sueltas en francés, números y formas biomórficas de manera aparentemente aleatoria sobre un fondo blanco. Ahora bien, prevalecen los trazos negros y rojos que generan una sensación de dinamismo y movimiento desestructurado. Asimismo, esta pintura es un ejemplo del espíritu iconoclasta y antiburgués de Picabia, quien a través del absurdo y la provocación buscaba cuestionar los valores y convenciones del arte tradicional, su estética maquinista y la incorporación de elementos lingüísticos reflejan además la influencia del movimiento Dada en su producción pictórica.

FICHA TÉCNICA

Autor: Francis Picabia

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 31,8 x 23 cm

Fecha: Entre 1919 y 1923

Estilo o corriente artística: Dadaísmo, vanguardias del siglo XX

Género: Pintura de vanguardia, abstracción

Lugar: Colección de la Tate Modern, Londres, Reino Unido

Profundidad: Al ser una pintura, no aplica la profundidad. Es una obra bidimensional.

Escritura: Contiene palabras en francés como "Matin" y "Réveille"

Civilización: Occidental, francesa del siglo XX

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista

Citas

-(Reloj de Alarma - Francis Picabia, s. f.)

Referencias

-Reloj de alarma - Francis Picabia. (s. f.). HA! https://historia-arte.com/obras/reloj-de-alarma

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Francisco Bores. La Femme du marin, 1936. Colección particular

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Esta pintura al óleo de 1936 pertenece a la etapa surrealista del artista español Francisco Bores. En ella se representa una figura femenina de aspecto andrógino y formas algo distorsionadas, recostada sobre un lecho en una postura enigmática. La mujer aparece desnuda, con los brazos extendidos y una pierna flexionada, en una composición que sugiere cierta sensualidad contenida. Asimismo, su rostro, con rasgos algo masculinos, mira fijamente al espectador con una expresión indescifrable. Por otro lado, Bores utiliza una paleta cromática sobria, con predominio de ocres, marrones y toques de azul y verde, aplicada con pinceladas empastadas que aportan textura a la superficie. El fondo neutro resalta la presencia de la figura central. Al igual que la deformación leve de la anatomía femenina y la ambigüedad de su identidad sexual generan un aire de misterio y extrañeza característico de la estética surrealista. Esta obra enigmática ejemplifica la exploración de Bores en torno al subconsciente y lo onírico durante su etapa vinculada al movimiento surrealista en la década de 1930.

FICHA TÉCNICA

Autor: Francisco Bores

Título: La Femme du marin (La mujer del marino)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: Desconozco las dimensiones exactas

Fecha: 1936

Estilo/Corriente artística: Surrealismo

Género: Pintura de figura, desnudo

Lugar: Actualmente en colección particular (No se especifica la ubicación)

Profundidad: Al ser pintura, es una obra bidimensional

Escritura: No contiene elementos de escritura

Civilización: Occidental, española del siglo XX

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el artista

Procedencia: Pintada por Bores en 1936, posiblemente en París donde residía en esa época vinculado al movimiento surrealista.

Citas

-(La Femme Du Marin (1936) Francisco Bores, s. f.)

Referencias

-La Femme du marin (1936) Francisco Bores. (s. f.). https://www.epdlp.com/cuadro.php?id=1641

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Salvador Dalí: La persistencia de la memoria. 1931. Óleo sobre lienzo. 24 cm x 33 cm. MoMA, Nueva York. Kumachenkova/Shutterstock.com

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La obra pictórica "La persistencia de la memoria" de Salvador Dalí se erige como un ícono representativo del movimiento surrealista y, en particular, de la producción artística de este pintor español. En un segundo plano, se aprecia un paisaje cuyo trazado evoca el estilo de Leonardo da Vinci. La iluminación constituye un componente distintivo del lenguaje pictórico daliniano. En el plano principal, la presencia de relojes de forma blanda y derretida sugiere la noción de la relatividad del tiempo. Asimismo, la espacialidad se ve subvertida mediante el empleo de efectos lumínicos contrastantes. Una forma amorfa e indefinida yace sobre la superficie del espacio pictórico, en la que algunos observadores han creído vislumbrar rasgos del propio rostro de Dalí.

FICHA TÉCNICA

Autor: Salvador Dalí

Título: La persistencia de la memoria (The Persistence of Memory)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 24,1 cm x 33 cm

Fecha: 1931

Estilo/Corriente artística: Surrealismo

Género: Pintura de composición surrealista

Lugar: Actualmente en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, Estados Unidos.

Profundidad: Al ser una pintura, es una obra bidimensional.

Escritura: No contiene elementos de escritura.

Civilización: Occidental, española del siglo XX.

Descubrimiento: No aplica, es una obra creada por el propio artista.

Procedencia: Pintada por Salvador Dalí en 1931. Adquirida por el MoMA de Nueva York en 1934, donde se exhibe actualmente como una de las piezas emblemáticas de su colección.

Citas

-(Imaginario, 2024)

Referencias

-Imaginario, A. (2024, 7 mayo). La persistencia de la memoria de Dalí: significado y análisis de la pintura. Cultura Genial. https://www.culturagenial.com/es/persistencia-de-la-memoria-dali/

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Análisis Visual de la Obra del Realismo del Siglo XIX: El vagón de tercera clase, 1862, óleo sobre tela, 64,5 cm x 90,2 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos. 

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Análisis Visual de la Obra del Realismo del Siglo XIX: El vagón de tercera clase, 1862, óleo sobre tela, 64,5 cm x 90,2 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, Estados Unidos. 

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La magistral obra "El vagón de tercera clase" de 1862, realizada por el insigne pintor francés Honoré Daumier, no sólo se erige como uno de los más poderosos e influyentes exponentes del movimiento realista del siglo XIX, sino que además constituye un valioso testimonio visual que preserva la memoria colectiva de una época. En este imponente óleo de formato alargado, Daumier plasma con descarnada crudeza la contundente denuncia social sobre las deplorables condiciones de viaje que debían soportar las clases populares y trabajadoras en los obsoletos y precarios transportes públicos de aquel entonces. La composición, concebida con magistral pericia, recrea un hacinado vagón de tren colmado hasta el límite de personajes apretujados que ocupan prácticamente cada centímetro del lienzo, sin dejar resquicio para un foco central claro, transmitiendo así una agobiante y claustrofóbica sensación de asfixia y confinamiento que permite al espectador revivir y comprender las penurias que aquejaban al común de la población. De este modo, Daumier actúa como un fiel notario visual que inmortaliza en su obra un capítulo de la dura realidad cotidiana del París decimonónico, preservando para la posteridad un retazo de la memoria colectiva que de otro modo se habría perdido irremisiblemente en el olvido. Al mismo tiempo que denuncia estas lamentables circunstancias, el lienzo constituye un poderoso alegato contra las injustas desigualdades y el clasismo reinante en la sociedad de su tiempo. Cada personaje, retratado con suma naturalidad y humanidad, cobra vida propia gracias al magistral realismo y detallismo de Daumier, que dota a la escena de una fuerza visual arrolladora. En conclusión, "El vagón de tercera clase" representa una muestra paradigmática del arte comprometido que caracterizó al realismo decimonónico y como un invaluable registro gráfico que rescata del olvido un capítulo de la memoria histórica y las duras realidades que debieron afrontar los sectores más desfavorecidos.

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Maria Kamila, ¡bien!

Tu análisis es adecuado tanto formal como contextualmente. Todo está muy completo y muy bien descrito. Felicidades por tu excelente desempeño en la línea del tiempo.

Imágenes: 4/4

Descripción: 4/4

Argumentación:4/4

Relación entre descripción y argumentación: 4/4

Ortografía y gramática: 4/4

Nota: 20/20: 5/5