# data[].attributes.body
Ingres rappresenta la donna nuda come ideale di bellezza classica.

Hanno pelle levigata e forme quasi scultoree con linee morbide.

Le pose sono languide, sensuali ma distanti dalla realtà.

Il nudo diventa occasione di ricerca estetica e proporzione.

Le sue donne appaiono come sogni, non come corpi reali.

# data[].attributes.body
Angelika Kauffmann (1741–1807) fu una pittrice svizzero-austriaca, tra le prime donne ad affermarsi nell'arte neoclassica. Viaggiò molto in Europa, in particolare in Italia e Inghilterra, dove fu tra i membri fondatori della Royal Academy. La sua poetica si ispirava al neoclassicismo, con influenze dal Grand Tour, esprimendo ideali di virtù, sensibilità e armonia classica. Scelse spesso soggetti mitologici e storici, ma anche ritratti femminili, per valorizzare la figura della donna colta e morale. Rappresentava eroine dell’antichità come esempi etici, cercando di elevare il ruolo femminile nella cultura. Il suo stile elegante e sentimentale univa razionalità e sentimento. Fu ammirata per la sua intelligenza artistica e la capacità di fondere arte e narrazione morale.

# data[].attributes.headline
Theresa Concordia Maron, (Zaira e Annagiulia)

# data[].attributes.subject
Theresa Concordia Maron, (Zaira e Annagiulia)

# data[].attributes.body
Theresa Concordia Maron, pittrice nata in Repubblica Ceca, esprimeva, attraverso ritratti eleganti e armoniosi, un ideale di bellezza che univa realismo e grazia interiore. Influenzata da Rococò e Neoclassicismo, cercava di cogliere l’anima dei soggetti, spesso donne aristocratiche, trasmettendo emozioni pacate con luce e colore.

# data[].attributes.body
Costance Mayer esprime una poetica dell’animo umano fatta di emozione e delicatezza. La sua arte riflette una sensibilità intima e malinconica, legata al mondo interiore femminile. Attraverso sguardi perduti e gesti sospesi, dà voce a sentimenti nascosti. La pittura diventa per lei un linguaggio poetico e profondo. Non cerca il clamore, ma l’introspezione e la verità emotiva. Vuole esprimere fragilità, dolcezza e anima. Ogni tela racconta un bisogno silenzioso di comprensione.

# data[].attributes.headline
Marie-Guillemine Benoist (Giorgia e Emma) 

# data[].attributes.subject
Marie-Guillemine Benoist (Giorgia e Emma) 

# data[].attributes.body
Nelle sue opere l’artista francese, Marie-Guillemine Benoist esprime idee di emancipazione, libertà e uguaglianza, sfidando le convenzioni dell'epoca attraverso ritratti che fungono da manifesti contro la discriminazione razziale e per la causa femminile. Benoist usava la pittura per promuovere l'uguaglianza di genere e razziale e per dare voce a soggetti storicamente marginalizzati.

# data[].attributes.body
Violante Beatrice Siries fu una pittrice del Settecento, famosa per i suoi ritratti eleganti e realistici. Con la sua pittura voleva rappresentare la bellezza e la personalità delle persone, sopratutto delle donne nobili. Usava colori chiari, dettagli curati e pose raffinate per trasmettere grazia e armonia. Nei suoi quadri si nota una forte attenzione alla moda e all’espressione del viso. Voleva mostrare non solo l’aspetto esterno, ma anche l’anima del soggetto. È stata molto apprezzata alla corte dei Medici.

# data[].attributes.body
Marie-Gabrielle Capet (1761-1818) fu una pittrice francese, allieva di Adélaïde Labille-Guiard. Specializzata in ritratti e miniature, espose al Salon dal 1781. Non si sposò mai e rimase vicina alla sua maestra per tutta la vita. È ricordata come una delle pittrici più rilevanti della Francia tra Ancien Régime e Rivoluzione.

# data[].attributes.body
Élisabeth Vigée Le Brun, dopo la morte del padre, si dedicò al disegno e divenne una pittrice affermata.

Nell’ autoritratto con la figlia Julie esprime affetto materno, raro nei ritratti dell’epoca.

Le figure indossano abiti classici e sono al centro di una scena semplice e intensa.

L’artista rompe le regole del ritratto aristocratico e mostra sé stessa come madre e donna libera.

Il suo stile è realistico, elegante e ricco di emozioni.

# data[].attributes.body
Caratteristiche principali del movimento realizzato da Beatrice Cecchetti

# data[].attributes.body
Anne Seymour Damer (1748–1828) fu una scultrice britannica dell’epoca georgiana. Nacque in una famiglia aristocratica e ricevette un’educazione artistica, cosa non comune per le donne dell’epoca.

Fu una delle poche donne del suo tempo a essere riconosciuta come scultrice professionista, creando busti e ritratti in marmo e bronzo. Le sue opere raffigurano personaggi importanti del suo tempo, tra cui re, filosofi e scrittori.

Anne fu amica di personaggi famosi come Horace Walpole (scrittore e politico), che la sostenne nel suo percorso artistico. Nonostante i pregiudizi del tempo, riuscì a farsi strada in un mondo dominato da uomini.

Fu anche nota per il suo stile personale indipendente, e ci sono molte discussioni moderne sul suo ruolo nella storia dell’arte e anche sulla sua vita privata, che sfidava le convenzioni dell’epoca.

# data[].attributes.headline
“The nightmare” Füssli e il Tarocco “Diavolo”

# data[].attributes.subject
“The nightmare” Füssli e il Tarocco “Diavolo”

# data[].attributes.body
Sarà Chiusi, Alessia Scarfagna

L’opera L’incubo di Johann Heinrich Füssli (1781) e la carta dei tarocchi del Diavolo (Arcano XV) appartengono a linguaggi diversi, ma condividono un profondo legame simbolico. Entrambe rappresentano il conflitto tra coscienza e inconscio, l’attrazione verso ciò che è proibito e la perdita di controllo. Nel dipinto di Füssli, una donna addormentata è schiacciata da un piccolo demone — simbolo delle pulsioni represse e del desiderio — mentre un cavallo emerge dalle tenebre, richiamando l’irrazionale e l’istintivo. Nella carta del Diavolo, una figura mostruosa domina due uomini incatenati, esprimendo la schiavitù agli istinti e alle passioni.

Entrambe le immagini mettono in scena l’ombra, cioè quella parte oscura dell’animo umano che l’individuo tende a reprimere. Il chiaroscuro drammatico di Füssli e i forti contrasti simbolici del tarocco rivelano la stessa tensione tra luce e buio, ragione e istinto. A livello culturale, sia l’opera che la carta riflettono l’interesse del Settecento e dell’Ottocento per il mistero, il sogno e l’occulto.

Infine, mentre il Diavolo ammonisce contro la perdita di libertà, L’incubo invita a riconoscere e accettare le proprie pulsioni interiori. In entrambi, l’immagine diventa uno specchio dell’inconscio e una possibilità di trasformare la paura e la dipendenza in consapevolezza.

# data[].attributes.headline
The world e opera The Creation (Scarselletta Giorgia,Cesari Alessandro 

# data[].attributes.subject
The world e opera The Creation (Scarselletta Giorgia,Cesari Alessandro 

# data[].attributes.body
La carta dei tarocchi “The World” (XXI) rappresenta il punto di arrivo di un lungo percorso: completa la sequenza dei “Viaggi” del Matto attraverso le carte, e simboleggia la realizzazione dell’essere umano in armonia con l’universo. Nel suo simbolismo visivo la figura centrale (spesso danzante, nuda o semi-vestita) tiene due bacchette, circondata da una ghirlanda o da un cerchio, e ai quattro angoli appaiono le quattro creature (uomo/angelo, aquila, toro, leone) che rappresentano i quattro evangelisti, i quattro elementi o i segni fissi dello zodiaco.

L’opera di John Martin intitolata The Creation (o analoghi lavori sulla creazione del mondo) affronta il tema dell’origine dell’universo, della luce che organizza il caos, della materia che assume forma, della presenza divina che dà ordine al tutto. Martin utilizza una scala grandiosa, una luce monumentale, paesaggi universali e simboli del sublime per evocare il rapporto tra il divino e la creazione.

I punti di contatto tra la carta e l’opera sono molteplici:

Entrambe trattano il mondo come totalità, ovvero l’insieme delle forze che diventano armoniche.

La carta parla di chiusura di un ciclo e al contempo di un nuovo inizio; l’opera parla della creazione del mondo, dell’atto primordiale, della nascita dell’ordine.

Il simbolismo degli elementi, della luce, della centralità del divino si riscontra nell’opera come nella carta: non identico nei dettagli, ma affine nello spirito.

Pur non avendo Martin rappresentato la carta “The World” in modo letterale — non troviamo, cioè, la figura con bacchette e ghirlanda e i quattro evangelisti/creature in angoli come nella carta classica — l’opera può essere letta come una incarnazione simbolica del suo messaggio: l’universo ordinato, l’armonia cosmica, la realizzazione del “mondo”.

In conclusione: l’accostamento ha piena validità. Possiamo dire che la carta “The World” non è raffigurata esplicitamente, ma è presentissima sul piano concettuale nell’opera di Martin.

# data[].attributes.headline
Il viandante sul mare di nebbia e L'Eremita, Sveva e Greta

# data[].attributes.subject
Il viandante sul mare di nebbia e L'Eremita, Sveva e Greta

# data[].attributes.body
Il Viandante sul mare di nebbia di Caspar David Friedrich e la carta dell'Eremita dei tarocchi condividono lo stesso significato profondo: entrambi rappresentano la solitudine come via di conoscenza e la ricerca interiore dell'uomo di fronte all'ignoto.

Nel dipinto, il viandante contempla un mare di nebbia, simbolo dell'incertezza e del mistero della vita; l'Eremita, con la sua lanterna, illumina solo pochi passi del cammino, segno della saggezza che guida la scoperta di sé. La montagna rappresenta l'ascesa spirituale, mentre la nebbia e la luce indicano la verità che si rivela solo a chi ha il coraggio di cercarla.

Il Viandante sul mare di nebbia siamo noi: i capelli mossi dall'aria che ci tiene in vita ma al tempo stesso ci consuma, il bastone che scegliamo come supporto per il nostro viaggio. Un bastone fatto di amore, stabilità, relazioni sincere e saggezza maturata attraverso le esperienze. Come il bastone dell'Eremita 'Arcano VIIII dei

Tarocchi), esso diventa il nostro sostegno nella ricerca dell'identità, della coscienza e dello spirito critico, aiutandoci ad accettare la crisi come trasformazione e a vivere la solitudine come strumento di auto-conoscenza.

# data[].attributes.headline
The Sun of Venice Going to Sea, Annagiulia e Zaira

# data[].attributes.subject
The Sun of Venice Going to Sea, Annagiulia e Zaira

# data[].attributes.body
Il Sole rappresenta il punto focale sia nella carta dei Tarocchi sia nell’opera di Turner creata nel 1843. Nel tarocco, esso appare in alto con raggi stilizzati e un volto umano, simbolo diretto di vitalità e chiarezza; in Turner, invece, non assume caratteristiche figurative, ma si impone attraverso la luce intensa che permea l’intera scena, irradiando energia e definendo l’atmosfera. In entrambi i casi, la luce solare non è soltanto un elemento visivo, ma un principio attivo che trasforma lo spazio circostante: nella carta si manifesta con linee grafiche e decorative, mentre Turner la traduce in effetti cromatici e riflessi cangianti, soprattutto sull’acqua. Anche il messaggio emotivo e simbolico converge: il Sole dei Tarocchi richiama gioia, innocenza e rinascita, rappresentata dal bambino sul cavallo, mentre i paesaggi di Turner suggeriscono calma, speranza e armonia naturale, come in un momento sospeso tra alba e tramonto. In entrambe le opere compaiono inoltre elementi naturali che fanno da corollario alla centralità del Sole: i girasoli nella carta e il paesaggio marino veneziano nei dipinti, come manifestazioni della forza vitale irradiata dal Sole. La differenza principale risiede nella finalità: il tarocco è simbolico ed esoterico, ogni dettaglio ha un significato preciso, mentre Turner tende a un’estetica atmosferica, dove la luce diviene esperienza percettiva e contemplativa. Tuttavia, in entrambe le rappresentazioni, il Sole resta il nucleo emotivo e semantico, sorgente di vita, energia e rinnovamento.

# data[].attributes.attachment_caption
"Moonlight, a Study at Millbank" è un dipinto di Joseph Mallord William Turner (circa 1797), uno dei maggiori pittori romantici inglesi.Il quadro rappresenta una veduta notturna del Tamigi, nei pressi di Millbank, un’area di Londra che all’epoca era ancora periferica e poco illuminata. La scena è immersa in una luce lunare soffusa, con tonalità fredde e delicate che sfumano tra il grigio, l’azzurro e l’argento. La luna si riflette sull’acqua, creando un’atmosfera intima, silenziosa e contemplativa.Quest’opera è considerata uno studio sulla luce e sull’atmosfera, in cui Turner sperimenta gli effetti del chiarore lunare sulla nebbia e sull’acqua, anticipando la sua successiva ricerca quasi astratta sugli effetti luminosi. La carta della Stella (XVII dei Tarocchi Maggiori) è un arcano di speranza, serenità e rinascita. Raffigura una donna nuda che versa acqua, simbolo di equilibrio tra spirito e materia, sotto un cielo stellato che illumina il cammino. Dopo la tempesta rappresentata dalla Torre, la Stella porta fiducia, guarigione e ispirazione: invita a credere in sé stessi e nel futuro, seguendo la propria luce interiore come guida.
Mettendo in relazione il quadro “Moonlight a study at millbank” e la carta “la stella” dei tarocchi possiamo notare che in entrambe le immagini emergono gli elementi dell’acqua, della natura e del cielo, in particolare la luna nel quadro di Turber le stelle nei tarocchi. Nel quadro, la luna illumina appena il fiume creando un riflesso, nella carta una donna nuda versa l’acqua sotto una grande stella che brilla nel cielo, questo è simbolo di speranza, fiducia e rinascita dopo la tempesta, entrambe le immagini ci dicono che anche quando tutto sembra immerso nell’ombra, una luce resta piccola ma sufficiente a guidarci. Turner dipinge quella luce sulla superficie dell’acqua, i tarocchi la mostrano nel cielo. Ma è la stessa forza: la bellezza calma che ci ricorda di non perdere la speranza.

# data[].attributes.headline
Alice Assetta Emma Mortari: The great red dragon- The Tower

# data[].attributes.subject
Alice Assetta Emma Mortari: The great red dragon- The Tower

# data[].attributes.body
Punti di convergenza

Entrambe le immagini comunicano una rottura: della stabilità, delle certezze, delle strutture (materiali o psicologiche).

In entrambe c’è un elemento di forza devastante o di impatto improvviso: il drago che domina, la torre colpita dal fulmine.

C’è il tema della caduta o della vulnerabilità: nella torre le figure cadono, nel drago la donna appare esposta di fronte al potere.

Entrambe implicano un prima e un dopo: qualcosa che viene sconvolto e che richiede risposta, cambiamento, ricostruzione.

Differenze significative

Nel drago di Blake l’elemento è fortemente mitico/spirituale: simbolismo biblico, visione personale dell’artista, contemplazione del male e del conflitto.

Nella Torre siamo in un linguaggio divinatorio/esoterico: la carta parla di trasformazione, crisi, ma dentro un contesto simbolico di guida/interrogativo.

La Torre ha un senso di necessità della distruzione affinché avvenga il rinnovamento; nel drago la distruttività è più primordiale, meno chiaramente “utile” — è visione dell’apocalisse.

Visivamente: la Torre è più “oggettiva” (= rappresentazione di un fatto che accade), mentre Blake è più “soggettivo” e visionario.

# data[].attributes.headline
ROMANTICISMO/LA NAVE A VAPORE DI WILLIAM TURNER/IL MAGO

# data[].attributes.subject
ROMANTICISMO/LA NAVE A VAPORE DI WILLIAM TURNER/IL MAGO

# data[].attributes.body
LA NAVE A VAPORE

"La nave a vapore" di William Turner (titolo originale The Fighting Temeraire,

1839) è un dipinto a olio su tela conservato alla National Gallery di Londra.

L'opera rappresenta una grande nave a vela, la "Téméraire", ormai vecchia, che viene trascinata da un piccolo rimorchiatore a vapore verso il porto dove

sara demolita.

Nel quadro si possono distinguere vari elementi: la grande nave bianca, simbolo del passato glorioso della marina inglese, il rimorchiatore nero che rappresenta il progresso e la modernità, il fiume calmo e un immenso cielo infuocato dal tramonto. La luce e i colori occupano gran parte della scena e sono i veri protagonisti dell'opera. Turner utilizza toni caldi come il giallo, l'arancione e il rosso per il tramonto, mescolandoli con azzurri e grigi che rendono l'atmosfera poetica e malinconica.

In quest'opera la natura domina sull'uomo. Nonostante la presenza della macchina a vapore, simbolo della rivoluzione industriale, è la luce del sole, immensa e divina, a imporre la sua potenza. La forza della natura e del tempo appare superiore a quella dell'ingegno umano.

Il paesaggio è marino e tranquillo, con acque che riflettono i colori del cielo.

Turner non vuole soltanto descrivere un fatto reale, ma comunicare un'emozione: la fine di un'epoca e l'inizio di un nuovo mondo.

IL MAGO

La carta del Mago nei tarocchi rappresenta il potere di creare, di trasformare e di iniziare qualcosa di nuovo. In questo senso, il Mago può essere interpretato simbolicamente nel quadro come il rimorchiatore a vapore, che con la sua forza meccanica trascina la vecchia nave e dà inizio a una nuova era. Anche se il Mago non è fisicamente presente nell'opera, la sua energia creatrice e trasformativa si manifesta attraverso la macchina e il progresso umano.

La visione di Turner è soggettiva, perché non mostra la scena in modo realistico e oggettivo, ma la interpreta secondo la propria sensibilità. I colori accesi, la luce intensa e l'atmosfera malinconica esprimono le emozioni dell'artista e la sua riflessione sul passare del tempo, sulla fine e sulla trasformazione.

# data[].attributes.headline
ROMANTICISMO:  IL VIANDANTE SUL MARE DI NEBBIA (Caspar David Friedrich) legame con LA CARTA DELL’EREMITA nei tarocchi 

# data[].attributes.subject
ROMANTICISMO:  IL VIANDANTE SUL MARE DI NEBBIA (Caspar David Friedrich) legame con LA CARTA DELL’EREMITA nei tarocchi 

# data[].attributes.body
Il dipinto “Il viandante sul mare di nebbia” è una delle opere più rappresentative del ROMANTICISMO tedesco e dell’arte di CASPAR DAVID FRIEDRICH.

L’opera raffigura un UOMO di spalle, vestito elegantemente con un cappotto scuro e un bastone in mano, che si trova su una ROCCIA elevata, da cui osserva un PAESAGGIO immerso nella NEBBIA.

Gli elementi principali che compongono il quadro sono L’UOMO, LA ROCCIA e IL PAESAGGIO.

L’UOMO, posto al centro, è il punto di riferimento visivo: la sua posizione di spalle invita l’osservatore a immedesimarsi in lui, a guardare ciò che lui guarda. La ROCCIA su cui si erge rappresenta una sorta di punto d’appoggio, di STABILITÀ, ma anche di ISOLAMENTO: l’uomo si trova sospeso tra la terra solida e il mistero che si estende davanti a lui. Il PAESAGGIO è vasto, ma indefinito: la NEBBIA copre gran parte delle montagne e delle valli, lasciando intravedere solo le CIME più alte che emergono come isole in un mare impalpabile.

Il PAESAGGIO è avvolto da una NEBBIA FITTA, che crea un senso di MISTERO e SPIRITUALITÀ. La nebbia cancella i contorni netti, suggerendo che ciò che si vede non è la realtà oggettiva, ma una VISIONE INTERIORE, SIMBOLICA.

I COLORI sono FREDDI e TENUI: prevalgono le sfumature di GRIGIO, AZZURRO e VERDE PALLIDO, che accentuano la sensazione di SOLITUDINE e INTROSPEZIONE. La LUCE è diffusa, senza una fonte precisa, e contribuisce all’atmosfera SOSPESA del quadro.

L’EREMITA nei TAROCCHI è una figura che rappresenta la RICERCA INTERIORE, la SOLITUDINE CONSAPEVOLE e la SAGGEZZA.

Viene di solito raffigurato come un VECCHIO che cammina da solo, con un MANTELLO e una LANTERNA, simbolo della LUCE INTERIORE che guida nel buio della conoscenza e del mondo.

Questo archetipo può essere messo in relazione con il VIANDANTE di Friedrich. Anche se nel quadro non vediamo un vecchio con una lanterna, il SIGNIFICATO SIMBOLICO è simile: l’uomo è SOLO davanti all’immensità del mondo, in un momento di CONTEMPLAZIONE e RICERCA DI SENSO. La sua posizione solitaria, sospesa tra TERRA e CIELO, rappresenta un viaggio non solo fisico ma SPIRITUALE, proprio come quello dell’Eremita.

In quest’opera, la presenza dell’Eremita è SOGGETTIVA, non OGGETTIVA: non è rappresentato esplicitamente, ma è evocato attraverso il SIGNIFICATO INTERIORE della scena. Il viandante diventa così un simbolo dell’UOMO ROMANTICO, che cerca sé stesso e l’INFINITO attraverso la CONTEMPLAZIONE della NATURA e del MISTERO che lo circonda.

# data[].attributes.body
(Alice Assetta, Emma Mortari e Alessia Scarfagna)-le caratteristiche

Il Realismo in arte nasce nella metà dell’Ottocento (soprattutto in Francia) come reazione al Romanticismo e all’Idealismo. Gli artisti realisti vogliono rappresentare la realtà così com’è, senza abbellimenti o idealizzazioni.

Caratteristiche principali del Realismo:

Rappresentazione oggettiva della realtà
La realtà quotidiana viene mostrata in modo diretto e fedele, anche nei suoi aspetti più duri o scomodi.

Temi di vita quotidiana
Scene di lavoro, vita contadina, ambienti urbani, classi popolari e proletariato diventano soggetti degni d’arte.

Rifiuto dell’idealizzazione
Niente eroi, miti o scene romantiche: i personaggi sono comuni, spesso ritratti con difetti e fatica.

Impegno sociale e denuncia
Molte opere mettono in luce le ingiustizie sociali, la povertà e le condizioni di vita delle classi meno abbienti.

Precisione e attenzione al dettaglio
Cura nella resa dei particolari, dei volti, degli abiti e degli ambienti per aumentare il senso di verità.

Colori realistici e composizioni semplici
Uso di colori sobri e naturali, composizioni equilibrate e senza effetti drammatici.

Osservazione diretta
L’artista osserva la realtà dal vero, spesso dipingendo ciò che vede senza filtri emotivi.

# data[].attributes.body
LE BALLERINE DI DEGAS

(Alice Assetta, Emma Mortari e Alessia Scarfagna)

Edgar Degas nasce nel periodo degli impressionisti, però non fa parte di quest’ultimi. Quindi lui lavora individualmente.

Nacque a Parigi il 19 luglio 1834 in una famiglia borghese.

Lui è famoso per le ballerine, ma non è stato lui in prima persona a farle. Lui realizza queste ballerine e le utilizza come modello per i suoi dipinti.

Le lezioni di danza sono i soggetti più rappresentati da Degas, perché voleva raffigurare tutto quello che c’era dietro il lavoro duro delle ballerine, del maestro ecc..

Lui amava il balletto e il teatro.

Lui dipinge anche i cavalli, perché voleva studiare il movimento.

Grazie a un suo amico musicista, Degas si intrufolava anche dietro le quinte, il sipario. In questo modo ritraeva le ballerine in attesa di salire sul palco scenico.

Non poteva dipingere quest’ultime al momento, quindi le fotografava.

La macchina fotografica fu uno strumento molto importante perché fotografa le varie angolazioni e posizioni delle ballerine.

Il tema principale delle sue ballerine è il movimento, la danza e le gambe.

Tra i suoi quadri ritrae bambine che cambiano abito durante la lezione.

Un altro personaggio importante è il maestro e anche quest’ultimo viene ritratto da Degas.

Una caratteristica dello stile impressionista che riprende Degas sono le macchie di colore (si trovano negli abiti o nei fiocchetti delle ballerine)

# data[].attributes.body
LA BAMBINA CON IL FIOCCO BLU DI RENOIR

Auguste Renoir viene considerato un impressionista che segue l’arte di rappresentare paesaggi, scene di vita di svago della vita borghese e donne nude bagnanti.

La sua pittura è caratterizzata da pennellate a macchie che evidenziano la luce e l’ombra colorata.

Nella sua vita però ha sofferto di artrosi alle mani ma nonostante ciò riusciva comunque a dipingere in maniera favolosa.

Ricordiamo una sua opera importantissima anche a livello storico ossia “La petite fille au ruban bleau”= La bambina con il nastro blu.

In questo ritratto vi è rappresentata la figlia di un ricco ebreo parigino, ella aveva 8 anni quando il padre commissionò a Renoir un suo ritratto.

Una volta completato il padre però non rimase compiaciuto, così accantonò nella sua casa il ritratto senza dargli importanza.

Una volta cresciuta la bambina si sposerà e porterà il ritratto con sè, ma anche lei lo posizionerà in una stanza non importante.

Questa opera Si colloca in un contesto di valore storico poiché durante l’assedio dei nazisti furono confiscate molte opere d’arte tra cui anche questa.

Dopo anni la famiglia decise di fare causa ai nazisti per riavere indietro il quadro che ritornò solo nella tarda età della signora ormai.

Ella però decise di cederlo poiché le ricordò scene forti della sua vita.

# data[].attributes.body
Rappresentazione dell’attimo: gli artisti vogliono cogliere un momento fugace, una sensazione immediata, non una scena “eterna”.

• Importanza della luce: la luce naturale è protagonista assoluta e cambia i colori degli oggetti a seconda dell’ora del giorno.

• Colori puri e luminosi: niente (o quasi) nero; le ombre sono colorate e ottenute con colori complementari.

• Pennellata rapida e visibile: tocchi veloci, spesso brevi e separati, che danno l’idea di movimento.

• Pittura en plein air: dipingere all’aperto per osservare direttamente la natura e i suoi cambiamenti.

• Soggetti quotidiani: vita moderna, paesaggi, caffè, stazioni, giardini, persone comuni.

• Contorni sfumati: le forme non sono definite con precisione, ma suggerite.

• Centralità della percezione soggettiva: conta l’impressione personale dell’artista, non la riproduzione fedele della realtà.

# data[].attributes.body
(Martina Graziani, Sara Chiusi, Sveva Ricchezza)

Jean-François Millet nacque nel 1814 in Normandia, in una famiglia contadina, e questo influenzò moltissimo la sua arte. Conosceva davvero la vita dei campi e la fatica del lavoro agricolo, quindi quando dipingeva i contadini non lo faceva “da osservatore esterno”, ma quasi con partecipazione e rispetto. Dopo un periodo di studio e lavoro a Parigi, capì che non gli interessava la pittura elegante o mondana: voleva raccontare la realtà quotidiana. Si trasferì quindi a Barbizon, un villaggio vicino alla foresta di Fontainebleau, dove nacque la famosa Scuola di Barbizon, un gruppo di artisti che dipingeva la natura e la vita semplice con uno sguardo realistico.

Millet diventò celebre soprattutto per i suoi quadri dedicati al lavoro rurale, come Le spigolatrici e L’Angelus. Le sue figure sono spesso ferme, solide, quasi monumentali, e trasmettono dignità anche quando rappresentano povertà e stanchezza. Proprio per questo molti lo considerarono un artista “sociale”: alcuni critici lo accusarono persino di voler lanciare messaggi politici, perché mostrava i contadini come protagonisti e non come comparse. In realtà, il suo obiettivo era soprattutto umano: far vedere la grandezza della vita semplice. Il suo stile, con colori caldi e atmosfere quiete, influenzò anche pittori successivi, e viene spesso visto come un ponte tra il Realismo e alcune sensibilità che porteranno all’Impressionismo.

# data[].attributes.attachment_caption
Millet vuole denunciare la durezza della vita contadina e attirare l’attenzione sulle condizioni di chi lavora la terra. All’epoca il quadro suscitò scandalo perché mostrava la realtà senza abbellimenti.

# data[].attributes.body
Jean-François Millet nasce nel 1814 in Francia ed è uno dei principali esponenti del Realismo. Proveniva da una famiglia contadina e per questo dedicò gran parte della sua arte alla vita dura dei lavoratori agricoli.

Nei suoi quadri rappresenta contadini e braccianti con dignità, senza idealizzarli. Muore nel 1875.

Il dipinto mostra un contadino stanco, appoggiato alla zappa dopo un lavoro faticoso nei campi. La figura è pesante, curva, quasi schiacciata dalla fatica.

Non c’è eroismo: il protagonista appare provato, isolato e segnato dal lavoro. I colori sono scuri e terrosi, e l’ambiente è semplice e spoglio.

# data[].attributes.body
Elisa Ammannati, Giulia Felli

Monet biografia

Claude Monet nasce a Parigi nel 1840 ed è uno dei fondatori dell’Impressionismo. Fin da giovane mostra interesse per la pittura e si dedica soprattutto alla rappresentazione della natura e della luce.

Monet dipinge spesso all’aria aperta (en plein air) per cogliere i cambiamenti della luce nei diversi momenti della giornata. Il suo stile è caratterizzato da pennellate rapide, colori puri e dalla rinuncia ai contorni precisi.

Negli ultimi anni della sua vita si stabilisce a Giverny, dove crea un grande giardino con uno stagno che diventa il soggetto principale delle sue opere. Muore nel 1926.

Le ninfee

Le Ninfee sono una serie di dipinti realizzati da Monet negli ultimi trent’anni della sua vita. Rappresentano lo stagno del suo giardino a Giverny, con ninfee, riflessi dell’acqua, cielo e vegetazione.

In queste opere Monet non cerca una rappresentazione realistica, ma vuole trasmettere le sensazioni visive del momento: la luce, il colore e il movimento dell’acqua. Le forme diventano quasi indefinite e il soggetto sembra dissolversi nei colori.

Le Ninfee sono considerate una delle massime espressioni dell’Impressionismo e anticipano l’arte astratta.

Le Ninfee (Les Nymphéas) di Claude Monet sono una serie di circa 250 dipinti a olio realizzati tra il 1897 e la sua morte nel 1926. Considerate il vertice dell'Impressionismo, queste opere ritraggono il giardino acquatico dell'artista a Giverny, in Normandia.

Storia e Sviluppo Artistico

Il Giardino di Giverny: Monet acquistò la proprietà nel 1883 e trasformò un braccio del fiume Epte in un laghetto in stile giapponese, popolato da ninfee esotiche e sovrastato da un ponticello di legno.

Evoluzione dello Stile: Nelle prime serie (1897-1899), Monet includeva elementi del paesaggio come il ponte e gli alberi. Con il tempo, eliminò la linea dell'orizzonte, concentrandosi esclusivamente sulla superficie dell'acqua e sui riflessi del cielo e delle nuvole.

La Cataratta: Dal 1912, la visione di Monet fu compromessa dalla cataratta. Questo portò a pennellate più ampie e a una progressiva dissoluzione delle forme, dando vita a colori quasi astratti e atmosfere oniriche.