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premier trimestre :

- triage des vêtements à la ressourcerie de Mondragon par les collégiens d'Éluard.

- lancement de la friperie dans le lycée.

deuxième trimestre :

- triage des vêtements à la ressourcerie de Mondragon par les élèves de STMG du lycée Lucie Aubrac

troisième trimestre :

- triage des vêtements à la ressourcerie de Mondragon par les élèves de spécialité arts plastiques.

- 1° JUIN 2023 sortie à Lyon: Visite du Vieux Lyon avec le Musée des Tissus, et l'après-midi, visite du musée des Confluences

- 5 JUIN 2023 défilé de mode dans la cour du lycée, 100 élèves impliqués, une classe du collège Eluard de Bollène présents pour défiler et visiter le lycée

- JUIN 2023 exposition "Racines Croisées 2" des créations des élèves à la mairie de Bollène espace Ripert

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Chaque mois: un événement, une vitrine, une sélection de vêtements

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Chaque mois: un événement, une vitrine, une sélection de vêtements

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-Novembre

-Décembre Noel

-Janvier

-Février STMG3 réservé

-Mars

-Avril

-Mai

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THANDIWE MURIU photographe contemporaine Kenyanne

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Thandiwe Muriu – Kenyan Fine Art Photographer

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Douanier Rousseau

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Marquez diego

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Ce parcours propose une découverte de l’architecture du musée sous tous ses angles. En balade autour et à l’intérieur de cette fabuleuse structure, les élèves observent et comprennent les éléments qui composent le musée. Ils interrogent également le rapport entre les formes et les usages des différe…

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Le musée des Tissus et des Arts décoratifs continue, en attendant sa réouverture, de vous proposer de nombreuses activités hors de ses murs : conférences, promenades urbaines et ateliers créatifs.

Que vous soyez à la recherche d'activités culturelles inspirantes et créatives pour une entreprise, une association, un établissement scolaire ou universitaire, un centre de loisirs ou de soins, votre cercle familial ou amical, le musée a forcément une offre adaptée à vos envies !

Nos équipes se déplacent où vous le souhaitez et sont à votre écoute pour adapter l'offre existante ou construire une prestation "sur-mesure".

Découvrez le programme pour les :

Le musée des Tissus et des Arts décoratifs continue, en attendant sa réouverture, de vous proposer de nombreuses activités hors de ses murs : conférences, promenades urbaines et ateliers créatifs.

Que vous soyez à la recherche d'activités culturelles inspirantes et créatives pour une entreprise, une association, un établissement scolaire ou universitaire, un centre de loisirs ou de soins, votre cercle familial ou amical, le musée a forcément une offre adaptée à vos envies !

Nos équipes se déplacent où vous le souhaitez et sont à votre écoute pour adapter l'offre existante ou construire une prestation "sur-mesure".

Découvrez le programme pour les :

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Musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon / Lyon's Textile Arts Museum and Decorative Arts

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La renaissance du musée des Tissus et des Arts décoratifs est l'un des projets culturels majeurs aujourd'hui en France porté par la Région Auvergne-Rhône-Alpes. Musée des Tissus et des Arts décoratifs de Lyon / Lyon's Textile Arts Museum and Decorative Arts

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en présence de représentants de la mairie de Bollène, de la Ressourcerie de Mondragon et des élèves du lycée.

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Préparée depuis la rentrée, la friperie de l'établissement a été inaugurée le 15 décembre par la direction du lycée, en présence de Laëtitia Arnaud, adjointe à l'éducation et de Laurent Saez, conseiller municipal, représentant le maire de Bollène. Étaient présents Floriane Barthélémy, directrice du Pied à l'Étrier ainsi que Samuel Olivier et Laëtitia Briscese, salariés de la ressourcerie intercommunale.

En effet, ce projet revêt divers aspects dont celui de donner une deuxième vie aux objets, et donc éviter le gaspillage et la surconsommation. Dans ce domaine, les personnels de la ressourcerie amènent leur...

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Vaucluse. Bollène : les lycéens de Lucie-Aubrac ont créé une friperie solidaire

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Préparée depuis le mois de septembre, la friperie du lycée Lucie-Aubrac attendait d'être inaugurée officiellement. C'est chose faite depuis le ...

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Communauté de Communes Rhône Lez Provence

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Une friperie solidaire au lycée Lucie Aubrac de Bollène - Communauté de Communes Rhône Lez Provence

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Mi décembre avait lieu l'inauguration de la friperie solidaire du lycée Lucie Aubrac de Bollène. Ce projet de friperie solidaire,

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LE PIED A L'ETRIER Agissons pour que l'emploi soit l'affaire de tous

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Histoire et valeurs Vie associative Conseil d'administration et bureau Équipe salariée Téléchargements Histoire et valeurs Réseau français d'éducation à la nature et à l'environnement, le FRENE (anciennement Réseau École et Nature) est né en 1983 du besoin des enseignants et des animateurs nature de se rencontrer, d'échanger et d'améliorer leurs pratiques.

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Nom: Ecofly

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"Victimes de la mode, quels sont leurs nouveaux codes ?" : le reportage de Martin Weill

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Dans son émission média, Philippe Vandel et sa bande reçoivent chaque jour un invité. Aujourd'hui, Martin Weill, journaliste, pour son reportage "victimes de la mode, quels sont leurs nouveaux codes ?" sur TMC.

Invité(s) : Martin Weill, journaliste, pour son reportage "victimes de la mode, quels sont leurs nouveaux codes ?" sur TMC

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«Victimes de la mode, quels sont leurs nouveaux codes ?» : le reportage de Martin Weill

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Dans son émission média, Philippe Vandel et sa bande reçoivent chaque jour un invité. Aujourd’hui, Martin Weill, journaliste, pour son reportage "victimes de la mode, quels sont leurs nouveaux codes ?" sur TMC.

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La Fashion Revolution Week France débutera le lundi 18 avril et se terminera le dimanche 24 avril, qui est une date clé, puisqu’elle correspond à l’effondrement en 2013 de l’usine textile du Rana Plaza, à Dacca (Bangladesh).

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L'industrie de la mode traditionnelle est fondée sur l'exploitation du travail et des ressources naturelles. La richesse et le pouvoir sont concentrés entre les mains de quelques-uns, et la croissance et le profit sont récompensés par-dessus tout. Les grandes marques et les détaillants produisent trop et trop vite, et nous manipulent dans un cycle toxique de surconsommation. Pendant ce temps, la majorité des personnes qui fabriquent nos vêtements ne sont pas suffisamment payées pour satisfaire leurs besoins fondamentaux et ressentent déjà les effets de la crise climatique, que l'industrie de la mode alimente. En tant que citoyens du monde, nous avons tous le pouvoir d'agir. En cette Semaine de la révolution de la mode, rejoignez-nous pour réimaginer un système de mode juste et équitable pour les personnes et la planète.
Salaire vital / Plaidoyer
Il n'y a pas de mode durable sans salaire équitable. Tout au long de la pandémie, les marques de mode ont gagné des milliards, alors que la majorité des travailleurs de leurs chaînes d'approvisionnement restent piégés dans la pauvreté. Pour remédier à cette situation, nous demandons de nouvelles lois qui obligent les entreprises à faire preuve de diligence raisonnable en matière de salaires décents. Cela transformera la vie et les moyens de subsistance des personnes qui fabriquent nos vêtements, et contribuera à redistribuer l'argent et le pouvoir dans l'industrie mondiale de la mode.
Environnement / Ecocide / Toxicité
Nous savons que les gens et la nature paient le prix de l'exploitation et du gaspillage non réglementés de l'industrie de la mode. Les marques évitent les réalités de la dégradation du climat en continuant à appliquer des modèles commerciaux extractifs et en pratiquant l'écologisation de leurs activités. En 2022, nous avons besoin que les marques réduisent radicalement leur impact sur l'environnement - en mettant l'accent sur la croissance. Les petites entreprises et les créateurs indépendants du monde entier mettent déjà en œuvre ces idéaux ; leur courage et leur sagesse mèneront la charge.
Le juste Prix
Actuellement, il y a un manque de compréhension et d'appréciation du coût réel des vêtements. Les étiquettes de prix ne reflètent pas le coût social et environnemental de la production, et en tant que consommateurs, nous ne prenons pas toujours soin de nos vêtements comme nous le devrions. Nous devons examiner de près ce pour quoi nous payons réellement. Tout au long de la Fashion Revolution Week, nous sensibiliserons et inspirerons notre communauté mondiale sur la valeur réelle de ce que nous achetons et portons.

L'heure est venue de se lever ensemble pour un nouveau système de mode régénérateur, réparateur et révolutionnaire. L'heure de la révolution de la mode a sonné.

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We love fashion, but we don't want our clothes to come at the cost of people or our planet.

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CO2, eau, microplastique : la mode est l'une des industries les plus polluantes du monde

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En marge du G7, trente-deux groupes du textile se sont engagés à réduire l'impact du secteur de l'habillement.

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Sheila Hicks est une artiste textile américaine née le à Hastings, Nebraska, États-Unis. Elle vit et travaille à Paris depuis 1964.

Biographie

Sheila Hicks (capture d'écran d'une vidéo de l'Encyclopédie audiovisuelle de l'art contemporain).

Américaine du Middle-west, Sheila Hicks se destinait à la peinture quand elle découvre les textiles du Pérou précolombien. Elle parcourt le Mexique, l' Amérique du Sud, s'initiant aux techniques des tisserands indigènes.

Elle étudie la peinture à l' université Yale (1954-1959) auprès notamment de Josef Albers, Rico Lebrun, George Kubler et Herbert Mather. Sa thèse sur les textiles pré-incas est supervisée par Josef Albers et Junius Bird.

En 1957 elle obtient une bourse Fulbright et part au Chili. Elle photographie les sites archéologiques des Andes et voyage dans la région volcanique de Villarica, l'Ile de Chiloé et la Terre de Feu.

En 1959, le Professeur Henri Peyre à l'Université de Yale lui attribue une bourse pour étudier en France. Elle y rencontrera l'ethnologue Raoul D'Harcourt, spécialiste des textiles précolombiens.

Par la suite, Sheila Hicks s'établit au Mexique où elle pratique le tissage, la peinture et enseigne à l' Université nationale autonome du Mexique (UNAM).

En 1964 Sheila Hicks s'installe en France.

La pratique de Sheila Hicks privilégie et s'inspire des moments d'irrégularités qui défient le modèle de la grille, un outil de structure dans la pratique traditionnelle du tissage. Elle attribue l'origine de ses œuvres monumentales à sa rencontre avec le directeur du Museum of Modern Art, Alfred Barr qui lui avait communiqué son souhait de voir ses œuvres tissées sur grande échelle.

Parmi ses œuvres, son installation monumentale Pillar of inquiry/Supple Column (2013) est composée d'un ensemble vertical de cordes tissées et délibéremment ébouriffées, semblant tomber du plafond au sol ou s'élever du sol au plafond. Selon l'artiste, le matériel tissé devient ainsi familier avec la forme architecturale de la colonne, et cette familiarité du langage permet de briser les préjugés.

Une œuvre de plus petites dimensions, Cukulcan (2018), représente un souvenir du Chili avec ses amalgames irréguliers de pourpres ponctués de vert lime au centre qui retracent vaguement la silhouette de son paysage montagneux. Cukulcan reflète une volonté de longévité de l'artiste, voulant que son travail communique une mémoire et une impression fortes même après sa disparition.

Sheila Hicks, dans son atelier caché au fond d'un passage au cœur du quartier Latin à Paris, dirige une petite équipe concentrée sur la réalisation des pièces, souvent destinées à des intégrations architecturales dans le monde entier, notamment l'impressionnant rideau de Théâtre au Kiryu Cultural Center de Gumna au Japon en 2001.

L'œuvre de Sheila Hicks se situe entre la tapisserie et la sculpture. Elle s'intéresse à la dimension anthropologique du textile et de l'art contemporain. Ses œuvres, qui vont du minuscule au monumental, sont influencées par les techniques traditionnelles de tissage étudiées lors de ses nombreux voyages entre Inde, Maroc et Mexique.

En plus de la laine, du coton et de la soie, elle utilise des matériaux variés : morceaux d'ardoise, coquilles, cols de chemises, écheveaux de fils à broder, élastiques, lacets et chaussettes de carmélite...

Aux fils de trame elle ajoute parfois de grosses mèches qui retombent en milieu de panneau sous forme de pompons ou de tresses d'un aspect précieux, quand il s'agit de soie - ou au contraire sauvage, lorsqu'elle travaille la laine brute.

Elle fabrique aussi ce qu'elle appelle des " cordes " et qu'elle fixe sur des fonds tissés ; quand elle les laisse pendre librement, ou quand elle assemble des écheveaux, elle crée avec des fils des objets à trois dimensions.

Distinction

Principales expositions

1958 : Musée national d'histoire naturelle, Santiago, Chili

1958 : Peintures de Sheila Hicks - photographies de Sergio Larrain, musée des beaux-arts, Santiago

1961 : Galerie Antonio Souza, Mexique

1963 : Les textiles de Sheila Hicks, Art Institute de Chicago, Illinois

1963-1966 : Knoll International, Nuremberg, Düsseldorf, Hambourg, Cologne, Berlin, Francfort, Stuttgart (Allemagne), Bale (Suisse)

1965 : Gewebte Formen, Landesmuseum, Oldenburg, Allemagne

1970 : Fête du fil, Institut franco-américain de Rennes, France; "Forme in Faden", Buchholz Gallery, Munich, Allemagne ; American Library, Bruxelles

1971 : Formes de fil, musée des beaux-arts, Brest

1972: Fils Dansants, Tapis aux Murs, Centre culturel américain, Dakar, Sénégal ; Abidjan, Côte d'Ivoire ; Centre américain, Milan

1972 : Participe à l'exposition 72/72 au Grand Palais à Paris

1974 : Stedelijk Museum, Amsterdam

1976 : Tapisserie mise en Liberté"; textiles péruviens anciens et œuvres de Sheila Hicks, maison de la culture, Rennes

1978 et 1986 : Konstall, Lund, Suède

1980 : Israel Museum, Jérusalem

1985 : Musée des arts décoratifs, Paris

1986 : Musée de beaux-arts, Pau

1990 : Matsuya Ginza, Tokyo

1991 : Seoul Art Center, Korea, Kajima, Tokyo

1992 : National Museum of Decorative Arts, Prague

1993 : Galerie Saka, Tokyo

1996 : Museum of Nebraska Art, Kearney, Nebraska

1997 : Kiryu Municipal Arts Center, Japon

1999 : Contemporary Art Center of Virginia, Virginia Beach, Virginia

2006 : Bard Graduate Center, New York

2007 : Entrelacs de Sheila Hicks, textiles et vanneries d'Afrique et d'Océanie de la collection Ghysels, Passage de Retz, Paris

2008 : Davis & Langdale Company, Inc. New York

2010 : Sheila Hicks: 50 Years, Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts ; Institute of Contemporary Art Philadelphia, PA, et Mint Museum, Charlotte, NC

2010 : Sheila Hicks: Hors normes, sculptures textiles, Passage de Retz, Paris

2011 : Sheila Hicks - 100 Minimes, The Museum of Decorative Arts (UPM), Prague

2011 : Sheila Hicks - 100 Minimes, Boijmans van Beuningen Museum, Rotterdam

2012 : Sikkema Jenkins & Co, New York

2013 : Pêcher dans la rivière, Alison Jacques Gallery, Londres

2014 : Sheila Hicks, Sikkema Jenkins & Co., New York

2014 : Palais de Tokyo, Paris

2015 : Sheila Hicks: Foray into Chromatic Zones, Hayward Gallery, Londres

2016 : Si j'étais de laine, vous m'accepteriez ? Galerie Frank Elbaz, Paris

2016 : Sheila Hicks: Material Voices, Joslyn Art Museum Omaha, Nebraska

2016 : Museo Amparo, Puebla, Mexique

2017 : Galleria Massimo Minini, Brescia

2017 : Stones of Peace, Alison Jacques Gallery, Londres

2018 : Lignes de vie, Centre Pompidou, Paris

2018 : Sheila Hicks : Migador, Magasin III Museum & Foundation for Contemporary Art, Jaffa

2018 : Galerie nächst St. Stephan Vienne

2019 : Seize and Weave away, Nasher Sculpture Center, Dallas, Texas

2020 : Blanc sur Blanc, galerie Gagosian, Paris

Notes et références

Bibliographie

Élisabeth Védrenne et Valérie de Maulmin, Avec Les Pionnières : dans les ateliers des femmes artistes du siècle, photographies de Catherine Panchout, Paris, Somogy éditions d'art, 2018 Etel Adnan, Geneviève Asse, Pierrette Bloch, Geneviève Claisse, Parvine Curie, Sheila Hicks, Shirley Jaffe, Véra Molnar, Aurélie Nemours, Marta Pan et Judit Reigl.

Liens externes

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Sheila Hicks est une artiste textile américaine née le à Hastings, Nebraska, États-Unis. Elle vit et travaille à Paris depuis 1964. Américaine du Middle-west, Sheila Hicks se destinait à la peinture quand elle découvre les textiles du Pérou précolombien. Elle parcourt le Mexique, l' Amérique du Sud, s'initiant aux techniques des tisserands indigènes.

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Alexander McQueen, de son nom complet Lee Alexander McQueen, né le à Lewisham à Londres et mort le à Mayfair, est un créateur de mode britannique. Il est surnommé, en raison du côté parfois provocateur de certaines de ses collections, l'" Enfant terrible ", et à l'instar d'autres créateurs tels que Stella McCartney ou Raf Simons, l'un des plus grands espoirs de la mode lors de sa carrière.

Biographie

D'une famille modeste de Londres, sa mère est enseignante et son père a été chauffeur de taxi,. Travaillant dès seize ans en tant qu'apprenti coupeur et tailleur chez Anderson & Sheppard, le tailleur de Savile Row du Prince Charles, puis chez d'autres tailleurs de cette rue de Londres dont Gieves & Hawkes, ainsi qu'à Milan chez Romeo Gigli,, il intègre directement le troisième cycle de la prestigieuse école Central Saint Martins de Londres. Dès 1992, Alexander McQueen se fait remarquer par Isabella Blow qui achète puis publie sa première collection dans les pages du britannique ; elle l'encourage à changer son prénom de " Lee " pour " Alexander ",. Blow, qui le prend sous son aile, lui restera fidèle jusqu'à sa mort, malgré les divergences : Blow a réellement " construit " la carrière du créateur dès ses débuts, mais celui-ci supporte de moins en moins cet héritage. En a lieu son premier scandale avec sa collection " Le viol de l'Écosse ", où ses mannequins portent des vêtements arrachés et des lacérations.

Remplaçant l'étoile montante John Galliano parti chez Dior, Alexander McQueen intègre en 1996 Givenchy où il officie jusqu'en 2001 ; plusieurs fois il lui succèdera : durant ses études à Saint Martin's puis maintenant chez Givenchy où, d'après lui, il sera moins bien traité que Galliano,. Cette même année 1996, il reçoit le prix du " Créateur britannique de l'année " ; pourtant, sa première collection pour la maison de couture est . " Je sais que c'était nul ", dira-t-il au Vogue fin 1997. Durant ses années chez Givenchy, il se fait également remarquer par ses déclarations controversées, critiquant ses compatriotes Galliano ou Vivienne Westwood, et présentant le très respecté Hubert de Givenchy comme un couturier " mineur ".

En 1997, il rencontre Anne Ray qui deviendra son amie et le photographiera jusqu'en 2010,,.

C'est sous sa marque qu'Alexander McQueen se distinguera et trouvera la liberté de création et d'expression qu'il a toujours attendue à l'opposé de ses créations chez Givenchy. " Il faut leur donner de l'extravagance ! " dit-il. Ses collections sont ponctuées de scandales, et chacune d'elles possède un thème bien spécifique, comme la rencontre inopinée de pirates naufragés et d'indigènes ( collection printemps-été 2003, Irere), ou bien un hommage au film d' Alfred Hitchcock et à Kim Novak ( collection automne-hiver 2005, Vertigo). Imprévisible, il se distingue également par la mise en scène de ses défilés, événements théâtraux,, où les mannequins peuvent évoluer tour à tour comme sur une piste de danse ( collection printemps-été 2004, Deliverance) ou à la façon de pions de jeux d'échecs ( collection automne-hiver 2005, It's Only A Game ). Mais c'est sa réinterprétation de La Mort du cygne par Shalom Harlow lors de la collection printemps-été 1999 qui est l'apogée des défilés du créateur anglais qui s'est régulièrement fait remarquer par ses évènements souvent controversés. Toujours en 1999, il crée la robe de mariée de Kate Winslet qui restera dans les annales.

En , le Gucci Group acquiert 51 % des parts de la maison de couture Alexander McQueen. " Passer à l'ennemi " de LVMH (propriétaire de Givenchy) vers le groupe Gucci se fait dans la douleur et les coups bas : ces deux groupes français de luxe sont alors régulièrement en conflit,. Cette " victoire " n'est même pas financière : le prêt-à-porter de McQueen a des résultats décevants depuis des années. Domenico De Sole, qui dirige Gucci, s'exprime pourtant crânement et Tom Ford, alors à la direction artistique du groupe, promet de laisser toute liberté à Alexander McQueen. Yves Carcelle, patron de la division mode de LVMH, fait bonne figure, jusqu'à jouer l'indifférence envers le couturier anglais. Pourtant, voilà un moment déjà que le conflit personnel entre Bernard Arnault et Alexander McQueen couvait, sur fond de tensions autour du financement de sa propre marque,. Début 2001, le défilé Givenchy à Bercy, le dernier signé McQueen, est annulé.

Depuis l'hiver 2002, jusqu'à sa mort en 2010, Alexander McQueen dessinait aussi des collections masculines. Parmi les autres activités de sa maison, deux parfums féminins sont créés : Kingdom et MyQueen. Il a également dessiné un sac, nommé Novak en hommage au style, simple et sobre, de Kim Novak. Ce nom est également un clin d'œil aux sacs de la maison Hermès (le et le ) et entend conférer au Novak un statut d'objet culte, et non pas de sac renouvelable chaque saison. Il reçoit en 2003 le prix international du Conseil des créateurs de mode américains.

Le , son défilé The Horn of Plenty (" La corne d'abondance ") résonne avec la crise économique de l'époque : " Alexander McQueen montre à la mode ce qu'elle est devenue : une caricature de féminité outrancière, coupée de la réalité, surnommant les névroses consuméristes ". Le , son défilé suivant est sur le thème de l' Atlantide (" Plato's Atlantis "). Son dernier show, The Bone Collector (" Le fossoyeur "), a lieu en . Durant sa carrière, ce créateur " surdoué ", torturé et arrogant aura alterné des défilés de vulgaire au baroque, du provocant au " flamboyant " ,.

Alexander McQueen se suicide par pendaison, chez lui à Mayfair, le , la veille des obsèques de sa mère. En hommage à Alexander McQueen, Laure Shang Wen Ji lui dédie la chanson . Lady Gaga qui est très proche de lui et qui admire son travail lui rend hommage en 2010 aux Brit Awards, en lui dédiant son interprétation de .

Création 2008 Alexander McQueen, The girl who lived in the tree , chapeau Philip Treacy.

Alexander McQueen collabore avec d'autres artistes, qu'ils fassent partie du monde de la mode, ou pas. On peut citer, entre autres, David Bowie, pour lequel il créa de nombreux costumes de scène (notamment la redingote taillée dans un drapeau du Royaume-Uni), le modiste Philip Treacy , ou le non conventionnel joaillier Shaun Leane ainsi que la chanteuse Lady Gaga qui porte une robe ainsi que des chaussures Alexander McQueen dans son clip Bad Romance, Vanessa Beecroft (avec laquelle il collabore pour VB47, au Peggy Guggenheim Museum, à Venise). Il travaille aussi avec la chanteuse Björk, pour qui il réalise le clip de , et de nombreuses robes (citons : la robe de mariée de Pagan Poetry, constellée de perles, une rouge avec des plumes d' autruche et des lames de verre qu'elle porte durant la tournée Vespertine, et celle qu'elle arbore à la cérémonie des Fashion Rocks , ou encore la robe faite de chaînes que porte la chanteuse Céline Dion dans son spectacle , à Las Vegas). Alexander McQueen collabore par ailleurs avec la danseuse Sylvie Guillem, le metteur en scène Robert Lepage et le chorégraphe Russel Maliphant en réalisant les costumes du spectacle Eonnagata, dont la première a lieu au théâtre Sadlers Wells de Londres en . Le film Guillem, sur le fil retrace les répétitions du spectacle depuis ses prémices jusqu'à la première Londonienne. On y voit Alexander McQueen créer les costumes des trois artistes, comme s'il sculptait leurs corps.

En 2006, Alexander McQueen travaille avec la maison Boucheron pour créer une version Haute joaillerie limitée et numérotée de son sac emblématique Novak, en utilisant le motif fétiche du serpent Boucheron comme fermoir. Enfin, Alexander McQueen signe également un contrat avec la marque de vêtements sport Puma afin de dessiner des collections limitées, aux lignes haut de gamme, dans les années 2010.

McQueen est ouvertement homosexuel. Il contracte une union civile avec son compagnon George Forsyth en 2000 à Ibiza.

Documentaires

Bolton, Andrew (2010), Alexander McQueen: Savage Beauty, Metropolitan Museum of Art, (ISBN 978-0-300-16978-2 )

Knox, Kristin (2010), Alexander Mcqueen: Genius of a Generation, A & C Black Publishers Ltd, (ISBN 978-1-4081-3076-6 )

Deniau, Anne (2012), Love looks not with the eyes : Lee Alexander Mcqueen, La Martinière, (ISBN 978-2-7324-5242-5 )

Stéphane Marchand, Les guerres du luxe, Fayard, , 382 p. (ISBN 978-2213609539 ), " Alexander McQueen a disparu ", p. 275-279.

Loïc Prigent, Le testament d'Alexander McQueen, documentaire télévisé, France, 2015 ; Arte[28] .

Ian Bonhôte, Peter Ettedgui, McQueen, documentaire sorti en 2018.

Notes et références

Références

1. Sandrine Cochard, ↑ Alexander McQueen est mort, le 11 février 2010, 20minutes.fr.

2. ↑ Linda Watson, a b c d e f g h i et j Vogue - La mode du siècle : Le style de chaque décennie, 100 ans de créateurs [" Vogue Twentieth Century Fashion - 100 years of style by decade and designer "], Éditions Hors Collection, , 255 p. (ISBN 2-258-05491-5 ), " Les créateurs : McQueen, Alexander ", p. 187

3. ↑ Jonathan Metcalf (a b c d e et f dir.) et al., Fashion : la mode à travers l'histoire [" Fashion. The Ultimate Book of Costume and Style "], DK, , 480 p. (ISBN 978-2-8104-0426-1 ), " Alexander McQueen ", p. 418 à 419

4. Stéphanie Chayet, " ↑ Les Anglais premiers de la classe ", sur lepoint.fr, Le Point,

5. " ↑ Alexander McQueen ", sur tendances-de-mode.com, (consulté le )

6. Clément Ghys, " ↑ Blow l'inspiratrice ", sur liberation.fr, (consulté le )

7. Colin McDowell, " ↑ Livres : McQueen et Galliano ou le côté obscur de la mode ", sur Business of Fashion - lemonde.fr, (consulté le )

8. ↑ a et b Loïc Prigent, " McQueen, le prince des ténèbres ", Vanity Fair n°28, octobre 2015, pages 136-143.

9. ↑ a et b Marchand 2001, p. 279.

10. ↑ Nicole Penicaut, " a b c d et e McQueen s'évade chez Gucci ", sur liberation.fr, (consulté le )

11. " ↑ Rencontres d'Arles : portrait de l'artiste en homme-oiseau ", Le Monde,‎ (lire en ligne)

12. Théodora Aspart, " ↑ 7 questions à Ann Ray, exposée aux Rencontres d'Arles ", sur Vogue Paris,

13. ↑ (en-US) " ann ray shares her massive archive of alexander mcqueen photos ", sur I-d, (consulté le )

14. ↑ Paquita Paquin, " Il va y avoir du sport ", Culture, sur liberation.fr,

" Le show d'Alexander McQueen restera le plus époustouflant de la saison. A dix mètres de hauteur, dans une galerie suspendue où souffle une tempête de neige, passe une robe parachute dans laquelle s'engouffre le vent. L'Anglais laisse exploser sa créativité au cœur d'une vaste étendue lunaire glacée. Débordant d'inspiration, [...] "

15. Cally Blackman (↑ trad. Hélène Tordo), 100 ans de mode [" 100 years of fashion "], Paris, La Martinière, , 399 p. (ISBN 978-2-7324-5710-9 , présentation en ligne), " Les conceptuels ", p. 346

16. ↑ a et b (en) Ginia Bellafante, " Front Row; Gucci secures a deal with Alexander McQueen Cookies are more gratifying than shoes A Bergdorf Goodman documentary " , sur New York Times, (consulté le )

17. ↑ a b et c Marchand 2001, p. 278.

18. ↑ Marchand 2001, p. 275-276.

19. ↑ Marchand 2001, p. 277-278.

20. ↑ Marchand 2001, p. 277.

21. " ↑ Alexander McQueen s'est suicidé à la suite de la mort de sa mère ", Le Parisien,‎ (lire en ligne )

22. ↑ (en) Dana Thomas, " David Bowie, Alexander McQueen, and the Making of That Iconic 90s-Era Union Jack Coat ", Vanities ,‎ (lire en ligne)

23. Marc Paytress (↑ trad. Marie Lacor), Bowiestyle, Hugo & Compagnie, (1re éd. 1991), 160 p. (ISBN 9782755608694 ), p. 153

24. Jennifer Neyt, " ↑ Alexander McQueen aux pieds de Lady Gaga ", Vogue,‎ (lire en ligne )

25. " ↑ Alexander McQueen et Boucheron réinterprètent le sac Novak " , sur FashionNetwork, (consulté le )

26. " ↑ Alexander McQueen et Puma poursuivent leur collaboration ", sur fr.fashionnetwork.com,

27. ↑ (en) Alexander McQueen: enfant terrible and fashion genius

28. " ↑ "Le Testament d'Alexander McQueen" de Loïc Prigent: un hommage inspirant ", Les Inrocks,‎ (lire en ligne, consulté le )

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Alexander McQueen, de son nom complet Lee Alexander McQueen, né le à Lewisham à Londres et mort le à Mayfair, est un créateur de mode britannique. Il est surnommé, en raison du côté parfois provocateur de certaines de ses collections, l'" Enfant terrible ", et à l'instar d'autres créateurs tels que Stella McCartney ou Raf Simons, l'un des plus grands espoirs de la mode lors de sa carrière.

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Nick Cave, né le à Fulton, ville rattachée à la métropole de Jefferson City, dans le Missouri est un danseur, styliste, sculpteur, performeur et installateur et américain qui travaille principalement le tissu.

Ses œuvres les plus connues sont les Soundsuits (costumes sonores), des sculptures de tissu qui peuvent être portées comme des déguisements extravagants.

Après ses études primaires à la George Washington Carver Elementary de Fulton il suit ses études secondaires à la West Junior High School de Columbia puis à la de Columbia, une fois diplômé il est accepté au Kansas City Art Institute de Kansas City dans le Missouri, où il obtient son baccalauréat universitaire (licence) en beaux-arts en 1982,, puis il est accepté à la Cranbrook Academy of Art intégrée à la Cranbrook Educational Community de Bloomfield Hills, dans le Michigan, où il soutient avec succès son Master of Fine Arts (mastère 2 en beaux-arts) en 1989.

Il apprend la danse auprès de la compagnie d'Alvin Ailey.

Après ses études, il est recruté par l' Art Institute of Chicago où il devient le directeur des programmes de stylisme-modélisme.

Il confectionne son premier Soundsuit au début des années 1990 en utilisant des fils électriques, des brindilles qu'il a entremêlés à un sous-vêtement en coton fait à la main. Il a continué en utilisant des matériaux les plus divers : tissus, perles, boutons, cheveux tissés, objets en plastiques, jouets, matériaux de récupération, etc. La conception de ses Soundsuits est inspirée aussi bien par les costumes traditionnels de l' Afrique noire que par la haute couture. Puis il est passé à l'utilisation de ces costumes à des combinaisons pour concevoir des installations.

Plusieurs musées américains possèdent un ou des Soundsuits de Nick Cave comme :

Nick Cave a été invité par de nombreux musées dans le monde pour faire des expositions temporaires de ses Soundsuits ou de ses installations au Danemark, au Royaume-Uni, au Canada, en Nouvelle-Zélande, en Australie,, en Allemagne, en Belgique , Afrique du Sud, en France, etc.

Notes et références

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Nick Cave, né le à Fulton, ville rattachée à la métropole de Jefferson City, dans le Missouri est un danseur, styliste, sculpteur, performeur et installateur et américain qui travaille principalement le tissu. Ses œuvres les plus connues sont les Soundsuits (costumes sonores), des sculptures de tissu qui peuvent être portées comme des déguisements extravagants.

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Coperni fait le buzz grâce à une performance avec Bella Hadid

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La griffe d’Arnaud Vaillant et Sébastien Meyer a fait vivre aux invités un moment historique avec la création d’une robe en spray sur le corps de Bella Hadid. Andreas Kronthaler, pour sa part, déclare son amour à Paris.

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Performance - Alexander McQueen spring summer 1999

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Article du Dauphiné Libéré / Vaucluse Matin

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En images. Des élèves du lycée Aubrac de Bollène dévoilent leurs créations lors d'un défilé de mode

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Lundi 5 juin, de 12 à 14 heures, les acteurs du projet " New fashion life " ont offert un spectacle inhabituel aux élèves, professeurs et membres du personnel du lycée Aubrac de Bollène : un défilé de mode. Retour en images sur ce temps fort pour l'établissement scolaire.

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Projet de la section arts plastiques et STMG du lycée Lucie Aubrac de Bollène

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Mode d emploi et calendrier de la friperie 2024

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Loi fast fashion : le décryptage d'Oxfam !

Le 14 mars, à l'Assemblée générale, une proposition de loi visant à réduire l'impact environnemental de l'industrie textile a été adoptée ! Une avancée majeure dans le combat contre la fast fashion portée par de nombreux acteurs depuis plusieurs années. Car, nous le savons à présent, l'impact social et climatique de la mode est absolument désastreux et il est urgent d'agir pour limiter les dégâts causés par ce secteur. Si cette proposition de loi est encourageante et synonyme d'une prise de conscience généralisée, de nombreux efforts restent encore à faire pour parvenir à une mode véritablement responsable.

Que prévoit le texte de loi fast fashion ?

Différentes mesures pour sanctionner la fast fashion

Le projet de loi contient différentes mesures complémentaires pour limiter la production et la distribution d'articles de fast fashion :

La mise en place d'un bonus / malus afin de récompenser ou sanctionner financièrement les entreprises de l'industrie de la mode. Le malus pourra s'élever jusqu'à 10€ par produit et permettra de financer les acteurs les plus vertueux.

L'Interdiction de la publicité et de la promotion des entreprises de fast fashion afin de lutter contre l'incitation à la surconsommation via des techniques marketing poussées.

Les entreprises proposant la vente en ligne devront afficher sur leur site internet des messages sensibilisant à l'impact environnemental de la mode.

Pourquoi encadrer de manière législative la fast fashion ?

Ce n'est plus un secret pour personne, le secteur de la mode est extrêmement polluant. De la fabrication des matières premières à la confection des vêtements en passant par l'acheminement du produit fini, les articles de mode ont des conséquences désastreuses sur notre planète.

L'industrie textile est à ce jour le troisième secteur le plus consommateur d'eau au monde. C'est également un secteur extrêmement polluant puisqu'il est à lui seul responsable de l'émission de 4 milliards d'équivalent CO2 par an, c'est plus que l'impact des vols internationaux et du trafic maritime réunis ( source). Pour en savoir plus sur l'impact de nos vêtements, ne loupez pas notre décryptage complet.

Si nous pouvons toutes et tous lutter à notre échelle pour une mode davantage responsable en se tournant vers des alternatives à la fast fashion, il est également important que des décisions politiques fortes soient prises afin d'encadrer ce secteur.
>> En savoir plus sur la slow fashion : une mode durable et engagée !

Pour une mode véritablement responsable, la loi peut faire plus

Ce texte de loi est un premier pas vers une mode davantage soucieuse de l'environnement et les différentes mesures prévues sont très encourageantes. Cependant, pour lutter durablement contre les effets néfastes de l'industrie de la mode des mesures plus ambitieuses sont nécessaires.

En l'état, le projet de loi est pénalisant pour les entreprises dépassant le seuil de production ou de distribution qui sera choisi. Si ce seuil est trop élevé, alors les sanctions prévues ne s'appliqueront qu'à un faible nombre d'entreprises du secteur de la mode. Ce critère est donc essentiel et se doit d'être suffisamment ambitieux pour que cette loi concerne un maximum d'acteurs de la mode. Pour en savoir plus sur les limites de ce projet de loi, nous vous invitons à lire le décryptage des Amis de la Terre.

Au-delà d'un cadre législatif dressant des barrières à l'entrée de produits générant des conséquences sociales et climatiques désastreuses, il est nécessaire d'avoir une réflexion plus large sur l'industrie de la mode.

La transition vers un secteur plus responsable doit prendre en compte la reconversion des sites de production et l'accès à des sources de revenus alternatifs pour les ouvrières actuellement employées dans des conditions souvent indécentes. C'est pourquoi, il est important de réfléchir à l'accompagnement et au renforcement des standards des filières concernées dans les pays de production actuelle.

Comme pour tout texte de loi, c'est maintenant au tour du Sénat de retravailler le texte pour ensuite l'adopter ou non. Nous suivrons de près les débats afin de vous vous tenir informés de la finalité de cette loi.

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Une loi Fast fashion pour limiter l'impact environnemental du textile - Oxfam France