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안녕하세요 3번 박세빈입니다. 오늘 제가 발표할 주제는 경제적으로 가치가 높은 작품이고, 피카소 작품 2개를 소개하려고 합니다.

먼저 파블로 피카소에 대해 알아보겠습니다.

그는 1881년 스페인 말라가에서 태어났으며, 미술 학교를 조기 입학하고, 전통적인 회화 실력을 빠르게 습득했습니다. 그리고 파리에서 활동하며 예술가로 성장하였습니다.

파블로 피카소는 입체주의(Cubism)의 창시자로, 조르주 브라크와 함께 20세기 초 가장 혁신적인 미술 사조인 입체주의를 만들어냈습니다. 또 그는 화풍 변화가 매우 다양한데 청색시대, 장미시대, 입체주의, 신고전주의 등 다양한 스타일을 실험하고 발전시켰으며, 예술 외에 정치적 메시지도 담는데 관심을 가졌다고 합니다.

1973년 91세로 사망했고, 그의 유산은 미술사에 큰 영향을 끼쳤습니다.

피카소의 경제적으로 높은 가치를 지닌 작품 첫번째로 소개할 작품은 “레스 펨즈 댈거”입니다.

’레스 펨즈 댈거‘는 프랑스어로 ‘알제의 여인들’이라는 뜻으로, 피카소가 1954~1955년에 걸쳐 총 15점의 연작(버전 A부터 O까지)으로 제작되었습니다.

이건 그 중 마지막 작품인데 이 시리즈의 완성작으로 가장 복잡하고 정교하게 구성된 작품입니다. 강렬한 색채, 기하학적인 형태, 그리고 입체주의적인 구성 방식이 돋보이며, 피카소 특유의 왜곡된 인체 묘사와 다채로운 구도가 눈길을 끕니다.

이 작품은 미술품 경매 최고가로 세계 기록을 세웠으며, 무려 1억 7,940만 달러에 판매되었습니다. 피카소의 대표적 후기 작품이라는 점, 예술사적으로 중요한 의미를 가졌다는 점, (들라크루아와 마티스에 대한 오마주), 그리고 입체주의와 강렬한 색채의 완성도 높은 조화를 가진 점에서 경제적 가치가 높게 평가된 것으로 보입니다.

두번째로 소개할 작품은 앙브루아즈 볼라르의 초상입니다.

입체주의(Cubism) 시기의 대표작 중 하나로, 피카소가 예술적 실험을 통해 전통적인 초상화의 형태를 해체하고 재구성한 작품입니다.

「앙브루아즈 볼라르의 초상」은 피카소가 전통적인 인물 묘사에서 벗어나, 다양한 시점에서 본 형태를 하나의 화면에 통합하여 표현한 작품입니다. 이러한 기법은 당시 미술계에 큰 충격을 주었으며, 현대 미술의 새로운 방향을 제시하는 데 기여했습니다.

「앙브루아즈 볼라르의 초상」은 현재 러시아 모스크바의 푸시킨 미술관에 소장되어 있으며, 공개 경매에 출품된 적은 없습니다. 따라서 이 작품의 정확한 경매가는 알려져 있지 않았지만, 피카소의 대표 입체주의 작품이라는 점과 미술상 앙브루아즈 볼라르를 그린 역사적 인물 초상이라는 점에서 경제적으로 높은 가치를 인정받고 있습니다.

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미술 피피티

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안녕하세요. 저는 오늘 노르웨이 화가 에드바르 뭉크에 대해 발표하겠습니다.

먼저, 뭉크의 생애에 대해 간단히 말씀드리겠습니다.

에드바르 뭉크는 1863년 노르웨이에서 태어났으며, 어린 시절 어머니와 누이를 병으로 잃는 큰 슬픔을 겪었습니다.

또한, 아버지의 불안정한 성격과 엄격한 종교적 분위기 속에서 성장했는데요, 이러한 경험들이 그의 예술 세계에 깊은 영향을 주었습니다.

뭉크는 평생 동안 불안, 외로움, 죽음 같은 주제를 자주 다뤘고, 1944년 사망할 때까지 꾸준히 작품 활동을 이어갔습니다.

그는 단순히 현실을 묘사하기보다, 인간의 감정을 강하게 표현하는 데 집중했습니다.

특히 대표작인 《절규》는 많은 분들이 아실 텐데요, 이 작품은 극심한 불안과 공포를 색감과 형태로 극적으로 표현한 그림입니다.

뭉크는 선과 색을 과장되게 사용하여 감정을 시각적으로 전달했으며, 이런 점에서 표현주의 화풍의 선구자로 불립니다.

그의 그림은 대체로 밝고 화사하기보다는, 어둡고 강렬한 감정이 느껴지는 경우가 많습니다.

이제 뭉크의 대표작인 《절규》에 대해 조금 더 자세히 말씀드리겠습니다.

이 작품은 1893년에 제작된 표현주의 회화의 대표작으로, 뭉크가 느꼈던 극심한 불안과 공포를 시각적으로 표현한 그림입니다.

화면 속 인물은 입을 벌리고 비명을 지르듯한 모습으로 그려져 있고, 배경의 하늘은 붉게 뒤틀려 있으며, 전체적인 분위기는 매우 혼란스럽고 불안정합니다.

뭉크는 실제 이 장면을 떠올리며 “하늘이 피처럼 붉게 물들고, 자연 전체가 비명을 지르는 것 같았다”고 표현한 바 있습니다.

즉, 이 작품은 단순한 풍경이 아니라, 현대인의 내면 불안과 심리적 고통을 상징적으로 담은 그림입니다.

과장된 선과 강렬한 색을 사용해 감정을 극대화한 것이 특징이며, 오늘날까지도 전 세계적으로 가장 널리 알려진 작품 중 하나입니다.

다음으로, 뭉크의 자화상에 대해 말씀드리겠습니다.

이 자화상은 단순히 자신의 외모를 그린 것이 아니라, 삶의 고독, 불안, 존재에 대한 질문을 담고 있는 작품입니다.

뭉크는 자신의 내면을 정직하게 마주하고, 예술을 통해 감정을 표현하려 했습니다.

그림 속 무표정한 얼굴은 오히려 더 강한 감정을 느끼게 하며, 자기 존재를 바라보는 고통스러운 시선을 보여줍니다.

이처럼 뭉크의 자화상은 단순한 얼굴 묘사가 아니라, 삶과 감정, 존재의 깊이를 담은 시각적 고백이라고 할 수 있습니다.

뭉크는 자화상에서도 자신의 감정을 솔직하게 드러냈습니다.

차가운 색감과 간결한 선을 사용해 삶과 죽음, 존재에 대한 깊은 성찰을 표현했고, 이는 단순한 얼굴 묘사를 넘어선 자신의 내면을 담은 진지한 고백이었습니다.

이처럼 뭉크의 자화상은 외적인 모습보다 내면의 심리 상태를 표현하는 데 중점을 두었다는 점에서, 표현주의적인 특징이 잘 드러나는 작품입니다.

마지막으로 제 감상을 말씀드리겠습니다.

뭉크의 작품을 보면서 단순히 “무서운 그림이다”라고 느끼기보다는, 그 안에 담긴 감정과 의미를 이해하려고 하니 더 깊게 공감할 수 있었습니다.

특히, 말로 표현하기 어려운 감정들을 그림을 통해 느끼고 이해할 수 있었고, 때로는 그런 감정에 대해 위로를 받는 기분도 들었습니다.

그래서 이 작품들이 오랜 시간이 지난 지금도 많은 사람들에게 사랑받는 이유를 알게 되었습니다.

감사합니다.

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안녕하세요 9번 오혜인 입니다. 오늘 저는 ‘고독한 연주자, 마음을 비추는 작품’이라는 주제로 발표하겠습니다.

이 주제는 보이지 않는 내면의 감정과 상상을 사진과 회화로 시각화한 두 작가, 듀안 마이클과 제임스 앙소르의 작품을 보겠습니다.

먼저 듀안 마이클은 미국 펜실베이니아 출신의 사진가입니다.

원래 디자인을 전공해 ‘타임’지 디자이너로 일했지만, 1958년 러시아 여행 중 찍은 사진에서 사진의 무한한 가능성을 느끼고 전업 사진가가 되었습니다.

그의 사진 주제는 보이는 현실 너머의 신비롭고 비일상적인 세계, 즉 죽음·기적·초자연적 현상 같은 환상적 테마를 다룹니다.

마이클의 작품, 하이젠베르크박사의 불 확실한 마법거울은 1998년 제작된 이 흑백 젤라틴 실버 프린트 작품으로 왜곡된 거울 속 인물의 모습으로 내면의 불확실성과 복잡함을 표현합니다.

거울에 비친 얼굴은 겉으로는 완벽해 보이지만, 사실 속마음은 혼란스럽고 고독하다고 이야기합니다. 특히 피아니스트의 내면을 투영한 듯, 무대 위에서는 당당해도 실제로는 ‘내가 누구인가?’라는 질문에 마주하는 감정을 상징합니다.

이를 통해 마이클은 사진을 단순한 기록이 아닌, 보이지 않는 상상과 감정을 시각화하는 매개체로 사용합니다.

다음으로 벨기에 화가 제임스 앙소르는 카니발 마스크와 기이한 소품 속에서 자라난 배경을 바탕으로, 19세기 말에서 20세기 초 사이에 활동했습니다.

초기에는 인상파 영향을 받은 정물화·풍경화를 그렸지만, 1887년경부터 해골·망령·가면을 등장시켜 인간의 어리석음과 삶·죽음의 이중성을 탐구하기 시작했습니다.

앙소르의 작품, 가면들에 둘러싸인 자화상은 1899년 유화로 만들어졌고 이 자화상은 작가 자신을 둘러싼 수많은 가면을 통해 사회적 위선과 억눌린 감정을 드러냅니다.

강렬한 색채와 기괴한 분위기는 보는 이로 하여금, 피아니스트가 무대 위에서 쓰는 가면과도 같은 ‘공적 자아’ 이면의 진솔한 감정을 떠올리게 합니다.

이 작품은 예술가가 사회 속에서 자신을 드러내면서도 동시에 외롭고 복잡한 내면을 감추고 살아가는 모습을 상징적으로 보여줍니다.

지금까지 듀안 마이클스와 제임스 앙소르의 작품을 통해, ‘고독한 연주자’가 예술을 매개로 자신의 내면을 어떻게 비추는지 살펴보았습니다.

이들은 사진과 회화를 통해 보이지 않는 상상과 감정을 시각화함으로써, 관객에게 자기 내면을 돌아보는 기회를 제공합니다. 감사합니다

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1. 발표 순서(출석번호): 7 , 1 , 8 , 24 , 22 , 3 , 5 , 13 , 2 , 23 , 12 , 15 , 14 , 10 , 25 , 20 , 17 , 4 , 18 , 9 , 6 , 21 , 26 , 19 , 16 , 11

2. ppt (pdf 가능)

3. 발표 대본 (약식 제출 가능)

4. 제목은 위와 같이 학번 이름으로

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안녕하세요! 22번 이건우입니다. 제가 이번에 발표할 주제는 ‘예술로 바라본 자본주의와 소비문화’인데요,이번 발표에서는 팝아트의 대표 작가인 앤디 워홀의 작품을 중심으로,예술이 어떻게 자본주의와 소비문화를 반영하고 있는지 살펴보겠습니다.

먼저, 작가 소개입니다.

앤디 워홀은 1928년 미국에서 태어난 팝아티스트입니다.

원래는 광고 디자이너로 활동하다가 미술계에 들어섰고,

대중문화와 상업 이미지, 그리고 자본주의 사회의 현실을 예술로 표현한 인물입니다.

그는 “예술은 대중적이어야 한다”라는 신념을 가지고 있었고,

광고나 신문에서 볼 수 있는 일상적인 이미지를 활용해 누구나 쉽게 이해할 수 있는 예술을 만들었습니다.

주로 실크스크린 기법을 사용했는데요, 이건 같은 이미지를 반복해서 찍어내는 기법으로,

그는 이 방식으로 예술을 일종의 상품처럼 복제할 수 있게 만들었습니다.

마치 대량 생산을 하는 공산품들 처럼요

이런 점에서, 그는 예술과 상업의 경계를 허문 작가로 평가받고 있습니다.

이제 그의 대표 작품중 첫번쨰를 소개하겠습니다.

바로 《캠벨 수프 캔》입니다.

아마 여러분들도 태어나서 한 10번쯤은 보셨을텐데

이 작품은 1962년에 발표된 것으로,

캠벨 수프라는 실제 브랜드의 수프 캔 이미지를 33개나 반복해서 그린 작품입니다.

워홀은 마트에서 흔히 볼 수 있는 수프 캔을 예술의 소재로 삼았는데요,

이는 소비자들이 익숙하게 접하는 일상적인 물건조차 예술이 될 수 있다는 것을 보여줍니다.

또한 이 작품은 대량생산과 소비의 반복성을 그대로 시각화한 것으로 볼 수 있습니다.

모든 수프 캔이 똑같아 보이지만, 각각 미묘하게 다르다는 점에서

소비재가 가진 획일성과 차별화의 이중성을 잘 드러냅니다.

워홀은 이 작품을 통해 자본주의 사회에서

예술도 결국 소비되고, 반복되고, 상품화되는 존재가 되었음을 말하고자 했습니다.

두 번째 작품은 《달러 사인》입니다.

이 작품은 조금 생소하실텐데 1981년에 제작되었고, 제목 그대로 달러 기호($) 자체를 예술의 주제로 삼았습니다.

우리가 흔히 보는 돈의 기호가 강렬한 색감으로 반복적으로 표현되어 있는데요,

이는 돈이 단순한 화폐를 넘어서, 상징적 이미지가 되었음을 보여줍니다.

워홀은 이 작품을 통해 예술과 자본 사이의 관계를 더욱 직접적으로 표현했습니다.

사람들은 예술을 감상하는 동시에, 그 작품이 얼마인지, 얼마나 가치가 있는지도 함께 생각하죠.

그는 예술조차도 자본의 일부가 되어버린 시대,

즉 돈이 예술을 지배하고, 예술이 돈을 상징하는 현실을 말하고 싶었던 것입니다.

이처럼 앤디 워홀의 작품은 단순히 유명 인물이나 상품 이미지를 흥미롭게 표현한 것이 아니라,

현대 자본주의 사회의 소비문화를 비판적으로 바라보고,

그 속에서 예술이 어떻게 기능하고, 어떤 역할을 하는지를 질문합니다.

우리가 당연하게 받아들이는 이미지와 소비의 방식이

사실은 굉장히 구조화되고 반복적인 사회 시스템의 결과물이라는 점을,

그는 아주 단순한 이미지 속에 담아냈습니다.

이 발표를 통해 저는 예술이 단지 감상이나 취미를 넘어서,

사회와 경제를 비추는 거울이 될 수 있다는 점을 느꼈습니다.

워홀의 작품은 지금 시대를 사는 우리에게

‘우리는 무엇을 소비하고, 왜 소비하는가?’라는 질문을 던지고 있다고 생각합니다.

이상으로 발표를 마치겠습니다. 감사합니다.

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대본 : 케테 콜비츠(Käthe Kollwitz)는 1867년 7월 8일, 당시 동프로이센의 쾨니히스베르크(현재 러시아 칼리닌그라드)에서 태어났습니다. 1945년 4월 22일, 제2차 세계대전이 끝나기 몇 주 전, 생을 마감했습니다.

그녀는 화가, 판화가, 조각가로 활동하며, 전쟁, 빈곤, 모성애 등 인간의 고통과 연민을 주제로 작품을 남겼습니다. 특히 민중미술과 참여미술의 선구자로 평가받습니다.

1891년, 의사인 카를 콜비츠와 결혼하여 두 아들을 두었습니다. 첫째 아들 한스는 1892 태어났고, 둘째 아들 페터는 1896 태어났습니다. 페터는 제1차 세계대전 중 1914년에 전사하였습니다.

작품 《죽은 아이를 안고 있는 어머니》(1903)는 에칭 기법을 통해 섬세한 선과 명암을 조절하여 감정을 극대화하였습니다. 어머니는 벌거벗은 채로 다리를 교차하고 앉아, 죽은 아이를 무릎 사이에 끌어안고 있습니다. 그녀의 얼굴은 아이의 몸에 파묻혀 거의 보이지 않으며, 이는 개인적인 슬픔을 넘어선 보편적인 모성애를 상징합니다.

작품 《The volunteers》(1921~1922)은 목판화 기법을 통해 굵고 강한 선을 사용하여 작품에 강렬한 인상을 부여하며, 집단의 움직임과 감정을 효과적으로 전달합니다. 중세의 '죽음의 춤'(Danse Macabre) 전통을 연상시키는 구성으로, 북을 치는 '죽음'의 형상을 선두로 다섯 명의 젊은이가 행진하는 모습을 묘사합니다. 각 인물은 열정, 충성, 절망 등 다양한 감정 상태를 표현하며, 그들의 머리에서 뻗어나오는 빛줄기는 전쟁에 대한 이상주의적 헌신을 상징합니다. 선두에 있는 인물은 콜비츠의 아들 페터를 모델로 하였으며, 이는 개인적 상실과 전쟁의 비극을 직접적으로 연결짓는 요소입니다.

케테 콜비츠는 이 작품들을 통해 개인적인 슬픔을 넘어선 보편적인 인간의 고통을 표현하였으며, 이는 그녀의 예술적 깊이와 사회적 메시지를 잘 보여줍니다.

진로와의 연관성 그녀의 작품 《죽은 아이를 안고 있는 어머니》와 《The volunteers》은 전쟁의 참상과 그로 인한 사회적 영향을 강렬하게 표현하고 있습니다. 행정과 정치 쪽에 관심이 있는 나는  《죽은 아이를 안고 있는 어머니》는 전쟁으로 인한 상실과 고통을 통해 사회복지와 올바른 정책의 필요성을 강조하며, 《The volunteers》은 전쟁의 유혹과 그로 인한 파멸을 통해 평화와 안보 정책의 중요성을 상기시킵니다. 모두 정부의 올바른 참여와 정책에 필요성을 보여줍니다.

또 이러한 작품들은 사회정책의 인간적 영향을 조명하는 데 활용될 수 있습니다. 예술 작품은 정책 결정자들에게 올바른 판단의 중요성을 제공하여, 보다 인간 중심적인 정책 수립을 유도할 수 있습니다.

감상평

케테 콜비츠의 작품은 전쟁의 참상과 그로 인한 고통을 강렬하게 전달합니다.

《죽은 아이를 안고 있는 어머니》는 전쟁으로 인한 상실과 고통을 통해 사회복지 정책의 필요성을 강조하며, 《의용병들》은 전쟁의 유혹과 그로 인한 파멸을 통해 평화와 안보 정책의 중요성을 상기시킵니다.

콜비츠의 작품은 "다시는 이런 일이 일어나지 않도록" 하는 강력한 메시지를 전달하며, 전쟁의 참혹함과 그로 인한 고통을 세상에 알리고자 했습니다. 그녀의 작품은 단순한 예술적 표현을 넘어, 사회적 변화와 평화를 위한 강력한 촉구로 해석될 수 있습니다.

(에칭 기법 : 금속판에 방청제를 바르고 바늘로 그림을 그린 후, 산에 담가 부식시켜 선을 새기는 판화 기법입니다. 목판화 기법 : 나무판에 그림을 새기고 잉크를 묻혀 종이에 찍어내는 전통적인 판화 기법입니다.)

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디자인 전문가가 아니어도 무료 템플릿으로 손쉽게 원하는 디자인을 할 수 있어요.

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주세페 아르침볼도는 1527년 이탈리아 밀라노에서 태어난 화가로, 르네상스 말기와 매너리즘 시대를 대표하는 인물입니다. 대표적인 초상화 시리즈중 하나로 1562년 신성로마제국 황제 페르디난트 1세의 초청으로 오스트리아 빈으로 이주했고, 이후 막시밀리안 2세와 루돌프 2세를 포함한 합스부르크 황실의 궁정화가로 활동했습니다. 1587년경 고향 이탈리아로 돌아온 뒤, 1593년 밀라노에서 생을 마감했습니다.

아르침볼도는 전통 르네상스가 추구했던 조화와 균형보다는, 왜곡, 과장, 기이함을 통해 감정적이고 인공적인 아름다움을 표현했습니다. 그의 작품은 유머와 상징성, 그리고 지적 유희가 돋보이는 매너리즘 양식의 전형적인 예로 평가받고 있습니다.

대표작으로는 ‘사계 시리즈‘ 와 ‘사물로 만든 인물 시리즈’가 있습니다.

첫 번째 작품으로 베르툼누스:루돌프 2세입니다.

이 작품은 1590년에 제작되었으며, 나무 패널에 유채로 그려졌습니다. 신성로마제국 황제 루돌프 2세를 모델로, 로마 신화의 자연과 변신의 신 ‘베르툼누스’로 묘사한 작품입니다. 얼굴과 상반신은 과일, 채소, 꽃, 곡물, 나뭇잎 등 자연물로 구성되어 있으며, 이는 루돌프 2세를 풍요와 자연의 수호자로 이상화한 표현입니다. 이 작품은 단순한 초상화가 아닌 자연에 대한 찬가이자 권력에 대한 상징적 아첨으로 읽히며, 아르침볼도 특유의 환상적이고 기괴한 구성, 그리고 사물로 사람을 형상화한 독창성이 돋보입니다. 멀리서 보면 인물 초상처럼 보이지만, 가까이서 보면 각각의 요소가 정물화처럼 사실적으로 묘사되어 있어, 이중적인 인식을 유도하는 점이 특징입니다.

두 번째 작품으로 여름입니다.

이 작품은 아르침볼도의 대표 연작인 ‘사계 시리즈’ 중 하나로, 1563년에 제작되었고 나무 패널에 유채로 그려졌습니다. 인물의 얼굴, 몸, 의복 등은 여름철에 수확되는 과일과 채소로 구성되어 있으며, 계절의 특성을 생동감 있게 표현하고 있습니다.

이 작품 역시 멀리서 보면 인물 초상처럼 보이지만, 가까이서 보면 각각의 요소가 사실적으로 묘사된 자연물임을 알 수 있어, 시각적 환상과 창의적인 재미를 동시에 제공합니다. ‘여름’을 포함한 이 사계절 시리즈는 합스부르크 황실에 헌정하기 위해 제작된 것으로, 자연과 인간, 권력을 결합한 상징적이고 장식적인 작품입니다.

아르침볼도의 작품을 보며 처음에는 그저 기이하고 유머러스한 느낌이 들었지만, 자세히 볼수록 하나하나 정교하게 묘사된 사물들의 조합에서 놀라운 창의성과 기술을 느낄 수 있었습니다. 단순한 장난이나 변형이 아니라, 자연과 인간, 현실과 상상을 결합한 깊은 상징성이 인상적이었고,

마치 여러 신선한 재료로 만든 풍성한 요리 같았습니다. 각 재료가 제각기 빛나면서도 하나의 완벽한 맛을 내듯, 과일과 채소가 모여 사람 얼굴을 이루는 모습은 눈으로 보는 예술 요리라 할 수 있을만큼 인상적이었습니다.

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오늘 제가 발표 할 분은 빠키라는 분입니다.저는 아직 진로가 없어서 진로가 없는 사람들이 어떤시각으로 봐라봐야할까하며 빠키의 작품을 골랐습니다.

먼저 빠키의 생애와 특징을 간단하게 설명드리겠습니다.

1978년도에 태어났으며 국적은 대한민국 입니다. 헤이그 왕립 예술 대학교 대학원을 다녔었다고 합니다. 다음으로는 특징입니다. 빠키는 통통 튀는 화려한 색감과 기하학적인 패턴들을 많이 사용합니다 영상사운드,인터랙티부 요소 등을 결합하여 작품을 만들기도 합니다.그리고 추상적인 표현,미디어 아트,디지털과 전통을 융합하여 작품을 만드는게 특징입니다

이제 빠키의 첫번째 작품을 소개해드리겠습니다. 첫번째 작품은 내가 꿈꾼 것이라는 작품 입니다.2013년도에 제작이 된 작품입니다.이 작품을 만들때 혼합재료를 사용하였으며 다양하고 화려한 색감과 각각 다른 무늬를 사용하였습니다.시시각각의 다양한 모습을 새로운 시각으로 볼수있다는 내용과 작품이 움직이고 회전하면서 계속해서 변화하는 일련의 패턴들과 함께 상황에 따라 끊임없이 변화하는 카멜레온처럼 여러것들을 볼수있다는 것을 표현한 작품입니다.

두번째로 소개 드릴 작품으로는 원형으로 다다르는 구멍입니다. 이 작품은 2020년도에 제작된 작품입니다.색을 다양하게 넣었으며 중간중간 검은색을 활용하여 작품의 색이 조화롭도록하였습니다. 조형요소를 이용하여 만든 작품으로 조형요소를 활용하여 기본적인 형태를 만들고 이를 조합,배열,구성,융합을 통해 작가만의 규칙을 부여하여 하나의 조형형식을 만들어냈으며 순수회화 작품으로 제작되었습니다.

이번 활동을 통해 빠키라는 분을 처음 알게 되었는데 다양하고 화려한 색을 이용하여 작품을 만들어 처음에는 정신없어 보인다 라는 생각이 드는 작품이었는데 작품이 대해 찾아보고 알수록 생각보다 뜻 깊은 작품이라는 것을 알게 되었습니다 아직 진로가 없는 상황에서 빠키의 작품을 보면서 한가지의 식으로만 보는것이 아니라여러시각으로 봐라봐야 한다는 것을 알게되어 진로를 정하는데 도움이 되었습니다.

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안녕하세요 211 정서윤 미술 수행평가 발표 시작하겠습니다 !

예술로 시각적 선언을 전하는 화가, 디에고 리베라와 그의 작품들을 소개하겠습니다.

예술로 시각적 선언을 전하는 화가라고 부제를 정한 이유는 발표를 들으시면서 한 번 생각해주시면 감사하겠습니다 ! 그럼 바로 들어가 볼게요

우선 디에고 리베라에 대한 소개입니다. 이 분의 직업은 화가 중에서도 벽화 전문 화가라는데서 특이점이 있는데 이 이유는 조금 있다가 설명드릴게요. 또 특징 중에 프리다 칼로의 남편이라는 특징이 있는데 (사진 제시하며) 프리다칼로는 이렇게 생겼고, 영화 코코에서 패러디 되기도 했습니다. 프리다 칼로는 여성 최초로 루브르 박물관에 입성한 화가로 유명해요 또한 디에고 리베라에게 예술은 단지 아름다움을 추구하는 것이 아니라, 현실을 드러내고 바꾸기 위한 무기로 이용되기도 했다고 해요. 그 이유는 리베라의 사상을 알아보면 됩니다. 리베라는 대표적인 사회주의 예술자로서, 예술을 ‘엘리트’만 향유하는 것이 아니라, 민중과 노동자들 또한 누릴 수 있어야 한다고 보았습니다. 노동자, 농민, 토착민의 삶을 주제로 한 사회주의적 메시지를 강하게 전달하기 위해 벽화라는 대중매체를 통해 사회적 메시지를 전달한 거예요. 이로써 그의 예술은 단순한 그림을 넘어, 정치, 역사, 민중의식을 담은 시각적 기록물이라 평가 받습니다. 따라서 리베라를 한마디로 표현한다면?   자본주의에 맞서 예술을 통해 세상을 바꾸고자 했던 시각적 혁명가라고 할 수 있겠습니다.

다음으로는 앞으로 소개할 작품이 제작된 시기의 시대배경을 알아볼게요.

멕시코의 1910년부터 1920년까지는 정치변동의 변곡점이 정상을 찍던 시기였습니다. 포르피리오 디아스의 독재 하에 농민과 원주민이 토지를 뺏기고 노예나 노동자로 전락하였구요,

디아스의 장기집권과 토지문제에 맞선 민중의 반란, 토지개혁, 사회 정의 실현을 목표로 한

복합적이고 격동적인 멕시코 대혁명이 일어나기도 했습니다.

이런 멕시코 혁명의 배경에는 경제적인 어려움이 참 많았습니다. 혁명 이전, 포르피리오 디아스 정권의 경제는 겉은 번지르르하지만, 속은 불평등이 가득했습니다. 전체 농지의 약 90%가 1%의 지주에게 귀속되었고 원주민, 농민은 소작농이나 무토지 빈민으로 전락하였습니다, 이로인해 극심한 빈부 격차와 농민 착취로 민중 불만 폭발하게 되었습니다. 혁명 중에는 내전으로인해 경제가 붕괴되었습니다. 전국적 무력 충돌로 농업 생산 감소, 기근 발생하고 국민 생활 수준 극도 약화되었죠, 이에 따라 혁명 이후에 제도혁명당(PRI)체제가 수립되게 됩니다.

PRI란, 혁명을 ‘제도화’한 정당, 즉 무력 혁명 없이 권력을 평화적으로 계승하자는 시도입니다. 목적은 멕시코 혁명의 가치(토지개혁, 노동권 등)를 제도 안에 녹여내고 권력 분산이 아닌 권력 순환을 통해 내전을 방지하고자 했습니다. 이 제도는 멕시코의 기적이라 불리는 경제 성장을 이루어 내며 연평균 6%대 성장, 도시화, 산업화 가속이라는 쾌거를 이루어 냈으나 PRI가 70년간 독재하며 부정부패의 증가로 이어지게 되었습니다.

지금부터는 이러한 리베라의 이념과 시대를 반영한 작품 2개를 알아보겠습니다,

우선 이 작품은 알라메다 공원에서 어느 일요일 오후의 꿈이라는 작품입니다. 가로 15.6M, 높이 4.7M 초거대 벽화이구요, 벽화이다보니 석고가 마른 후 그 위에 그림을 그리는 건식기법을 활용하였고, 세부묘사, 색조조절이 더 자유로웠지만 습기 손상이 많았습니다. 인물 대부분이 정면을 향하게 하여 민중도 쉽게 향유하도록 하였습니다. 이 작품은 멕시코 전통 문화, 역사, 주요인물, 사건이 모두 담겼다 해도 과언이 아닐 정도로 단순한 그림을 넘어 멕시코 사회를 하나의 시공간에 담았습니다. 예를 들자면 이 두사진을 보시면 왼쪽은 멋진 드레스와 호화로운 장신구를 걸친 채 우아하게 있는 멕시코 엘리트를, 오른쪽은 비참하게 투쟁을 하는 멕시코 민중들을 대조시킨 묘사가 드러납니다.

다음 작품은 Man at the crossraods 교차로의 사나이입니다.

가로 11.45m, 높이 4.85m로 이 또한 매우 큰 벽화입니다. 리베라 특유의 선명한 색채를 사용하여 좌우의 이념적 대비를 나타내었습니다. 좌우구분에서 왼쪽 세계는 자본주의와 억압을, 오른쪽 세계는 사회주의적 이상을 나타냅니다. 이 작품은 기술발전과 자본주의 및 공산주의의 대립, 노동자 계급을 주제로 하여 예술, 정치, 과학, 사회의 방향성을 놓고 인류가 어느길로 나아갈지 묻는 이념적 메세지를 전합니다.

지금까지 디에고 리베라와 그가 살던 멕시코, 그리고 그가 그린 작품 두 점에 대해 알아보았습니다. 발표 시작때 제가 여러분께 예술로 시각적 선언을 한 화가라고 부제를 정한 이유를 생각해 달라고 부탁드렸는데 이유를 아시겠나요? 네, 디에고 리베라는 멕시코 노동자를 위해 자신의 사회주의적 사상을 예술로 선언한 것입니다. 따라서 디에고는 벽화로 노동자들이 볼 수 있도록 그림을 그릴 수 밖에 없었던 것이고, 화가로서 시각적 선언을 외친 것입니다.

지금까지 제 발표를 들어주셔서 감사합니다 !

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안녕하세요 2106안혜교 발표 시작하겠습니다

저는 샤갈이라는 작가에 대해서 소개해드리겠습니다 먼저 작가의 생애는 1887년7월7일에 태어나 당시 러시아 제국의 비테브스크에게 유대인 가정의 장남으로 태어나서 1907년부터 1908년까지 상페테부르크에서 미술은 공부한후 1910년에 파리로 이륙하여 아방가르드 예술가들과 교류하여 작품세계를 확립하였다그리고 샤갈의 작품은 꿈과같은 분위기,환상적인 이미지, 생동감 있는 색채로 특징지어집니다 그는 유화, 수채화, 스테인드글라스, 세라믹등 다양한 매체를 활용하여 독특한 미적언어를 창조하였습니다 첫 번째 작품은 산책입니다 이 작품의 특징은무중력상태를 경험하듯 행복한 사람에 몰입된 연인들을 묘사하여 진정한 사랑과 행복을 표현하였고 표현재료로는 부드러운 윤곽선과 흐르는 선묘로 전체적으로 부드러운 움직임을 느끼게 하였다 그리고 나의 감상에서 이 장면은 ‘정서적 지지’와 ‘관계의 힘’이 개인에게 얼마나 큰 영향을 미치는지를 상징적으로 드러냅니다.

오늘날의 사회복지는 단순한 물질적 지원을 넘어, 인간이 인간답게 살아가기 위한 심리·사회적 지지의 중요성을 강조합니다. 특히 노인, 장애인, 아동, 정신질환자 등 사회적 약자들에게 가장 필요한 것은 때로는 ‘누군가가 내 손을 잡고 있다는 확신’입니다. 샤갈이 그린 이 산책 장면은 바로 그런 메시지를 전합니다. 우리는 혼자서 세상을 떠도는 존재가 아니라, 누군가와 연결되어 있을 때 더 가볍고 자유롭게 살아갈 수 있는 존재임을.

이 그림을 통해 우리는 사회복지가 단순히 제도적 장치가 아니라, 관계의 예술이자 마음을 나누는 일이기도 하다는 점을 되새길 수 있습니다 다은으로는 생일이라는 작품입니다 이 작품에 특징은 샤갈의 생일날 꽃을 가져온 샤갈의 영원한 연인 벨라에게 날아가 고개를 숙여 키스하는 장면을 표현하였고 표현재료로는 배경은 단순하지만 소품과 색상배치를 통해 분위기와 감정을 효과적으로 표현하였다 이 작품에서 나의 감상은 이 작품을 사회복지적 관점에서 보면, 사랑과 연대의 중요성을 알리는 강력한 메시지를 전달한다고 할 수 있습니다. 오늘날 사회복지는 단순히 경제적 지원이나 물리적 돌봄을 넘어서, 사람들이 심리적으로도 안정되고, 상호 지지하는 관계 속에서 살아갈 수 있도록 돕는 것을 목표로 합니다. 샤갈의 작품은 바로 그 점을 잘 보여줍니다. 그림 속 두 인물 그들의 감정은 상호작용을 통해 결합되고 있습니다. 이는 사회복지에서 말하는 '인간 관계의 치유력'과 밀접하게 연결됩니다. 지금까지 들어주셔서 감사합니다

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안녕하세요 1번 김나영 입니다. 제가 발표할 주제는 브랜드화된 자아와 소비자 행동의 경제학 입니다.

이 발표의 작가인 김현정 작가님을 소개해보고 주제와 연관된 작품 2가지를 알아보겠습니다.

김현정 작가님은 1988년생으로 선화예중,고를 졸업 후 서울대 동양화과를 거쳐 동대학원 동양학과 석사학위 취득하셨습니다. 현대 여성의 세태에 풍자와 해학을 담아 재해석하고 한지 콜라주와 독특한 필치로 표현해 큰 주목을 받았습니다. 작가님의 풍속화는 대부분 한 눈에 이해할 수 있는 것으로 미술관 문턱을 낮추고 한국화 대중화에 기여했다는 평가를 받고 있습니다.

이제 주제와 관련된 작품을 알아보겠습니다. 첫번째 작품은 내숭시리즈의 ’#백설그림‘입니다. 표현재료는 한지에 수묵 담채와 콜라주를 사용하였고 제작 연도는 2016년도 입니다.

주제와 연관된 점과 특징은 전통적인 동화 캐릭터인 백설공주를 현대의 SNS 문화와 엮어 자아의 브랜드화와 현대 소비문화의 경제학을 풍자하고 있습니다. 작품 속 인물은 백설공주 복장을 하면서 스마트폰으로 자신의 SNS를 꾸미고 예쁜 모습만을 연출하고 있습니다. 작품 속의 컵라면과 바퀴벌레는 이러한 브랜드화된 자아뒤에 숨겨진 진짜 현실을 상징한다고 생각합니다. 사실 현실은 화려한 SNS 이미지처럼 아름답지 않지만 사람들은 계속 그 이미지를 유지하기 위해 소비와 연출을 반복한다고 생각합니다.

이 작품을 보며 느낀점은 요즘 사람들은 자신의 이미지를 마치 브랜드처럼 꾸미고 판매하는 것처럼 보인다고 느꼈습니다. SNS를 통해 보여지는 모습은 진짜 나가 아니라 사람들이 좋아할 만한 이미지, 유행에 맞춘 모습을 소비자들에게 광고하는 것 처럼 느껴졌습니다. 따라서 이 작품은 자기 자신을 상품화해서 내면의 본질보다는 포장된 외형을 중시하는 소비경제 구조와 닮아있다고 느껴졌습니다.

두번째 작품은 내숭 시리즈의 ’인스타야 인스타야 세상에서 누가 제일 예쁘니?‘입니다. 표현재료는 한지에 수묵 담채와 콜라주를 사용하였고 제작 연도는 2016년 입니다.

주제와 연관된 점과 특징은 전통 한복을 입고 있지만 왕관, 명품 캐리어는 ‘전통과 현대의 혼합’이자 브랜드처럼 ‘과시’의 수단이라고 생각합니다. 또한 인스타 속 자신과 다른 사람을 비교하면서 누가 더 예쁜가 누가 더 많은 관심을 받는가를 끊임없이 고민합니다. 그런 고민은 결국 트렌드를 따라가며 외모나 스타일을 꾸미고 그 과정에서 유행을 따라가기 위해 소비를 늘리는 행동으로 이어지는 경우가 많습니다.

이 작품을 보며 느낀점은 특히 이 작품은 “자신을 그대로 바라보지 않고, 사람들이 좋아할만한 모습으로 자신을 꾸며서 소비한다”는 점을 강하게 보여주는 것다고 느꼈습니다. 그리고 그 모습은 결국 ‘내가 진짜 원하는 것’보다는 ‘남들이 멋있다고 여길 만한 것’을 사기 위해 경제적으로도 계속 소비하게 만드는 습관으로 이어지는 것이라고 생각합니다.

두 작품의 공통점은 모두 SNS와 소비 문화가 결합된 현대인의 모습을 풍자하고 있다는 점입니다.

두 작품 모두 SNS를 통해 보여지는 ‘예쁜 모습’, ‘화려한 외형’에 집착하며 유행을 따라가기 위해 끊임없이 소비하는 현대인의 모습을 보여줍니다. 이 모습은 밴드왜건 효과와도 밀접한 관련이 있습니다. 밴드왜건 효과란 사람들이 유행이나 남들의 행동을 따라가면서 동일한 소비를 반복하게 되는 현상입니다. 이처럼 SNS에서 인기 있는 것, 다른 사람이 하는 것에 끌려가며 자신도 모르게 더 많이 사고 더 많이 꾸미며 소비를 통해서라도 ‘인정받고 싶은 마음’을 채워나가는 것이죠.

결국 두 작품은 이렇게 현대 사회의 소비 습관과 자기 자신을 ‘상품화’하는 경향을 날카롭게 꼬집습니다. ‘내가 진짜 원하는 것’이 아닌 ‘남들이 좋아해 줄 것 같은 모습’과 유행을 쫓으며 끝없는 소비로 이어지는 모습은 우리의 삶과도 닮아있습니다.

두 작품은 이러한 현실을 반영하며 우리에게 ‘과연 진짜 나로 살고 있는가?’를 다시금 묻고 있다고 느껴졌습니다.

여기까지 1번 김나영 발표 마치겠습니다. 들어주셔서 감사합니다.

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제목을-입력해주세요_

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안녕하세요. 2113 한예진입니다. 지금부터 중국 현대미술 작가 위에 웨민쥔에 대한 발표를 시작하겠습니다.

제가 이 작가와 그의 작품을 선정한 이유는, 중어중문학과를 지망하는 학생으로서 중국 사회와 문화에 대한 깊은 이해를 함께 하고 싶었기 때문입니다. 그런 의미에서, 중국 사회를 날카롭게 표현한 작가 위에 웨민쥔은 저에게 매우 인상 깊게 다가왔습니다. 그럼 바로 작품 소개를 시작하겠습니다.

두 작품 모두 제목이 없습니다.

첫 번째 작품은 2003년에 제작, 캔버스에 유채로 표현되었습니다.

작가는 자신의 얼굴을 모델로 사용하였고, 과장된 웃음, 분홍빛 피부, 흰 티셔츠는 그의 대표적인 시그니처입니다.

이 작품에서 인물의 웃음은 전혀 행복해 보이지 않으며, 오히려 감정이 억눌린 채 강요된 웃음처럼 느껴집니다.

이는 내면의 감정과 외적인 표정의 불일치, 즉 자신의 감정을 자유롭게 표현할 수 없는 사회에 대한 풍자적 비판이라고 해석할 수 있습니다.

두 번째 작품 역시 제작 시기와 재료는 동일합니다.

이 작품에서는 똑같은 인물이 반복되어 피라미드 구조를 이루고 있으며, 사회적 위계질서와 권력 구조에 대한 풍자가 느껴집니다.

배경의 파란 하늘과 구름은 마치 평화롭고 이상적인 세계처럼 보이지만, 그 안의 인물들은 표정도 감정도 없이 감정적으로 단절된 상태입니다.

위로 갈수록 소수, 아래로 갈수록 다수가 위치한 피라미드 구조는 권력 집중 사회의 불균형을 상징하고 있습니다.

앞서 말씀드린 것처럼 웨민쥔은 작품에 제목을 붙이지 않습니다.

그 이유는 해석을 관객에게 맡기기 위해서입니다.

그의 작품은 차가운 유머, 즉 냉소적 리얼리즘이 강하게 드러나며, 자신을 모델로 한 웃는 얼굴을 반복적으로 사용하는 것이 특징입니다.

그의 웃음은 진정한 감정이 아니라, 말할 수 없는 현실 속에서 억눌린 감정을 표현하는 하나의 상징입니다.

중국 정부의 표현 억압, 집단주의, 자본주의의 확산 등 시대적 현실을 풍자와 반복을 통해 시각화한 것입니다

.

저는 웨민쥔의 작품을 통해, 중국 현대 사회의 복잡한 모순과 인간 내면의 고통을 깊이 느낄 수 있었습니다.

겉으로는 웃고 있지만, 그 웃음 뒤에는 말할 수 없는 침묵이 있다는 점이 인상 깊었습니다.

중어중문학과를 희망하는 학생으로서, 저는 단순히 언어를 배우는 데 그치지 않고, 중국 사회 속 사람들의 삶과 감정까지 이해하는 시야를 기르고 싶습니다.

그런 점에서, 웨민쥔의 작품은 하나의 예술작품을 넘어 중국 사회의 감춰진 진실을 말없이 드러내는 문학적 상징처럼 느껴졌습니다.

이상으로 중국 화가 웨민쥔과 그의 작품을 통한 중국사회를 잘 나타낸 작품에 대해 발표를 마치겠습니다. 들어주셔서 감사합니다.

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제목을-입력해주세요_ (1)

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안녕하세요 2125 전동현 입니다 제가 선정한 사람은 레오나르도 다빈치입니다.레오나르도 다빈치는 1452년 4월 15일 이탈리아 빈치 마을에서 태어났습니다.대표작으로 모두가 아는 모나리자와 최후의 만찬등이 있습니다.레오나르도 다빈치의 어깨에 대한 해부학적 연구로 넘어가겠습니다.

이 작품의 제작시기는 14세기에서16세기입니다. 표현재로는 붉은 초크 은필.펜과 잉크,흑연,종이 등이 있습니다. 어깨의 움직임까지 다각도로 표현하는 특징이 있습니다. 다음 작품은 미론의 원반 던지는 사람입니다. 이 작품이 제작 시기는 기원전 460 년경으로 추정됩니다. 표현 재료는 대리석인데 원작은 청동 입니다. 특징으론 근육과 자세 묘사를 통해 신체미와 체육 정신을 강조해 줍니다. 우선 제 진로넌 체육 쪽이라서 관련이 있는 작품들로 하였습니다. 두 작품 모두 운동 기능 향상과 해부학적 이해를 높이는 데 도움이 되어 관련이 있습니다. 두 작품 모두 저한테 인체의 구조적 아름다움과 기능적 움직임에 대한 통찰을 제공하며 운동 수행력 향상,부상 예방,해부학적 이해에 실질적인 도움을 줬습니다. 감사합니다

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디자인 전문가가 아니어도 무료 템플릿으로 손쉽게 원하는 디자인을 할 수 있어요.

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(인사)

미술 작품에서 볼 수 있는 경제 효과와

당시 시대 배경을 알아봤음.

『 튤립 파동』

1637년 작품

꽃의 여신 플로라가 꽃으로 군중 유혹

생업도 내팽겨치고 꽃을 쫓는 군중들

당시 네덜란드에서 문제가 된 버블경제 현상

튤립 가격이 폭등했는데 거품이 꺼지며

투자자들, 상인들 폭망하며 경제대국 자리를

영국에 내줌

『 쇼핑용 수레를 미는 여인』

1970년 작품

실제 사람 크기 작품

여성의 카트에 물건이 한가득

이를통해 당시 미국의 문제였던 과소비, 쇼핑 중독 현상 확인 가능

이처럼 미술작품에서 경제 효과를 확인하며

당시의 미술작품을 보며 시대 상황을 예측하고 어떤 경제적 문제가 발생하였는지 유추 할 수 있는 눈을 기를 수 있음.

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2120명성윤 미술수행

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디자인 전문가가 아니어도 무료 템플릿으로 손쉽게 원하는 디자인을 할 수 있어요.

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안녕하세요. 2116 김서연입니다.저는 오늘 렘브란트의 자화상에 대해 발표하겠습니다.

렘브란트는 17세기 네덜란드를 대표하는 화가로, 빛과 어둠의 대비를 활용한 사실적인 표현과 인간 감정의 섬세한 묘사로 유명합니다. 그는 다양한 장르의 작품을 남겼지만, 특히 평생에 걸쳐 그린 약 80점의 자화상이 인상 깊습니다.

렘브란트의 자화상은 단순한 얼굴 묘사가 아니라, 자신의 삶과 감정을 솔직하게 담은 일기 같은 작품들입니다. 젊은 시절에는 화려한 복장과 자신감 있는 표정으로 성공한 화가의 모습을 보여주었고, 점점 나이가 들면서는 어두운 배경과 침착한 표정, 주름진 얼굴을 통해 삶의 고통과 자기 성찰을 담아냈습니다. 그의 자화상에서는 시간의 흐름에 따라 달라지는 감정과 인생의 무게가 그대로 느껴집니다.

저는 경영학과를 희망하고, 사업가가 되는 것이 꿈입니다. 렘브란트의 자화상을 보면서 느낀 건, 어떤 길을 가든 자기 자신을 객관적으로 바라보고 변화에 적응하는 태도가 중요하다는 점이었습니다. 예술가든 사업가든, 결국 자기 성찰이 있어야 진정한 성장이 가능하다고 생각했습니다.

렘브란트의 자화상은 단순한 그림이 아니라, 한 사람의 인생과 감정을 담은 깊은 기록입니다. 그의 진정성 있는 표현을 보며 저도 제 삶을 돌아보게 되었고, 앞으로도 솔직하고 진지하게 제 길을 찾아가야겠다는 생각이 들었습니다.

감사합니다.

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안녕하세요.미술수행을 발표하게된 2126 전효담입니다.우선 첫번째로 임옥상 작가님을 발표하겠습니다.임옥상 작가는 1950년도 2월 3일 충청남도 부여군에서 태어났습니다.그는 정치적 탄압이 심한 70~80년도에 태어났습니다. 그의 작품은 그의 1970, 1980년대 젊은 미술가 시절에 그는 직설적이고 호소력 있는 그림을 주로 연출했다. 당시 그의 업적은 사회적 사건, 인간관계, 정치이념 등을 다루었고, 실용적이고 때로는 이상주의적인 어투도 종종 효과적이었다.

임옥상의 초기 그림은 혁신을 통한 사회갱생은 물론 사회적 부정과 억압에 대한 저항과 외침에 동참해 줄 것을 요청해 대중에게 어필했다. 임옥상은 다른 현대 예술가들과 동맹을 맺어 당시 제도화된 예술계의 이상적이고 형성적인 성격과 구별하기 위해 진행된 이 예술 운동의 윤리와 행동을 결속시키는 데 일조했다.

1980년대 그는 세계사를 자신의 예술작품으로 편입시켜 한국사의 맥락에 대한 시각을 넓히려 했다. 예를 들어 식민주의와 예속주의에 물든 아프리카의 현대사를 그려내고 이를 거울 삼아 한국사를 반영했다. 그는 아프리카인의 얼굴에 나타난 분노를 통해 한국 국민의 분명한 결의를 표현하고 아프리카의 땅을 적나라하게 훑으며 은유적으로 한국의 땅을 살폈으며, 개발 과정에서 독재자들이 자행한 전형적인 범죄를 직접 들여다보는 고도의 예술적 표현도 선보였다.

그의 작품인 6-25전 김씨일가는 6-25전쟁으로 인한 이산가족의 아픔을 볼수있었고 전쟁의 참혹함에 대해서 일깨워주는 작품이었다.또한 사람을 실루엣으로 나타내여 표현한것이 인상깊었다

두번째로는 파블로 피카소입니다. 그는 1881년 10월 25일 스페인 에스파냐 왕국 안달루시아 말라가에서 태어나 1973년 4월 8일 프랑스 프로방스알프코트다쥐르 무쟁에서 사망하였습니다. 그의 생애는 피카소가 태어날 무렵 그의 아버지 호세는 식당 장식을 하는 화가였는데. 아버지의 영향으로 피카소는 말도 배우기 전부터 그림을 배우게 되는데, 그 천재적인 소질로 아버지를 항상 놀라게 했다.

그의 작품인 피카소의 게르니카는 1937년 스페인 내전 중 독일 공군의 폭격으로 파괴된 게르니카 마을을 주제로 한 작품입니다. 이 그림은 전쟁의 참혹함과 인간의 고통을 강렬하게 표현하고 있으며, 피카소는 이를 통해 전쟁의 비극성을 비판하고자 했습니다. 게르니카는 비인간적인 폭력과 고통을 상징하는 다양한 인물과 요소들로 구성되어 있으며, 특히 왜곡된 형태와 강렬한 색채가 특징입니다. 이 작품은 단순한 역사적 기록을 넘어, 전쟁의 비극을 전 세계에 알리는 강력한 메시지를 전달하고 있습니다.

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안녕하세요 이하율 입니다

제가 발표할 주제는 미래에 내가 가 있을 곳 입니다

주제 선정 이유는 진로인 승무원이 되어서

가보고 싶은 나라를 작가의 출생지로 선택했습니다

먼저 루이자크 다비드라는 작가를 소개하겠습니다

다비드 생애는 1748년 프랑스 파리에서

태어났습니다 어릴 적 부터 재질이 뛰어나서

1775년 로마로 유학을 가서 르네상스 고전적 그림을

공부했었다고 합니다

1780년 프랑스로 귀국해 왕립 회화 조각 학교의 정회원이 되어 1781년 살롱에 그림을 출품한 뒤 루이 16세로부터 루브르 궁전의 아틀리에에서 생활할 권리를 받는 최고의 영예를 얻어, 이른바 성공한 미술가가 되었다고 합니다 그 후 많은 유명한 작품들을

그려왔고 1799년 나폴레옹의 집권 이후에 복권되어 그의 총애를 받아 궁정의 수석 화가로 활약하면서 나폴레옹의 활약에 로마풍의 신고전주의를 투영한 그림을 많이 남겼다고 합니다

1816년 나폴레옹의 퇴위 후 벨기에의 브뤼셀로 망명하였고, 망명 이후에도 왕정으로부터 프랑스로 귀국해 달라는 요청을 받지만 거절하고 조국으로 돌아가지 않은 채 1825년 77세의 나이에 브뤼셀에서

세상을 떠났습니다

특징으로는 신고전주의적 대표 화가이고

정치적인 작품들을 많이 그렸고

역사적 내용인 작품들이 많습니다

다비드 작품 중 소개 할 작품은

나폴레옹 황제의 대관식 입니다

작품소개 ppt

두번째로 소개 할 작가는 케테 콜비츠 입니다

케테 콜비츠는 1867년 동프로이센의

쾨니히스베르크에서 태어났다고 합니다

(독일 옛 도시)

콜비츠 부모님은 사회주의자,프로테스탄드 이셨어서

콜비츠는 노동자,농민,빈민에 관심을 가지고

있었습니다 그 후 노동자 계급을 진료하는

카를 콜비츠 의사 남편을 만나 환자들을

대상으로 그림을 그리기도 했다고 합니다

그리고 베를린에서 가정을 꾸리고 두 아들을

낳았습니다 그 후 멋진 작품들을 내면서

행복한 가정을 꾸리다가 세계대전들로 인해

자진해서 참전 한 아들을 잃었다고 합니다

그래서 평화,반전주의를 듬은 판화조각을 만들며

올라갔지만 또 한번 세계대전이 벌어지면서

손자도 잃게 되었다 그리고 콜비츠는 제2차 세계

대전을 일으킨 독재자 아돌프 히틀러가 자살하고 전쟁이 끝나기 직전인 1945년 4월 22일

세상을 떠났다고 합니다

특징으로는

작품으로 감정을 잘 드러냅니다

고통이면 고통 슬픔이면 슬픔과 같은 주제를

잘 표현 합니다 또한 어두운 분위기와 강한

명암을 주는 것이 특징 입니다

작품소개 특징 감상

ppt

갑사합니다

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제목을-입력해주세요_

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2102 김예은 발표대본

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2102 김예은 발표대본

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안녕하세요. 저는 이제석 광고인에 대해 발표할 2102김예은입니다.

먼저 이제석 광고인의 일생에 대해 소개하겠습니다.

이제석은 어릴 때부터 학업에는 큰 관심이 없었지만, 미대 입시에 성공해 지방대에 진학하게 됩니다. 그러나 졸업 후 지방대 출신이라는 이유로 취업에 어려움을 겪었고, 대학 시절 여러 광고 공모전에 도전했지만 상을 받지 못해, 더 공부가 필요하다고 생각해 결국 유학을 떠나게 됩니다.

계명대학교를 수석으로 졸업한 뒤, 미국 스쿨 오브 비주얼 아츠에 진학했고, 졸업 후 환경이나 반전주의 같은 사회적 메시지를 담은 광고로 큰 주목을 받게 되었습니다.

특히 2007년, 세계적인 광고제인 ‘원 쇼 칼리지 페스티벌’에서 1등상을 수상하며 ‘광고천재 이제석’이라는 별명을 얻었습니다.

이후 2010년대에는 국내로 돌아와 공공기관이나 경찰과 협업하고, 대중매체에도 출연하며 활발하게 활동하고 있습니다. 현재는 이제석 광고 연구소를 운영하며 다양한 광고를 제작하고 있습니다.

다음은 제가 감상한 작품을 소개해드리겠습니다.

바로 「사이버폭력 관심을 가지면 사라집니다」라는 광고입니다.

이 작품은 휴대폰 모양의 설치물을 활용해, 사이버폭력의 심각성과 예방의 중요성을 알리고 있습니다.

스마트폰 화면이라는 익숙한 형태로 사람들의 관심을 자연스럽게 끌고, 가상공간의 익명성 뒤에 숨은 폭력의 위험성을 효과적으로 표현하고 있습니다.

특히 ‘관심을 가지면 사라진다’는 문구가 굉장히 강렬했는데요.

평소 무심코 지나쳤던 작은 관심이 누군가에겐 큰 위로와 보호가 될 수 있다는 사실을 다시 깨닫게 해준 작품이었습니다.

다음으로 이제석 광고인의 대표 작품 몇 가지를 소개해드리겠습니다.

첫 번째는 이라크 전쟁 포스터입니다.

여러 군인들이 총을 서로에게 겨누고 있는 사진을 원형으로 배치해, 결국 모든 총구가 자신을 향하게 하는 구조인데요.

이 작품을 통해 전쟁과 폭력의 무의미함을 표현하며, 폭력은 결국 자기 자신에게 돌아온다는 메시지를 전달하고 있습니다.

두 번째는 굴뚝총이라는 작품입니다.

공장에서 나오는 연기를 마치 총구에서 나오는 연기처럼 표현해, 공해가 인류를 위협하는 무기와 같다는 경고의 메시지를 담고 있습니다.

이처럼 이제석 광고의 특징은, 강렬하고 직관적인 이미지 메타포를 사용해 복잡한 설명 없이 메시지를 쉽게 전달하는 점입니다. 또, 시각적 충격을 통해 사람들의 시선을 끌고, 사회적 이슈를 소재로 문제의식을 불러일으킵니다. 텍스트보다 이미지 중심이라 누구나 쉽게 이해할 수 있고, 광고를 사회 비판적인 예술 작품으로 승화시키는 것도 특징입니다. 마지막으로 상징적인 오브제를 활용해 은유적인 표현으로 관람자가 스스로 메시지를 생각하게 만듭니다.

마지막으로, 제가 이제석 광고인의 작품을 보며 느낀 점을 말씀드리겠습니다.

저는 경영학 쪽으로 진로를 희망하고 있는데요, 이번 작품들을 보며 광고와 마케팅이 단순히 제품을 알리는 수단을 넘어, 사회적 메시지를 전달하고 사람들의 인식을 변화시키는 강력한 도구가 될 수 있다는 것을 깨달았습니다.

앞으로 경영이나 마케팅을 공부하고 실무에 참여하게 된다면, 소비자의 감정과 사회적 흐름을 읽고, 공감과 문제의식을 불러일으킬 수 있는 광고와 콘텐츠를 기획하는 것이 얼마나 중요한지 알게 된 계기였습니다.

특히, 이미지 메타포와 시각적 충격을 통해 소비자의 관심을 끌고, 광고 속 메시지를 자연스럽게 전달하는 방식은 경영 마케팅 전략에서도 충분히 활용할 수 있을 것 같다는 생각이 들었습니다.

앞으로 광고를 볼 때 단순히 겉모습만 보는 것이 아니라, 그 안에 담긴 전략과 의도, 그리고 사회적 의미까지 함께 생각해보는 습관을 가져야겠다고 느꼈습니다.

이상으로 발표를 마치겠습니다. 들어주셔서 감사합니다.

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2102김예은 발표대본 수정

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2102김예은 발표대본 수정

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안녕하세요. 저는 이제석 광고인에 대해 발표할 2102김예은입니다.

먼저 이제석 광고인의 일생에 대해 소개하겠습니다.

이제석은 어릴 때부터 학업에는 큰 관심이 없었지만, 미대 입시에 성공해 지방대에 진학하게 됩니다. 그러나 졸업 후 지방대 출신이라는 이유로 취업에 어려움을 겪었고, 대학 시절 여러 광고 공모전에 도전했지만 상을 받지 못해, 더 공부가 필요하다고 생각해 결국 유학을 떠나게 됩니다.

계명대학교를 수석으로 졸업한 뒤, 미국 스쿨 오브 비주얼 아츠에 진학했고, 졸업 후 환경이나 반전주의 같은 사회적 메시지를 담은 광고로 큰 주목을 받게 되었습니다.

특히 2007년, 세계적인 광고제인 ‘원 쇼 칼리지 페스티벌’에서 1등상을 수상하며 ‘광고천재 이제석’이라는 별명을 얻었습니다.

이후 2010년대에는 국내로 돌아와 공공기관이나 경찰과 협업하고, 대중매체에도 출연하며 활발하게 활동하고 있습니다. 현재는 이제석 광고 연구소를 운영하며 다양한 광고를 제작하고 있습니다.

다음은 제가 감상한 작품을 소개해드리겠습니다.

바로 「사이버폭력 관심을 가지면 사라집니다」라는 광고입니다.

이 작품은 휴대폰 모양의 설치물을 활용해, 사이버폭력의 심각성과 예방의 중요성을 알리고 있습니다.

스마트폰 화면이라는 익숙한 형태로 사람들의 관심을 자연스럽게 끌고, 가상공간의 익명성 뒤에 숨은 폭력의 위험성을 효과적으로 표현하고 있습니다.

특히 ‘관심을 가지면 사라진다’는 문구가 굉장히 강렬했는데요.

평소 무심코 지나쳤던 작은 관심이 누군가에겐 큰 위로와 보호가 될 수 있다는 사실을 다시 깨닫게 해준 작품이었습니다.

다음으로 이제석 광고인의 대표 작품 몇 가지를 소개해드리겠습니다.

첫 번째는 이라크 전쟁 포스터입니다.

군인이 총을 겨누고 있는 사진을 원형으로 배치해, 결국 모든 자신을 향하게 하는 구조인데요.

이 작품을 통해 전쟁과 폭력의 무의미함을 표현하며, 폭력은 결국 자기 자신에게 돌아온다는 메시지를 전달하고 있습니다.

두 번째는 굴뚝총이라는 작품입니다.

공장에서 나오는 연기를 마치 총구에서 나오는 연기처럼 표현해, 공해가 인류를 위협하는 무기와 같다는 경고의 메시지를 담고 있습니다.

이처럼 이제석 광고의 특징은, 강렬하고 직관적인 이미지 메타포를 사용해 복잡한 설명 없이 메시지를 쉽게 전달하는 점입니다. 또, 시각적 충격을 통해 사람들의 시선을 끌고, 사회적 이슈를 소재로 문제의식을 불러일으킵니다. 텍스트보다 이미지 중심이라 누구나 쉽게 이해할 수 있고, 광고를 사회 비판적인 예술 작품으로 승화시키는 것도 특징입니다. 마지막으로 상징적인 오브제를 활용해 은유적인 표현으로 관람자가 스스로 메시지를 생각하게 만듭니다.

마지막으로, 제가 이제석 광고인의 작품을 보며 느낀 점을 말씀드리겠습니다.

저는 경영학 쪽으로 진로를 희망하고 있는데요, 이번 작품들을 보며 광고와 마케팅이 단순히 제품을 알리는 수단을 넘어, 사회적 메시지를 전달하고 사람들의 인식을 변화시키는 강력한 도구가 될 수 있다는 것을 깨달았습니다.

앞으로 경영이나 마케팅을 공부하고 실무에 참여하게 된다면, 소비자의 감정과 사회적 흐름을 읽고, 공감과 문제의식을 불러일으킬 수 있는 광고와 콘텐츠를 기획하는 것이 얼마나 중요한지 알게 된 계기였습니다.

특히, 이미지 메타포와 시각적 충격을 통해 소비자의 관심을 끌고, 광고 속 메시지를 자연스럽게 전달하는 방식은 경영 마케팅 전략에서도 충분히 활용할 수 있을 것 같다는 생각이 들었습니다.

앞으로 광고를 볼 때 단순히 겉모습만 보는 것이 아니라, 그 안에 담긴 전략과 의도, 그리고 사회적 의미까지 함께 생각해보는 습관을 가져야겠다고 느꼈습니다.

이상으로 발표를 마치겠습니다. 들어주셔서 감사합니다.

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디자인 전문가가 아니어도 무료 템플릿으로 손쉽게 원하는 디자인을 할 수 있어요.

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안녕하세요. 저는 오늘 “미디어를 활용한 예술작품”이라는 주제로 발표하겠습니다.

미디어 기술은 예술의 표현 방식을 완전히 바꿔놓았습니다.
그림이나 사진처럼 정적인 예술도, 이제는 디지털 도구와 컴퓨터 기술을 활용해 상상 속 세계를 실감나게 표현할 수 있게 되었죠.

그 대표적인 사례로 저는 사진 작가 에릭 요한슨의 작품을 소개하려고 합니다.

에릭 요한슨은 스웨덴 출신의 디지털 아티스트이자 사진가입니다.
그는 단순히 사진을 찍는 것이 아니라, 수십 장의 사진을 합성해서 존재하지 않는 장면을 현실처럼 만들어내는 작업을 합니다.

컴퓨터공학을 전공한 그는 포토샵, 3D 모델링, 조명 기술 등 다양한 미디어 기술을 자유자재로 활용하며 초현실적인 이미지를 창조합니다.

첫 번째 작품은 “Lazy Dog”, 직역하면 ‘게으른 개’입니다.

한 여성이 개줄을 잡고 산책을 시키고 있는데, 개는 풍선을 매달고 공중에 떠 있습니다.
현실에선 있을 수 없는 장면이지만, 너무나 자연스럽게 표현되어 있어 처음엔 실제처럼 보이기까지 하죠.

이 작품은 하나의 사진처럼 보이지만, 사실은 촬영된 배경과 사람, 풍선, 개가 모두 따로 촬영되었고, 이후 디지털 합성으로 완성된 이미지입니다.

이런 작업은 사진과 회화, 컴퓨터 그래픽이 융합된 새로운 형태의 미디어 아트라고 할 수 있습니다.

두 번째 작품은 “보름달 서비스”, 보름달을 설치하는 장면입니다.
마치 가로등을 교체하듯, 작업자들이 사다리를 타고 하늘에 보름달을 고정하는 모습이 그려져 있죠.

에릭 요한슨은 이 장면을 위해 실제로 사람과 도구들을 야외에서 촬영한 뒤, 하늘과 달의 이미지를 디지털로 합성해 완성했습니다.

이 작품은 현실과 상상을 융합한 것처럼 보이지만, 전 과정은 카메라, 포토샵, 디지털 편집 기술로 이뤄져 있습니다.
즉, 미디어 없이는 존재할 수 없는 예술인 셈이죠.

두 작품 모두 직접 붓이나 연필로 그린 것이 아닌 컴퓨터, 스마트폰, 태블릿 등을 활용하여 만든 작품입니다.

포토샵이나 영상 편집 같은 도구도, 미디어 시대의 붓이자 캔버스가 될 수 있습니다.
다양하고 흥미로운 방식으로 발전할 것입니다. 저는 유튜브 크리에이터를 꿈꾸는 학생으로서 에릭 요한슨의 작품을 통해 포토샵, Ai와 같은 도구를 사용할 때 어떻게 사용하느냐 에 따라 에릭 요한슨 작가님과 같은 작품이 나올 수도, 아니면 뉴스에 자주 뜨는 합성의 안좋은 예시들도 나올 수 있다는 걸 깨달았습니다.

감사합니다.

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피카소는 1881년 스페인 말라가에서 태어난 화가입니다.

그는 어린 시절부터 그림에 뛰어난 재능을 보였고, 이후 프랑스로 건너가 평생을 예술에 몰두하며 수많은 작품을 남겼습니다.

피카소는 시대별로 다양한 화풍을 시도했는데 대표적으로 청색시대,장밋빛 시대, 입체주의, 그리고 초현실주의 등의 시기가 있습니다.

특히 입체주의는 피카소가 조르주 브라크와 함께 창시한 중요한 예술 사조로사물을 여러 시점에서 바라본 형태로 표현하는 것이 특징입니다.

피카소의 대표작으로는 스페인 내전의 비극을 그린 《게르니카》, 우울한 감정을 담은 《청의 기타 연주자》그리고 오늘 제가 소개할 《앙브루아즈 볼라르의 초상》이 있습니다.《앙브루아즈 볼라르의 초상》은 1910년에 그려진 입체주의 작품으로 프랑스의 유명한 화상 앙브루아즈 볼라르를 모델로 한 초상화입니다.이 작품의 표현 재료는 유화이며,캔버스에 그려졌습니다.

유화 특유의 깊고 부드러운 색감이, 복잡한 형태를 표현하는 데 효과적으로 쓰였습니다.입체주의 기법이 두드러지는데 한 방향에서만 그리지 않고, 대상을 여러 시점에서 나눠 본 것처럼 조각조각 분해해서 다시 조합했습니다. 그래서 볼라르의 얼굴이나 몸이 정확히 보이지 않고, 다각형과 직선처럼 보이는 구조로 표현되어 있습니다.이런 표현 방식은 피카소가 사람을 단순히 눈에 보이는 외형으로만 보지 않고,그 사람의 존재와 성격을 더 깊이 이해하려고 한 시도라고 볼 수 있습니다.특징적으로는 그림 전체에 차가운 회색과 갈색 계열의 색이 사용되어 지적인 분위기를 자아내고,

사람을 하나의 모습이 아닌, 다양한 시선으로 보는 시도가 매우 인상적인 작품입니다.

다음으로는 에드워드 호퍼에 대해 소개하겠습니다.

에드워드 호퍼는 1882년 미국 뉴욕에서 태어난 사실주의 화가입니다.

그는 주로 도시와 일상 속 외로운 인간의 모습을 표현하며, 미국 현대 회화의 대표적인 작가로 꼽힙니다.

호퍼는 과장된 표현보다는 사람들의 고요한 표정, 비어 있는 공간, 그리고 차가운 빛 등을 통해 감정을 전달했습니다.

그의 작품들은 겉으로 보기에는 단순하고 조용해 보이지만,그 속에는 고독, 단절, 침묵 같은 깊은 감정이 담겨 있습니다.

이런 점이 바로 호퍼 작품의 가장 큰 특징입니다.

호퍼의 대표작 중 하나는 바로 제가 소개할 《나이트호크스 (Nighthawks)》입니다.

이 작품은 1942년에 완성된 유화 작품으로, 미국 뉴욕의 어느 늦은 밤,

밝게 불이 켜진 작은 카페 안에 앉아 있는 몇 명의 인물을 묘사한 그림입니다.

《나이트호크스》는 사실적인 표현(리얼리즘)을 바탕으로 했습니다.사람들의 외형과 공간을 실제처럼 섬세하게 묘사하면서도

그 안에 정적이고 쓸쓸한 감정을 담고 있습니다 또한, 강한 명암 대비, 즉 밝은 실내 조명과 어두운 거리를 강하게 구분해서

시선을 카페 내부로 집중시키는 효과를 주었습니다.이로 인해, 그림은 더욱 고요하고 긴장감 있는 분위기를 자아냅니다.

표현 재료는 유화이고, 캔버스에 그려졌습니다.유화는 빛과 색의 농도를 잘 표현할 수 있어서

밤의 조명과 그림자의 분위기를 더 극적으로 표현하는 데 적합한 재료입니다.

이 작품의 주요 특징은 도시 속 사람들의 심리적 고립을 잘 보여준다는 점입니다.

카페 안의 사람들은 같은 공간에 있지만 서로 대화를 하지 않고 외부와도 완전히 단절된 듯한 느낌을 줍니다.

또한 유리창 너머에서 바라보는 구도로 인해 관객은 마치 밖에서 그들을 지켜보는 또 다른 외로운 사람처럼 느끼게 됩니다.

이렇게 두 작품을 감상하면서, 저는 이 그림들이 단순한 예술을 넘어 사람의 감정과 내면을 들여다보는

창 같다는 생각을 하게 되었습니다. 피카소의 《앙브루아즈 볼라르의 초상》은 한 사람을 겉모습이 아니라 여러 각도에서

깊이 있게 이해하려는 시도로 느껴졌고,호퍼의 《나이트호크스》는 도시의 외로움과 조용한 위로가 공존하는 공간을 보여주었습니다.

이 두 작품은 모두 사람을 이해하고, 감정을 전하려는 시도 라는 공통점을 가지고 있다고 생각합니다.

그리고 저는 바리스타라는 꿈을 가진 사람으로서 이런 예술가들의 시선에서 많은 영감을 받았습니다.

저 역시 바리스타가 되어 커피 한 잔을 통해 사람의 기분을 읽고 조용히 위로를 전할 수 있는 사람이 되고 싶습니다.

이것으로 제 발표를 마치겠습니다 감사합니다.

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제목을-입력해주세요_

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안녕하세요. 2107 엄현주입니다.

저는 오늘 예술 속에서 찾아본 해부학이라는 주제로 윤관현 작가의 작품들을 소개해드리겠습니다.

먼저 윤관현 작가에 대해 간단히 소개하겠습니다.

윤관현 작가는 1970년생으로 홍익대학교 회화과 졸업 후 연세대학교 의대와 치대의 해부학 교실 등에서 활동 중입니다.

2011년에는 ‘ARTanatocus’라는 단체전에 참가해 <까악!>, <아담과 이브> 등의 작품을 전시했는데요,그 전시를 통해 윤관현 작가는 의학적 관점에서 인간 신체를 표현하고자 했으며 우리 문화 속 과학과 예술 간의 소통 필요성을 강조했습니다

먼저 소개할 작품은 <까악!>입니다.

캔버스에 목탄,콘테를 사용했으며 강한 대비가 특징인 작품입니다.

뭉크의 <절규> 그림을 토대로 얼굴 근육을 재현했으며 놀람과 공포가 엄습하는 극적인 장면에서의 표정을 나타내 해부학적 특성을 극대화시킴으로써 실제보다 과장되어 있지만 공포스러움을 효과적으로 보여주는 작품입니다.

작품 속 크게 벌어진 입과 과장된 표정 등의 얼굴 근육 묘사,공포나 놀람 같은 감정 표현 극대화를 통해 신체와 감정에 대한 관찰을 해볼 수 있는 시선을 길러볼 수 있었으며 해부학적 특성이 드러나 있는 미술 작품을 통해서 느낄 수 있는 시각적 재미에 대해 알게 되었습니다.

다음은 <아담과 이브>라는 작품입니다.

디지털 프린트로 수채화용 종이에 인쇄된 이 작품은 우리 몸의 여러 부분 구조를 모아 왼쪽은 남자,오른쪽은 여자의 특징을 형상화했습니다.또한 해체적 특성을 가진 해부학이 본래 목적은 생명 탐구에 있음을 되새기고자 하는 특징이 있습니다.

이 작품을 보며 저는 인체를 단순한 성별 구조를 넘어 유기적으로 구성된 하나의 생명체로 바라봐야 한다는 점을 깨달았으며 복잡하게 얽힌 신체 구조들은 해부학적 탐구의 결과이면서도 생명체로서의 조화와 통합성을 표현하고 있다고 느꼈습니다.이러한 통합적 이해는 과학 지식을 넘어 생명을 다루는 모든 분야에서 중요한 기반이 된다는 점도 함께 생각해보게 되었습니다.

저는 치위생학과를 희망하고 있으며 이번 작품 분석을 통해 해부학이 단순한 의학 지식에 그치지 않고 예술과 감정,더 나아가 생명에 대한 이해로 확장될 수 있는 것을 느낄 수 있었습니다.향후 전문적인 치위생학문을 배우게 되는 때에도 융합적인 관점을 활용하는 태도를 지녀야겠단 생각이 들었습니다.

감사합니다.

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예술 속에서 찾아본 해부학

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안녕하세요 오늘 제가 발표할 주제는 여러 관점으로 바라본 미술세계입니다. 제 꿈은 파일럿이기에 다양한 관점에서 세계를 바라보고 이해하는 것이 중요하다고 생각이 들어서 주제를 이렇게 잡게 되었습니다.

첫번째 작품은 줄리안 비버의 3D도로라는 작품입니다.줄리안 비버는 1959년 영국출신의 남자입니다. 1990년대 중반부터 도로에 분필만을 가지고 그림을 그리기 시작한 분필아티스티입니다.그는 정확한 각도에서 보았을 때 3차원의 환상을 만들기 위해 아나모르포시스라고 불리는 투영 기법을 사용합니다. 때문에 이 작품에서도 하늘에서 밑을 내려다 본듯 한 모습을 3차원의 입체적인 그림으로 묘사합니다.이는 마치 비생기에서 아래를 내려다 보는 듯한 풍경을 연상케하며 보는 각도에 따라 작품의 생김이 달라지는 것을 보며 다양한 관점에서 다양한 사고를 하는 것이 중요하다고 느낄 수 있었습니다

두번째 작품은 최호철의 노동자 대회 날 입니다. 최호철 작가는 1965년생으로 홍익대학교 출신의 작가이자 교수입니다.최호철 작가는 만화를 그리는 등 다양한 활동을 하고 있습니다.그리고 이 작품은 1994년 제작되었고 민주화 이후에도 힘든 노동자의 현실을 적나라하게 그려낸 작품입니다. 표현 재료로는 종이패널과 혼합재료를 사용했슴니다. 작품에는 힘든 노동자들의 주거지를 사실적으로 묘사하였고 살아가는 공간을 통해 사람들이 맺고있는 관계에 대해 보여주고있습니다. 이 작품을 보면 수많은 집들이 조화를 이루고 있는데 이 모습은 마치 비행기 조종사와 관제사 정비사가 조화를 이루는 것 같다는 생각을 했습니다. 그래서 저는 공동체 내에서 자신의 일에 최선을 다하면 그것들이 합쳐져 멋진

조화를 이룰 수 있겠구나 라고 느꼈습니다. 이상으로 발표 마치겠습니다 감사합니다

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제목을 입력해주세요_

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2116 김서연

안녕하세요. 2116 김서연입니다.저는 오늘 렘브란트의 자화상에 대해 발표하겠습니다.

렘브란트는 17세기 네덜란드를 대표하는 화가로, 빛과 어둠의 대비를 활용한 사실적인 표현과 인간 감정의 섬세한 묘사로 유명합니다. 그는 다양한 장르의 작품을 남겼지만, 특히 평생에 걸쳐 그린 약 80점의 자화상이 인상 깊습니다.

렘브란트의 자화상은 단순한 얼굴 묘사가 아니라, 자신의 삶과 감정을 솔직하게 담은 일기 같은 작품들입니다. 젊은 시절에는 화려한 복장과 자신감 있는 표정으로 성공한 화가의 모습을 보여주었고, 점점 나이가 들면서는 어두운 배경과 침착한 표정, 주름진 얼굴을 통해 삶의 고통과 자기 성찰을 담아냈습니다. 그의 자화상에서는 시간의 흐름에 따라 달라지는 감정과 인생의 무게가 그대로 느껴집니다.

저는 경영학과를 희망하고, 사업가가 되는 것이 꿈입니다. 렘브란트의 자화상을 보면서 느낀 건, 어떤 길을 가든 자기 자신을 객관적으로 바라보고 변화에 적응하는 태도가 중요하다는 점이었습니다. 예술가든 사업가든, 결국 자기 성찰이 있어야 진정한 성장이 가능하다고 생각했습니다.

렘브란트의 자화상은 단순한 그림이 아니라, 한 사람의 인생과 감정을 담은 깊은 기록입니다. 그의 진정성 있는 표현을 보며 저도 제 삶을 돌아보게 되었고, 앞으로도 솔직하고 진지하게 제 길을 찾아가야겠다는 생각이 들었습니다.

감사합니다.

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그럼 발표를 시작하겠습니다.일단 목차를 먼저 보시면 첫번째는 작가 소개 두번째는 작품소개 세번째도 작품소개 마지막으로 감상평을 얘기하고 발표를 마무리하겠습니다. 첫번째는 작가 소개입니다.소개할 작가는 마르크 샤갈이라는 작가와 장 프랑수아 밀레라는 작가를 소개할것입니다. 마르크 샤갈이라는 작가부터 소개해보도록 하겠습니다. 마르크 샤갈의 작가는 1887년에 벨라루스 비티프스크에서 태어났고, 1985년도에 프랑스 남부에 생폴드방스에서 97세의 나이로 세상을 떠났습니다. 샤갈은 상트페테르부르크 예술학교에서 미술을 배웠고, 후에 파리로 이주하여 더욱 활발히 활동을 시작하였습니다.파리에서 샤갈은 업체파와 초현실주의 영향을 받으면서도 자신의 스타일을 확립하였고, 1910년대 후반부터 1920년대 초반까지는 파리에서 활동했습니다. 두번째로 소개할 작가는 장 프랑수아 밀레입니다. 이 작가는 1824년도에 프랑스 리망에서 태어났고,1875년에 프라스 바르브에서 사망하였습니다. 밀레는 농촌에서 태어났고, 젊은 시절부터 농민의 일상과 노동에 깊은 관심을 가졌습니다. 그의 작품에 자주 등장하는 농민들은 자신이 경험한 현실에서 비롯된 인물입니다. 밀레는 파리의 예술학교에서 학습 후, 바르비종 마을로 이주하여 작품활동을 이어갔습니다. 이제 작품을 소개해드리겠습니다.  마르크 샤갈의 산책입니다. 1917년에 제작하였고, 러시아 미술관 상트페테르부르크에 있습니다. 이 작품의 주제는 사랑하는 사람과의 관계 속에서 경험하는 감정적 해방감과 심리적 안정을 표현한 작품입니다. 이 작품의 특징은 샤갈처럼 누군가의 손을 잡고 현실과 감정의 혼란 사이에서 중심을 잡아주는 역할을하고, 또 치유관계, 감정의 표현, 애착 형성의 중요성을 상징적으로 보여줍니다. 두번째 작품은 장 프랑수아 밀레의 이삭 줍는 여인들입니다. 이 작품은 1875년에 제작하였고, 오르세 미술관에 있습니다. 이 작품의 주제는 가난한 여성 노동자들의 절박한 세계 활동과 그 속에서도 지켜지는 인간의 존엄을 담고있습니다. 이 작품의 특징은 굽은 허리로 이삭을 줍는 여인들은 육체적 고단함뿐 아니라 사회적 불평등과 구조적 빈곤을 상징합니다. 또 여인들의 집중된 표정과 단정한 태도는 노동의 가치와 인간의 존엄성을 잃지 않으려는 모습입니다.