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Possiamo collegare a Hayez Alessandro Manzoni e come musicista Giuseppe Verdi

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Possiamo collegare a Hayez Alessandro Manzoni e come musicista Giuseppe Verdi

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possiamo vedere una nube di nebbia e pioggia tra cui si avvicina una locomotiva che riprende alcune caratteristiche della natura potente e inarrestabile

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vedi sul tuo libro vol B2 da pag 24 a pag 39 e utilizza i tuoi appunti

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Pioggia, vapore e velocità di William Turner

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William Turner dipinge Pioggia, vapore e velocità approfittando dello spettacolo ambientale creato dal primo treno a vapore inglese.

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pioggia vapore e velocità

oppure

La nave negriera

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Turner
rapporto tra uomo e natura
una natura immensa affacinante e misteriosa

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possiamo vedere un uomo girato di spalle che da una cima di un monte osserva un "mare di nebbia" questo quadro suggerisce emozioni di timore e ammirazione e contemplazione del sublime nella natura

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Il Viandante sul mare di nebbia (in tedesco Der Wanderer über dem Nebelmeer) è un dipinto a olio su tela del pittore romantico tedesco Caspar David Friedrich, realizzato nel 1818 e conservato alla Hamburger Kunsthalle di Amburgo. È una delle opere più rappresentative della pittura romantica ottocentesca.

Al centro della composizione, in primo piano, un viandante solitario si staglia in controluce su un precipizio roccioso, dando la schiena all'osservatore: ha i capelli rossi e scompigliati al vento, è avvolto in un soprabito verde scuro e nella mano destra, appoggiata al fianco, impugna un bastone da passeggio. È lui il vero centro focale e spirituale del dipinto (è al centro dell'opera): ciò malgrado, ben poco si sa su quest'uomo, a parte la sua natura errabonda e introversa. Secondo alcune testimonianze, sotto le vesti del pellegrino vi sarebbe il colonnello della fanteria sassone Friedrich Gotthard von den Brinken, defunto amico di Friedrich che con questa tela ne volle conservare vivo il ricordo.

Il viandante è proteso sull'orlo di uno sperone roccioso freddo e inospitale, lontano da ogni vegetazione, ma collocato in una posizione rialzata, che gli consente di contemplare il panorama che gli si apre davanti. Si tratta di una valle arcaica dal fascino primordiale, avvolta dalla foschia, come se fosse mare (da cui il titolo dell'opera): dal "mare di nebbia" sporgono audaci diverse cime, sulle quali si può notare la presenza di alberi e vegetazione. In lontananza, a sinistra si ergono sbiadite montagne che digradano verso destra. Oltre, la nebbia si espande in modo indefinito arrivando a mescolarsi con l'orizzonte e a diventare indistinguibile dal cielo nuvoloso.

Il Viandante sul mare di nebbia, sebbene dipinto in studio, riproduce il paesaggio montano realmente esistente dell' Elbsandsteingebirge, in Boemia. Sullo sfondo, a destra, è presente lo Zirkelstein, del quale si intravede la caratteristica forma cilindrica, mentre a sinistra si profila il Rosenberg; le rocce sopra le quali si erge il viaggiatore, invece, fanno parte di un gruppo della Kaiserkrone.

L'espediente della Rückenfigur fu sfruttato da Friedrich in molti dipinti: nell'immagine, Donna al tramonto del sole, 1818

L'opera, alta 95 cm e larga 75 cm, presenta uno sviluppo verticale che rifiuta le consuete proporzioni orizzontali; la verticalità della composizione, inoltre, serve anche a dare maggior risalto alla verticalità del viandante ritratto al centro.

Altra peculiarità del Viandante sul mare di nebbia è la presenza della Rückenfigur: si tratta di un personaggio visto di schiena, perso in un'assorta contemplazione della natura. Questa escogitazione figurativa fa sì che l'osservatore si immedesimi nella figura del viandante e si compenetri nella sua situazione psicologica ed emotiva.

La tavolozza di Friedrich in quest'opera è composta da toni insolitamente luminosi, e comprende una mescolanza luminescente di blu, grigi, rosa e gialli per il mare di nebbia, contrapposta alle tonalità opache e fangose per le rocce: questo forte stacco cromatico tra le tonalità chiare e quelle scure esalta la contrapposizione tra gli elementi reali (l'uomo e le rocce), realizzati con una precisione analitica, e quelli indefiniti (il mare di nubi), caratterizzati da una pennellata molto liquida, quasi vaporosa. La luce, infine, sembra nascere da una fonte collocata al di sotto delle rocce in primo piano, inondando la scena e rischiarando in qualche modo l'abisso nebbioso.

Bozzetto di Friedrich per il Viandante sul mare di nebbia raffigurante una "montagna rocciosa"; nella tela, il paesaggio diventa un vero e proprio veicolo allegorico del sentire sublime e dell'infinito

Nella figura del pellegrino rapito dalla voragine brumosa Friedrich sintetizzò magistralmente idee e suggestioni tipicamente del proprio tempo, tanto che il Viandante sul mare di nebbia è considerato un'icona del Romanticismo tedesco.

L'opera, infatti, irradia messaggi multiformi, glorificando i temi dell'infinito, del sublime del divino e dell'errabondo. Attesta infatti il senso di imperfezione, di humilitas (umiltà), sperimentato dall'uomo durante la contemplazione dell' Infinito, ovvero di Dio, qui rappresentato dall'immenso mare di nebbia che fa emergere la vista del paesaggio sottostante che è la vita. Il viaggiatore romantico si perde di fronte al baratro nebbioso in un atteggiamento contemplativo visto come estrema esperienza interiore e spirituale: in questo modo, egli indaga impietosamente, nella sua nudità, la propria anima, la sua fede, con tutte le sue insicurezze, i suoi errori, i suoi dubbi e certezze.

È proprio l'eroico isolamento del viandante che diventa viaggio della vita e che celebra una presenza onnipervasiva di Dio il sublime, ovvero lo stato d'animo misto di sgomento e piacere percepito dall'uomo quando diviene consapevole della stupefacente grandiosità della natura. Questa potenza irresistibile non annienta il viandante, bensì lo induce a riflettere in senso filosofico sulla propria condizione, consentendogli quindi di unirsi al divino. I paesaggi di Friedrich sono infatti carichi di simbolismi religiosi, ma prigionieri di una struggente malinconia; come di una domanda su chi è l'uomo; in questo modo, il sublime nel Viandante sul mare di nebbia si manifesta nel contesto naturale, che è creazione, che accende l'animo del viandante e gli permette di arrivare fino a Dio.

Scriveva Marco Bona Castellotti, in Friedrich: un viandante su un mare di luce:

"Il rapporto col paesaggio in lui si colora di un elemento insolito: la partecipazione commossa del soggetto, il senso dell'infinito e del mistero, che conduce con sé simboli, evocazioni, allegorie. Sovente è la natura stessa a fare da protagonista, sia per l'assenza dell'uomo, sia perché anche quando è presente esso si fonde con la natura in un tutt'uno che celebra l'assoluto"

Lo stesso Bona Castellotti considera questo capolavoro il suo preferito in assoluto, anche se, sempre secondo lui, è il preferito della maggior parte della popolazione europea.

Alla sublimità del creato si unisce il tema dell'errabondo. L'uomo ritratto nel quadro, oltre che solitario, è infatti anche un homo viator, un pellegrino alla ricerca di spirituali risposte (come si può dedurre dal bastone che è pure sostegno divino): questa condizione si ricollega alla figura dell'esule "bello di fama e di sventura", tipica della cultura romantica.

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Viandante sul mare di nebbia - Wikipedia

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Il Viandante sul mare di nebbia (in tedesco Der Wanderer über dem Nebelmeer) è un dipinto a olio su tela del pittore romantico tedesco Caspar David Friedrich, realizzato nel 1818 e conservato alla Hamburger Kunsthalle di Amburgo. È una delle opere più rappresentative della pittura romantica ottocentesca.

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Viandante sul mare di nebbia

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Francisco Goya, con il dipinto 3 maggio 1808, celebra il sacrificio dei patrioti spagnoli che si opposero all'invasione delle truppe napoleoniche.

Francisco Goya, 3 maggio 1808, 1814, olio su tela, 268 x 347 cm Madrid, Museo del Prado

Indice

Descrizione di 3 maggio 1808 di Francisco Goya

La scena è totalmente immersa nel buio. Solamente una lanterna illumina il buio della sera. La luce è diretta verso un ribelle, condannato a morte. Si tratta di un povero contadino che, dignitosamente, affronta il suo sacrificio a favore della libertà. Il contadino è inginocchiato, con le braccia alzate, e guarda direttamente il plotone di esecuzione. La sua immagine ricorda quella di un Cristo crocifisso. A terra si vedono alcuni suoi compagni, già morti, mentre altri ai suoi lati esprimono con il corpo sofferenza e terrore. Sul fondo, immersa nel buio, vediamo Madrid, lontana e appena visibile. A destra è schierato il plotone di esecuzione composto da un gruppo di soldati francesi di Napoleone. In basso, di fronte a loro, è posta una lanterna che illumina i condannati a morte e lascia in ombra il resto della scena. Dietro ai condannati a morte si vede una collinetta debolmente illuminata dalla luce artificiale. Il cielo è completamente scuro e privo di stelle.

Interpretazione di 3 maggio 1808 di Francisco Goya

Titoli originali: El tres de mayo de 1808 en Madrid o Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo

L'Europa era scossa dai moti risorgimentali e gli artisti raccontarono con passione le violenze e le battaglie. Trovarono spazio sulla tela anche fatti di cronaca che sollevavano problemi etici e di tipo sociale. Francisco Goya documentò con uno stile drammatico gli orrori che vennero perpetrati dalle truppe di invasioni napoleoniche in Spagna. Francisco Goya non si può considerare appartenente al Romanticismo. Il tema di questo dipinto, come altri, e, comunque, vicino alla sensibilità dei pittori romantici dell'epoca. 3 maggio 1808 presenta, comunque, tipici tratti distintivi della pittura di Goya anche di quelli non pensati per il pubblico. Un esempio lo si può apprezzare in Saturno divora un figlio.

I soldati napoleonici del plotone di esecuzione de il 3 maggio 1808 hanno il volto nascosto dai fucili e sono automi di morte

Le persone che si trovano in centro sembrano impaurite, infatti uno di loro si copre il viso con le mani. Anche loro sono vestiti con abiti del popolo dai colori scuri. Il plotone di esecuzione, a destra, è composto da soldati vestiti con divise napoleoniche. I colori vanno dal grigio-azzurro al nero, sono quindi tonalità più fredde. Al fianco del primo soldato pende una sciabola metallica di colore ocra infilata nel fodero. Il paesaggio, immerso nel buio, è tendenzialmente di colore bruno e molto scuro. La città di Madrid che si intravede sul fondo è poco definita, monocromatica, priva di contrasti. Sembra il blocco monolitico di un fondale teatrale.

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Consulta anche l'articolo intitolato: I libri utili alla lettura dell'opera d'arte.

Consulta anche l'articolo intitolato: La scheda per l'analisi dell'opera d'arte.

Stile di 3 maggio 1808 di Francisco Goya

Il dipinto di Goya è stato realizzato con pennellate veloci e non stese sulla tela. Questa tecnica permette di rendere maggiormente drammatica la scena. Inoltre si crea una maggiore azione drammatica tra le figure. Nonostante Goya sia ritenuto da alcuni storici dell'arte un romantico è in realtà un artista isolato. Il colore scuro, per la maggior parte del dipinto, mette in risalto la figura illuminata del ribelle condannato a morte. Per la maggior parte, la superficie del quadro è di colore bruno, scuro e caldo come la luce della lanterna che illumina la scena.

Il soggetto principale, il ribelle, indossa una camicia bianca e dei pantaloni gialli, molto brillanti. A terra, di fronte a lui si vede un cumulo di cadaveri che indossano vesti povere, dal colore marrone-grigio. Ai piedi del condannato a morte possiamo vedere una pozza di sangue che nasce dai cadaveri alla sua destra. Dietro di lui sono disposti altri condannati vestiti poveramente e colorati di grigio poco illuminato.

Lo spazio del dipinto 3 maggio 1808

Lo spazio tridimensionale viene suggerito dalla prospettiva di grandezza e da quella di sovrapposizione. Infatti, il primo soldato del plotone è dipinto con dimensioni maggiori rispetto a quello al suo opposto. La profondità della scena è determinata dalla sovrapposizione dei personaggi. In primo piano vediamo, a destra, i soldati napoleonici armati di fucile. Poi, a sinistra, in primo piano, notiamo l'ammasso di cadaveri dipinti di scorcio. In secondo piano, sempre a sinistra, si trova il ribelle rivolto verso il plotone. Al centro si notano altre persone in arrivo. Lo sfondo è occupato da una collina, a sinistra, e da Madrid che si staglia contro il cielo nero.

La composizione e l'inquadratura

Al centro delle diagonali si trovano i fucili del plotone. Il centro psicologico è il condannato vestito di chiaro, illuminato come un martire. Il triangolo compositivo centrale che attira la nostra attenzione è compreso tra l'uomo che si copre gli occhi, il condannato e la pozza di sangue. Le direttrici vanno da destra a sinistra del plotone di esecuzione e in direzione contraria rispetto ai condannati a morte. Una linea obliqua va in profondità verso destra, se uniamo le teste dei soldati. I militari sono raffigurati di schiena, il loro volto non si vede. Solo i condannati esprimono la loro umanità. Questo stratagemma scenico permette di spersonalizzare i soldati. Diventano automi privi di umanità e dispensatori di morte.

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Esecuzione dell'imperatore Massimiliano del Messico di Edouard Manet
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Bibliografia

Giuliano Serafini, Goya. Ediz. illustrata, Giunti Editore, Collana: Vita d'artista, 2004, EAN: 9788809034297

Maurizia Tazartes, Goya, Giunti Editore, Collana: Dossier d'art, 2017, EAN: 9788809991545

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La data dell' ultimo aggiornamento della scheda è: 7 marzo 2020.

Approfondisci la lettura consultando le schede delle altre opere di Francisco Goya intitolate:

Consulta la pagina dedicata al dipinto di Francisco Goya, 3 maggio 1808, sul sito del museo del Prado di Madrid.

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3 maggio 1808 di Francisco Goya - ADO Analisi dell'opera

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Francisco Goya, con il dipinto 3 maggio 1808, celebra il sacrificio dei patrioti spagnoli che si opposero all'invasione delle truppe napoleoniche. Francisco Goya, 3 maggio 1808, 1814, olio su tela, 268 x 347 cm Madrid, Museo del Prado La scena è totalmente immersa nel buio. Solamente una lanterna illumina il buio della sera.

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possiamo vedere dei civili che stanno venendo eseguiti da truppe di Napoleone nell'alba del 3 maggio , questo dipinto fa sentire le emozioni e i pensieri dei cittadini in quel momento di tragedia.

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Fucilazione del 3 maggio 1808

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Goya
Lotta per la libertà dalla invasione Napoleonica

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Friedrich
rapporto tra uomo e natura
una natura immensa affacinante e misteriosa

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possiamo vedere una copia mentre si bacia, l'uomo indossa vestiti per uscire mentre la donna indossa un vestito elegante. il quadro ha un significato patriottico perché l'uomo è pronto a sacrificare i suoi maggiori affetti per la patria.

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Il Bacio

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Hayez
Lotta per indipendenza e unità nazionale insieme a Giuseppe Verdi e a Alessandro Manzoni)

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rappresenta la rivolta dei parigini nel 1830 guidati da una donna che simboleggia la libertà. il suo significato sta nel dire che il popolo deve lottare unito. La figura allegorica è la personificazione della libertà.

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La Libertà che guida il popolo

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possiamo vedere una nave incagliata e delle persone su una zattera queste persone sembrano stanche quasi morte. può essere vista come metafora della condizione umana in situazioni di fragilità e di sopravvivenza

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Artisti che affrontano temi che trattano il rapporto uomo natura, uomo e mistero/incubo

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LA LOTTA PER UNA UNITA' NAZIONALE

LOTTA PER  LA LIBERTA'  E L'INDIPENDENZA

LOTTA PER I DIRITTI  E L'UGUALIANZA PER TUTTI

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movimento artistico ma.....

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in arte, come in tutte le altre forme di conoscenza, gli artisti romantici affrontano quindi nelle loro opere argomenti diversi a seconda dello stato a cui appartengono

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ma anche letterario musicale e filosofico che investe l'Europa tra la fine del 1700 e tutta la prima metà del 1800.
Il romanticismo nasce in risposta alla delusione diffusa per la sconfitta degli ideali alla base dell'Illuminismo: fiducia nella ragione, lotta per l 'uguaglianza, la libertà e la fratellanza.
La Francia in particolare era passata in pochi anni attraverso eventi sconvolgenti che non lasciano lasciare il segno nella società (in particolare gli uomini di cultura e la borghesia) di tutta l'Europa: dalla caduta della monarchia assoluta del Re uomo dall'epoca del terrore alle Campagne di Napoleone,
Tutta l'Europa risente così di questi tentativi di imporre uguaglianza di diritti e libertà fra gli uomini e quindi assistono con grande delusione alla loro sconfitta
E 'in questo contesto che nasce il ROMANTICISMO che contrappone quindi all'ideale della ragione

I SENTIMENTI INDIVIDUALI, RELIGIOSI E UMANI, IL SENSO DEL SUBLIME E

IL RAPPORTO PERSONALE CON L'IMMENSITA E IL MISTERO DELLA NATURA

ma anche

IL LOTTA PER UNA UNITA' NAZIONALE

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