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El Barroc va ser un període de la història en la cultura occidental originat per una nova manera de concebre l'art i que, partint des de diferents contextos històric-culturals, va produir obres en nombrosos camps artístics.

Se sol situar entre el Manierisme i el Rococó, en una època caracteritzada per fortes disputes religioses entre països catòlics i protestants, així com marcades diferències polítiques entre els Estats absolutistes i els parlamentaris, on una incipient burgesia començava a posar els fonaments del capitalisme.

Com a estil artístic, el Barroc va sorgir a principis del segle XVII (segons altres autors a la fi del XVI) la Itàlia —període també conegut en aquest país com Seicento—, donis d'on és va estendre cap a la major part d'Europa.

Encara que se sol entendre com un període artístic específic, estèticament el terme «barroc» també indica qualsevol estil artístic contraposat al classicisme, concepte introduït per Heinrich Wölfflin en 1915.

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El Romanticisme va ser un moviment tant cultural com polític que s'originà a Alamanya a final del segle xviii, inicialment com a moviment literari, però que ràpidament passà a influenciar totes les arts. Es podria concebre com una reacció al racionalisme de la Il·lustració i el neoclassicisme, donant-li importància al sentiment. El seu caràcter revolucionari i trencador amb les convencions socials de l'època és inqüestionable. La seva característica fonamental és la ruptura amb la tradició, amb l'ordre i la jerarquia dels valors culturals i socials imperants.

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Antonio Lucio Vivaldi va ser un reconegut violinista i un dels principals compositors del barroc. Aquesta obra, que forma part del cicle de l'opus 8 el cimento de l'armonia de l'inventione, té una importància capital per suposar la ruptura del paradigma del concerto soli, establert pel mateix Vivaldi. Fins llavors, el concerto soli era un concert en què l'instrument solista portava tot el pes de la melodia i la composició, i la resta de l'orquestra es limitava a exercir l'acompanyament segons les regles de l'harmonia.

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Maestro de capilla

Antonio Vivaldi ( Venecia, 4 de marzo de 1678- Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor, violinista, impresario, profesor y sacerdote católico veneciano del Barroco. Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo. Se le considera uno de los más grandes compositores barrocos, su influencia durante su vida se extendió por toda Europa y fue fundamental en el desarrollo de la música instrumental de Johann Sebastian Bach. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Compuso unas setecientas setenta obras, entre las cuales se cuentan más de cuatrocientos conciertos, para flauta, violín, y una variedad de otros instrumentos musicales, y cerca de cuarenta y seis óperas. Es especialmente popular como autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones.

Muchas de sus composiciones las escribió para el conjunto musical femenino del Ospedale della Pietà, un hogar para niños abandonados. Vivaldi había trabajado allí como sacerdote católico durante dieciocho meses y estuvo empleado de 1703 a 1715 y de 1723 a 1740. También tuvo cierto éxito con costosas representaciones de sus óperas en Venecia, Mantua y Viena. Después de conocer al emperador Carlos VI del Sacro Imperio Romano Germánico, se trasladó a Viena y esperaba el apoyo real. Sin embargo, el emperador murió poco después de su llegada y el propio compositor murió en la pobreza menos de un año después.

Después de casi dos siglos de decadencia, su música experimentó un renacimiento a principios del siglo XX, con mucha investigación académica dedicada a su obra. Muchas de las composiciones de Vivaldi, que alguna vez se creyeron perdidas, han sido redescubiertas, en un caso tan reciente como 2006. Su música sigue siendo muy popular y se interpreta regularmente en todo el mundo.

Antecedentes familiares

Sobre los orígenes de su familia se sabe muy poco: su abuelo, Agostino, era un panadero de Brescia, casado con Margherita, con quien tuvo varios hijos.​ Uno de ellos fue Giovanni Battista, familiarmente llamado Gianbattista, que nació en 1656 y fue el padre del compositor. Margherita, tras morir su esposo, fue a Venecia con sus hijos. Gianbattista fue peluquero antes de empezar a destacar como violinista y dedicarse a ello profesionalmente. En junio de 1676, a los veinte años de edad, contrajo matrimonio con Camilla Calicchio.​ El músico Gianbattista Vivaldi, apodado Rosso ("Rojo") y registrado en algunos documentos como Giovanni Battista Rossi, fue miembro fundador del Sovvegno de' musicisti di Santa Cecilia, una organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del Teatro San Giovanni Grisostomo.​ Existe una ópera titulada La Fedeltà sfortunata de 1689 compuesta por un Giovanni Battista Rossi -el nombre con el que el padre de Vivaldi se había unido a la Sovvegno di Santa Cecilia.​

Primeros años

Iglesia de San Giovanni Battista in Bragora (Castello), donde bautizaron a Antonio Vivaldi.

Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia,​ entonces capital de la República de Venecia.​ La comadrona lo bautizó en su domicilio inmediatamente después de su nacimiento, lo que dio lugar a la creencia de que pensaban que su vida estaba en peligro de alguna manera. Aunque no se conoce con certeza, el bautismo inmediato del niño fue probablemente debido o bien a su mal estado de salud o a un terremoto que sacudió la ciudad ese día. En el trauma del seísmo, la madre de Vivaldi pudo haberle destinado al sacerdocio.​ El bautismo oficial en la iglesia tuvo lugar dos meses después.​ Antonio tuvo nueve hermanos, tres de los cuales murieron a edad temprana. Estos fueron: Gabriela Antonia (1676-1678), Margarita Gabriella (1680-1750), Cecilia Maria (1683-1767), Bonaventura Tomaso (1685-posterior a 1718), Zanetta Anna (1687-1762), Francesco Gaetano (1690-1752), Iseppo Santo (1692-1696), Gerolama Michela (1694-1696) e Iseppo Caetano (1697-posterior a 1729).​​

Giovanni Battista enseñó a Antonio a tocar el violín y luego recorrió Venecia tocando dicho instrumento con su hijo. Probablemente aprendió a tocar el instrumento a una edad temprana, dado el amplio conocimiento musical que había adquirido a la edad de veinticuatro años, cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà.​ Es probable que Antonio también fuera discípulo de Giovanni Legrenzi, presidente del Sovvegno y uno de los primeros compositores del Barroco y maestro de capilla en la basílica de San Marcos. Es posible que Legrenzi le diera al joven Antonio sus primeras lecciones de composición. El académico Walter Kolneder aprecia la influencia del estilo de Legrenzi en una de las primeras obras litúrgicas de Vivaldi, Laetatus sum ( RV Anh. 31), escrita en 1691 a la edad de trece años.​

Juventud y ordenación como sacerdote

En 1693, a la edad de quince años, empezó a estudiar para ser sacerdote.​ El 18 de septiembre de ese año, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes menores: ostiario el 19 de septiembre de 1693, lector el 21 de septiembre de 1694, exorcista el 25 de diciembre de 1695 y acólito el 21 de septiembre de 1696. El 4 de abril de 1699 fue ordenado subdiácono, luego diácono -el 18 de septiembre de 1700-, y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703, a los veinticinco años.​

Más inclinado hacia la música que a las obligaciones religiosas, logró que lo dispensaran de decir misa por razones de salud en 1704. Sus síntomas, strettezza di petto ("opresión en el pecho"), se han interpretado como una forma de asma​ y según investigaciones médicas del francés Roger-Claude Travers, parecen haberse tratado de angor pectoris ( angina de pecho).​ Esto no le impidió componer o participar en actividades musicales,​ a pesar de que hizo que dejara de tocar instrumentos de viento. Tras su ordenación como sacerdote, le apodaron Il Prete Rosso ("El cura rojo").​ Vivaldi celebró misa como sacerdote sólo unas pocas veces y parecía que se había retirado de las obligaciones sacerdotales, aunque él seguía siendo miembro del sacerdocio. Se cree que esto también se debe a su hábito de componer mientras daba misa. Parece que permaneció comprometido con el Catolicismo, ya que la entrada en los registros de defunción de Viena dice: "Antonio Vivaldi, sacerdote secular".​ Se cree que siguió siendo un católico devoto, de hecho, en 1792, el compositor protestante Ernst Ludwig Gerber escribió sobre el anciano Vivaldi que "el rosario nunca dejaba su mano salvo cuando tomaba la pluma para escribir una ópera".​

Conservatorio del Ospedale della Pietà

En septiembre de 1703 Vivaldi se convirtió en maestro di violino (maestro de violín) en un orfanato llamado el Ospedale della Pietà en Venecia.​ Aunque es más famoso como compositor, también fue considerado como un violinista con una excepcional técnica. El arquitecto alemán Johann Friedrich Armand von Uffenbach se refiere a él como "el famoso compositor y violinista" y dijo que "Vivaldi interpretó un acompañamiento en solitario de manera excelente y en la conclusión añadió una fantasía libre [una cadencia improvisada], que absolutamente me sorprendió, porque es casi imposible que alguien haya tocado alguna vez, o incluso tocará, de tal manera".​

Vivaldi tenía sólo veinticinco años cuando comenzó a trabajar en el Ospedale della Pietà. Durante los siguientes treinta años compuso la mayor parte de sus obras más importantes mientras trabajaba allí.​ Había cuatro instituciones similares en Venecia, cuyo propósito era dar refugio y educación a niños abandonados o huérfanos, o cuyas familias no podían sustentarlos. Estaban financiadas con fondos proporcionados por la República.​ Los niños aprendían un oficio y tenían que abandonar la institución cuando llegaban a los quince años. Las niñas recibían una educación musical y las de más talento se quedaban y se convertían en miembros de la reconocida orquesta y coro del Ospedale.

Poco después del nombramiento de Vivaldi, los huérfanos comenzaron a ganar reconocimiento y consideración en el extranjero también. Escribió conciertos, cantatas y música sacra vocal para ellos.​ Estas obras sacras, que suman más de sesenta, son variadas, ya que incluyen motetes solistas y obras corales a gran escala para solistas, coro doble y orquesta.​ En 1704 se añadió el cargo de maestro de viola all'inglese a sus funciones como profesor de violín.​ La posición de maestro di coro, que ostentó durante un tiempo, requería mucho tiempo y trabajo. Tenía que componer un oratorio o concierto en cada fiesta y enseñar a los huérfanos tanto teoría de la música como a tocar ciertos instrumentos.​

Portada de L'estro armonico, que supuso su verdadero avance como compositor.

En 1705 Giuseppe Sala publicó la primera colección (Connor Cassara) de sus obras:​ su Op. 1 es una colección de doce sonatas para dos violines y bajo continuo, en un estilo convencional.​ En 1709 apareció su op. 2, una segunda colección de doce sonatas para violín y bajo continuo.​ El verdadero avance como compositor llegó con su primera colección de doce conciertos para uno, dos y cuatro violines con instrumentos de cuerda, L'estro armonico op. 3, que Estienne Roger publicó en Ámsterdam en 1711,​ dedicada a Fernando de Médici. El príncipe patrocinaba a muchos músicos como Alessandro Scarlatti y Georg Friedrich Händel. A su vez era músico y Vivaldi, probablemente, lo conoció en Venecia.​ L'estro armonico fue un éxito rotundo en toda Europa. En febrero de ese año, Vivaldi y su padre viajaron a Brescia, donde se interpretó su Stabat Mater (RV 621) como parte de un festival religioso. La obra parece haber sido escrita apresuradamente: las partes de cuerda son simples, la música de los tres primeros movimientos se repite en los tres siguientes, y no todo el texto está listo.​ Sin embargo, quizás en parte debido a la esencialidad forzada de la música, la obra se considera una de sus primeras obras maestras.​

Su relación con el consejo de administración del Ospedale a menudo era tensa. La junta tenía que votar todos los años sobre la conveniencia de mantener a los maestros. La votación sobre Vivaldi era rara vez unánime y en 1709 resultó siete a seis en su contra.​ Después de ejercer un año como músico independiente, en 1711, lo llamaron de nuevo desde el Ospedale, con un voto unánime; claramente durante su ausencia de un año la junta se dio cuenta de la importancia de su papel.​ En 1714 publicó La stravaganza op. 4, una colección de conciertos para violín y cuerdas,​ dedicado a su antiguo estudiante de violín, el noble veneciano Vettor Delfin.​ En 1716 lo ascendieron a maestro di concerti (director musical),​ lo que le convirtió en responsable de toda la actividad musical de la institución.​

A pesar de sus frecuentes viajes a partir de 1718, el Ospedalle le pagó 2 cequíes por escribir dos conciertos al mes para la orquesta y por ensayar con ellos por lo menos cinco veces cuando estaba en Venecia. Los registros del Ospedalle muestran que le pagaron ciento cuarenta conciertos entre 1723 y 1733.

Impresario de ópera

Cartel del estreno de Juditha Triumphans

A comienzos del siglo XVIII, la ópera era el entretenimiento musical más popular en Venecia y demostró ser el más rentable para Vivaldi. Hubo varios teatros que compiten por la atención del público. Comenzó su carrera como compositor de ópera como una actividad secundaria: su primera ópera, Ottone in villa (RV 729) no se representó en Venecia, sino que lo hizo en el Teatro Garzerie en Vicenza en 1713.​ Al año siguiente, se convirtió en impresario del Teatro San Angelo en Venecia, donde se realizó su ópera Orlando finto pazzo (RV 727). La obra no fue del gusto del público, por lo que se clausuró después de un par de semanas y se reemplazó con una repetición de una obra diferente ya representada el año anterior.​

En 1715 presentó Nerone fatto Cesare (RV 724, ahora perdida), con música de diferentes compositores dirigidos por él. La ópera contenía once arias y fue un éxito. En la última temporada, planeó representar Arsilda, regina di Ponto (RV 700), una ópera compuesta completamente por él, pero el censor de la ciudad bloqueó la representación. El personaje principal, Arsilda, se enamoraba de otra mujer, Lisea, que se hace pasar por un hombre.​ Al año siguiente, Vivaldi consiguió que el censor aceptara la representación de la ópera y fue un rotundo éxito.

En este periodo, el Ospedalle le encargó varias obras litúrgicas. Las más importantes fueron dos oratorios. Moyses Deus Pharaonis, (RV 643) se perdió. El segundo, Juditha Triumphans (RV 644), celebraba la victoria de la República de Venecia contra el Imperio otomano y la captura de la isla de Corfú. Compuesta en 1716, es una de sus obras sacras más destacadas. Las once partes cantadas fueron interpretadas por chicas del Ospedalle, tanto los papeles masculinos como los femeninos. Muchas de las arias incluyen partes de instrumentos solistas - flautas dulces, oboes, violas de amor y mandolinas- que muestran el talento que tenían las chicas.​ También en 1716, Vivaldi escribió y produjo dos óperas más, L'incoronazione di Dario (RV 719) y La costanza trionfante degl'amori e degl'odii (RV 706). La última fue tan popular que se representó dos años después, reeditada y con nuevo título, Artabano re dei Parti (RV 701, ahora perdida).​ También se escenificó en el Teatro San Angelo en 1731​ y un año después en Praga, con el nombre de Doriclea (RV 708).​​ En los años siguientes, escribió varias óperas que fueron representadas por toda Italia.​

Mantua y Las cuatro estaciones

Antonio Vivaldi (grabado de François Morellon de La Cave, de la edición de Michel-Charles Le Cène de Il cimento dell'armonia e dell'inventione op. 8).

En 1717 y 1718 le ofrecieron un nuevo prestigioso puesto como maestro de capilla en la corte de Felipe de Hesse-Darmstadt, gobernador de Mantua.​ Se trasladó allí durante tres años y produjo varias óperas, entre ellas Tito Manlio (RV 738). Durante su estancia en la ciudad, Vivaldi conoció a una joven aspirante a cantante, Anna Tessieri Girò, que se convirtió en su discípula y prima donna favorita.​ Anna, junto con su hermanastra mayor Paolina, pasaron a formar parte de la comitiva de Vivaldi y lo acompañaron regularmente en sus muchos viajes. Hubo especulaciones sobre la naturaleza de la relación entre Vivaldi y Girò, pero no hay ninguna evidencia que indique que hubiera algo más allá de la amistad y la colaboración profesional. Aunque Vivaldi fue cuestionado por su relación con Anna Girò, negó rotundamente cualquier relación romántica en una carta a su patrón Bentivoglio, fechada el 16 de noviembre de 1737.​

Durante este periodo escribió Las cuatro estaciones, cuatro conciertos para violín que representan escenas apropiadas para cada estación del año. Tres de los conciertos fueron originales en su concepción, mientras que el primero, "Primavera", tomó prestados motivos de una sinfonía del primer acto de su ópera contemporánea Il Giustino. La inspiración para los conciertos probablemente le vino de los campos de Mantua. La obra fue una revolución musical en su concepción: en estos conciertos representó arroyos fluyendo, pájaros cantando (de diferentes especies, cada uno caracterizado específicamente), perros ladrando, mosquitos zumbando, pastores llorando, tormentas, bailarines borrachos, noches silenciosas, partidas de caza tanto desde el punto de vista de los cazadores como de las presas, paisajes helados, niños patinando sobre hielo y cálidos hogueras inviernales. Cada concierto está asociado a un soneto, posiblemente del propio compositor, que describe las escenas representadas en la música. Fueron publicados como los primeros cuatro conciertos en una colección de doce, Il cimento dell'armonia e dell'inventione, op. 8, publicada en Ámsterdam por Michel-Charles Le Cène en 1725.​

En 1721 fue a Milán, donde presentó el drama pastoral (RV 734, sobreviven nueve arias).​ Visitó de nuevo la ciudad el año siguiente con el oratorio L'adorazione delli tre re magi al bambino Gesù (RV 645, ahora perdido).​ En 1722 se mudó a Roma, donde le dio un nuevo estilo a sus óperas. El nuevo papa Benedicto XIII lo invitó a que tocara para él.​ En 1725 volvió a Venecia, donde produjo cuatro óperas en el mismo año.​

Últimos años

En la cúspide de su carrera recibió encargos de la nobleza y realeza europea. La serenata ( cantata) Gloria e Imeneo (RV 687), de 1725, fue un encargo del embajador francés en Venecia para la celebración del matrimonio de Luis XV.​ Al año siguiente, escribió otra serenata, La Sena festeggiante (RV 694), que fue estrenada en la embajada de Francia para celebrar el nacimiento de las princesas francesas, Enriqueta y Luisa Isabel.​ op. 9 estaba dedicada al emperador Carlos VI.​ En 1728, Vivaldi conoció al emperador mientras que este estaba de visita en Trieste para revisar la construcción de un nuevo puerto. Carlos admiraba la música del compositor tanto que dijo que había hablado más con el compositor durante su encuentro que lo que había hablado con su ministros en los últimos dos años. Le otorgó el título de caballero, una medalla de oro y una invitación a Viena. El compositor le correspondió con un manuscrito de La Cetra, un conjunto de conciertos casi por completo diferentes del conjunto con el mismo título y publicados como op. 9. La impresión probablemente se retrasó, lo que obligó a Vivaldi a preparar una improvisada versión para el emperador.​

Vivaldi viajó a Viena y Praga en 1730 acompañado por su padre, donde presentó su ópera (RV 711),​ que tuvo seis reposiciones.​ Algunas de sus óperas posteriores las creó en colaboración con dos de los principales escritores italianos de la época. L'olimpiade y Catón en Útica las escribió Pietro Metastasio, el principal representante del movimiento arcadiano y poeta de la corte en Viena. Un joven Carlo Goldoni reescribió a partir de un libreto previo de Apostolo Zeno.​

Como muchos compositores contemporáneos, en los últimos años de su vida pasó dificultades económicas. Sus composiciones ya no tenían tanta estima como antes en Venecia, ya que habían cambiado rápidamente los gustos musicales y eran consideradas pasadas de moda. En respuesta, este optó por vender un número considerable de sus manuscritos a precios ínfimos para financiar su traslado a Viena.​ La razón de su marcha de la ciudad no está clara, pero parece probable que, después del éxito de su encuentro con el emperador Carlos VI, deseara conseguir el puesto como compositor en la corte imperial. En su viaje a Viena, pudo haberse detenido en Graz para visitar a Anna Girò.​

También es probable que Vivaldi fuera a Viena para presentar óperas, especialmente porque residió cerca del Kärntnertortheater. Poco después de su llegada a la ciudad, Carlos VI falleció, lo que le hizo perder cualquier protección imperial o una fuente estable de ingresos. Al poco tiempo, empobreció​​ y murió de una "infección interna" durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a la edad de 63 años,​ en una casa propiedad de una viuda de un fabricante de sillas de montar vienés. El 28 de julio fue enterrado en una tumba sencilla del cementerio que era propiedad de un hospital público, cerca de la iglesia de San Carlos Borromeo. Su funeral tuvo lugar en la catedral de San Esteban.​ El coste del funeral con un "Kleingeläut"​ fue de 19 Gulden 45 Kreuzer, que era bastante caro para el más bajo tipo de repique de campanas.​

Estilo e influencia

Portada del panfleto Il teatro alla moda, en el que Benedetto Marcello criticaba, sin mencionarlo, el carácter progresista de las óperas de Vivaldi.

La música de Vivaldi fue innovadora.​ Desarrolló la estructura formal y rítmica del concierto, en los que buscó contrastes armónicos y melodías y temas innovadores.​ Muchas de sus composiciones son llamativas y llenas de vitalidad.​ Era conocido por la rapidez con la que componía sus obras, algo de lo que el propio compositor se enorgullecía y se jactaba de que podía componer un concierto más rápido que un copista en reproducirlo.​ En ocasiones, esa "furia compositiva" (como la definió en 1739 Charles de Brosses) iba en detrimento de la calidad de sus composiciones.​

Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación. Sus conciertos y las arias lo influyeron profundamente (como en sus Pasión según San Juan, Pasión según San Mateo y cantatas) y transcribió seis de sus conciertos para teclado solista, tres para órgano y uno para cuatro clavecines, cuerdas y bajo continuo ( BWV 1065) basados en el Concierto para cuatro violines, dos violas, violonchelo y bajo continuo (RV 580).​​

Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos​ y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos.​ De algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.​

Su estilo operístico vanguardista le causó algunos problemas con músicos más conservadores, como Benedetto Marcello, un magistrado y músico aficionado que escribió un panfleto denunciándolo a él y a sus óperas. El panfleto, Il teatro alla moda, ataca a Vivaldi sin mencionarlo directamente. El dibujo de portada muestra un barco (el Sant'Angelo), en cuyo extremo izquierdo se encuentre un pequeño ángel vestido con un sombrero de sacerdote y tocando el violín. La familia Marcello reclamaba la propiedad del Teatro San Angelo y libraron una larga batalla legal con la administración para su restitución, sin éxito. La extraña escritura bajo el dibujo menciona a un lugar y nombres inexistentes: ALDIVIVA, que es un anagrama de A. Vivaldi.​​

Composiciones

Su producción musical fue muy abundante, compuso ochocientas sesenta y cinco obras, ya que escribió 46 óperas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos, género que cimentó y era el más importante de su época.​ Los más conocidos son los doce que componen Il cimento dell'armonia e dell'inventione (1725). Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Las cuatro estaciones. Se ha sido descrito esta obra como un ejemplo sobresaliente de la música programática predecimonónica.​ Tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto soli,​ establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.​

Alrededor de trescientos cincuenta de sus conciertos están escritos para instrumento solista y cuerdas, de los cuales doscientos treinta son para violín, siendo los otros para instrumentos como fagot, violonchelo, oboe, flauta, viola de amor, flauta dulce, laúd o mandolina. Cerca de cuarenta conciertos son para dos instrumentos y cuerdas y una treintena son para tres o más instrumentos y cuerdas.

También compuso cerca de cuarenta y seis óperas y gran cantidad de música coral sacra, como el Magnificat. Su música religiosa incluye composiciones como el oratorio Juditha Triumphans (1716), el en re (1708). En una carta escrita por Vivaldi a su mecenas el marqués Bentivoglio en 1737, hace referencia a sus "94 óperas". Sólo se han descubierto cincuenta óperas suyas y no existe otra documentación del resto de ellas. Aunque pudiera haber exagerado, en su doble papel como compositor e impresario, es posible que pudiera haberlas escrito o haber sido responsable de la producción de hasta noventa y cuatro óperas durante su carrera, que por aquel entonces casi llegaba a veinticinco años.​ Ciertamente Vivaldi compuso muchas óperas, pero no llegó a la prominencia de otros grandes compositores como Alessandro Scarlatti, Johann Adolph Hasse, Leonardo Leo y Baldassare Galuppi, como evidencia su falta de habilidad para mantener una producción en escena durante un tiempo prolongado en cualquier teatro de ópera importante. Sus óperas más destacadas en este género fueron La costanza trionfante degl'amori e degl'odii y , que tuvieron seis reposiciones cada una.​

El catálogo musical que agrupa todas sus obras se llama Ryom-Verzeichnis (RV) o catálogo Ryom, elaborado por Peter Ryom, aunque existen otros catálogos de Antonio Fanna, Marc Pincherle y Edizioni G. Ricordi.

Durante su vida fue muy popular en varios países como Francia e Inglaterra, pero después durante el Clasicismo y el Romanticismo su obra fue ignorada. En el siglo XX, el violinista Fritz Kreisler en su Concierto para violín en do mayor revivió el interés en Vivaldi. En esta época se redescubrieron muchos manuscritos en colecciones privadas que fueron, en parte, adquiridos por la Biblioteca Universitaria de Turín con ayuda económica de los empresarios Roberto Foa y Filippo Giordano.​​

En la cultura popular

Antonio Vivaldi es uno de los compositores más conocidos de la música barroca. Su vida se ha llevado al cine en varias ocasiones. En el 1989 se estrenó Rosso veneziano, un thriller que trata sobre una serie de crímenes ocurridos en la Venecia del siglo XVIII que Vivaldi, junto a sus amigos Carlo Goldoni y Giovanni Battista Tiepolo, intenta resolver. En el 2006 se estrenó la película biográfica franco-italiana Antonio Vivaldi, un prince à Venise, dirigida por Jean-Louis Guillermou y protagonizada por Stefano Dionisi.​ En el 2009 se estrenó la película biográfica anglo-italiana Vivaldi, the Red Priest, dirigida por Liana Marabini y protagonizada por Steven Cree.​ Existen otros proyectos, como de Boris Damast y protagonizado por Joseph Fiennes o la película homónima de Patricia Riggen, protagonizada por Ben Kingsley, Jessica Biel y Luke Evans.​ Además, se ha utilizado su música en más de trescientas sesenta películas y programas de televisión.​

En 2005 la cadena australiana ABC Radio National encargó un radioteatro sobre la vida del compositor, escrito por Sean Riley y titulado The Angel and the Red Priest. La obra fue posteriormente adaptada para el teatro e interpretada en el Adelaide Festival of the Arts.​ Janice Jordan Shefelman escribió un libro para niños detallando la vida del compositor que se titula Vivaldi.​

El asteroide (4330) Vivaldi, descubierto por Freimut Börngen el 19 de octubre de 1982,​ y el glaciar Vivaldi, al norte de la isla Alejandro I en la Antártida, reciben su nombre en su honor.​

Véase también

1. Rosso en italiano significa "rojo" y haría referencia al color de su pelo, un rasgo de la familia.Pincherle, 1957, p. 16

2. Las conexiones de Vivaldi con la vida musical de Praga y su asociación con Freeman, Daniel E. (1992). Antonio Denzio, el impresario del teatro Sporck se detallan en The Opera Theater of Count Franz Anton von Sporck in Prague. Stuyvesant, Nueva York: Pendragon Press.

3. Landon proporciona esta afirmación y además cita el anuncio de la muerte de Vivaldi que llegó a Venecia en el Commemorali Gradenigo: "Abbe Lord Antonio Vivaldi, incomparable virtuoso del violín, conocido como el Cura rojo, muy estimado por sus composiciones y conciertos, que ganó más de 50 000 ducados en su vida, pero su derroche sin freno lo llevó a morir en la pobreza en Viena".​

4. El musicólogo Michael Lorenz desmiente la creencia de que el joven Joseph Haydn cantara en el sepelio, porque no se interpretó música para la ocasión.​

Referencias

Bibliografía

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Brizi, Bruno (enero de 1984). Maria Grazia Pensa 65 (1). Music & Letters. pp. 62-64.

Cross, Eric (1984). I libretti vivaldiani: recensione e collazione dei testimoni a stampa by Anna Laura Bellina. (Revisión de).

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- (1984/1989). "Lübbes Vivaldi. Lexikon". Guía de Vivaldi. Traducido por Carmen Bas Álvarez (Madrid: Gustav Lübbe Verleg/Alianza Editorial).

Pincherle, Marc (1957). Vivaldi: Genius of the Baroque. París: W. W. Norton & Company, Inc.

-. "Antonio Vivaldi". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. (requiere suscripción).

Wolff, Christoph; Emery, Walter (2001). "Bach, Johann Sebastian". En Stanley Sadie y John Tyrrell, ed. The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2ª edición). Londres: Macmillan Publishers.

Zips, Sebastian (2005). "Die Violoncellosonaten des Antonio Vivaldi". Disertación, Kath. Univ. Eichstätt (en alemán). Archivado desde el original el 16 de septiembre de 2012.

Enlaces externos

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Antonio Vivaldi - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Maestro de capilla Antonio Vivaldi ( Venecia, 4 de marzo de 1678- Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor, violinista, impresario, profesor y sacerdote católico veneciano del Barroco. Era apodado Il prete rosso ("El cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo.

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Johann Sebastian Bach, pronunciació alemanya: fou un organista i compositor de música barroca, membre de la família de músics més extraordinària de la història, amb uns 120 músics. Bach és font d`inspiració per a compositors posteriors, des de Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven, passant per Johannes Brahms i Arnold Schönberg, fins als nostres temps.

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(Eisenach, actual Alemania, 1685 - Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

Johann Sebastian Bach

Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de los músicos de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días. A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte.

A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750).

Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.

En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo.

Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo éste que comportaba también la dirección de los actos musicales que se celebraban en la ciudad. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego.

Casado en dos ocasiones, con su prima Maria Barbara Bach la primera y con Anna Magdalena Wilcken la segunda, Bach tuvo veinte hijos, entre los cuales descollaron como compositores Wilhelm Friedemann Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christoph Friedrich Bach y Johann Christian Bach.

Pese a que tras la muerte del maestro su música, considerada en exceso intelectual, cayó en un relativo olvido, compositores de la talla de Mozart o Beethoven siempre reconocieron su valor. Recuperada por la generación romántica, desde entonces la obra de Johann Sebastian Bach ocupa un puesto de privilegio en el repertorio. La razón es sencilla: al magisterio que convierte sus composiciones en un modelo imperecedero de perfección técnica, se une una expresividad que las hace siempre actuales.

Más información en la monografía sobre Bach.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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(Eisenach, actual Alemania, 1685 - Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

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Va treballar a Verona i a Venècia, però amb prou feines se sap una mica més de la seva obra ni de la seva vida. Només es coneix una de les seves composicions, que apareix en el llibre Affetti amorosi, de Marcantonio Negri, publicat a Venècia el 1611. Es tracta d`un llibre de monodies i duets que acaba amb una cantata sobre un text de G.B.

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Clara Schumann, una pianista i compositora alemanya, va començar a estudiar piano molt jove.
Va casar-se amb Robert Schumann malgrat l'oposició del seu pare.
Tot i tenir vuit fills, va continuar componint música de cambra i lied i donant classes.
Va acompanyar el seu marit en gires per fer-los conèixer internacionalment.
Malgrat això, va seguir interpretant la música de Robert en els seus concerts i va ser influent en el món de la música a pesar dels prejudicis contra les dones compositores.
Va tenir una gran formació musical i va ser capaç de compondre amb èxit des de jove.

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Frédéric Chopin va neixer a Żelazowa Wola, 1 de març de 1810 i va morir a París, 17 d'octubre de 1849. És generalment considerat el millor compositor polonès de la història i un dels millors compositors de piano, instrument per al qual va compondre quasi exclusivament. Originàriament, el seu nom en polonès era Fryderyk Franciszek Chopin, però va adoptar la forma francesa Frédéric-François quan va deixar Polònia i va anar a París a l'edat de vint anys, i d'on no va tornar mai. El seu llinatge és algunes vegades escrit Szopen en els texts polonesos.

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El Grand traité de l'instrumentation et d'orchestration modernes de Berlioz va influir sobre els músics russos del Grup dels Cinc i les seves obres es van redescobrir a França com a antídot contra Wagner a la dècada de 1880.
Berlioz va encarnar els ideals romàntics i es va convertir en un director innovador i crític agut, tot i que algunes de les seves obres encara tenen dificultats logístiques per ser interpretades completament.

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Un classicisme és un moviment artístic caracteritzat per una mirada nostàlgica a l'antiguitat clàssica. Es considera que el primer classicisme és el Renaixement i és difícil concretar la totalitat dels classicismes, sovint són moviments d'una nació o regió d'àmbit reduït o transcorren en un espai de temps curt. En tot classicisme s'interpreten els filòsofs antics per posar en vigència valors morals perennes; s'estableixen unes normes inviolables i es persegueix un ideal per aconseguir una superioritat moral.

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Clasicismo Musical - Historia de la Música 101

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Hildegarda de Bingen va ser una influent abadessa benedictina, científica, escriptora, il·luminadora, mística i compositora alemanya que va viure al segle XII.
Reconeguda per la seva música escrita i repertori extens, també va ser nomenada santa i doctora de l'Església.
Va inventar una llengua artificial i és patrona dels adeptes de l'esperanto.
La seva vida va ser retratada en una pel·lícula estrenada el 2009.

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Wolfgang Amadeus Mozart va ser un compositor austríac famós del Classicisme, considerat un dels músics més influents de la història.
La seva obra inclou més de sis-centes creacions en diferents gèneres musicals, sent reconegudes com a obres mestres a nivell internacional.
Des de la seva infantesa, va mostrar talent en diversos instruments i va viatjar en cerca d'oportunitats musicals, sempre component prolificament.
El seu estil musical va abastar des de l'elegància fins a la passió, mostrant una visió de la humanitat redimida per l'art.

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Colaboradores de los proyectos Wikimedia

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Wolfgang Amadeus Mozart - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Retrato póstumo, obra de Barbara Krafft, 1819.

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Franz Peter Schubert, un compositor austríac del Romanticisme musical i deixeble de Beethoven, va deixar un gran llegat de més de sis-centes obres vocals i música instrumental.
Malgrat la seva curta vida, va aconseguir crear obres destacades com el Quintet La truita i la Simfonia inacabada.
El seu talent musical va ser evident des de primerenca edat i va rebre influència d'Haydn, Mozart i Beethoven.
Encara que la seva música va ser inicialment apreciada per un petit cercle a Viena, va guanyar fama després de la seva mort i avui dia és considerat un dels millors compositors de música clàssica occidental.

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(Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797 - Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música. El lied para canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler.

Franz Schubert

Hijo de un modesto maestro de escuela, Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor, Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la capilla imperial de Viena como miembro del coro y alumno del Stadtkonvikt, institución ésta en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.

Tras su salida de este centro en 1813, Schubert, a instancias de su padre, empezó a trabajar como asistente en la escuela de éste, a pesar del poco interés demostrado por el músico hacia la labor pedagógica. En estos años es cuando ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied El rey de los elfos, inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores más frecuentados. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito en su empresa.

El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era el teatro, la ópera, y aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, nunca consiguió destacar en él, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático. Sus óperas, entre las que merecen citarse Los amigos de Salamanca, Alfonso y Estrella, La guerra doméstica y Fierabrás, continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.

Si Schubert no consiguió sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el lied. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta lieder, sin que pueda decirse de ellos que la cantidad vaya en detrimento de la calidad. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas con el elocuente nombre de "schubertiadas", a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones.

Los ciclos La bella molinera y Viaje de invierno constituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como El caminante, La trucha, A la música, La muerte y la doncella o el celebérrimo Ave Maria. A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre el público, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica, agravada considerablemente a partir de 1824 por los primeros síntomas de la enfermedad que acabaría prematuramente con su existencia.

Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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(Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797 - Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música.

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Franz Joseph Haydn, conegut com a Joseph Haydn, va ser un destacat compositor austríac del període Clàssic, reconegut com el "pare de la simfonia" i el "pare del quartet de corda".
Va desenvolupar la seva carrera com a músic de tall per a la família Esterházy d'Hongria i aïllat d'altres influències, la qual cosa ho va portar a ser original en les seves composicions.
Va ser molt famós a Europa en vida, i va tenir relacions pròximes amb Mozart i Beethoven.
La seva extensa obra està catalogada en el sistema creat per Anthony van Hoboken.

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Honorary citizen of Vienna

Franz Joseph Haydn ( pronunciado )​ ( Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732- Viena; 31 de mayo de 1809), conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo Clásico, además de ser conocido como el "padre de la sinfonía" y el "padre del cuarteto de cuerda" gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó al desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.​​

Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales, hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo: "forzado a ser original".​ En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.​

Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser mentor, y fue profesor de Ludwig van Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van Hoboken.

Franz Joseph Haydn nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau, una pequeña población cercana a Viena ( Austria), en aquella época capital del Sacro Imperio Romano Germánico, y muy próxima a la frontera con Hungría. Fue el segundo de los doce hijos de Mathias Haydn y Anna Maria Koller. Su padre era fabricante y reparador de carruajes al servicio del conde de Harrach, el aristócrata de la población, y también sirvió como Marktrichter, un cargo similar al de alcalde de pueblo. Su madre había trabajado previamente como cocinera en el palacio del conde Harrach. Ninguno de sus progenitores sabía leer música;​ sin embargo, Mathias fue un entusiasta músico folclórico y había aprendido a tocar el arpa de forma autodidacta durante la época que trabajó como oficial. Según los últimos recuerdos de Haydn, su infancia con su familia fue extremadamente musical y frecuentemente cantaban juntos y con sus vecinos.​

Los padres de Haydn se dieron cuenta de que su hijo tenía talento para la música y sabían que en Rohrau no tendría oportunidad de tener una educación musical adecuada. Por esta razón aceptaron la proposición de su pariente Johann Matthias Frankh, director de la escuela y maestro del coro en Hainburg, para que Joseph aprendiera en su casa y practicara como músico. Por tanto, con tan solo seis años, Haydn se marchó con Frankh a Hainburg (a once kilómetros de distancia de su pueblo natal) y nunca más vivió con sus padres.

Haydn formó parte del coro de la Catedral de San Esteban de Viena durante nueve años, de 1740 a 1749.

La vida en casa de Frankh no fue fácil para Haydn, quien después recordaría que pasaba hambre frecuentemente​ y era humillado constantemente por el estado asqueroso de su ropa.​ Sin embargo, comenzó sus estudios musicales allí y pronto pudo tocar el clavecín y el violín, así como cantar las partes de tiple en el coro de la iglesia de Hainburg.

Existen razones para pensar que el canto de Haydn impresionó a quienes lo escucharon porque pronto atrajo la atención de Georg von Reutter,​ el maestro de capilla de la Catedral de San Esteban de Viena, que estaba realizando un viaje por las provincias buscando nuevos talentos para el coro de niños. Haydn pasó con éxito una prueba de audición ante Reutter y en 1740 se trasladó a Viena, donde permaneció como corista durante los siguientes nueve años. A partir de 1745 su hermano menor, Michael, también se incorporó como miembro del coro.

Haydn vivió en la casa de Reutter junto a otros cinco chicos del coro. Recibió lecciones de latín y otras asignaturas, así como clases de canto, violín y teclado.​ Reutter fue de poca ayuda para Haydn en las áreas de teoría musical y composición musical, ya que solo le dio dos lecciones durante el tiempo que permaneció como corista.​ Sin embargo, dado que San Esteban era uno de los principales centros de la música de Europa, Haydn fue capaz de aprender sirviendo a los músicos profesionales que había allí.​

Como Frankh anteriormente, Reutter no siempre se aseguraba de que Haydn estuviera alimentado de forma correcta. Según afirmó más tarde el biógrafo Albert Christoph Dies, Haydn se sentía motivado para cantar muy bien, con la esperanza de obtener más invitaciones a las representaciones que se realizaban ante la aristocracia, donde normalmente se servían refrigerios a los cantantes.​

Mapa con la población natal de Haydn y las ciudades en las que vivió o que visitó.

En 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar los tonos agudos de las obras corales. Con este débil pretexto fue despedido de su trabajo en el coro. Se quedó en la calle sin ningún sitio al que ir.​ Sin embargo, tuvo la suerte de encontrarse con un amigo, Johann Michael Spangler, con quien compartió durante unos meses un cuarto en la atestada buhardilla de su familia. Haydn decidió inmediatamente iniciar su carrera como músico independiente.

Durante esos difíciles años, Haydn desempeñó muchos trabajos diferentes: profesor de música, cantante de serenatas callejero y finalmente sirviente y acompañante del compositor italiano Nicola Porpora, de quien más tarde diría que había aprendido "los verdaderos fundamentos de la composición".​

Cuando era corista, Haydn no recibió una enseñanza seria en teoría musical y composición, lo que percibía como una gran deficiencia. Para paliarla, trabajó en ese sentido a través de ejercicios contrapuntísticos sobre el texto Gradus ad Parnassum de Johann Joseph Fux y estudió detenidamente la obra de Carl Philipp Emanuel Bach, a quien después reconocería como una importante influencia.​

Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerda y su primera ópera, Der krumme Teufel, escrita para el actor cómico Johann Joseph Felix Kurz, conocido artísticamente como "Bernardon". La obra fue estrenada con éxito en 1753 pero pronto fue retirada por los censores.​ Haydn también notó, al parecer sin enfadarse, que las obras que había dado sin recibir remuneración estaban siendo publicadas y vendidas en las tiendas musicales.​

Gracias al incremento de su reputación, Haydn pudo obtener el mecenazgo de un aristócrata, crucial para el desarrollo de la carrera de un compositor en aquella época. La condesa Thun,​ tras ver una de las composiciones de Haydn, lo citó y contrató como su cantante y profesor de teclado.​ El barón Carl Josef Fürnberg empleó a Haydn en su hacienda campestre, Weinzierl, donde el compositor escribió el primer cuarteto para cuerdas. Fürnberg posteriormente recomendó a Haydn al conde Morzin, quien se convirtió en 1757​ en el primer mecenas de Haydn a tiempo completo.​

Nicolás Esterházy fue el mecenas más importante de Joseph Haydn.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante: la de maestro de capilla del conde Morzin, es decir, director musical. Al mismo tiempo componía sus primeras sinfonías para orquesta y dirigía el conjunto del conde. En 1760, con la seguridad que le proporcionaba su puesto como maestro de capilla, Haydn se casó. Su esposa fue Maria Anna Theresia Keller (1730-1800),​ la hermana de Therese (n. 1733), de quien Haydn había estado previamente enamorado. Haydn y su esposa no fueron un matrimonio completamente feliz,​ las leyes de la época no les permitieron separarse y no tuvieron hijos. Ambos tuvieron amantes; Joseph mantuvo una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, Luigia Polzelli, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.​

El conde de Morzin pronto sufrió dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del maestro de capilla de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del Imperio austríaco y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Cuando el viejo maestro de capilla, Gregor Werner, falleció en 1766, Haydn fue ascendido y ocupó dicho cargo.

Como miembro del servicio de la familia Esterházy, Haydn vestía librea y seguía a la familia cuando se trasladaban a sus palacios, el más importante de ellos era el ancestral Castillo Esterházy en Eisenstadt y después el Eszterháza, un gran palacio construido en la década de 1760 en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y dieron a Haydn todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Pál Antal Esterházy en 1762 y, muerto este en 1763, sirvió a su hermano Nicolás Esterházy, llamado el magnífico, durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, así como organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos óperas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados y conciertos de música de cámara diarios en los que el propio príncipe tocaba un inusual instrumento de cuerdas conocido como baritón, para el cual Haydn escribió numerosos tríos). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado.​

Haydn pasaba la mayor parte del año en Eszterháza, un gran palacio propiedad de la familia Esterházy construido en la década de 1760 en Hungría.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo, su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan importantes como sus Sinfonías de París (1785-1786) o Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz (1786) fueron compuestas en aquellos años.

Gradualmente Haydn también comenzó a sentirse más aislado y solitario, particularmente cuando la corte se desplazaba durante la mayor parte del año a Esterháza, lejos de Viena, en lugar de permanecer en Eisenstadt, que estaba más cercano a la capital.​ Haydn tenía muchas ganas de visitar Viena en particular porque sus amistades estaban allí.​ De estas amistades, fue particularmente importante la estrecha y platónica relación que mantuvo con Maria Anna von Genzinger (1750-93), esposa del médico personal del príncipe Nicolás en Viena, en 1789. Haydn escribía a la señora Genzinger con frecuencia, expresándole su estado de soledad en Eszterháza y su alegría por las pocas ocasiones en las que podía visitarla en Viena; más tarde, Haydn la escribió con frecuencia desde Londres. La muerte prematura de esta en 1793 fue un duro golpe para Haydn y puede que compusiera sus Variaciones en fa menor Hob. XVII:6 en respuesta a su muerte.​

Retrato de Ludwig van Beethoven en 1801. Haydn fue su profesor de contrapunto en Viena en el periodo intermedio entre sus visitas a Inglaterra.

Otro de sus amigos en Viena fue Wolfgang Amadeus Mozart, a quien Haydn conoció alrededor de 1784. Según el testimonio posterior de Michael Kelly y otros, los dos compositores interpretaron juntos cuartetos de cuerda ocasionalmente. Haydn estaba enormemente impresionado por las obras de Mozart y lo elogiaba pródigamente ante otras personas. Mozart, evidentemente, devolvió los honores que le había profesado Haydn con la dedicatoria de un conjunto de seis cuartetos de cuerda, llamados actualmente los Cuartetos de Haydn. Ambos pertenecieron a la misma Logia masónica, en Viena.​

En 1790, un año después de la Revolución francesa de 1789 que conmocionó a toda Europa, murió Nicolás, el patriarca de los Esterházy, y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo, aceptó la oferta de Johann Peter Salomon, un empresario musical alemán, para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país entre 1791 y 1792, repetida posteriormente entre 1794 y 1795, fue un gran éxito. Los conciertos de Haydn tuvieron una asistencia masiva y el compositor alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. Recibió el doctorado Honoris Causa en la Universidad de Oxford, e incluso contribuyó a salvar a su amigo, el editor William Napier, de la desesperada situación económica en la que se encontraba. Charles Burney describió así la impresión que le causó el primer concierto: "El propio Haydn lo dirigió desde el pianoforte y la visión de aquel renombrado compositor enalteció a la audiencia y provocó tal excitación, atención y placer como ningún músico había conseguido en Inglaterra".​

Musicalmente, las visitas a Inglaterra de Haydn también fueron muy importantes, ya que allí compuso algunas de sus obras más conocidas, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía Sorpresa, la Sinfonía Militar, la Sinfonía Redoble de timbal y la Sinfonía Londres), el Cuarteto Reiter o el Rondo gitano para trío con piano. El único traspié ocurrido durante sus viajes a Inglaterra fue la ópera Orfeo ed Euridice, también llamada L'Anima del Filosofo, por la que contrataron a Haydn, pero cuya representación fue vetada a causa de intrigas.​ Haydn hizo muchos amigos durante su estancia en la isla y mantuvo una relación romántica con Rebecca Schroeter.

Entre sus visitas, Haydn dio clases de contrapunto a Ludwig van Beethoven en Viena. Beethoven se mostró insatisfecho con la labor de Haydn como profesor y buscó la ayuda de otros; la relación entre ambos fue en ocasiones tensa.​

La casa donde vivió Haydn durante sus últimos años en Viena fue convertida en museo.

Haydn había considerado la posibilidad de quedarse en Inglaterra, pero finalmente volvió a Viena en 1795, donde se hizo construir una gran casa en el suburbio de Gumpendorf (el actual distrito de Mariahilf)​ y decidió dedicarse a la composición de obras sacras para coro y orquesta. Escribió sus más grandes obras sinfónico-corales, los oratorios La creación y Las estaciones, así como seis misas para la familia Eszterházy, que por aquella época estaba nuevamente encabezada por un príncipe con inclinaciones musicales. También compuso música instrumental, como el Concierto para trompeta y orquesta y los últimos nueve cuartetos de cuerda, entre los que se incluyen los conocidos como Quintas, Emperador y Amanecer.

A partir de 1802, una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer. Esto fue indudablemente muy difícil para él ya que, como reconoció, en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado por sus sirvientes y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música. Durante su enfermedad, a menudo se consolaba sentándose solo al piano e interpretando Gott erhalte Franz den Kaiser, que fue compuesta por él mismo en 1797 como un gesto patriótico.​ Esta melodía fue posteriormente usada como los himnos nacionales de Austria y Alemania.

Tumba de Haydn en el cementerio de Viena.

En 1806 se hizo imprimir unas tarjetas para declinar las invitaciones que recibía con el siguiente texto: " Hin ist alle meine Kraft, alt und schwach bin ich" ("Todas mis fuerzas se han ido, soy viejo y estoy cansado"), extraído de la canción El viejo, compuesta en 1796. Haydn falleció el 31 de mayo de 1809 a los 77 años de edad en Viena, mientras la ciudad era atacada por las tropas de Napoleón Bonaparte, durante la batalla de Aspern-Essling. Entre sus últimas palabras se encuentra el intento por calmar y tranquilizar a sus sirvientes cuando un disparo de cañón cayó en el vecindario.​ "Mis niños, no tengáis miedo, donde está Haydn, no puede haber daño".

El 26 de mayo, Haydn tocó tres veces su Dios salve a Francisco el Emperador ( Gott erhalte Franz den Kaiser), con un gusto inusual. La misma tarde se derrumbó y fue llevado a lo que resultó ser su lecho de muerte. Murió pacíficamente en su propia casa a las 12:40 de la mañana del 31 de mayo de 1809, a la edad de 77 años. Dos semanas después, el 15 de junio de 1809, tuvo lugar un servicio fúnebre en la Schottenkirche en el que se interpretó el de Mozart. Fue enterrado en el cementerio de Hundsturm (actualmente Haydnpark), el suburbio de Viena en el que había vivido. En 1820 el príncipe Nikolaus trasladó los restos de Haydn a Eisenstadt, donde reposan desde entonces en una capilla de la Bergkirche. Su cabeza tomó un derrotero diferente ya que fue robada por unos frenólogos poco después del entierro, y el cráneo no se reunió con los otros restos hasta 1954.

Retrato de Haydn ca. 1770, por Ludwig Guttenbrunn.

James Webster afirma sobre Haydn como personaje público lo siguiente:

La vida pública de Haydn ejemplificó el ideal de la Ilustración del honnête homme (hombre honesto): el hombre cuyo buen carácter y éxito mundano se permiten y justifican el uno al otro. Su modestia y probidad fueron conocidas en todos sitios. Estos rasgos no eran requisitos para el éxito como maestro de capilla, empresario y figura pública, pero contribuyeron a una recepción favorable de su música.​

Haydn fue especialmente respetado por los músicos de la corte de los Eszterházy, a los que dirigió, y mantuvo una atmósfera laboral cordial y representó con eficacia los intereses de los músicos con sus mecenas.​

Haydn tenía un gran sentido del humor, evidente en su amor por las bromas pesadas​ que a menudo aparecen en su música y tenía muchos amigos. Durante la mayor parte de su vida se benefició de su "temperamento alegre y feliz por naturaleza",​ pero en los últimos años de su vida, hay evidencias de que pasó periodos de depresión, particularmente en la correspondencia con la señora Genzinger y en la biografía de Dies, basada en las visitas efectuadas a Haydn en su vejez.

Haydn fue un devoto católico que a menudo recurría a su rosario cuando tenía problemas durante la composición, una práctica que habitualmente encontraba efectiva.​ Normalmente comenzaba el manuscrito de cada composición con la frase " in nomine Domini" ("en nombre de Dios") y lo finalizaba con " Laus Deo" ("gloria a Dios").​ Al igual que Mozart, Haydn también fue francmasón.​

Haydn era de corta estatura, quizás como resultado de haber estado desnutrido durante la mayor parte de su juventud. No era guapo y, como muchas otras personas de la época, sobrevivió a la viruela por lo que su cara estaba picada con cicatrices de esta enfermedad. Su biógrafo Dies escribió: "No podía comprender cómo le habían podido amar tantas mujeres bonitas en su vida. No podían haber sido cautivadas por mi belleza ".​

Haydn también sufrió poliposis nasal durante la mayor parte de su vida adulta y en ocasiones le impidió componer; esta fue una enfermedad que causaba debilidad y agonía a quien la padecía en el siglo XVIII.​

Porción de un manuscrito original de Haydn, actualmente en el Museo Británico, tomado de una biografía del compositor disponible en el Proyecto Gutenberg.

James Webster resume el papel de Joseph Haydn en la historia de la música clásica de la siguiente manera:

Destacó en todos los géneros musicales... Es familiarmente conocido como "el padre de la sinfonía" y, con gran justicia, podría ser considerado de igual forma respecto al cuarteto de cuerda; ningún otro compositor se acerca a su combinación de productividad, calidad e importancia histórica en estos géneros.​

Una característica fundamental en la música de Haydn es el desarrollo de estructuras más grandes en lugar de motivos muy cortos y simples, a menudo derivadas de las figuras de acompañamiento habituales. La música es con frecuencia concentrada de manera bastante formal y las partes importantes de un movimiento pueden desarrollarse rápidamente.​

La obra de Haydn fue fundamental en el desarrollo de lo que se denominó forma sonata. Sin embargo, su práctica difiere en algunos puntos de las de Mozart y Beethoven, sus coetáneos más jóvenes que también destacaron en esta forma de composición. Haydn fue particularmente aficionado a la llamada "exposición monotemática", en la que la música que establece la tonalidad dominante es similar o idéntica al tema de apertura. Haydn también difiere de Mozart y Beethoven en sus secciones de recapitulación, donde Haydn a menudo reorganiza el orden de los temas en comparación a la exposición y utiliza un amplio desarrollo temático.​

La inventiva formal de Haydn también lo llevó a integrar la fuga en el estilo clásico y a enriquecer la forma rondó con más cohesión tonal lógica. Haydn fue también el principal exponente de la forma doble variación (variaciones alternas sobre dos temas, que a menudo son los principales y en menor medida versiones el uno del otro).

Quizás más que cualquier otro compositor, la música de Haydn es conocida por su humor.​ El más famoso ejemplo es el repentino acorde agudo en el movimiento lento de su Sinfonía Sorpresa. Otras muchas bromas musicales de Haydn incluyen numerosos falsos finales (por ejemplo, en los cuartetos Op. 33. n.º 2 y Op. 50. n.º 3), y la notable ilusión rítmica en el trío del tercer movimiento op. 50 n.º 1.

Las primeras obras de Haydn datan del periodo en el que el estilo de composición del Barroco tardío (del que fueron máximos exponentes Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel) había pasado de moda. Esa era una época de exploración e incertidumbre y Haydn, nacido 18 años antes de la muerte de Bach, fue uno de los exploradores musicales de su época.​ Un viejo contemporáneo de Haydn cuyas obras este entendió como una importante influencia fue Carl Philipp Emanuel Bach.​

El resto de la obra de Haydn fue producido a lo largo de seis décadas (aproximadamente desde 1749 hasta 1802) y se aprecia un incremento gradual pero constante de la complejidad y sofisticación musical, que se desarrolló según Haydn fue aprendiendo de su propia experiencia o de otros de sus colegas. Se han observado varios hitos importantes, en la evolución de su estilo musical.

A finales de la década de 1760 y comienzos de la década de 1770 Haydn entró en un periodo estilístico conocido como Sturm und Drang (tempestad e ímpetu). Este término fue tomado del movimiento literario aparecido en la misma época, aunque parece que el movimiento musical apareció unos años antes que el literario.​ El lenguaje musical del periodo es similar al usado anteriormente, pero es desplegado en las obras con una mayor intensidad expresiva, especialmente en las obras en tonalidades menores. James Webster describe las obras de este periodo como "más grandes, más apasionadas y más audaces".​ Algunas de sus composiciones más famosas de esta época son la Sinfonía de los adioses, la sonata para piano en do menor (Hob. XVI/20, L. 33) y los Seis cuartetos de cuerda Op. 20 (los cuartetos "Sol"), todos ellos de 1772. En esa misma época Haydn comenzó a mostrar interés en la composición de fugas siguiendo el estilo Barroco y tres de los cuartetos de cuerda Op. 20 acaban con estas fugas.

Cuando el Sturm und Drang llegó a su culmen, Haydn volvió a su estilo más claramente entretenido y encendido. No hay cuartetos de ese periodo y las sinfonías incorporan algunos rasgos nuevos: el primer movimiento ahora contenía en algunas ocasiones introducciones lentas y la instrumentación a menudo incluía trompetas y timbales. Estos cambios suelen estar relacionados con un cambio importante en las funciones profesionales de Haydn, que se trasladó desde la música "pura" y fue hacia la producción de operas buffas, que eran muy populares en el siglo XVIII en Italia. Varias de estas óperas fueron obras propias de Haydn y rara vez son representadas en la actualidad. A veces Haydn recicló su música para ópera en obras sinfónicas,​ que le ayudaron a continuar su carrera como sinfonista durante esa agitada década.

En 1779 tuvo lugar un importante cambio en el contrato de Haydn que le permitió publicar composiciones sin la autorización previa de su mecenas. Puede que este hecho animara a Haydn a retomar su carrera como compositor de música "pura". El cambio se hizo más espectacular en 1781, cuando Haydn publicó los seis cuartetos de cuerda Opus 33, anunciando (en una carta a los potenciales compradores) que habían sido escritos de "una forma completamente nueva y especial". Charles Rosen ha argumentado que esta aseveración por parte de Haydn no solo habla de las ventas sino que también se refiere a un número importante de avances en la técnica compositiva de Haydn que aparecen en esos cuartetos, avances que advierten de la llegada del estilo clásico en su punto de mayor esplendor. Entre ellos se incluye una forma fluida de fraseo, en la que cada motivo emerge desde el anterior sin interrupción, la práctica de permitir que el material de acompañamiento se convirtiera en material melódico y un tipo de " contrapunto clásico" en el que cada parte instrumental mantiene su propia integridad. Estos rasgos continúan en muchos de los cuartetos que Haydn escribió después de los Opus 33.​

En la década de 1790, estimulado por sus viajes a Inglaterra, Haydn desarrolló lo que Rosen denomina como su "estilo popular", una forma de composición que, con un éxito sin precedentes, creó música que tuvo un gran apoyo popular pero manteniendo una estructura musical rigurosa y docta.​ Un elemento importante del estilo popular fue el uso frecuente de música tradicional o un material similar. Haydn tuvo cuidado de desplegar este material en los lugares apropiados, tales como al final de las exposiciones de las sonatas o en los temas de apertura y finales. En estos lugares, el material tradicional servía como un elemento de estabilidad, ayudando a anclar la estructura más amplia.​ El estilo popular de Haydn se puede escuchar virtualmente en todas sus obras posteriores, incluyendo las doce Sinfonías de Londres, los últimos cuartetos y tríos para piano y los dos últimos oratorios.

La vuelta a Viena en 1795 marcó el último punto de inflexión en la carrera del compositor. Aunque su estilo musical evolucionó poco, sus intenciones como compositor cambiaron. Mientras permaneció como sirviente, y después como ajetreado empresario, Haydn escribió sus obras rápidamente y con profusión, con frecuentes plazos de entrega. Como hombre rico, Haydn ahora sentía el privilegio de tomarse su tiempo y escribir para la posteridad. Esto se refleja en el tema de La creación (1798) y Las estaciones (1801), que abordan temas de peso como el significado de la vida y el objetivo de la humanidad y representa un intento de hacer lo sublime en la música. Las nuevas intenciones de Haydn también significaron que el compositor estaba dispuesto a pasar mucho tiempo en una única obra, ya que tardó más de un año en completar ambos oratorios. Haydn afirmó una vez que había trabajado tanto tiempo en La creación porque pensaba que sería su última obra.​

El cambio en el enfoque de Haydn fue importante en la historia de la música y otros compositores pronto siguieron su ejemplo. En particular, Ludwig van Beethoven adoptó la práctica de tomarse su tiempo en las composiciones y de fijarse grandes objetivos.​

Las obras de Haydn figuran en un catálogo elaborado por Anthony van Hoboken. Este recibe el nombre de catálogo Hoboken y asigna a cada obra de Haydn un número de identificación, llamado número Hoboken (cuya abreviatura es H. o Hob.). Los cuartetos de cuerdas también tienen número Hoboken, pero se identifican generalmente por su número de opus, que tiene la ventaja de indicar los grupos de seis cuartetos que Haydn publicó conjuntamente, por lo que, por ejemplo, el cuarteto de cuerdas Opus 76, n.º 3 es el tercero de los seis cuartetos publicados en 1799.

En la Haydn-Haus de Eisenstadt se exhibe ahora un fortepiano Anton Walter en Viena utilizado por el compositor.​ En Viena, en 1788, Haydn compró un fortepiano fabricado por Wenzel Schantz. Cuando el compositor estaba de visita en Londres por primera vez, un constructor de pianos inglés, John Broadwood, le proporcionó un piano de cola.​

Referencias

1. Aunque a veces es llamado Franz Joseph Haydn, el nombre "Franz" no fue usado durante la vida del compositor y es evitado por los estudiosos. Webster, James. "Haydn, Joseph". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. Archivado desde el original el 16 de mayo de 2008.

2. Hubo varias personas que ostentaron el título de "condesa Thun" en aquella época. Las posibles condesas que pudieron contratar a Haydn pudieron ser "la vieja condesa Maria Christine Thun", según Webster; o Maria Wilhelmine Thun, posteriormente famosa por regentar un salón y ser el mecenas de Wolfgang Amadeus Mozart, según (Volkmar Braunbehrens, 1990, Mozart in Vienna).

3. Webster, p. 8. Webster expresa dudas, por ser la fuente uno de sus primeros biógrafos, Nicolas-Étienne Framery, juzgado por Webster, p. 1 como uno de los primeros biógrafos de Haydn menos fiables.

4. Esta fecha es incierta, ya que uno de los primeros biógrafos da la fecha de 1759, según Griesinger. Para corroborar las pruebas el primer dato, véase Landon, p. 34 y Webster, p. 10.

5. La señora Haydn tuvo una relación sentimental en 1770 con Ludwig Guttenbrunn, un artista que realizó un retrato de su marido Landon, p. 109. Joseph Haydn tuvo una larga relación con la cantante Luigia Polzelli, que comenzó en 1779 y fue probablemente el padre de su hijo Antonio Landon, p. 116.

6. Esta visión es dada, por ejemplo, por Webster, p. 13 y Landon, p. 37.

7. Mozart y la Masonería: El gran arquitecto de la música Archivado el 3 de febrero de 2012 en Wayback Machine. Consultado el 17 de abril de 2011

8. El estreno de esta obra tuvo lugar en 1951, en el Festival de mayo de Florencia con Maria Callas en el papel de Eurídice. La ópera y su historia es discutida en Geiringer, pp. 342-343.

9. La casa, en Haydngasse 19, ha sido desde 1899 un museo dedicado al compositor: "Haydnhaus" (en inglés). Archivado desde el original el 22 de febrero de 2014.

10. Deutsch, Otto Erich (1966). Mozart: A Documentary Biography. Stanford University Press. p. 236. .: "El 11 de febrero de 1785 Haydn fue admitido en la logia Zur wahren Eintracht (Concordia verdadera) pero como nunca apareció por allí, nunca pasó del grado de aprendiz".

11. Discusión en "The Agony of Nasal Polyps and the Terror of Their Removal 200 Years Ago" por Jack Cohen, MD. Este artículo apareció en The Laryngoscope, 108(9): 1311-1313, septiembre de 1998.

12. Webster, James. "Haydn, Joseph". Grove Music Online (en inglés). L. Macy. Archivado desde el original el 16 de mayo de 2008.

13. Sutcliffe, p. 343 menciona esto en una crítica a la interpretación contemporánea de Haydn:

La música [de Haydn] algunas veces parece "muy ansiosa" ... Es sobre todo en cuanto a que las representaciones de la música de Haydn a menudo fallan, porque la mayor parte de los intérpretes carecen de la agilidad mental para cambiar continuamente la "fisonomía" de la música de Haydn, que desemboca en cambio en una facilidad en la forma y un interés por los efectos más amplios que ellos han adquirido en su interpretación de las obras de Mozart.

14. Hughes, p. 112 escribe:

Habiendo comenzado a "desarrollarlo", no podía parar; sus recapitulaciones comienzan a tomar contornos irregulares, algunas veces bruscamente condensados, otras veces sorprendentemente dilatados perdiendo su primera simetría insulsa para recuperar un equilibrio mucho más alto y un orden más satisfactorio.

15. Rosen, p. 57 escribe:

El periodo desde 1750 hasta 1775 estuvo penetrado por la excentricidad, la experimentación poco científica, dando como resultado obras que aún son difíciles de aceptar actualmente por sus singularidades.

Comentarios similares se realizan en Hughes, pp. 111-112.

16. Véase Webster, p. 18:

El término había sido criticado: tomado del título de una obra de teatro de 1776 de Maximilian Klinger, que pertenece propiamente al movimiento literario de la mitad y finales de la década de 1770 en lugar de un movimiento musical entre 1768-1772.

17. Rosen afirma que el Opus 33 representa una "revolución en el estilo" (1971 y 1997, 116) puede ser encontrado en el capítulo III.1 de (Rosen 1971 y 1997). Para visiones distintas, véase Larsen, p. 102 y Webster.

Una traducción al inglés del original en alemán: Biographische Nachrichten von Joseph Haydn nach mündlichen Erzählungen desselben entworfen und herausgegeben. Camesinaische Buchhandlung, Viena. 1810. Una de las primeras biografías de Haydn, escrita basándose en 30 entrevistas durante los últimos años del compositor.

La primera edición fue publicada en 1946 con Karl Geiringer como único autor.

Una traducción al inglés del original en alemán: Biographische Notizen über Joseph Haydn. Leipzig. 1810. Como Dies, una biografía realizada a través de entrevistas en los últimos años de Haydn.

Hughes, Rosemary (1970). Haydn (Revisada edición). Nueva York: Farrar Strauss and Giroux. Publicado originalmente en 1950. Realiza una biografía comprensiva e ingeniosa de la vida de Haydn, con una revisión de su música.

Landon, H. C. Robbins (1976-1980). Haydn: Chronicle and Works. Bloomington, IN: Indiana University Press. Una extensiva compilación de fuentes originales en cinco volúmenes.

Capítulos de la biografía por Robbins Landon, extractos de Robbins Landon (1976-1980) y rico en documentos originales de la fuente. Análisis y apreciación de los trabajos por Jones

Larsen, Jens Peter (1980). "Joseph Haydn". New Grove Dictionary of Music and Musicians. Publicado por separado como libro:

Webster, James; Feder, Georg (2001). "Joseph Haydn". The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Publicado separadamente como libro: Actualizado por académicos con pocas modificaciones subjetivas.

Brendel, Alfred (2001). "Does classical music have to be entirely serious?". En Edna y Avishai Margalit, ed. Isaiah Berlin: A Celebration. Chicago: University of Chicago Press. pp. 193-204. . Sobre las bromas entre Haydn y Beethoven.

Hughes, Rosemary (1966). Haydn String Quartets. London: BBC. Una breve introducción de 55 páginas a los cuartetos para cuerda de Haydn.

Rosen, Charles (1997). The classical style: Haydn, Mozart, Beethoven (2ª edición). Nueva York: Norton. . Primera edición publicada en 1971. Cubre la mayor parte de la producción de Haydn y procura explicar el papel central de Haydn en la creación del estilo clásico. La obra ha sido influyente, provocando citaciones positivas y obras (por ejemplo, Webster 1991) escritas a posteriori.

Sutcliffe, W. Dean (1989). "Haydn's Musical Personality". The Musical Times 130: 341-344.

Webster, James (1991). Haydn's Farewell symphony and the idea of classical style: through-composition and cyclic integration in his instrumental music. Cambridge: Cambridge University Press. . Este libro se centra en una única obra, pero contiene muchas observaciones y opiniones sobre Haydn en general.

Enlaces externos

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Joseph Haydn - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Honorary citizen of Vienna Franz Joseph Haydn ( pronunciado )​ ( Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732- Viena; 31 de mayo de 1809), conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco.

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Ludwig van Beethoven va ser un compositor alemany important que va abastar des del Classicisme fins al Romanticisme, influint en l'evolució de la música.
El seu impacte va ser significatiu en les seves obres per a piano i música de cambra, a més de les seves simfonies i altres gèneres musicals.

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Isabella de' Medici : Lieta vivo et contenta

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Lucia Quinciani : Udite lagrimosi spirti

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Clara Schumann - Piano Sonata in G minor

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Clara Schumann - "Die Lorelei" for voice and piano (audio + sheet music)

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Antonio Caldara, un compositor italià emprat en la cort imperial austríaca, va escriure òperes, oratoris, misses i música de cambra.
Entre les seves obres més conegudes es troben òperes com Argene, Farnace i Partenope, i oratoris com Giuseeppe i La Passione di Gesù Crist.
Caldara va ser un autor prolífic amb més de setanta-quatre òperes i trenta-dos oratoris en la seva carrera musical, destacant per la seva facilitat inspiradora i el seu treball en ciutats com Viena, Roma i Madrid.

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Antonio Caldara, ( Venecia, 1670 - Viena, 26 de diciembre de 1736) fue un prolífico compositor italiano, que trabajó inicialmente en Venecia y luego en Barcelona y en Viena.

Se cree de forma casi concluyente que nació en Venecia. Allí fue discípulo de Giovanni Legrenzi y, a los 19 años, debutó como compositor de óperas con L'Argene. Fue sucesivamente violonchelista en la Basílica de San Marcos de Venecia (1693-1700), y compositor de cámara de Carlos III (Pretendiente al trono durante la guerra de sucesión española y posteriormente Carlos VI del Sacro Imperio Romano Germánico) en Barcelona.

En 1712 vivía en Viena pero viajaba frecuentemente a Bolonia y a Roma. En 1716 aceptó el puesto de vicemaestro de capilla de la Corte de Viena bajo la dirección de Johann Joseph Fux. Aquí fue donde realizó sus principales aportaciones a la música vocal. Era muy apreciado por los Habsburgo, y permaneció en Viena hasta su muerte.

Su obra se sitúa en la transición del Barroco al Barroco tardío. En su etapa final también puede ser considerado como precursor del preclasicismo.

Caldara dejó 78 óperas serias, entre ellas Il più bel nome, estrenada en Barcelona en 1708, que es la primera ópera representada en esta ciudad y la primera ópera italiana representada en la península ibérica; así como Dafne, representada en Salzburgo en 1719.

En Viena representó numerosas óperas: Andromaca 1724, 1731, Adriano in Siria 1732, L'Olimpiade y Demofoonte ambas en 1733; Achille in Sciro y Ciro riconosciuto ambas en 1736, todas ellas con libreto de Pietro Metastasio. 38 oratorios (especialmente Il re del dolore, estrenado en 1722, y La morte e sepultura di Cristo, estrenado en 1723), 20 misas, numerosos motetes, un centenar de cantatas profanas, 40 madrigales y más de 300 cánones. En su juventud también publicó dos colecciones de sonatas a tres.

En 1995, René Jacobs recuperó el manuscrito y grabó su oratorio Maddalena ai piedi di Cristo, de 1698.

Sofonisba (F. Silvani), Venecia, Teatro San Giovanni Grisostomo/Teatro Malibran, 1708.

Lucio Papirio dittatore (Zeno), Viena, 1719.

I Disingannati (Pasquini), Viena, 1729.

Adriano in Siria (Metastasio), Viena, 1732.

L'Olimpiade (Metastasio), Viena, 1733.

La clemenza di Tito (Metastasio), Viena, 1734

Achille in Sciro (Metastasio), Viena, 1736.

12 Suonate a tre [da chiesa], Op. 1 (Venecia, G. Sala, 1693; Ámsterdam, E. Roger, 1698).

12 Suonate [a tre] da camera [incl. Ciacona], Op. 2 (Venecia, G. Sala, 1699 e 1701).

12 Cantate da camera a voce sola, Op. 3 (Venecia, G. Sala, 1699).

12 Motetti a due, e tre voci, Op. 4 (Bolonia, Salvani, 1715).

The Favorite Songs in the Opera call'd Ormisda (1730).

5 messe in Chorus musarum divino Apollini accinentium (Bamberg, 1748-1749).

Peccavi super numerum, Op. 4/11 (G. Paolucci arte práctica de contrapunto, I, Venecia, 1765).

Il Trionfo della continenza (B. Sandrinelli), Venecia, 1697.

Maddalena ai piedi di Cristo (L. Forni), presumiblemente Venecia antes de 1700; Viena, 1713.

La Frode della castità, presumib. Venezia o Mantua, c. 1700; Roma, 1711, 1712, 1713.

Le Gelosie d'un onore utilmente crudele (G. Gabrielli), presumib. Venecia o Mantua, c. 1700; Bolonia, Roma, 1711, 1712, 1713, 1716.

Il Trionfo della innocenza, presumib. Venecia o Mantua, c. 1700; Florencia, 1704; Roma, 1711, 1712, 1713.

Il Ricco epulone (Sandrinelli), Venecia post. 1700; Roma, 1711, 1712, 1713.

La Castità al cimento (card. P. Ottoboni?), probablemente Roma, 1705, 1710, 1711, 1712, 1713.

Il Martirio di S. Caterina (F. Forzoni Accolti), Roma, 1708; Viena, 1734(?).

Oratorio per S. Francesca Romana, Roma, 1710, 1711, 1712, 1713; Viena, 1712; Perugia, 1970.

Oratorio di S. Stefano primo re dell'Ungheria, compuesto prob. en Viena, 1712; Roma, 1713, 1726; San Severino, no antes de 1715.

S. Flavia Domitilla, Roma, 1713, 1715; Viena, 1714.

S. Ferma (1a stesura), compuesto en Roma, 1713; Roma, 1715, 1716.

Oratorio per la SS.ma Annunziata, compuesta en Roma, 1713; ibid. 1715, 1718.

Abisai, Roma, 1715, 1716.

Jefte, Roma, 1715, 1716.

La Conversione di Clodoveo re di Francia (C. S. Capece), Roma, 1715, 1716.

La Ribellione d'Assalonne, Roma, 1715, 1716; Salzburgo, entre 1716 y 1728.

S. Ferma (2ªstes.), Viena, 1717.

Cristo condannato (P. Pariati), Viena, 1717.

Il Martirio di S. Terenziano (G. Piselli), Viena, 1718; probablemente también Salzburgo.

La Caduta di Gerico (A. Gargieria), Viena, 1719; Brno, 1730.

Assalonne (G. A. Bergamori), Viena, 1720, Salzburgo, 1728(?).

Giuseppe (A. Zeno), Viena, 1722; Praga.

Il Re del dolore (Pariati), Viena, 1722 y probablemente Salzburgo, Praga, 1723; Perugia y Venecia 1957.

Ester (E. Fozio), Viena, 1723, 1730 e prob. Salisburgo.

Morte e sepoltura di Cristo (Fozio), Viena 1724 y probablemente Salzburgo, Dresde y Brno, 1730; Viena 1823, 1834.

Le Profezie evangeliche di Isaia (Zeno), ibid. 1725, 1729.

Gioseffo, che interpreta i sogni (G. B. Neri), Viena, 1726.

S. Giovanni Nepomuceno, comp. 1726; Viena (?) y Salzburgo.

Gioaz (Zeno), Viena 1726 y probablemente Salisburgo.

Il Morto redivivo overo S. Antonio (C. Montalbano), Salzburgo, 1726.

Il Batista (Zeno), Viena, 1727 y probablemente en Salzburgo; Holegov 1736; Vienna 1740.

Gionata (Zeno), Viena, 1728; Naboth (Zeno), ibid. 1729, 1738 y probablemente en Salzburgo.

La Passione di Gesù Cristo (P. Metastasio), Viena 1730, 1736; Venecia, 1732; Bolonia, 1733, Jaroméfice, 1736; Roma, 1970.

Sant'Elena al Calvario (P. Metastasio), Viena 1731.

La morte d'Abel (P. Metastasio), Viena 1732.

Vaticini di pace a 4 (P. Gini), Roma, 1712.

Amici pastorelli a 3, ibid. 1713.

Cantata da recitarsi la notte del SS. Natale nel Palazzo Apostolico a 3 (P. Gini), ibid. 1713.

5 Cantate per il SS.mo Natale, Roma 1713 (a 4), 1714 (a 2, a 3), 1715 (a 4, a 5).

Nice lascia d'amore a 3, ibid. 1715.

Amor senza amore a 3, ibid. 1716.

Momento de una representación de

Il Natale d'Augusto (Castillo de Český Krumlov, 2017).

Il Natale d'Augusto a 3, Viena 1716.

Il Trionfo d'Amore e d'Imeneo a 2, ibid. 1722.

Melibeo e Tirsi, ibid. 1727.

La Corona d'Imeneo a 4, ibid. 1728.

La Gara di Pallade e Venere, ibid. 1729.

Germania, il dì che splende a 2, ibid. 1730.

Cantata pastorale eroica a 5 (Nigella, Clori, etc.), ibid. 1730.

Il Nome di Giove a 3, ibid. 1731.

Il Giuoco del quadriglio a 4, ibid. 1734.

Muchas cantatas a 2, otras 300 cantatas para voz solista y otros 500 cánones.

Arias, madrigales, cantatas sacras y motetes para voz solista.

Discografía

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Antonio Caldara - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Antonio Caldara, ( Venecia, 1670 - Viena, 26 de diciembre de 1736) fue un prolífico compositor italiano, que trabajó inicialmente en Venecia y luego en Barcelona y en Viena. Se cree de forma casi concluyente que nació en Venecia. Allí fue discípulo de Giovanni Legrenzi y, a los 19 años, debutó como compositor de óperas con L'Argene.

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Hector Berlioz - La Damnation de Faust Op. 24 Marche Hongroise

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Berlioz - Symphonie Fantastique - Dream Of A Witches Sabbath

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Jean-Baptiste Loeillet de Londres va ser un músic i compositor belga conegut per difondre la flauta traversa al Regne Unit.
Fill de Jacques Loeillet, també compositor, es va mudar a Londres en 1705.
No tenia relació amb el compositor francès Jean-Baptiste Lully.

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Hildegard of Bingen: De Spiritu Sancto (Holy Spirit, The Quickener Of Life)

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Reger, nascut en Brand, Baviera, va ser un destacat músic i compositor que va ensenyar a Munic i Leipzig.
A més de dirigir orquestres i tocar el piano, va renunciar al seu càrrec en Meiningen per motius de salut en 1914 i va morir d'un infart a Leipzig durant la Primera Guerra Mundial.

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Canto de Santa Hildegarda: "La Corona de la Virgen" [O Virga Ac Diadema]

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Aleksandr Porfírievich Borodín va ser un compositor, doctor i químic rus.
Va formar part del grup dels Cinc i va destacar en el nacionalisme rus.
És conegut per les seves obres simfòniques i òperes, com El príncep Ígor.
També va ser defensor dels drets de les dones i va fundar una Escola de medicina per a dones a Sant Petersburg.

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Franz Joseph Haydn - "Surprise" (Symphony no. 94)

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Elena Cernei - Antonio Caldara COME RAGGIO DI SOL

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Sebastià Iradier, compositor espanyol, va col·laborar en sarsueles a Madrid i després va viatjar a París i Cuba, on es va inspirar en els ritmes criolls.
La seva obra inclou cançons fàcils que van tenir èxit i van ser interpretades per grans cantants de l'època.
Cançons destacades com El Colom i El Arreglito van influir en la música d'altres compositors com Georges Bizet.

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Mariana Martínez, també coneguda com Nanette Martinez, va ser una compositora, cantant i intèrpret de teclat espanyola nascuda a Viena en 1744.
Va ser alumna de Joseph Haydn i va destacar per expandir les formes musicals de la seva època més enllà de l'esperat per a una dona.
Va morir a Viena en 1812.

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Mariana Martínez o Marianne von Martinez, bautizada como Anna Catharina, también llamada Nanette Martinez (4 de mayo de 1744, Viena - 13 de diciembre de 1812, Viena) fue una compositora, cantante e intérprete de teclado, de familia de origen español. Fue discípula de Joseph Haydn, quien la llamaba "la pequeña española".​ Probablemente sea la compositora más citada de su tiempo, fue ella quien tomó a gran escala las formas musicales de su época y las llevó más allá de lo que se creyó eran las habilidades de una mujer.​

Marianna nació en un edificio del Michaelerplatz en 1744 siendo bautizada con el nombre de Anna Caterina.​ Ya de mayor, optó por utilizar el nombre de Marianna.

El abuelo de Marianna, por lado paterno, era un soldado de origen español instalado en Nápoles. Su padre, Nicolò Martínez, nacido en Nápoles hacia el año 1689, inició una carrera militar que le llevó a luchar en Alemania a favor de Carlos VI. Una vez se encontraba en territorio alemán conoció a Maria Theresia, madre de Marianna, con quién se casó. Nicolò encontró finalmente un puesto para servir en la Nunciatura de Viena, la embajada papal en el imperio austríaco, como Maestro di Camera.​ Los padres de Marianna se instalaron en Viena entre los años 1729 y 1732. Hacia 1735 residían en el tercer piso de la Michaelerhaus, un gran edificio en el Michelerplatz de Viena, y allí compartieron vivienda con Pietro Trapassi, más conocido como Metastasio, gran amigo de Nicolò Martínez desde su juventud. La planta inferior del edificio estaba ocupada por la familia Esterházy y el piso intermedio lo ocupaba Nicola Porpora. En el ático se alojó durante algunos años el joven Joseph Haydn, que fue ayudante de cámara y alumno del maestro Porpora.

Debido a la intervención de Metastasio, que pudo advertir el talento musical de Marianna, la joven empezó a tomar lecciones de teclado con Joseph Haydn y de canto con Nicola Porpora. Marianna también recibió lecciones de composición de Johann Adolph Hasse y del compositor de la corte imperial Giuseppe Bonno. No solo recibió lecciones de música sino que pudo tener, de nuevo en parte gracias al interés de Metastasio, una buena educación general.​

Dado su precoz talento Marianne Martínez actuaba para la corte imperial desde su niñez. En palabras de Helene Wessely "atraía la atención con su maravillosa voz y forma de tocar el teclado".​ Ya adulta fue reclamada para actuar en muchas ocasiones por la emperatriz María Teresa.​

Su forma de tocar el clave fue comparada en su época con la de C.P.E. Bach y llegó a ser admitida en la L'Accademia Filarmonica di Bologna en el año 1773.

Gran parte de la producción de su obra la componen piezas para voz y sus principales biógrafos (Godt, Wessely) conjeturan que podrían tratarse de piezas que componía para ser interpretadas por ella misma. De ser esto cierto estas piezas contituirían una evidencia de su gran capacidad vocal ya que contienen muchos pasajes de coloratura, saltos de grandes intervalos y trinos, lo que indicaría que poseería una excelente técnica vocal.

Martinez escribió algunas cantatas seculares y dos oratorios con texto italiano escritos por su amigo Metastasio. Entre las composiciones que han llegado hasta hoy encontramos cuatro misas, seis motetes, dos oratorios, una colección de cantatas, tres sonatas, un concierto para teclado y una sinfonía.

Su tercera misa fue estrenada en la Michaelerkirche, cerca de la residencia de los Martínez, en 1761. Su oratorio Isacco figura del redentore fue estrenado el 17 de marzo de 1882 en la Tonkünstler-Societät junto a obras de J. Haydn, W. A.Mozart, L. Beethoven y G. F. Haendel con la presencia de los solistas Caterina Cavalieri y Johann Ignaz Ludwig Fischer.​

Tanto Marianna como su hermana cuidaron del poeta Metastasio hasta su muerte en 1782 y él dejó sus posesiones en herencia a la familia Martínez, recibiendo Marianna 20.000 florines, su clave y su biblioteca musical. Las hermanas Martínez acogían en su casa semanalmente eventos musicales que atraían a los mejores músicos de la ciudad. Asiduos a estas veladas fueron J. Haydn, el tenor irlandés Michael Kelly o W. A. Mozart, que escribió sus sonatas a cuatro manos para ser interpretadas precisamente junto a Marianne.

Aunque su carrera musical fue muy activa y causaba gran admiración su habilidad interpretativa nunca llegó a ejercer oficialmente como intérprete o compositora. En la sociedad de la época no era un trabajo bien visto para una mujer.

Marinanne Martinez murió el 13 de diciembre de 1812 y fue enterrada en el cementerio de San Marx.

En años recientes han sido publicadas varias de sus obras. Sus sonatas para teclado (en Mi mayor, en Sol mayor y en La mayor) pueden adquirirse a través de la editorial Hildegard. La editorial alemana Furore-Verlag, especializada en obras realizadas por compositoras, ha publicado también algunas de sus composiciones incluyendo el concierto para teclado en La mayor, Dominus Dixit (para solistas, coro y orquesta), In exitu Israel (para solistas, coro y orquesta), Psalm 112 (para coro y orquesta) o su cuarta misa para coro.

RAH - Mariana de Martínez

Godt, Irving, "Marianna in Italy: The International Reputation of Marianna Martines," The Journal of Musicology, vol. XII/4, 1995, pp. 538-561.

Godt, Irving, "Marianna in Vienna: A Martines Chronology", The Journal of Musicology, vol. XVI/1, 1998, pp. 136-58.

Godt, Irving (John A. Rice, ed.), Marianna Martines: A Woman Composer in the Vienna of Mozart and Haydn (Rochester, NY, University of Rochester Press, 2010) (Eastman Studies in Music).

Harer, Ingeborg, "Martines, Marianna von", Die Musik in Geschichte und Gegenwart, (Kassel: Bärenreiter, 2004), Personenteil vol. 11, 1188-89.

Jackson, Barbara Garvey. "Musical Women of the Seventeenth and Eighteenth Centuries." In Women and Music: A History, ed. Karin Pendle, 54-94. Bloomington: Indiana University Press, 1991.

Neuls-Bates, Carol, ed. Women in Music. Boston: Northeastern University Press, 1996.

Pendle, Karin. "Marianne von Martinez." In Historical Anthology of Music by Women, ed. James Briscoe, 88-89. Bloomington: Indiana University Press, 1987.

Pohl, Carl Ferdinand (1871) Denkschrift aus Anlass des hundert-jährigen Bestehens der Tonkünstler-societät, im Jahre 1862 reorganisirt als "Haydn", Witwen und Waisen-Versorgungs-Verein der Tonkünstler in Wien. Vienna.

Wessely, Helene. "Martinez, Marianne von," Grove Music Online ed. L. Macy (Accessed 27 January 2007) Archivado el 16 de mayo de 2008 en Wayback Machine.

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Marianne von Martinez - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Mariana Martínez o Marianne von Martinez, bautizada como Anna Catharina, también llamada Nanette Martinez (4 de mayo de 1744, Viena - 13 de diciembre de 1812, Viena) fue una compositora, cantante e intérprete de teclado, de familia de origen español.

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Michael Anthony Torres Monge (Sant Joan, 15 de gener de 1994), conegut artísticament com Myke Towers, és un cantant i compositor porto-riqueny.

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Michael Anthony Torres Monge ( San Juan, 15 de enero de 1994), conocido artísticamente como Myke Towers, es un cantante y compositor puertorriqueño.

Nacido el 15 de enero de 1994 en Río Piedras, una localidad de San Juan, Puerto Rico. Desde temprana edad demostró interés por la música. Inspirado por el rap de la década de 1990, comenzaría a practicar de manera independiente y posteriormente a grabar varios demos.​

Inicios y El final del principio (2016-2018)

En sus primeros pasos en la música, empezó a publicar sus primeros temas en la plataforma digital SoundCloud, en donde logró ganar cierta aceptación en Puerto Rico.​ Originalmente su nombre artístico era Mike, pero fue modificado como Myke para juntar las letras "Y" y "K", que significan Young Kingz.​

En 2016 publicó su mixtape debut El final del principio, que debutó en el primer lugar de la lista iTunes y alcanzó el puesto número doce en el Latin Rhythm Albums.​ El disco estuvo producido por el sello discográfico G Starr Entertainment del cual se desprenden sencillos como "Dinero en mano", "Déjate ver", "No sabe nada" o "Alternativas".​

Easy Money Baby (2019-2020)

En 2019 estrenó los sencillos "Si se da", junto a Farruko y posteriormente lanzó la versión remix en colaboración con Arcángel, Sech, y Zion.[cita requerida] También lanzó la versión remix de "La playa" que contó con Maluma y Farruko, y colaboró con Becky G en la canción " Dollar", la cual fue lanzada con un video musical el 12 de julio.​ El 20 de diciembre, lanzó "Perriandote" junto a Luigi 21 Plus y Ñengo Flow.​

El 24 de enero de 2020, publicó su álbum de estudio debut titulado Easy Money Baby, en honor a su hijo Shawn Torres. El álbum alcanzó el puesto número uno en el Top Latin Albums durante 83 semanas consecutivas​​ y fue nominado para los Premios Grammy Latinos como mejor álbum de música urbana.​ Con su participación con Wisin en Los Legendarios 001 en la canción "Mi niña" alcanzó el primer lugar en la lista Latin Airplay de ,[cita requerida] a su vez, certificación de platino por la RIAA,[cita requerida] y posteriormente, colaboró para el remix junto a Anitta y Maluma.​

El 23 de abril de 2021 publicó su segundo álbum de estudio Lyke Mike. El título hace referencia a su nombre artístico anterior, mientras que el número de pistas (23) hacen homenaje al número de camiseta del exbaloncestista Michael Jordan. Cuenta con las colaboraciones de Jon Z, Ñengo Flow y Sahir.​

El 23 de marzo de 2023 lanzó su tercer álbum de estudio La vida es una, que contempla géneros variados. También incluye veintitrés canciones, entre ellas colaboraciones de Arcángel, J Balvin, Chita, Ozuna y Daddy Yankee.​ Durante julio de 2023, la pista número veintidós " Lala" se ubicó entre las posiciones más altas en listas de varios países, a partir de su viralización en la plataforma TikTok.​​ También se convirtió en la primera canción de Towers en liderar la lista Global 200 Excl. US de .​

Discografía

Álbumes de estudio

Notas

1. "Si Se Da" no entró en el Billboard Hot 100, pero alcanzó el puesto número 7 en la lista Bubbling Under Hot 100 Singles.​

2. "Mi Niña" no entró en la lista Billboard Hot 100, pero alcanzó el puesto 18 en la lista Billboard Bubbling Under Hot 100.​

Videos musicales

Premio Lo Nuestro

Premios Juventud

Premios Billboard de la música latina

Premios Tu Música Urbano

Latin Grammy Awards

MTV MIAW Awards

Nickelodeon Kids' Choice Awards México

Latin American Music Awards

LOS40 Music Awards

Premios Heat Latin Music

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Myke Towers - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Michael Anthony Torres Monge ( San Juan, 15 de enero de 1994), conocido artísticamente como Myke Towers, es un cantante y compositor puertorriqueño. Nacido el 15 de enero de 1994 en Río Piedras, una localidad de San Juan, Puerto Rico. Desde temprana edad demostró interés por la música.

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· Beethoven · Sinfonía n.º 5 · Completa.

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CLARO DE LUNA  (Moonlight Sonata)   - BEETHOVEN

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Jean-Baptiste Loeillet (de Londres) Suites E-moll

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Jean-Baptiste Loeillet of London - Trio Sonata in F Major, Op. 2 No. 2

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Martinez - Piano Sonata No. 3 in A major

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Max Reger – Phantasie und Fuge über B-A-C-H (op. 46) im Kölner Dom

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Max Reger - 4 Tone Poems after Arnold Böcklin, Op. 128

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Alexander Borodin: In the Steppes of Central Asia