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DEPOSIZIONE ROSSO FIORETINO

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La Deposizione Dalla Croce del Rosso Fiorentino Analizzata da Michelangelo Moggia

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I capolavori di Raffaello Sanzio

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TARDO RINASCIMENTO RAFFAELLO, TIZIANO, PALLADIO

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Raffaello Urbinate nel contesto storico e nel rapporto con Michelangelo e Leonardo

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Raffaello - Il prodigio della perfezione - parte 2di3

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Vita e opere di uno dei più grandi artisti del Rinascimento Italiano.

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Raffaello

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Raffaello Sanzio: vita e opere in 10 punti

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LA CAPPELLA SISTINA

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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza. Secondo alcuni studiosi le dimensioni ricalcano quelle dell'antico Tempio di Salomone a Gerusalemme.Nasce dal restauro della Cappella Magna e deve il nome a Sisto IV, il pontefice che intorno al 1475 avvia i lavori. La decorazione è affidata a grandi artisti come il Perugino, il Ghirlandaio e Sandro Botticelli. Gli affreschi delle pareti hanno tre temi principali: la vita di Mosè, la vita di Cristo e i ritratti dei pontefici del passato. La volta riproduce un cielo stellato. Nel 1508, Papa Giulio II decide di arricchire le decorazioni della volta. Affida l'incarico al pittore e scultore toscano Michelangelo Buonarroti. Nell'arco di 4 anni Michelangelo realizza un affresco maestoso. La parte centrale della volta racchiude passaggi della Genesi: la creazione di Adamo, il diluvio universale, la missione di Noè. A fare da cornice a questa narrazione, Michelangelo dipinge immagini di Sibille e Profeti. La plasticità di queste figure e il loro isolamento creano una sensazione di profonda spiritualità. A vent'anni di distanza, Michelangelo è chiamato per un nuovo lavoro nella Cappella Sistina. Gli viene commissionata la realizzazione della grande parete alle spalle dell'altare: l'opera deve rappresentare il momento travagliato che la Chiesa sta attraversando. È infatti il periodo di poco successivo alla riforma del monaco tedesco Martin Lutero: solo pochi anni prima si è verificato il cosiddetto Sacco di Roma, l'invasione della città ad opera di mercenari tedeschi protestanti.

Michelangelo copre le decorazioni esistenti e realizza un secondo affresco. È il Giudizio Universale, largo circa 14 metri e alto 12. Michelangelo pone come sfondo un cielo privo di riferimenti prospettici e lo riempie di figure umane strette in piccoli gruppi. L'eccezionale dinamismo delle immagini riesce a riprodurre il sentimento di forte angoscia dell'umanità di fronte al tribunale divino. Le nudità presenti nel Giudizio Universale provocano grandi critiche e nel corso degli anni diversi pittori sono chiamati a coprirle. Questo incidente di percorso non incide sulla fortuna delle opere. Nei suoi affreschi, Michelangelo unisce un sincero sentimento di fede cristiana ad una grande attenzione all'uomo e alla sua condizione, rendendo la Cappella Sistina un simbolo del Rinascimento. Ancora oggi la cappella è la sede del conclave, l'assemblea di cardinali che elegge il nuovo Papa. La Cappella Sistina si trova all'interno dei Musei Vaticani, nella Città del Vaticano.

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La Cappella Sistina è una chiesa ad una navata che si trova all'interno della Città del Vaticano. Di forma rettangolare, le sue misure sono circa 41 metri di lunghezza, 13 di larghezza e 20 di altezza.

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GIUDIZIO UNIVERSALE

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Cappella Sistina: Giudizio Universale - Michelangelo 2 di 2

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per iniziare Michelangelo

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MICHELANGELO - INFINITO | Trailer Ufficiale

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esercitazioni pratiche grafiche

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TAVOLE PER LA SECONDA MEDIA SECONDO QUADRIMESTRE

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LA PROSPETTIVA CENTRALE

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GALLERIA DI IMMAGINI IN PROSPETICA SCIETIFICA CENTRALE

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La Flagellaizoni di Piero della Francesca

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Michelangelo- OVO

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Scultore, pittore e architetto, Michelangelo Buonarroti è uno dei grandi maestri del Rinascimento, periodo in cui una grande fioritura artistica e culturale si diffonde da Firenze in tutta Europa. Michelangelo nasce il 6 marzo 1475 a Caprese, vicino ad Arezzo, da una famiglia fiorentina. A 13 anni si trasferisce a Firenze, la città è governata da Lorenzo de'Medici, mecenate e letterato. Va a bottega dal pittore Domenico Ghirlandaio, dove studia i dipinti di Giotto e Masaccio. Se ne va prima di finire l'apprendistato. Michelangelo si sente infatti scultore. Colpito dalla bellezza delle sue prime sculture, Lorenzo de'Medici lo invita a corte dove Michelangelo studia anatomia osservando le statue classiche della collezione Medici.

Nel 1496 è a Roma dove si cimenta in uno dei grandi soggetti della tradizione iconografica cattolica: La Pietà. Le due figure sono ricavate da un unico blocco. Per Michelangelo la scultura è imprigionata nel marmo, all'artista spetta solo il compito di liberarla. Nel 1501 è a Firenze dove realizza il David. Scolpisce l'eroe biblico nell'attimo che precede l'azione. In occasione delle nozze del nobile Angelo Doni dipinge il Tondo Doni. La torsione dei busti e la plasticità dei gesti danno alla composizione un energico dinamismo. Nel 1504 viene affidata a Michelangelo e a Leonardo la realizzazione degli affreschi per Palazzo Vecchio. I due artisti sono da sempre rivali. Michelangelo è più giovane e insidia la fama del grande maestro.

La sfida non avviene; Papa Giulio II chiama Michelangelo a Roma per la realizzazione della propria tomba. Il carattere sospettoso e turbolento di Michelangelo contribuirà a ritardare di molti anni la conclusione dei lavori. Nel 1508 gli viene affidato l'affresco della Cappella Sistina in Vaticano. Michelangelo è titubante, non si sente un pittore. Poi accetta. Dipinge da solo, sdraiato supino sui ponteggi, per 4 anni. Nella Sistina, lo stile di Michelangelo si manifesta in tutta la sua forza espressiva: monumentalità dei corpi nudi e torsione drammatica dei busti indicano il superamento dell'idea rinascimentale secondo cui l'arte deve imitare le proporzioni naturali della figura umana. Intorno al 1516 ritorna a Firenze con il duplice ruolo di architetto e scultore.

Nella Firenze repubblicana Michelangelo si impegna in prima persona e ricopre incarichi pubblici. Nel 1534 torna a Roma. Sulla parete di fondo della Cappella Sistina realizza il Giudizio Universale: elimina la divisione in scene e la prospettiva, stravolgendo la tradizione pittorica. Negli ultimi anni si dedica soprattutto all'architettura. A 72 anni diventa direttore dei lavori per la costruzione della Basilica di S.Pietro. Muore il 18 Febbraio 1564, mentre lavora alla Pietà Rondanini. È considerato un artista geniale. La sua autorità nella storia dell'arte rimane ancora oggi indiscussa.

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Michelangelo Buonarroti è uno scultore, pittore e architetto del Rinascimento italiano. Vive tra il 1475 e il 1564. Considerato un artista geniale, la sua autorità nella storia dell'arte rimane ancora oggi indiscussa. Tra le sue opere più note c'è il "David".

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ultima cena -ovo

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“L’Ultima Cena” è un dipinto murale realizzato con tecnica a fresco dall’artista toscano Leonardo da Vinci tra il 1494 e il 1498. Il soggetto dell’opera è l’ultima cena di Gesù insieme agli apostoli, prima di venire arrestato. L’opera può essere ammirata a Milano nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie

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Ultima cena
convento milanese di Santa Maria delle Grazie

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Michelangelo

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Leonardo

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Firenze del '400 vista da Philippe Daverio

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leonardo

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La Gioconda, nota anche come Monna Lisa, è un dipinto a olio su tavola di 77 centimetri per 53, realizzato da Leonardo da Vinci. Viene dipinto a Firenze tra il 1503 e il 1506 ma l'artista vi apporterà modifiche e ritocchi quasi fino alla sua morte, avvenuta nel 1519. Considerata insieme a l'Ultima Cena il capolavoro di Leonardo, la Gioconda affascina da sempre critici e pubblico per il suo sorriso impenetrabile e l'atmosfera rarefatta del paesaggio, identificato con i dintorni di Arezzo. Non è del tutto certa l'identità della donna ritratta. L'ipotesi più accreditata, confermata dal Vasari, pittore e biografo del '500, è che si tratti di Lisa Gherardini, moglie del mercante fiorentino Francesco Bartolomeo del Giocondo, da cui il nome del quadro. Secondo alcuni storici, però, il vero committente dell'opera sarebbe l'amante di Lisa individuato in Giuliano de' Medici, figlio del principe Lorenzo il Magnifico. Il dipinto, custodito da Giuliano fino al 1515, viene restituito a Leonardo quando il nobile sposa Filiberta di Savoia.

Due anni più tardi il pittore si trasferisce in Francia, portandolo con sé. Realizzati con la tipica tecnica leonardesca dello sfumato, figura e paesaggio sembrano fondersi l'una nell'altro. Secondo alcune interpretazioni il dipinto restituisce così la concezione filosofica di Leonardo, per cui uomo e natura sono indissolubilmente legati tra loro in perfetta armonia. Recenti esami ai raggi x hanno inoltre rivelato che, in origine, il capo della donna era ricoperto da un velo, tradizionalmente usato dalle donne incinte. Questo spiegherebbe il misterioso sorriso della Gioconda e le sue mani adagiate delicatamente sul ventre. C'è anche chi, grazie a sovrapposizioni effettuate al computer, riconosce in Monna Lisa un autoritratto del pittore declinato al femminile. Sigmund Freud, psicanalista austriaco dei primi del '900, sostiene invece che la donna ritratta sia la madre defunta di Leonardo, Caterina. Certamente Leonardo pare avere un attaccamento speciale per questa tavola. Lo porta con sé in Francia quando si trasferisce ad Amboise, su invito del re Francesco I. A partire dalla morte di Leonardo si perdono le tracce del dipinto: gli studiosi ne stanno ancora ricostruendo le vicende storiche.

La versione più accreditata è che il dipinto venga acquistato da Francesco I. Ma da alcuni documenti recenti emerge l'ipotesi che invece sia tornato in Italia per mezzo di uno dei due allievi di Leonardo, il Salaino o il Melzi, e che solo in un secondo momento sia ritornato in Francia per essere esposto, a partire dal 1804, nel museo parigino del Louvre. Proprio dal Louvre viene rubata nel 1911. Il colpevole è un operaio italiano, Vincenzo Peruggia, che per patriottismo voleva riportarlo in Italia. L'opera, ritrovata a Firenze 2 anni più tardi, viene restituita ai francesi. La Gioconda è oggi esposta al Louvre di Parigi.

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"La Gioconda", nota anche come Monna Lisa, è un dipinto a olio su tavola di 77 cm per 53 cm. Realizzato da Leonardo da Vinci, lo dipinge tra il 1503 e il 1506 apportando modifiche e ritocchi quasi fino alla sua morte, avvenuta nel 1519. L'identità della donna ritratta non è del tutto certa.

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Leonardo

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Leonardo da Vinci nasce il 15 aprile 1452 a Vinci, nei pressi di Firenze. Figlio illegittimo del notaio Ser Piero D'Antonio, trascorre la sua infanzia in campagna. A 16 anni si trasferisce con il padre a Firenze. Firenze è all'epoca uno dei centri culturali più vivaci d'Europa. Giungono da tutta Italia artisti, filosofi e letterati. Il clima vitale e dinamico favorisce lo scambio e le nuove idee: è il Rinascimento. Il giovane Leonardo matura la decisione di studiare pittura ed entra nella bottega d'arte del Verrocchio.
Tra le prime opere di Leonardo vi è la testa dell'angelo nel Battesimo di Cristo firmato dal Verrocchio. Si racconta che, colpito dalla bravura del giovane allievo, il Verrocchio abbia deciso di non dipingere più. Nel 1482 viene chiamato a Milano alla corte di Ludovico il Moro dove resterà per 17 anni. Qui realizza alcuni dei suoi ritratti più celebri: la Dama con l'ermellino, il Ritratto di musico e la Belle Ferronière. Nel 1495 riceve l'incarico di affrescare il refettorio di Santa Maria delle Grazie a Milano. Sceglie di dipingere l'Ultima cena.

La tecnica dell'affresco mal si adatta all'indole di Leonardo. Il tipo di tempera utilizzata per gli affreschi, infatti, asciuga subito e non consente di intervenire sul dipinto dopo la prima stesura. Per L'ultima cena, Leonardo utilizza un impasto che asciuga lentamente, questa scelta comprometterà l'opera che, già pochi anni dopo la sua realizzazione, comincerà a mostrare i primi segni di cedimento. Riluttante a considerare finite le proprie opere, Leonardo non cessa di apportare ritocchi e correzioni anche a distanza di anni. Sono pochi infatti i dipinti del fiorentino che possano dirsi effettivamente conclusi. Alla fine del 1499 Leonardo lascia Milano: la sua fama è al culmine e riceve incarichi da tutte le corti d'Italia. È in quest'epoca che Leonardo dipinge la Gioconda. Un dipinto più volte ritoccato e che lo accompagnerà fino all'ultimo dei suoi giorni. Recenti esami ai raggi x hanno mostrato che sotto lo strato più superficiale ci sono altre 3 versioni del ritratto. Nel 1503 il nobile fiorentino Pier Soderini chiama Leonardo e Michelangelo per affrescare due pareti della sala del consiglio grande di Palazzo Vecchio a Firenze. I due sono divisi un'antica rivalità. Il confronto non avverrà perché Michelangelo viene chiamato a Roma dal papa. Nel 1513 anche Leonardo si reca a Roma. Raffaello sta dipingendo le Stanze degli appartamenti del pontefice e Michelangelo ha appena finito di affrescare la Cappella Sistina. Ma Leonardo non partecipa alla vita di corte papale e preferisce dedicarsi ai suoi studi scientifici. A Roma, tra il 1513 e il 1516, dipinge la sua ultima opera: il San Giovanni Battista. Nel 1517 alla morte di Giuliano de Medici, Leonardo perde il suo protettore accettando l'invito del re di Francia Francesco I che gli concede una rendita e lo ricopre di onori. Qui, presso la corte di Francesco I ad Amboise, Leonardo si spegne il 2 maggio 1519 all'età di 67 anni.

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Leonardo Da Vinci è un pittore, scienziato e ingegnere del Rinascimento italiano. Di origine toscana, vive tra il 1452 e il 1519. Dotato di straordinario ingegno e talento, è considerato uno dei più grandi geni di tutti i tempi. Tra i suoi capolavori, L' "Ultima Cena" e la "Gioconda".

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van Dyck

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Anton van Dyck: vita e opere in 10 punti

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Tiziano Vecellio è uno tra i massimi esponenti della pittura italiana del '500. Nasce da una famiglia benestante intorno al 1490 a Pieve di Cadore, un borgo delle Alpi italiane. In giovane età si trasferisce a Venezia per studiare pittura. Diviene allievo e collaboratore di Giorgione, artista che gode di grande fama nell'area veneziana. Da Giorgione apprende il gusto per il realismo, l'uso di colori vivaci, la pratica di dipingere senza ricorrere a schizzi preparatori. Nel 1508 aiuta il maestro nella decorazione del Fondaco dei tedeschi, edificio veneziano destinato a ospitare i mercanti stranieri.

Secondo il Vasari, pittore e trattatista del '500, sono in molti a complimentarsi con Giorgione, scambiando per suoi gli affreschi realizzati dal giovane Tiziano. Alla morte di Giorgione, nel 1510, Tiziano ha già conquistato una certa fama. L'Arciconfraternita di Sant'Antonio da Padova gli commissiona un ciclo di affreschi raffiguranti i Miracoli del Santo. Tiziano comincia a elaborare uno stile personale. Il realismo giovanile cede il passo a un maggior dinamismo dei corpi e anticipa la drammaticità espressiva della maturità.

Nel 1516 diviene pittore ufficiale della Repubblica veneziana e riceve la prima commissione pubblica importante: il convento dei Frari di Venezia gli richiede una pala d'altare. A partire dagli anni '20 entra in contatto con le maggiori corti italiane. Riceve commissioni dal Duca di Ferrara Alfonso d'Este, dall'imperatore Carlo V, dal Duca di Urbino Francesco Maria della Rovere. I suoi dipinti si caricano di pathos: l'impasto cromatico esplode in infinite varietà, i movimenti si enfatizzano, luce e ombra si contrappongono. Tra gli anni '40 e '50 Tiziano riceve commissioni dalle maggiori personalità d'Europa: papa Paolo III, l'imperatore Carlo V d'Asburgo e il re di Spagna Filippo II.

Tiziano ha ormai più di 60 anni, è un Maestro riconosciuto in tutte le corti d'Europa. Non cessa però di sperimentare. Stende il colore con le dita oppure con la stoffa per ottenere sfumature sempre più sgranate ed evanescenti. In questi ultimi anni realizza numerosi autoritratti. La morte di molte figure a lui care, tra cui l'imperatore Carlo V, influenza la sua arte, rendendola inquieta e drammatica. Il 27 agosto 1576 Tiziano muore a Venezia, ultraottantenne, lasciando incompiuta l'opera che avrebbe voluto sulla propria tomba: la Pietà.

Tiziano è uno dei grandi Maestri del Rinascimento. La forza drammatica delle sue opere ispira molta arte successiva ed è un riferimento persino per correnti artistiche recenti come l'Espressionismo, nato 300 anni dopo la scomparsa del pittore veneto.

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Tiziano Vecellio è uno tra i massimi esponenti della pittura italiana del '500. Nasce da una famiglia benestante intorno al 1490 a Pieve di Cadore, un borgo delle Alpi italiane. In giovane età si trasferisce a Venezia per studiare pittura. Diviene allievo e collaboratore di Giorgione, artista che gode di grande fama nell'area veneziana.

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"La scala verso il cielo" - ...cronaca della nascita della cupola...

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Il rinascimento

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Mostra "Bill Viola. Rinascimento elettronico"

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Il Carmine e la Capella Brancacci (Speciale Firenze S.M.& L.)

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L'ESPESSIVITA' DEL DOLORE

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Il Rinascimento è un movimento artistico e culturale che si sviluppa in Italia tra XV e XVI secolo. L'arte rinascimentale sboccia a Firenze nel clima di generale rinascita della città governata dalla famiglia dei Medici; si recuperano l'estetica classica e il senso della proporzione. Si studia la prospettiva lineare, cioè l'insieme di regole matematiche attraverso le quali riprodurre cose e figure così come le vedono i nostri occhi. Secondo alcuni storici il Rinascimento inizia nel 1401, anno del concorso per la realizzazione della porta nord del Battistero di Firenze:

il passaggio dall'arte gotica alla nuova arte è ben rappresentato nella diversità tra la formella di Lorenzo Ghiberti, elegante e simbolica, e quella di Filippo Brunelleschi, in cui prevale il realismo e una nuova impostazione dello spazio. Il Rinascimento investe tutte le arti figurative. In pittura si predilige la naturalezza delle figure umane inserite in un paesaggio reale; i temi mitologici acquistano la stessa dignità delle opere a soggetto religioso mentre nei ritratti si cerca l'espressività e il carattere dei personaggi. La scultura, che nel periodo gotico vive in stretta relazione con l'architettura, riacquista autonomia; si studia con particolare attenzione l'anatomia della figura umana.

In architettura si recuperano gli ordini classici per costruire edifici razionali e armonici. Gli iniziatori del Rinascimento sono Brunelleschi, per l'architettura, Donatello per la scultura e Masaccio per la pittura. La rivoluzione rinascimentale prosegue poi con Beato Angelico, Paolo Uccello e Botticelli. I loro quadri, in cui è applicata la prospettiva, si caratterizzano per l'eleganza del disegno e la luce quasi irreale. Da Firenze il Rinascimento tocca tutte le corti d'Italia. A Urbino c'è Piero della Francesca, a Perugia il Perugino, a Padova il Mantegna, a Venezia Giovanni Bellini e Antonello da Messina.

A Venezia Giorgione e Tiziano scelgono una pittura in cui il colore e la luce sono gli elementi fondamentali della composizione. Tra la fine del '400 e all'inizio del '500 l'arte rinascimentale è al culmine del suo splendore; sono gli anni di Leonardo, di Michelangelo e di Raffaello. Con la presenza in Italia di pittori nord europei come Van der Weyden e Dürer ha inizio un fertile rapporto di scambio delle reciproche conoscenze tra Rinascimento italiano e arte fiamminga. L'arte rinascimentale è considerata espressione dell'Umanesimo, movimento culturale che cerca di recuperare l'autenticità della cultura classica e che propone una visione della realtà in cui l'uomo è al centro dell'universo. Il Rinascimento continua a vivere nei manieristi del XVI secolo, che imitano lo stile dei maestri del '400 e del '500 svincolandosi però dal rispetto di forme e proporzioni naturali.

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Il Rinascimento è un movimento artistico e culturale che si sviluppa in Italia tra XV e XVI secolo. Sboccia a Firenze nel clima di generale rinascita della città governata dalla famiglia dei Medici.

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Biografia

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Architetto, ingegnere, scultore, Filippo Brunelleschi Ë uno dei padri del Rinascimento, periodo in cui una grande fioritura artistica e culturale si diffonde da Firenze in tutta Europa tra ë400 e ë500.

Figlio di un notaio, Brunelleschi nasce a Firenze nel 1377. Entra presto a bottega come apprendista orafo-scultore. Nel 1401 diventa Maestro.

Líinteresse di Brunelleschi Ë perÚ líarchitettura. Líidea rinascimentale di arte intesa come imitazione della natura lo porta a studiare la prospettiva, cioË le leggi matematiche che regolano la rappresentazione dello spazio.

A lui si deve il recupero della prospettiva lineare: il sistema di linee convergenti verso un unico punto che consente di rimpicciolire proporzionalmente le figure in lontananza, creando cosÏ un effetto di grande profondit‡.

Nel 1401 partecipa al concorso per la realizzazione della porta del battistero di Firenze. Anche se vince a pari merito con lo scultore Lorenzo Ghiberti, il suo Sacrificio di Isacco spicca per una maggiore drammaticit‡ espressiva.

La rivalit‡ tra Brunelleschi e Ghiberti si ripropone nel 1418 quando ai due artisti viene affidata la realizzazione della cupola di Santa Maria del Fiore, il Duomo di Firenze. I lavori sono fermi: non si riesce a trovare una soluzione ingegneristica per la costruzione dellíimponente cupola.

Brunelleschi ha líidea risolutiva: una doppia calotta. La volta interna sostiene quella esterna e una copertura di mattoni disposti a spina di pesce consente un maggiore scarico del peso.

A lui si deve anche líinvenzione di macchine ingegnose che facilitano i lavori e permettono líeliminazione dei ponteggi tradizionali. Gli viene affidata cosÏ líintera responsabilit‡ del progetto.

I lavori della cupola terminano nel 1436, con la benedizione di Papa Eugenio IV.

Mentre lavora alla cupola, Brunelleschi realizza anche altre opere architettoniche che cambiano il volto di Firenze.

Progetta líOspedale degli Innocenti, un orfanotrofio con il portico ad archi regolari di chiara impronta classica.

Disegna e realizza la Sacrestia Vecchia e la Basilica di S. Lorenzo, la Cappella dei Pazzi, il monastero di Santa Maria degli Angeli, il Palagio di Parte Guelfa e Palazzo Pitti.

In questi edifici la proporzione tra le parti Ë regolata da precisi rapporti matematici e líequilibrio architettonico ridimensiona le altezza vertiginose delle costruzioni gotiche medioevali: líuomo Ë di nuovo al centro del mondo terreno e le citt‡, ora, si costruiscono a sua misura.

Il suo ultimo lavoro Ë la ristrutturazione della Chiesa di Santo Spirito.

Filippo Brunelleschi muore a Firenze nel 1446 e viene sepolto nella Chiesa di Santa Maria del Fiore.

La Cupola del Duomo di Firenze, dopo pi˘ di 500 anni dalla sua costruzione, Ë ancora una delle opere architettoniche pi˘ conosciute al mondo.

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Architetto, ingegnere, scultore, Filippo Brunelleschi Ë uno dei padri del Rinascimento, periodo in cui una grande fioritura artistica e culturale si diffonde da Firenze in tutta Europa tra ë400 e ë500. Figlio di un notaio, Brunelleschi nasce a Firenze nel 1377. Entra presto a bottega come apprendista orafo-scultore. Nel 1401 diventa Maestro.

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Secondo l'opinione comune i Romani sarebbero gli inventori dell'arco. In realtà questo era stato utilizzato in precedenza dagli Etruschi e persino dai Sumeri, solo che queste popolazioni non ne avevano colto le enormi potenzialità architettoniche e non lo avevano sfruttato in modo sistematico come poi faranno i Romani.

Un po' come la nascita della lampadina: generalmente attribuita ad Edison era stata in realtà inventata dall'inglese Swan, fu però Edison a comprenderne i punti di debolezza e ad apportarvi delle modifiche al filamento tali da farne un prodotto di consumo planetario legandola per sempre al suo nome.

Ma torniamo all'arco. Il più antico che si conosca si trova presso la Ziqqurat di Ur, nell'antica Mesopotamia (oggi in Iraq), è realizzato in mattoni e risale al III millennio a.C.

Più recenti sono, invece, gli archi etruschi di Volterra e Falerii Novi nei quali le dimensioni sono già piuttosto importanti anche perché si tratta di porte urbane lungo le mura di cinta.

Ma perché l'arco diventerà presto così importante? Cos'ha di tanto speciale? Beh, è semplicemente una struttura geniale!

Per comprenderne al meglio la straordinarietà confrontiamolo con la struttura ad esso alternativa: l' architrave. Questo organismo architettonico è composto da due elementi verticali e uno orizzontale.

È la tipologia più antica del mondo: il dolmen preistorico (o trilite) è basato proprio su questo modello statico.

Semplice da edificare, il trilite ha un limite: la lunghezza dell'elemento orizzontale, l'architrave, non può essere eccessiva pena la sua rottura.

Ciò è dovuto al fatto che, nel flettersi al centro, l'architrave subisce una trazione della superficie inferiore, sollecitazione alla quale la pietra offre una scarsissima resistenza (la compressione della parte superiore, invece, viene ben sopportata dal materiale lapideo).

L'arco, invece, è una struttura nella quale i conci (cioè i blocchi trapezoidali che lo compongono) sono sollecitati solo a compressione e, dunque, risulta molto più resistente anche allargando parecchio i piedritti (distanza denominata "luce").

Per realizzarlo occorre posare i conci su una struttura lignea chiamata " cèntina" e chiudere in alto con la chiave di volta.

L'unico problema è che, mentre il trilite scarica sui piedritti un carico totalmente verticale, l'arco produce una componente orizzontale (dato che la spinta è obliqua) che potrebbe far ribaltare i sostegni verticali.

Per questo motivo spesso gli archi si usano in sequenza in modo da contrastare le spinte orizzontali con controspinte uguali ed opposte. Quando non c'è una sequenza di archi occorre rinforzare i piedritti con contrafforti o altri sistemi in grado di assorbire la spinta orizzontale.

Ma quali sono i dieci modelli a cui fa riferimento il titolo? In base alla costruzione geometrica l'arco può assumere forme diverse dal semicerchio distinguendosi con denominazioni specifiche. Vediamole.

1. ARCO A TUTTO SESTO - È il modello più noto, quello in cui l'arco è perfettamente semicircolare. La sua denominazione deriva da sextus, il nome latino del compasso. E in effetti basta un solo colpo di compasso per disegnarlo. Sono a tutto sesto gli archi di trionfo, le arcate degli anfiteatri, degli acquedotti e dei ponti romani.

2. ARCO RIBASSATO AD UN CENTRO. In questo caso il centro dell'arco non si trova sul piano di imposta (cioè il punto in cui comincia l'arco) ma più in basso. Si determina, dunque, un angolo tra l'arco e il piedritto che non è presente nell'arco a tutto sesto (là, infatti, il piedritto è tangente all'arco). È utilizzato per passaggi di dimensioni contenute e spesso era realizzato dai romani in mattoni.

3. ARCO RIBASSATO POLICENTRICO - Tipo di arco utilizzato in epoca tardomedievale con sesto ribassato ma raccordato ai piedritti mediante due archi di circonferenza con centro posto sul piano di imposta. Denominato anche "arco ad ansa di paniere" è frequente nell'architettura siciliana di stile gotico-catalano.

4. ARCO A SESTO ACUTO - Tipico dello stile gotico europeo (ma già noto nell'architettura islamica) è determinato dall'intersezione di due archi di circonferenza con centri più o meno distanti e posti sul piano d'imposta. È chiamato anche arco ogivale per via della sagoma ad ogiva che si ottiene.

Presenta, ovviamente, un angolo al centro dell'arco. Grazie alla "verticalizzazione" delle due metà dell'arco, questa tipologia si presta alla creazione di strutture più esili (come quelle gotiche) e all'apertura di grandi vetrate in quanto necessita di una massa muraria minore per assorbire la componente orizzontale.

5. ARCO RAMPANTE - Nell'architettura gotica, tuttavia, si ricorre anche all'uso dell'arco rampante, un caso particolare di arco asimmetrico, per scaricare lungo il perimetro della struttura le spinte orizzontali delle volte e degli archi ogivali. Gli archi rampanti, dunque, non si trovano quasi mai dentro una chiesa ma al suo esterno.

6. ARCO INFLESSO - Detto anche fiammeggiante o " a carena di nave" è un arco policentrico simile a quello ogivale ma con una punta più accentuata dovuta alla presenza di un flesso e ad un cambio di curvatura. Si può trovare nell'architettura islamica, nelle aree di influenza orientale ed anche nello stile gotico più tardo.

7. ARCO A FERRO DI CAVALLO - Tipo di arco prettamente orientale nel quale i due semiarchi si prolungano verso il basso sotto il piano dei centri. In alcuni casi si può avere anche un unico centro. È molto frequente nelle moschee.

8. ARCO POLILOBATO - Spesso si tratta di una variante dell'arco inflesso, di quello a ferro di cavallo o anche di quello a tutto sesto nel quale sono inseriti degli archi minori. L'effetto finale è molto ricco e suggestivo. Si può riscontrare sia nelle strutture gotiche che in quelle islamiche.

9. Arco Tudor - Tipico dell'architettura inglese del XVI secolo è una sorta di arco ribassato policentrico ad andamento acuto. Generalmente ha quattro centri ma in alcuni casi possono essere curvi solo i raccordi con i piedritti mentre le parti centrali proseguono con andamento rettilineo.

10. ARCO A CATENARIA - È un arco basato sulla catenaria, cioè sulla sagoma che assume una catena tenuta per le estremità e lasciata pendere al centro. Somiglia ad una parabola ma dal punto di vista matematico le sono differenti ( Galileo, dunque, avrebbe preso una bella cantonata asserendo il contrario).

La caratteristica propria della catenaria è di avere una distribuzione del peso perfettamente uniforme esprimibile tramite il coseno iperbolico.

Ne fece largo uso Gaudì, soprattutto nel collegio delle Teresiane a Barcellona, utilizzando per il calcolo dei modellini con catene rovesciate in modo da osservarne la naturale disposizione determinata dalla gravità.

Naturalmente il favoloso mondo degli archi non finisce qui, c'è quello a piattabanda, quello a dorso di mulo, quello parabolico, quello ellittico e tante varianti di quelli precedentemente esposti.

La cosa davvero straordinaria è l'idea che materiali "semplici" come la pietra o il mattone, possano essere organizzati nello spazio in modo tale da coniugare in maniera inscindibile arte e scienza per creare strutture che, come diceva il buon vecchio Vitruvio, riescono a possedere "firmitas, utilitas e venustas": solidità, utilità e bellezza.

E in tutti i tipi di arco c'è la poesia di una linea che si proietta da un punto all'altro dello spazio di cui narra Italo Calvino ne Le città invisibili:
Marco Polo descrive un ponte, pietra per pietra.
"Ma qual è la pietra che sostiene il ponte?" chiede Kublai Kan
"Il ponte non è sostenuto da questa o da quella pietra - risponde Marco - ma dalla linea dell'arco che esse formano.
Kublai Kan rimane silenzioso, riflettendo. Poi soggiunge:" Perchè mi parli delle pietre? E solo dell'arco che m'importa."
Polo risponde: "Senza pietre non c'è arco"

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Meraviglie dell'architettura: dieci modelli di arco - Didatticarte

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Secondo l'opinione comune i Romani sarebbero gli inventori dell'arco. In realtà questo era stato utilizzato in precedenza dagli Etruschi e persino dai Sumeri, solo che queste popolazioni non ne avevano colto le enormi potenzialità architettoniche e non lo avevano sfruttato in modo sistematico come poi faranno i Romani.

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catalogo dei fogli Fabbriano

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Prodotti : Disegno : Disegno bianco e tecnico : Fabriano Disegno 4 : Fabriano

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Le Cartiere Miliani Fabriano rappresentano, dal XIII sec. fino ad oggi, una realtà storica ma moderna dalle caratteristiche uniche nel mondo cartario. Produzione di carte per ufficio, carte per il disegno, carte per la sicurezza

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GIOTTO

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https://www.arteworld.it/maesta-di-ognissanti-giotto-analisi/