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Agesandros, Athenodoros, Polydoros, Laocoonte, II a.C., Cortile del Belvedere, Musei Vaticani

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Agesandros, Athenodoros, Polydoros, Laocoonte, II a.C., Cortile del Belvedere, Musei Vaticani

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"Il nome di Pio VII Chiaramonti è legato all’importante chirografo (1802) che costituì il primo nucleo organico di leggi per la tutela del patrimonio artistico e archeologico nello Stato Pontificio. Fu interdetta l’esportazione di statue, mosaici, vasi, vetri, medaglioni, frammenti architettonici antichi e dipinti rinascimentali. Si impose ai privati di fare inventari annuali delle loro collezioni di antichità e di inviarne l’elenco al Papa. Nessuno scavo doveva avvenire senza autorizzazione. Le collezioni papali dovevano venir reintegrate: il chirografo stanziò 10.000 piastre per l’acquisto di opere d’arte per i musei. Antonio Canova fu nominato sovrintendente ai tesori artistici ed ebbe il titolo di Ispettore generale di tutte le belle arti, con nomina a vita. Oltre che a reintegrare le collezioni artistiche, si intendeva favorire anche gli artisti migliorando l’insegnamento e facilitando gli studi con premi.All’Accademia di San Luca furono assegnati nuovi locali e un sussidio annuo di 5.000 piastre. Nel 1801 l’abate Carlo Fea fu nominato Commissario per le antichità e, insieme a Canova, egli doveva sorvegliare affinché gli edifici antichi, l’architettura ecclesiastica e i monumenti in e fuori Roma non venissero danneggiati o saccheggiatiIn questa temperie culturale e dopo l’ennesimo terremoto del 1806, all’architetto Stern venne affidato il compito di intervenire sulla parte orientale del Colosseo, progetto che lo impegnò negli anni 1806-07 (successivamente, nel 1823-26, l’architetto Valadier si occupò del lato occidentale del monumento).Il progetto di Stern intese realizzare un effetto di congelamento statico delle arcate sottoposte all’intervento. In questo modo, egli non cancellò i segni del tempo e del degrado subito dal monumento. Rifiutando ogni ipotesi di smontaggio delle parti degradate e precarie, l’architetto provvide infatti a murare le arcate pericolanti con mattoni, che ancora oggisvolgono la funzione di immobilizzare i conci lapidei e costruì uno sperone di appoggio all’estremità delle arcate, che essendo incomplete e quindi prive di sostegno, tendevano ulteriormente a sgretolarsi."https://www.deamoneta.com/auctions/view/665/764

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"Il nome di Pio VII Chiaramonti è legato all’importante chirografo (1802) che costituì il primo nucleo organico di leggi per la tutela del patrimonio artistico e archeologico nello Stato Pontificio. Fu interdetta l’esportazione di statue, mosaici, vasi, vetri, medaglioni, frammenti architettonici antichi e dipinti rinascimentali. Si impose ai privati di fare inventari annuali delle loro collezioni di antichità e di inviarne l’elenco al Papa. Nessuno scavo doveva avvenire senza autorizzazione. Le collezioni papali dovevano venir reintegrate: il chirografo stanziò 10.000 piastre per l’acquisto di opere d’arte per i musei. Antonio Canova fu nominato sovrintendente ai tesori artistici ed ebbe il titolo di Ispettore generale di tutte le belle arti, con nomina a vita. Oltre che a reintegrare le collezioni artistiche, si intendeva favorire anche gli artisti migliorando l’insegnamento e facilitando gli studi con premi.All’Accademia di San Luca furono assegnati nuovi locali e un sussidio annuo di 5.000 piastre. Nel 1801 l’abate Carlo Fea fu nominato Commissario per le antichità e, insieme a Canova, egli doveva sorvegliare affinché gli edifici antichi, l’architettura ecclesiastica e i monumenti in e fuori Roma non venissero danneggiati o saccheggiatiIn questa temperie culturale e dopo l’ennesimo terremoto del 1806, all’architetto Stern venne affidato il compito di intervenire sulla parte orientale del Colosseo, progetto che lo impegnò negli anni 1806-07 (successivamente, nel 1823-26, l’architetto Valadier si occupò del lato occidentale del monumento).Il progetto di Stern intese realizzare un effetto di congelamento statico delle arcate sottoposte all’intervento. In questo modo, egli non cancellò i segni del tempo e del degrado subito dal monumento. Rifiutando ogni ipotesi di smontaggio delle parti degradate e precarie, l’architetto provvide infatti a murare le arcate pericolanti con mattoni, che ancora oggisvolgono la funzione di immobilizzare i conci lapidei e costruì uno sperone di appoggio all’estremità delle arcate, che essendo incomplete e quindi prive di sostegno, tendevano ulteriormente a sgretolarsi."https://www.deamoneta.com/auctions/view/665/764

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https://archive.org/details/chirografodellas00cath

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Pio VII (1800-1823), Barnaba Chiaramonti. Medaglia 1806, per i restauri del Colosseo, iniziati in quell'anno. D/ PIVS SEPTIMVS PONTIFEX MAX. Busto a sinistra con berrettino, mozzetta e stola; sotto, MERCANDETTI F. R. R/ AMPHIT FLAVIVM REPARATVM. Il Colosseo; sulla linea d'esergo, MERCANDETTI SCVLPSIT ROMAE MDCCCVII; in esergo, ANNO A NATIVITATE/ CHRISTI/ MDCCCVI.

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https://youtu.be/K4K6EhjaW2s?si=Jl0rfvRbUaZNjAf2 Salvatore Italia - L'editto del card. Pacca e la legislazione degli Stati pre unitari

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Venere Medici,I sec.d.C, Tribuna degli Uffizi, Firenze 

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Venere Medici,I sec.d.C, Tribuna degli Uffizi, Firenze 

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Francesco P. Di Teodoro. Raffaello, Baldassar Castiglione e la 'Lettera a Leone X'

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La Lettera a Leone X di Raffaello e Baldassar Castiglione e il problema della tutela del patrimonio artistico

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https://youtu.be/1xOy77qxewg
https://youtu.be/tg8mce53LHw
https://youtu.be/Zb9PpO9T__g
https://youtu.be/0QxHl_jkjnk
https://youtu.be/nhQwOQF--lc

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https://letteraturaartistica.blogspot.com/2014/11/lettere-miranda.html

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Canova, Venere Italica, 1804-1812, Galleria Palatina, Firenze

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Canova, Venere Italica, 1804-1812, Galleria Palatina, Firenze

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www.museocanova.it
www.gliscritti.it
www.museivaticani.va › Home › Collezioni › Musei

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Tino Foffano, Tutela e valorizzazione dei Beni culturali

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Tino Foffano, Tutela e valorizzazione dei Beni culturali

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Valter Curzi, Patrimonio culturale e artistico all' epoca dell' Editto Pacca

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Filippo Gargallo, Cenni sulla tutela paesaggistica

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La normativa di tutela dei Beni Culturali

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Simona Rinaldi, La tutela e La sua storia

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Simona Rinaldi, La tutela e La sua storia

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Valeria Rotili, La fortuna della copia in gesso....

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Valeria Rotili, La fortuna della copia in gesso....

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https://st.ilsole24ore.com/art/arteconomy/2009-12-03/la-chiesa-sentinella-arte-074030.shtml?uuid=AY5gjJQB

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Salvatore Settis: art. 9 della Costituzione a difesa del patrimonio culturale, diritto dei cittadini

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Arte e sovranità da Augusto alla Costituzione

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Firenze non è una merce - assemblea con Montanari - Settis

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Tomaso Montanari, Privati del Patrimonio, con Salvatore Settis e Pippo Civati

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Montanari a Cosenza: «Questo governo rovescia i fondamenti della Repubblica»

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Arte. Una storia naturale e civile | Matera - Salvatore Settis e Tomaso Montanari

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Webinar | Il Patrimonio artistico come identità e risorsa di Stefano Zuffi

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Visita della mostra Canova. Eterna bellezza con Maria Vittoria Marini Clarelli

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L’Uomo vitruviano e il rispetto dovuto alle leggi. L’editoriale di Antonio Natali

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L’Uomo vitruviano e il rispetto dovuto alle leggi. L’editoriale di Antonio Natali

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Artribune 15 ottobre 2019

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L'ex direttore degli Uffizi appoggia la decisione del Tar di negare il prestito dell'Uomo vitruviano al Louvre. Ricordando le disposizioni del "Codice dei beni culturali e del paesaggio".

Il Tribunale Amministrativo Regionale per il Veneto, con un decreto pubblicato l'8 ottobre del 2019 (ieri, per me che scrivo queste righe), ha sospeso il prestito all'estero dell'Uomo vitruviano di Leonardo. E sùbito ringrazio Italia Nostra perché col suo ricorso al Tribunale ha imboccato una via che va oltre gli sterili mugugni di tanti che son contrari ai prestiti d'opere celebrate fuori d'Italia. A buon diritto la risoluzione viene accolta come il " riconoscimento delle ragioni della tutela di un bene prezioso e fragilissimo". Sento che molti ora si concentrano sullo stato di conservazione della carta vinciana. Preoccupazione sacrosanta; ma trovo sia imprudente in questa circostanza polarizzare l'attenzione sulle condizioni del disegno, giacché la politica trova sempre la maniera d'aggirare l'ostacolo d'un parere tecnico negativo, cooptando magari istituti o restauratori pronti a sottoscriverne uno che sia invece compiacente. Del pari fuorviante, ancorché fondata, mi pare qualsiasi discussione sulla sicurezza; che oltre tutto - a dispetto di quanto dicono le poco meditate voci levatesi a sostegno del prestito - mai e poi mai sarà assoluta. È inevitabile che in una trasferta ci siano rischi; a cominciare dal viaggio: fossero così sicuri quei voli che portano un'opera d'arte, salirei soltanto su quelli. Per quanto importanti siano le obiezioni sulla conservazione e sulla sicurezza di un'opera, la politica potrà ogni volta ribatterle facendo leva sulla soggettività dei giudizi. Il problema è un altro. E credo che l'occasione sia buona per affrontarlo di petto, giacché si tratta dell'osservanza d'una legge. Mi riferisco al Decreto Legislativo 22 gennaio 2004, n. 42, noto come Codice dei beni culturali e del paesaggio. Legge su cui m'è già occorso d'invitare a una riflessione, che reputo però meriti d'essere rinnovata ora che la magistratura entra nel merito d'una vicenda, il cui svolgimento potrebbe pesare sul futuro della tutela del nostro patrimonio d'arte.

"Basterebbe che ogni istituto compilasse una lista di beni che ne 'costituiscono il fondo principale'; e, una volta vidimata dal Ministero, quella lista metterebbe fine a controversie e abusi".

Rileggiamo dunque il comma 2b dell'articolo 66, che - riguardo all'" uscita temporanea dal territorio nazionale dei beni culturali per manifestazioni, mostre o esposizioni d'arte temporanea" - dispone che non possano varcare i confini nazionali quei " beni che costituiscono il fondo principale di una determinata ed organica sezione di un museo, pinacoteca, galleria, archivio o biblioteca o di una collezione artistica o bibliografica". Allora, la domanda da porsi nel frangente attuale è questa: l' Uomo vitruviano di Leonardo cosa rappresenta nella collezione del Gabinetto Disegni e Stampe delle Gallerie dell'Accademia di Venezia?
Gli si riconosce o no la prerogativa specificata dalla legge? Conosco abbastanza gli equilibrismi di cui è capace la politica per sapere come anche quest'impedimento possa essere scavalcato con l'aiuto di chi maneggi a suo tornaconto le leggi. Ho sperimentato quest'abilità sulla mia pelle quando l' Annunciazione di Leonardo (ch'è difficile negare sia fra le opere che 'costituiscono' "il fondo principale" degli Uffizi) fu impunemente spedita in Giappone per una mostra, del tutto trascurando il mio parere contrario, che segnatamente sulla legge giustappunto poggiava. Immediatamente approntai e inoltrai al Ministero per metterlo alle strette (2007) un elenco di dipinti e sculture degli Uffizi che a mio giudizio rispondevano ai requisiti del comma 2b dell'articolo 66. Non so cosa n'abbiano fatto i ministri che si sono succeduti; di sicuro so cosa sarebbe successo se fosse stato formalmente ratificato: le opere lì annoverate si sarebbero incarnate nella legge e non sarebbero più uscite dai confini italiani. Se davvero si volesse far chiarezza in questa materia non ci vorrebbe tanto. Basterebbe che ogni istituto compilasse una lista di beni che ne " costituiscono il fondo principale"; e, una volta vidimata dal Ministero, quella lista metterebbe fine a controversie e abusi. A mancare, in Italia, non sono le leggi; è il loro rispetto. Che invece è ovviamente d'obbligo; e non c'è ministro che possa sentirsene dispensato. Dev'esser chiaro a ognuno che tutto si paga; anche se non sùbito. I giovani, che assistono a un continuo mercato di principî, alla lunga finiranno per tollerarne l'ideologia sottesa. Con quanto ne consegue per la società.

‒ Antonio Natali

Dal giugno del 2006 al novembre del 2015 è stato direttore della Galleria degli Uffizi, dove ha lavorato dal 1981 al 2016. Nello stesso 2006, in un concorso al Politecnico di Milano, ha ottenuto l'idoneità come professore ordinario di Storia dell'arte moderna. Dal 2000 al 2010 ha insegnato Museologia all'Università di Perugia. Studia soprattutto argomenti di scultura e di pittura del Quattrocento e del Cinquecento toscano, con incursioni frequenti nel contemporaneo.

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"No, l'Uomo vitruviano non può essere prestato!". Interviene Antonio Natali

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L'ex direttore degli Uffizi appoggia la decisione del Tar di negare il prestito dell'Uomo vitruviano al Louvre. Ricordando le disposizioni del "Codice dei beni culturali e del paesaggio". Il Tribunale Amministrativo Regionale per il Veneto, con un decreto pubblicato l'8 ottobre del 2019 (ieri, per me che scrivo queste righe), ha sospeso il prestito all'estero dell'Uomo vitruviano di Leonardo.

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Scultore fra i più ammirati di sempre, Antonio Canova è ora protagonista della mostra a Palazzo Braschi, a Roma. Confermando il rinnovato interesse verso la sua arte.

Antonio Canova (Possagno, 1757 - Venezia, 1822), al suo tempo ammirato e conteso dai sovrani di tutta Europa, è oggi universalmente riconosciuto come uno dei più significativi artisti del Neoclassicismo. Infatti non si è limitato a riesumare lo stile e i modi delle sculture greche e romane (di cui si rifiutò sempre di realizzare copie o restauri integrativi), dal momento che ha attualizzato e rinvigorito un linguaggio facendosi promotore di un'arte nuova che, pur avendo nel suo codice genetico l'importante eredità di un'estetica riferibile al passato, è riuscita a interpretare i valori aderenti alla storia e alla vita culturale della sua epoca, gli anni della seconda metà del Settecento e dei primi dell'Ottocento.
La mostra del Museo di Roma ci accompagna in un percorso articolato in tredici sezioni, presentando circa centosettanta tra opere di Canova, dei suoi collaboratori e dei diversi artisti del tempo che parteciparono a vario titolo alla grande rivoluzione figurativa del Neoclassicismo. L'esposizione di diversi materiali di studio dell'artista (come disegni, modelli, bozzetti in gesso o terracotta) permette di conoscere i vari passaggi che lo portavano alla realizzazione delle sue preziosissime sculture in marmo, documentando un percorso creativo che iniziava con l'ideazione e l'elaborazione di alcuni modelli e si concludeva con la lavorazione finale delle superfici della scultura. Si trattava di una tecnica sapiente, raffinata e attenta a ogni dettaglio, come la pelle dei personaggi, a cui veniva conferita una speciale patina che la rendeva traslucida, come viva, grazie all'utilizzo di una particolare cera o all'impiego di altri sofisticati trattamenti del marmo.

LA STORIA E LE OPERE

Canova arrivò a Roma nel 1779 e da quel momento se ne allontanò soltanto per brevi periodi. Nella città dei papi lo sculture ebbe il suo atelier in via di San Giacomo, presto impostosi come il più importante laboratorio artistico e scultoreo dell'epoca e spesso frequentato da artisti, intellettuali, viaggiatori e facoltosi collezionisti. Oltre alla relazione con la città ospitante, la mostra indaga il rapporto di Canova con alcuni letterati (come Vittorio Alfieri), nonché la sua passione politica di fervente antigiacobino o il suo impegno in prima persona dopo il Congresso di Vienna per il recupero delle celeberrime (e ancora oggi evocate) prede napoleoniche italiane. Il visitatore sarà sorpreso e appagato dall'allestimento di alcune sculture, quelle che, assecondando una volontà che fu dello stesso Canova, sono disposte su piedistalli che girano su se stessi, favorendone una lettura cinetica e totale, oltre che una visione con diverse condizioni di luce.
Chiude la mostra la Danzatrice con le mani sui fianchi dall'Ermitage di San Pietroburgo che, rotando su se stessa, si moltiplica nelle innumerevoli apparizioni nella stanza ricoperta di specchi, quasi animandosi e prendendo vita.

‒ Calogero Pirrera

Calogero Pirrera (1979) è uno storico dell'arte specializzato in arte moderna e contemporanea, videoarte, didattica museale e progettazione culturale. Vive attualmente a Roma. Ha collaborato con la cattedra di Istituzioni di Storia dell'Arte della Facoltà di Architettura di Valle Giulia, con alcune gallerie come Il Ponte Contemporanea e LipanjePuntin, oltre che con Festarte - Festival Internazionale di VideoArte, che lo vede impegnato nella mappatura globale dei festival di videoarte con la rubrica "International Contest". Ha all'attivo alcune pubblicazioni che indagano l'arte antica come quella contemporanea. Tra le mostre curate si ricorda "Il Duomo di Milano dalla Lombardia all'Europa", ospitata presso il Duomo meneghino nel 2005 e il relativo catalogo. Ha scritto e scrive per EosArte, TribeArt e Artribune.

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Scultore fra i più ammirati di sempre, Antonio Canova è ora protagonista della mostra a Palazzo Braschi, a Roma. Confermando il rinnovato interesse verso la sua arte. Antonio Canova (Possagno, 1757 - Venezia, 1822), al suo tempo ammirato e conteso dai sovrani di tutta Europa, è oggi universalmente riconosciuto come uno dei più significativi artisti del Neoclassicismo.

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Webinar - Fortuna del Laocoonte dalla scoperta 1506 al Novecento

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Enciclopedica rassegna alle Gallerie d'Italia, per un confronto tra i due autori neoclassici. E alla Gam un focus sulla fase più idealizzante di Canova.

Il confronto tra Antonio Canova (Possagno, 1757 ‒ Venezia, 1822) e Bertel Thorvaldsen (Copenhagen, 1770-1844) proposto dalle Gallerie d'Italia è una mostra di esaustiva ampiezza, con 160 opere in diciassette sezioni. Ma presenta una struttura decisamente analitica. Confrontare due posizioni interne al Neoclassicismo consente di rilevare la costante oscillazione tra due poli: fedeltà e innovazione rispetto alla scultura classica, idealismo e "positivismo", realismo e astrazione - nel senso più ampio possibile.
L'esordio nel salone centrale delle Gallerie d'Italia è mozzafiato. Vengono esposte fianco a fianco (per la prima volta) le Tre grazie di Canova dell'Hermitage e le Grazie con cupido di Thorvaldsen.
Subito si evidenziano le differenze tra i due autori, che si ritrovano nelle molte altre loro opere esposte. Canova punta sulla sensualità, su una postura morbida e fusionale; Thorvaldsen tende alla "purezza", a una postura composta e altera, a una geometria che rimane lineare anche quando si ingaggia nella danza della morbidezza.

CANOVA E THORDVALSEN A CONFRONTO

Più compatto il nordico Thordvalsen, dunque, più arioso il mediterraneo Canova, entrambi sensuali in diverso modo, i due artisti non vengono però collocati secondo facili polarizzazioni - le due posizioni sono mitigate in mille sfumature intermedie. Intelligentemente, viene ricostruito il contesto con opere di altri autori. E si susseguono numerose sezioni analitiche: gli studi di entrambi a Roma; soggetti come Amore e Psiche, Ganimede, Ebe, Napoleone, tra i tanti; la fama di Canova e Thorvaldsen testimoniata dai numerosi ritratti a loro dedicati (e la costruzione del "personaggio" che va di pari passo alla carriera artistica, tratto decisamente moderno); l'utilizzo "popolare" delle loro opere in stampe e riproduzioni. E poi l'influenza del Romanticismo, spunto particolarmente interessante perché rimescola le carte rispetto alle idee preconcette sul Neoclassicismo.

LE TESTE IDEALI ALLA GAM

Alla rassegna delle Gallerie d'Italia, la Galleria d'Arte Moderna risponde con una mostra ricca di capolavori e rarità che si focalizza su un singolo aspetto di Canova, le Teste ideali. Si tratta della fase forse più idealizzante di Canova, una ricerca del volto "perfetto" e universale che non si basa su persone reali ma non rinuncia a un impatto emotivo e "realistico". Se poco prima un autore come Messerchhmidt con le sue Teste di carattere aveva cercato l'universalità nella caratterizzazione "empirica" dei sentimenti, Canova cerca l'universale nella semplificazione e nell'astrazione: nella perfezione formale che rappresenti "definitivamente" l'umano. Bello il confronto in mostra con opere altrui, da Wildt a Giulio Paolini.

‒ Stefano Castelli

Stefano Castelli (Milano, 1979) è giornalista, critico d'arte e curatore. Si è laureato in Scienze Politiche all'Università degli studi di Milano con una tesi di filosofia politica su Andy Warhol come critico sociale. Ha vinto nel 2007 il concorso per giovani critici indetto dal Castello di Rivoli con un saggio su "Scatologicità e Pop Art in Bruce Nauman". Come giornalista scrive per Artribune, dal 2011, e Arte Mondadori, dal 2007. Come curatore è impegnato nella scoperta di giovani artisti e ha curato una trentina di mostre tra gallerie e musei. Come critico ha scritto tra l'altro per la mostra Big Bang, Museo Bilotti, Roma, 2008. Il suo taglio critico è orientato a una lettura politico-sociale dell'arte e a una lettura dell'estetica come fenomeno non disgiungibile dall'etica.

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Canova fa bis a Milano: due mostre da non mancare

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Enciclopedica rassegna alle Gallerie d'Italia, per un confronto tra i due autori neoclassici. E alla Gam un focus sulla fase più idealizzante di Canova. Il confronto tra Antonio Canova (Possagno, 1757 ‒ Venezia, 1822) e Bertel Thorvaldsen (Copenhagen, 1770-1844) proposto dalle Gallerie d'Italia è una mostra di esaustiva ampiezza, con 160 opere in diciassette sezioni.

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Salvatore Italia - L'editto del card. Pacca e la legislazione degli Stati pre unitari

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Fondazione Scuola dei beni e delle attività culturali

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Classe Aperta: Salvatore Settis su Paesaggio, patrimonio culturale e ambiente

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Lezioni d'autore con Salvatore Settis - Un’antichità per il futuro

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Quinto Anno. Asse Della Costituzione: Articolo 9 By Paola Torniai - Lessons - Blendspace

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Prof. Tomaso Montanari - Articolo 9 - Palo del Colle, 5 giugno 2018 -.Tomaso Montanari e Salvatore Settis_Festivaletteratura_Mantova 2013.TOMASO MONTANARI ART 9.Salvatore Settis e l'articolo 9 della Costituzione: a difesa del patrimonio culturale umanistico.CANOVA E LA TUTELA DEL PATRIMONIO ARTISTICO.Estetica della cittadinanza con Irene Baldriga.V Edizione del Progetto "Articolo 9 della Costituzione".Classe Aperta: Michele Ainis su L'articolo 9 della Costituzione.Irene Baldriga.

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Gustavo Zagrebelsky, Cittadini si nasce o si diventa?

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Gustavo Zagrebelsky, Cittadini si nasce o si diventa?

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Cittadini si nasce o si diventa? con Gustavo Zagrebelsky

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TOMASO MONTANARI "La lettera di Raffaello a Leone X (1519): un progetto per l’Italia"

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La Lettera a Leone X - Francesco Paolo Di Teodoro

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L'articolo 9 della Costituzione italiana stabilisce il principio della tutela dei beni culturali e del paesaggio, in relazione diretta con la ricerca e lo sviluppo culturale del Paese. Si tratta di uno dei più innovativi e lungimiranti passi della carta costituzionale italiana e celebra l'identità del cittadino con la memoria e la bellezza.

Materia: Educazione civica.
Destinatari: studenti della scuola secondaria superiore.
Professoressa: Irene Baldriga.

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L'articolo 9 della Costituzione - Rai Cultura - Rai Cultura

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L'articolo 9 della Costituzione italiana stabilisce il principio della tutela dei beni culturali e del paesaggio, in relazione diretta con la ricerca e lo sviluppo culturale del Paese. Si tratta di uno dei più innovativi e lungimiranti passi della carta costituzionale italiana e celebra l'identità del cittadino con la memoria e la bellezza.

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Salvatore Italia - Le epoche più antiche - Beni culturali e turismo

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L’attualità di Giovanni Urbani. Un testo di Giorgio Agamben con premessa di Bruno Zanardi

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Giorgio Agamben ha indicato tra i suoi maestri Giovanni Urbani, cioè la migliore intelligenza che si è dedicata alla salvaguardia del nostro patrimonio artistico nell’ultimo mezzo secolo. E a Urbani ha dedicato un importante saggio, che proponiamo ai nostri lettori.

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Dalla Convenzione di Faro alla nuova definizione ICOM di Praga. Cosa cambia nella sostenibilità, nella valorizzazione e nella gestione museale.

Tutti sapevamo che nulla sarebbe stato più come prima, che la pandemia avrebbe cambiato in modo irreversibile gli scenari della nostra esistenza e il nostro stile di vita. Tutti, o quasi, eravamo pronti a rimboccarci le maniche e a ripartire: i più ottimisti affermavano che dal dramma avremmo potuto anche trarre cose positive visto che, in generale, stavamo vivendo cambiamenti dal punto di vista economico, sociale, culturale e antropologico. Adesso, con il senno di poi, siamo consapevoli che i contesti in cui viviamo sono realmente molto differenti rispetto al 2019, ma soprattutto si sono modificate le modalità esistenziali delle persone che, oltre ad aver ereditato stati di inevitabile stress e ansia, hanno preso coscienza che il passato non potrà ripresentarsi.

Pur occupando ancora un ruolo fondamentale, anche la cultura ha subito evoluzioni soprattutto per quanto riguarda la sostenibilità, la valorizzazione e la gestione dei beni culturali, materiali e immateriali, e dei musei. Le strutture museali, infatti, sono mutate: hanno rivisto i loro obiettivi e le loro mission, hanno ampliato le loro funzioni, hanno dato maggiore importanza allo studio, alla ricerca e all'interpretazione delle collezioni permanenti e delle mostre temporanee, hanno ripensato le relazioni con il territorio e con le strutture formative ed educative, hanno dato più importanza agli aspetti immateriali e relazionali, hanno diversificato le specificità professionali dei dipendenti, hanno dato continuità alla ricerca e all'innovazione in ambito digitale per migliorare le proprie performance attraverso l'utilizzo della tecnologia funzionale e hanno cambiato il loro business model. La museologia del presente, di fatto, si muove su progettualità etiche e responsabili in grado di promuovere le diversità e di favorire, valorizzare e attuare piani di crescita sostenibile.

In realtà, dall'autunno 2020 all'estate 2022, ci sono stati quattro eventi che hanno rafforzato l'urgenza-esigenza del cambiamento in atto e che hanno disciplinato un'inevitabile evoluzione internazionale che ha avuto il suo naturale epilogo nella nuova definizione di museo dell'ICOM:

Il 23 settembre 2020 il Governo italiano ha ratificato la Convenzione quadro del Consiglio d'Europa sul valore dell'eredità culturale per la società. A dire il vero, gli specialisti italiani stavano lavorando da tempo su "Il diritto all'eredità culturale è inerente al diritto a partecipare alla vita culturale così come definito nella Dichiarazione Universale dei diritti dell'Uomo". Come si legge all'art. 1 della Parte 1: "La conservazione dell'eredità culturale ed il suo uso sostenibile hanno come obiettivo lo sviluppo umano e della qualità della vita". La Convenzione di Faro, aperta alla firma degli Stati membri del Consiglio d'Europa il 27 ottobre 2005 a Faro (Portogallo), nasce dal confronto fra quaranta Stati europei sui danni al patrimonio culturale causati dagli allora recenti conflitti verificatisi in Europa. La Convenzione di Faro intende promuovere una comprensione più ampia del patrimonio culturale e del suo rapporto con le comunità, incoraggiando a riconoscere l'importanza degli oggetti e dei luoghi in ragione dei significati e degli usi loro attribuiti sul piano culturale e valoriale. La partecipazione dei cittadini rappresenta un elemento imprescindibile per accrescere in Europa la consapevolezza del valore del patrimonio culturale e del suo contributo al benessere e alla qualità della vita. In questo contesto, gli Stati sono chiamati a promuovere un processo di valorizzazione partecipativo, fondato sulla sinergia fra pubbliche istituzioni, cittadini privati, associazioni.

Il 29 e 30 luglio 2021 hanno portato alla Dichiarazione di Roma dei Ministri della Cultura del G20 che riconosce, attraverso un documento sviluppato in 32 punti, le arti e la creatività come parti integranti della crescita del Paese e affida ai musei nuove funzioni: 1) abbattere le barriere architettoniche e sociali; 2) sollecitare il dialogo interdisciplinare e intersettoriale tra gli attori del patrimonio culturale per prevenire ogni tipo di "catastrofe" (degrado beni culturali, furti, ecc.) e rivedere la governance e la gestione museale adattandole alle nuove esigenze delle persone; 3) riconoscere il ruolo della cultura per combattere il cambiamento climatico, non solo migliorando l'impatto ambientale delle strutture che producono cultura, ma anche promuovendo eventi connessi alla coscienza ambientale e alla consapevolezza ecologica; 4) incoraggiare il coinvolgimento delle giovani generazioni, stimolando nuove progettualità legate a nuove competenze; 5) incentivare aggiornamenti professionali per operatori della cultura in linea con i nuovi obiettivi dei musei; 6) sollecitare la ricerca e la condivisione sull'utilizzo delle nuove tecnologie finalizzate alla protezione, allo studio, alla conservazione, alla digitalizzazione, alla promozione e all'accesso al patrimonio culturale; 7) riconoscere l'importanza del turismo culturale, lento e sostenibile, per affermare il valore della cultura come risorsa per il dialogo e la comprensione reciproca tra le persone nell'esaltazione delle diversità e della sostenibilità. Il documento è stato vagliato dai ministri e dalle delegazioni dei 20 Paesi partecipanti insieme ai vertici delle principali organizzazioni internazionali attive in materia, tra cui UNESCO, OCSE, Consiglio d'Europa, Unione per il Mediterraneo, le organizzazioni internazionali del settore culturale quali ICCROM, ICOM, ICOMOS, i protagonisti del contrasto agli illeciti contro il patrimonio culturale quali l'agenzia delle Nazioni Unite per il contrasto al crimine UNODC, Interpol e l'organizzazione doganale WCO, con il coinvolgimento diretto nei lavori anche del gruppo di outreach del G20 rivolto alle nuove generazioni (Y20).

Il 30 ottobre 2021 a conclusione dei convegni "Piacere Cultura. La crescita sostenibile dei musei e dei teatri. La cultura entra nella quotidianità delle persone", ideati e moderati da Maurizio Vanni, tenutisi presso il Teatro Il Maggiore di Verbania, promossi dalla Fondazione Centro Eventi Il Maggiore di Verbania e dall'Università degli Studi del Piemonte Orientale e patrocinati dal Ministero della Cultura, dalla Regione Piemonte e dal Comune di Verbania - che hanno visto la partecipazione di professori universitari, professionisti di settore, archeologi, medici, economisti, psichiatri, filosofi, direttori di musei, specialisti di didattica museale, bioarchitetti, esperti di tecnologia e nanotecnologia, ecc. -, è stato redatto il "Vademecum della Museologia del presente. Suggerimenti per la valorizzazione delle strutture che producono cultura e per una gestione sempre più etica e sostenibile dei musei".

Il 24 agosto 2022 l'Assemblea Generale Straordinaria di ICOM - International Council of Museums, a Praga, ha approvato la nuova definizione di museo. Questa la traduzione italiana che sarà oggetto di confronto con ICOM Define e con altri Comitati Nazionali che hanno come lingua ufficiale l'italiano: "Il museo è un'istituzione permanente senza scopo di lucro e al servizio della società, che effettua ricerche, raccoglie, conserva, interpreta ed espone il patrimonio materiale e immateriale. Aperti al pubblico, accessibili e inclusivi, i musei promuovono la diversità e la sostenibilità. Operano e comunicano eticamente e professionalmente e con la partecipazione delle comunità, offrendo esperienze diversificate per l'educazione, il piacere, la riflessione e la condivisione di conoscenze". In rapporto alla definizione precedente, che risale al 2007, sono stati introdotti elementi che riflettono le nuove esigenze delle persone nei confronti delle strutture che producono cultura, sono aumentate le funzioni dei musei in relazione a temi fondamentali quali l'etica, l'inclusività, la partecipazione delle comunità e la crescita sostenibile nei suoi quattro livelli interconnessi: la sostenibilità economica, la responsabilità sociale, la sostenibilità ambientale, la salute e il benessere.

G20 Cultura. Foto: Ministero della Cultura

L'Assemblea Generale ICOM 2022 a Praga

Già nella prima parte della definizione non passa inosservata l'importanza data alla parola "ricerca" inserita per prima: un modo per sancire il ruolo attivo e militante del museo svolto non solamente attraverso le pubblicazioni, ma anche con mostre temporanee, innovazioni connesse all'utilizzo della tecnologia funzionale, collaborazioni continuative e interdisciplinari con le università. Rispetto alla definizione del 2007, in quella attuale, al posto del termine "acquisisce" compare "raccoglie", certamente più adatto a riferirsi al patrimonio intangibile e ai beni immateriali. Mettere al centro il visitatore significa ascoltare le sue esigenze e i suoi bisogni e favorire proposte e offerte culturali su misura legate al bene comune, esaltando proprio i beni immateriali. Sempre nella prima parte della definizione la tradizionale parola "espone" è anticipata da "interpreta". Interpretare, in questo caso, significa ideare, progettare e partecipare proposte espositive a tuttotondo: sia dal punto di vista dell'ordinamento, della curatela scientifica, della strategia e della comunicazione che da quello della catalogazione e della creazione di proposte esperienziali ed emozionali. Ma è nella seconda parte della definizione che compaiono termini inediti: le parole "accessibile" e "inclusivo" evidenziano come i musei si trasformino in aziende al servizio delle persone e sottolineano un carattere sociale perché offrono un servizio pubblico e proteggono un pubblico interesse. Abbattere definitivamente le barriere architettoniche e sociali significa poter rendere protagonisti tutti i segmenti di pubblico partendo dalle persone più fragili e vulnerabili. Il museo non è mai stato così vicino alle persone e così pronto ad accogliere le "diversità" e ad esaltare le differenze di pensiero, di cultura, di etnia, di età, di genere, di religione, di orientamento sessuale e di disabilità.

Il richiamo al comportamento etico, con chiaro riferimento al Codice Eticodi ICOM, evidenzia come il museo abbia come compito principale quello di accrescere il suo ruolo educativo per un'utenza sempre maggiore proveniente da tutti i livelli della società. In questo caso si fa implicitamente riferimento anche all'equità sociale che impone ai musei, oltre al perseguimento delle tradizionali funzioni legate alla raccolta, alla tutela, all'interpretazione, all'esposizione e alla promozione dei beni materiali e immateriali, di prefiggersi la condivisione di benessere psico-fisico per gli individui e per la società. Se vogliamo fare entrare la cultura e i musei nella quotidianità di tante persone, far occupare uno spazio rilevante nel "mercato del tempo libero", dobbiamo pensare anche alla loro salute e al loro benessere interiore, aiutarle a gestire lo stress e gli stati d'ansia (scenari relativi al post pandemia e alla routine quotidiana), quindi a migliorare la qualità della vita sociale. Un pensiero confermato anche dalla presenza della parola "piacere" che, in questo caso, oltre al benessere psico-fisico, si riferisce anche al "divertimento nel museo" e al bene relazionale. Curiosità, meraviglia, interazione e scoperta: sono queste le sensazioni che i musei possono far scaturire in tutti i segmenti di pubblico di tutte le fasce di età, procurando una sensazione di distrazione e gioia.

Anche l'inserimento nella nuova definizione di museo della "condivisione di conoscenze" non è così prevedibile come potrebbe sembrare; infatti, accrescere la propria conoscenza, intesa anche come consapevolezza, è di fondamentale importanza per vivere meglio i percorsi esistenziali sia come individui privati che come professionisti. Per rendere tutto questo possibile è necessario che le conoscenze, le competenze, le esperienze vengano condivise, rese accessibili a un numero sempre maggiore di persone e di utenti. Ogni museo deve identificare gli strumenti di condivisione più appropriati ai propri pubblici di riferimento.

Il riferimento alla "sostenibilità" era inevitabile: la parola non ha solamente un valore simbolico e non si riferisce in modo esclusivo alla sostenibilità ambientale. Nel corso del tempo, infatti, la definizione di sviluppo sostenibile ha assunto un'impostazione più concreta e pratica che, concentrandosi su un approccio olistico, stabilisce un collegamento tra sviluppo economico, inclusione sociale, sostenibilità ambientale, salute e benessere. Nel 2002 a Johannesburg, al Summit Mondiale sullo Sviluppo Sostenibile dell'ONU, si parlò per la prima volta dell'importanza dell'integrazione delle tre componenti dello sviluppo sostenibile - economico, sociale e ambientale - intese come colonne interdipendenti che si sostengono vicendevolmente. Una visione, quella delle tre componenti interconnesse, che sarà ribadita dieci anni dopo, a Rio de Janeiro, in occasione del Summit Rio+20. Il concetto di sostenibilità, perciò, va affrontato nella sua globalità: la crescita sostenibile per i musei, nei diversi impatti misurabili (economico, sociale, ambientale e olistico), deve essere contemplata con una logica a medio-lungo termine e un ritorno sugli investimenti, non necessariamente in termini di fatturato. I musei tornano ad essere punti di riferimento per un territorio non solamente per il loro valore culturale, ma anche perché diventano una sorta di sismografi socioeconomici del loro andamento.

Note

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