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PERSONAL PROJECT_Final artwork_Ainhoa García Castilla (2)

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Personal Project_Ainhoa García Castilla (1)

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Personal Project: Emotions through dance (document)

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Personal Project: Emotions through dance (document)

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PERSONAL PROJECT_Final sculpture 2 (Alaia)

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Nueva York, finales de los años 70. El barrio del Soho aparece pintado a menudo con mensajes firmados por SAMO ( "SAMO salva idiotas", "SAMO fue el resultado de la sobreexposición"...). Un artista de origen Haitiano-portorriqueño vende postales y camisetas diseñadas por él mismo.
Se trata de Jean-Michel Basquiat, un joven que ya cuida su fama de artista maldito viviendo en las calles, drogándose y pintando.

De pronto, comienza a usar lienzos como soporte y mata a su alter ego SAMO ( "SAMO is dead"). Influenciado sobre todo por el expresionismo abstracto, y Cy Twombly, además del arte primitivo y según él su mayor influencia: el libro de Anatomía de Grey, Basquiat es catalogado como neo-expresionista y "artista afroamericano".

Pero pronto esas etiquetas se quedan cortas para definirlo. En 1980 Basquiat empieza a ser muy reconocido en el mundillo artístico neoyorquino. Deja de ser afroamericano para ser americano. Warhol se hace su amigo y protector, y comienza a vender muchos cuadros a muy buen precio. De hecho, su éxito en los siguientes años fue algo rutilante ( "The Radian Child", "El niño radiante", empezó a llamarle la crítica).

Pero como afirmaron muchos: "Su fama superó a su arte". Basquiat acabaría muriendo de sobredosis con - como no - 27 años. Pero el artista siempre afirmó que era inmortal. La leyenda continuó tras su muerte. Hoy se considera un genio, el último gran artista norteamericano cuyo trabajo se llega a cotizar hoy hasta 15 millones de dólares por cuadro.

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Nueva York, finales de los años 70. El barrio del Soho aparece pintado a menudo con mensajes firmados por SAMO ( "SAMO salva idiotas", "SAMO fue el resultado de la sobreexposición"...). Un artista de origen Haitiano-portorriqueño vende postales y camisetas diseñadas por él mismo.

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Matisse, el collage y la representación del cuerpo humano. - Palacio de Granda

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Matisse es el artista sobre el que hemos decidido trabajar especialmente este año en el departamento de Artes Plásticas.

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In my opinion, without any doubt, and even if you are interested in fashion, what you have ended up doing has been a graphic experimentation on the excuse of a figurine or model. But in reality, more than the possible clothe design, what is interesting are the graphics and abstract works. Especially the distortion of the bodies, and the omission of certain parts, almost cease to be recognized as bodies to become lines, shapes, colors. They are reminiscent of artists like Mirò or Matisse in recent series. The combination between geometric shapes and patterns in front, behind or dancing or interacting with the "figure" is very interesting. The more the figure disappears, the more attractive the plastic becomes. For this reason, I find the proposals before the last 4 more interesting. Really. They are very good. I do not know how are you going to continue but I bet you can keep on experimenting with this type of paintings, maybe making the figures more subtle, combining more figures or other elements.. Another aspect which I have forgotten to mention is the dynamism you get with your drawings. They are really good!

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Interesting idea that of connecting fashion design with social criticism. I have enjoyed reading the articles even though it can be polemical to "capitalize" social issues.. What are you creating though?
BTW, is there a reason why Umit Benan's fashion is exclusively for men? I think it is not by chance..

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Lana Del Rey - Born To Die (Official Music Video)

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A deep topic based on your own experience since the loss of your father. I am looking forward to seeing your video and how it differs from the admonitory sense of those from DGT. The one about predicting deaths with algorythms is very powerful not only in content but also aesthetically.

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Both ideas are OK, you have worked and researched in depth. It would be good to try to argue your aesthetical preferences by putting in words adjectives of the spaces and furniture. For example: "I like the idea of combining square shaped furniture with round objects.. the contrasts between black and white; low saturated palet of colours..." Try to apply terminology and concepts learned in class. I think it is awesome your interest in architecture and how the idea of a dreamed house can activate motivation. Well done Olaia

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El Instituto de los Pasillos Complejos 2021 - Charo Garaigorta

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" El arte es la expresión de los sentimientos y emociones del artista" William Wordsworth

Usémoslo para el trabajo de autoconocimiento de los niños , este proyecto emocionARTE que os presentamos aquí incluye:

Una pieza de arte para trabajar una emoción.

Una actividad plástica para hacer después.

Os proponemos aprender a mirar el arte , aprender a buscar una emoción en él y a su vez usar todo este conocimiento para CREAR Y CREAR . Adelante, pasen y lean .

Os proponemos una actividad inicial en la que en grupos reflexionen sobre cada una de estas piezas y después una actividad de creación específica.
Actividad 1. Vemos y reflexionamos en grupo
Formaremos equipos de cuatro personas y les entregará la imagen de la pintura artística . Además se le deberá entregar una hoja de ruta con consignas.

Describan el gesto y la postura de la persona/ personaje.

Realicen una descripción del entorno en dónde se encuentra la persona.

Interpreten que emoción preponderante puede estar viviendo.

¿Existe una relación en la descripción del entorno y de la persona con la emoción interpretada?

Compartan con sus compañeros/as si recuerdan haber vivido dicha emoción y cómo se comportaron

Miedo: El Grito , Eduard Much

La pintura de Munch es el ejemplo más fidedigno de la melancolía, la angustia, el miedo a la enfermedad y a la muerte, la soledad y la desolación humanas. Para ello deforma y distorsiona las figuras, con un profundo sentido emocional, colocándolas sobre un fondo de líneas sinuosas y torturadas, influencia de los simbolistas y modernistas. El color se hace irreal, llegando a extremos de cromatismo hiriente y exaltado que refuerza el dramatismo que quiere plasmar.

El Grito, 1893, Galería Nacional de Oslo, no solamente es la más representativa de las características de su estilo, sino de las de todo el Expresionismo universal.

En El Grito se hallan magistralmente reflejados el dolor y la angustia del ser humano ante las tragedias de la vida, de tal manera que trasciende el hecho concreto para hacerse voz universal doliente y desesperada.

Actividad . Me pinto en miedo
La idea es que una vez hemos reflexionado sobre el miedo, sobre cómo nos sentimos y después de observar y conocer la obra de Munch, vamos a pintar nuestros miedos.

La consigna en esta ocasión es que se pinten a ellos mismos en una situación en la que sintieron miedo y vamos a pedir que recuerden :

Dónde estaban (cómo era el entorno? día? de noche? luz? ) y con esto escogeremos los colores de nuestro cuadro.

Ahora llevaremos la atención hacia adentro ¿cómo era mi postura? ¿mis músculos?¿mi respiración? ¿me sentía pequeño ó grande? etc. ahora traten de plasmar en dibujándose a sí mismos.

Acabamos la obra de arte.

Alegría: La vaca amarilla de Franz Marc

Franz Marc, nació el 8 de febrero de 1880 en Munich, Alemania. Fue uno de los principales representantes del movimiento expresionista (los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista -la "expresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión"-de los impresionistas).

En sus obras expresan fuertes emociones y sentimientos mediante colores vivos.

Una vaca amarilla y feliz en medio de la naturaleza. La temática de este cuadro es muy particular, una idea propia y una expresión muy fuerte hacia unos valores olvidados: el amor a la vida natural y el amor a los animales.
Actividad: Si fuera un animal ...
Si yo fuera un animal sería un________ y viviría feliz en _________

Una vez hemos pensado esta frase proponemos a los niños pintar este animal y sobre todo el entorno, notaremos los colores que usamos y qué nos lleva a sentir felicidad, plasmaremos no sólo el animal sino el contexto.

Tranquilidad: El puente japonés, Monet

Monet pasa la primera mitad de su vida "persiguiendo" la naturaleza, y en la segunda (en Giverny), se da cuenta de que puede tener todo un universo en su propio jardín.
Convierte un terreno pantanoso en un estanque al que (debido a su admiración por la cultura japonesa) le construye un puente japonés y siembra con nenúfares. Elementos que pintará una y otra vez, demostrando que la belleza de las cosas es infinita ya que se renueva a cada momento.
Actividad: Reproducción del puente
Vamos a reproducir a nuestra manera el maravilloso lienzo " El puente Japonés" de Monet.

¿Qué necesitamos?

Pinturas.

Pinceles, esponja.

Cartulina blanca.

Cinta de pintor.

¿Cómo lo hacemos?

Paso 1. En la cartulina blanca marcaremos con la cinta de pintor el puente.

Paso 2. Usando la esponja pintaremos con tonos verdes y azules el fondo.

Paso 3. Los detalles, haremos detalles con pincel en colores blanco, rosa.

Paso 4. Dejaremos secar.

Paso 5. Retiraremos la cinta de pintor y con ceras pintaremos el puente.

Tristeza: Serie Azul Picasso

Picasso acababa de vivir un drama que le aportó una sensibilidad especial ante el conflicto entre la vida y la muerte, una tragedia que asumió como propia y que le condujo a buscar nuevas formas de expresión, plasma todas estas emociones en esta serie.
Actividad : Los colores de la tristeza
Vamos a pensar en la tristeza y en cómo podemos plasmarla a nivel cromático, vamos a dejar papel y pinturas para que sin forma expresen esta emoción usando sólo colores.

"El artista es un receptáculo de emociones que vienen de todas partes: del cielo, de la tierra, de un trozo de papel, de una forma pasajera, de una tela de araña." Pablo Picasso

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El arte es emoción y como tal una potente herramienta para trabajar con los niños la conciencia emocional . Os compartimos en este post ideas muy prácticas para trabajar las emociones a través del arte: proyecto emocionARTE.

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” El arte es la expresión de los sentimientos y emociones del artista” William Wordsworth

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RAFAEL SANTANDREU: Conferencia sobre la gestión de las emociones

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Las emociones no son algo tangible ni estático, al contrario están en continuo movimiento. De forma muy similar a lo que sucede en el universo, las emociones cambian, crecen, oscilan, viajan y se relacionan entre ellas. En ocasiones son casi invisibles, pero están ahí en un estado latente, y otras veces explotan. Las emociones son las que determinan nuestro estado anímico; las que hacen que seamos seres humanos únicos e irrepetibles.

Hacer tangible algo tan inmaterial ha sido un importante reto. De ahí, establecer un paralelismo gráfico con lo que sucede en el mapa estelar. En el universo se pueden identificar diversas estructuras: las galaxias, las constelaciones, los asteroides, los cometas, la materia interestelar y la materia oscura, entre otras.

Todas estas estructuras configuran una imagen con la que representamos el universo. De forma metafórica, el Universo de Emociones aplica estas estructuras para materializar y visualizar nuestras emociones. Si bien la esencia del contenido tiene una fundamentación científica, en la exposición se utilizan las licencias propias del arte.

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Las emociones no son algo tangible ni estático, al contrario están en continuo movimiento. De forma muy similar a lo que sucede en el universo, las emociones cambian, crecen, oscilan, viajan y se relacionan entre ellas. En ocasiones son casi invisibles, pero están ahí en un estado latente, y otras veces explotan.

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TELEPATÍA Y CONTROL MENTAL ( poderoso) (experimento)

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It seems that you have gone in depth looking for references but when it comes to linking dance with emotions, it seems more human and realistic as well not to separate them according to certain colours but to suggest how close and even how contradictory emotions can be.. I would keep on experimenting

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I find the feminist perspective of action painting as a counter-response a very interesting topic. I recommend you to see the works and read also about Lee Krasner (Jackson Pollock's wife, also an artist). You might be also interested in Janine Antoni and her performances, as well as Ana Mendieta's. Take a look also at Yves Klein's paintings done by nude female models, there the criticism of feminist artists is also explained. On the other hand, it seems to me that your connection with the topic is not only ideological, as I see in your own drawings a certainly very expressive automatism, with the curved, undulating line. For me the key to your project is that you keep experimenting with those graphic lines, that you create your own feminist action painting, with your own style. You can continue testing in small format, in larger format, with inks or paints, trying different supports, recording in video or with digital tools the expressiveness of the lines while you create them, even incorporating the body in your work (like Schneeman, Benglis, Antoni...) by creating or recording a performance... I wouldn't think of the final work in detail until you carry out that graphic and plastic experimentation. I would as well forget about universal symbolism such as purple or icons representing gender or feminism. It is not necessary to understand your approach. It's more about starting your own artistic path. This could be a very interesting TFG topic by the way

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I see an effort to create a book but I think it lacks experimentation. Look at artists' books (libro de artista), for example; the diversity of formats and the creative freedom they have. I think the book should be less explanatory and more poetic and artistic, less images and more paintings would help as well. Suggest rather than explain. On the other hand, the project should be broader than the book. You can combine the book with an experimental piece of artwork or a series based on the techniques you tried with your grandmother, but from a greater creative freedom, for example, combining them to create something new, with another format, with other expressive possibilities.

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I think you have done deep research on the arts' critical approach, even if I did not have time to go through all the links in depth. I am glad that you value the documentary. I wonder if you are creating the giant painting, I wish you are and that you change your mind and come to class the 20th of May to show it to us. I think you work with commitment and openess to discovery, and you seem to be very motivated and strongly believe in the ideas you are doing research about. I am leaving a link about Basquiat.. it might serve as inspiration

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I have written some comments above. You can take a look at the references I have just upload in Leire's column. In my opinion, your drawings are pretty interesting, in search of different ways expression (even with different techniques) but still I think you could add to them some strength (It might be due to the fine marker...) by working with collage as well (cardboard, coloured paper, more dense paints, or thicker marks). Just like Sonia Delaunay or other references you might have... clothes are just a canvas for plastic art and imagination

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Nothing to follow up

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Nothing to follow up

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With the leaked audios of Pique and Rubiales, I started to reflect and the conclusion I drew from all this was that our private conversations can be leaked as they can expiate us and take away our data when we least expect it.

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Last week my parents were in Egypt and bought an eye of Horus magnet. I relate the eye to my final project as it reminds me of observation.

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Finally, I have written different quotes that inspire me in terms of dance and that I have seen in different sites.

Dance is undervalued in some aspects and it is important to keep in mind these phrases for those for whom dance is very important in their lives

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In this sketch I wanted to reflect different emotions through colors again. Although when we dance we feel more liberated, we can reflect different emotions such as anger, sadness, fear or happiness.

Also I have made different monigots in different movements, which can help me to make the final work.

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The color of freedom I consider to be green. This feeling is very recurrent when we dance because we express everything we feel, we release everything we need through dance.

It is a sketch that I will use in a different way in the final.

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As in the previous sketch, in this one I also wanted to capture the colors that convey different emotions, in this case, colors that convey joy and happiness.

Leaving behind the sadness, when I dance this is what I feel, so I decided to capture it through this sketch.

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In this first sketch I wanted to express sad feelings through different colors. Colors convey different emotions and these are the ones that best convey negative feelings such as sadness.

Through this sketch I wanted to capture the colors that I will use later for the final product. Many times we need to do something we like to leave behind these feelings and dancing in my case is one of those things

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Some inspiration: videos and images

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El color puede inducir estados de ánimo y dictar potentes sensaciones.

Ya en el siglo XV, los artistas utilizaban pigmentos específicos para transmitir y evocar emociones. Sin embargo, una comprensión integral de la teoría del color (reglas para el uso del color en el arte) no se comenzó a desarrollar formalmente hasta el siglo XVIII cuando Isaac Newton desarrolló la rueda de colores. Y una teoría del color ligada a la experiencia emocional humana no surgiría hasta tiempo después, con la llegada de Goethe.

Descripción general de la psicología del color.

Esta se define como el "estudio de los matices como un determinante del comportamiento humano". Esto quiere decir que, los artistas pueden analizar la manera en que nos hará sentir y reaccionar la utilización de los colores. Algunas de estas asociaciones son tan fuertes que, pueden estimular el comportamiento, las acciones y hasta los sentimientos en las personas.

En el arte, podemos utilizar los colores para expresar nuestras emociones. Así mismo podemos hacer uso de los colores intencionalmente para provocar emociones en nuestra audiencia.

Para ver con más claridad este hecho, usaremos de ejemplo los llamados Período Azul y Rosa de Picasso.

Los periodos azul y rosa de Picasso

En el "Período Azul", pintó obras monocromáticas, representando en ellas escenas sombrías y desalentadoras. Más tarde, en el "Período Rosa", utilizó tonos alegres como el rojo, el naranja y el rosa. Así, puedes observar el contraste directo con los colores fríos de su período anterior.

Observa cómo el significado del color jugo un papel importante en sus obras. Tradujo sus sentimientos a una imagen que el espectador podría desempacar. El público tuvo la oportunidad de vislumbrar la mente de Picasso.

Título: Maternité (Madre e hijo). Autor: Pablo Picasso. Fecha: 1905.

Toma en cuenta que el espectador puede tener una interpretación diferente de la pintura, que se aplica a su propia cultura y experiencias de vida. Es importante que tengas presente que los colores y el diseño pueden significar algo diferente para cada persona que los ve.

La ciencia del color en la cultura Occidental

Si bien aún hoy en día se debate sobre la falibilidad de asociar colores con emociones muy especificas, existen reacciones incuestionables que los colores pueden producir en nosotros los seres humanos.

El estudio del color en relación a la emoción tiene muchas aristas diversas. Tiene connotaciones biológicas, culturales, psicológicas, sociales e incluso mercadológicas.

A continuación mencionaremos algunas asociaciones que coloquialmente se ejercen en relación a diversos colores.

Azul

Hay una variedad de tonos azules en la naturaleza, especialmente en el cielo y los cuerpos de agua. El azul a menudo se asocia con la calma y la satisfacción. Los tonos de azul también se dice representan la confiabilidad. En algunas situaciones, especialmente en el arte, el azul opaco y oscuro ha sido asociado con la tristeza.

Verde.

El verde está aún más ligado a la naturaleza que el azul. Las plantas y árboles aportan una gran variedad de tonos verdes. De hecho, puesto que es el color de muchísimas plantas, mismas que los seres humanos estamos "diseñados" para reconocer, es uno de los colores que percibimos en mayor cantidad de matices. La mayoría de las culturas ven el verde como señal de juventud y salud. Por lo mismo también se relaciona con la prosperidad y la vida.

Título: Mont Sainte-Victoire with Large Pine Artista: Paul Cezanne. Fecha: 1887. Técnica: óleo sobre lienzo. Dimensiones: 67 cm x 92 cm. Colección: Courtauld Institute of Art. Universidad de Londres. Londres.

Púrpura

El púrpura tiene una larga relación con la nobleza. Por siglos fue un color difícil de producir, por lo que históricamente sólo los ricos podían permitirse artículos de color morados. Actualmente, el violeta es visto como un ejemplo de creatividad y serenidad. Sin embargo por su herencia histórica sigue también siendo asociado con nobleza y sabiduría.

Rojo

Un color rojo brillante y abrasivo puede expresar enojo y tumulto. Sin embargo el rojo significa más que solo frustración o caos. Transmite pasión, incluido el amor. El rojo es usado por muchas marcas comerciales no necesariamente por los sentimientos que evoca, sino porque es muy fácil de notar para el ojo humano. Hay un viejo dicho entre pintores que dice: "si quieres vender un cuadro, pintalo de rojo".

Naranja

El naranja, como el rojo, es muy visible y usado a menudo en las marcas comerciales, especialmente de equipos deportivos. Los tonos naranjas brillantes son enérgicos y joviales, mientras que los tonos más claros se pueden percibir como relajantes y refrescantes, tal como las puestas de sol y el sorbete de naranja.

En las culturas occidentales, el amarillo se identifica como alegre y cálido por su relación con el sol. Sin embargo, cuando se usa con demasiada dureza o en el contexto incorrecto, puede provocar frustración e incomodidad. El amarillo también está relacionado con la estimulación del aperito.

Negro

El negro a menudo está relacionado con la oscuridad y el mal. Sin embargo en las sociedades occidentales, el negro denota poder y autoridad.

Blanco

El blanco es interesante porque tiene connotaciones casi opuestas en las culturas occidentales y orientales. En Occidente, el blanco es visto como puro, elegante y limpio. Por el contrario, el blanco está asociado con la muerte en el Este. En algunos casos, como la prisión, la esterilidad del blanco puede usarse para inducir la privación sensorial.

Indudablemente, hay una variedad de emociones exhibidas a través de los colores. Además, puede haber varios sentimientos evocados simplemente cambiando el tono de un solo color. Por lo mismo definir con exactitud lo que transmiten los colores es un tema de debate significativo, puesto que hay infinitas variaciones sutiles.

Sin embargo, no hay ninguna duda de que los colores son piedras angulares en la transmisión de significado. Este significado muchas veces es transmitido sin que el espectador se dé cuenta conscientemente.

Artistas famosos que usaron el color para expresar emociones

Hay muchas ocasiones en que una pintura revela en gran medida las emociones del pintor. Los colores que éste usa reflejan su perspectiva de la vida y su circunstancia emocional. Han existido muchos grandes pintores que nos han dejado obras maestras inmortales en las que se enfatizó el uso del color como mensajero. A continuación te nombraré y mostraré artistas junto a obras significativas enque emplearon el color para apelar a la emoción humana.

Pablo Picasso

Fue un pintor y escultor español, creador junto con Georges Braque del cubismo. (Málaga, 25 de octubre de 1881-Mougins, 8 de abril de 1973).

Los amantes

Una de las consideradas obras maestras de Pablo Picasso es Los amantes. Cómo puedes apreciar aquí, él representa a un hombre y una mujer abrazados con suavidad y amor en sus ojos. En ésta maravillosa pintura podemos percibir el amor que el pintor experimentaba al dibujarla.

Título: Los Amantes. Artista: Pablo Picasso. Fecha: 1923. Técnica: Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 130.2 x 97.2 cm. Colección: Galería Nacional de Arte de Nueva York, Nueva York, Estados Unidos.

Vincent Van Gogh

Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo (Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890).

La noche estrellada

La pintura de Van Gogh La noche estrellada, nos muestra su propia naturaleza surrealista. Con giros de nubes, estructuras oscuras, luna, planetas y la representación del movimiento del viento y un colorido que intensifica la dualidad entre luz y obscuridad. En ella podemos ver claramente la variabilidad en la mente del artista. Puedes encontrar en ella distintas interpretaciones según tú estado de ánimo. Por ello es considerada una de sus grandes obras.

Gustav Klimt

Fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918).

El beso

Creada por Klimt El beso es una pintura que representa la 'emoción humana de la pasión'. Podemos observar un hombre y una mujer bellamente dibujados, mientras comparten un beso. Puedes apreciar en esta pintura la sensualidad plasmada por el artista en ella, se puede sentir que el beso está ocurriendo realmente.

Uno de los elementos que mayor éxito trajo a la obra de Klimt fue su uso habitual de hoja de oro en contraposición con un carateristico colorido brilante.

Miguel Ángel Buonarroti

Conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obras arquitectónicas (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564).

La creación de Adán

Realizada en el techo de la Capilla Sixtina en Roma, esta obra maestra es realmente una belleza. En ella puedes palpar el amor del pintor por Dios y la humanidad. A través de esta pintura se expresa la magia de la creación divina del hombre. También se puede sentir la emoción humana de la fe.

Johannes Vermeer

Es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. (Bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675)

Chica con un arete de perla

Johannes Vermeer, es considerado uno de los mejores pintores de todos los tiempos por su habilidad para percibir la luz y representarla. Puedes observar gran belleza e impacto pese a la simplicidad de esta pintura; se trata de una niña con un tocado de turbante y un arete de perlas, la cual hasta la fecha es considerada una pieza muy valiosa en la historia del arte. Si bien su valor no solo radica en el turbante azul de la chica, esta pintura ha sido mencionada incontables veces por dicho turbante.

Henri de Toulouse-Lautrec

Conocido simplemente como Toulouse-Lautrec, fue un pintor y cartelista francés. Se le enmarca en el movimiento postimpresionista (Albi, 24 de noviembre de 1864 - Château Malromé, Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901).

En la cama: El beso.

En esta pintura de Henri de Toulouse-Lautrec, En la cama: el beso, podemos ver lo audaz de la misma, al representar dos mujeres besándose. Esta nos muestra una gran cantidad de emociones humanas que el pintor ha capturado con maestría. En la pintura, el artista le ha dado un tinte de color rojo al borde de los labios, dándole a esta pieza un aspecto erótico y al mismo tiempo tierno. La luz nos introduce en una atmósfera que nada tiene que ver con el tabú de la época. Una escena tierna, con una iluminación acogedora, llena de ternura y pasión.

Título: En la cama: el beso. Artista: Toulouse Lautrec. Fecha: 1892. Técnica: Óleo lienzo. Dimensiones: 70 × 54 cm. Colección: Colección privada, París, Francia.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe fue una artista estadounidense mejor conocida por sus pinturas de flores agrandadas, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O'Keeffe ha sido reconocida como la "Madre del modernismo estadounidense" (15 de noviembre de 1887 - 6 de marzo de 1986).

El lago

En la pintura de Georgia O'Keeffe llamada El Lago se pueden apreciar los colores fuertes utilizados en ella, que definen su audaz perspectiva. En esta pintura puedes ver representada la imagen de un lago que fluye suavemente. Se puede apreciar la calma en la mente de la artista y su amor por la naturaleza. Mediante su uso del contraste, representa un intenso haz de luz rodeado por lo que pareciera nuves grises y densas. Con ello la pintora intenta aparentemente hablarnos de esperanza, la llegada de la luz y la calma después de la tormenta.

Matisse

Fue un pintor fauvista francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Se desempeñó como dibujante, grabador y escultor, pero principalmente como pintor. (31 de diciembre de 1869-3 de noviembre de 1954).

Lujo, calma y voluptuosidad.

Esta obra es considerada como una síntesis del postimpresionismo. Puedes apreciar en ésta obra la utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleada por Matisse en su periodo fauve. Otra característica que puedes observar en esta pintura, es su intención de expresar sentimientos que iban más alla de la representación literal del mundo. Esto hace que se perciba la naturaleza y lo que le rodea priorizando lo subjetivo. Se aprecia la idea de que hay una diferencia entre el color percibido por los ojos y el color procesado por la mente o el pensamiento.

Los fauvistas hicieron gran énfasis en usar el color de manera decididamente distinta de la natural. Decían que era imposible usar el color de manera naturalista despues de haber presenciado la primera guerra mundial. Simplemente los colores "naturales" no eran lo suficientemente intensos para representar lo vivido.

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Las emociones y el color en la pintura - ttamayo.com

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El color puede inducir estados de ánimo y dictar potentes sensaciones. Ya en el siglo XV, los artistas utilizaban pigmentos específicos para transmitir y evocar emociones. Sin embargo, una comprensión integral de la teoría del color (reglas para el uso del color en el arte) no se comenzó a desarrollar formalmente hasta el siglo XVIII cuando Isaac Newton desarrolló la rueda de colores.