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Il successo del neoespressionismo internazionale fu il COLLEZIONISMO

-Viene meno lo SPIRITO POSITIVO DELLE AVANGUARDIE E NEOAVANGUARDIE

-Si perde la FIDUCIA cieca nell'arte e nell'umanità intera

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-PRIMI ANNI '70: ritorno alla manualità

-In Italia molti artisti concettuali passarono alla pittura

-In Germania si verificò un ritorno all'Espressionismo
in Inghilterra ritornò la figura di Bacon

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ACHILLE BONITO OLIVA che la  definisce la tendenza artistica di alcuni giovani pittori italiani degli anni '70.

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Una sorta di reazione alla sperimentazione artistica spinta all'eccesso dalla Pittura Concettuale ha origine da un gruppo di artisti emergenti che in quegli anni parteciparono alla sezione "Aperto 80" della Biennale di Venezia.

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La Transavanguardia teorizzava un ritorno alla manualità, alla gioia del dipingere. Restituiva al pennello, alla tela ed ai colori il loro posto nell'arte della pittura, anche attraverso la libera riscoperta delle radici locali e popolari di ciascun artista.

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Venne chiamato "ARTE CIFRA" in Germania
oppure NEOESPRESSIONISMO

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BONITO OLIVA OSSERVA I SUOI ARTISTI CONTEMPORANEI

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BONITO OLIVA OSSERVA I SUOI ARTISTI CONTEMPORANEI

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-Erano ribelli dell'ultimo concettuale

-Avevano la maniera di andare avanti, guardando indietro o di lato

-Avevano perso la certezza dei loro credi

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- MIMMO PALLADINO
- CLEMENTE
- NICOLA DE MARIA
- CUCCHI

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La Transavanguardia cerca saldi legami con la tradizione storica, con la pittura, la scultura, la figurazione, con una rappresentazione che ha come aspirazione finale una simbiosi emotiva di carattere cosmico, in un'impronta vagamente surrealista.

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Le opere di questi giovani pittori sono fortemente narrative e trasmettono immagini fantastiche legate agli interessi primari dell'artista, quali spazio, tempo o storia, interpretati in una totale libertà espressiva.

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Firenze, 1946 sin dai primi lavori si dedicò a una pittura a olio che ricordava quella Manierista, dipingendo figure michelangiolesche avvolte da un sorriso ironico.

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Il concetto che caratterizza l’arte di Chia è la convinzione che la linfa che alimenta l’arte è intrinseca a se stessa. L’artista ritiene che sia necessario per gli artisti conoscere ciò che è venuto prima di loro e guardare ai maestri con occhio rispettoso, per poi poter citarli nelle opere. Infatti, Chia guarda molto ai capolavori degli artisti del passato, tra cui Tiziano, Masaccio, Tintoretto, Michelangelo Buonarroti, ma anche agli esempi contemporanei del calibro di Giorgio de Chirico, Fernand Lèger, Paul Cézanne.

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Il concetto che caratterizza l’arte di Chia è la convinzione che la linfa che alimenta l’arte è intrinseca a se stessa. L’artista ritiene che sia necessario per gli artisti conoscere ciò che è venuto prima di loro e guardare ai maestri con occhio rispettoso, per poi poter citarli nelle opere. Infatti, Chia guarda molto ai capolavori degli artisti del passato, tra cui Tiziano, Masaccio, Tintoretto, Michelangelo Buonarroti, ma anche agli esempi contemporanei del calibro di Giorgio de Chirico, Fernand Lèger, Paul Cézanne.

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- I colori della terra in tinte vivaci e brillanti, dove al posto della campagna c’è uno sfacciato scenario di cromie, macchie e contorni

- Incedono uomini e animali, figure maschili che si librano in un ossimoro fatto di corpi massicci e spiriti leggeri,

- Figure maschili che si liberano in un ossimoro fatto di corpi massicci e spiriti leggeri, assorti, stanchi e dignitosi nella sospensione delle loro attività, tanto è chiaro il rimando alla poetica del lavoro, nei campi e non solo, dato che il viandante che si riposa è a volte anche pittore. Il viandante è autorappresentazione (come confermato dalla riflessione firmata in catalogo dall’autore)

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Lavora con la ripetizione e lo spostamento 

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Lavora con la ripetizione e lo spostamento 

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- Parte da un'immagine persistente che riproduce anche mediante la pittura

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Clemente

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Vita e opera di Francesco Clemente, artista neo-espressionista italiano

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Francesco Clemente (nato il 23 marzo 1952) è un artista italiano più strettamente associato al movimento neo-espressionista. Il suo lavoro reagisce concettuale e minimalista ritornando a idee e tecniche figurative del passato. Il suo lavoro è influenzato da altre culture, soprattutto quella indiana, e collabora spesso con artisti e registi.

Curiosità: Francesco Clemente

Nato in una famiglia aristocratica, Francesco Clemente è cresciuto a Napoli, in Italia. Ha studiato architettura all'Università di Roma. Ha parlato di una crisi filosofica che ha vissuto da studente. Sentiva profondamente il fatto che tutte le persone, incluso lui, alla fine sarebbero morte e credeva di non avere un'identità o una coscienza separata specifica dagli altri. Disse: "Credo che esista un'immaginazione condivisa dalle diverse tradizioni contemplative".

La prima mostra personale di Clemente si tiene a Roma nel 1971. I suoi lavori esplorano il concetto di identità. Ha studiato con l'artista concettuale italiano Alighiero Boetti e ha incontrato l'artista americano , che ha vissuto in Italia. Boetti e Clemente si recarono in India nel 1973. Lì, Clemente incontrò il concetto buddista indiano di anatman, o mancanza di sé, che divenne un elemento tematico centrale nel suo lavoro. Ha aperto uno studio a Madras, in India, e ha creato la sua serie 1981 di dipinti a guazzo intitolata Francesco Clemente Pinxit mentre lavorava con pittori negli stati indiani di Orissa e Jaipur.

Nel 1982, Clemente si trasferì a New York City, dove divenne rapidamente un appuntamento fisso della scena artistica. Da allora, ha vissuto principalmente in tre diverse città: Napoli, Italia; Varanasi, India; e New York City.

Francesco Clemente entrò a far parte di quello che era noto come il movimento Transavanguardi o Transavantgarde tra gli artisti in Italia. Negli Stati Uniti, il movimento è considerato parte del più ampio movimento neo-espressionista. È una forte reazione all'arte concettuale e minimalista. I neo-espressionisti sono tornati all'arte figurativa, al simbolismo e all'esplorazione delle emozioni nelle loro opere.

Il neo-espressionismo è emerso alla fine degli anni '70 e ha iniziato a dominare il mercato dell'arte per la prima metà degli anni '80. Il movimento ha ricevuto aspre critiche per l'omissione o l'emarginazione delle artiste a favore di spettacoli esclusivamente maschili.

Clemente era al centro di discussioni a volte accese sul neo-espressionismo e sulla sua autenticità. Con la sua relativa mancanza di contenuto politico, alcuni osservatori hanno criticato il movimento per essere intrinsecamente conservatore e focalizzato sul mercato invece di preoccuparsi della creazione dell'arte stessa. Clemente ha risposto che non ha ritenuto necessario "manomettere la realtà" nel suo lavoro e ha detto che preferiva presentare il mondo come esiste veramente.

Uno dei lavori neo-espressionisti più noti di Clemente è il suo pezzo del 1983 intitolato "Nome". Il dipinto dai colori vivaci raffigura un uomo, simile a Clemente, che fissa lo spettatore. Ci sono piccole versioni dell'uomo all'interno dell'orecchio, delle orbite e della bocca.

Un altro ritratto significativo nella carriera di Clemente è il suo dipinto del 1997 intitolato "Alba", con la moglie dell'artista. È un soggetto frequente per i suoi dipinti. Nel ritratto, è sdraiata in una posa leggermente scomoda. L'immagine si sente come se fosse schiacciata nella cornice, dando allo spettatore una sensazione di claustrofobia. Molti dei ritratti di Clemente hanno uno stile similmente distorto, quasi scomodo.

Negli anni '80 Francesco Clemente inizia una serie di collaborazioni con altri artisti, poeti e registi. Uno dei primi di questi è stato un progetto del 1983 con . Ciascun artista ha iniziato i propri dipinti individuali, quindi si sono scambiati in modo che l'artista successivo potesse aggiungere il proprio contenuto. Il risultato è stato una serie di tele piene di svolazzi drammatici che sono immediatamente riconoscibili come appartenenti a un singolo artista; questi svolazzi si scontrano e si sovrappongono.

Nel 1983 Clemente inizia il suo primo progetto con il poeta Allen Ginsberg. Uno dei loro tre lavori in collaborazione è il libro con illustrazioni di Francesco Clemente. Negli anni '90 Clemente ha lavorato con il poeta Robert Creeley a una serie di libri.

Un altro progetto congiunto è stato il lavoro di Clemente del 2008 con la Metropolitan Opera di New York. Ha lavorato per la prima volta con la rinomata compagnia d'opera quando ha creato un grande striscione per l'opera Philip Glass . Più tardi nell'anno, Clemente ha creato una serie di dipinti chiamati : ritratti delle dive presenti nella stagione 2008-2009 del Metropolitan Opera. Sono stati creati in un periodo di quattro mesi e hanno caratterizzato i cantanti nei loro ruoli teatrali.

Francesco Clemente ha iniziato la sua collaborazione con l'industria cinematografica nel 1997, quando ha fatto un cameo come ipnoterapeuta in . Nel 1998, Clemente ha creato circa duecento dipinti per l'adattamento del regista Alfonso Cuaron del classico di

Nel 2016, Clemente è apparso in un film dello scrittore, regista e attore indipendente Adam Green intitolato . Nella rielaborazione della storia di , la famiglia disfunzionale di Aladdin vive in una città americana media governata da un sultano corrotto. Francesco Clemente appare come il genio, Mustafa.

Clemente è oggetto di frequenti interviste televisive. Uno dei più noti è un'intervista estesa con Charlie Rose nel 2008 dal suo programma omonimo della PBS.

Il lavoro di Clemente sfida spesso una caratterizzazione specifica. Sebbene utilizzi tecniche figurative associate al neo-espressionismo, i suoi pezzi non sono sempre intensamente emotivi nel contenuto. Abbraccia con entusiasmo l'ispirazione da tradizioni artistiche diverse dalla sua. Incoraggia altri artisti a sperimentare audacemente con i media e le tecniche che sono nuove per loro.

I viaggi, la vita quotidiana e lo studio in India influenzano fortemente il lavoro di Francesco Clemente. Ha studiato avidamente i testi spirituali indiani e ha iniziato a studiare la lingua a New York nel 1981. Nel 1995, ha fatto un viaggio al Monte Abu in Himalaya e ha dipinto un acquerello al giorno per cinquantuno giorni consecutivi.

Il Solomon R. Guggenheim Museum di New York City ha organizzato una grande retrospettiva del lavoro di Clemente nel 2000. Un'altra retrospettiva all'Irish Museum of Modern Art di Dublino è seguita nel 2004.

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Vita e opera di Francesco Clemente, artista neo-espressionista italiano

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Francesco Clemente (nato il 23 marzo 1952) è un artista italiano più strettamente associato al movimento neo-espressionista. Il suo lavoro reagisce concettuale e minimalista ritornando a idee e tecniche figurative del passato. Il suo lavoro è influenzato da altre culture, soprattutto quella indiana, e collabora spesso con artisti e registi.

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-Dà molta importanza alla sua manualità

-Nel 1979 è inserito da Achille Bonita tra gli esponenti della Transvaguardia

-Nel 1980 partecipa alla Biennale di Venezia

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- Residente e attivo a Torino

- De Maria è uno dei cinque artisti della Transavanguardia italiana teorizzata da Achille Bonito Oliva nel 1978, ma, a differenza degli altri esponenti del gruppo, come Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi e Mimmo Paladino, il suo lavoro si è principalmente concentrato sull'astrattismo e su un approccio pittorico nel quale i limiti della tela venivano superati per entrare in relazione con lo spazio circostante

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De Maria ha esposto:
-  Alla Biennale di Venezia (1980, 1988, 1990)
a Documenta 7 a Kassel in Germania (1982)

- Alla XVI Biennale di San Paolo in Brasile (1981)

- Alla IV Biennale di Sydney in Australia (1982)

- Alla Quadriennale di Roma

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Nicola De Maria descrive se stesso come «chi scrive un poema con le dita sporche di colore, mentre cane e gatto, chiusi nella tana del cuore, sono la pittura e la poesia che si battono per il trionfo dell’arte

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- Nei suoi quadri   sono presenti  colori accesi che riflettono la sua predisposizione dell’artista a incarnare la figura del poeta

- Secondo De Maria, dovere dell’artista è infatti «trasformare gli incidenti e la brutalità del mondo in bellezza ed armonia, nell’infinita verità del bene» e il fine dell’arte «è evocare ciò che è invisibile, testimoniare l’opera suprema di Dio; quando l’artista partecipa alla creazione, la pittura porta la realtà verso l’assoluto»

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I riferimenti alla natura presenti nelle opere sono la memoria e la nostalgia dell’origine, espressa attraverso il linguaggio di una ritrovata innocenza