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Maximilien Ernst, pittore e scrittore tedesco è nato a Brûl, Colonia il 2 Aprile 1891. Nel 1909 si iscrive all'Università di Bonn per studiare filosofia, in questo periodo i suoi interessi si rivolgono alla psicologia e all'arte dei malati mentali e presto abbandona l'università per dedicarsi interamente all'arte.
Nel 1911 stringe amicizia con August Macke e si unisce al gruppo Rheinische Expressionisten di Bonn, l'anno dopo espone per la prima volta alla Galerie Feldman di Colonia, nel 1913 espone a Berlino. Visita Parigi, dove conosce Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay, e partecipa all'Erster Deutscher Herbstsalon. Tra il 1918 e il 1925 crea i primi collage e i primi frottage.
Nel 1939 è imprigionato in francia perché di origine tedesca.
Nel 1954 vince il primo premio alla Biennale di Venezia.
Muore poi a Parigi all'età di 85 anni, nel 1976.
Curiosità: Nel 1929, Andre Breton definì Ernst un artista che “possiede l’immaginazione più illusoria del mondo”.

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Emanuele Carioti Ematube, la notizia non dorme mai

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Max Ernst e i suoi amici Surrealisti, la meravigliosa Mostra del 2002 a cura di Arturo Schwarz

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Il surrealismo nacque nel 1924 con il "manifesto del surrealismo" di André Breton.
I Surrealisti affermavano la centralità dell'inconscio dell'uomo.
L'arte deve valorizzare il sogno, la visione, l'allucinazione e la memoria. I Surrealisti cercano di sperimentare tecniche inedite di rappresentazione di immagini mentali.

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M.Arte – Mediateca d'arte è un percorso didattico multimediale pensato dall’architetto Marco Capasso della Capware Lab per introdurre gli studenti alla bellezza concettuale e provocatoria dell’arte del Novecento, ma anche un modo per comprendere come sia possibile oggi comunicare il nostro patrimonio artistico attraverso le possibilità aperte dal digitale, M.Arte rappresenta dunque un laboratorio culturale nel quale esplorare e sperimentare i nuovi territori della creatività.

Episodio 2 - Il Surrealismo

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Mirò nasce a Barcellona, si iscrive all'Accademia di Belle Arti della sua città.

Recatosi a Parigi, incontra Picasso.
Nel 1929 fa le prime esperienze nel campo della litografia.
Nel 1936 fu costretto a lasciare Barcellona a causa di una guerra civile, ma vi ritornerà poi nel 1941.
Nel 1948 è premiato per le decorazioni murali del palazzo dell'Unesco a Parigi.
Morirà poi a Palma di Maiorca, quando aveva 90 anni, nel 1983.

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Le sue opere più famose sono La Poetessa, Ragazza in fuga, Carnevale di Arlecchino.

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Trova le coppie

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Mentre il riconoscimento della letteratura come strumento della ricerca del Surrealismo appare tutto lampante, nient'affatto scontata è la posizione dell'arte figurativa.
L'arte figurativa, secondo il padre del Surrealismo, partecipa pienamente alla rivoluzione surrealista e si appropria dei mezzi dell'automatismo e della dimensione del sogno.

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Tutti i temi, le istanze e le parole chiave del Surrealismo sono contenuti nel primo manifesto.
L'autore inizia la trattazione con una sorta di elogio dell'immaginazione e dell'infanzia, una fase di vita in cui non è ancora tutto autentico, pieno di magia.
Lo scopo del surrealista è quindi quello di inseguire con ogni mezzo la libertà.

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Si sottolinea come il sogno rappresenti una parte essenziale dell'esistenza umana, poiché è nella dimensione onirica che l'uomo soddisfa tutto ciò che gli accade.
Nel sogno viene individuato una sorta di stato di veggenza.
Il movimento del Surrealismo quindi è totalmente volto alla ricerca di un punto d'incontro tra sogno e realtà.

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Il Surrealismo altro non è che un mezzo di liberazione totale dallo spirito e di tutto ciò che gli rassomiglia. Lo stato creativo di veggenza, di sogno vigile si può raggiungere attraverso la tecnica dell'automatismo.

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Magritte nasce a Lessines in Belgio nel 1898. Nel 1912 la madre si suicida e questa tragedia influirà fortemente sulla sua pittura.
Nel 1916 va a studiare presso L'Academie Royale des Beaux- Arts di Bruxelles. Dopo il servizio militare lavora come disegnatore in una fabbrica di carta da parati. Nel 1927 lascia il Belgio per stabilirsi a Parigi, con numerose difficoltà economiche torna in Belgio nel 1930, dove tiene una personale.
Nei vent'anni successivi riceve commissioni per eseguire pitture murali in Belgio.
Muore a Bruxelles a 69 anni nel 1967.

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completa il cruciverba

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Completa il cruciverba con parole chiave del Surrealismo.

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Rispondi correttamente a tutti i quiz e vinci un milione di euro…… di monopoli

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Europa dopo la pioggia, Tentazione di Sant' Antonio,  Vestizione della sposa

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Si compone di innumerevoli segni leggeri, concatenati da andamenti lineari continui, entro uno sfondo che sembra sorreggerli e allo stesso tempo farli navigare nel vuoto.

Anche se la loro disposizione è apparentemente casuale, forme e colori si dispongono in un equilibrio complessivo, contemplando il cielo.

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Si tratta di un dipinto con tecnica a olio su tela, eseguito nello studio Blomet a Parigi, e conservato attualmente nella Albright-Knox Art Gallery di Buffalo (Stati Uniti d’America). Tra oggetti vari e personaggi fantasiosi Arlecchino è una sorta di chitarra con la tipica camicia a rombi, baffi ,barba, pipa e cappello dell'ammiraglio.

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Nel dipinto La terra arata di Juan Mirò sul piano dipinto si affollano segni e forme provenienti da vari ambiti della cultura. Alcuni di questi come, ad esempio, la sagoma del bovino e di ominidi verso destra, sono tratti da pitture rupestri. Alcune forme sono estremamente semplificate come l’essere al centro in basso con la bocca spalancata di profilo e l’occhio, invece, frontale e una testa triangolare a punta. Altre forme sono costruite con segni che difficilmente si possono identificare come quelle a sinistra che ricordano pali di tralicci o segnali stradali. La linea dell’orizzonte presuppone che vi sia un piano naturale sul quale gli esseri fantastici si poggiano, come nella realtà. Dalla base della forma strana, a sinistra, parte, verso il basso, un tracciato ondulante che ricorda l’aratura di un campo.

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Di intenso simbolismo, questo quadro viene considerato fra i dipinti più rappresentativi dell’artista. Sebbene l’opera sia di difficile interpretazione, sono tutti concordi sul fatto che essa raffiguri quel che rimane di un paesaggio devastato dalla Seconda guerra mondiale. Il titolo del dipinto è un probabile riferimento al Diluvio universale biblico. L’uccello antropomorfo, che sembra essere l’unico soggetto sopravvissuto al disastro circostante, è considerato la personificazione della Guerra stessa, mentre al suo fianco vi sarebbe il simbolo di un”Europa colta", ovvero la figura femminile pietrificata al suo fianco. L’uomo-uccello è, secondo altri, lo stesso Ernst che ‘sfugge da noi e dalla volta che è collassata ed ha bruciato il toro dell’Europa (la carcassa animale al centro).’ L’animale decomposto al centro, il tempio a destra e il busto femminile incastonato fra le sue colonne, potrebbero alludere al mito greco di Europa, che venne rapita da Zeus trasformatosi in toro.

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Un groviglio di teste mostruose e diaboliche invadono uno spazio surreale e onirico. Simboli della tentazione, queste creature sembrano impadronirsi di tutta la tela, dove sullo sfondo campeggiano solo macerie e devastazione.

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Il figlio dell'uomo, Golconda, Gli amanti, La Trahison des images

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Salvador Dalí nacque la mattina dell’11 maggio 1904 nel piccolo villaggio agricolo di Figueres, in Spagna.
Nel 1925 tiene la prima personale a Barcellona, nel 1926 viene espulso dall'accademia.
Nel 1927 si recò a Parigi e cominciò a interagire con autori del calibro di Picasso, Magritte e Mirò, il che lo portò al suo primo periodo surrealista.
Nel 1933 tiene la prima personale negli Stati Uniti e nel 1940 vi si rifugia e si occupa di teatro.
Nel 1948 ritorna in Spagna con la moglie e fino al 1949 dipinge quadri con soggetti religiosi.
Dalí morì a Figueres nel 1989.

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"Salvador Dalí. La ricerca dell’immortalità": al cinema il 24, 25, 26 settembre 2018

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Il grande masturbatore. ...

La persistenza della memoria. ...

Morbida costruzione con fagioli bolliti: premonizione di guerra civile. ...

Metamorfosi di Narciso. ...

Sogno causato dal volo di un'ape intorno a una melagrana un attimo prima del risveglio.

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L'opera simboleggia il mito del narcisismo, raffigurato da un Narciso che muore e si fossilizza. Per realizzare questo dipinto, il pittore catalano utilizza il suo metodo critico-paranoico. Salvador Dalì raffigura Narciso che si trova seduto in una posizione definita quasi fetale. Narciso si trova nelle vicinanze di uno stagno ed è chiaramente visibile il suo riflesso dal quale ha inizio la trasformazione. Poco lontano da lui, si nota una statua decadente in pietra su un piedistallo, raffigurante probabilmente lo stesso Narciso. La trasformazione della figura avviene da sinistra verso destra, mentre i colori trasparenti, evanescenti, lungo la trasformazione si caricano di connotati sempre più opachi, assumendo una connotazione realistica e concreta paragonata ad un lento risveglio dopo un sogno visionario. La metamorfosi si percepisce grazie alla somiglianza delle sagome delle due figure. In questo caso, il protagonista assume quindi le sembianze di una mano che stringe un uovo dal quale nasce un fiore di narciso. La mano potrebbe indicare l’atto della masturbazione, oppure, secondo altre interpretazioni, simboleggiare la morte.

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Il quadro è caratterizzato da una complessa iconografia barocca e condensa in sé gran parte del repertorio dei motivi per immagine, di Salvador Dalí, tra i quali: i sassi, le conchiglie e l'albero che riportano alla sua infanzia. L'uovo invece simboleggia il periodo intrauterino. Nel grande masturbatore in primo piano notiamo l’autoritratto dell’artista, la testa di Dalì che subisce una metamorfosi fino a diventare il busto di una donna e le gambe di un uomo. La testa è una bizzarra commistione tra una testa umana e le rocce della Costa Brava dei dintorni di Cadaques, nelle forme più imprevedibili del mare e del vento. Il quadro è caratterizzato da una complessa iconografia barocca e condensa in sé gran parte del repertorio dei motivi per immagine, di Salvador Dalí, tra i quali: i sassi, le conchiglie e l’albero che riportano alla sua infanzia. L’uovo invece simboleggia il periodo intrauterino.
La cavalletta, odiata dallo stesso autore, presenta il ventre in decomposizione ricoperto di formiche. Viene messo in evidenza ripetuta il simbolo fallico, che risulta riproposto sia nel pistillo della calla del fiore che nella lingua eretta del leone africano che è paragonato ad una Gorgone distruttrice. Viene anche ricordato il tema freudiano che vede nella testa della terribile Medusa il simbolo della castrazione.

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Strofinamento

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Raschiamento

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Fotomontaggio o assemblaggio di oggetti

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In quest’opera Magritte moltiplica a “stampo” il curioso personaggio presente in molte altre sue opere, caratterizzato dal vestito e dalla bombetta neri. Il paesaggio, composto da case e tetti tipicamente belga e da un cielo opaco e senza nubi, è ancora una volta caratterizzato da un realismo elementare.
Su questo sfondo i personaggi, completamente identici fra loro se non per la direzione degli sguardi e per la loro lontananza e quindi gradezza, sembrano piovere dal cielo come candidi fiocchi di neve.
Non vi è dubbio alcuno circa la magia e la dolcezza poetica, quasi sognante dell’immagine.

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Questo bacio fra i due amanti è un’immagine decisamente conturbante, che parla di morte e di impossibilità di comunicare.
Nascosti dietro i loro sudari, si scambiano un amore muto incapace di un linguaggio diverso da quello del corpo, esprimendo una forte passione nonostante la mancanza di dialogo. E riportando le stesse parole del pittore possiamo capire cosa voleva esprime con quest’opera. Le dichiarazioni sono le seguenti: “C’è un interesse in ciò che è nascosto e ciò che il visibile non ci mostra. Questo interesse può assumere le forme di un sentimento decisamente intenso, una sorta di conflitto, direi, tra visibile nascosto e visibile apparente.”