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Pier Paolo Pasolini

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La solitudine appartiene all’individuo di ogni tempo, d’ogni epoca ed ogni luogo, e viene da sempre percepita in modo analogo, incombendo sulla vita delle persone senza fare alcuna distinzione. Molti artisti si sono cimentati nella sua contemplazione e rappresentazione, realizzandone malinconici ed intimi ritratti.

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Campo di grano con volo di corvi, 1890. Amsterdam, Van Gogh Museum.

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L'opera è ritenuta il testamento artistico e spirituale dell'artista: il dipinto è realizzato con una violenza che mai prima Van Gogh aveva riversato su una tela, e l'artista stesso parla del gruppo di quadri di cui fa parte come di

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"... immense distese di grano sotto cieli tormentati... Non ho avuto difficoltà nel cercare di esprimere tristezza e solitudine estrema."

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L'assenzio, 1875-1876. Musée d'Orsay.

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Il grido, 1893. Oslo, Nasjonalmuseet.

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"Camminavo lungo la strada con due amici - quando il sole tramontò - il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue - mi fermai, mi appoggiai stanco morto ad un recinto - sul fiordo neroazzurro e sulla città c'erano sague e lingue di fuoco - i miei amici continuarono a camminare e io tremavo ancora di paura - e sentivo un grande urlo infinito che pervadeva la natura."

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L'opera, che fa parte del "Fregio della vita", rappresenta una scena autobiografica e ricca di simbolismi. La figura in primo piano è infatti, nella sua completa solitudine, la rappresentazione del dramma dell'intera società; il ponte, che si perde nell'orizzonte, rappresenta gli innumerevoli ostacoli che l'uomo deve affrontare, ed infine la falsità dei rapporti interpersonali è rappresentata, con cruda disillusione, dagli amici che continuano ad avanzare.

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Le atmosfere rappresentate da Giorgio De Chirico sono apparentemente semplici, ma al contempo mistiche ed innaturali: a prevalere sono un senso di diffusa assenza di vita, accompagnata da un profondo silenzio, che dominano le scene urbane.

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Piazza d'Italia, 1913.

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In questa serie pittorica gli elementi metafisici, tra cui lunghe ombre, prospettive geometriche, portici che riprendono la tradizione classica, così come le sculture, acquisiscono un ruolo fondamentale, enfatizzando la solitudine che traspare dall'opera e che è interrotta solo da treni a vapore o piccole figure sullo sfondo.

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Ettore ed Andromaca, 1913.

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Ettore ed Andromaca sono rappresentati come manichini senza volto o braccia, impersonali, collocati in una dimensione atemporale e aspaziale.

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Ettore non ha un volto poiché partendo per αἰδώς ha perso ciò che lo rendeva umano, ovvero la capacità di seguire il proprio cuore ed incorrere in scelte che avrebbero potuto rivelarsi errate; allo stesso modo Andromaca, privata del suo uomo, sente su di sé un vuoto cosmico, il peso della perdita dell'unica ragione di vita.

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De Chirico riesce inoltre a rappresentare il dramma insito nell’ultimo abbraccio consolatorio mai avvenuto tra i due, rappresentandoli senza braccia. Simboleggiando come Ettore non potrà dare conforto e protezione ad Andromaca, destinata per sempre alla solitudine e alla perdita di tutti i suoi cari.

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Nell'opera, ambientata all'interno del Café de la Nouvelle Athènes, Degas raffigura due personaggi: una prostituta di periferia ed un clochard dall'aria indisponente. Entrambi i personaggi hanno lo sguardo perso nel vuoto, assorti nei loro pensieri, e pur essendo così vicini fisicamente, appaiono lontanissimi, a simboleggiare come la solitudine possa rendere gli uomini incapaci di comunicare.