# data[].attributes.headline
Conclusão do autor sobre Tecnologia aplicada na educação

# data[].attributes.subject
Conclusão do autor sobre Tecnologia aplicada na educação

# data[].attributes.headline
Matéria sobre Relação entre Arte e Tecnologia

# data[].attributes.subject
Matéria sobre Relação entre Arte e Tecnologia

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Educação artística

Janaina Pires Garcia

Doutoranda em Educação (UFRJ);
professora de Sociologia no Ensino Médio

Existe o predomínio de uma determinada visão que coloca arte e cultura de um lado e tecnologia de outra, como se fossem inimigas. Essa visão na arte surge no Romantismo e é acentuada a partir da Revolução Industrial (Hauser, 2003). Os produtos industriais passam a adquirir caráter estético e a competir com a arte. É nesse momento que se fortalece a Estética como teoria que fundamenta a obra do artista separada de outros setores da vida e da cultura.

O artista e a arte reivindicam sua autonomia e independência em relação a outros setores da sociedade, e passa a prevalecer o que chamamos de "arte pela arte". Ganha força a ideia do artista como criador individual, muitas vezes como gênio inspirado. O trabalho artístico adquire caráter essencialmente individual e com forte cunho subjetivo.

Essa dicotomia gera polêmica ainda hoje: ainda se discute se a fotografia, o cinema, o vídeo e a televisão, a computação gráfica e os produtos gerados por essas tecnologias são arte ou não; essas pessoas esquecem-se de que arte e tecnologia sempre estiveram de mãos dadas. Em todos os períodos da História da Arte as evoluções técnicas influíram na arte. Os mosaicos, a pintura a óleo, as gravuras, foram técnicas e procedimentos inéditos em seu tempo. Os artistas sintonizados com sua época acompanharam essas mudanças e incorporaram as novas tecnologias em suas obras:

A história da arte não é apenas a história das ideias estéticas, como se costuma ler nos manuais, mas também e sobretudo a história dos meios que nos permitem dar expressão a essas ideias. Tais mediadores, longe de se configurarem dispositivos enunciadores neutros e inocentes, na verdade desencadeiam mutações sensoriais e intelectuais que serão, muitas vezes, o motor de grandes transformações estéticas (Machado, 1996).

O advento de novos materiais e novas tecnologias, não somente na arquitetura mas também na música, na pintura, na escultura, sempre revolucionou a arte e abriu caminho para novas formas artísticas. Essa transformação se acentuou a partir do século XVIII, com o uso de novos meios mecânicos, como a fotografia e o cinema e, mais ainda, com as tecnologias eletrônicas: a televisão e o computador.

Nesse contexto, a emergência do capitalismo representa não somente o surgimento de um novo modo de produção econômica como também o surgimento de uma nova ordem cultural, que se expressa na substituição do trabalho manufaturado e artesanal pela produção seriada da linha de montagem, na presença da máquina no processo de produção, na fragmentação do trabalho e no envolvimento de um maior número de pessoas na produção, na redução do tempo de trabalho empreendido em cada peça produzida, na produção e reprodução de peças iguais, na relativização do tempo de durabilidade das peças produzidas que podiam então ser mais facilmente substituídas.

O filósofo Walter Benjamin (1892-1940), associado à Escola de Frankfurt, observou essas transformações no campo da produção artística (Benjamin, 1996). As obras de arte se caracterizavam pela sua exclusividade e existência única. Essa existência única fazia com que as obras de arte só pudessem ser vistas por um número muito restrito de pessoas, e por isso mesmo precisavam ser muito duráveis para que pudessem ser contempladas ao longo dos anos. Sua unicidade, aliada à dificuldade de acesso a essas obras, acabou por gerar um tipo de relação com a arte que era sagrada, que seguia os rituais de um culto. É certo que ainda hoje obras desse tipo, únicas e irrepetíveis, continuam sendo produzidas, ou seja, esse modo de produção artística continua vivo e cumprindo um papel importante na história cultural da humanidade (exemplos: Casulos,de Lygia Clark; Constelação,de Miró etc.). Benjamin chama a atenção para o fato de que as transformações engendradas pelo capitalismo operam na esfera artística mudanças tão profundas que transformaram, inclusive, os modos de relação com a arte no seu todo.

Mas que transformações foram essas? A arte inaugurou sua produção em série com o surgimento da fotografia, do cinema etc. A fotografia e o cinema nasceram sob a condição de serem cópias. Não existe um "original" da fotografia; o que existe é o negativo. O filme a que assistimos no cinema também não é a sua fita original, mas uma montagem de cenas relacionadas, cortadas, editadas. Se a produção nasce de maneira seriada, isso é, em grande quantidade, a exigência de que a obra de arte tivesse uma existência única é posta em questão, e com isso seu critério de valoração deixa de ser a unicidade e passa a ser a quantidade de cópias produzidas. Quanto maior o número de salas que exibirem determinado filme, mais valorizado ele será. Esse tipo de produção vai deixando de ser feito por um único artista e passa a ser produzido de maneira mais coletiva. Entretanto, tais transformações apresentam um aspecto positivo: a reprodução técnica traz em si uma possibilidade de democratização estética, desde que as obras de arte conservem as características daquilo que até então chamaríamos de original. O aparecimento e o desenvolvimento de formas de arte (como a fotografia ou o cinema) em que deixa de fazer sentido distinguir entre original e cópia traduzem-se no fim de uma " aura ", o que liberta a arte para novas possibilidades.

Contrário ao pensamento de Benjamin, Theodor Adorno e Max Horkheimer (Adorno, 2006), também associados à Escola de Frankfurt, analisam que toda reprodução contribui para a perda de identidade da originalidade e está à disposição de uma elite que manipula aqueles que não possuem acesso aos originais por meio de cópias feitas em série, conferindo a todas elas uma característica mercadológica, portanto massificante. Ao contrário disso, Benjamin acredita que isso gera, desde que observadas as técnicas, uma politização capaz de moldar o senso crítico daquele que observa.

Benjamin passa a contestar a oposição que se faz entre as massas, que buscariam na obra de arte apenas a distração, e o conhecedor que preza o recolhimento. A massa, segundo Benjamin, possui uma nova atitude diante da obra de arte. Com ela, "a quantidade converteu-se em qualidade". Benjamin critica a posição contrária esclarecendo o que seria distração e recolhimento:

A distração e o recolhimento representam um contraste que pode ser assim formulado: quem se recolhe diante de uma obra de arte mergulha dentro dela e nela se dissolve, como ocorreu com um pintor chinês, segunda a lenda, ao terminar seu quadro. A massa distraída, pelo contrário, faz a obra de arte mergulhar em si, envolve-a com o ritmo de suas vagas, absorve-a em seu fluxo (1996, p. 193).

Essa exposição da visão benjaminiana do cinema deixa claro o ponto de vista do autor. Ele se distingue das demais posições da chamada Escola de Frankfurt, e isso no que se refere especificamente ao problema da cultura e do cinema, embora também em outros pontos que aqui não nos interessam diretamente. Sua posição diante do cinema e da arte é radicalmente oposta à posição de Adorno; isso envolvia inúmeras outras questões, entre as quais a questão da tecnologia, ressaltadas por Benjamin em sua análise da "reprodutibilidade técnica". Benjamin destacou as possibilidades abertas pela tecnologia e as consequências positivas dessa percepção modificada (especialmente a dessacralização, em relação à concepção de aura), enquanto Adorno ressaltou as consequências negativas e as deficiências ali presentes. Para o primeiro, um salto qualitativo para frente; para o segundo, para trás.

Em uma série de respostas epistolares aos ensaios de Benjamin, o teórico crítico da Escola de Frankfurt Theodor Adorno acusou-o de um utopismo tecnológico que a um só tempo fetichizava a técnica e ignorava o seu alienante funcionamento social na realidade. Adorno foi bastante cético com respeito às afirmações de Benjamin sobre as possibilidades emancipatórias dos novos meios e formas culturais. A celebração benjaminiana do cinema como um veículo para a consciência revolucionária, para Adorno, ingenuamente idealizava a classe trabalhadora e suas aspirações pretensamente revolucionárias (Stam, 2006, p. 86).

Para uma melhor inserção em tal debate, é fundamental examinar o significado de alguns termos para entender melhor essa relação entre arte e tecnologia na História da Arte. Segundo Hauser (2003), na Antiguidade, sobretudo entre os gregos, arte era entendida como tekhné, que abrangia qualquer prática produtiva, inclusive a produção artística, acentuando o aspecto de execução da obra de arte:

Os gregos não faziam qualquer distinção de princípio entre arte e técnica, e esse pressuposto atravessou boa parte da história da cultura ocidental, até pelo menos o Renascimento. Para um homem como Leonardo da Vinci, pintar uma tela, estudar a anatomia humana e a geometria euclidiana e projetar o esquema técnico de uma máquina constituíam uma única atividade intelectual (Machado, 1996).

A palavra técnica aparece na língua portuguesa somente no século XIX e passa a substituir parcialmente a palavra arte. O português, o francês, o italiano, o alemão e o russo têm estabelecido uma distinção entre técnica e tecnologia. No inglês essa distinção é mais tênue, e o termo technology engloba muito do que entendemos como técnica. A palavra tecnologia tem origem no grego tekhnologia ( tekno + logos); significa o conhecimento científico das operações técnicas ou da técnica (Japiassu, 2006). Tecnologia, assim como técnica, tinha ligação com a arte até o século XIX. O Dicionário Oxford de 1933 ainda registra como um dos significados de technology o discurso ou tratado sobre uma arte ou sobre as artes.

No Brasil, no início do século XX, a palavra tecnologia foi definida por um engenheiro da Escola Politécnica de São Paulo como "doutrina ou ciência industrial que fundamenta o exercício da engenharia" e seu uso na língua portuguesa seguiu nesse sentido. Fica claro que os termos técnica e tecnologia migraram do campo da arte para o campo da indústria e da ciência conforme essas duas esferas cresceram em importância e atuação na sociedade ocidental. Por outro lado, arte tinha relação com a técnica e com a ciência mais evidente até a separação das duas esferas em campos praticamente opostos a partir do século XVIII. A palavra arte, do latim artis, tem várias definições no dicionário, das quais se destacam: arte como a capacidade que tem o homem de pôr em prática uma ideia valendo-se da faculdade de dominar a matéria; arte como criação de sensações ou estados de espírito de caráter estético; arte como expressão de tais sensações etc.

Arte sempre esteve vinculada à estética. A palavra estética vem do grego aisthesis, que significa tanto conhecimento sensível (percepção) quanto aparência sensível: aquilo que faz apelo aos sentidos (Japiassu, 2006). A estética é também um ramo da filosofia, uma reflexão filosófica sobre a arte, que a define, estuda-a e a classifica, buscando, como toda filosofia, explicações gerais e universais. O objeto e o método da estética dependem do modo como se define arte. Por essa razão, filósofos-estetas elaboraram diferentes tratados estéticos desde a Grécia Antiga até o século XX.

Um ponto comum seria a investigação acerca do que é o belo, o belo capaz de proporcionar prazer aos sentidos ou ao espírito. Atualmente não é mais possível aceitar a estética como impondo regras e modelos universais para a arte. Quem faz arte são os artistas, e se arte pressupõe criação e inovação só poderemos teorizar a partir do produto gerado, e não antes. Com a dilatação do conceito de arte a partir da segunda metade do século XVIII, o conceito de belo também muda. Antes do advento dos produtos industrializados, a beleza era vista como harmonia das partes, perfeição; era dissociada da utilidade. A partir do século XIX, começa-se a pensar na beleza como adequação a um fim.

Arte é uma atividade que une realização com invenção e descoberta. Sua tarefa é libertar a capacidade humana dos esquemas limitativos da vida prática, levar o homem a tomar consciência, em todas as ocasiões, de que as atitudes que pode tomar diante da vida são inesgotáveis, como a própria realidade - que tem um caráter múltiplo e complexo. A arte não está isolada do resto da realidade; entre a arte e as outras atividades do homem não há um abismo, há antes uma passagem gradual, níveis diferentes de inventividade. Da execução técnica de um projeto à invenção mais original há um exercício do fazer que se estende das formas mais elementares do ofício à mais pura criação estética.

Nesse sentido, a arte, como técnica produtora de símbolos de comunicação estética, foi considerada na fronteira entre as técnicas que se podiam aprimorar e as que, pela própria natureza, permaneciam imutáveis. Essa situação ambígua tornou-se preponderante na época moderna. Na verdade, a técnica com que é realizada a arte é um dos mais importantes aspectos de sua existência, tão importante que se torna difícil, senão impossível, separar produção estética de técnica artística. E, por mais que se queira ver na a arte uma possível essência "inefável", qualquer avanço das técnicas autocorretivas traz um avanço concomitante na produção estética.

Somos contemporâneos de um momento de reinvenção da relação arte-tecnologia, em que a hibridação entre arte, ciência e pensamento produz novos paradoxos e questões. Relação que não é nova, mas que sem dúvida é problematizada de forma aguda no contexto atual, em que a arte busca revitalização e acha nas tecnologias emergentes um campo de experimentação. Hoje poderíamos dizer que a arte contemporânea, em sua relação com o tecnológico, passa por uma nova série de configurações, ou melhor, dissoluções de fronteiras que se realizam em situações-limite produzidas por diferentes processos geradores de objetos artísticos "paradoxais" a meio caminho entre o científico e o estético.

Referências bibliográficas

ADORNO, Theodor. Teoria Estética. Lisboa: Edições 70, 2006.

BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas v. 1 e v. 2. São Paulo: Brasiliense, 1994.

HAUSER, Arnold. História Social da arte e da literatura. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

MACHADO, Arlindo. Máquina e imaginário: o desafio das poéticas tecnológicas. São Paulo: Edusp, 1996.

JAPIASSU, Hilton Ferreira. Dicionário básico de filosofia. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 2006.

STAM, Robert. Introdução à teoria do cinema. Campinas: Papirus, 2006.

Publicado em 04/10/2011

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
fundação centro de ciências e educação superior a distância do estado do rio de janeiro

# data[].attributes.attachment_link.title
Educação Pública - Biblioteca - Educação Artística

# data[].attributes.attachment_link.description
Área de extensão da Fundação Centro de Ciências e Educação Superior a Distância do Estado do Rio de Janeiro - Cecierj/Cederj. Iniciativa da Secretaria de Estado de Ciência e Tecnologia (SECT-RJ). Objetiva oferecer formação continuada a profissionais de educação, contribuir para que divulguem o conhecimento que produzem e, ainda, sucitar a reflexão e a crítica.

# data[].attributes.body
Aqui abaixo encontra-se um tipo de tecnologia que seria bem interessante de usar no ensino da Arte.
Fonte: http://www.educacaopublica.rj.gov.br/biblioteca/educacao_artistica/img/0040.jpg

# data[].attributes.body
Tecnologia geralmente está ligada nos dias de hoje a coisas que utilizam da computação por exemplo. Mais seu conceito é algo inovador. Um tipo novo de papel é considerado uma nova tecnologia. Então a ideia de que aplicar tecnologia na educação está ligada somente ao uso do celular, tablet ou computador está certa e ao mesmo tempo errada. Porque não são só estes meios que podem ser usado como tecnologia na educação.

# data[].attributes.body
A tecnologia pelo menos no uso da arte em si (não falando da educação) é de suma importância. Porque por exemplo: as luzes de um palco de teatro é um tipo de tecnologia. Será mesmo que sem ela poderíamos ter um teatro mais dinâmico e simples como vemos hoje? A resposta é simplesmente NÃO. Não há forma alguma de descartar o uso da tecnologia nas artes em geral. A musica a utiliza em seus instrumentos, as artes plasticas a usa por exemplo na fotografia, o teatro usa, a TV é uma tecnologia. Logo não podemos descartar seu uso de forma alguma.

# data[].attributes.headline
Link para vídeo interessante sobre o assunto.

# data[].attributes.subject
Link para vídeo interessante sobre o assunto.

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte e Tecnologia | Expresso Futuro Com Ronaldo Lemos

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
O uso de tecnologias nas aulas de Arte

6º, 7º, 8º, 9º

18 aulas

Introdução
Como a tecnologia pode contribuir para o desenvolvimento estético? Uma colher de pau, um lápis, um relógio de pulso ou um ônibus espacial são tecnologias. Essas são formas que o ser humano encontrou para realizar suas ideias e falar do que precisa. Mas nenhuma ferramenta trabalha sem a vontade do individuo. Nenhuma tecnologia substitui o desenho, o desígnio, o projeto.

Na escola, o mais importante no ensino da arte é colocar o aluno em contato com diferentes maneiras de expressar suas ideias, para que amplie suas capacidades comunicativas e descubra suas próprias formas de utilizar os recursos existentes. Será no dialogo entre as linguagens, que cada um irá se aprofundar no funcionamento das dinâmicas de composição da imagem a partir de suas próprias necessidades expressivas.

É muito importante colocar os alunos em constante estado de atenção e reflexão sobre as formas de utilização da imagem na sociedade contemporânea, tanto em relação àquelas produzidas com intenção artística, como todas as que os meios de comunicação se apóiam para passar suas mensagens.

As imagens que cada vez mais ganham lugar de destaque nas mídias de massa compõem um universo de elementos que passamos a referenciar para transmitir nossos desejos, projetos e medos. O que vemos é uma profunda padronização do aspecto formal no arranjo desses pedaços. Pessoas e lugares aparecem nas composições artísticas e comerciais, como se existisse apenas um caminho de comunicação. Apenas um padrão estético.

Corpos "photoshopados", resoluções infinitas em gigantescos outdoors, avanços técnicos na produção gráfica e, principalmente, a velocidade de propagação das imagens fazem com que se abram novas possibilidades de expressão e uma necessidade de estabelecer uma educação estética que englobe estes aspectos contemporâneos de elaboração de formas visuais.

É interessante levar essa discussão para a sala de aula, apresentando aos alunos propostas de atividades que utilizem mídias eletrônicas e/ou digitais.

Conteúdo específico
Colagem, fotografia, edição digital, comunicação visual e poética pessoal

Coleta e reflexão
Desde o início do projeto, os alunos devem se sentir pesquisadores de um universo visual que irá envolver tanto aspectos da linguagem plástica como questões ligadas ao comportamento humano.

Na primeira aula, você deve apresentar à classe vários tipos de imagens que costumamos ver em nosso cotidiano, como pranchas com obras de artistas renomados, recortes de revista, panfletos distribuídos na rua, fotos de família etc. Se for possível, coloque todas essas imagens em um mesmo suporte, como uma cartolina preta, por exemplo.

Apresente aos alunos todas as imagens e, em seguida, inicie uma discussão com as seguintes perguntas:
- Qual a diferença entre as imagens?
- O que cada uma quer comunicar?
- Como foi feita cada uma delas?
- Por quem foram feitas?
- Para que serve uma imagem?

Os alunos devem expor suas opiniões livremente. É importante criar um clima de respeito entre eles. Qualquer hipótese levantada, por mais absurda que possa parecer, não pode ser descartada. Direcione o olhar dos estudantes para questões formais ligadas à composição e às técnicas utilizadas. Pergunte como cada um interpreta os diversos elementos presentes nas imagens e como dialogam uns com os outros.

Depois apresente a fonte de cada imagem e abra a discussão, levantando relações entre como percebemos e interpretamos os estímulos visuais a nossa volta.

Como tarefa para a próxima aula, peça para cada aluno trazer pelo menos três imagens de fontes diferentes, que possam ser utilizadas nos trabalhos em classe.

OBS: as fotos de família que não puderem ser recortadas podem ser copiadas ou escaneadas.

Colagem - o todo e a parte
Toda imagem é composta de diversos elementos que, ao se agruparem, ganham novos significados. Alguns deles são signos conhecidos e fechados, outros apresentam simbologias de acordo com o meio e o receptor. Uma arma de fogo sozinha nunca vai representar leveza e carinho, por exemplo. Mas um horizonte de uma praia traz sempre ideias diferentes dependendo de quem vê. No entanto, ao unir diferentes elementos, transformamos o significado de cada parte, criando uma nova relação e uma nova mensagem.

O objetivo desta etapa é tentar re-significar os elementos presentes em diferentes imagens, recortando cada pedaço das figuras trazidas pelos alunos (você também deve providenciar outras fontes para aqueles que precisarem de mais formas). A ideia é que cada aluno construa uma nova imagem relacionada à sua personalidade, aos seus desejos e medos. O estudante poderá fazer a colagem dos elementos em um novo suporte ou em um fundo com outra imagem. Nesta fase, apresente técnicas de recorte com tesoura e estilete para garantir uma boa utilização das imagens. Se possível, crie um banco de elementos visuais que podem ser separados em pequenas caixas ou pastas para servirem de referência e de recurso gráfico.

Digitalizando e manipulando
Nesta fase, cada aluno irá digitalizar a montagem de sua imagem. Eles deverão fotografá-las ou escaneá-las no computador.

Os assistentes do computador para este tipo de trabalho variam de acordo com suas configurações. Cabe a você explorar o software previamente a fim de se familiarizar com os procedimentos técnicos. De maneira geral, esses programas são bem simples e é possível descobrir muitas possibilidades explorando suas opções. O mais relevante é indicar como procedimento básico a resolução em que será fotografada ou escaneada a imagem. No caso de foto, o arquivo deve ter no mínimo 3 megabytes e no scanner, 300dpi.

Salve os arquivos em uma pasta do computador. Em seguida, os alunos deverão abri-los em um software de edição de imagem (pode ser comprado, mas há versões gratuitas na internet). Os estudantes poderão explorar as seguintes ferramentas:

1) Imagem. Todo software de edição digital possui em sua barra de ferramentas um item referente aos ajustes básicos. Aqui é possível explorar variações de contraste, brilho, cor, saturação, recursos de solarização e inversão de tonalidades. É um bom exercício de exploração, em que o aluno poderá estabelecer um contato direto com a estrutura da linguagem visual, exercitando sua própria poética.

2) Efeitos. Dependendo do software usado, o numero de efeitos disponíveis pode variar. Neste momento, é importante que o aluno reflita sobre a comunicação da mensagem da imagem. Explore principalmente as variações que cada efeito terá na linguagem visual, como profundidade, brilho, figura, fundo e equilíbrio.

Camadas. A grande maioria dos softwares de edição de imagem trabalha com o conceito de camadas (layers). É como imaginar diversas folhas de transparência em que cada uma está em uma parte do desenho, com uma cor ou um elemento. Sobrepostas elas constituem a imagem inteira. Ao vê-las separadamente, podemos manipular cada camada. Ao inserir algum novo recurso na imagem, você poderá abrir uma nova camada, assim será possível corrigir erros e terá mais liberdade na composição dos projetos.

Se você conhecer bem o software, use outros recursos. Experimente. Reserve um tempo longo para que cada aluno possa cometer erros que serão os caminhos de sua própria aprendizagem nas técnicas do software e ganhe assim confiança para explorar novos recursos.

Imprimindo e interferindo
Depois da etapa de exploração dos recursos básicos do software, cada aluno deverá definir uma imagem a ser impressa. Se a escola tiver papéis com uma gramatura alta, as possibilidades de intervenção serão maiores. Este tipo de papel aguenta tinta e outros materiais a base de água. Mas é possível também utilizar papel sulfite.

Cada um deve imprimir uma ou mais cópias do seu arquivo e, a partir daí, pode realizar intervenções com canetas, papeis e outros materiais para elaborar a sua imagem. Neste momento, é importante organizar uma aula apenas para fruir os trabalhos em grupo, onde cada estudante devera relatar ao grupo seus caminhos, suas dificuldades e descobertas. Veja aqui algumas perguntas para inicia a conversa com a classe:

O que você quer dizer com esta imagem?
O que utilizou para passar essa mensagem?
Como uma cor ou uma forma podem passar uma mensagem?
No que o computador pôde contribuir para sua composição?
Como as outras ferramentas que você utilizou puderam contribuir?

Finalizando os trabalhos
Nesta etapa do projeto, cada aluno devera digitalizar sua imagem novamente na maior resolução que o equipamento da escola suportar. Serão feitos ajustes necessários para a finalização das imagens. Há dois caminhos para encerrar o projeto:

1) Imprima o arquivo final em um papel de transparência especial para impressão.
2) Vá para a 7ª etapa: avaliação.

Projetando e ampliando
Esta etapa é uma possibilidade de interação lúdica e corporal com a imagem produzida, tendo um olhar diferenciado, com outra perspectiva para cada composição. Em uma sala parcialmente escurecida, use um retroprojetor para que cada aluno possa colocar sua transparência e visualizar sua imagem em outra dimensão. Os alunos podem sobrepor suas transparências, criando assim novas imagens que servirão de material para novas reflexões. O professor pode tirar fotos destas explorações ou também colocar um papel preso na parede em que esta sendo projetada a imagem. Assim podem ser criados trabalhos em grandes dimensões, desenhando os limites projetados pelo retroprojetor. O professor pode ainda ter um pequeno acervo de ícones e imagens em transparência para provocar intervenções e discussões sobre a construção e a composição da imagem contemporânea.

# data[].attributes.attachment_link.description
p> Ano(s) 6º, 7º, 8º, 9º Tempo estimado 18 aulas Material necessário Um computador com scanner e software de edição de imagens, uma câmera digital (ou câmera de celular), uma impressora colorida, tesouras, estiletes, cola branca, canetas diversas, um retroprojetor, papel, transparências para impressão, canetas de retroprojetor, papeis coloridos diversos, revistas diversas, folhetos e flyers de distribuição gratuita, fotos antigas ou de família.