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Raccolte navigabili

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Enciclopedie, archivi e raccolte navigabili per autore, genere, stile e soggetto.

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RaiPlay

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Arte a misura di bambini!

Matì e Dadà guidano i bambini nel mondo dell'arte, proprio dentro agli atelier dei grandi maestri dove c'è sempre un mistero da risolvere. I nostri eroi aiuteranno Mantegna, Picasso, Bruegel, Toulouse-Lautrec e altri grandi artisti che in cambio sveleranno segreti e tecniche utilizzate per realizzare i loro capolavori.

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Matì e Dadà guidano i bambini nel mondo dell'arte, proprio dentro agli atelier dei grandi maestri dove c'è sempre un mistero da risolvere. I nostri eroi aiuteranno Mantegna, Picasso, Bruegel, Toulouse-Lautrec e altri grandi artisti che in cambio sveleranno segreti e tecniche utilizzate per realizzare i loro capolavori.

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Tre tipi e più

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Ma la colonna e la trave si univano in maniera troppo netta e sgraziata. Allora l'uomo inventò il capitello. E appena vide che era una cosa buona si divertì a fabbricarne decine e decine. Tutti diversi.

Dunque, non solo dorico-ionico-corinzio come abbiamo imparato a scuola... anche perché i primi capitelli non sono quelli greci. Le civiltà dei grandi fiumi (Egizi e popoli mesopotamici) avevano già creato i loro fantasiosi esemplari.

Di quelli persiani restano pochi pezzi ma già molto originali: a forma di doppio toro o grifone, sorreggevano la trave attraverso una mensola trasversale passante tra i due animali. Appartengono all' Apadana, la grande sala ipòstila del palazzo di Dario il Grande a .

A confronto quelli sono delle robette minimali e delicate. D'altra parte sono ispirati alle piante del Nilo, mica a dei massicci bestioni! Nei grandi templi dell'antico Egitto si può osservare, tra i tanti, il capitello a papiro chiuso o aperto, a fiore di loto e anche a foglie di palma.

La colonna e il suo capitello vengono concepiti, dunque, come una versione pietrificata delle forme naturali. Un'idea che avrà grande successo nei secoli a venire!

Completamente diversi sono i capitelli minoici. Quelli del palazzo di Cnosso a Creta, sebbene ampiamente restaurati dall'archeologo Arthur Evans nel primo Novecento, sono curiosamente bombati e sormontati da una lastra quadrata (esatto, come l' echìno e l' àbaco del famoso capitello dorico...).

La colonna, rarissimo caso nella storia dell'architettura, è rastremata verso il basso, cioè il suo diametro diminuisce alla base. Forse questa caratteristica deriva dall'iniziale uso di tronchi d'albero come colonne, montati capovolti per evitare che germogliassero e quindi più sottili alla base. Qualche studioso ipotizza invece che questa forma rimandi alla sagoma del corpo maschile (che si allarga in alto verso le spalle). Inizierebbe da qui l'idea di far corrispondere le proporzioni delle colonne a quelle della figura umana.

Dal capitello minoico a quello dorico il passo è brevissimo.

Ma anche il più diffuso capitello greco ha una sua intima evoluzione: l' echino floscio e ampio dei templi più arcaici diventa in età classica sempre più stretto e turgido (con conseguente rimpicciolimento anche del soprastante abaco).

Naturalmente, assieme alle proporzioni del capitello, cambiano anche quelle dell'intera colonna e del tempio. Gli ordini architettonici, d'altra parte, erano proprio questo: un sistema di relazioni numeriche tra le parti che doveva garantire, appunto, l'ordine e l'armonia complessiva.

Nel passaggio all'architettura romana il capitello dorico subisce un'ulteriore evoluzione: l'echino, non più a forma di tronco di cono rovescio, assume una sagoma toroidale ed è separato dal fusto da un doppio collarino. È l' ordine tuscanico, una versione del dorico di origine etrusca con la colonna a fusto liscio posta sopra una base (sarà quella preferita anche nel Rinascimento).

Prende le mosse dal capitello dorico anche quello ionico. Non varia la sequenza collarino-echino-abaco ma tra gli ultimi due c'è un cuscino a volute che lo rende molto più aggraziato.

Apparso nel VII secolo a.C. in Asia Minore ebbe grande fortuna dal V secolo in poi differenziandosi in una sterminata quantità di varianti. Ciò che resta fisso sono le due spirali laterali, elementi di ispirazione vegetale disegnati, però, con grande rigore geometrico (tipico esercizio grafico detestato cordialmente dai miei studenti...).

Quello ionico è un elemento architettonico talmente riconoscibile che nella segnaletica stradale per le zone archeologiche (non solo per i siti magnogreci) c'è proprio un pittogramma con il capitello a volute.

Eppure non è un oggetto tanto semplice. Quando si trova ad angolo, ad esempio, ha sempre dato parecchie rogne agli architetti greci. Perché le volute sono concepite per una visione solo frontale dato che il lato è un elemento cilindrico (il rocchetto). La soluzione angolare, prevede dunque una voluta disposta a 45° in modo che entrambe le facce esterne del capitello si presentino con la doppia spirale.

I Romani, invece, con il loro tipico pragmatismo, hanno creato per queste situazioni un capitello ionico senza rocchetti e con le volute tutte a 45°. Furbi, loro!

L'origine del terzo capitello greco - ma il meno diffuso in Grecia - è legata a una leggenda. Si narra, infatti, che lo scultore Callimaco abbia inventato il capitello corinzio ispirandosi alla tomba di una giovane fanciulla sulla quale stava un cesto pieno dei suoi oggetti più cari avvolto dall' , una pianta spontanea dalle grandi foglie frastagliate.

In realtà il capitello corinzio è una derivazione del capitello egizio a fiore di loto. Composto da un nucleo avvolto da due file di otto foglie, è coronato in alto da quattro caulicoli, sottili steli ripiegati a voluta nei quattro angoli. È fastoso e imponente; e per questo motivo sarà il capitello più utilizzato nell'antica Roma.

Come quello ionico, anche il capitello corinzio è il tipico soggetto per esercizi di disegno. E in questo caso è ancora più difficile, perché la geometria può aiutarci poco. Ma è un ottimo allenamento per imparare ad osservare i dettagli e cogliere le proporzioni complessive.

Eppure per i Romani doveva apparire ancora troppo sobrio se hanno deciso di crearne uno nuovo, il composito, sommando le foglie del corinzio e le volute dello ionico.

La corrispondenza tra le proporzioni degli ordini classici e quelle del corpo umano, già accennata per la colonna cretese, è stata studiata scientificamente da Vitruvio, l'architetto romano del I secolo a.C.

Nel suo trattato De Architectura vede nell'ordine dorico virilis corporis proportionem et firmitatem et venustatem (proporzioni, solidità e bellezza del corpo marchile), nello ionico muliebri subtilitate (snellezza femminile) e nel corinzio virginalis gracilitas imitationem (ad imitazione di un sottile corpo virgineo). Dunque anche le colonne, e i loro capitelli, hanno un sesso. Il dorico è maschio, ionico e corinzio femmine.

Con il passaggio all' architettura paleocristiana non ci sono grandi stravolgimenti. Il capitello, questo oggetto capace di raccordare armonicamente l'orizzontale e la verticale, il muro e la colonna, è ancora quello classico. E in alcuni casi lo è in senso letterale dato che in tante chiese primitive venivano utilizzati materiali sottratti direttamente ai templi pagani.

È in età bizantina che si trovano i primi capitelli del tutto differenti. A forma di tronco di piramide rovesciata, sono spesso sormontati da un secondo elemento, della stessa forma, detto pulvino. Il capitello presenta decorazioni di ispirazione vegetale ma in questo caso non sono foglie scolpite in bassorilievo ma tralci geometrici forati col trapano. L'effetto complessivo è quello di delicato ricamo applicato ad un oggetto tozzo e massiccio. Un vero ossimoro di pietra.

Qualcosa di nuovo stava cominciando ad apparire anche nell' architettura islamica. Accanto ai capitelli compositi di spoglio ne appaiono altri di forma squadrata dalla superficie animata di nicchie e decorazioni a traforo. È la stessa matrice orientale visibile nei capitelli bizantini.

Ma i capitelli più fantasiosi in assoluto sono probabilmente quelli romanici. Mostri, animali, personaggi biblici: dall'anno 1000 in poi in cima a una colonna si può trovare di tutto!

Tutta quest'esuberanza subisce una botta d'arresto con il Gotico: capitelli così ricchi e robusti avrebbero interrotto le linee verticali che dai pilastri a fascio si diramano verso le volte. Si torna, così, a capitelli più semplici, di ispirazione corinzia giusto per dare un segnale visivo nel passaggio dal pilastrino alla nervatura.

Manco a dirlo, con il Rinascimento c'è un recupero scientifico degli ordini classici. I trattatisti si buttano a capofitto nella misurazione e catalogazione di colonne e capitelli. Serlio, Scamozzi, e codificarono i cinque ordini con uno zelo che nemmeno Vitruvio...

Niente di sostanzialmente nuovo nemmeno in età barocca: come sappiamo gli ordini classici sono ripresi nelle loro forme più pompose. Dunque colonne tortili e capitelli compositi diventano il tratto distintivo dell'architettura più scenografica della storia dell'arte.

Per trovare di nuovo un po' di fantasia occorre aspettare l' Art Nouveau e il suo gusto per le forme organiche. Tra Gaudì, Horta e gli altri architetti dell'epoca, assistiamo a un'evoluzione improvvisa del capitello: diventa giunto, nodo che raccorda elementi diversi senza opporre angoli retti. Ne viene fuori quel senso di fioritura spontanea delle forme come piante in libera crescita che è tipico del Liberty.

Ma lo sbocciare dei capitelli ha breve vita. Con l'arrivo del Razionalismo tutto si riduce a scheletro essenziale. Ogni elemento non strettamente funzionale è abolito. La colonna è un cilindro che sostiene un solaio senza alcuna mediazione.

Il capitello è morto? Parrebbe di sì.

Eppure anche Le Corbusier, autore di alcune tra le più asettiche architetture del Novecento, sembra volerlo recuperare (anche per motivi statici...). Negli edifici che progetta per Chandigarh, in India, il pilastro è sormontato da un tronco di cono rovesciato. Un capitello allo stadio zero.

L'altro filone del XX secolo, quello dell'architettura organicista, è altrettanto minimale. Alvar Aalto, addirittura, crea un anti-capitello: la colonna, rastremata verso il basso come quella minoica, si arresta prima dell'incontro col solaio lasciando a nudo la sua anima metallica. Anche una strozzatura, dunque, diventa capitello!

E oggi? Tra forme decostruite e nuovi organicismi il capitello sembra aver fatto il suo tempo. I sostegni si fondono con la copertura senza soluzione di continuità.

Eppure... eppure anche nell'architettura contemporanea un capitello ogni tanto ci scappa. Certo, asimmetrico e tecnologico. Ma se accompagna la colonna nell'innesto con il soffitto è pur sempre un capitello.

Insomma, pare che dorico, ionico e corinzio abbiano fatto il loro tempo. Però un capitello non si rifiuta mai!

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Ma la colonna e la trave si univano in maniera troppo netta e sgraziata. Allora l'uomo inventò il capitello. E appena vide che era una cosa buona si divertì a fabbricarne decine e decine. Tutti diversi. Dunque, non solo dorico-ionico-corinzio come abbiamo imparato a scuola... anche perché i primi capitelli non sono quelli greci.

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Il racconto segreto della Colonna Traiana

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Il racconto segreto della Colonna Traiana

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Alberto Angela ci accompagna in un viaggio fino ai confini dell'Impero Romano per narrare il momento in cui quest'ultimo raggiunse il culmine della potenza e dell'espansione con la conquista della Dacia. Una storia appassionante, che ha cambiato il destino di milioni di persone nel corso dei secoli, puntando la bussola verso un'epoca precisa: quella dell'Imperatore Traiano di cui ricorre proprio quest'anno l'anniversario della morte avvenuta 1900 anni fa.

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Ulisse: il piacere della scoperta 2017 - Il racconto segreto della Colonna Traiana - Video - RaiPlay

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Alberto Angela ci accompagna in un viaggio fino ai confini dell'Impero Romano per narrare il momento in cui quest'ultimo raggiunse il culmine della potenza e dell'espansione con la conquista della Dacia. Una storia appassionante, che ha cambiato il destino di milioni di persone nel corso dei secoli, puntando la bussola verso un'epoca precisa: quella dell'Imperatore Traiano di cui ricorre proprio quest'anno l'anniversario della morte avvenuta 1900 anni fa.

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La colonna Traiana venne eretta nel Foro Traiano nel II sec. d.c. (110-113), per celebrare le due campagne vittoriose di Traiano in Dacia (Romania), rievocando tutti i momenti salienti di quella conquista. Altresì doveva ricordare, avendone l’identica misura, l’altezza della sella collinare prima dello sbancamento per la costruzione del Foro.

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La colonna Traiana venne eretta nel Foro Traiano nel II sec. d.c. (110-113), per celebrare le due campagne vittoriose di Traiano in Dacia (Romania), rievocando tutti i momenti salienti di quella conquista. Altresì doveva ricordare, avendone l’identica misura, l’altezza della sella collinare prima dello sbancamento per la costruzione del Foro.

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Interessante blog

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Secondo l'opinione comune i Romani sarebbero gli inventori dell'arco. In realtà questo era stato utilizzato in precedenza dagli Etruschi e persino dai Sumeri, solo che queste popolazioni non ne avevano colto le enormi potenzialità architettoniche e non lo avevano sfruttato in modo sistematico come poi faranno i Romani.

Un po' come la nascita della lampadina: generalmente attribuita ad Edison era stata in realtà inventata dall'inglese Swan, fu però Edison a comprenderne i punti di debolezza e ad apportarvi delle modifiche al filamento tali da farne un prodotto di consumo planetario legandola per sempre al suo nome.

Ma torniamo all'arco. Il più antico che si conosca si trova presso la Ziqqurat di Ur, nell'antica Mesopotamia (oggi in Iraq), è realizzato in mattoni e risale al III millennio a.C.

Più recenti sono, invece, gli archi etruschi di Volterra e Falerii Novi nei quali le dimensioni sono già piuttosto importanti anche perché si tratta di porte urbane lungo le mura di cinta.

Ma perché l'arco diventerà presto così importante? Cos'ha di tanto speciale? Beh, è semplicemente una struttura geniale!

Per comprenderne al meglio la straordinarietà confrontiamolo con la struttura ad esso alternativa: l' architrave. Questo organismo architettonico è composto da due elementi verticali e uno orizzontale.

È la tipologia più antica del mondo: il dolmen preistorico (o trilite) è basato proprio su questo modello statico.

Semplice da edificare, il trilite ha un limite: la lunghezza dell'elemento orizzontale, l'architrave, non può essere eccessiva pena la sua rottura.

Ciò è dovuto al fatto che, nel flettersi al centro, l'architrave subisce una trazione della superficie inferiore, sollecitazione alla quale la pietra offre una scarsissima resistenza (la compressione della parte superiore, invece, viene ben sopportata dal materiale lapideo).

L'arco, invece, è una struttura nella quale i conci (cioè i blocchi trapezoidali che lo compongono) sono sollecitati solo a compressione e, dunque, risulta molto più resistente anche allargando parecchio i piedritti (distanza denominata "luce").

Per realizzarlo occorre posare i conci su una struttura lignea chiamata " cèntina" e chiudere in alto con la chiave di volta.

L'unico problema è che, mentre il trilite scarica sui piedritti un carico totalmente verticale, l'arco produce una componente orizzontale (dato che la spinta è obliqua) che potrebbe far ribaltare i sostegni verticali.

Per questo motivo spesso gli archi si usano in sequenza in modo da contrastare le spinte orizzontali con controspinte uguali ed opposte. Quando non c'è una sequenza di archi occorre rinforzare i piedritti con contrafforti o altri sistemi in grado di assorbire la spinta orizzontale.

Ma quali sono i dieci modelli a cui fa riferimento il titolo? In base alla costruzione geometrica l'arco può assumere forme diverse dal semicerchio distinguendosi con denominazioni specifiche. Vediamole.

1. ARCO A TUTTO SESTO - È il modello più noto, quello in cui l'arco è perfettamente semicircolare. La sua denominazione deriva da sextus, il nome latino del compasso. E in effetti basta un solo colpo di compasso per disegnarlo. Sono a tutto sesto gli archi di trionfo, le arcate degli anfiteatri, degli acquedotti e dei ponti romani.

2. ARCO RIBASSATO AD UN CENTRO. In questo caso il centro dell'arco non si trova sul piano di imposta (cioè il punto in cui comincia l'arco) ma più in basso. Si determina, dunque, un angolo tra l'arco e il piedritto che non è presente nell'arco a tutto sesto (là, infatti, il piedritto è tangente all'arco). È utilizzato per passaggi di dimensioni contenute e spesso era realizzato dai romani in mattoni.

3. ARCO RIBASSATO POLICENTRICO - Tipo di arco utilizzato in epoca tardomedievale con sesto ribassato ma raccordato ai piedritti mediante due archi di circonferenza con centro posto sul piano di imposta. Denominato anche "arco ad ansa di paniere" è frequente nell'architettura siciliana di stile gotico-catalano.

4. ARCO A SESTO ACUTO - Tipico dello stile gotico europeo (ma già noto nell'architettura islamica) è determinato dall'intersezione di due archi di circonferenza con centri più o meno distanti e posti sul piano d'imposta. È chiamato anche arco ogivale per via della sagoma ad ogiva che si ottiene.

Presenta, ovviamente, un angolo al centro dell'arco. Grazie alla "verticalizzazione" delle due metà dell'arco, questa tipologia si presta alla creazione di strutture più esili (come quelle gotiche) e all'apertura di grandi vetrate in quanto necessita di una massa muraria minore per assorbire la componente orizzontale.

5. ARCO RAMPANTE - Nell'architettura gotica, tuttavia, si ricorre anche all'uso dell'arco rampante, un caso particolare di arco asimmetrico, per scaricare lungo il perimetro della struttura le spinte orizzontali delle volte e degli archi ogivali. Gli archi rampanti, dunque, non si trovano quasi mai dentro una chiesa ma al suo esterno.

6. ARCO INFLESSO - Detto anche fiammeggiante o " a carena di nave" è un arco policentrico simile a quello ogivale ma con una punta più accentuata dovuta alla presenza di un flesso e ad un cambio di curvatura. Si può trovare nell'architettura islamica, nelle aree di influenza orientale ed anche nello stile gotico più tardo.

7. ARCO A FERRO DI CAVALLO - Tipo di arco prettamente orientale nel quale i due semiarchi si prolungano verso il basso sotto il piano dei centri. In alcuni casi si può avere anche un unico centro. È molto frequente nelle moschee.

8. ARCO POLILOBATO - Spesso si tratta di una variante dell'arco inflesso, di quello a ferro di cavallo o anche di quello a tutto sesto nel quale sono inseriti degli archi minori. L'effetto finale è molto ricco e suggestivo. Si può riscontrare sia nelle strutture gotiche che in quelle islamiche.

9. Arco Tudor - Tipico dell'architettura inglese del XVI secolo è una sorta di arco ribassato policentrico ad andamento acuto. Generalmente ha quattro centri ma in alcuni casi possono essere curvi solo i raccordi con i piedritti mentre le parti centrali proseguono con andamento rettilineo.

10. ARCO A CATENARIA - È un arco basato sulla catenaria, cioè sulla sagoma che assume una catena tenuta per le estremità e lasciata pendere al centro. Somiglia ad una parabola ma dal punto di vista matematico le sono differenti ( Galileo, dunque, avrebbe preso una bella cantonata asserendo il contrario).

La caratteristica propria della catenaria è di avere una distribuzione del peso perfettamente uniforme esprimibile tramite il coseno iperbolico.

Ne fece largo uso Gaudì, soprattutto nel collegio delle Teresiane a Barcellona, utilizzando per il calcolo dei modellini con catene rovesciate in modo da osservarne la naturale disposizione determinata dalla gravità.

Naturalmente il favoloso mondo degli archi non finisce qui, c'è quello a piattabanda, quello a dorso di mulo, quello parabolico, quello ellittico e tante varianti di quelli precedentemente esposti.

La cosa davvero straordinaria è l'idea che materiali "semplici" come la pietra o il mattone, possano essere organizzati nello spazio in modo tale da coniugare in maniera inscindibile arte e scienza per creare strutture che, come diceva il buon vecchio Vitruvio, riescono a possedere "firmitas, utilitas e venustas": solidità, utilità e bellezza.

E in tutti i tipi di arco c'è la poesia di una linea che si proietta da un punto all'altro dello spazio di cui narra Italo Calvino ne Le città invisibili:
Marco Polo descrive un ponte, pietra per pietra.
"Ma qual è la pietra che sostiene il ponte?" chiede Kublai Kan
"Il ponte non è sostenuto da questa o da quella pietra - risponde Marco - ma dalla linea dell'arco che esse formano.
Kublai Kan rimane silenzioso, riflettendo. Poi soggiunge:" Perchè mi parli delle pietre? E solo dell'arco che m'importa."
Polo risponde: "Senza pietre non c'è arco"

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Meraviglie dell'architettura: dieci modelli di arco - Didatticarte

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Secondo l'opinione comune i Romani sarebbero gli inventori dell'arco. In realtà questo era stato utilizzato in precedenza dagli Etruschi e persino dai Sumeri, solo che queste popolazioni non ne avevano colto le enormi potenzialità architettoniche e non lo avevano sfruttato in modo sistematico come poi faranno i Romani.

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L' arco a tutto sesto in architettura ( sesto è l'antico nome del compasso) è la denominazione di un arco a sezione semicircolare unica e completa (180º). Costituisce il fondamento architetturale delle volte a botte. Originariamente era costituito da una sequenza di cunei in adobe, mattone o pietra.

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l'arte della Pietra

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Toritto. come realizzare arco in pietra (l'arte della Pietra) Metodo Meonio.

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XV-XVI secolo Museo Bizantino, Nicosia

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Cipro

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(cliccare sulle immagini per ingrandirle)

Propriamente qualsiasi immagine, sia essa dipinta a tempera su tavola od ad affresco su muro, realizzata con smalti o a rilievo in avorio od altro materiale è un'icona. Abitualmente però il termine icona viene riservato alle immagini dipinte su tavola.

Tra le definizione date delle icone, da quella poetica: "una finestra aperta sul Cielo" a quella metaforica: "un trattato di teologia a colori", quest'ultima ci pare calzante. I dettagli di una icona non sono mai gratuiti, mai puramente decorativi, hanno sempre un significato: le tre stelle che ornano il maforion della Theotokos simboleggiano la sua perpetua verginità; l'arca di pietra posta nella grotta in cui è deposto il Bambino nella scena della Natività prefigura il sepolcro.

E' questa probabilmente la causa dell'apparente immobilità della iconografia bizantina. Per un iconografo, non a caso chi produce una icona è un graphos, uno scrittore, variare un particolare può vuol dire cadere nell'eresia. Le regole che un iconografo deve seguire sono riportate in appositi manuali, hermeneia, il più famoso dei quali di Dionisio di Furnà, risale all'inizio del XVIII sec.

In occidente si è soliti pensare all'arte delle icone come immutabile nel tempo e nello spazio. In realtà essa si è evoluta nel corso dei secoli con vere e proprie scuole che uno specialista è in grado di identificare. Certi elementi decorativi, certi personaggi secondari nelle icone che rappresentano scene della vita di Cristo o della Vergine, derivanti magari dai Vangeli Apocrifi, sono documentati nelle omelie e nella poesia liturgica a partire da una certa data, che costituisce quindi il termine post quem per la datazione dell'icona.

Le icone più conosciute dal grande pubblico sono quelle russe, essenzialmente per motivi storici: la dispersione dei patrimoni ecclesiastici e privati succeduti alla rivoluzione russa. Ogni ramo della Chiesa bizantina ha proprie tradizioni e propri "tipi" iconografici. Ne sono un esempio queste icone appartenenti alla poco conosciuta tradizione arabo-bizantina.

Queste pagine sono dedicate essenzialmente alle icone di tradizione bizantina greca

Nell'ambito della stessa tradizione più prettamente bizantina e greca è possibile identificare diverse scuole. Le icone delle Isole ad esempio risentono maggiormente dell'influsso occidentale, si vedano questi esempi cretesi.

Ultima Cena, M. Damaskinos 1584-91

Dormizione della Vergine,
D.Theotokopoulos (El Greco) ante 1567.

Adorazione dei magi Ioannis Permeniatis
1523 - 1528 Atene Museo Benaki.

Talvolta le icone sono dipinte su entrambe le facce, si tratta di icone processionali. Le due facce possono essere state dipinte nello stesso tempo dalla stressa mano, è il caso ad esempio dell'icona della Nostra signora del Don, attribuita tradizionalmente a Teofane il Greco, su cui forse il medesimo autore ha dipinto una dormizione della Madre di Dio. A volte invece il retro può essere stato realizzato anche a distanza di secoli. A. Rublev dipinse nel XV sec. una croce e gli strumenti della passione sul retro della Madre di Dio di Vladimir del XII sec.

Nostra signora del Don XIV sec.

Dormizione. Teofane il Greco
(retro della Madre di Dio del Don)

1392

Croce e strumenti della passione
(retro Madre di Dio di Vladimir)
Mosca XV sec.

Kiriotissa con s. Giovanni Trittico Creta XVI sec.

Mentre dittici e trittici sono di norma icone da viaggio le cui valve potevano essere chiuse per protezione.

Esistono icone composte, nelle quali una figura centrale: Cristo, la Vergine, un Santo, è circondata da una cornice di immagini più piccole, con episodi della vita, o con altri santi.

Cardiotissa Pafsolype.
Bisanzio XIV sec.

Alle icone sono stati dedicati centinaia di volumi, tra questi:

Il viaggio dell'icona dalle origini alla caduta di Bisanzio (a cura di Tania Velmans), con scritti di vari autori, tratta le icone dal punto di vista storico e iconografico.

Mentre Gaetano Passarelli consente di penetrare nella loro spiritualità con la descrizione e l'analisi in quest'ottica di alcune specifiche icone nelle sue opere:

Le icone delle dodici grandi feste bizantine

Iconostasi, La teologia della bellezza e della luce

non solo colore icone e feste della tradizione bizantina

Quella presentata è soltanto una selezione dei "tipi" di icone della tradizione greca, non vuole essere esaustiva, ma anzi mostrarne la complessità.

1) Edito in italiano con il titolo: " I segreti dell'iconografia bizantina" ed. Arkeios, Roma 2003

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(cliccare sulle immagini per ingrandirle) Propriamente qualsiasi immagine, sia essa dipinta a tempera su tavola od ad affresco su muro, realizzata con smalti o a rilievo in avorio od altro materiale è un'icona. Abitualmente però il termine icona viene riservato alle immagini dipinte su tavola.

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Icone Mariane | Icone Ortodosse | Icone Russe | Icone Italiane

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da colorare

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Religione 2.0 - L'ora di religione nell'era digitale

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Icone ortodosse da colorare

Se avete bisogno di lavorare con le icone ortodosse e volete fare delle attività pratiche come colorarne una, o attaccarla su legno, allora questo sito potrebbe fare al caso vostro. Contiene infatti decine e decine di bellissime icone in bianco e nero, di diversi soggetti, pronte per essere stampate e portate a scuola. Il sito è in greco e per comodità vi riporto qui sotto le quattro pagine del blog nelle quali troverete le icone da scaricare.

Se poi avete voglia di esplorare ulteriormente il sito, troverete anche documenti e immagini di icone a colori. Vi consiglio di scaricare subito le icone che vi interessano, perchè in rete se ne trovano davvero poche e il sito potrebbe non rimanere online. Per scaricare le icone basta cliccarci sopra e poi salvare l'immagine che appare.

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insegnamento religione ora di religione insegnanti di religione insegnare religione religione2.0 religion2.0 scuola chiesa chiesa2.0

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Se avete bisogno di lavorare con le icone ortodosse e volete fare delle attività pratiche come colorarne una, o attaccarla su legno, allora questo sito potrebbe fare al caso vostro. Contiene infatti decine e decine di bellissime icone in bianco e nero, di diversi soggetti, pronte per essere stampate e portate a scuola.

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I maestri

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lo scienziato delle incisioni, l’alchimista dell’arte!

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M.C. Escher "Mano con sfera riflettente", litografia 1935 "Anke e Jetta" di Beatrice Brandini A Bologna, presso Palazzo Albergati, c'è una bella mostra in cui si possono ammirare le litografie, le incisioni, le mezzetinte di Maurits Cornelis Escher; l'artista che prima e meglio di altri, ha rappresentato oggetti comuni come se fossero magici, spalancandoci gli occhi e soprattutto la nostra immaginazione. M.C. Escher "Otto teste", xilografia 1922 M.C. Escher "Cielo e Acqua", xilografia 1938
Maurits Cornelis Escher nasce in Olanda, dopo un breve periodo in cui studia architettura, si dedicherà alle arti decorative, in particolare alle incisioni, che diventeranno la sua occupazione primaria, dando all'artista popolarità e rilievo in tutto il mondo.
M.C. Escher "Ciclo", litografia 1938 M.C. Escher "Rettili", litografia 1943 La particolarità di questo grande e unico artista fu quella di rendere la prospettiva mutevole, di rappresentare visioni fantastiche attraverso criteri rigorosi ma variabili. Le sue opere sono illusionistiche, speculari, distorte, trasformiste... per questo BELLISSIME. Diceva: "iI disegno è illusione: suggerisce tre dimensioni sebbene sulla carta ce ne siano solo due." M.C. Escher "Balcone", litografia 1945 M.C. Escher "Tre sfere", litografia 1946
Importantissimo fu il periodo che l'artista trascorse nel nostro paese (nel 1924 si sposò a Viareggio con Jetta Umiker), in cui fu folgorato dalla campagna toscana come quella di San Gimignano, Volterra e Siena, oppure da Roma, dove trascorse più di un decennio e che lui stesso definì come essere stati i migliori anni di tutta la sua vita. Ma non solo, spostandosi successivamente più a Sud, fu un paese dell'Aspromonte, Pentedattilo, che nasce nel cuore di una roccia, a suggestionarlo ed ispirarlo con alcune incisioni e forse lasciando su di lui un influenza permanente.
M.C. Escher "Farfalle", 1950 M.C. Escher "Fra cielo e acqua", xilografia 1938
In una sezione della mostra di Bologna si mette in evidenza proprio l'amore che Escher manifestò nei confronti della nostra penisola e dei nostri artisti. Probabilmente sarebbe rimasto in Italia per sempre.. , fu infatti costretto a scappare e a rifugiarsi in Svizzera a causa di un clima politico e culturale sempre più opprimente sotto il dominio fascista.
M.C. Escher "Relatività", litografia 1953
Credo che questo artista abbia davvero influenzato la grafica, la pubblicità, il design e la moda. Anche chi non lo conosce bene avrà visto moltissime immagini a lui ispirate, a volte piccole citazioni (soprattutto in pubblicità), altre veri e propri omaggi. Pensiamo a quante volte abbiamo ritrovato l'opera Relatività nei film, come in Labyrinth con David Bowie, nel Il Signore degli anelli, in Harry Potter e le scale fantastiche del castello di Hogwarts, in Inception di Cristhoper Nolan (scena bellissima!), in Notte al Museo - Il segreto del faraone, con Ben Stiller che entra nel suo quadro ....
M.C. Escher "Mani che disegnano", litografia 1948 M.C. Escher "Stelle", xilografia 1948
Escher lavora sulla metamorfosi scombinando ogni prospettiva, non solo architettonica ma anche emozionale. Qualche volta è "disturbante", perché inaspettata e allusiva, ma soprattutto perché rivela l'ambiguità della vita e quella dell'essere. Io lo amo proprio per questo, non è sempre quello che sembra, quella zona d'ombra che sta in ogni cosa (negli esseri umani in primis), che razionalmente e umanamente cerchiamo di nascondere, con Escher talvolta esplode, mettendoci davanti alla realtà.
M.C.Escher "Vincolo d'unione", litografia 1955
Ripeto sempre che l'arte dovrebbe principalmente emozionare, stupire e sopratutto scuotere delle reazioni portandoci a pensare... l'opera di Escher ci riesce perfettamente.
Escher in Fashion di Beatrice Brandini Escher in Fashion di Beatrice Brandini Ispirazione ESCHER: McQueen, Miyake, Loewe, Diane von Furstenberg
Vale la pena vedere questa bella mostra che sarà aperta fino al 19 Luglio, il contesto poi è il bellissimo Palazzo Albergati, edificio cinquecentesco, gravemente danneggiato da un incendio alcuni anni fa e finalmente riaperto in tutto il suo splendore. Poi Bologna è Bologna, sempre piacevole da visitare, divorare (cibo buono), vivere....

Buona vita a tutti!

Beatrice

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Escher: lo scienziato delle incisioni, l'alchimista dell'arte!

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M.C. Escher "Mano con sfera riflettente", litografia 1935 "Anke e Jetta" di Beatrice Brandini A Bologna, presso Palazzo Albergati, c'è una bella mostra in cui si possono ammirare le litografie, le incisioni, le mezzetinte di Maurits Cornelis Escher; l'artista che prima e meglio di altri...

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