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Le calligramme est une invention de Guillaume Apollinaire. C'est un poème dont la disposition graphique sur la page constitue un dessin, généralement lié à l'objet du texte, mais pas nécessairement.

Qui est Guillaume Apollinaire ?

Pseudonyme de Wilhelm Apollinaire de Kostrowitsky, Guillaume Apollinaire est né à Rome le 26 août 1880. Fils naturel d'une Italienne et d'officier polonais, il s'installe en France en 1900 puis à Paris en 1908. Au travers de sa relation avec l'artiste-peintre Marie Laurencin, l'auteur des futurs calligrammes est accueilli au sein des milieux avant-gardistes et se lie à des personnalités telles que Maurice de Vlaminck, André Derain, Pablo Picasso, Georges Braque ou encore Henri Matisse. Son intérêt pour le modernisme et le futurisme le porte à admirer et côtoyer des artistes tels que Filippo Tommaso Marinetti ou Georgio de Chirico.

Le 7 septembre 1911, Guillaume Apollinaire accusé de complicité de vol de La Joconde : il est emprisonné durant une semaine à la prison de la Santé ; cette expérience le marque grandement. Cette année-là, il publie Le Bestiaire ou Cortège d'Orphée, un recueil de courts poèmes ornés de gravures de Raoul Dufy. En 1913, les éditions du Mercure de France publient Alcools, qui deviendra l'un des recueils de poésie les plus reconnus du XIXe siècle. En 1914, il se lance dans un processus de naturalisation dans le but de s'engager dans l'armée française. Son expérience dans les tranchées sera à l'origine des calligrammes.

Avec les calligrammes, Apollinaire s'inscrit dans un mouvement global, de renouveau pour les arts et l'écriture, avec l'émergence du cubisme dans les années 1900, du futurisme italien en 1909 et du dadaïsme en 1916.

Qu'est-ce que le calligramme ?

Calligrammes, poèmes de la paix et de la guerre 1913-1916, est le recueil de poèmes écrits par Guillaume Apollinaire, publié à son retour du front. Ces textes reflètent les expériences d'Apollinaire en tant que soldat dans la Première Guerre mondiale, ainsi que son association avec le monde de l'art parisien. Le recueil est particulièrement connu pour ses motifs de poésie, une forme de vers dans laquelle les mots d'un poème sont disposés de manière à former un motif suggérant le sujet du poème.

" Pour moi, écrit Apollinaire, un calligramme est un ensemble de signes, de design et de pensées. C'est le moyen le plus rapide d'exprimer un concept et de forcer l'œil à accepter une vision globale de l'écrit ".

L'origine du mot est la contraction des mots calligraphie et idéogramme : le mot ainsi composé signifie " beaux caractères ", reprenant l'adjectif grec kalòs (beau) et le nom gramma (" caractère alphabétique "). Apollinaire, en créant les calligrammes, conceptualise son projet d'écrire en beauté. Guillaume Apollinaire écrit ses textes sous forme de tour Eiffel, d'un visage chapeauté, d'une cravate, mais utilise aussi des formes plus abstraites, joue avec la topographie et est ainsi à l'origine d'une innovation formelle, souvent mal comprise par ses contemporains.

En mars 1917, Guillaume Apollinaire est le premier à utiliser le terme de surréalisme, dans une lettre à son ami Paul Dermée. Il est considéré comme l'inventeur du terme, et sera plus tard vénéré par les Surréalistes Breton, Aragon et Soupault.

Il continue de travailler cette année-là et écrit des romans, contes, et pièces de théâtre. Mais de tout son travail, ce sont les recueils Alcools et Calligrammes qui resteront. Guillaume Apollinaire meurt chez lui, au 202 boulevard Saint-Germain, le 9 novembre 1918, de complications liées à la grippe espagnole, laissant derrière lui une œuvre considérable.

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Tout savoir sur les caligrammes de Guillaume Apollinaire

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Guillaume Apollinaire, poète et écrivain français du début du XXème siècle, invente un nouveau genre de poésie, le calligramme.

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Autoportrait, pourquoi les artistes veulent-ils se représenter ?

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Autoportrait : pourquoi les artistes veulent-ils se représenter ?

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Comment et pourquoi les artistes cherchent-ils à se représenter ? Etude de l'art de l'autoportrait et de son évolution au cours des siècles.

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L'autoportrait: quand l'artiste vous plonge dans son intimité

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L'autoportrait: quand l'artiste vous plonge dans son intimité

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L’autoportrait : quand l’artiste vous plonge dans son intimité

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Entrez dans l’intimité de Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, Frida Kahlo et Gustave Courbet grâce à 4 autoportraits révélateurs.L’autoportrait, pernicieuse démarche d’introspection, brise les tabous et met à nu l’artiste. Les états d’âme de celui-ci,

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Top des expositions à voir en France en 2025

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Art moderne, collections contemporaines, en 2025, les grands musées français accueillent des œuvres d’artistes internationaux.

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Gagnant de nombreux prix et photographe pour de grandes marques, Jean-Yves Lemoigne propose un regard original sur les sujets qu'il traite. Et quand il s'agit de tennis, le photographe capture toute l'essence et la beauté de ce sport.

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Pour le magazine BKRW, Jean-Yves Lemoigne a capturé les mouvements des joueurs de tennis. En noir et blanc, sans aucune post-production, voici les splendides clichés du projet Chronophoto.
Et si cette série s'avère particulièrement efficace, d'autres projets sur son site méritent définitivement un coup d'œil, comme par exemple la série Made of Pixels, Pixxxel ou bien encore Running after Muybridge.

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L'art du mouvement par Jean-Yves Lemoigne | Lense

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Gagnant de nombreux prix et photographe pour de grandes marques, Jean-Yves Lemoigne propose un regard original sur les sujets qu'il traite. Et quand il s'agit de tennis, le photographe capture toute l'essence et la beauté de ce sport. .............................. Pour le magazine BKRW, Jean-Yves Lemoigne a capturé les mouvements des joueurs de tennis.

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Les grandes expositions à voir à Paris en 2025 - L’Officiel des spectacles

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Les musées parisiens promettent une saison culturelle et artistique captivante ! Découvrez les expositions les plus attendues dans la capitale en 2025.

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6ème: Carnet de voyage d'un monde imaginaire

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6ème: Carnet de voyage d'un monde imaginaire

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S3 l'art et la guerre: l'œuvre comme mémoire.

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S3 l'art et la guerre: l'œuvre comme mémoire.

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La perspective consiste à donner l’illusion de la PROFONDEUR (la 3ème dimension) sur un espace plan (en 2 dimension). Il existe plusieurs t…

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L offre de formation des tablissements d enseignement sup rieur de la cr ation artistique dans le domaine des arts visuels janvier 2023 

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Formations et établissements dans le supérieur

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Formations et établissements dans le supérieur

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Carte interactive des écoles nationales d'art en France

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Élèves de 5ème4

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fiche cours

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S. Stop motion, le mariage du traditionnel et du numérique.

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S. Stop motion, le mariage du traditionnel et du numérique.

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Immersive presentations and meetings - right from the browser on desktop, mobile, and VR

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Court métrage " art engagé" 3ème : Harcèlement/racisme

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Court métrage " art engagé" 3ème : Harcèlement/racisme

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Temesgen, Lilian, TAMATÉA, Seyar, Honorin 3°2

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L'art et la guerre, installation des productions collectives au Foyer

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L'art et la guerre, installation des productions collectives au Foyer

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Atelier Enluminure calligraphie avec les 5ème

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Atelier Enluminure calligraphie avec les 5ème

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Atelier enluminure calligraphie 5eme 2023

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S4 PROJET présentation de l’œuvre et la place du numérique.

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S4 PROJET présentation de l’œuvre et la place du numérique.

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S3 Une couleur, des textures, une production.

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S3 Une couleur, des textures, une production.

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Dadaistes, surréalistes ou tendance Pop, les collages et les photomontages sont régulièrement utilisés dans les visuels publicitaires et en édition.

Les collages et les photomontages sont des types d' illustrations originales et souvent étonnantes.
Leur pouvoir réside dans l'effet de surprise qu'ils suscitent, leur riche polysémie et leur tendance iconoclaste.
Poétiques, humoristiques, oniriques, ils imposent un nouvel ordre par les rapports inattendus qu'ils mettent en œuvre.
Mais, la réussite d'un collage demande la maîtrise des différents constituants de l' image, au même titre qu'un tableau ou qu'une photographie.
En effet, comme le disait Max Ernst : " Si ce sont les plumes qui font le plumage, ce n'est pas la colle qui fait le collage ".

Canalsat - Paris la ville à remonter le temps

Camper - Imagination walking

SFR

Journées européennes du patrimoine - Lyon - 2009 - 2011

Quelques exemples d'illustrations sous forme de collages dans l'édition.

Revenez sur cette page de temps en temps car elle sera régulièrement mise à jour
avec d'autres exemples.

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Collages et photomontages dans la pub et l'édition

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Les collages et les photomontages sont des types d' illustrations originales et souvent étonnantes. Leur pouvoir réside dans l'effet de surprise qu'ils suscitent, leur riche polysémie et leur tendance iconoclaste. Poétiques, humoristiques, oniriques, ils imposent un nouvel ordre par les rapports inattendus qu'ils mettent en œuvre.

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 Projet pour 2 classes 5ème (HG + Arts p)

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 Projet pour 2 classes 5ème (HG + Arts p)

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Info : Flipbook, l'art au bout des doigts

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Info : Flipbook, l'art au bout des doigts

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Site consacré aux flip books aussi appelés flick books ou folioscopes, datant de 1882 à nos jours et portant sur les thèmes les plus divers.

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Atelier d'enluminure et calligraphie Marie-Eve Côté

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Réseau des Médiathèques de Montpellier 3M

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HULK - 'I'm Always Angry' Flipbook - DP ART DRAWING

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S2 entre images artistiques et images de com'

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S2 entre images artistiques et images de com'

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S2 Le temps et la narration dans l’œuvre

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S2 Le temps et la narration dans l’œuvre

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En arts plastiques, il n'y a pas de "mauvais" dessin, nos imaginations sont toutes différentes!

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Culture Commune | La culture est commune !

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Vous voulez tout savoir sur la célèbre oeuvre " l'arbre de vie " de Gustav Klimt ?

L'Arbre de Vie, c'est une oeuvre de grand art peinte par Gustav Klimt, peintre autrichien de tableaux symboliques.
Cette toile d'expression moderne (Art Nouveau) et classée dans un style " peintures symboliques " a été terminée en 1909.
Cette oeuvre mesure 1m95 sur 1m02 , cette oeuvre est exposée actuellement au Musée des arts appliqués, En Autriche, à Vienne.

Tableau L'arbre de vie

Ce tableau est en fait, un essai pour la Frise Stoclet, une suite de peintures, mosaïques sur toiles, trois tableaux au total, réalisées par l'artiste Gustav Klimt peintre d'art symbolique afin d'honorer une commande du Palais des arts Stoclet en Belgique, à Bruxelles.
Ces peintures sont réalisées pendant l'époque tardive de Gustav Klimt et présente des " arbres de vie " tournoyants, une femme debout, et un couple d'amoureux échangeant un baiser.
Ces peintures sur toile tapissent trois murs de le séjour du Palais des arts à Bruxelles
Le désir du peintre Gustav Klimt, en créant ces trois tableaux sur toile pour le palais de Bruxelles, était de représenter un merveilleux jardin ou règnent l'art et l'amour, sorte d'éternité, qui ne flétrirait jamais.
L'élément principal du tableau c'est l'Arbre, qui est constitué de branches qui s'étirent sur tout l'espace du tableau, recouvert de taches, des yeux et des structures géométriques imbriquées.

Signification de la toile de Gustav Klimt

L'arbre de vie représenté est en vérité un thème ancestral. La Bible nous parle de deux arbres plantés dans le Jardin d'Eden, l'Arbre de vie et l'Arbre de la Connaissance, et, c'est de l'arbre de la connaissance que la première femme, Ève mordra le fruit.
L'Arbre de Vie, lui, a pour signification l'immortalité, et, il est dit, qu'Adam et la première femme Ève seraient mortels lorsqu'ils quitteraient le Paradis.

L'arbre de vie est représenté dans diverses cultures planétairement, toutefois, son symbolisme diffère selon les croyances des différents pays dans le monde.
L'Arbre de Vie est le symbole de l'immortalité au Proche et au Moyen-Orient, et pour la Chine ancienne ainsi que pour les Indiens, l'arbre de vie pousse au cœur de du monde pour le peuple Juif, il est représentatif des Lois de l'univers.
Il est nommé"le Bodhi " par les bouddhistes en Inde, car ce serait a son pied que le Bouddha aurait atteint l'éveil et a transmis ses tous premiers enseignements.

L'Arbre de vie symbolise le cycle de la vie

Au centre des tableaux de l'artiste Gustav Klimt l'Arbre de vie symbolise le cycle de la vie.
En automne, l'arbre perdra ses feuilles , et celles-ci repousseront au printemps. L'Arbre représente la nature, accompagné par l'oiseau et les fleurs, ce qui est un symbole universelle, car l'arbre unifie le monde tellurique par ses racines, le monde terrestre par son tronc et le ciel par ses branches.

Vous souhaitez décrypter la symbolique cachée de l'artiste ?

Gustav Klimt est un artiste peintre d'art symbolique, et nous devons analyser chaque sujet contenus dans le tableau afin d'en comprendre la signification.

Débutons par l'arbre, au centre du tableau. Celui-ci est constitué de 7 branches qui se divisent chacune en de nombreuses ramifications avec des extrémités en forme de spirales. Chacun des éléments est symbolique.
En effet, les 7 branches sont représentatives du caractère humain très complexe sans cesse tourmentés par des humeurs contradictoires. La spirale, est représentative du cycle de la vie incessant.
Celle-ci a pour signification le début et l'achèvement du monde.
Dans l'espoir et l'achèvement, on est face à la pensée dualiste de l'univers, de deux tempéraments qui s'opposent. La solitude d'un côté avec l'amour trouvé, puis, l'homme et la femme réunit de l'autre.

Un symbole égyptien

Nous observons également la présence de l'oeil Oudjat, nommé aussi dans l'Egypte Ancienne, l'oeil d' Horus . Cet œil est représenté dans l'arbre, mais également sur le manteau du sujet. C'est un symbole de protection.

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L'arbre de vie de Gustave klimt | Culture Commune

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L'Arbre de Vie, c'est une oeuvre de grand art peinte par Gustav Klimt, peintre autrichien de tableaux symboliques. Cette toile d'expression moderne (Art Nouveau) et classée dans un style " peintures symboliques " a été terminée en 1909. Cette oeuvre mesure 1m95 sur 1m02 , cette oeuvre est exposée actuellement au Musée des arts appliqués, En Autriche, à Vienne.

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Les arbres en ciment armé

Les frères Martel participèrent à Paris à des expositions au Salon des indépendants, au Salon d'automne, au Salon des Tuileries et à l'Exposition des arts décoratifs de 1925, où ils présentent, en collaboration avec Robert Mallet-Stevens, des arbres cubistes en ciment armé qui défraieront la chronique. Une réalisation destinée à montrer la solidité du béton armé en architecture.

Une réplique en béton et résine de l'arbre cubiste des sculpteurs Joël et Jean Martel a été réalisée, par l'architecte Marc Mimram, en 1998 pour figurer devant le musée des années 30 de Boulogne-Billancourt. Cette sculpture de 8,50 m de haut, fabriquée entièrement en Ductal® (BFUHP = Béton Fibré Ultra Haute Performance de Lafarge), constitue une véritable prouesse technique et artistique. En effet, le tronc est précontraint par fils adhérents. Les qualités intrinsèques du matériau ont permis notamment la fixation complexe des feuilles - des plaques en béton dont certaines ne dépassent pas 6 cm d'épaisseur - au tronc.

L'arbre cubiste des frères Martel, installé devant le musée des années 30 de Boulogne Billancourt, côtoie des réverbères auxquels Robert Mallet-Stevens a apporté sa contribution.

Les arbres cubistes de l'exposition de 1925 réalisés par les frères Martel selon des dessins de Robert Mallet-Stevens trancheront avec les éléments environnants, au point de faire la joie des caricaturistes.

Le pavillon de Roubaix - Tourcoing (Tapis, étoffes d'ameublement) était situé dans le jardin Mallet-Stevens avec les arbres cubistes dessinés par Robert Mallet-Stevens et réalisés par les frères Jan et Joël Martel.

Murs en plantes et arbres en ciment

Paulette Pax devant l'arbre-sculpture des frères Martel, dans le jardin de Mallet-Stevens. Esplanade des Invalides. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925.

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Les arbres en ciment armé Les frères Martel participèrent à Paris à des expositions au Salon des indépendants, au Salon d'automne, au Salon des Tuileries et à l'Exposition des arts décoratifs de 1925, où ils présentent, en collaboration avec Robert Mallet-Stevens, des arbres cubistes en ciment armé qui défraieront la chronique.

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What's the Sound of Colour? Kandinsky and Music

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Suite et fin du projet de 6ème

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Préparez votre visite, découvrez les lieux emblématiques du palais et les collections du musée et suivez l'actualité du Louvre et des Tuileries.

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Le cycle est composé de trois tableaux : Les Adieux, Ceux qui partent, Ceux qui restent.

L'artiste traite ici d'un sujet délicat. Il s'agit de l'expérience du deuil et de la séparation mêlée à la question de l'énergie vitale qui reste avec ceux qui subsistent à la mort.

On remarque une volumétrie des visages en même temps qu'une dématérialisation des formes. En fait, et c'est là toute l'innovation, la transcription psychologique ne repose pas sur des jeux de physionomie censés exprimer la tristesse. Elle s'appuie plutôt sur des contrastes et des rythmes linéaires accentués par un chromatisme lui-même subjectif.

La tentative est neuve car jusque-là, la valeur psychologique des lignes a été employée à l'intérieur d'une description figurative. Ici, il procède à rebours et se risque vers une introspection qui préfigure l'expressionisme abstrait.

Ainsi, Boccioni est la préfiguration de l'expressionnisme américain qui apparaît bien plus tard dans les années 1950.

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Le premier futurisme italien:1909 à 1916

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Le cycle est composé de trois tableaux : Les Adieux, Ceux qui partent, Ceux qui restent. L'artiste traite ici d'un sujet délicat. Il s'agit de l'expérience du deuil et de la séparation mêlée à la question de l'énergie vitale qui reste avec ceux qui subsistent à la mort.

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L'enluminure à travers le temps - métiers d'autrefois #1

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Histoire de l'art langage de la forme, de la matière et des couleurs...

De ses origines modestes, il gardera toute sa vie le goût pour la représentation
des gens de petite condition. Son succès auprès de la bourgeoisie
ne le détournera pas d'une peinture de genre à laquelle
il donne des accents satiriques
...

Même s'ils recherchent l'inspiration dans l'image médiévale et
dans l apremière renaissance, ces artistes contestataires ont
donné naissance à un mouvement avant-gardiste qui annonce
le design moderne du début du XXeme siècle
...

L'art est avant tout un langage

Parole de la forme, de la matière et de la couleur. Pour en raconter l'histoire il est impossible et même inutile de rechercher la première oeuvre. Cela reviendrait à enfermer l'Art dans le carcan trop étroit de la définition.

Langage, il l'est à part entière : décoratif, narratif, politique, expression d'un sentiment, que cela soit volontaire ou non, il a depuis toujours été le reflet des moeurs et des sentiments d'une époque ou d'une civilisation. Le changement social s'est traduit essentielement par l'évolution technique et idéologique du système de représentation. Devenu, avec le temps, une science au niveau théorique aussi bien que pratique, l'image s'est dirigée dans de multiples directions, celles que l'artiste a décidé d'explorer.

La notion d'art englobe un vaste ensemble de points de vue : que l'on cherche à idéaliser pour rendre beau ou au contraire à déranger pour exprimer des sentiments liés à la peur ou à l'angoisse, la représentation picturale a su s'adapter à la pensée humaine dans toute sa diversité et sa complexité.

Depuis la Préhistoire jusqu'au début du XXeme siècle, l'art a toujours été figuratif, c'est à dire que l'image créée cherche à imiter ce que l'on voit que ce soit d'une manière réaliste ou pas, selon le propos que l'artiste cherche à faire passer. Les sentiments de révolte et d'insatisfaction nés des grands bouleversements sociaux ont modifié cette figuration qui finalement s'écroulera sous les coups de la science.

La découverte des notions d'infiniment grand et d'infiniment petit imposera au peintre le problème de représenter une réalité que l'on sait mais que l'on ne voit pas.

Après des siècles de recherches sur la figuration, s'est imposée la nécessité de mettre en image l'idée subjective, invisible.

Si l'on considère que l'art est né avec l'homme il y a plus d'un million d'années, l'abstraction, elle, n'a que 100 ans. Les deux systèmes de représentation, figuration et abstraction, sont divisés en styles que l'on n'utilisera pas pour emprisoner l'oeuvre dans une classification mais simplement pour aider à mieux comprendre l'évolution de ce langage qu'est l'image fabriquée, fragment de l'histoire des civilisations : l'histoire de l'art.

L'art est anarchiste car il s'est toujours créé des règles afin de mieux pouvoir s'en libérer. C'est d'ailleurs la raison de sa perpétuelle évolution, de son changement, en douceur ou avec violence.

La société contemporaine, devenue société de consommation, à fait naître de l'Art, l'art appliqué. De l'artiste est né le graphiste, du dessinateur l'illustrateur. Leur travail est parallèle mais l'influence est réciproque et va quelquefois jusqu'à la fusion des genres. Les moyens modernes liés au numérique n'ont fait que rebondir sur un débat artistique dont l'expression n'est pas prêt de trouver un terme.

nos coups de coeur

[ Web TV ]

The Museum Channel

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Histoire de l'art - De la renaissance au XXe siècle - Histoire de la peinture

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Histoire de l'art et de la peinture, description des courants picturaux, histoire de la vie des peintres et artistes de l'histoire de l'art, présentation des oeuvres, peintures et sculptures, analyse et description d'oeuvres...

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Google Arts & Culture features content from over 2000 leading museums and archives who have partnered with the Google Cultural Institute to bring the world's treasures online.

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quElques outils pour travailler

Savoir dater des styles et courants artistiques :

Confinés mais cultivés! allez voir en bas de page!

Tutoriel pour créer votre Padlet:

Tutoriel pour décrire une œuvre d'art:

Comment décrire une œuvre en histoire des arts?

quelques sites Internet utiles à visiter :

quelques lectures interessantes :

Chroniques du paléolithique

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Les échanges artistiques entre les anciens Pays-Bas et la France, 1482-1814

Sarah K. Rich, " Les échanges artistiques entre la France et les États-Unis, 1950-1968 ", Perspective, 1 | 2011

de John Boardman

La circulation des oeuvres d'art 1789-1848

Je suis un paragraphe. Cliquez ici pour ajouter votre propre texte et me modifier. C'est facile.

Si certains ont envie de créer et de participer à un petit concours artistique hebdomadaire, cliquez ici:

​

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FICHES D'AIDE et liens divers | Hida Lycee Jean Mace

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quElques outils pour travailler Savoir dater des styles et courants artistiques : Confinés mais cultivés! allez voir en bas de page! Tutoriel pour créer votre Padlet: Tutoriel pour décrire une œuvre d'art: Comment décrire une œuvre en histoire des arts?

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Les applications mobiles gratuites pour le stopmotion

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Les applications mobiles gratuites pour le stopmotion

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[:fr]Vous souhaitez réaliser un stop motion (animation en image par image), ou meme un time-lapse(prise de photos succesives d'une personne dans l'optique de saisir un mouvement ) sans appareil photo numérique et juste avec l'aide de votre téléphone portable ou de votre tablette ?

Voici un petit Top 10 des meilleures applications sur Androïd Store pour faire des animations en stop motion / animation en image par image.

PicPac Studio by Animatives

Animation en volume (version gratuite) - by Cateater

Minecraft Stop-Motion Movie Creator by Mattel - poids 86,95 mo

Arrêtez Cartoon Motion Maker

Stikbot Studio by Zing Global limited

Stop Motion Lunnis

Stop Motion- Mason Hope

I can animate - Kudlian software limited

Lapse it

Clayframe by Mr Lightbox

Prise de vue efficace avec une cible, mais pas de mode rafale pour éviter de toucher l'écran.

Limité à 50 images par projets pour la version gratuite

Un design un peu trop à l'ancienne.

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Top 10 des meilleures applications sur Android Store pour faire des animations en stop motion

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fr]Vous souhaitez réaliser un stop motion (animation en image par image), ou meme un time-lapse(prise de photos succesives d'une personne dans l'optique de saisir un mouvement ) sans appareil photo numérique et juste avec l'aide de votre téléphone portable ou de votre tablette ?

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L' animation en volume ou animation image par image (stop motion et en anglais) est une technique d'animation permettant de créer un mouvement à partir d'objets immobiles.

Le concept est proche de celui du dessin animé : une scène (en général constituée de décors, d'objets, de figurines) est filmée à l'aide d'un appareil photo qui prend des captures fixes. Entre chaque image, les objets de la scène sont légèrement déplacés. Lors de la restitution à vitesse " normale ", c'est-à-dire à 24 images par seconde, la scène semble animée grâce à un principe physique : l'effet PHI ou effet physio-psychologique. Notre esprit " comble le vide " par des images virtuelles et nous donne l'illusion d'une continuité apparente du mouvement.

Brad Schiff, animateur.

Cette technique du STOP MOTION est utilisée dans plusieurs films que l'on retrouve au sein de la programmation Collège au cinéma comme Coraline ou Fantastic Mr Fox.
Voilà pourquoi, nous vous proposons de découvrir une petite application gratuite qui va vous permettre de pratiquer le STOP MOTION avec vos élèves.

Cette application s'appelle tout simplement " STOP MOTION STUDIO " et est disponible sur Android et iOS :

Voici un petit tutoriel vidéo qui a pour objectif de vous présenter les fonctions de base afin de mettre en pratique vos élèves en présentiel et à distance!

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Réaliser un film en STOP MOTION avec son smartphone - Collège au cinéma

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L' animation en volume ou animation image par image (stop motion et en anglais) est une technique d'animation permettant de créer un mouvement à partir d'objets immobiles. Le concept est proche de celui du dessin animé : une scène (en général constituée de décors, d'objets, de figurines) est filmée à l'aide d'un appareil photo qui prend des captures fixes.

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[TUTO] 5 Conseils pour le Stop Motion Playmobil 📷

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Les points de trames de Roy Lichtenstein

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Les points de trames de Roy Lichtenstein

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When autocomplete results are available use up and down arrows to review and enter to select. Touch device users, explore by touch or with swipe gestures.

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Deze tekening bestaat uit lijnen en door meerdere lijnen dicht bijelkaar te hebben getekend heeft het ook grijswaarde.

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27-jun-2017 - Deze pin is ontdekt door Joan. Ontdek (en bewaar!) je eigen pins op Pinterest.

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la trame et le point

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Gallery-grade prints on high-quality paper, this is the real deal Lightly textured 100% cotton paper Custom sizes, based on artwork dimensions. Check size chart if self-framing Dimensions include a 1 - 2 inch (2.5 - 5.0cm) white border to assist in framing Large prints shipped in tubes, small & medium prints in protective flat mailers

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Jan 14, 2018 - Artist Christa Rijneveld draws mountains.

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La cité idéale par Piero Della Francesca, 1480

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La cité idéale par Piero Della Francesca, 1480

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La perspective à 2 points de fuites en 2 minutes!

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La perspective à 2 points de fuites en 2 minutes!

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La PERSPECTIVE À 2 POINTS expliquée en 2 MN

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La perspective à 1 point de fuite en 2 minutes!

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La perspective à 1 point de fuite en 2 minutes!

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Andymation Compilation // My Best Flipbooks

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Image après image, le film se crée !

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La narration visuelle et plastique en art

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La narration visuelle et plastique en art

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La narration visuelle et plastique dans l’art

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présentation La narration visuelle et plastique dans l’art. Pour commencer cet article, il est nécessaire de définir les notions de récit, d’histoire et de narration. Ces termes sont pr…

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Pendant que Flora Borsi masque une partie de son regard par celui d'un animal, Tigran Tsitoghdzyan va nous bluffer avec ses peintures de portraits de femmes au réalisme saisissant.

Portraits de femmes en peintures

A travers sa série intitulée ' Mirrors', ce jeune artiste new-yorkais né en Arménie 'joue lui aussi à cache-cache' dans la mise en scène de ses portraits de femmes qui tentent désespérément de cacher leur visage avec leurs mains devenues transparentes sous son méticuleux coup de pinceau.

Bien que ce soit difficile à croire, ces images sont des peintures photo réalistes peintes à la main sur d'immenses toiles s'érigeant tels des miroirs d'une société qui a de plus en plus de mal à protéger sa vie des regards indiscrets... Le portfolio de l'artiste Tigran Tsitoghdzyan est à découvrir sur son site internet, sa page Facebook ou son compte Instagram.

Mais où sont passés les hommes dans cette histoire ?! 😉

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Portraits de Femmes en Peintures au Réalisme Troublant - MaxiTendance

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Pendant que Flora Borsi masque une partie de son regard par celui d'un animal, Tigran Tsitoghdzyan va nous bluffer avec ses peintures de portraits de femmes au réalisme saisissant.

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Quel rôle l’Art peut-il jouer contre la haine de l’autre ?

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Quel rôle l’Art peut-il jouer contre la haine de l’autre ?

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UN REFLEXE DE SURVIE INDISPENSABLE

Par Cloé Korman, écrivaine (1).

Il existe un moment de profonde mélancolie, un mur de chagrin que rencontre à un moment je crois toute personne qui milite et se préoccupe de la question raciale, en France ou ailleurs. Elle ne peut qu'amener maintenant ou plus tard à un sentiment de colère, de déchirement des illusions extraordinairement déstabilisant. Regarder l'histoire de notre société, qui se revendique du progrès perpétuel et de l'extension incessante des richesses, au filtre des injustices légales successives du racisme, et notamment celle de l'esclavage massifié au 17e et surtout au 18e siècle dit " des Lumières ", et constater le profit qui perdure de cet héritage, ou simplement l'indifférence qu'on lui applique - cette mélancolie a quelque chose d'un gouffre. C'est pour s'en dégager qu'interviennent l'art et la faculté à se représenter la multiplicité changeante et dynamique de la société. Décrire, faire connaître, raconter, sous mille et une formes, les plus riches et les plus indociles, est un réflexe de survie indispensable. En mars dernier, l'agonie de l'Américain George Floyd a été filmée par une jeune femme nommée Darnella Fraser - et son nom je crois mérite d'être retenu par l'Histoire, pour faire de cette histoire une histoire de meurtre mais aussi celle d'une résistance et d'un témoignage. En voyant ces images, nous avons vécu collectivement, de par le monde, un moment de rapport à la vérité aussi violent et aussi cru que la lame de rasoir appliquée à l'oeil du Chien andalou. Cette vision a provoqué un soulèvement mais pour que ce soulèvement continue, et pour que la vision ne nous engouffre pas dans la haine, nous avons besoin de toujours plus de visions, de toujours plus de représentations et de points de vue. Ceci est d'autant plus impérieux que nous vivons un moment de recrudescence de la pensée raciste et de sa capacité de propagande, comme l'a montré en ce tout début septembre la fiction publiée par le journal Valeurs Actuelles mettant en scène la députée noire Danielle Obono en victime de l'esclavage, dans une stratégie d'humiliation fantasmatique digne du meilleur de la presse antisémite tendance Action Française. Ce parallèle me semble d'autant plus utile que le langage présent des propagandes racistes, manifestations extrêmes de déni ou d'invisibilisation de la réalité du racisme, tirent un grand profit de la pensée négationniste apparue elle à la fin des années 1960 et dont les thèses ont servi de test pour une certaine guerre des représentations. Elles ont permis qu'un mépris radical de la violence puisse se produire dans l'espace public et de là, essaimer dans d'autres dénis, d'autres entreprises de dissimulation de la violence. Il faut pouvoir dépasser la stupeur et la rage provoquées par la vision, et pour cela il faut plus de visions armées de nuances, d'ambiguïtés, de tendresse vis-à-vis de la complexité des individus. Je travaille à cela moi aussi, que ce soit quand je publie un collectif d'adolescents de Seine-Saint-Denis parlant de leur ville ou quand j'écris, comme actuellement, un roman qui met en lumière l'abandon des enfants juifs par l'État français dans la France de 1942. Ces chantiers me mettent en présence de non-dits et d'actes de dénégation, de lieux de mémoire négligés que je veux faire connaître. J'espère pouvoir contribuer ainsi à une abolition de la violence raciste auprès d'autres qui cherchent à partager leurs visions, en permettant aussi que d'autres artistes émergent là où le racisme assigne à tout sauf à cela : mettre en circulation des mots et des images au-delà du lieu où l'on vous attend.
(1) Dernier ouvrage : Tu ressembles à une juive, éditions du Seuil.
UN THÉÂTRE QUI ARME LE SPECTATEUR A L'ESPOIR

Par Julie Berès, metteuse en scène, et Kevin Keiss, co-auteur (avec Alice Zeniter) du spectacle Désobéir.

Séparément ou ensemble, nous allons beaucoup au théâtre. Nous sommes toujours curieux, passionnés, intrigués par la façon dont nos camarades - artistes de théâtre - s'emparent des sujets qui traversent l'époque. Nous avons, en ce moment, l'assurance que nous vivons une séquence théâtrale particulièrement inédite et vivifiante car les deux années écoulées ont accéléré de nombreuses prises de conscience. Nous sommes profondément modifiés par la catastrophe écologique à nos portes, par les Gilets Jaunes, par les violences policières, par le " black lives matter ", par l'incroyable confinement général qui a mis en évidence, pour qui en doutait, que ce sont les cols roses, les gens des carrefours, les petites mains, les solidarités spontanées qui tiennent la société civile. Nous sommes transformés dans notre pensée mais aussi notre pratique artistique et citoyenne par les terribles vagues de migrations, par l'hospitalité nécessaire. Nous sommes scandalisés par les procès qui incriminent celles et ceux qui portent secours à des êtres dont la vie est en péril sous prétexte qu'ils n'ont pas vocation à être sur le territoire français. Par ailleurs, la puissance du mouvement #metoo a ouvert une vanne nécessaire et libératrice de la parole des femmes, permettant à sa suite une possibilité inédite de parler de l'amour, de la sexualité, du genre, de la racisation, de la violence des riches... Nous nous réjouissons de voir que les autrices et les auteurs contemporains sont d'avantage visibles qu'il y a quelques années et qu'ils s'emparent de ces sujets. La saison qui s'ouvre est marquée par la privation totale d'insouciance. La confiscation de toute légèreté. Les masques que nous portons, les distances de sécurité que nous devons respecter, l'impossibilité de s'étreindre pour se consoler, faire la fête, sont les marqueurs de la tristesse de notre temps. Les théâtres qu'on nous a forcé à fermer s'ouvrent de nouveau et nous nous en réjouissons. Jouer devant un public masqué comme se rendre au théâtre masqué demande un certain courage. Cela témoigne de la volonté obstinée de ne pas laisser le Réel être le souverain de nos existences. C'est une façon de le tenir en respect. De faire communauté, Commune de nouveau. C'est au Théâtre de La Commune d'Aubervilliers, si justement nommé, que nous avons créé Désobéir à l'invitation de / par Marie-José Malis dans le cadre des pièces d'actualité. Désobéir est la neuvième pièce d'actualité.

Chaque année, La Commune confie à des artistes le soin de concevoir en quelques semaines un spectacle en prise avec les problématiques sociologiques et politiques actuelles, pour réinventer " la tradition du théâtre comme art politique ". Pour répondre à cette invitation, nous sommes allés à la rencontre de jeunes femmes de la première, seconde et troisième générations issues de l'immigration pour questionner chacune sur son lien à la famille, la tradition, la religion, l'avenir. Le premier sujet qui nous obsédait était la façon dont s'opère la radicalisation des jeunes femmes en France. Puis nous avons décidé un revirement. Nous souhaitions donner à entendre le mot " radical " dans toute son acception positive. Dans sa détermination lumineuse. Dans ce qu'il permet de structuration, de résilience. S'est imposé pour nous le souhait de façonner un spectacle qu'on pourrait nommer un " théâtre de la capacité ". C'est-à-dire, un théâtre qui arme le spectateur à l'espoir. À la joie. Une pièce de laquelle on sortirait sans être " écrasé " par le poids du monde mais au contraire où on le sentirait intensifié dans notre capacité à vivre, à nous relever, à nous réinventer. Nous avions également le désir de relier les spectateurs de Désobéir à la jeunesse, à la puissance de vie des jeunes femmes qui sont sur scène et qui ont su dire NON pour s'affranchir des injonctions de la famille, de la société ou de la tradition. C'est une aventure au long cours car nous entamons notre quatrième saison de tournée en commençant le 17 septembre prochain dans un lieu à la symbolique essentielle : le musée de l'Immigration à Paris. Cette date a une signification particulièrement forte pour toute notre équipe car sur le plateau comme en coulisse, nous sommes nombreuses et nombreux à avoir des parents, grands-parents qui ont traversé les frontières pour trouver asile en France.

IL N'Y EN A QU'UNE DE RACE, L'HUMAINE

Mathilde Tixier, poète et chanteuse.

Pourfendre les peurs et leur long cortège d'inepties bonnes à se pendre d'elles-mêmes, les débusquer dans leurs antres rances où se perd la raison à s'imaginer des ennemis qui n'en sont pas, l'autre, et sa peau de honte qui l'obligerait lui aussi à la cacher, sa peau à la couleur des plus belles et douces, et qu'il aurait toutes les tristes peines à sauver, le navrant constat, et la colère, d'en être encore là, dans l'antichambre d'une humanité en miettes, morcelée, pauvre et rétrograde, salie ! Crier gare qu'il n'y en a qu'une de race, l'humaine, et qu'il serait grand temps de le savoir, pour que se vive enfin ensemble la grande œuvre qu'est la vie, bien trop courte pour se laisser encombrer de barrières et de frontières qui ne protègeront jamais de ses propres démons, inventés eux aussi de toutes pièces, l'infaisable puzzle à tuer le temps et les beautés du monde, vaste à s'y perdre et s'y trouver, riche et splendide de tous ses hommes qu'il porte, lui, en bienveillance et tolérance depuis son aube propice à tous les possibles ! Dénoncer l'inadmissible et l'innommable de tant d'horreurs passées et présentes, cette plaie sans cesse ouverte qui suinte son pus, éclaboussant les dignités, moribonde et ne voulant pas mourir, cette infamie, ce déshonneur, qui laisse ses traces sanglantes, et de ces traumatismes qu'on ne saurait effacer, tant ils meurtrissent les chairs et les âmes au plus profond, obligeant à s'excuser d'être et de vivre sur cette même terre ! Transcender ces visions de cauchemars qui ne peuvent se supporter, cette atteinte cruelle à toutes les éthiques, à travers des mots durs et sans compromis, implacables, taillés de fureur, prêts à en découdre quiconque oserait encore énoncer ses pensées nauséabondes de vieilles poubelles, ignorantes et craintives, retranchées, stériles, mais engendrant encore, à travers les siècles ! Provoquer à s'en casser les dents et revenir à la charge jusqu'à ce que les mains en fraternité se tendent, se reconnaissent et s'épousent, pour que la page du mauvais livre se tourne vers d'autres horizons, où les mers et les terres aussi se rejoindraient en pleine harmonie, éreintées, mais si parfaitement unies qu'elles ne formeraient qu'un seul et même grand et beau paysage ! Implorer enfin une éternelle trêve, en chansons, poèmes, musiques et peintures, et toutes les formes que l'art voudra bien prendre pour s'exprimer à travers nos yeux, nos bouches et nos oreilles alertes, réunis en une semblable transe à notre gloire d'hommes réconciliés, amis en leurs différences, nourris d'une même ferveur belle à pleurer nos larmes de soulagement, apaisés et sereins, prêts à voler sa fougue au vent pour abattre des montagnes qui n'en seraient plus, en cette grande plaine offerte à tous pour s'aimer sans peine !

L'ART UNIFIE L'HUMANITE

Karim Ghizellaoui dit DGIZ, Slameur et contrebassiste.

Le rôle de l'art est bien évidement primordial et vital, mais avant tout, il est au-dessus de ces fléaux qui empoisonnent nos sociétés comme le racisme dans toutes ses formes et la haine de l'autre. L'ignorance génère la violence, l'art unifie l'humanité. L'endroit artistique est une zone neutre, un espace merveilleux ou le discours officiel et le pouvoir peuvent être mis en abimes. On surmonte l'exclusion de l'autre avec l'art, puisque c'est un endroit à partager, à propager. Les enfants chantent souvent à l'école ou dans les chorales, des chansons de tous les pays, des louanges de toutes les religions, ils apprennent l'existence d'autres langues, d'autres histoires et civilisations. L'art abolit les barrières qui sont sources de préjugés et de clichés comme " l'immigration qui coûterait de l'argent " : c'est le contraire, elle apporte des richesses économiques et sociales. Quand une parole ou pensée singulière fait mouche, face à une machine médiatique bien pensante qui classe les êtres humains par catégories, c'est du grand art. Il faut prendre garde à ce que la liberté de pensée des artistes circule publiquement. L'art sauve la vie de l'artiste. J'utilise entre autre le langage, le corps, des sons, des rythmes ou encore de la poésie comme matières pour communiquer, créer, partager mais aussi interroger ce monde complexe mais si extraordinaire. En scène je cherche et trouve la faille d'où le rire surgit, le rire devient commun, les clichés et à priori tombent. L'art adoucit les différences et les mœurs par le rire dans toutes ses formes. L'art est une forme de guérison des plaies intérieures. Quand nous sommes plusieurs à écouter la même musique cela crée un lien fort et universel. En prenant la parole et en fonction du public présent je casse les codes attendus et amène l'imaginaire vers d'autres sphères. Si on ne le pratique pas, on l'apprécie. J'essaie de le révéler, avec mes talents d'improvisateur rappeur/slameur contrebassiste, et de comédien. C'est mon rôle et je veille à le remplir du mieux que je le peux. Je pratique le 'Baap' (Bass and Rap) et le 'Rup' (Rap d'utilité publique) et ça vient de France. Je cultive l'instant, ma parole est ouverte et décrit souvent la situation, le moment présent. Conscient de mon image de clochard céleste, avec mes origines d'Afrique du nord, une naissance en Bretagne, la chance d'être scolarisé dans le Paris cosmopolite des années 1980, imbibé de mes années passées à Gennevilliers, Poissy, Aubervilliers, Franconville et Montreuil...Et puis il y a l'est Parisien, mon Belleville-Ménilmontant que je viens de quitter pour quelques mois car je vis actuellement dans le Loir et Cher en attendant que la situation sanitaire évolue dans le bon sens et que ma carrière sorte de quarantaine... Je suis fier de représenter tous ces quartiers, ces villes, ces régions et aujourd'hui ces pays, car j'ai la chance d'avoir beaucoup voyagé, avec l'un des meilleurs passeports qui puisse exister, le culturel, je suis honoré même parfois d'être ambassadeur de ma langue et de mon pays. Je pense sincèrement que l'on devient par où on passe. Je me sens l'allié complice des paléontologues, des sociologues, des anthropologues, pour moi l'histoire de la musique est plus instructive que l'histoire officielle. L'évolution de l'espèce humaine est buissonnante de métissages et c'est comme cela que nous survivons. Je suis aussi solidaire avec les travailleurs sociaux, les éducateurs sportifs, tout le corps enseignant et toutes celles et ceux qui œuvrent pour le bien public. Une pensée à toutes les victimes de racisme.

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Quel rôle l'Art peut-il jouer contre la haine de l'autre ?

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À l'occasion de la 5e édition du Grand Festival contre le racisme, l'antisémitisme et la haine anti-LGBT du 16 au 20 septembre, au Musée de l'histoire de l'immigration, à Paris (*), l'Humanité donne la parole à des artistes, musiciens et auteurs qui mettent leurs talents au service de la lutte contre les discriminations.

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8 oeuvres de street-art qui mettent en lumière les droits des femmes ! - AlterNego

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Dans « street-art », il y a « art ». Et l’art, comme dirait le peintre Paul Klee, « ne reproduit pas le visible, il rend visible ». Rendre visible l’égalité femmes-hommes en mettant le sujet à l’agenda chaque 8 du mois, telle est l’ambition de notre programme 8. Ce mois-ci, on vous propose une petit…

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Picasso, l’engagement politique : analyse d'oeuvre : Guernica

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Par Margaux

3 minutes de lecture

Analyser un objet, une image, nécéssite tout d'abord de faire l'inventaire le plus objectivement possible de ses composants, sans jamais l'interpréter. C'est ce qu'on appelle la dénotation.

Analyser un objet, une image, c'est également l'interpréter, chercher ses références, l'impression qu'il donne, ses significations possibles. C'est ce que l'on appelle la connotation.

Aucune interprétation ne doit être donnée sans s'appuyer sur une dénotation précise.

La dénotation

Analyser une image nécessite d'abord de faire l'inventaire le plus objectivement possible des composants de cette image sans l'interpréter : c'est ce qu'on appelle la dénotation.

Pour faire une dénotation la
plus objective possible, imaginez que vous décriviez par téléphone une
image à quelqu'un qui ne la voit pas : il doit pouvoir l'imaginer
précisément.

Présentez le sujet : origine et destination de l'image (magazine, affiche, illustration...)

Décrivez le sujet : personnages, objets, décors (en général et dans le détail de ces éléments)

Analysez les différents composants plastiques en mettant en évidence
les effets de contrastes et de dominantes de toutes sortes :

Composition et organisation de la page :

Format à la française, à l'italienne... cadrage, plan général, plan
américain, gros plan ... angle de vue... premier plan, arrière plan ...

Ligne(s) de force horizontale, verticale ascendante ou descendante,
oblique, triangulaire, en spirale convergente ou divergente...point fort

Hiérarchie des éléments qui composent la page, pleins/vide, fond/formes...

symétrie, perspective, rythmes...

Ligne souple, anguleuse, orthogonale...

Trait haché, hésitant,affirmé, gestuel, rigoureux, rectiligne...

Formes souples, rigides, fermées ouvertes, mouvementées,
éclatées...rectangle, carré, cercle, triangle, cube, sphère, pyramide...

Volumes et valeurs : espace, profondeur, ombre, lumière, clair/obscur, noir/blanc...

Couleurs : primaires, secondaires, chaudes, froides, complémentaires, vives, toniques, lumineuses, ternes, pastels, rabattues...

Matières : aplat, dégradé... surface et effet moucheté, granité, froissé, rugueux, lisse, brillant, métallique...

centrée, justifiée, ferrée, en habillage....

expressive, fine, grasse, lourde....

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La connotation

Analyser une image, c'est ensuite interpréter et donner du sens à ce
qui n'est que dénoté : c'est ce qu'on appelle la connotation.
Toute connotation doit s'appuyer sur un ou plusieurs éléments dénotés.

Indiquez l'annonceur et la cible (le public visé, le destinataire) du message publicitaire.

Interpréter une image, c'est chercher ses significations possibles, qui
sont multiples . Ces significations dérivent les unes des autres, sont
d'abord immédiates puis s'entraînent et s'enchaînent, de plus en plus
subtiles.
Essayez de vous mettre à la place du photographe ou du
publicitaire qui a conçu l'image.

Recherchez des références dans
différents domaines.

Vous cherchez des cours de dessin ?

Donnez votre interprétation en vous appuyant sur une description précise.
Vous pouvez utiliser les mots suivants :

(élément dénoté) .... symbolise ...
ex : signifie
la forme souple ... suggère
le personnage isolé ... donne l'impression que
la dominante de bleu ... exprime un sentiment de
le graphisme anguleux ... fait référence à
le rythme saccadé .... rappelle
le thème de l'eau ... évoque
l'équilibre de noir et blanc ... produit l'effet de
la typographie employée ... accentue l'effet de
l'importance du texte ... minimise l'effet de

Dans une image publicitaire, le texte est en relation avec le visuel
par le contenu de son message mais aussi par sa composition et
l'expressivité de son graphisme. Le rapport texte / image doit lui
aussi être connoté.

Mettez en évidence la manière de communiquer : construire une image
s'apparente à construire une image ou un discours. Les procédés
employés pour communiquer, persuader, convaincre ou impliquer le
destinataire sont comparables.
Faites la différence entre ce qui est
dit ou montré et ce qui est suggéré.
Vous pouvez ainsi rencontrer des
messages qui utilisent des figures de style :

la polysémie (plusieurs sens)

la redondance (répétition de formes ou de mots)

la métonymie (fragments d'un corps ou d'un objet, notre imagination reconstitue le tout)

l'ellipse (suppression d'un élément ou d'un moment de l'action, l'imagination reconstitue les faits)

la litote (ou fausse modestie, dire moins pour faire entendre plus)

la métaphore (substitution par analogie d'un objet ou d'une idée par un autre)

l'allégorie (représentation imaginée d'une idée, d'un sentiment)

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Margaux

Spécialiste des arts et loisirs, je partage avec vous mes cours sur ces différentes thématiques !

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Le Concours de la BD scolaire 2021-2022 est lancé ! Jusqu'au 3 mars 2022, tous les enfants scolarisés de la grande section de maternelle à la terminale sont invités à y participer.

De nombreux auteurs professionnels ont été sélectionnés au Concours de la BD scolaire alors qu'ils étaient encore enfants ou adolescents. C'est notamment le cas de Catherine Meurisse, Jérémie Moreau, Cécile Bidault, ou encore Benoît Ers. Aujourd'hui, ce concours a toujours pour objectif de découvrir les plus jeunes talents, qui deviendront peut-être les auteurs de bande dessinée de demain !

Plus grand concours européen de création de bande dessinée francophone en milieu scolaire, le Concours de la BD scolaire est organisé par le Festival International de la Bande Dessinée d'Angoulême depuis 48 ans, sous le patronage du Ministère de l'Éducation Nationale, de la Jeunesse et des Sports, ainsi que de l'UNESCO et en partenariat avec MGEN. Totalement gratuit, il est ouvert à tous les établissements scolaires relevant du Ministère de l'Éducation Nationale, qu'ils se situent en France ou à l'étranger, les enfants accueillis dans des structures sociales et culturelles (C.S.C.S., centres de loisirs, ateliers d'arts plastiques...), ainsi que des établissements de classes spécialisés (IME, SEGPA, CLIS, ULIS...).

Le Concours de la BD scolaire 2021-2022 est présidé par Jérémie Moreau, lauréat du prix de la BD scolaire en 2005, et Fauve d'Or, en janvier 2018, pour La Saga de Grimr. Fauve jeunesse en 2020 avec Les Vermeilles, Camille Jourdy est la marraine de cette édition. Elle en a également réalisé l'affiche.

Camille Jourdy © DR

Jérémie Moreau © DR

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Le Concours de la BD scolaire 2021-2022 est lancé ! Jusqu'au 3 mars 2022, tous les enfants scolarisés de la grande section de maternelle à la terminale sont invités à y participer. De nombreux auteurs professionnels ont été sélectionnés au Concours de la BD scolaire alors qu'ils étaient encore enfants ou adolescents.