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●LA GRANDE ONDA●
《AV》

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Lucchese Asia

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Oppure se venivano potevano mettere le scarpe nell' apposito armadietto. spero vi sia piaciuto e questo é per rendere più Chiara la cosa

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La casa all'ingresso, chiamato Genkan é sempre un gradino sotto il pavimento della casa fatto di legno. Il Genkan serve per posarci le scarpe per non sporcare la casa, e di solito i Giapponesi comprano spesso le pantofole per i loro ospiti oppure camminano scalzi in casa pur di non spocarla.

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STRUTTURA TIPICA DELLA CASA GIAPPONESE

Ai giorni nostri oggi il giappone a gli edifici moderni ma nelle periferie é ancora possibile trovare le tipiche case tradizionali fatte di legno, paglia e carta. che sono tra l'altro molto semplici ma belle. La case giapponesi vengono chiamate Minka ma si differenziano per il metodo di costruzione fra Noka la casa di campagna e il Machiya quella di città. Qui sotto vi metto un' immagine per farvi un idea.

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Hiroshige Utagawa. - Pittore e incisore giapponese (. Tokyo, 1797 - 1858). Allievo di Utagawa Toyohiro, cominciò a pubblicare (1814) stampe singole e libri con illustrazioni di soggetto vario (scene di teatro, donne); nel 1828 apparvero le prime vedute di Yedo, ispirate a Hokusai e all'arte olandese. Dal 1836 circa, Hiroshige si dedicò quasi esclusivamente al paesaggio, intraprendendo anche lunghi viaggi per conoscere a fondo il Giappone. Le grandi serie di vedute della strada Tokaido e della Kisokaido, gli diedero la celebrità; famose pure le 100 vedute di Yedo (1856). Egli è l'ultimo grande paesista giapponese; soprattutto a lui, osservatore più preciso e attento di Hokusai, risale il concetto più comunemente diffuso in Occidente dell'arte del Giappone; Hiroshige esercitò grande influsso sugli impressionisti.

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Conosciamo molto poco della vita di Utamaro, a cominciare dal luogo stesso di nascita: assieme a numerose altre località se ne contendono tuttora i natali le maggiori città del Giappone: Tokyo, Kyoto ed Osawa; sappiamo che la sua nascita va situata intorno alla metà del 1700 (pensa il 1753 )mentre la parte finale della sua vita è conosciuta meglio. Si spense nel 1806.Utamaro fu conosciuto soprattutto come raffiguratore della bellezza femminile. Come altri celeberrimi artisti giapponesi si dedicò alla forma espressiva definita ukiyo-e, ossia rappresentazione a stampa del fluttuare del mondo dei sensi.Sicuramente Utamaro non conobbe uguali fu nelle stampe bijinga, che raffiguravano l'ídeale della beltà femminina classica. Fu però attivo anche nel genere shunga, a soggetto erotico, che nel Giappone dell'epoca Edo venne considerato alta forma di espressione artistica, ed anzi a detta di Eisen vi eccelse. Non ci si può meravigliare che Utamaro sia conosciuto in tutto il mondo soprattutto come ”il pittore delle donne” .

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Lo yukata è un indumento prevalentemente estivo di solito di cotone, tradizionale giapponese. Viene indossato soprattutto, ma non solo, durante gli spettacoli pirotecnici alle feste bon odori e ad altri eventi estivi.

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La hakama è un indumento tradizionale giapponese che somiglia ad una larga pantalone/gonna o una gonna a pieghe. Originariamente soltanto gli uomini indossavano

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Il samue è il tradizionale abito da lavoro dei monaci zen giapponesi

Realizzato in cotone o in lino, e tradizionalmente tinto di colore marrone o indaco, per distinguerlo da altri capi più formali, i samue sono utilizzati dai monaci per eseguire lavori manuali,

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geta  sono dei sandali tradizionali giapponesi a metà tra gli zoccoli e le infradito. Sono un tipo di calzatura con una suola in legno rialzata da due tasselli, tenuta sul piede con una stringa che divide l'alluce dalle altre dita del piede. Vengono indossate con gli abiti tradizionali giapponesi, come gli yukata e meno frequentemente con i kimono, ma durante l'estate

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Abbigliamento tradizionale
IL KIMONO
il kimono (cosa indossata)è il termine noto per definire l'abito giapponese.
Fin dagli anni 60 questi indumenti giunsero negli antelier indossati ora da una donna giapponese.
L'assimmetria e i motivi tradizionali come i cristantemi ma il kimono con la sua semplicità rappresenta una sfida ai corsetti dell' 800 e con il nuovo secolo divenne oltre a un compagno indispensabile dal guardaroba più alla moda

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Noemi salidu
La litografia è  una tecnica di incisione basata su un fenomeno ben noto dall'antichita',ossia la reciproca repulsione l'acqua e le sostanze grasse.
Materiale basilare è la pietra litografica, una pietra calcarea dalla struttura granulare fine, ma molto regolare.
L'audiovisivo propone le varie fasi di lavorazione, tipiche di questo procedimento.
La lastra già incisa è cosparsa di talco, pulita con gomma arabica e acido nitrico e, successivamente, più volte inchiostrata per essere infine portata al torchio litografico, da cui uscirà l'opera completa.
La sua invenzione risale alla fine del 1700 ed il suo nome deriva dal greco lithos=pietra  ghraphé= scrittura.
All'inizio, infatti, come matrice, veniva utilizzata una pietra di calcare compatto, che in seguito, fu sostituita da lastre di metallo.
Sino alla sua invenzione, i metodi di stampa si fondavano solo su principi meccanici.

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Noemi salidu
Il guazzo e' una tecnica molto antica,probabilmente nata in Italia.
All'inizio il termine ''guazzo'' indicava qualsiasi tipo di pittura a base di acqua.
In origine usata per minare e illustrare manoscritti,la tecnica era stata adottata dai primi pittori europei per rapidi bozzetti,specie per i paesaggi all'aperto.
Nel periodo d 'oro  delle riviste illustrate(per esempio ''la domenica del corriere'')è stato usato in modo intensivo per la sua rapidità di realizzazione ed asciugatura.

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Noemi salidu
L'acquaforte è la prima tecnica indiretta in cavo ed è la più usata come mezzo espressivo dagli artisti antichi e moderni,per la gestualità dell'operatore a differenza di altre che hanno bisogno di lungo tirocinio.

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Noemi salidu
La xilografia,o silografia,è una tecnica di incisione e rilievo in cui si asportano dalla parte superiore di una tavoletta di legno le parti non costituenti il disegno.
Le matrici vengono inchiostrate e utilizzate per la realizzazione di più esemplari dello stesso soggetto(su carta e a volte su seta),mediante la stampa con il torchio.
Dato che la xilografia è un tipo di incisione in rilievo,non è difficile inserire la matrice di legno nelle forme tipografiche,stampando così testo e immagine contemporaneamente.
Questa caratteristica della xilografia rende il processo di stampa molto economico,infatti fu usata soprattutto per i testi popolari.
Tecnica tra le più semplici e antiche per stampare motivi ornamentali,figure o caratteri su stoffa o altro materiale.
Fu utilizzata  a partire dal 14°sec.per La Stampa di immagini sacre,carte da gioco e per l'illustrazione di testi,mentre,dalla fine del 19°sec.,al pari di altre tecniche incisori,divenne mezzo espressivo autonomo.

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Seveso Beatrice
Père Tanguy

Questo quadro, anche se non tra i più famosi, è da considerare molto interessante soprattutto per la scelta del soggetto e anche dei colori utilizzati, che dominano il quadro e che lasciano trasparire anche il profondo studio da parte di Van Gogh prima di realizzare quest’opera. Il ritratto di père Tanguy infatti, a prima occhiata potrebbe sembrare un ritratto di un uomo qualunque, ma in realtà era molto legato al pittore olandese ed ebbe un ruolo fondamentale nella sua vita.questo ritratto è stato prodotto nel 1888 ed si trova nel musee rondin a Parigi e le sue deimensioni sono di  92x75 .Il ritratto di père Tanguy infatti rappresenta quest’uomo che era il proprietario di un colorificio a Parigi; molti artisti passavano all’interno della sua struttura, e tra questi si trovava anche Vincent, ma anche molti altri pittori appartenenti alle correnti pittoriche che in quel tempo stavano emergendo o che trovavano pieno successo, come l’Impressionismo ed anche il Post-impressionismo.Coloro che parlano il francese avranno notato che père nel ritratto non è il nome vero e proprio del soggetto rappresentato, bensì il suo soprannome, che tradotto nella nostra lingua significa “padre”. Tale nomignolo gli era stato dato poiché Tanguy era un uomo molto buono ed ebbe con Van Gogh un grande rapporto di amicizia; la bontà di quest’uomo lo portava addirittura ad acquistare alcune opere degli artisti che si rifornivano presso di lui cosicché quest’ultimi potessero avere i soldi necessari per realizzare altre opere e continuare così la propria carriera.

Questo ritratto di père Tanguy potrebbe rappresentare una sorta di monito da parte di Van Gogh per ringraziare questo signore per la sua bontà e anche come elemento rappresentativo della loro amicizia e del bel rapporto. Il pittore olandese conoscerà anche altre persone che cambieranno la sua vita e il suo modo di dipingere rendendolo un uomo in continua metamorfosi e che vede il mondo con occhi completamente diversi da qualsiasi altro simile.

Lo sfondo del quadro il ritratto di père Tanguy è molto interessante poiché è composto da diverse opere, che, oltre a dare un indizio dell’occupazione del soggetto, indica la forte influenza di quadri di tema nipponico; alla sinistra del quadro è presente un mezzobusto di una donna asiatica vestita con le tradizionali vesti delle donne orientali, e lo stesso accade con l’opera che si trova in basso a destra, dove è rappresentata un’altra donna di profilo con delle vesti di tradizione asiatica.

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Henri guerard

Henri Charles Guerard nasce a Parigi il 28 aprile 1846 e muore purtroppo molto giovane nella stessa città il 25 marzo 1897 a 50 anni. Nella sua vita é stato: pittore, incisore, litografo e tipografo francese.
Inizió I suoi studi all'ecole Nationale superiéure des beaux arts di Parigi in architettura, poi passó alla pittura e infine nel 1870 all' incisione.
Nel 1873 appare il primo numero di incisione di Parigi con la collaborazione di altri artisti emergenti tra cui Manet.
Nel 1879 Henri Guerard si sposa con Eva Gonzales, pittrice, modella e amica di Manet; poi nel 1883 Guerard partecipò alla arte giapponese di Louise Gonse e ad aprile pubblica Japonisme, un album di dieci incisioni.
Eva Gonzales muore nel 1883 ma poco dopo, nel 1888 Henri Guerard si sposa con sua cognata: Jeanne Gonzales, mentre nel 1889 pubblica con l'aiuto di Felix Bracquemond la società di pittori-incisori francesi che espone alla galleria Durand-Rule e infine nel 1894 espone l'incisione Entry lock presso la national society of fine arts.

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Di giovanni giada

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ÉDOUARD MANET: RITRATTO DI ÉMILE ZOLA

Il ritratto di Émile Zola (Portrait d'Émile Zola) è un dipinto a olio su tela (146×114 cm) del pittore francese Édouard Manet, realizzato nel 1868 e conservato al museo d'Orsay di Parigi

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VINCENZO RAGUSA

Vincenzo Ragusa (Palermo, 8 luglio 1841 – Palermo, 13 marzo 1927) è stato uno scultore italiano, fondatore dell'Istituto d'Arte di Palermo, oggi intitolato a lui e alla moglie Otama Kiyohara. Nel 1860 partecipò alla Spedizione dei Mille.

Tra il 1876 e il 1882 introdusse in Giappone le tecnologie di fusione del bronzo e altre tecniche europee di scultura con armature e modellato, esercitando un ruolo significativo nello sviluppo delle moderne arti scultoree giapponesi. Fece parte del primo corpo di insegnanti e del gruppo di consulenti scelti dal governo Meiji per la fondazione della Scuola tecnica di belle arti di Tokyo. Fu peraltro notevole la sua attività di intermediazione culturale tra l'Italia e il Giappone, svolta insieme alla moglie Otama Kiyohara.
Le sue sculture sono in diversi musei e importanti collezioni in Italia e in Giappone.
TAMA KIYOHARA
Kiyohara Tama (Tokyo, 1861 – Tokyo, 1939) è stata una pittrice giapponese, conosciuta anche con i nomi di Kiyohara Otama, Eleonora Ragusa e Otama Ragusa. Ha vissuto gran parte della sua vita a Palermo.
O'Tama Kiyohara fu una pittrice di grande abilità, molto attiva e versatile. Produsse infatti molte opere utilizzando tecniche diverse (dall'acquerello all'olio su tela, dal pastello alla pittura murale, ecc.); trattò i soggetti più vari (dai ritratti ai paesaggi, dalle nature morte agli animali, dalle scene di genere ai temi religiosi, e così via). Operò anche nell'ambito dell'arte applicata realizzando paraventi, oggetti e coperte dipinte, ecc. Il suo stile, dopo aver conosciuto il futuro marito, lo scultore palermitano Vincenzo Ragusa, ebbe una decisa svolta passando dal grafismo sintetico giapponese al naturalismo occidentale. Una enorme quantità di opere dell'artista sono state esposte nella grande mostra, O'Tama e Vincenzo Ragusa. Un ponte tra Tokyo e Palermo, (la prima antologica in assoluto in Italia) allestita a palazzo Sant'Elia, Palermo. Attraverso un articolato percorso espositivo, incentrato sulle opere pittoriche di O'Tama Kiyohara e le sculture di Vincenzo Ragusa, è stata evidenziata in modo inequivocabile l'importanza di questo episodio di "giapponismo" verificatosi a Palermo, tra 800 e 900, grazie all'esperienza condotta in Giappone da V. Ragusa e alla presenza a Palermo di O'Tama, certamente il fenomeno di questa natura più significativo avutosi in Italia.
Le sue opere rimaste in Italia, principalmente a Palermo, si trovano in varie collezioni pubbliche e private, e sono visibili nel catalogo della mostra del 2017 sopra citata. La maggior parte delle sue opere, che erano conservate in Giappone, sono andate distrutte durante i bombardamenti di Tokyo nella seconda guerra mondiale.

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Ninfee di monet

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Salve prof, ho modificato la ricerca, ampliandola su alcuni aspetti, anche basandomi sull'uscita al Mudec

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Fiore crisantemo giapponese

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Henri guerard

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Gerolamo induno la giapponesina

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Camille Monet in costume giapponese

''Camille Monet in costume giapponese'', da come si può facilmente intuire dal titolo, è la rappresentazione olio su tela della moglie dell'artista Monet: Camille.
Quest'opera è stata realizzata nel 1876, con le dimensioni di 62x100 cm, ed ora è conservata nel Museo delle belle arti, a Boston.

Camille, nel dipinto, gioca con un ventaglio, indossa un abito rosso e sorride scherzosa al compagno che la ritrae. Le larghe foglie che abbelliscono il suo lungo kimono si perdono sinuose verso l’ampia ruota di seta ricamata in basso, dove un piccolo samurai sembra prendere vita tra le pieghe dell'abito.
Il ventaglio di Camille è semplice ma elegante, con parti bianche, blu e rosse. In alto è disegnata una mezzaluna bianca, in contrasto con lo sfondo della parte rossa.
Sullo sfondo invece, diversi ventagli con forma e colori diversi sembrano volteggiare attorno al corpo di Camille. La lunga curva della schiena accompagna l’occhio dell’osservatore verso il pesante tappeto decorato, mentre la parrucca bionda conferisce a lei stessa i tratti talvolta inquietanti della geisha (geisha = ragazza attraente, raffinata e colta).

Forse Monet, con quest'opera, vuole ironizzare sulla moda giapponese, molto in voga all’epoca, e ha deciso di inserire la moglie in una sorta di gioco teatrale in cui lei si presta ad interpretare un’attrice dallo sguardo ironico. Comunque sia il quadro colpisce per la ricchezza di particolari e per la precisione dei dettagli.

Aneddoti:
Monet e Camille si incontrarono in una libreria nel marzo del 1865 a Parigi.
Fin da subito Camille iniziò a lavorare per Monet come modella presso il suo laboratorio, e divennero ben presto amanti.
Convolarono a nozze nel 1870 e dalla loro unione nacquero due figli.
Pochi anni dopo, Camille morì, e Monet per onorare la ormai defunta moglie realizzò un'opera in suo onore.
Poco tempo dopo, Monet si appassionò alla corrente del Giapponismo...

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Madame Butterfly Puccini

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Tama kiyohara

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Debussy la mer

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opera utamaro

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ELENCO DEI PUNTI DA TRATTARE E I NOMI DEGLI ALUNNI AI QUALI SONO STATI ASSEGNATI

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Nella Pittura come nella Musica Fratelli Lumière - L'arrivo di un treno alla stazione di La Ciotat [1896] 1874 prima mostra degli impressionisti nello studio di NADAR a Parigi A.D. Ingres Odalisca E. Degas Alle corse di provincia 1869 36,5x 55,9 cm Galleria V. Emanuele II 1877