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La danza de salomé ante herodes (Sevilla , 1622 - 1690 ) 

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La danza de salomé ante herodes (Sevilla , 1622 - 1690 ) 

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La historia de Salomé formaba parte fundamental de la biografía de san Juan. Tras bailar en un banquete convocado por Herodes, este le prometió acceder a cualquier deseo que pidiera, y ella solicitó la cabeza del Bautista.

La escena muestra a Salomé en primer plano y en plena danza, para la que se vale de unas castañuelas. Luce un lujoso vestido encarnado, y tanto la riqueza cromática y formal de su indumentaria, como su dinamismo y la gracia de sus rasgos la destacan poderosamente y la convierten en centro de atención de la composición. Esta se desarrolla en un escenario palaciego, donde se despliega la mesa con los comensales, cuyas lujosas galas adoptan tonos más oscuros. Todo ello crea una atmósfera de esplendor, y da lugar a un efectista juego de contrastes cromáticos que sirve para subrayar el dinamismo de la bailarina. Valdés Leal ha relacionado de manera verídica los gestos y actitudes de un elevado número de personajes, creando una obra de extraordinario equilibrio y de una gran eficacia comunicativa.
Eimy Dayan Ruiz Ruiz

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La cueva de CovadongaGenaro Pérez Villaamil (El Ferrol, 1807-Madrid, 1854)

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La cueva de CovadongaGenaro Pérez Villaamil (El Ferrol, 1807-Madrid, 1854)

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Entre las numerosas obras que el arte decimonónico le ha dedicado al emblemático santuario asturiano de Covadonga destaca especialmente esta vista interior de la cueva del pintor Genaro Pérez Villaamil (El Ferrol, 1807-Madrid, 1854), conservada en el Museo Bellas Artes de Asturias.

Considerado el precursor del paisajismo romántico español, Villaamil se inscribe dentro de aquella generación de “pintores-viajeros” que, desde mediados del siglo XIX, recorrieron buena parte de la geografía española intentando capturar en sus lienzos la realidad social y cultural del país. En el retrato de sus gentes y de sus pueblos, de sus paisajes y de sus monumentos, la obra de Villaamil refleja la preocupación típica del artista romántico, bajo cuya fantasía pintoresca y exaltación patriótica subyacía un interés aún más profundo, relacionado también con los ideales de la Ilustración española: documentar y salvaguardar las ruinas del deteriorado patrimonio histórico nacional.

Así, cuando Genaro Pérez Villaamil llegó a Covadonga en 1850, en el que constituiría el último viaje del artista a tierras asturianas, su interés por la cueva no se redujo exclusivamente al hecho de inmortalizar el legendario símbolo de una supuesta identidad nacional, sino en constatar a su vez el estado de abandono en el que se encontraba sumido el monumento desde que, el 17 de octubre de 1777, un incendio fortuito destruyera parcialmente el camarín de la gruta que conservaba la imagen de la Virgen. En la representación abiertamente idealizada del santuario que ofrece el pintor puede reconocerse por tanto el estado decadente de la construcción. Así mismo, la visión de la España costumbrista y pintoresca que tanto se empeñó en retratar Villaamil adquiriría un renovado protagonismo en la escena de la parte inferior, donde una comitiva de peregrinos, vestidos con trajes regionales, confieren al santuario ese aire de cotidianeidad y devoción popular en el que los elementos humano y arquitectónico se fusionan para reforzar el mensaje patriótico propio de la representación romántica.

Si bien la denuncia expuesta en la obra terminó recibiendo respuesta, esta no llegará hasta 1874 –Genaro Pérez Villaamil fallecerá en 1854-, fecha en la que el obispado de Benito Sanz y Forés le encargó a Roberto Frassinelli construir el actual camarín de madera, en el que se emplazó finalmente la nueva imagen de la Santina donada por la Catedral de Oviedo en 1778.

¿Porqué escogí este?
Primero que me gusta la imagen y segundo que era la último viaje de artista a tierras asturianas.

-Muhammad

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San EstebanLuis de Morales (Badajoz, ca. 1510-1586)

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San EstebanLuis de Morales (Badajoz, ca. 1510-1586)

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El cuadro San Esteban de Luis de Morales (Badajoz, ca. 1510-1586) se incorporó al Museo de Bellas Artes de Asturias en 2002 procedente de la colección Chicote de Valladolid. Datada hacia 1560, se incluye por sus características formales e iconográficas en la línea creativa de Luis de Morales, una de las figuras más destacadas en el ámbito pictórico español del siglo XVI. El “Divino” Morales, como fue llamado por Palomino en la que fue la primera biografía de este maestro badajocense, supo adaptar su pintura al gusto popular en un momento de ferviente religiosidad, generando una producción basada en la imagen mística y trascendente que precisaba la Contrarreforma.

San Esteban se muestra aquí en actitud contemplativa, dirigiendo su mirada hacia el cielo y con la piedra, atributo de su martirio, sobre su cabeza. El entorno que rodea al santo es un paisaje muy probablemente imaginado, habitual en el repertorio de Morales, como se puede apreciar en otros trabajos del artista. En este sentido, el Museo del Prado cuenta con una obra casi idéntica del mismo maestro, en cuya esquina superior izquierda se observa una figura de Cristo bendiciendo que no aparece en la versión de Oviedo. Ambas obras resumen perfectamente las características de la pintura de Morales, que asimila las novedades del renacimiento italiano, pero que se mantiene aún en la tradición hispanoflamenca. De hecho, bebe de modelos iconográficos basados en estampas de artistas italianos, flamencos o nórdicos, como Rafael o Durero, entre otros.

La figura se recorta sobre el fondo con una pincelada precisa, minuciosa, que nos permite apreciar detalles propios de los más prestigiosos miniaturistas de la época siguiendo la estela de la pintura flamenca. Sin embargo, este aspecto se intercala con zonas donde el color se vaporiza, generando una sensación de sfumatura leonardina característica del manierismo al que Morales se vinculará durante toda su trayectoria. La composición, piramidal, es de nuevo fruto de esa influencia italiana que será una constante en la obra de Morales. Es una pintura que, en definitiva, se vale de todos estos recursos para crear unos tipos humanos completamente “reales”, que se alejan del mero hecho artístico para remover los sentimientos y pasiones del espectador.

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Francisco de Goya y Lucientes. (Fuendetodos, Zaragoza, 1746-Burdeos, Francia, 1828)

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Retrato de Jovellanos en el Arenal de San Lorenzo

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Retrato de Jovellanos en el Arenal de San Lorenzo

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Francisco de Goya: Goya fue el artista europeo mas importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus ultimas obras se consideran precursoras del impresionismo.

"Retrato de Jovellanos en el arenal de San Lorenzo": En 1780 un Goya que todavía no ha encontrado la magia que gorbernó años después de sus pinceles recibe el encargo de retratar por primera vez a Jovellanos con motivo de su promoción al cargo de consejero de Ordenes Militares.

Impresión Personal: Pues a mi me llama la atención de que haya pintado a Jovellanos ya que solo hay 3 o 4 retratos de el.

Nombre: Daniel

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Crucifixión, h. 1350                          Anónimo sienés.

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Crucifixión, h. 1350                          Anónimo sienés.

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-De procedencia desconocida, debió concebirse como pala de altar o retablo para un oratorio privado o capilla conventual. Probablemente pudo tener una predela y quizá unos pináculos, actualmente desaparecidos. - Representa la Crucifixión, acorde con la nueva iconografía italiana de fines del Ducento y comienzos del Trecento, que rompe con la tradición bizantina. Ante un fondo de oro, sobre un espacio sugerido por el suelo de tierra y verde, el pintor dispone las figuras a modo de friso. En el centro muestra a Cristo crucificado, ya muerto, con la llaga del costado manando abundante sangre. A la izquierda está la Virgen sostenida por las santas mujeres con expresión doliente en sus rostros. Entre ellas destaca la Magdalena por el color rojo de su vestido. A la derecha sitúa a Juan, expresando su dolor en el rostro y con sus manos unidas. Está separado de los soldados -junto a él está el portador de la lanza, Longinos-; y de los judíos. Arriba, a ambos lados de Cristo, revolotean unos ángeles casi diminutos, manifestando también su duelo, particularmente el que rasga sus vestiduras sobre la cabeza de san Juan.

-Fernando Rionda Díaz

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Salvador Dalí (Figueres, Girona, 1904-1989)

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Dalí: fue un artista español del siglo XX, destacado en el ámbito de la pintura. Es considerado como uno de los máximos iconos del arte contemporáneo; más concretamente, del surrealismo.

"Metamorfosis de ángeles en mariposa": esta obra forma parte de un periodo basado en lo místico y lo mitológico. En ella, se representa un conjunto de dos ángeles bordeando una figura femenina desnuda, sobre la cual puede adivinarse una mariposa.

Impresión personal: me llama mucho la atención la forma de cada uno de los brochazos, de los que surgieron formas que resultan intencionadas. A su vez, siento que se representa cada figura y cada elemento de forma más bien indefinida, abstracta; dando a entender el misticismo que muestra, y a la vez oculta la obra.

Nombre: Salomé.

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Francisco de Zurbarán (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid, 1664)

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Zurbarán: es uno de los pintores españoles más importantes del Siglo de Oro junto a Velazquez, del que era gran amigo. Destacó en la pintura religiosa.

"Cristo muerto en la cruz": uno de los muchos cuadros pintados por Zurbarán con este mismo tema. Destaca por su fuerza en el contraste entre la luz y las sombras, lo que le da mucha fuerza dramática.

Impresión personal: especialmente llamativo la escena tan terrible que se representa, con esas luces y sombras que representan vida y muerte al mismo tiempo, y a las vez la sensación de serenidad de Jesús muerto.

Nombre: Benja