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Yana Novotorova // HIDING IN PLAIN SIGHT: STUDIES ON SYMBOLIC VIOLENCE VOL. I

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Yana Novotorova // HIDING IN PLAIN SIGHT: STUDIES ON SYMBOLIC VIOLENCE VOL. I

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Symbolic power and violence, discipline and domination are the mechanisms of control that are hiding in plain sight in almost every aspect of our society: from the dictatorships of totalitarian, capitalist, democratic or viral character, to the naturalisation of self-surveillance, -optimisation and -exploitation. Despite being constantly surrounded by symbolic power, we are mostly unaware of it - just like fish that don't know they're wet.

How does symbolic power and violence affect the body and the mind? How can we recognise and make visible the symbolic mechanisms of power? How can art function as a site of resistance?

Inspired by the philosophical discourse on the subject, personality cults in politics and art, as well as video-tutorial culture, "Studies On Symbolic Violence" explores mechanisms of symbolic power in social and private contexts through performative and artistic means. Through the "studies" the four performers create diverse spaces that alternate between home-workout and stand-up comedy, commercials and interrogation, political party gathering and a party.

The piece premiered on 30. July 2021 at Flutgraben, Berlin.

Yana Novotorova - concept, development, performance

Sophia Seiss - development, performance

Véronique Langlott - development, performance

Vitalii Shupliak - development, performance

Claudia Barths - dramaturgy, technical support

Pitt Wenninger - technical support, photography

Hannah Rettl - production assistance

Supported by the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK - STEPPING OUT, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR. Assistance Program for Dance.

Supported by: event center Tor 28, Tanzfaktur Köln, IZONE Kiew, FLUTGRABEN Berlin, Tanzfabrik Berlin.

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Hiding In Plain Sight: Studies On Symbolic Violence - Yana Novotorova

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Symbolic power and violence, discipline and domination are the mechanisms of control that are hiding in plain sight in almost every aspect of our society: from the dictatorships of totalitarian, capitalist, democratic or viral character, to the naturalisation of self-surveillance, -optimisation and -exploitation.

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ON DEMAND // CocoonDance Company // App in die Stadt

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ON DEMAND // CocoonDance Company // App in die Stadt

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Mit "App in die Stadt" lädt die CocoonDance Company verschiedenste Menschen zu einem Dialog und Austausch über (zeitgenössischen) Tanz ein. Die Move App macht ihre Bewegungssprache erlebbar und ist ein niedrigschwelliges Tool, dass in vielfältigen Vermittlungsformaten zum Einsatz kommt.

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iPhone-Screenshots

This App is an invitation for the user to explore and expand the potential scope of his/her body through new terms and explanations. The creative process of how these individual bodies interpret the linguistic descriptions for themselves is deliberately kept open. First and foremost, new terms and their influence on movement and body sensation should flow into the app. It is expressly desired that this app grows beyond the movement knowledge and vocabulary of CocoonDance and that other performers, dancers and choreographers leave their mark on the app. In the long run, the goal is to develop a tool that will serve a large number of "movement practitioners" to create, explore and facilitate an open exchange about movements and body images with others, without presumption of general validity.

Version 1.1.7

Adds Théâtre du Crochetan as a sponsor

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CocoonDance Company

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Erfordert iOS 9.0 oder neuer.

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Erfordert iOS 9.0 oder neuer.

Familienfreigabe

Wenn die Familienfreigabe aktiviert ist, können bis zu sechs Familienmitglieder diese App verwenden.

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‎This App is an invitation for the user to explore and expand the potential scope of his/her body through new terms and explanations. The creative process of how these individual bodies interpret the linguistic descriptions for themselves is deliberately kept open. First and foremost, new terms and t...

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Based on their personal migration stories, four dancers deal with topics of new beginnings, uprooting and adaptation processes. Who are we, where do we come from, what do we leave behind? It is a search full of obstacles and questions, between hope and disappointment, memory and dreams, south and north, east and west. Always on the way in between. A constant journey, a life in transit.

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Based on their personal migration stories, four dancers deal with topics of new beginnings, uprooting and adaptation processes. Who are we, where do we come from, what do we leave behind? It is a search full of obstacles and questions, between hope and disappointment, memory and dreams, south and north, east and west. Always on the way in between. A constant journey, a life in transit. 

Direction: 
Moonsuk Choi and Yamila Khodr

Choreography: 
Moonsuk Choi and Yamila Khodr in 
collaboration with the dancers

Performance: 
Uwe Brauns, Sami Similae, Heamin Jung, Junghwi Park

Music composition and arrangements: 
Albrecht Ziepert

Licht Design: 
Benjamin Schälike


Premiere 16. November 2019 
at Uferstudio 1, Berlin

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ERSATZTEILLAGER Recyclingsolo // Maren Strack

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ERSATZTEILLAGER Recyclingsolo // Maren Strack

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Ersatzteillager - Trailer zur Performance

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Alexandra Waierstall // STAGES INTO THE NOW 

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Alexandra Waierstall // STAGES INTO THE NOW 

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A live sharing of “acts of tenderness”, movements, images, sounds, texts from our research process that took place in Wuppertal and the Opera in the summer 2021.

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11 September 2021
16:00 + 18:00 + 20:00
cubic studios, Elisabethstraße 84, Düsseldorf, Germany
With reservation only
tickets@alexandrawaierstall.com

A live sharing of “acts of tenderness”, movements, images, sounds, texts from our research process that took place in Wuppertal and the Opera in the summer 2021.



Direction, choreography, concept: Alexandra Waierstall; Performance, collaboration: Scott Jennings, Horst Weierstall; Collaboration: Ying Yun Chen, Maria Sauerland; Camera: Cédric Hopf, Sören Parker; Music: Volker Bertelmann; Text: Scott Jennings, Maria Iole Karolidou, Alexandra Waierstall, Horst Weierstall; Costumes: Alexandra Waierstall, Horst Weierstall; Technical Support: Fredy Deisenroth; Management: Judith Jaeger

Production: Noema Dance Works e.V.; Supported by: the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK – STEPPING OUT, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR. Assistance Program for Dance, Kunststiftung NRW, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, Kulturamt der Landeshauptstadt Düsseldorf. With special thanks to: Opernhaus Wuppertal, tanzhaus nrw, Kulturbüro Wuppertal.

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Eine audiovisuelle Tour, eine performative Installation auf einer Brache. Können wir durch die Beobachtung der Flora zu Erkenntnissen über das menschliche Leben kommen?

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Ingo: Wir stehen hier an einem Ort, an dem vor 60, 70 Jahren kein Gras wuchs,kein Baum wuchs. Eine Fläche von vielen dutzend Hektar - leise, sonst nichts.(INT 001) Gerti: Ich weiß es nicht, wie es weitergeht. (INT 002) Ullrich: Wir müssen auch entscheiden, wie wir mit dem umgehen, was wir biographisch erlebt haben, was sozusagen über uns gekommen ist, ohne dass wir das wollten oder es verhindern konnten. Und das, was wir daraus noch machen können und wollen. Ich glaube, das ist der entscheidende Unterschied. Es gehen Menschen daran zugrunde, bringen sich Menschen genau daran um, Susanne: Eine Brache ist ein Glücksversprechen, so etwas wie eine exotische Landschaft, im ansonsten durchregulierten Raum. Und dieser Exotismus, der gehört glaube ich heute auch zu dem Traum, der wiederbelebt wird, wenn sich zufällig eine große Brache ergibt.(INT 003) Ali: Wir sind alle Flüchtlinge auf der Welt, wir flüchten irgendwie vor vielen Sachen. (INT 004) Rike: Ich arbeite und ich will eine Pause, eine Auszeit für ein paar Monate. Ich bin auch ein Mensch, der eine Endlichkeit braucht. Ingo: Diese Brachflächen, die sich hier in der Stadt nach dem Zweiten Weltkrieg entwickelt haben, die waren groß an Fläche, aber sie hatten ein ganz schlechtes Image. Vor allen Dingen bei den Politikern. (INT 005) Kerstin: Jetzt bin ich vielleicht krank. Jetzt bin ich krank. Nicht vielleicht, sondern ich bin krank. Christian: Also diese Brachen in den Großstädten, haben natürlich auch bestimmte Freiräume geschaffen, rechtsfreie Räume, wenn man das so will. (INT 006) Dennis: Ich bin ausgerissen und habe etwas Altes verlassen. Von etwas weg zu etwas hin... aber dieses „zu etwas hin", das war dann doch sehr im Nebel. (INT 007) Christa: Das Leben hat die Prioritäten teilweise anders gesetzt und das, was dann dran war, Ursula: Ein Teil der Benennung beruht ja nicht auf einer Analyse des Bestehenden, sondern besteht auf Hoffnungen oder Erwartungen oder Ansprüchen, die man dort erfüllt sehen will. Und insofern hängt also die Sprache von spontanen Vegetation oder Wildwuchs oder Unkraut ab, was jemand will und wie man etwas nutzen will. Elisabeth: Der Boden darf sich ausruhen. Das ist so. Der muss jetzt nicht irgendwie einen Ertrag bringen, sondern er darf sich ausruhen. Ⅱ das hab ich dann gemacht - und das mit Leib und Seele. → INT_007_Christa.mp4 [04:02 min] → INT_006_Dennis.mp4 [03:54 min] Kinder konnten da spielen, man hat da irgendwas drauf gebaut und vielleicht sogar ein Garten ☼ angelegt und so weiter, ohne dass da jemand gleich gekommen ist.→ INT_005_Kerstin.mp4 [04:06 min] Das waren Dreckecken, vernachlässigte Ecken, die man so schnell wie möglich loswerden wollte. Es gab immer Menschen, die fanden das ganz toll, aber die Entscheidungsträger, die sagten: möglichst weg damit, das stört uns. Das ist hässlich. Das kennen wir nicht. Das wollen wir nicht .→ INT_004_Rike.mp4 [04:01 min] # Nicht nur Krieg und Bomben, sondern auch vor menschlichen Kriegen, Auseinandersetzungen, psychischen Probleme und so.→ INT_003_Ali.mp4 [03:53 min] Ist ja auch die Frage, was mit diesem Gelände jetzt passiert, in diesem Fall ist es ja auch noch so, dass so ein Eigentümer da ist. Das heißt, da gibt es sicherlich Interessen, vielleicht auch Verwertungsinteressen. Und in einer Stadt ist es eigentlich ein Aushandlungsprozess, also man muss ⏩klicken
und
zuhören eine sehr energische Politik der Freihaltung von Flächen betreiben. Das sind Aushandlungsprozesse, die ja letztlich in dicht besiedelten Städten, um jeden Quadratmeter geführt werden.* dass sie biografisch auf so eine Brachfläche kommen. Und andere sagen: ich gehe dann barfuß und mit schmerzenden Füßen drüber weg, aber ich weiß - da drüben ist wieder der weiche Waldboden.→ INT_002_Ullrich.mp4 [03:11 min] ( Ich hab keine Ahnung.→ INT_001_Gerti.mp4 [03:38 min]

Performance auf einer Brache Premiere 2
Eine audiovisuelle Tour, eine performative Installation auf einer Brache. Können wir durch die Beobachtung der Flora zu Erkenntnissen über das menschliche Leben kommen? Magdalena Weniger (Performance) und Maren Wickwire (Film) wenden sich Brachen in der Landschaft, sowie menschlichen Biografien zu und recherchieren deren Entstehung, Entwicklung und erforschen ihr Potential. . September 2021 Heidestraße 36 Dresden. Eine Produktion von KOMA & Ko Idee: Magdalena Weniger, Konzept und Umsetzung: Magdalena Weniger und Maren Wickwire, Produktionsleitung: Linda Pilar Brodhag, Videos: Maren Wickwire, Sound: Magdalena Weniger, Mix und Master: Jarii van Gohl, Choreografie in Zusammenarbeit mit Performer:innen: Linda Pilar Brodhag, Magdalena Weniger, Performer:innen auf Brache: Charles Washington, David Le Thai, Lilia Ossiek, Performer:innen Video: Linda Pilar Brodhag, Magdalena Weniger, Kostüm: Bettina Kletzsch, Technik: Matthias Weniger, Projektassistenz: Lilli Kaeten, Presse und ÖA: Katherine Schwarzer, Julia Klockow, Grafik- und Webdesign: Julia Löffler und Lucas Hesse. Danke Rike, Ullrich, Gerti, Dennis, Christa, Ali und Kerstin, dass ihr Eure Geschichten mit uns geteilt habt. Webseite und Projektkonzeption "brach und wild " unterstützt durch das Nationale Performance Netz - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz. Audiovisuelle Tour "brach und wild " gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR. Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen. Diese Maßnahme wird mitfinanziert durch Steuermittel auf der Grundlage des vom Sächsischen Landtag beschlossenen Haushaltes. Gefördert durch die Landeshauptstadt Dresden, Amt für Kultur und Denkmalschutz.→ mehr

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brach und wild | Eine audiovisuelle Tour

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Eine audiovisuelle Tour, eine performative Installation auf einer Brache. Können wir durch die Beobachtung der Flora zu Erkenntnissen über das menschliche Leben kommen? Magdalena Weniger (Performance) und Maren Wickwire (Film) wenden sich Brachen in der Landschaft, sowie menschlichen Biografien zu und recherchieren deren Entstehung, Entwicklung und erforschen ihr Potential.

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Phasenübergänge

Nach Sample 1 Lomé - Berlin (Ballhaus Ost 2019) und Der Ausflug (Ballhaus Ost 2021) setzt die NEWSTARDANCECOMPANY ihre tänzerische Auseinandersetzung mit physikalischen Themen fort und führt die Formation MAASA ein.

Am 18. und am 19. September 2021 um 17:00 Uhr,

und am 25. und 26. September 2021 um 16:30 Uhr

auf dem Scharounplatz in Berlin

Dauer der Performance: 30 Minuten

Weitere öffentliche Orte werden folgen ...

1

Durch einen Phasenübergang entsteht ein Symmetriebruch. Wir sagen, daß Zeit und Materie entsteht. Materie macht nur einen kleinen Teil unseres sichtbaren Universums aus und Materie ist zu 99,8% Bindungsenergie. Mit Materie beschäftigen wir Menschen uns meistens. Das Meiste ist aber Nichts und das Nichts ist nicht nichts, sondern Vakuum.

2

Wenn wir Wasser sehr vorsichtig abkühlen, ohne es zu stören, dann kann es bei - 17° Celsius noch flüssig bleiben. Die geringste Erschütterung läßt es schlagartig durchfrieren. Das ist ein abrupter Phasenübergang bei Wasser. So ein abrupter Phasenübergang fand zum Beispiel auch beim Abkühlen unseres frühen Universums statt. Etwas befindet sich im Zustand der geringsten Energie. Und dann gibt es aber einen Zustand noch geringerer Energie, in den es hineinrutscht.

3

Die Bezeichnung Teilchen in der Physik meint auch Welle. Ein Teilchen kann verstanden werden als eine Welle in einem Feld.

4

Ob wir etwas als Teilchen (Welle) sehen können, hängt von unserem Bezugssystem ab. Wir können momentan nicht weiter als die Lichtgeschwindigkeit sehen, also nicht über den Ereignishorizont schauen. Wenn hinter dem Ereignishorizont ein Teilchen ist - und vor dem Ereignishorizont das dazugehörige Antiteilchen, dann denken wir, daß kein Teilchen da ist. Es ist aber ein Teilchen da. Wir können es nur nicht sehen.

Phasenübergänge

ist eine Choreografie aus gesetzten Strukturen und Formen, die komplexen Regeln folgen und sich dadurch modifizieren. Die Formen verändern ihren Zustand durch Phasenübergänge und in verschiedenen Bezugssystemen.

Wir sind in dreidimensionale Felder eingebundene Wellen/Linien/Punkte. Wir bewegen uns in Bezug zu Materie/ Masse/ Molekülen/ Elementarteilchen; Schall/ Geräusch/ - Licht/Energie; Zustand fortschreitender Entropie/ Zeit. Wir lenken unsere Aufmerksamkeit auf die Wechselwirkung von allem.

So entstehen an unterschiedlichen Orten im öffentlichen Raum neue Kompositionen und die Orte verändern sich in der Wahrnehmung für diejenigen, die es gesehen haben, dadurch, daß dort etwas stattfand. Die unsichtbaren Bewegungsabdrücke bleiben bestehen, wie unsere DNA auch noch an Orten nachweisbar ist, auch wenn wir nicht mehr da sind.

Konzept, Idee, Choreografie: Nuria Hoeyng, Anne-Kathrin Tismer Tanz: Nuria Hoeyng, Nora Fuchs, Merav Leibküchler, Anne-Kathrin Tismer Kostüm: alle Produktionsleitung: Keno Tismer, Natascha Tertre Photografie: Bahar Kaygusuz

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz.

Herzlichen Dank an Theaterhaus Mitte

NEWSTARDANCECOMPANY / MAASA

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Phasenübergänge Nach Sample 1 Lomé - Berlin (Ballhaus Ost 2019) und Der Ausflug (Ballhaus Ost 2021) setzt die NEWSTARDANCECOMPANY ihre tänzerische Auseinandersetzung mit physikalischen Themen fort und führt die Formation MAASA ein. Am 18. und am 19. September 2021 um 17:00 Uhr, und am 25. und 26.

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Das Stück "Sentilo" ist aus der Residency entstanden:
Spüren, Sehen, Hören, Riechen, Schmecken – haben wir verlernt, unseren Sinnen zu vertrauen? Tänzerische Reflexionen über die Empfindsamkeit als Weg zum Selbst und als Basis für Empathie und ehrliche Kommunikation mit anderen.

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Eigentlich hatte Patricia Carolin Mai mit ihrer langjährigen Recherche über Körper in Extremzuständen abgeschlossen. Nach HAMONIM mit 70 Menschen auf der Bühne sowie KONTROL, das den kahlen Weg des Solos einschlug, sollte sich der Blick der Hamburger Choreografin diesmal auf die kulturellen Zu- und Einschreibungen menschlicher Körper richten.

Für die Auseinandersetzung mit der Geschichte exponierter Körper wählten Patricia Carolin Mai und Team diesmal nicht die Bühnen auf Kampnagel, sondern das Museum MARKK - Kulturen und Künste der Welt. Denn, wenn Patricia Carolin Mai nicht selbst tanzt, richtet sich ihr künstlerisches Interesse auf tanzende Menschen, die nicht in den Performing Arts tätig sind und demnach andere Fragen an körperliche Repräsentationsmechanismen mitbringen.

WAHN sollte ein Gruppenstück mit 17 Menschen allen Alters aus Hamburg werden: 17 sind sie immer noch, allerdings keine Gruppe mehr. Sie sind 17 von sehr vielen zurückgezogenen Körpern, die den Blick auf sich selbst richten, von exponierten Körpern keine Spur mehr. Was bleibt von einem menschlichen Körper, wenn er sich nicht mehr auf andere bezieht, sich nicht mehr mit ihnen bewegt, sich ihnen aussetzt? Die Körper in Extremzuständen sind nicht zu Ende erforscht und in Patricia Carolin Mais neuer Arbeit WAHN erinnern 17 isolierte, gefilmte Körper die Zu- und Umstände vergangener Menschenmengen.

What constitutes community? What connects and divides people? Which practices characterize togetherness? How can people come together in these times? Can community be renegotiated in dance?
For the trilogy INTEAM, choreographer, dance pedagogue and associated K3 artist Patricia Carolin Mai has received the three-year conceptual funding of the Hamburg Ministry of Culture and Media. From 20/21 to 22/23, Patricia and her team of six collaborators will be exploring community practices together with Hamburg residents of all ages. To kick off the project, they are creating a choreographic installation in the rooms of MARKK until May 2021, which deals with bodies in states of madness and how society deals with them.

Tanz und Ko-Creation: Andrea Sander, Charlotte Höflich, Christina Rohde, Cina Mael Bockstahler, David Mauer, Dorothea Derksen, Evelina Dineva, Katharina Stier, Kora Hamm, Lisa Dilger, Louise Biehl, Melanie Schorsch, Nadine Kribbe, Norbert Dorow, Ronja Lüdemann, Sina Luig & Susanne Wehowsky

Künstlerische Leitung, Konzept, Choreographie: Patricia Carolin Mai

Videografische Leitung, Konzeption, DoP: David Czinczoll

Schnitt: Daniel Takla Zehrfeld

Choreographische Mitarbeit: Lotta Janina Timm

Dramaturgie: Anne Kersting, Kirsten Bremehr

Kostüm: Felina Levits, Hanna Scherwinski

Musikalische Konzeption und Komposition: Fanis Gioles

Assistenz Sound: Tam Pham

Vermittlung und Produktionsästhetik: Kirsten Bremehr

Wissenschaftliche Beratung und Kommunikation: Britta Lübke

Künstlerische und technische Projektgestaltung: Julika Schlegel

Videografische Beratung, Kameraassistenz: Julika Schlegel

Lichtdesign Beratung: Jana Köster

Lichtdesign Bühne : Stefan Goebel, Johanna Schöner

Videomapping und Set-Mitarbeit: Christopher Dippert

Fotografie und Set-Mitarbeit: Hanna Naske

Fotografie Bühne: Stephan Glagla

Live-Stream Mülheim : Lukas Raber & Team

Grafik: Si-Ying Fung

Produktion und Presse: Stückliesel

Besonderer Dank an: das gesamte K3-Team & das Ringlokschuppenteam, das Team aus dem MARKK, Kampnagel Hamburg, Marian Regdosz, Holger Duwe, Sirwan Ali, Jiv Wagner, Rolf Schwarz, André Huppertz-Teja, EU-Dance-Research-Project Empowering Dance

Fotos: Hanna Naske (#1, 2, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13)

Video: Daniel Takla Zehrfeld & David Czinczoll

18.08.2021

Filmfestival, 3001 Kino, Hamburg

17.-18.08.2021

MS ARTVILLE, Hamburg (Film)

17.-18.08.2021

MS ARTVILLE, Hamburg (Live-Workshop)

08.-13.06.2021

Der Tanzfilm, K3 | Tanzplan Hamburg, online

04.06.2021

Die Bühnenfassung, ARK Mühlheim, Ringlokschuppen, Mülheim an der Ruhr

01.05.2021

Der Tanzfilm, K3 | Tanzplan Hamburg, online (Premiere)

WAHN - DAS BÜHNENSTÜCK ist eine Produktion von Patricia Carolin Mai in Koproduktion mit dem Ringlokschuppen Ruhr. Die Bühnenproduktion entstand im Rahmen von ARK MÜLHEIM - Teil von Moving Borders einer Kooperation von 7 europäischen Partnern. Gefördert von: Kunststiftung NRW und kofinanziert durch das Programm Kreatives Europa der Europäischen Union. Ermöglicht durch die Wiederaufnahme- und Gastspielförderung des Dachverbands freie darstellende Künste Hamburg, im Auftrag der Freien und Hansestadt Hamburg, Behörde für Kultur und Medien.

WAHN - DER FILM ist eine Produktion von Patricia Carolin Mai in Koproduktion mit K3│Tanzplan Hamburg. Gefördert von: Behörde für Kultur und Medien Hamburg, Freie und Hansestadt Hamburg, Bezirksamt Hamburg-Nord, Susanne und Michael Liebelt Stiftungsfonds unter dem Dach der Hamburgischen Kulturstiftung, Hamburgische Kulturstiftung und Rudolf Augstein Stiftung. Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz und das Museum MARKK.

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Eigentlich hatte Patricia Carolin Mai mit ihrer langjährigen Recherche über Körper in Extremzuständen abgeschlossen. Nach HAMONIM mit 70 Menschen auf der Bühne sowie KONTROL, das den kahlen Weg des Solos einschlug, sollte sich der Blick der Hamburger Choreografin diesmal auf die kulturellen Zu- und Einschreibungen menschlicher Körper richten.

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Die go plastic company befasst sich 2020/21 mit Obdach & Leben auf der Straße. Die Reihe „Asphaltwelten“ ver – und behandelt in drei verschiedenen Projektformaten, thematische Aspekte, Thesen und Wertigkeiten, sowie den gesellschaftlichen Blick auf das Leben Draußen, dessen Herausforderungen, Mängel und Bedürfnisse.
In unterschiedlichen künstlerischen Konstellationen kollaboriert die Compagnie in diesen drei Teilen mit verschiedenen Partner*innen und entwirft interdisziplinäre Performance-Formate im und für den öffentlichen Raum, die das Thema aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten.
Die Trilogie über das Leben ohne Dach über dem Kopf, wird herausfordern, soll öffnen, erfahrbar machen und nachwirken.

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Die go plastic company befasst sich 2020/21 mit Obdach & Leben auf der Straße. Die Reihe „Asphaltwelten" ver - und behandelt in drei verschiedenen Projektformaten, thematische Aspekte, Thesen und Wertigkeiten, sowie den gesellschaftlichen Blick auf das Leben Draußen, dessen Herausforderungen, Mängel und Bedürfnisse. In unterschiedlichen künstlerischen Konstellationen kollaboriert die Compagnie in diesen drei Teilen mit verschiedenen Partner*innen und entwirft interdisziplinäre Performance-Formate im und für den öffentlichen Raum, die das Thema aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten. Die Trilogie über das Leben ohne Dach über dem Kopf, wird herausfordern, soll öffnen, erfahrbar machen und nachwirken. Die Dresdner Compagnie go plastic arbeitet als freie Gruppe an Performanceprojekten mit Schwerpunkt Tanz für Theaterräume und in diesem Projekt, erstmalig in dem Umfang, für den öffentlichen Raum. Die künstlerischen Konstellationen variieren konzeptbedingt und ermöglichen uns immer wieder das Erschließen neuer Bereiche. by go plastic Asphaltwelten

Performance: Caroline Beach I Cindy Hammer I Joseph Hernandez
Musik: Johannes Till
Video: Benjamin Schindler
Art Work: Dominik Glöß I Stephan Tautz
Künstlerische Leitung: Cindy Hammer I Susan Schubert
Location-Scouting: Cindy Hammer I Benjamin Henrichs I Susan Schubert
Logistik: Susan Schubert
Kostüme: go plastic
Im Frühjahr / Sommer 2020 tasteten wir uns mit ersten körperlichen und choreografischen Versuchsanordnungen im öffentlichen Raum an unsere künstlerische Bearbeitung von ASPHALTWELTEN heran. Wir besuchten verschiedene Plätze und Orte in Dresden; besetzten, nutzten (um) und installierten unsere bewegten Körper. Entstanden sind drei unterschiedliche Clips, die wir bis Sommer 2021 nach und nach veröffentlichen.

Mai / September, Oktober 2021 Part 3 Der dritte und finale Teil des Projekts „Asphaltwelten" der go plastic company befasst sich mit den Themen „Obdach & Leben auf der Straße". Dieser letzte Part bearbeitet die künstlerische These einer Utopie: eine Gruppe, die sich der Stabilität und Sicherheit entsagt: ein Leben ohne Wände, ohne Versicherung, ohne Verwurzelung. Im Körper zuhause sein, nicht in Gebäuden. Unabhängig von Herkunft, Ausrichtung und Meinung.
Ein Zusammenwürfeln von Biografien auf öffentlichem, aber „neutralem" Boden. Wie empfinden und gestalten wir unser eigenes „artistic shelter"? Wie weit reicht es; umfasst es nur mich oder auch andere? Wie kann ich es tragen, stützen, mitnehmen und (mit)teilen?
Das Kollektiv verarbeitet und reflektiert in dieser abschließenden Arbeit, die über den gesamten Projektzeitraum (2020-2021) entstandenen und geführten Diskurse zu den gesetzten Themen Obdach, Leben und Schaffen auf der Straße, Körper im öffentlichen Raum und deren Wahrnehmung(en). Entstehen soll ein partizipatives Tableaus welches
die gesammelten Thesen, Fazits und Erkenntnisse in all ihrer Komplexität, Diversität und Widersprüchlichkeit eint und veranschaulicht.
Credits:
Künstlerische Forschung / Performance:
Douglas Bateman, Caroline Beach, Joseph Hernandez, Cat Jimenez, Christian Novopavlovski, Steph Quinci, Esther Schachenmayr, Rika Yotsumoto
Künstlerische Forschung und künstlerische Direktion:
Cindy Hammer, Susan Schubert
Musik / Komposition: David Le Thai
Material / Set / Kostüm: Alexandra Börner
Video / Künstlerische Dokumentation: Benjamin Schindler
Technische Direktion: Benjamin Henrichs
Produktion / Management: Michaela Jarosch
Art Work / Web: Stephan Tautz, Dominik Glöß, Lea Schweinfurth
Distribution: Dirk Förster
Network / Consulting: Frauke Wetzel
Eine Produktion der go plastic company in Koproduktion mit TANZPAKT Dresden und in Kooperation mit HELLERAU - Europäisches Zentrum der Künste. Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART
KULTUR. Hilfsprogramm Tanz. Gefördert von der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen. Diese Maßnahme wird mitfinanziert durch Steuermittel auf der Grundlage des von den Abgeordneten des Sächsischen Landtags beschlossenen Haushalts. Gefördert vom Amt für Kultur und Denkmalschutz Dresden.

Mit freundlicher Unterstützung von TENZA und TanzNetzDresden e.V..
Eine Produktion von go plastic in Koproduktion mit dem Societaetstheater Dresden. Gefördert vom Amt für Kultur und Denkmalschutz Dresden und der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, diese Maßnahme wird mitfinanziert durch Steuermittel auf der Grundlage des von den Abgeordneten des Sächsischen Landtags beschlossenen Haushalts. Mit freundlicher Unterstützung von TENZA schmiede Dresden, TanzNetzDresden, Bahnhofsmission Dresden und Die Tafel e.V. 2. August - 26. September 2020 Part 1 Die go plastic company arbeitet in ihrem ersten Teil zum Thema Obdachlosigkeit, an einer Versuchsanordnung von Körpern im öffentlichen Raum und dem Herstellen von Ausnahmemomenten. Die Hauptstraße wird zur Bühne auf der Welten kollidieren. Den Auftakt der Trilogie bildet die Kooperation mit dem Societaetstheater Dresden. Die installative und interaktive Performance wird auf der Hauptstraße Dresden erarbeitet. Wir begegnen ihnen fast täglich. Menschen die auf Parkbänken, an Häuserecken, Hauseingängen, Einkaufspassagen sitzen, knien, liegen. Was macht das mit uns?
Wie gehen wir vorbei?
Warum irritieren uns diese Begegnungen?
Blicken wir in die Augen oder vermeiden wir Kontakt?
Wie lange bleibt unsere Aufmerksamkeit an ihnen hängen?
Wie fühlen wir mit, ohne zu wissen?
Und warum sind wir so unbedarft im Umgang mit fremden Menschen, die Strassen nicht als Durchgangsorte, Einkaufspassagen nicht als Shoppingwellness oder Parkbänke nicht als Rastplatz begreifen, sondern als Lebensraum? Konzept / Künstlerische Leitung: Cindy Hammer & Susan Schubert
Künstlerische Forschung / Performance: Caroline Beach / Cindy Hammer / Joseph Hernandez
Musik / Komposition: Johannes Till
Material / Ausstattung / Visual Art: Enrico Sutter
Videokünstler / Künstlerische Dokumentation: Benjamin Schindler
Künstlerische Leitung / Produktionsdramaturgie: Susan Schubert
Technische Leitung: Benjamin Henrichs
Support / Consulting: Frauke Wetzel
Art Work / Dokumentation: Dominic Glöß / Stephan Tautz Shows:
Donnerstag, 24. September 2020 um 18 Uhr
Freitag, 25. September um 18 Uhr
Samstag, 26. September um 18 Uhr
Hauptstraße Dresden Zwischen dem 01. und 18. April 2021 begab sich das go plastic Kollektiv für den zweiten Teil der Reihe auf einen virtuellen und analogen Forschungstrip begeben. In den Städten Dresden, Leipzig, Budapest, Bratislava, Wien, Prag, Usti n.l. und Rehlovice wurden in Form kurzer Aufenthalte zusammen mit lokalen Künstler:innen vor Ort, künstlerische Materialien entworfen, erprobt und öffentlich geteilt. Gemeinsam wurd in Form filmischer Interventionen im öffentlichen Raum ein Performance-Score gesetzt, der alle Städte auf dem Weg miteinander verbindet.

Thematisch verhandelt der zweite Teil das Leben draußen: welche Umgebung suchen und schaffen wir uns selbst? Das Nomadentum als (Über)Lebensentwurf: neue, halbfertige, kaputte, ruinierte, freie, erhaltene Räume erschließen und besetzen. Immer unterwegs, immer auf der Suche nach dem „passenden" Unterschlupf, immer temporär.
Frühjahr 2021 Part 2 Künstlerische Leitung / Performance: Cindy Hammer & Susan Schubert
Performer:innen (go plastic): Caroline Beach /Joseph Hernandez / Christian Novopavlovski / Rika Yotsumoto
Lokale Künstler:innen:
Silvia Svitekova + Karol Regeci + Lukas Zahy (Bratislava), Cat Jiménez + Hygin Delimat (Wien), Tereza Lenerova + Martin Talaga (Prag), Tomas Janykpa + Tinka Avramova (Usti n.L./ Rehlovice)
Material / Ausstattung: Alexandra Börner / Enrico Sutter
Musik / Soundtrack: Johannes Till
Video / Künstlerische Dokumentation: Benjamin Schindler
Support / Consulting: Frauke Wetzel
Redaktion / Controlling: Michaela Jarosch
Technische Direktion: Benjamin Henrichs
Art-Work / Web: Stephan Tautz
Visuelle Strategie: Lea Schweinfurth
Distribution: Dirk Förster
Eine Produktion der go plastic company. Gefördert gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, dem Deutsch-Tschechischen Zukunftsfond, dem Amt für Kultur und Denkmalschutz Dresden und der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen. Diese Maßnahme wird mitfinanziert durch Steuermittel auf der Grundlage des von den Abgeordneten des Sächsischen Landtags beschlossenen Haushalts.

Weitere Partner:innen: Trafo, Budapest, LOFFT Das Theater Leipzig, TENZA schmiede Dresden, Bratislava in Movement - Festival for Contemporary Dance, Studio Alta Prag, Kulturdrogerie Wien, Kulturzentrum Rehlovice. 08.03. - 28.03. Leipzig & Budapest Aufenthalt in Dresden Live Stream Edition #2 Miniresidenz TENZA Live Stream Edition #1 in Kooperation Studio Alta Prag Usti n.L. und Rehlovice Live Stream Edition #5 TEAM V
29.03. - 02.04. LOFFT das Theater Leipzig Residenz in Leipzig 01.04.2021 05. - 06. April 02.04. - 07.04. in Kooperation mit Kulturdrogerie Wien Aufenthalt in Wien 05.04.2021 07.04. - 11.04. 10.04.2021 Live Stream Edition #3 18.04.2021 TEAM H 15.04. - 18.04. Aufenthalt in Prag 16.04.2021 Live Stream Edition #4 in Kooperation mit Kulturzentrum Rehlovice in Kooperation mit Festival Bratislava in Movement // Hellerau Europäisches Zentrum der Künste Bratislava Wien Prag Prag

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Die go plastic company befasst sich 2020/21 mit Obdach & Leben auf der Straße. Die Reihe „Asphaltwelten" ver - und behandelt in drei verschiedenen Projektformaten, thematische Aspekte, Thesen und Wertigkeiten, sowie den gesellschaftlichen Blick auf das Leben Draußen, dessen Herausforderungen, Mängel und Bedürfnisse.

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The second clip of ASPHALTWELTEN Part 1, we made in summer 2020 as a dive into our project out now.  

Performance: Caroline Beach I Cindy Hammer I Joseph Hernandez 
Music: Johannes Till 
Video: Benjamin Schindler 
Art Work: Dominik Glöß I Stephan Tautz
Artistic Directors / Künstlerische Leitung: Cindy Hammer I Susan Schubert 
Location-Scouting: Cindy Hammer I Benjamin Henrichs I Susan Schubert 
Logistic / Logistik: Susan Schubert 
Costumes / Kostüme: go plastic 

www.asphaltwelten.goplasticcompany.com
www.goplasticcompany.com 

ASPHALTWELTEN Part 1 is a project by go plastic company. Funded and supported by Cultural Foundation of the Free State Saxony, Office for Culture and Heritage Dresden, Societaetstheater Dresden. With kind support by TENZA schmiede, TanzNetzDresden, Bahnhofsmission and Die Tafel.

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The first clip of ASPHALTWELTEN Part 1 out now. 

Performance: Caroline Beach I Cindy Hammer I Joseph Hernandez 
Music: Johannes Till 
Video: Benjamin Schindler 
Art Work: Dominik Glöß I Stephan Tautz
Artistic Directors / Künstlerische Leitung: Cindy Hammer I Susan Schubert 
Location-Scouting: Cindy Hammer I Benjamin Henrichs I Susan Schubert 
Logistic / Logistik: Susan Schubert 
Costumes / Kostüme: go plastic 

www.asphaltwelten.goplasticcompany.com
www.goplasticcompany.com 

ASPHALTWELTEN Part 1 is a project by go plastic company. Funded and supported by Cultural Foundation of the Free State Saxony, Office for Culture and Heritage Dresden, Societaetstheater Dresden. With kind support by TENZA schmiede, TanzNetzDresden, Bahnhofsmission and Die Tafel.

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Beim Feminismus geht es um etwas ganz Harmloses: Gleichberechtigung, Selbstermächtigung für alle. Warum versetzt das so viele in Panik? 6 Künstlerinnen aus Tanz, Text und Musik, die sich selbst als „bad feminists“ bezeichnen, laden zu einem performativen Diskurs im Clubambiente ein, um mit ihren Gästen biografische Unmöglichkeiten, binären Blödsinn, aktuelle Statements und mehr zu teilen…

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Theaterhaus Stuttgart // DanceAR // Augmented Reality App

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Theaterhaus Stuttgart // DanceAR // Augmented Reality App

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Everyone

Translate the description into English (United States) using Google Translate?

Mit der DanceAR App kannst Du 6 Tanz-Choreographien von Gauthier Dance hautnah und mittendrin, ortsunabhängig erleben. Du kannst die Perfomances bei Dir im Raum oder auf einem unserer Marker zum Leben erwecken und abspielen. Zudem kannst Du mit dem Aufnahme-Button ein Foto oder Film Deiner Live-Kamera aufnehmen.

What's New

Meet the Talents to Go - Augmented Reality - Uraufführungen
von Gauthier Dance//Dance Company Theaterhaus Stuttgart zusammen mit jungen choreographischen Talenten

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Everyone Translate the description into English (United States) using Google Translate? Mit der DanceAR App kannst Du 6 Tanz-Choreographien von Gauthier Dance hautnah und mittendrin, ortsunabhängig erleben. Du kannst die Perfomances bei Dir im Raum oder auf einem unserer Marker zum Leben erwecken und abspielen.

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Der Entwickler, Charlotte Triebus, hat darauf hingewiesen, dass die Datenschutzrichtlinien der App den unten stehenden Umgang mit Daten einschließen können. Weitere Informationen findest du in den Datenschutzrichtlinien des Entwicklers.

Die Datenschutzpraktiken können zum Beispiel je nach den von dir verwendeten Funktionen oder deinem Alter variieren. Weitere Infos

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‎"kin_ is a performative dance piece by Charlotte Triebus exploring human corporeality with digital technology. One to three avatars move in augmented space and can be approached and experienced via users' personal devices. The audience is invited to join a reality entanglement and its distortion, to...

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ON DEMAND // WE_COSMOS // Measuring vibration Tel Aviv & Essen // 

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ON DEMAND // WE_COSMOS // Measuring vibration Tel Aviv & Essen // 

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In different places in Tel Aviv and Altenessen we measured the geophysical vibration as base for upcoming performances, lectures and workshops.

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In different places in Tel Aviv and Altenessen we measured the geophysical vibration as base for upcoming performances, lectures and workshops.

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Wir freuen uns sehr, unseren ersten Residenten des Jahres 2021 in Susch begrüßen zu dürfen.

Die Choreografin Maria Zimpel wird zusammen mit dem Filmemacher Claudio von Planta auf ihr bevorstehendes Projekt eines Tanzvideos hinarbeiten, das in den Bergen des Engadins gedreht werden soll. Das Projekt ist eine natürliche Entwicklung der Begegnung der beiden im Rahmen des Acziun Programms 2019, als Maria die Performance-Aktivitäten des Muzeum Susch mit ihrer erstaunlichen Solo-Performance NOISH eröffnete. Acziun Susch ist stolz darauf, die Wassertänze zu unterstützen, die im Mai-Juli 2021 in Susch gedreht werden.

Waterdances/Yes Poems ist ein intermediales choreographisches Projekt, das sich dem Prozess der Verkörperung der Natur und der Erforschung der Idee eines Körpers als Transmitter widmet.

Maria Zimpel, Künstlerin in der Residenz Muzeum Susch, Bildnachweis: Anna Nowokuńska

Maria Zimpel kreiert ihre eigene Tanzsprache und modulare choreografische Strukturen, die auf semi-repetitiven Bewegungsmustern basieren. Sie studierte Tanz und Choreographie am HZT der Universität der Künste in Berlin und Kulturwissenschaften an der Adam-Mickiewicz-Universität in Poznan und der Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg. Sie ist Autorin diverser Einzel- und Gemeinschaftsprojekte und ihre Arbeiten wurden bereits in diversen Ländern, gezeigt. Sie hat als Tänzerin u.a. mit Rosalind Crisp, Isabelle Schad, Kat Valastur, Deufert&Plischke gearbeitet. Ihre Choreographie Noish ~ wurde 2016 bei Aerowaves20 und der Polnischen Tanzplattform 2017 ausgezeichnet. 2009 war sie Empfängerin des DanceWeb-Stipendiums. Während der Spielzeit 19/20 ist sie Residenzchoreographin bei K3, wo sie Space Gives Place (UA: Oktober 2020, K3/Kampnagel) entwickelt. Ausgehend von Theorien aus der Quantenphysik nähert sie sich einem erweiterten Raumbegriff, der die Idee des Ortes als tanzbasiertes Ereignis durch Bewegung und den Dialog zwischen Musik, Licht, Raum und Tanzkunst erforscht. Assamblage 2020 ist ein fortlaufendes choreografisches Projekt, in dem der kreative Prozess des Tanz- und Choreografie-Machens selbst zum Thema und performativen Material wird (UA: Januar 2020, K3/Kampangel). In Body and Fiction (UA: 2018, CSW Schloss Ujazdowski in Warschau) erlaubte die Fiktion der Choreografin auf verschiedene Weise, Fragen nach den Grenzen des Körpers zu stellen. Lebt und arbeitet in Hamburg.
www.mariazimpel.pl

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Muzeum Susch - Maria Zimpel 'WATERDANCES/ YES POEMS' (1. Teil) - Co-productions & Residencies - Acziun Susch

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Wir freuen uns sehr, unseren ersten Residenten des Jahres 2021 in Susch begrüßen zu dürfen. Die Choreografin Maria Zimpel wird zusammen mit dem Filmemacher Claudio von Planta auf ihr bevorstehendes Projekt eines Tanzvideos hinarbeiten, das in den Bergen des Engadins gedreht werden soll.

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<< Manche Dinge kann man berühren, andere nicht. Manche Dinge berühren einen, andere nicht. >>

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Am 25. und 26. Juli 2021 findet auf HELLERAU die Version #4 von you are warmly invited statt.

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Präsentation: Benjamin Schindler, Minh Duc Pham, Johanna Roggan, Julia*n Meding

Moderation: Ulrike Feibig

Organisation: Alisa Hecke, Julian Rauter, Angelika Waniek

Weitere Informationen: www.youarewarmlyinvited.com

Kontakt: youarewarmlyinvited@posteo.de

you are warmly invited Version #4 ist eine Produktion von Alisa Hecke, Julian Rauter und Angelika Waniek in Koproduktion mit HELLERAU - Europäisches Zentrum der Künste.

Gefördert vom Kulturamt der Stadt Leipzig, unterstützt durch das NPN - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR.

Mit freundlicher Unterstützung durch die SERVICESTELLE Freie Szene

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Präsentation: Benjamin Schindler, Minh Duc Pham, Johanna Roggan, Julia*n Meding Moderation: Ulrike Feibig Organisation: Alisa Hecke, Julian Rauter, Angelika Waniek Weitere Informationen: www.youarewarmlyinvited.com Kontakt: youarewarmlyinvited@posteo.de you are warmly invited Version #4 ist eine Produktion von Alisa Hecke, Julian Rauter und Angelika Waniek in Koproduktion mit HELLERAU - Europäisches Zentrum der Künste.

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the breath of my digital body untersucht die emotionalen Einflüsse der Digitalisierung

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the breath of my digital body untersucht die emotionalen Einflüsse der Digitalisierung

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Ein Kooperationsprojekt von Soul Movement e.V., dem Theater im Depot und vier.D.

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ZWISCHEN BILDSCHIRMEN UND WÄNDEN I Trailer

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Professionelle künstlerische Weiterbildung im Bereich mixed-abled Tanz für TanzstudentInnen und Tanzschaffende mit und ohne körperliche Besonderheiten 

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Professionelle künstlerische Weiterbildung im Bereich mixed-abled Tanz für TanzstudentInnen und Tanzschaffende mit und ohne körperliche Besonderheiten 

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M. A. D. E. - MIXED ABLED DANCE EDUCATION

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M.A.D.E. Programm
Mixed-Abled Dance Education

Professionelle künstlerische Weiterbildung im Bereich mixed-abled Tanz für Tanzstudent*innen und Tanzschaffende mit und ohne körperliche Besonderheiten

WAS SIND DIE INHALTE UNSERER WEITERBILDUNG?

Erstmalig in Deutschland schafft das M.A.D.E.Programm eine Plattform zur Vermittlung von mixed-abled Tanz auf professionellem Niveau. Das Projekt wurde durch die DIN A 13 tanzcompany entwickelt. Gemeinsam mit internationalen und renommierten Gastdozent*innen wird über den Zeitraum von 3 Jahren vielschichtig und praxisorientiert ein fundiertes Wissen über unterschiedliche methodische und technische Ansätze des mixed-abled Tanz vermittel.

Schwerpunkte liegen hierbei auf der Entwicklung von:

•	Bewegungsvokabular
•	Performance-Skills
•	kreativem Potenzial
•	choreografischer Arbeit
•	Tanz- und Vermittlungsmethoden


Ausgehend von dem zentralen Ziel den mixed-abled Tanz zu einem selbstverständlichen Bestandteil in der Tanz Aus- und Weiterbildung zu machen, hat die DIN A 13 tanzcompany mit diesem Programm einen entsprechenden Weg gefunden, um Menschen mit Behinderung eine Professionalisierung im Tanz zu ermöglichen. 

•	Studierende mit und ohne Behinderung werden gemeinsam in ihrer Kreativität und in ihren Talenten gefördert und auf eine professionelle Laufbahn vorbereitet. 
•	Inklusion und diverse Körperlichkeiten werden in Zukunft verbindlicher Standard an deutschsprachigen Tanzhochschulen und in der Ausbildung von pädagogischem Fachpersonal sein.

Kooperationen bestehen bereits mit:
-	Der Folkwang Universität der Künste in Essen
-	Der Hochschule für Musik und Tanz in Köln
-	Der Hochschule für darstellende Künste in Frankfurt
-	Dem Mozarteum in Salzburg

***
Further Information:
https://os5.mycloud.com/public/0334e275-279f-4464-8f61-ebbad7e52b20/file
***
Weitere Informationen:
https://www.din-a13.de/en/tanzeducation/m-a-d-e-programm
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www.din-a13.de
***
video credits: Julia Franken

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August 13 | 16.00August 13 | 17.30August 13 | 19.00August 13 | 20.30 Tickets St. Elisabeth-Kirche Few/No Language Due to an irreparable error, ARK 1 has become disconnected from its main network. Floating through deep space for centuries, digital apparitions and hallucinations haunt the solitary humanoid AI onboard.

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Rosalie Wanka Contemporary Dance Official

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101 CONCRETE Teaser - Art du Déplacement im Bühnenraum des Theaters | Performance aus Potsdam

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101 Concrete - Art du Déplacement auf der Bühne

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101 Concrete

Die urbane Tradition der Bewegungskultur Art du Déplacement (auch bekannt als Parkour) trifft hier den Bühnenraum des Theaters. Diese Performance entwickelte sich aus der Sicht der Kunst der Fortbewegung (Art du Déplacement) und sucht nach Ausdrucksformen einer persönlichen Vision dieser Bewegungskunst. Dabei schaffen die Künstler ihren eigenen Bühnenraum mit einem Gebilde aus Bambusstangen sowie musikalischen und körperlichen Interaktionen. Sie treten in Beziehung mit diesem sich ständig wandelnden Raum, gestalten ihn, interpretieren ihn neu, sind im ständigen Dialog mit ihm und sich selbst, kooperieren, kommen ins Spiel miteinander, wachsen aneinander.

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Startseite - 101 Concrete - Art du Déplacement auf der Bühne

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Die urbane Tradition der Bewegungskultur Art du Déplacement (auch bekannt als Parkour) trifft hier den Bühnenraum des Theaters. Diese Performance entwickelte sich aus der Sicht der Kunst der Fortbewegung (Art du Déplacement) und sucht nach Ausdrucksformen einer persönlichen Vision dieser Bewegungskunst. Dabei schaffen die Künstler ihren eigenen Bühnenraum mit einem Gebilde aus Bambusstangen sowie musikalischen und körperlichen Interaktionen.

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Sechs Tänzer*innen aus Bamako und Berlin zwischen sechs und sechzig Jahre alt, schicken sich drei Monate lang gegenseitig Videobotschaften – und beginnen so einen tänzerischen Austausch über zwei Kontinente hinweg. Jeweils paarweise stellen sie sich einander vor, befragen sich gegenseitig, stellen sich Aufgaben, entwickeln Interesse aneinander und ihren eigenen Stil.
Choreografisch werden sie dabei begleitet, in Bamako von der Künstlerin und Choreografin Kettly Noël und in Berlin von Janne Gregor, sowie von je einer Kamera, die den Prozess filmisch festgehalten hat. 
Premiere Berlin: 07. August 2021 radialsystem 
Premiere Bamako: November 2021 Festival „Dense Bamako Danse“ 


CAST 
Künstlerische Leitung und Choreografie Berlin: Janne Gregor - Choreografie Bamako: Kettly Noël - Tanz Bamako: Kettly Noël, Nassika „Coumba“ Coulibaly und Siaka „Chacool“ Traoré - Tanz Berlin: Brit Rodemund, Ingo Reulecke und Moussa Nehrig - Kamera Bamako: Fatoumata Tioye Kanddioura Coulibaly - Kamera Berlin: Konrad Waldmann

Six danseurs de Bamako et de Berlin, âgés de six à soixante ans, s'envoient des messages vidéo pendant trois mois - et entament ainsi un échange de danse entre deux continents. En binômes, ils se présentent les uns aux autres, s'interrogent, se fixent des tâches, développent un intérêt pour l'autre et pour leur propre style.
Ils sont accompagnés chorégraphiquement, à Bamako par l'artiste et chorégraphe Kettly Noël et à Berlin par Janne Gregor, ainsi que par une caméra dans chaque cas, qui a filmé le processus.
Première à Berlin : 07 août 2021 radialsystem
Première à Bamako : novembre 2021 Festival "Dense Bamako Danse".

CAST
Direction artistique et chorégraphie Berlin : Janne Gregor - Chorégraphie Bamako : Kettly Noël - Danse Bamako : Kettly Noël, Nassika "Coumba" Coulibaly et Siaka "Chacool" Traoré - Danse Berlin : Brit Rodemund, Ingo Reulecke et Moussa Nehrig - Caméra Bamako : Fatoumata Tioye Kanddioura Coulibaly - Caméra Berlin : Konrad Waldmann

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ab 4.7.21 in München // Rosalie Wanka und Kassandra Wedel // VISUAL VIBRATIONS

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ab 4.7.21 in München // Rosalie Wanka und Kassandra Wedel // VISUAL VIBRATIONS

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Rosalie Wanka - Freelance Dancer, Choreographer, Artist

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Rosalie Wanka - Freelance Dancer, Choreographer, Artist. Contemporary Dance, Dance Theater. Degree in classical and contemporary dance & dance pedagogics.

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Junges Theater Rosenheim e.V. - Neotopia

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eine Wortschöpfung aus Topos (Pl. Topoi, von altgriechisch τοποςtópos „Ort, Thema, Gemeinplatz") und Neo (von altgriechisch νέος néos ‚neu', ‚frisch', ‚jung', aber auch ‚ungewöhnlich', ‚revolutionär')] Inspiriert von Manuela Pfrunders Text macht sich das Ensemble auf die Reise, diese imaginäre Weltordnung mit den Mitteln von Tanz, Musik und Sprache auszuloten.

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ON DEMAND // Bernardo San Rafael // Tension HST

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ON DEMAND // Bernardo San Rafael // Tension HST

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Alle hier aufgeführten Projekte werden unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT. JOINT ADVENTURES – Walter Heun ist mit NPN-STEPPING OUT Teil des Rettungs- und Zukunftsprogramms NEUSTART KULTUR der Beauftragten der Bunderegierung für Kultur und Medien (BKM).

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Alle hier aufgeführten Projekte werden unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT. JOINT ADVENTURES – Walter Heun ist mit NPN-STEPPING OUT Teil des Rettungs- und Zukunftsprogramms NEUSTART KULTUR der Beauftragten der Bunderegierung für Kultur und Medien (BKM).

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going through something

"going through something" is an Augmented Reality scene of falling bodies and flowing typography, which transforms a printed magazine into a temporary stage. The project was initiated from the will to develop new forms of performance complying with the Covid-19 lockdown restrictions and was created in collaboration with graphic designers Nina Massow and Insa Kühlcke-Schmoldt ( Káschem Büro) as well as media artist Patrick Will.

​

The falling bodies were recreated in real life and transferred to the digital 3D world using photo-realistic scans. For the first time the collective experiments with new media and created a symbol of our society "going through something".

published in

ARTLINE>nord (November 2020)

published in northern Germany

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ARTLINE (January 2021)

published in Germany and Switzerland

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ARTLINE calendar 2021

going through something XL

"going through something XL" is a large-scale floor print which takes the Augmented Reality scene out of the magazine and places it in possibly any space.

​

This version is exhibited in galleries, libraries and schools. It animates the spectators even more to walk around and interact with the 3D animation as it is appearing significantly bigger.

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going through something | Merle Mischke Klee

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going through something "going through something" is an Augmented Reality scene of falling bodies and flowing typography, which transforms a printed magazine into a temporary stage. The project was initiated from the will to develop new forms of performance complying with the Covid-19 lockdown restrictions and was created in collaboration with graphic designers Nina Massow and Insa Kühlcke-Schmoldt ( Káschem Büro) as well as media artist Patrick Will.

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Merle | Mischke | Klee // going through something XL

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Merle | Mischke | Klee // going through something XL

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A large-scale floor print which takes the Augmented Reality scene out of the magazine and places it in possibly any space.

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ON DEMAND // Jule Flierl – Aerosol Lab // From Breath to Matter

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ON DEMAND // Jule Flierl – Aerosol Lab // From Breath to Matter

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PODCAST.02: Queer surfaces of the voice

Guests: Emilia Kuryłowicz + Karol Tymiński

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PODCAST.02
Queer surfaces of the voice

Guests: Emilia Kuryłowicz + Karol Tymiński

This new podcast is a dedicated space for talking about vocal practices and how they are inextricably linked to a deeper investigation of the materiality of breath itself. It emerged from the multiple encounters of the Aerosol Lab, where artists exchanged thoughts and practices around expanded aurality, flesh, masks and membranes. The second episode is a shared conversation with choreographer/performer Karol Tymiński and artist Emilia Kuryłowicz, accompanied by audio excerpts from their collaboration "DOMINATURE by Kare-Oko", an interactive performance they debuted in March.

Hosted and produced by Jule Flierl and Mika Hayashi Ebbesen, edited by Mars Dietz and supported by the National Performance Network - Stepping Out, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR Assistance Program for Dance.

PODCAST.01
Speech an uncontrollable material

Guest: Siegmar Zacharias

This new podcast is a dedicated space for talking about vocal practices and how they are inextricably linked to a deeper investigation of the materiality of breath itself. It emerged from the multiple encounters of the Aerosol Lab, where artists exchanged thoughts and practices around expanded aurality, flesh, masks and membranes. The first episode is composed of our candid conversation with performance artist and researcher Siegmar Zacharias and excerpts from her recent performance "resisting disconnect".

Hosted and produced by Jule Flierl and Mika Hayashi Ebbesen, edited by Mars Dietz and supported by the National Performance Network - Stepping Out, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and Media within the framework of the initiative NEUSTART KULTUR Assistance Program for Dance.

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PODCAST.02 Queer surfaces of the voice Guests: Emilia Kuryłowicz + Karol Tymiński This new podcast is a dedicated space for talking about vocal practices and how they are inextricably linked to a deeper investigation of the materiality of breath itself.

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25.5.2021 // Irina Pauls // Transitzone 

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25.5.2021 // Irina Pauls // Transitzone 

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NEWSTRANSITZONEWir sind da! Wir finden statt!Wir wollen unsere Kunstform Tanz weiterhin sichtbar und fühlbar machen. Dafür suchen wir nach einem analogen Ort im öffentlichen Raum, an dem das möglich werden kann.Wir - eine Choreografin, fünf zeitgenössische Tänzer:innen, ein Musiker und ein Filmer - setzten unsere Tanzperformance direkt an die Autobahn und verbinden uns so mit ...

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https://juliabl.com/falla.php

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FALLA

*Deutsch unter*

Throughout history, female gender identity has often been narrowly defined by the lack of the phallus. Julia B. Laperrière addresses this problematic idea from a queer feminist perspective using the strap-on dildo as transformative tool: how does it feel to have/wear a penis? How does it affect the way one moves? What power inherits the one who bears it? In collaboration with musician Pia Achternkamp, FALLA offers an invitation to playfulness, an incursion in the in-between that puts forth a vision of female sexuality that is alternative ‒mutating perhaps‒, liberated and unashamed.

Choreography and Performance: Julia B. Laperrière / Sound and Performance: Pia Achternkamp Dramaturgy: Siegmar Zacharias / Production assistant: Micaela Kühn Jara / Light consultant: Marek Lamprecht /Thanks to: Helen Simard, Florentine Emigholz, Simone Kessler

A production of Julia B. Laperrière with Schwankhalle Bremen, with kind support of ICI-CCN Centre Chorégraphique National de Montpellier. The project is part of the culture program related to Canada's Guest of Honour presentation at the Frankfurt Book Fair in 2020. We acknowledge the support of the Canada Council for the Arts and the Government of Canada.

Weibliche Geschlechtsidentität ist historisch wesentlich über den vermeintlichen ›Mangel‹ des Phallus definiert. Die deutsch-kanadische Choreografin Julia B. Laperrière setzt sich aus einer queerfeministischen Perspektive mit dieser problematischen Auffassung auseinander und benutzt den Strap-On als transformatives Werkzeug. Wie fühlt es sich an, einen Penis zu tragen? Wie wirkt er sich auf die Art und Weise aus, wie wir uns bewegen? Julia B. Laperrière untersucht die Zusammenhänge zwischen sexueller Anziehung, Geschlecht und Gender und begibt sich zusammen mit der Musikerin Pia Achternkamp auf die Suche nach einer alternativen weiblichen Sexualität ohne Scham.

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FALLA *Deutsch unter* Throughout history, female gender identity has often been narrowly defined by the lack of the phallus. Julia B. Laperrière addresses this problematic idea from a queer feminist perspective using the strap-on dildo as transformative tool: how does it feel to have/wear a penis? How does it affect the way one moves?

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http://www.sheenamcgrandles.com/dont-mother-me-upcoming.html

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Over the coming months I am developing a series of events and works to accompany the musical DAWN through the project DON'T MOTHER ME! which is funded by Stepping out / NPN.

The events will all focus around reproductive futurism through various formats such as; a workshop on HOPE with kids in which we will make lullabies for future parents, create a taste of hope in the kitchen of neuehäute and compose a series of hope dances for the unknown.

Conversations around parenting and making art, healing and conception, loss and sacrifice, mum talks and other modes of parenting make up the soon to be realised podcast series DON'T MOTHER ME!

​And keep your eyes open for a poster series in the city soon.

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Over the coming months I am developing a series of events and works to accompany the musical DAWN through the project DON'T MOTHER ME! which is funded by Stepping out / NPN.

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A Motion Capture Digital Archive Project

Direction: Terence Kohler
Production: Miria Wurm
Videography: Anne Gryczka
Artists: Anna Konjetzky, Moritz Ostruschnjak, Ceren Oran, Léonard Engel, Sahre Huby, Dustin Klein, Jasmine Ellis, Stephan Herwig, Jemima Rose Dean, Matteo Carvone, Severine Ferrolier, Jonah Cook

Supported by the NATIONALES PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT! program funded by the Federal Commussioner for Culture and Media as part of the NEUSTART KULTUR initiative dance aid program. With the kind support of Tanzbüro München and Muffatwerk Munich.

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Objekt-Tanz im öffentlichen Raum

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Katrin Schafitel: Zwink ::: Objekt-Tanz im öffentlichen Raum

ZWINK ist ein Objekt-Tanz im öffentlichen Raum: Die Tänzerin Katrin Schafitel improvisiert aus dem Moment heraus und geht mit dem Gegebenen um, spontan und unmittelbar. Das Objekt-Kostüm von Robert Kis gibt durch seine Materialität einen eigenen Takt und Umgang vor, es fällt auf und lässt die Vorbeigehenden innehalten und staunen. Ein urbaner Spaziergang der Erkundung und Begegnung, voller Überraschungen und jedes Mal neu. Die Performerin schöpft aus all dem, was sie vorfindet und exploriert mit vollem körperlichen Einsatz den Raum, Boden, Stufen, Bänke, Wiese,... Anwesende und Vorbeigehende sind eingeladen, sich des öffentlichen Raumes und ihrer eigenen Körperlichkeit darin bewusst zu werden. Schönheit und Poesie des Lebendigseins werden durch den Tanz im öffentlichen Raum unmittelbar erfahrbar. Dabei kommt dem Detail die ganze Aufmerksamkeit zu: Der Charme eines flüchtigen Augenblicks, eines Lächelns, eines Zwinkerns in Bewegung und Begegnung.

Idee, Tanz und Performance: Katrin Schafitel | Objekt-Kostüm: Robert Kis | Produktionsleitung: Elisabeth Pilhofer | PR: Beate Zeller

Das Projekt wird unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz. Katrin Schafitel ist Gast der Tanztendenz München.
Premiere ab 17. Juni 2021, Petuelpark München, und in Folge an verschiedenen Plätzen in München, zu unterschiedlichsten Zeiten
Aktuelles jeweils unter www.freieszenemuc.de/akteure/katrin-schafitel/

Petuelpark | Barlachstraße 26 | 80804 München | U3 Petuelring, Tram 27, Bus 177/173

ZWINK wird in Kooperation mit der Musikerin Katrin Vogel beim „soundance festival berlin" vom 9. bis 19. Juni 2021 zu erleben sein.

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Katrin Schafitel: Zwink ::: Objekt-Tanz im öffentlichen Raum ZWINK ist ein Objekt-Tanz im öffentlichen Raum: Die Tänzerin Katrin Schafitel improvisiert aus dem Moment heraus und geht mit dem Gegebenen um, spontan und unmittelbar. Das Objekt-Kostüm von Robert Kis gibt durch seine Materialität einen eigenen Takt und Umgang vor, es fällt auf und lässt die Vorbeigehenden innehalten und staunen.

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28.+29.5.21 // Silke Rudolph // Neuer Hamburger Kleiderberg 

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28.+29.5.21 // Silke Rudolph // Neuer Hamburger Kleiderberg 

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Singt, backt einen Kuchen und tragt Eure Kleidung so lange es geht! Werdet Teil einer neuen Bewegung und stoppt damit die sinnlose Überproduktion, das verantwortungslose Verschwenden von wertvollen Ressourcen!

Die Kundgebung ist initiiert von Silke Rudolph, mit dabei sind Cliff Yin Huen, Timoleon Papadopoulos, Iris Minich, Verena Brakonier, Lukasz Chrobok, Krischa Weber, Anthoula Bourna und Ursina Tossi.

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Neuer Hamburger Kleiderberg - Ein Mahnmal gegen Fastfashion

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Singt, backt einen Kuchen und tragt Eure Kleidung so lange es geht! Werdet Teil einer neuen Bewegung und stoppt damit die sinnlose Überproduktion, das verantwortungslose Verschwenden von wertvollen Ressourcen! Die Kundgebung ist initiiert von Silke Rudolph, mit dabei sind Cliff Yin Huen, Timoleon Papadopoulos, Iris Minich, Verena Brakonier, Lukasz Chrobok, Krischa Weber, Anthoula Bourna und Ursina Tossi.

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Coming soon // Barbara Galli-Jeschek // Munich Dance Histories 

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Coming soon // Barbara Galli-Jeschek // Munich Dance Histories 

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Forum zur Vermittlung von Tanzwissen

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DANCE History Tour -  der moderne Tanz in München: Archiv-Recherchen in der Monacensia

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The artists Kit Galloway and Sherrie Rabinowitz, who in 1980 connected two larger-than-life displays in New York and LA with a satellite feed and thus created a public communication sculpture, a "hole in space" so to speak, inspired the choreographer Diego Tortelli and his team to work out a new creation completely online. Six dancers from Munich, Berlin and Milan, a performer from Berlin, a Munich videographer and a London based composer and drummer only meet in one-on-one video chats with Tortelli, only to put all these artistical puzzle pieces together one day before the premiere. They use all the possibilities of the online to undo any spatial and physical distance that currently determines our lives, in order to then celebrate the first joint live moment in all its spontaneity and tension for the first time.

Artistical director: Diego Tortelli I Choreography: Diego Tortelli in collaboration with the dancers I Composition & drummer: Federico Bigonzetti with quotes from "A Hole in Space LA-NY, 1980" I Performer: Corey Scott-Gilbert I Dancers: Guido Badalamenti, David Cahier, Fabio Calvisi, Giovanni Leone, Dominic Santia & Casia Vengoechea I Dramaturgy: Miria Wurm I Video production & press photos: Sebastian Lehner I lionman.photography I Lighting design: Roman Fliegel I Sound design: Josy Friebel & Matthäus von Schlippe I Graphic design: Alessandro Tortelli I Production management: Miria Wurm I Technical director: Roman Fliegel I Press & pr: Miria Wurm I Production: Diego Tortelli & Miria Wurm GbR

Supported by the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK - STEPPING OUT, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media as part of the NEUSTART KULTUR initiative. Aid program dance. The project is funded by the Cultural Department of the City of Munich. With the kind support of Tanztendenz München e.V. and Muffatwerk Munich.

Many thanks to Max Wagner, Rosanna Di Gennaro and the Gasteig team for their constant help with the implementation of the show.

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The artists Kit Galloway and Sherrie Rabinowitz, who in 1980 connected two larger-than-life displays in New York and LA with a satellite feed and thus created a public communication sculpture, a "hole in space" so to speak, inspired the choreographer Diego Tortelli and his team to work out a new creation completely online.

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Premiere Online: 18.06. / 20 Uhr  // Miria Wurm & Diego Tortelli // HOLE IN SPACE

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Premiere Online: 18.06. / 20 Uhr  // Miria Wurm & Diego Tortelli // HOLE IN SPACE

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Trailer

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HOLE IN SPACE new creation by Diego Tortelli with music by Federico Bigonzetti

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The artists Kit Galloway and Sherrie Rabinowitz, who in 1980 connected two bigger-than-life displays in New York and LA with a satellite feed and thus created a public communication sculpture, a "hole in space" so to speak, inspired the choreographer Diego Tortelli and his team to develop a new creation almost entirely online. Six dancers from Munich, Berlin and Milan, a performer from Berlin, a videographer from Munich and a London-based composer and drummer meet with Tortelli exclusively via one-on-one video chats during the production phase, only to put all these artistic puzzle pieces together on the day before the premiere. They use all the possibilities of the online world to overcome the spatial and physical distance that currently determines our lives, in order to then celebrate the first live moment of coming together in all its spontaneity and elation.

Artistical director: Diego Tortelli
Choreography: Diego Tortelli in collaboration with the dancers 
Composition & drummer: Federico Bigonzetti with quotes from “A Hole in Space LA-NY, 1980“
Performer: Corey Scott-Gilbert 
Dancers: Guido Badalamenti, David Cahier, Fabio Calvisi, Giovanni Leone, Dominic Santia & Casia Vengoechea
Dramaturgy: Miria Wurm 
Video production & press photos: Sebastian Lehner I lionman.photography 
Lighting design: Roman Fliegel
Sound design: Josy Friebel & Matthäus von Schlippe
Graphic design: Alessandro Tortelli

Production management: Miria Wurm 
Technical director: Roman Fliegel 
Press & pr: Miria Wurm 
Production: Diego Tortelli & Miria Wurm GbR

Supported by the NATIONAL PERFORMANCE NETWORK - STEPPING OUT, funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media as part of the NEUSTART KULTUR initiative. Aid program dance. The project is funded by the Cultural Department of the City of Munich. With the kind support of Tanztendenz München e.V. and Muffatwerk Munich.

Many thanks to Max Wagner, Rosanna Di Gennaro and the Gasteig team for their constant help with the implementation of the show.

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18-20.06.21 // Yolanda Gutierrez // DECOLONYCITIES KIGALI-HAMBURG

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18-20.06.21 // Yolanda Gutierrez // DECOLONYCITIES KIGALI-HAMBURG

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The C-Situation is taking it's toll with all of is - but we are fighting back.
In August to come: The new work kin_ to be shown at City C with Erholungshaus Leverkusen and Kunstverein Leverkusen. Stay tuned!

So far ready for announcements:

kin_

interaktive Performance im augmentierten Space (AR) mit einem bis mehreren Avataren
ca. 12 Min, Augmented Reality für iPad/ iPhone und Posterserie
2021
in Zusammenarbeit mit Brigitta Muntendorf und Inès Alpha
in Zusammenarbeit mit Mirevi, HSD Düsseldorf
Gefördert durch die Kunststiftung NRW, Nationales Performance Netz "Stepping Out", Neustart Kultur, HSD (Mirevi)

kin_ ist ein exploratives Tanzstück, das sich als AR-Applikation für das eigene Smartphone/ Tablet sowohl mit menschlicher Körperlichkeit als auch körperbasierter Kunst durch und mit digitaler Technologie auseinandersetzt.
In dem performativen Tanzstück agieren ein bis vier Avatare im augmentierten Raum und sind durch den eigenen Benutzerscreen nah- und erfahrbar. Das Themenfeld bearbeitet neben der Realitätsverschränkungen und deren Verzerrungen, die menschliche Intimität und die Grenze zur Überwachung durch den Betrachter sowie die Verschiebung von Agency zwischen Performer und Rezipient durch die Live-Interaktion. Dabei beziehen unterschiedliche, intime Situationen der Avatartänzer den Betrachter mitunter direkt ein - er kann durch seine eigene Bewegung und Interaktion das Geschehen unmittelbar beeinflussen. Dabei reagieren die Avatartänzer auf Nähe und Abstand, Bewegung und Windimpulse.
Für den ebenfalls interaktiven Soundtrack sowie ein reaktives Kostüm arbeitete Charlotte Triebus mit der Komponistin Brigitta Muntendorf, sowie der digitalen MakeUp-Künstlerin Inès Alpha zusammen.
kin_ wird zum ersten Mal für das Erholungshaus Leverkusen und den Leverkusener Kunstverein im August 2021 gezeigt.

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To Come In August: kin_ - Charlotte Triebus

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The C-Situation is taking it's toll with all of is - but we are fighting back. In August to come: The new work kin_ to be shown at City C with Erholungshaus Leverkusen and Kunstverein Leverkusen. Stay tuned! So far ready for announcements: kin_ interaktive Performance im augmentierten Space (AR) mit einem bis mehreren Avataren ca.

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12.+13.06.21 // Alisa Hecke und Julian Rauter

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12.+13.06.21 // Alisa Hecke und Julian Rauter

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Plakataktion im Stadtraum

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7. August 2021 Radialsystem V Berlin
November 2021 Festival „Dense Bamako Danse" Donko Seko

„next..." ist ein Videotanzprojekt mit sechs Tänzer*innen zwischen sechs und sechzig in Bamako und Berlin.
Über drei Monate hinweg entwickelt sich eine Korrespondenz zwischen je zwei Paaren auf zwei Kontinenten, indem sie sich anhand von Videobriefen tänzerisch austauschen:
Was könnte mein Gegenüber an mir interessieren? Was möchte ich von mir erzählen? Was möchte ich erfahren? Und wo ist unser gemeinsame Nenner?
Next... ist der Austausch zwischen Menschen, die sich normalerweise nicht begegnen würden. Sie werden miteinander bekannt gemacht und entwickeln ihre eigenen Interessen aneinander und ihren eigenen Stil, sie befragen sich gegenseitig und stellen sich Improvisationsaufgaben.
Begleitet werden sie von Choreografinnen, in Bamako von Kettly Noël und in Berlin von Janne Gregor. Der Prozess wird auf beiden Kontinenten je von einer Kamera begleitet. Es entsteht ein Tanzfilm, der in beiden Städten zur Aufführung kommt.
Beteiligte
künstlerische Leitung und Choreografie Berlin: Janne Gregor
Choreografie Bamako: Kettly Noël
Tanz: Nassika „Coumba" Coulibaly, Kettly Noël, Moussa Nehrig, Ingo Reulecke , Brit Rodemund, Siaka „Chacool" Traoré
Kamera Bamako: Fatoumata Tioye Kanddioura Coulibaly
Kamera Berlin: Konrad Waldmann
Musik: Ahmed Ag Kaedy & Moritz Thorbecke
Beratung + Schnitt: Lutz Gregor
Dramaturgische Begleitung: Matthias Mohr
Produktionsleitung: Sina Kießling

in Kooperation mit radialsystem und Donko Seko

Unterstützt durch das NATIONALE PERFORMANCE NETZ - STEPPING OUT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen der Initiative NEUSTART KULTUR. Hilfsprogramm Tanz.

Und der Senatsverwaltung Berlin.

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7. August 2021 Radialsystem V Berlin November 2021 Festival „Dense Bamako Danse" Donko Seko „next..." ist ein Videotanzprojekt mit sechs Tänzer*innen zwischen sechs und sechzig in Bamako und Berlin. Über drei Monate hinweg entwickelt sich eine Korrespondenz zwischen je zwei Paaren auf zwei Kontinenten, indem sie sich anhand von Videobriefen tänzerisch austauschen: Was könnte mein Gegenüber an mir interessieren?

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15.06.2021 // WE_COSMOS // Altenessen / Tel Aviv: WalkTalkPerformance 4 

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15.06.2021 // WE_COSMOS // Altenessen / Tel Aviv: WalkTalkPerformance 4 

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11.09.2021 * Altenessen

WE_COSMOS Performance week

During the performanceweek of WE_COSMOS we transfer our activities into different spaces in Altenessen: live-concerts, discussions, participative pop-up-dances and spontaneous encounters!

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11.09.2021 * Altenessen WE_COSMOS Performance week During the performanceweek of WE_COSMOS we transfer our activities into different spaces in Altenessen: live-concerts, discussions, participative pop-up-dances and spontaneous encounters!

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15.05.-24.06.21 // Renae Shadler // Moving across Thresholds

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15.05.-24.06.21 // Renae Shadler // Moving across Thresholds

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"...an experience-based knowledge lab that explores barriers, and the act of crossing them. Each 90min event playfully combines movement, philosophy and inclusion..."

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"Moving across Thresholds" is an experience-based knowledge lab that explores barriers, and the act of crossing them. Each 90min event playfully combines movement, philosophy and inclusion. Curated by choreographer Renae Shadler, with experts and guest facilitators joining throughout the program. We welcome curious bodyminds from all backgrounds.

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Menschen, Räume, Ideen und Strukturen im Austausch, unabhängig von physischen und geografischen Grenzen.