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Yayoi Kusama è una rinomata artista contemporanea giapponese, nota per il suo lavoro distintivo che spazia dalla pittura alla scultura, dalle performance all'installazione artistica.

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Questa installazione consiste in una stanza rivestita da specchi su tutte le pareti, sul pavimento e sul soffitto. All'interno della stanza sono disposti oggetti o luci che si ripetono all'infinito nei riflessi dei numerosi specchi, creando un effetto di infinità e immersione totale per il visitatore.

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Simile all'Infinity Mirror Room, questa installazione sfrutta l'effetto visivo dell'infinito, ma anziché basarsi esclusivamente sui riflessi degli specchi, si concentra sull'uso dei pois. Entrare nell'Infinity Polka Dots Room è un'esperienza immersiva, dove il visitatore si trova circondato da un mare di pois che sembrano estendersi all'infinito, creando un'illusione di spazio senza fine. Questa installazione invita il pubblico a perdersi nel suo universo di pois e a riflettere sull'idea di infinito e di connessione con l'universo.

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La combinazione di luci, colori e riflessi crea un'esperienza sensoriale straordinaria, la quale può non essere altro che ipnotica. Ogni persona che entra nell'Infinity Mirror Room è avvolta da un senso di infinità e da una percezione distorta dello spazio, facendo sì che si perda il confine tra l'interno e l'esterno della stanza.

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Questa installazione consiste in migliaia di sfere di specchio disposte su una superficie d'acqua. Gli spettatori sono invitati a passeggiare tra le sfere, riflettendosi e riflettendo l'ambiente circostante, creando una riflessione fisica e concettuale sul concetto di narcisismo e sulla percezione di sé.

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Marina Abramović è un'artista performance le quali coinvolgono atti estremi di resistenza fisica, concentrazione mentale e vulnerabilità emotiva. Ha realizzato numerose opere che sfidano i limiti del corpo umano e della sua resistenza, come stare immobile per lunghe ore, subire dolore fisico o esporre il suo corpo a situazioni estreme.

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L'opera si basava sull'idea di presenza e sull'interazione umana diretta. Abramović guardava intensamente ogni spettatore che si sedeva di fronte a lei, creando un'esperienza emotiva e spirituale profonda e intima. Non c'era alcuna parola scambiata tra l'artista e lo spettatore, ma la semplice connessione visiva e la presenza fisica erano potenti.

Molte persone hanno descritto l'esperienza come trasformativa e catartica. L'opera ha sollevato domande sulla natura dell'arte, della performance e della presenza umana, e ha evidenziato il potere dell'arte nel creare connessioni emotive e spirituali tra le persone.

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Durante questa performance, Marina Abramović si sedeva silenziosamente su una sedia in una sala del museo mentre gli spettatori erano invitati a sedersi di fronte a lei, uno alla volta, per un periodo di tempo indefinito.

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Abramović si mise a disposizione del pubblico con 72 oggetti, tra cui oggetti innocui e pericolosi come un coltello e una pistola carica. Gli spettatori potevano fare ciò che volevano con lei per sei ore. Questa performance esplorava i limiti della fiducia, della vulnerabilità e del potenziale violento dell'essere umano.

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L'artista ha vissuto per dodici giorni in tre piattaforme separate, esposte al pubblico, senza cibo e parlando solo attraverso gesti. Questa opera esplorava la solitudine, la spiritualità e la connessione con l'ambiente circostante.

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Realizzata insieme all'artista Ulay, questa performance coinvolgeva i due artisti che si tenevano nudi ai due lati di una stretta porta, costringendo il pubblico a passare tra di loro per entrare in una stanza. Gli spettatori dovevano scegliere quale artista affrontare, mettendo in discussione la propria comfort zone e la percezione del corpo umano.

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Gli oggetti sfuggono alla loro staticità, entrano nello specchio, si impongono nel mondo delle immagini, ne muovono i sogni. I piccoli “teatri” della videoambientazione del 1982 slittano, si sfilano dalla rivendicata relazione con la “realtà” degli oggetti, escono dall’armadio

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"Enlightened" di Studio Azzurro è un'esperienza coinvolgente che fonde arte, tecnologia e spiritualità in un modo unico. Attraverso l'uso innovativo di luci, suoni e interattività, offre ai visitatori una prospettiva nuova e illuminante sulla natura umana e sulle connessioni con il divino. Con una fusione unica di tecnologia e creatività, "Enlightened" offre una prospettiva innovativa e profonda sulla natura umana e sulle nostre connessioni con il divino. Attraverso un'esplorazione coinvolgente e contemplativa, gli spettatori sono invitati a riflettere sul significato più profondo della vita e dell'esistenza, aprendo la mente a nuove possibilità e prospettive.

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"Tracce" è un'opera che si distingue per la sua capacità di esplorare il concetto di memoria e identità attraverso un'esperienza multisensoriale coinvolgente. Attraverso l'uso di tecnologie innovative e l'interattività, l'installazione invita il pubblico a riflettere sulle proprie esperienze passate e sui legami che ci collegano alla storia e alla cultura. Con una combinazione di video, suoni e oggetti fisici, "Tracce" crea un ambiente immersivo che stimola la mente e il cuore, offrendo una profonda meditazione sulle nostre radici e sulle nostre connessioni con il mondo che ci circonda.

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Nel 1982 Fabio Cirifino, Paolo Rosa e Leonardo Sangiorgi danno vita a un’esperienza che nel corso degli anni esplora le possibilità poetiche ed espressive dei nuovi linguaggi tecnologici. A loro si aggiunge, dal 1995 al 2011, Stefano Roveda, esperto di sistemi interattivi.

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Più di cinquanta figure, tra noti architetti e cittadini, raccontano la loro Milano sul tema degli spazi abbandonati.

I visitatori erano invitati a riflettere sul concetto di abbandono e sulle storie che si celano dietro gli spazi dismessi, dando voce alle persone che li hanno vissuti e alle loro memorie.

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In "Sensitive City", Studio Azzurro utilizza tecnologie avanzate per creare una rappresentazione artistica e sensoriale delle dinamiche urbane.

Lo scopo del progetto è quello di stimolare la riflessione sulle esperienze quotidiane nelle città contemporanee e sulla complessità delle relazioni umane e spaziali che le caratterizzano.

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"Nuage Vert" è un'installazione artistica realizzata da HeHe che trasforma le emissioni di una centrale elettrica in un'opera visiva proiettata su un camino. Questa opera offre una riflessione sulle conseguenze ambientali delle attività industriali, mentre crea un'imponente rappresentazione visiva delle emissioni di CO2. Utilizzando tecnologie di proiezione avanzate, "Nuage Vert" offre una prospettiva unica sulla relazione tra l'attività umana e l'ambiente, invitando il pubblico a riflettere sulle implicazioni del consumo energetico e sulle sfide legate al cambiamento climatico.

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Si tratta di un albero artificiale che utilizza la tecnologia per emettere luce in modo simile al processo di fotosintesi delle piante.

Attraverso "Radiant Tree", HeHe esplora il concetto di "natura simulata", mettendo in discussione la nostra comprensione dell'ambiente naturale e delle nostre interazioni con esso.

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"Million Parts" è un progetto artistico sviluppato dallo studio HeHe nel 2016. Si tratta di un'installazione multimediale che esplora il tema della produzione industriale e dei suoi impatti sull'ambiente. L'opera invita il pubblico a riflettere sulle implicazioni ecologiche e sociali della produzione di massa, mettendo in discussione le pratiche industriali e la loro sostenibilità a lungo termine.

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"Rain Room" di Random International è un'installazione d'arte interattiva che permette ai visitatori di camminare attraverso una pioggia simulata senza bagnarsi. Utilizza sensori di movimento per creare una zona in cui la pioggia si ferma sopra chiunque vi entri, creando un'esperienza coinvolgente e surreale. È un esempio affascinante di come l'arte e la tecnologia possano fondersi per creare esperienze uniche.

Inoltre, l’installazione invita i visitatori a esplorare il confine tra il reale e il simulato, sfidando le nostre concezioni predefinite di ciò che è possibile.

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L'installazione sfrutta la tecnologia per creare un'esperienza sensoriale e interattiva. Le luci si illuminano e si spengono in modo coordinato e organico, dando l'impressione che lo sciame si muova in risposta ai movimenti delle persone che si trovano nell'ambiente circostante, offre una visione poetica dell'interazione tra l'individuo e il collettivo, creando un'esperienza estetica e coinvolgente che stimola la riflessione sul nostro rapporto con il mondo che ci circonda.

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Ciò che rende "Study for Fifteen Points" affascinante è la sua capacità di trasformare lo spazio in cui si trova. I pannelli si muovono in modo sincronizzato, creando pattern in continua evoluzione e trasformazione nello spazio. L'opera solleva domande sulla percezione e sulla relazione tra il movimento e la nostra esperienza sensoriale dello spazio

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Ciò che rende "Fragmented Memory" così potente è la sua capacità di suscitare una riflessione profonda sulla natura della memoria stessa. Ogni frammento dell'immagine riflessa rappresenta un ricordo distorto o parziale, simboleggiando la nostra tendenza a rievocare e reinterpretare gli eventi passati in modo soggettivo. Questo può portare a una meditazione sulla natura fluida e mutevole della nostra identità e delle nostre esperienze personali.

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Il Prada Transformer è una struttura polifunzionale progettata da OMA e inaugurata nel 2009 a Seoul, in Corea del Sud.Ciò che rendeva il Prada Transformer unico era la sua capacità di trasformarsi e adattarsi in base alle esigenze degli eventi in corso. La struttura poteva essere smontata e ricostruita in modo rapido e flessibile grazie a un sistema di supporti modulari.

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PRINCIPLES Square at Perth Design Week 2024

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Creato con la collezione di mobili PRINCIPLES e situato in Cathedral Square nel centro di Perth, lo spazio ospita una vasta gamma di attività pubbliche durante la Perth Design Week.

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Autobiografico-Ripetitivo-Spazio infinito

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Provocazione-Resistenza-Limiti

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George Rousse ha creato un'opera a Las Vegas che rappresenta perfettamente il suo stile distintivo di trasformare spazi architettonici attraverso interventi pittorici e installazioni che giocano con la prospettiva

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L'opera di Rousse a Las Vegas nel 2016 continua la sua esplorazione dei confini tra pittura, scultura e fotografia. Trasformando un edificio abbandonato in un'opera d'arte temporanea, Rousse sottolinea il potenziale nascosto degli spazi urbani inutilizzati e invita gli spettatori a vedere il mondo attraverso una lente nuova e sorprendente.

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Le forme geometriche sono dipinte su superfici di muri, pavimenti e soffitti in modo che, da un punto di vista specifico, sembrano fluttuare liberamente nello spazio, creando una composizione bidimensionale perfettamente allineata.

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"Opération Plastique" è un esempio emblematico della capacità di George Rousse di trasformare spazi comuni in esperienze visive straordinarie. La serie sfida lo spettatore a riconsiderare la relazione tra pittura, scultura e spazio, mostrando come la percezione sia influenzata dalla prospettiva.

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Geometria-Architettura urbana-Illusione ottica

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Videoarte-Realtà virtuale-Interattività

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Critica-Ambiente urbano-Scienza

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Luce e movimento-Realtà Virtuale-Interazione

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"Free Pixel" è un'installazione interattiva che utilizza una matrice di LED per trasformare superfici urbane statiche in display dinamici. Il concetto si basa sull'idea di pixel liberi, ovvero elementi visivi che possono essere manipolati in tempo reale per creare immagini, messaggi e visualizzazioni personalizzate.

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"The Mile" è concepito come un sistema di trasporto urbano che utilizza droni di grandi dimensioni per il trasporto di persone e merci sopra le città, rivoluzionando così la mobilità urbana.

Introduce un sistema di trasporto verticale basato su droni, il progetto mira a trasformare il modo in cui ci spostiamo nelle città, migliorando la qualità della vita urbana, riducendo l'inquinamento e aumentando l'efficienza dei trasporti. Il progetto pone le basi per una nuova era di mobilità sostenibile e innovativa, in cui la tecnologia e l'architettura lavorano insieme per creare città più intelligenti e vivibili.

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"Water Batteries" è un sistema di stoccaggio energetico che utilizza il principio dell'energia potenziale gravitazionale per accumulare e rilasciare energia. L'idea è di sfruttare le differenze di altitudine e il ciclo dell'acqua per creare una "batteria" naturale che possa aiutare a stabilizzare la rete elettrica e fornire energia rinnovabile su richiesta.

L'energia viene immagazzinata pompando acqua da un serbatoio inferiore a uno superiore quando l'energia rinnovabile (come l'eolico o il solare) è abbondante.

Quando c'è una domanda elevata di energia, l'acqua viene rilasciata dal serbatoio superiore a quello inferiore attraverso delle turbine, generando elettricità.

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Smart city-Sostenibilità-Pubblico