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arte do movimento que ficou conhecido como Arte Cinética, a principal investigação de Cruz-Diez é o comportamento da cor ao lado da percepção visual do espectador e da linha como elemento essencial de composição. O artista divide em oito suas linhas de pesquisa, que podem ser traduzidas como Cor Aditiva, Physicromia, Indução Cromática, Cromointerferência, Transcromia, Cromosaturação, Cromoscópio e Cor no Espaço. As obras feitas a partir de acrílico, PVC e serigrafia criam ilusão de ótica e movimento e tornaram-se icônicas tanto na obra do artista como na história da arte. Apesar de ter se estabelecido como artista ainda na Venezuela, Cruz-Diez passa grande parte da sua vida em Paris, assim como muitos outros artistas de sua época.

fonte: disponível em: https://www.sp-arte.com/artistas/carlos-cruz-diez/

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Parte do movimento que ficou conhecido como Arte Cinética, a principal investigação de Cruz-Diez é o comportamento da cor ao lado da percepção visual do espectador e da linha como elemento essencial de composição. O artista divide em oito suas linhas de pesquisa, que podem ser traduzidas como Cor Aditiva, Physicromia, Indução Cromática, Cromointerferência, Transcromia, Cromosaturação, Cromoscópio e Cor no Espaço. As obras feitas a partir de acrílico, PVC e serigrafia criam ilusão de ótica e movimento e tornaram-se icônicas tanto na obra do artista como na história da arte. Apesar de ter se estabelecido como artista ainda na Venezuela,…

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Artista: Josef Albers / Aluna: Letícia Cristina, Polo Carpina

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Josef Albers ganhou reconhecimento por sua emblemática série Homage to the Square, na qual investiga a interação das cores por meio de composições de quadrados concêntricos. Nesse conjunto de obras, Albers analisa como a percepção das cores se altera em função do contexto e das tonalidades próximas. Ele utiliza cores que parecem se movimentar ou vibrar, dependendo da interação com as cores adjacentes, desafiando o observador a enxergar a cor de forma relativa, em vez de absoluta. Para Albers, a percepção da cor era um fenômeno subjetivo, moldado pelas relações entre as diferentes cores que a circundam.

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A Grande Onda é, na verdade, uma vista do Monte Fuji, uma de uma série de gravuras coloridas desenhadas por Hokusai por volta de 1830.

Está impressa em papel tradicional de amora japonesa em tons sutis de amarelo, cinza e rosa. Mas a cor dominante é um azul intenso e profundo... um azul que não era japonês.

É azul da Prússia, inventado a meio mundo de distância, na Alemanha, 130 anos antes da quebra da onda de Hokusai. O azul da Prússia foi o primeiro pigmento sintético moderno muito menos sujeito a desbotamento do que outros azuis tradicionais.

Essa cor nos mostra que o Japão tirou da Europa o que queria com absoluta confiança.

E mais: a série da qual A Grande Onda fazia parte foi divulgada ao público em parte com base naquele azul exótico e lindo, apreciado por sua estranheza.

Fonte: 'A Grande Onda de Kanagawa': o curioso percurso da gravura até virar um ícone - BBC News Brasil

Paulo Thiago - Polo Triunfo

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Mark Rothko, No. 2, 1962, Oil on canvas. Smart Museum of Art, The University of Chicago, Gift of Mrs. Albert D. Lasker, 1976.161. Rothko trabalha com duas questões: a cor e a sua escala, seu tamanho. Geralmente são cores hipersaturadas sobre um fundo menos saturado. Algumas partes dessas cores são translúcidas. Rothko atinge o espectador através do impacto desse confronto visual: a cor em expansão que parece sem fim.

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Canteiro de Íris no Jardim de Giverny - Claude Monet

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Canteiro de Íris no Jardim de Giverny - Claude Monet

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O Jardim do Artista em Giverny é o jardim do famoso pintor Claude Monet, na França.

Aqui estão alguns detalhes sobre essa fase da sua carreira e suas obras:

Tema Central: Monet se dedicou a capturar a beleza de seu jardim em Giverny, especialmente a superfície do lago com nenúfares, que se tornou um tema recorrente em sua obra.

Técnica: Monet usava pinceladas rápidas e soltas para criar efeitos de luz e cor. Ele se concentrava em como a luz mudava ao longo do dia e as diferentes estações.

Cores: Suas paletas variavam conforme as condições climáticas e a hora do dia, resultando em uma rica variedade de tons e atmosferas.

Séries: Monet pintou várias séries de nenúfares, cada uma mostrando diferentes perspectivas e momentos do dia. Uma das mais famosas é a série "Nymphéas", composta por cerca de 250 pinturas.

Exposição: As obras de Monet foram exibidas em várias mostras, e suas pinturas dos nenúfares se tornaram uma referência no mundo da arte, influenciando gerações de artistas.

Legado: Além de sua técnica inovadora, Monet é lembrado por sua habilidade em evocar emoções através da natureza, levando o espectador a sentir a tranquilidade e a beleza de seu jardim.

Fonte:

https://arteeartistas.com.br/os-jardins-de-monet/

https://www.portaldearte.com.br/product-page/monet-o-jardim-do-artista-em-giverny

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Autorretrato, de Tarsila do Amaral (1924).

O fundo azul do quadro destaca ainda mais os tons vermelhos da roupa, que revelam uma mulher sedutora e com autoconfiança – o que, reza a lenda, tem tudo a ver com a personalidade real de Tarsila. Neste tipo de combinação de cores se empregam três cores: uma principal e duas adjacentes. “No caso da obra de Tarsila do Amaral foram utilizadas as cores: azul no fundo, vermelho no vestido e tons alaranjados na pele”.

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Gente, eu sempre fui apaixonada por arte, por isso fiquei maravilhada quando vi este post, que analisava as cores de obras de arte famosas. Nele, a professora de arte Thais Pacheco analisa dois quadros que eu adoro: Autorretrato, de Tarsila do Amaral (1924) e A Noite Estrelada, de Vincent Van Gogh (1889). Como sempre falo […]

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As cores predominantes são de azul e amarelo. O tom azul predomina no céu e nas montanhas, transmitindo tranquilidade e reflexão, enquanto os tons amarelos e laranjas das estrelas e da lua trazem calor e luminosidade, realçando esses elementos como fontes de esperança e foco da imagem. O contraste entre essas tonalidades não apenas destaca o céu, mas também simboliza a "luta" entre luz e escuridão. Na pintura, os movimentos são fluidos e ondulados, principalmente no céu, onde as espirais e as ondas de cor criam uma sensação de movimento constante.O céu parece vibrante graças às curvas e ao ritmo visual, criando uma atmosfera viva.

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OBRA DE JUAN GRIS. PABLO PICASSO ,Por ELI MONTEIRO POLO CARPINA

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OBRA DE JUAN GRIS. PABLO PICASSO ,Por ELI MONTEIRO POLO CARPINA

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Retrato de Pablo Picasso é uma pintura cubista. Gris utiliza os elementos cubistas como a fragmentação, o uso de formas geométricas, e uma paleta que tende ao monocromático em tons pasteis.Nessa pintura, o artista pinta no inicio do cubismo, por volta do ano de 1912, podemos ver a figura de um homem claramente, usando uma blusa azul, com um cabelo escuro. Conforme o cubismo evolui o cubismo passa a ser cada vez mais abstrato.

Essa pintura se encontra no Instituto de Arte de Chicago, em Illinois nos Estados Unidos.

FONTE: https://culturalizando.blog/2022/02/28/retrato-de-pablo-picasso-juan-gris/

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Artista: Paul Klee, Castle and Sun, 1928, Óleo sobre tela, 50 x 59 cm, Coleção particular.

Sergio Massimo Birukoff - Polo Carpina

Nesta pintura Paul Klee representa uma paisagem com formas geométricas e faz uma fusão com o abstracionismo. A composição tem um jeito de organização em grupos que marcam linhas verticais e horizontais. São uma grande quantidade de formas, que geram uma inquietação ao olhar do espectador, atraindo a diversos pontos da imagem de forma irregular, tipo um caminha de rizoma. A cor é o fator mais importante dos elementos da linguagem visual. Ele usa cores quentes e escuros no valor, e contrapõe cores frias vibrantes criando contrastes de cor, luz e sombra, inspirados nas paisagens de suas viagens no clima quente de Marrocos. A intensidade das cores e sues respectivos contrastes transmitem uma sensação de estrar no local da paisagem.

https://www.revistacircuito.com/diversidade-nas-obras-de-paul-klee/

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Revista Circuito - Portal de Notícias da Granja Viana e Região

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Paul Klee foi um pintor suíço de nacionalidade alemã. É considerado um dos grandes pintores europeus do início do século XX. Com uma mãe cantora e um pai professor de música, Paul aprendeu a tocar violino muito cedo. A música e a pintura tinham a mesma importância em sua vida, o que o deixou em dúvida sobre qual carreira seguir. Acabou optando pelas artes plásticas. Iniciou seus estudos artísticos em 1900, na Academia de Belas Artes de Munique. A cidade era um importante polo artístico, que reunia artistas experimentais do mundo todo. Lá conheceu Wassily Kandinsky, Franz Marc e August Macke, inovadores que depois se tornaram pintores muito famosos também.
Seu estilo único de pintar foi influenciado por movimentos artísticos diferentes: o expressionismo, o cubismo, o surrealismo e o orientalismo. A obra de Klee era difícil de ser classificada por ser tão diversa e diferente de tudo que existia na época. Era um desenhista nato e dominou a Teoria das Cores como ninguém, assunto que escreveu extensivamente sobre.
Em 1906, casou-se com a pianista Lili Stumpf, com quem teve um filho. Fundou em 1911, junto com Kandinsky e Franz Marc, um grupo artístico vinculado ao expressionismo.
Extraordinariamente inventivo em seus métodos e técnicas, Klee trabalhou com vários materiais: tinta a óleo, aquarela, tinta preta e outros. Na maioria das vezes, ele combinava esses materiais em uma só obra. Usava tela, estopa, musselina, linho, gaze, papel-cartão, tecido, papéis de parede e jornal. Fazia uso de pintura a esguicho (spray), recortes com facas, carimbos, verniz, misturava óleo com aquarela ou aquarela com caneta e tinta indiana. Em sua obra podemos ver o uso frequente de formas geométricas, letras, números e setas. Estes símbolos eram combinados com figuras de animais e de pessoas. Algumas obras eram completamente abstratas.
Quando Klee assumiu suas atividades como professor na Escola Bauhaus em Weimar, em janeiro de 1921, já era um renomado pintor da vanguarda artística. Sob o lema "Arte e Tecnologia - Uma nova unidade", a escola pretendia, segundo a concepção de seu fundador, o arquiteto Walter Gropius, formar uma geração de artistas-artesãos. Em um manifesto da Bauhaus, Gropius, que era simpatizante das ideias socialistas, escreveu que a escola iria "estabelecer uma corporação de artesãos sem a presunçosa divisão de classes, que tenta erigir um muro separando artesãos e artistas". Em 1930 foi perseguido pelos nazistas na Alemanha e teve que fugir do país para não ser preso. Esta perseguição ocorreu devido ao seu envolvimento com o movimento socialista. Em 1936 foi diagnosticado com uma doença degenerativa e foi internado em uma clínica médica, onde morreu quatro anos depois.
Grande parte de suas obras reflete seu humor seco e suas convicções políticas. Suas obras aludem frequentemente à poesia, à música e aos sonhos.

Vamos Observar
Castle and Sun, 1928
Óleo sobre tela
50 x 59 cm
Coleção particular

Paul Klee tinha um estilo único, como em sua inovadora (para sua época) pintura Castle and Sun (Castelo e Sol). A obra, uma de suas mais celebradas, foi criada a partir de diferentes formas geométricas e vários tons de cores quentes e primárias. O sol solitário em seu formato circular brilha no céu, engenhosamente criado por linhas fortes e estruturas retangulares e triangulares de vários tamanhos, que acrescentam profundidade à imagem. Nesta obra há uma mistura de abstrato com realismo; figuras são desconstruídas para formar imagens novas. O fundo em cor de argila avermelhada oferece uma visão mais clara de como as figuras parecem formar um horizonte da cidade (ou castelo) com cores e luzes intensas. Klee usa a cor amarela para atrair o olhar e quebrar os tons de vermelho. Esta pintura tem uma disposição complexa de figuras triangulares para retratar uma metrópole imaginária. Paul Klee foi um dos maiores filósofos e teóricos da arte do século XX, especialmente no campo da cor, bem como um de seus maiores fantasiadores.
Quem quiser ver as obras de Paul Klee de perto pode conferir a mostra Paul Klee - Equilíbrio Instável, que abriu no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), reunindo mais de 120 obras que compõem as várias fases artísticas do artista, desde a infância até a fase final de sua produção, com a última pintura finalizada, sem nome, encontrada no cavalete de seu ateliê. Todas as obras são pertencentes ao acervo Zentrum Paul Klee. A exposição tem entrada gratuita e fica em cartaz até 29 de abril, em São Paulo.

Por Milenna Saraiva, artista plástica e galerista, formada pelo Santa Monica College, em Los Angeles.

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Diversidade nas obras de Paul Klee - Revista Circuito - Portal de Notícias da Granja Viana e Região

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Paul Klee foi um pintor suíço de nacionalidade alemã. É considerado um dos grandes pintores europeus do início do século XX. Com uma mãe cantora e um pai professor de música, Paul aprendeu a tocar violino muito cedo. A música e a pintura tinham a mesma importância em sua vida, o que o deixou em [...]