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Links de revistas de arte brasileiras para pesquisa

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Links de revistas de arte brasileiras para pesquisa

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Conteúdo de referência em arte e cultura contemporânea

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Conhecida internacionalmente como Frida Kahlo, Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nasceu em Coyoacán, no México, em 6 de julho de 1907. Foi uma artista à frente do seu tempo, tendo sua trajetória marcada por força de vontade, sofrimento, paixões e luta.

Filha do fotógrafo alemão Wilhelm Kahlo, Frida acreditava que pudesse mostrar com seus "retratos feitos a mão", ou seja, suas pinturas, tudo que passava em sua vida, nas mais variadas circunstâncias.

Vida

Frida sofreu de aos seis anos e, com isso, teve sequelas em uma de suas pernas, sendo chamada por outras crianças na escola de "Frida da perna de pau". Devido à doença, também adotou o uso de saias longas, que, anos mais tarde, tornaram-se coloridas e chamativas e uma das marcas registradas da artista.

Mexicana Frida Kahlo é uma das maiores artistas da história. [1]

Frida reconhecia-se como "filha da revolução", já que passou parte da infância entre tiroteios ocorridos durante a Revolução Mexicana de 1910.

Na juventude, estudou na Escola Nacional Preparatória de San Ildefonso, na Cidade do México, tendo acesso a diferentes grupos estudantis das mais variadas áreas, identificando-se mais com aqueles ligados às artes e à filosofia.

Ainda jovem, com 18 anos, sofreu um acidente de carro, quando um caminhão chocou-se com o bonde em que ela estava. Na colisão, uma barra de ferro atravessou o corpo de Frida, acertando sua pelve e barriga. Por conta do acidente, ela ficou acamada, imóvel e engessada por um período muito longo. Também foi submetida a mais de 30 cirurgias, a fim de tentar melhorar os danos e ferimentos causados pelo acidente.

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Como resultado dele, ela teve fratura tripla da coluna vertebral,fratura da clavícula, fratura da terceira e quarta costelas, luxação do ombro esquerdo, tripla fratura da bacia, perfuração do abdômen e da vagina, 11 fraturas da perna direita e deslocamento do pé esquerdo.

Contudo, foi nesse período que a pintura entrou em sua vida, já que foi por essa arte que Frida conseguia passar o tempo e extravasar seus sentimentos e pensamentos.

"Eu não estou doente, eu estou despedaçada, mas me sinto feliz por estar viva enquanto eu puder pintar." (Frida Kahlo)

Abortos

A maternidade era um desejo de Frida que, infelizmente, não foi concretizado. A artista sofreu três abor t os espontâneos devido às perfurações ocorridas em seu corpo na época do acidente.

Em seu famoso e reconhecido quadro Hospital Henry Ford, Frida retrata o seu sofrimento por não ter conseguido levar a gestação até o final, mais precisamente a do seu segundo filho, no hospital em que ficou, cujo nome intitula o quadro, nos Estados Unidos.

No quadro Hospital Henry Ford, Frida expõe a sua dor em perder seu segundo filho. [3]

Vida amorosa

O muralista mexicano Diego Rivera foi o grande amor de Frida. Ele já era famoso quando se conhecerem, logo depois da artista recuperar os movimentos do seu corpo. Frida admirava o trabalho de Rivera e decidiu mostrar suas pinturas a ele. Quando se casaram, Frida tinha 21 anos, e Diego, 41. A parceria entre eles ultrapassava as telas e a vida amorosa, já que os dois também eram membros do Partido Comunista Mexicano.

O casal curiosamente morava em casas separadas, mas interligadas por uma ponte. Frida morava na Casa Azul, e Diego, na vermelha. Ambos mudaram-se para essas casas em 1934, depois de voltarem dos Estados Unidos. Atualmente, elas abrigam o Museu Casa Estúdio Diego Rivera e Frida Kahlo.

Mesmo com toda a paixão que os envolvia, a artista sofreu com a infidelidade de Rivera durante o casamento. Ele teve envolvimento até mesmo com a irmã de Frida, Cristina, tendo filhos com ela e aumentando a mágoa de sua esposa.

As traições de Rivera levaram a mexicana a sair com outros homens e mulheres, envolvendo-se com nomes da política e das artes. O caso com intelectual marxista russo Leon Trotsky foi um dos mais famosos, já que ele e a esposa foram hóspedes refugiados de Frida por cerca de dois anos.

Devido às constantes traições, principalmente o episódio com a sua própria irmã, Frida decidiu pedir o divórcio e focar-se nas suas obras. Contudo, Frida e Diego casaram-se novamente, mesmo com as brigas sendo uma constante na vida a dois, ficando juntos até a morte dela.

Morte

Estudiosos da vida de Frida afirmam que o casamento conturbado levou a artista a adquirir o vício em bebida alcoólica, o que a deixou com a saúde mais debilitada. A artista convivia com infecções e dores, ainda frutos do acidente, e por isso utilizou um colete ortopédico para a coluna.

Em 1953, o estado de saúde da artista piorou, levando à amputação de seus pés por forte gangrena. Foi nesse momento de sua vida que ela disse a frase: "Pés, para que os quero, se tenho asas para voar?".

Frida Kahlo faleceu em 13 de julho de 1954, aos 47 anos, no México, por

Obras de Frida Kahlo

O primeiro quadro de Frida foi oAutorretrato em vestido de veludo, de 1926, obra que fez para presentear seu então namorado, Alejandro Gómez Arias. No entanto, ela já pintava autorretratos desde o seu acidente aos 18 anos, quando ficou acamada. Nesse período, pintava-os baseada na visão que tinha de um espelho que ficava em frente a sua cama.

A artista seguiu retratando sua vida em suas telas sempre com cores fortes e traços marcantes, características que se tornaram marcas registradas de suas obras, assim como de suas roupas e adereços.

O relacionamento tumultuado com Rivera também foi um dos temas principais de suas telas. A artista sempre usou a pintura para expressar suas emoções e o que estava acontecendo em sua vida.

A força do feminino

Frida também retratava artisticamente aspectos íntimos e femininos, como abortos e feminicídios, algo considerado um tabu na época. O último tema foi retratado, por exemplo, em uma de suas obras mais impactantes e intitulada Unos cuantos piquetitos, de 1937, na qual se tem uma mulher nua, coberta de sangue, em uma cama, com um homem ao lado segurando uma faca.

Para essa obra, a pintora baseou-se em um caso do qual ela teve conhecimento e no qual um marido havia matado a esposa por ciúme, alegando ao juiz que lhe havia feito apenas alguns cortes pequenos ( piquetitos, em espanhol), como justificativa para ser absolvido do crime.

Ela também nunca escondeu sua dor e fragilidade tanto física quanto emocional, colocando nas pinturas o que passava ou já tinha passado para os olhos de todos. Exemplo disso é o quadro A coluna partida, de 1944, em que retrata a própria fragilidade física, com sua coluna exposta e quebrada, além de pregos espalhados por todo o corpo.

Por abordar essas questões, frequentemente fez com que muitas mulheres, de todas as partes do mundo, identificassem-se com suas dores, desprazeres e decepções, chamando a atenção inclusive de movimentos feministas atuais.

Principais obras de Frida

1. Autorretrato com vestido de veludo, de 1926

2. O ônibus, de 1929

3. Frida e a cesárea, de 1931

4. Meu nascimento, de 1932

5. Hospital Henry Ford, 1932

6. Meus avós, meus pais e eu, de 1936

7. Minha ama e eu, de 1937

8. As duas Fridas, de 1939

9. Diego em meu pensamento, de 1943

11. A coluna partida, de 1944

12. O veado ferido, de 1946

Visual autêntico

Frida foi uma figura singular e que sempre chamou a atenção pela aparência, que saia dos padrões da época, abusando de cores fortes, estampas florais étnicas, elaborados arranjos de flores na cabeça, além de suas sobrancelhas grossas e lanugem. Sempre muito orgulhosa de sua origem, fazia questão de trazer referências do México para o seu visual, independentemente de onde estivesse.

A originalidade das vestimentas também era a forma que a artista encontrou para lidar com as muitas cicatrizes que tinha, a perna que mancava e até os coletes ortopédicos.

Legado

Frida Kahlo deixou um consistente legado cultural para o mundo inteiro, não só nas artes plásticas mas também na literatura, nos filmes e na moda, além de outros tipos de influência. Em 1958 foi criado o Museu Frida Kahlo, na chamada Casa Azul, local em que Frida cresceu e viveu a maior parte de sua vida.

No museu, localizado em Coyoacán, no México, os fãs e demais admiradores de Frida Kahlo podem conhecer mais quem foi a artista, os objetos que lhe pertenceram, a sua vida, além de algumas de suas obras.

Ainda hoje Frida Kahlo é mundialmente reconhecida pelo seu trabalho e por ter sido uma mulher irreverente num período em que o gênero feminino não tinha tanta voz e representatividade. Frida continua inspirando a moda e novas gerações de artistas e mulheres.

[1], [2] e [3] Arquivo de Frida Kahlo e Diego Rivera, Banco do México

[4] Documento livre de licença / Wikimedia Commons

[6] Banco do México, obra exposta no Museu Dolores Olmedo

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Frida Kahlo: biografia, obras e curiosidades - Mundo Educação

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Conhecida internacionalmente como Frida Kahlo, Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nasceu em Coyoacán, no México , em 6 de julho de 1907. Foi uma artista à frente do seu tempo, tendo sua trajetória marcada por força de vontade, sofrimento, paixões e luta.

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Página com os trabalhos do ilustrador Fredy Varela,
de Caxias do Sul, Brasil. Confira!
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Artista Referencia  - Vinicius de Oliveira

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Artista Referencia  - Vinicius de Oliveira

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Leonardo da Vinci, reconhecido como um dos mais completos artistas de todos os tempos, era um pintor que, além de obras de artes, com pinturas muito famosas e mais reproduzidas pelo mundo todo, também utilizava sua genialidade e talento no ramo da medicina, engenharia, arquitetura e física.

Leonardo di Ser Piero "da Vinci" nasceu em 15 de abril de 1452, em Vila de Vinci, na Toscana, Itália. Leonardo era filho da camponesa Caterina Lippi e do tabelião Piero da Vinci. Seus pais não eram casados, e ele acabou sendo educado por parentes próximos, como sua madrasta e avó, já que sua mãe entregou a sua guarda ao pai quando o artista tinha apenas 5 anos de idade.

Leonardo da Vinci passou a juventude na cidade de Florença, num período de grande excitação artística e cultural. Posteriormente, ainda viveu em Milão, Roma e, por último, na França.

Apesar de todos acharem que "da Vinci" trata-se de seu sobrenome, isso não é real. Escolheu-se essa denominação devido ao vilarejo onde nasceu. Traduzindo para o português, seria algo como Leonardo da Vila da Vinci, que se resumiu em Leonardo da Vinci.

Como era da Vinci?

Relatos antigos apontam que Leonardo tinha cabelos louros, nariz aquilino e olhos azuis. Na biografia de da Vinci escrita por Walter Isaacson, o autor define o artista com a seguinte frase: "O maior gênio da história era filho ilegítimo, gay, vegetariano, canhoto, muito disperso e, às vezes, herético ". Isaacson também afirma que da Vinci era um grande ativista pelos animais, do tipo que faria inveja aos militantes de hoje.

Desenho de Leonardo da Vinci feito
por Cosomo Colombini.**

Quando jovem, Leonardo da Vinci chamava atenção por ser dono de uma beleza física inigualável. É difícil conseguir visualizar todas essas características na imagem que conhecemos de da Vinci, já que a maioria das pinturas que o retratam são dele já mais velho.

Leonardo da Vinci morreu aos 67 anos, em 2 de maio de 1519, em Cloux, na França. Foi enterrado na igreja de Saint-Florentin, em Amboise.

Um artista completo

Engana-se quem acredita que da Vinci seja chamado de gênio somente por conta de suas obras de arte. Seu talento ia muito além disso, sendo uma das figuras mais importantes do período conhecido como Renascimento, que foi um movimento artístico, científico e cultural ocorrido na Europa entre a Idade Média e a Idade Moderna, período compreendido entre os séculos XIV, XV e XVI.

Entre suas obras mais famosas e conhecidas estão " A última ceia" e " Mona Lisa". Mas as suas criações não pararam por aí. Ele realizou inúmeros estudos no que diz respeito às mais diversas áreas, como arquitetura, engenharia civil, Matemática, escultura, óptica e até anatomia humana. Leonardo da Vinci possuía uma grande criatividade e a habilidade de unir arte e ciência em resultados e estudos incríveis.

O artista tinha o hábito de registrar tudo em seus cadernos, desde rascunhos, pensamento, emoções até outros tipos de reflexões. Algumas anotações eram escritas utilizando códigos e até de trás para frente.

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Obras de Da Vinci

Da Vinci deixou um grande legado artístico, principalmente, no que diz respeito às suas obras. Criou técnicas que até então nunca tinham sido utilizadas e transformou o mundo das artes. Ele aperfeiçoou o uso do sombreamento, o chamado sfumato, em suas pinturas.

Já na escultura, utilizava o uso da perspectiva para modelar objetos em superfícies bidimensionais e até tridimensionais. Nas artes plásticas, foi um dos primeiros italianos a usar a técnica de óleo sobre tela. Geralmente, retratava em suas pinturas temas religiosos.

Em sua trajetória como artista, da Vinci criou mais de 30 obras, contudo, nem todas foram concluídas, é o caso de " A adoração dos magos", " São Jerônimo no deserto" e a " Batalha de Anghiari ". Inúmeros desenhos, esboços e páginas de notas foram encontradas após sua morte.

Catalogamos as principais obras de Leonardo da Vinci em ordem cronológica. Confira:

"Anunciação": 1475-1480

"Adoração dos Magos": 1481

"A última ceia": 1498

"Mona Lisa ou La Gioconda": 1503-1505

"A Virgem e o Menino com Santa Ana": 1510

"São João Batista": 1514

A Última Ceia

"A Última Ceia" é uma pintura sobre a parede do refeitório do Convento de Santa Maria Delle Grazie, em Milão, Itália, na qual Da Vinci utilizou a técnica de afresco mais comum, que era a de têmpera de ovo sobre reboco úmido. A pintura representa o momento bíblico em que Cristo compartilha sua última refeição com os discípulos.

Estudiosos de Da Vinci afirmam que o momento retratado é aquele em que Cristo afirmava " um de vós me há-de trair" e os discípulos estarão perguntando " Sou eu, Senhor?". A análise baseia-se na agitação dos apóstolos na pintura, por meio de gestos dramáticos e expressões que demonstram apreensão e inquietação. Essa obra de Leonardo da Vinci tornou-se a marca registrada do artista.

"A Última Ceia", uma das mais importantes de Da Vinci. ***

"A Última Ceia" também é vista com uma perfeita simetria em sua composição, já que distribui os 12 apóstolos em quatro grupos de tríades e Cristo como o elemento central. Traçando duas diagonais, teremos como ponto de intersecção a fronte de Cristo, centro e ponto de fuga da composição, para onde todo o movimento é convergido.

"Mona Lisa"

"Mona Lisa" ou "La Gioconda" é um quadro feito por da Vinci e está entre os mais famosos e populares do mundo. Trata-se de uma pintura em óleo sobre madeira de álamo feita utilizando a técnica do sfumato. Retrata a figura de uma mulher com um sorriso tímido e expressão introspectiva. Atualmente, está exposta no Museu do Louvre, em Paris, França.

Apesar de seu rosto ser um dos mais reconhecidos da história, a identidade da modelo que posou para Leonardo da Vinci continua sendo um dos maiores mistérios da obra. Há várias teorias sobre quem tenha sido, mas três parecem ser mais relevantes e de credibilidade, sendo transmitidas ao longo da história.

O quadro de Mona Lisa está exposto
no Museu do Louvre, em Paris.****

A primeira teoria e tida como a mais provável, por Giorgio Vasari e outras evidências, é que a moça retratada é Lisa del Giocondo, esposa de Francesco del Giocondo, figura importante da sociedade de Florença. Estudiosos afirmam existir documentos que fazem menção a Leonardo pintando um quadro de Lisa.

A segunda hipótese é de que se trata de Isabel de Aragão, a duquesa de Milão. Retratos da duquesa comparadas ao da modelo Mona Lisa revelam existir semelhanças claras entre ambas.

E a terceira e última hipótese, bem mais polêmica, é de que a figura representada no quadro trata-se do próprio Leonardo da Vinci vestindo roupas femininas. Essa teoria tem sido apontada baseada nas semelhanças entre a modelo de "Mona Lisa" e os autorretratos que da Vinci pintou.

Física, Natureza e Anatomia

Leonardo também era inventor e cientista. Entre os rascunhos de seus cadernos, também estavam os seus desenhos. Muitos deles contribuíram para estudos no ramo da Física.

Havia anotações que mostravam desenhos de espelhos côncavos que concentrariam raios de luz a partir de diversos ângulos, ajudando a entender mais sobre o funcionamento da Óptica. Teoremas iniciais referentes à inércia, à força e à ação/reação também foram encontrados entre os rascunhos do artista.

O Homem Vitruviano é um dos desenhos mais
conhecidos de Leonardo da Vinci e perfeito quanto
à simetria do corpo humano. *****

Apaixonado pela natureza e tudo que a envolvia, afirmava que o bom artista também deveria ser um bom cientista para melhor compreender e descrever a natureza. Ele também estudava ações até então não despertadas pela curiosidade de outras pessoas, como a funcionalidade dos moinhos, e de que forma acontece o voo de pássaros.

Não há como deixar de destacar a sua curiosidade pela anatomia humana e toda a sua funcionalidade. Relatos apontam que da Vinci chegava a ficar noites inteiras em hospitais a fim de saber como era a funcionalidade do corpo. Dessas observações, passava para o papel por meio de desenhos de partes do corpo humano e seus detalhes de estudos de observação.

Sua famosa obra " O Homem Vitruviano ", de 1492, é uma ilustração que conta com um desenho de uma figura humana com proporções perfeitas, com os braços e as pernas estendidos dentro de um círculo e de um quadrado. Ela foi inspirada em uma célebre passagem do arquiteto romano Vitruvius.

Curiosidades de da Vinci

Leonardo da Vinci, além de artista, possuía outras inúmeras habilidades nas mais diversas áreas. Mas há também alguns fatos curiosos sobre a sua vida em meio a tanto talento e inteligência.

O artista foi o responsável por um grande número de invenções a frente do seu tempo e que depois de muitos anos (e séculos) é que tomaram forma propriamente dita, passando por alguns ajustes. Entre os itens estão um modelo de paraquedas, asa-delta, tanques blindados, escavadeiras, robô, aparelho para mergulho submarino e até uma ponte giratória. Da Vinci até tentou desenvolver a primeira máquina que voava com homens, em 1498.

Desenhos dos protótipos e invenções de Leonardo da Vinci.******

A biografia escrita por Walter Isaacson vai virar filme. Da Vinci será interpretado nos cinemas pelo seu xará Leonardo DiCaprio. Uma curiosidade sobre o ator é que seu nome foi inspirado, justamente, no artista italiano.

Créditos da imagem*: Iryna1/ Shutterstock.com
Créditos da imagem**: Everett Historical/ Shutterstock.com
Créditos da imagem ***: Renata Sedmakova/ Shutterstock.com
Créditos da imagem ****: Oleg Golovnev/ Shutterstock.com)
Créditos da imagem *****: Jakub Krechowicz/ Shutterstock.com
Créditos da imagem ******: Kwirry/ Shutterstock.com

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Leonardo da Vinci: biografia, obras e curiosidades - Mundo Educação

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Leonardo da Vinci, reconhecido como um dos mais completos artistas de todos os tempos, era um pintor que, além de obras de artes, com pinturas muito famosas e mais reproduzidas pelo mundo todo, também utilizava sua genialidade e talento no ramo da medicina, engenharia, arquitetura e física.

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Marc Chagall was born Moishe/Marc Shagal in Liozne, near Vitebsk, in modern day Belarus, in 1887. He was a Russian-French-Jewish artist of international repute who, arguably, was one of the most influential modernist artists of the 20th Century, both as an early modernist, and as an important part of the Jewish artistic tradition. He distinguished himself in many arenas: as a painter, book illustrator, ceramicist, stained-glass painter, stage set designer and tapestry maker. Widely admired by both his contemporaries, and by later artists, he forged his creative path in spite of the many difficulties and injustices he faced in his long lifetime.

Chagall's early life in the schetl with his Hasidic Jew parents was a strong influence on his work throughout his life. He carried a Russian mysticism, and an intrinsic understanding of and sympathy for his religious roots wherever he travelled. Though open to new ideas, and embracing many elements of the modernist style, of which he was an early proponent, the dreams and realities of his early life ever formed the core of his aesthetics. Early works show that he had a happy childhood, in spite of the hard life he and his family faced. It is important to note that, unlike some other Jews of his generation, he never tried to hide his connection to Judaism. Much of his work contains the internal dichotomy between traditional Jewish art, and modernist art.

In 1906, Chagall moved to St. Petersburg, the centre of the Russian artistic world. He studied under Léon Bakst at the Zvantseva School of Drawing and Painting from 1908-1910. Whilst there, Chagall's teachers introduced him to the works of avant-garde artists Impressionist Claude Monet, Post-impressionists Van Gogh, Gauguin, and Neo-impressionist Georges Seurat. The young artist also studied Caravaggio, and other Old Masters such as Rembrandt, and Vermeer. Moreover, while in St. Petersburg Chagall discovered the genre that would become a highlight of his career: theater set and costume design. During this period, he returned home frequently, and met his future wife.

Paris was at that time the centre of the modern art world. In 1910, Chagall moved there, drawn to this centre of creative endeavour. His timing could not have been bettered. Paris then was abuzz with the new art of Cubism. Cubism was the dominant movement at the time, though much of the French art establishment was still under the sway of older 19th Century ideas. Chagall was like a breath of fresh air, with his ideas of art as coming from inside, being an outwards projection of one's mind and psychic being. In Paris, Chagall slowly integrated into the art society of the time, and met a lot of influential Parisian bohemians like Modigliani and Delaunay. He became interested in, and incorporated into his painting, elements of cubism, and also new trends of, of example, futurism and orphism.

It was during this time that Chagall had his first commercial successes. He became an integral part of what later became known as the Ecole de Paris. Some of his paintings from this period, like Paris Through the Window, show his very successful attempts to fit into his new milieu, while others, like The Birthday, and I and the Village are filled with nostalgia for his old life in Vitebsk. The range of emotive and whimsical figures and motifs in Chagall's work led André Breton to say that he alone had returned metaphor triumphantly to modern painting. Some of the otherworldly, supernatural touches in his paintings were said to prefigure surrealism.

After a number of large and successful exhibitions, Chagall went back to Russia to visit his family, and then fiancée, Bella. Unfortunately, he was forced to stay indefinitely in Russia after the outbreak of the First World War prevented his return to France.

Chagall's work during this period was dominated, of course, by his thoughts of the war, and death, as seen in 'War', though also by a nostalgia for his everyday life in Vitebsk, The Fiddler and his love for Bella, in such works as La Mariée and The Promenade. His witnessing of a worsening of persecution of the Jews during the war also led him to create a number of deeply religious paintings.

In Russia, Chagall did fairly well in terms of his reputation, gaining a degree of international caché, but only scraped by financially, exhibiting his work, illustrating books, and designing murals and stage sets. Eventually, in 1923, Chagall returned to Paris, with his wife, Bella.

Chagall travelled all over the world as his reputation of a painter and illustrator of high repute grew. He created etchings for works including The Bible, Gogol's 'Dead Souls' and 'La Fontaine's Fables', later recognised as his finest illustrations. He travelled throughout Europe, to Palestine and the Middle East, solidifying his personal view of himself as the archetypal Solitude.

The terrible events of the Second World War put Chagall in danger. In 1937, Nazi officials purged German museums of works the Party considered to be degenerate. In March of 1939 over one thousand paintings and almost four thousand watercolors and drawings of modern artists, including Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Piet Mondrian, and Franz Marc, were burned in the courtyard of a fire station in Berlin. As a high-profile Jew he was put on a list of artists whose lives were at risk from the Nazis, and, fortunately, in 1941 he escaped to America. Chagall and Bella arrived in New York the day after Germany invaded the Soviet Union.

In New York, Chagall was a fish out of water, but still managed to forge an artistic life here, where he did not yet speak the language. He forged friendships with Mondrian and Breton, and, represented by the son of Henri Matisse, held successful exhibitions. He also designed large, dramatic and beautiful sets for the ballet, 'Aleko'.

Great art picks up where nature ends. " - Marc Chagall

But the war was an extremely dark period for Chagall. He was deeply and profoundly distraught by the decimation of his home town Vitebsk, and the news of the concentration camps. The death of Bella in 1944 compounded his grief. The United States were never home to him, and in 1947 he returned to France.

He continued to paint, and also had huge success with stained glass windows, first completing a commission for Hadassah University Medical Center in Jerusalem, later commissions from around the world. His masterful use of colour and symbolism were strongly praised. Picasso once stated that when Matisse died, Chagall would be the only one who really understood what colour was, adding that his canvasses were really painted, not just tossed together.

Chagall's works are steeped in his Jewish heritage, often including memories of his home in Vitebsk, Belarus and it's folk culture. These subjects are the themes that Chagall always returns to. Some have argued that his painting style after the war was more subdued, melancholy, even hearkening back in time to post-Impressionism, but as ever, his work was entirely, uniquely his own. Chagall, throughout his career, incorporated elements from many schools of modern art, including Cubism, Fauvism, Symbolism, Surrealism, Orphism and Futurism. Ever though, his work revealed deeper levels of a resonant, lyrical emotional aesthetic, of music and culture, of a deep, intrinsic understanding of Jewish heritage.

In 1985, Chagall died and was buried in France. At the time of his death, he left a number of his extensive collection in various branches and styles of the arts. Chagall's work shows a masterful understanding of colour, and a deep emotional resonance, which is perhaps why his work is still so popular today. His contribution to 20th Century art world is one only very few artists can claim to have made.

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When I started, the only space artists I knew of were Chesley Bonestell in the USA and R.A. (Ralph) Smith in the UK (whom I met), and of course I was influenced by both of them. Later I discovered the work of the early French astronomer-artist, Lucien Rudaux. I first met artists of the International Association of Astronomical Artists at the Iceland Workshop in 1988, also attended by Russian artists, including Leonov. In September 1996 I became President of the IAAA. I am still a Fellow and Vice President for Europe, and in January 2002 was honoured with its Lucien Rudaux Memorial Award. In 2003 an asteroid, previously known as ‘1998 SB32’, was officially named ‘Davidhardy’!

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Artista argentina radicada nos Estados Unidos desde 1980. Sua obra abrange temas como memória, identidade e experiências de imigrantes. A série "Faixa de Sentimentos" reflete sobre eventos históricos cotidianos, utilizando técnicas mistas que incorporam colagens e referências culturais. A obra "Sem Saída" aborda a repressão durante a ditadura militar argentina, apresentando silhuetas que evocam a dor e a perda.https://pt.wikipedia.org/wiki/Mirta_Toledo

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Artista referência - Augusto Maciel Ferreira 

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Artista referência - Augusto Maciel Ferreira 

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Artista referência - Gustavo Ornaghi Cousseau

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Artista referência - Gustavo Ornaghi Cousseau

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Chesley Bonestell | Space art, science fiction, astronomical paintings | Britannica

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Chesley Bonestell was an American illustrator of spaceflight and astronomical subjects whose paintings, motion-picture special effects, and magazine illustrations captured the popular imagination in the decades before manned spaceflight began. Bonestell from his early youth was drawn to creating

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Rita Lee foi uma cantora e compositora nascida em São Paulo e conhecida como a "rainha do rock brasileiro". Defensora dos direitos das mulheres, ela foi uma das primeiras a tocar guitarra em um palco. Dona de cabelos lisos, com franja e pintados de vermelho, a artista participou do grupo Os Mutantes, nos anos 1960 e 1970, tornando-se famosa nacionalmente.
Leia também: Gal Costa - grande ícone da MPB que já foi considerada uma musa hippie
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Resumo sobre Rita Lee

Rita Lee Jones de Carvalho, a Rita Lee, nasceu na capital paulista, em 31 de dezembro de 1947.

Rita Lee abandonou o curso de Comunicação Social na USP para se dedicar à música.

Participou do grupo de rock psicodélico Os Mutantes entre as décadas de 1960 e 1970.

Foi uma das primeiras mulheres a tocar guitarra no palco.

Sua irreverência tornou-a conhecida como a rainha do rock brasileiro.

Participou do grupo Os Mutantes antes de seguir carreira solo.

Rita Lee foi compositora e intérprete de grandes sucessos musicais, como "Erva venenosa", "Lança perfume" e "Amor e sexo".

Em 2012, a cantora se aposentou dos palcos por problemas de saúde, e, em 2021, revelou tratar um câncer de pulmão.

Rita Lee morreu na noite do dia 8 de maio de 2023 em sua residência.

Vida de Rita Lee

Rita Lee Jones de Carvalho nasceu no dia 31 de dezembro de 1947, na cidade de São Paulo (SP). É a filha mais nova de Romilda Padula e Charles Fenley Jones, descendentes de italianos e norte-americanos respectivamente. A cantora tem duas irmãs: Mary e Virgínia. Ambas também contam com o sobrenome Lee, que, embora não seja oficialmente do seu pai, foi adotado por ele para homenagear um general.

Na sua infância e adolescência, a família da artista era de classe média. Ela morou no bairro paulistano Vila Mariana, onde ela afirmou já ter vivido grandes momentos. A artista estudou em um dos tradicionais colégios paulistas, o Liceu Pasteur. Rita Lee é poliglota e fala fluentemente idiomas como inglês, italiano, espanhol e francês.

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Quando era criança, Rita Lee teve aulas de piano, mas foi na adolescência que realmente passou a ter interesse na música. Também nessa época começou a compor suas primeiras canções. Assim como vários jovens da década de 1960, Rita Lee gostava de bandas de rock internacionais como The Beatles e Rolling Stones. Também admirava cantores brasileiros como Cauby Peixoto e João Gilberto, um dos criadores do estilo musical b ossa n ova.

A cantora chegou a ingressar no curso de Comunicação Social, na Universidade de São Paulo (USP), mas abandonou a instituição para se dedicar à música. Considerada uma das principais cantoras de rock brasileiro, Rita Lee foi conhecida pela imagem icônica dos seus cabelos lisos, com franja e pintados de vermelho.

Desde a sua juventude, Rita Lee foi considerada uma revolucionária. [2]

O primeiro marido de Rita Lee foi Arna l do Baptista, seu parceiro musical no grupo Os Mutantes. Eles se casaram em 1971 e se separam alguns anos depois. Em 1976, Rita Lee passou a morar com o guitarrista e futuro parceiro musical Roberto de Carvalho. Eles somente se casaram no civil em 1996 e seguiram juntos até a morte dela, em maio de 2023.

Rita Lee teve três filhos: João, Antônio e Beto. Este último também é guitarrista. A cantora também teve dois netos: Izabella e Arthur.

A cantora era adepta do veganismo. Teve opiniões contundentes e costumava expressá-las bem nas suas entrevistas. Foi defensora dos animais e dos direitos das mulheres. Ela também gostava de se expressar por meio de suas redes sociais.

A artista resolveu aposentar-se dos palcos em 2012, anunciando que estava com problemas de saúde. Na época, a cantora chegou a afirmar em uma rede social: "me aposento dos shows, mas da música nunca". Entretanto, um ano depois, chegou a participar de shows, como o que foi realizado em comemoração aos 459 anos da cidade de São Paulo.

Em 2021, a cantora revelou que estava com câncer de pulmão. Fez o tratamento e, no ano seguinte, anunciou estar curada.
Saiba mais: Woodstock - festival de rock que foi um marco da contracultura na década de 1960
Desde o início de 2023, a cantora sentia-se debilitada e chegou a ser internada no final de fevereiro. Saiu do hospital no início de março. Na noite do dia 8 de maio de 2023, Rita Lee morreu em sua casa, em São Paulo capital, ao lado de sua família.

Obra de Rita Lee

Rita Lee destacou-se na música brasileira não somente por ser uma das maiores cantoras e compositoras, mas por também ter marcado presença ao ser uma das primeiras mulheres a tocar guitarra no palco. Suas irreverência, atitude e postura fizeram com que ela fosse conhecida como a rainha do rock brasileiro.

→ Participação no grupo Os Mutantes

Rita Lee foi musa do grupo Os Mutantes [3]

Rita Lee participou do grupo musical de rock psicodélico Os Mutantes entre os anos de 1966 e 1972. A banda iniciou suas atividades encaixando-se no movimento Tropicália, que tinha como líderes Caetano Veloso e Gilberto Gil.

Os Mutantes sofreram influência de grupos como The Beatles e do cantor e guitarrista Jimi Hendrix. Cantavam músicas em inglês, e, também, o grupo gostava de cantar em português e valorizar a cultura brasileira. Por isso, Os Mutantes são considerados uma banda pioneira no hibridismo musical. O grupo participou de vários programas de televisão nos anos 1960. Lançou o primeiro disco homônimo em 1968. Uma das principais músicas da banda chama-se Panis et Circenses.

Em 1970, Os Mutantes lançaram o disco A divina comédia ou Ando meio desligado, considerado definitivamente um álbum de rock progressivo. O último disco de Rita Lee no grupo foi o Mutantes e Seus Cometas no País dos Baurets, de 1972. Pesquisas apontam que Rita Lee, na verdade, foi convidada a sair da banda por causa de desentendimentos musicais. Conforme Arnaldo Baptista afirmou: "Mandei Rita embora d'Os Mutantes".
Leia também: Chico Buarque - um dos principais nomes da Música Popular Brasileira
→ Banda Tutti Frutti e carreira solo

Depois que saiu d'Os Mutantes, Rita Lee formou, em 1973, outra banda com amigos chamada Tutti Frutti. Nesse grupo, a artista cantava e tocava violão, piano, gaita e sintetizador. Foi na década de 1970 que Rita lançou diversos dos seus sucessos musicais, consolidando-se como a rainha do rock brasileiro.

Rita Lee compôs e interpretou várias músicas dos gêneros do rock e da Música Popular Brasileira (MPB). Veja abaixo suas principais composições:

[1] Alexandre Cardoso/ Wikimedia Commons

[2] Arquivo Nacional/ Wikimedia Commons

[3] Arquivo Nacional/ Wikimedia Commons

Por Silvia Tancredi
Jornalista

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Rita Lee: vida e obra da rainha do rock brasileiro - Brasil Escola

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Saiba detalhes sobre a vida e a carreira de Rita Lee, uma das principais cantoras e compositoras do Brasil, famosa pelo título de "rainha do rock brasileiro".

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Conhecido por muitos como o maior pintor espanhol do século XVIII, Goya brinca com a emoção e a subjetividade ao retratar com um realismo particular a existência humana, o mundo ao seu redor e os eventos conflituosos do seu tempo. Um artista único, que uniu com maestria a modernidade e a tradição.

Vamos conhecer mais de perto a vida e as principais obras de Francisco José de Goya y Lucientes? Venha com a gente e descubra toda a complexidade emocional desse pintor e gravurista espontâneo e inovador!

Quem foi Francisco de Goya?

Francisco José de Goya y Lucientes nasceu em 30 de março de 1746 em Fuendetodos, uma vila no oeste da Espanha. O quarto de seis filhos, sua família era de classe média baixa. Com 14 anos, mudaram-se para a cidade de Saragoça, onde o pai passou a trabalhar como dourador.

Neste mesmo período, Goya tornou-se aprendiz do pintor José Luzán. Foi ali também que conheceu Francisco Bayeu, um pintor em evidência na época, popular na corte de Madri. Com 18 anos, Goya mudou-se para Madri e começou a trabalhar diretamente no estúdio de Bayeu, além de estudar com o artista alemão Anton Raphael Megs.

Goya tentou ingressar na recém inaugurada Academia Real de Belas Artes de Madrid duas vezes, em 1763 e 1766, mas acabou sendo rejeitado. Com 24 anos, o jovem artista viajou para a Itália, onde foi agraciado com uma menção honrosa em um concurso de pintura organizado pela Academia de Belas Artes de Parma. Em 1771, retornou para a Espanha e em 1773 casou-se com Josefa Bayeu - irmã de seu mestre e amigo.

No ano seguinte, começou a trabalhar para fábricas de tapeçaria realizando pinturas de cenas mitológicas. Também em 1774, Goya pintou um extenso ciclo de murais no Mosteiro Cartuxo de Aula Dei, retratando a vida de Virgem Maria em mais de 240 metros quadrados.

Foi apenas entre 1775 e 1780 que Goya alcançou seu primeiro sucesso popular ao se estabelecer como pintor de retratos da aristocracia espanhola. Em 1786, foi nomeado pintor da corte de Carlos III e em 1789 passou a criar desenhos para a fábrica real de tapeçaria de Madrid.

Foi nesse período que Goya passou a retratar a vida cotidiana em suas pinturas e começou a se aventurar com mais afinco nas gravuras - das quais tornou-se um mestre reconhecido.

No meio desse turbilhão artístico, em 1972 o artista contraiu uma doença misteriosa causada por intoxicação por chumbo - um metal pesado que era componente das tintas em óleo, sobretudo da tinta branca. Além de uma paralisia temporária, Goya perdeu severamente a sua audição.

Aqui, ele acaba por se isolar do mundo. Mas ao mesmo tempo em que entra em uma crise depressiva, sua arte vai se desenvolvendo. Para lidar com o sofrimento, o pintor ocupa a mente com o trabalho artístico - regado por temas estranhos e fantasiosos.

A partir daí, a sua fama só cresceu. Entre 1810 e 1814, pintou duas das suas obras mais reconhecidas: Los Desastres de La Guerra e El Segundo de Mayo de 1808. Como fica claro pelos títulos, a turbulência dos acontecimentos históricos não passou batido pelo artista: seu trabalho era, sobretudo, contextual. Goya incorporou nas suas pinturas e gravuras um jeito de contar a história.

Em 1821, acabou processado pela Inquisição por causa da sua obra Majas, que foi considerada obscena. Em 1824, para fugir do regimento opressivo de Fernando VII ele muda-se para Bordéus com a família. É ali que permanece em exílio até a sua morte, em 1828.

Goya e o contexto artístico da época

Não tem como falar adequadamente de Goya sem olhar com um pouco de atenção para o período em que ele viveu.

Na primeira metade de sua vida, a Espanha passava por um período de certa tranquilidade política. Mas a partir de 1789, com o reinado de Carlos IV e os ecos da Revolução Francesa, Goya se viu rodeado por acontecimentos trágicos - como a guerra civil após a ocupação francesa.

Sua arte, claro, não deixou de ser afetada e de refletir a história vivida pelo seu povo. Tanto as suas pinturas em óleo quanto suas gravuras refletiam sua visão sobre as questões sociais do seu tempo, guiadas pela Inquisição Espanhola e pelas Guerras Napoleônicas.

Com pinceladas mais soltas e visíveis - uma característica marcante do Romantismo e do Impressionismo- e uma paleta de cores fortes, suas pinturas retratavam não apenas a vida burguesa do clero e dos políticos e os acontecimentos históricos, mas também cenas mitológicas e religiosas.

Um dos seus objetivos com a arte era retratar com subjetividade os sentimentos humanos - não apenas a angústia e o sofrimento, mas também a felicidade. Ao fazer uma arte politicamente engajada, mas cheia de nuances imagéticas e subjetivas, Goya dava passos largos em direção ao Modernismo.

Principais obras de Goya

Não são poucas as telas de Goya que até hoje são reconhecidas como grandes obras de arte. Refletindo a sociedade e a política da sua época, elas deixam transparecer a visão muitas vezes contrastante do artista, que admirava os ideais da Revolução Francesa mas não sentia o mesmo apreço pelo estilo tirânico do imperador Napoleão.

Impactante e realista, O Três de Maio de 1808 retrata a guerra de uma maneira inovadoramente moderna. Com uma carga dramática pouco vista até então, nesta tela de 1814 Goya mostra a execução dos rebeldes espanhóis pelos soldados franceses no momento em que os últimos ocuparam a Espanha.

Com pinceladas expressivas, a tela é forte ao ser direta: não há margem para muitas interpretações além daquela que se vê ali, descarada. A crueldade da guerra - a vulnerabilidade de uns em contraponto à truculência de outros - é pintada por Goya sem refrescos ou atenuações.

Na tela A Maja Nua, por sua vez, o enfoque é outro. A guerra e seus contextos históricos são deixados de lado e o que aparece é o retrato ousado de uma mulher nua, com um olhar penetrante, em uma cama cheia de travesseiros. Para alguns, trata-se da Duquesa de Alba - talvez um caso amoroso do pintor. Pintada entre 1800 e 1807, a obra ganha uma segunda versão: desta vez, com a mulher completamente vestida.

Entre outras pinturas famosas de Goya que talvez você já tenha visto por aí, podemos destacar Saturno Devorando Um Filho (1819-1823), Colheita de Uva (1786-1787) e Cristo Crucificado (1780).

O legado de Francisco de Goya na arte

Quando falamos na arte de Goya, falamos de um modo de produção artística que considerou os acontecimentos históricos do seu próprio tempo e da sua vida pessoal.

Com suas pinceladas visíveis e mais abertas e sua maneira de fazer da sua própria arte uma forma de refletir sobre a história vivida, Goya influenciou diretamente o estilo espontâneo do Impressionismo.

Com sua arte subjetiva mas engajada, também conseguiu caminhar rumo ao Modernismo, abrindo espaço para o que viria a seguir com grandes nomes como Pablo Picasso.

Arte como expressão de vida

Apesar de ter passado boa parte da sua carreira como um retratista da corte, Francisco de Goya não se deixou cair no comodismo: sua arte foi questionadora e politicamente engajada, refletindo uma vontade genuína de expressar os acontecimentos da sua época e da sua vida.

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Categorias: História da Arte

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Goya: principais obras do artista clássico espanhol

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Conheça mais sobre Francisco de Goya, esse artista clássico espanhol que retratou com maestria os acontecimentos do seu tempo!

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Trabalho Lambe-Lambe (Shepard Fairey) - Miguel Freitas

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BIOGRAFIA DE SHEPARD FAIREY - INFâNCIA, CONQUISTAS DE VIDA E LINHA DO TEMPO - DIVERSOS

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Biografia de Shepard Fairey - Infância, Conquistas de Vida e Linha do Tempo Shepard Fairey é artista de rua e designer gráfico americano, mais conhecido por seu pôster de ‘Hope’ de Barack Obama. Esta biografia de Shepard Fairey fornece informações detalhadas sobre sua infância, vida, realizações, obras e cronograma

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Medea was originally created for Curry's mid-career retrospective, The Canyon, at CAC: Cincinnati (2017). It has been exhibited in the group exhibition Catastrophe and the Power of Art at the Mori Art Museum, Tokyo, Japan (2018) and in her solo exhibition Seven Contemplations at the Albright-Knox Foundation (2020).

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Lambe-Lambe (Coletivo SHN (São Paulo – Brasil)): Augusto e Gabriel

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Doutora em Estudos da Cultura

Alfredo Volpi (1896-1988) foi um dos maiores nomes da Segunda Geração de Arte Moderna no Brasil e deixou como legado uma série de pinturas de vários estilo com um colorido especial - não por acaso ele ficou conhecido como o "mestre das bandeirinhas".

Eclético e experimental, seu trabalho passou por diversas fases, relembre agora algumas delas.

Biografia de Alfredo Volpi

A mudança para o Brasil

Alfredo Foguebecca Volpi veio ao mundo no dia 14 de abril de 1896 em Lucca, região da Toscana, na Itália, mas se mudou para o Brasil (para a cidade de São Paulo) com um ano e meio de idade ao lado dos pais, Giusepina e Ludovico.

A família Volpi teve cinco filhos, Alfredo foi o terceiro deles.

Em São Paulo Giusepina e Ludovico criaram um pequeno comércio de queijos e vinhos no bairro do Cambuci e se estabeleceram definitivamente - foi no Brasil que o pintor passou a maior parte da sua vida.

Infância de Alfredo Volpi

Quando ainda era pequeno o menino foi inscrito pelos pais na Escola Profissional Masculina do Brás. Foi na instituição que a sua vocação artística começou a aflorar.

Aos doze anos começou a trabalhar e, com o dinheiro do primeiro salário, comprou uma caixa de aquarela.

O início da carreira

Alfredo, em 1911, deu os primeiros passos como pintor de paredes atuando nas decorações interiores das grandes mansões de São Paulo pintando sobretudo painéis e murais.

No início da carreira o artista também foi marceneiro, encadernador e entalhador. Fazendo muitas paisagens, o rapaz logo passou para outros suportes como a madeira e a tela.

Foi a partir de 1914 que Volpi alcançou um trabalho mais autoral, com uma marca identitária e o desenvolvimento de um estilo único.

A divulgação do artista

A primeira participação de Alfredo Volpi em uma mostra coletiva aconteceu em 1925 - a exposição foi realizada no Palácio das Indústrias de São Paulo.

Em 1930 o pintor fez parte do Grupo Santa Helena ao lado vários artistas, entre eles Mário Zanini e Francisco Rebolo. Os pintores criavam sobretudo a partir de modelos vivos. O nome do grupo foi dado pelo crítico Sérgio Milliet porque os artistas haviam alugado um espaço no Palacete Santa Helena, situado na Praça da Sé.

A primeira exposição individual do artista aconteceu em 1944, em São Paulo, na Galeria Itá, quando o artista tinha 48 anos. Todas as telas foram vendidas, uma delas foi adquirida por Mário de Andrade.

Reconhecimento profissional

Em 1940 Volpi ganhou o concurso do IPHAN, o que lhe deu maior visibilidade nacional. Treze anos mais tarde levou o Prêmio de Melhor Pintor Nacional da Bienal Internacional de São Paulo ao lado de Di Cavalcanti.

Em 1958 foi a vez de receber o consagrado Prêmio Guggenheim.

No Brasil, Alfredo também fez sucesso e em 1962 e 1966 foi eleito o melhor pintor do país pelos críticos de arte do Rio de Janeiro.

Vida Pessoal

Alfredo Volpi se casou em 1942 com a garçonete Benedita da Conceição (apelidada Judith). O pintor teve com ela uma única filha biológica chamada Eugênia Maria. O pintor adotou uma série de filhos, biógrafos especulam que tenham sido dezenove.

A morte do artista

O artista faleceu aos 92 anos, em São Paulo, vítima de um ataque cardíaco no dia 28 de maio de 1988.

Obras de Alfredo Volpi

Criada em 1973, a Catedral é uma pintura geometrizada e ritmada que carrega cores suaves e o clássico motivo das bandeirinhas que caracterizam o seu trabalho.

Interessado no folclore e na cultura popular, o tema das bandeirinhas foi reproduzido pelo artista em uma série de obras.

A tela Sereia foi criada em 1960 e, com traços simples e quase infantis, carrega a imagem de uma das mais importantes personagens do folclore brasileiro.

Uma curiosidade: o quadro acima, dos mais importantes do acervo de Volpi, esteve extraviado, mas já foi reencontrado.

Grande fachada festiva

A Grande fachada festiva, produzida durante a década 50, reúne dois elementos preciosos para a obra de Volpi: as fachadas e as características bandeirinhas.

Marinha com Sereia

Marinha com Sereia traz elementos da cultura nacional e foi produzido na década de 40. A tela, que tem 54 cm por 73 cm, faz parte de uma Coleção Particular.

Composição concreta

A obra Composição concreta, feita em têmpera, faz parte do acervo do MASP e tem 35 por 73 cm de dimensão. A tela é uma das maiores representantes da fase concreta do pintor, que teve início a partir dos anos cinquenta.

O estilo da pintura de Alfredo Volpi

Ao longo da carreira como pintor, Alfredo Volpi passou por uma série de fases. O artista começou a trabalhar inicialmente com obras figurativas (retratos e paisagens) e de estilo mais clássico.

Com o decorrer do tempo passou a a apurar o olhar simplificando a forma.

A importância de Itanhaém na pintura de Volpi

A mulher de Volpi ficou doente e precisou se mudar para Itanhaém (litoral de São Paulo). Foi a partir das visitas que fazia à esposa durante os finais de semana que o artista começou a mudar o seu estilo de pintura.

O artista passou a fazer quadros mais luminosos, com uma luz mais clara, leve e limpa, e deixou de pintar à óleo para pintar em tempera.

As tintas de Volpi

Uma curiosidade: a tempera é uma tinta feita com o ovo e, incomodado com o cheiro, Volpi costumava usava cravo na mistura.

As várias fases do artista

Depois de frequentar Itanhaém, Volpi deixa de lado a pintura de observação e passa a fazer uma pintura de memória, que o deixa mais livre para realizar uma série de experimentações estéticas.

Com o transcorrer do tempo o artista buscou inspiração na arte colonial. O pintor fez uma série de paisagens se focando especialmente nos temas populares e fazendo muito uso das cores. Alfredo criou também, ao longo da carreira, uma série de conteúdos religiosos.

A partir da década de cinquenta Volpi se aproximou da arte abstrata flertando com um estilo completamente diferente do seu traço inicial.

As fachadas

Em 1953 participou da Bienal de São Paulo e apresentou uma série de fachadas, simplificadas, que viriam a se tornar a sua marca registrada.

O artista tinha por hábito retomar muitas vezes o tema que gostava como as fachadas e as bandeirinhas.

Fase concreta

Volpi foi convidado por um grupo de concretistas para participar de uma exposição e, encantado com o estilo, desenvolveu algumas pinturas nessa linha.

O artista teve, portanto, uma fase concreta onde se viu livre de toda e qualquer figuração. Mas, apesar de se filiar ao grupo, Volpi permaneceu com um traço distintivo que foi continuar deixando aparente a marca do pincel sobre a tela.

Enquanto os concretistas buscavam uma tela lisa, sem lembranças da marca humana, Volpi fez questão de manter esse vestígio da pincelada presente.

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Alfredo Volpi: biografia e obras fundamentais

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Doutora em Estudos da Cultura Alfredo Volpi (1896-1988) foi um dos maiores nomes da Segunda Geração de Arte Moderna no Brasil e deixou como legado uma série de pinturas de vários estilo com um colorido especial - não por acaso ele ficou conhecido como o "mestre das bandeirinhas".

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Maternidade, Nossa Senhora da Vulva Livre, Porto (Portugal), 2016, Bordado em Fotografia Autorretrato, 42cm x 30cm - link: https://www.premiopipa.com/bruna-alcantara/

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Rafael Puetter - Rafucko - Portal dos Jornalistas

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Jornalista, ator e videomaker é mais conhecido por sua na exposição na internet pelas críticas certeiras de seu personagem ?rafucko?. Escreve e dirige vídeos, em sua maioria com tom irônico, sobre o preconceito na sociedade brasileira e coleciona entradas que atingem mais de 11 milhões de acessos.

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BIENAL 12 Online | Bienal do Mercosul | Brasil

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Bem-vind(e) à BIENAL 12 ONLINE, plataforma digital com obras e artistas participantes na 12ª Bienal de Artes Visuais do Mercosul, um dos mais importantes eventos de arte contemporânea na América Latina.