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Descripción enviada por el equipo del proyecto. Como todas las instalaciones de la Viña VIK han llegado a ser conocidas, la bodega VIK cuenta con un diseño único y sin precedentes, artísticamente diseñado, altamente sostenible, tecnológicamente creativo y una experiencia visual impresionante que redefine la experiencia del vino. La bodega ha sido diseñada por el talentoso arquitecto chileno Smiljan Radic.

Los visionarios detrás de la Viña VIK, Carrie y Alexander Vik, se embarcaron en un concurso de arquitectura con los más destacados arquitectos chilenos el año 2007, lo que en última instancia condujo a la selección de Radic (en asociación con Loreto Lyon) como el principal arquitecto y diseñador para el diseño inspirado y creativo de la bodega. Después de ganar este concurso, el equipo VIK pasó tres años trabajando para perfeccionar y mejorar el original concepto del diseño y los materiales. Situado entre las montañas y los valles a los pies de la Cordillera de Los Andes que se eleva en la distancia, la bodega ha sido cuidadosamente diseñada para tener un impacto mínimo sobre el paisaje y ha puesto en marcha los conceptos más vanguardistas y tecnología avanzada, esforzándose además por crear un diseño único.

El diseño de la bodega generó un único techo transparente de tela extendida, que permite que la luz natural penetre la bodega y así se opere sin iluminación artificial. El acceso a la bodega es una visualización notable de una plaza con una pequeña pendiente de 2 grados de agua corriendo sobre el espacio, que entrega un elemento adicional de enfriamiento. Ubicada a lo largo de la plaza de agua corriendo, se encuentra una instalación escultural de Smiljan Radic y Marcela Correa, el talentoso equipo de marido y mujer. Algunas pasarelas cortan esta plaza, permitiendo que los visitantes puedan recorrer entre este paisaje lleno de agua. La mayor parte del edifiico se encuentra bajo tierra para el enfriamiento natural del vino durante el proceso de elaboración del mismo, manteniendo una temperatura consistente de 57 grados a través del uso de la amplitud térmica natural del valle. El techo de lona, el elemento arquitectónico principal que puede ser visto desde el exterior, da la impresión de una enorme ala blanca suspendida sobre esta bodega subterránea.

Al entrar en el interior de la bodega, los visitantes se sumergen inmediatamente en la experiencia VIK, y serán guiados a través de los mecanismos internos de la bodega que los lleva a través de todo el proceso de elaboración del vino, dependiendo de la temporada, de la molienda y fermentación de encubado, el envejecimiento y la degustación. En la planta baja de la sala de fermentación, con sus tanques de acero inoxidable, los visitantes son atraídos a la pared lejana con mucha luz natural, desde donde pueden mirar hacia abajo hacia la larga columnata de columnas iluminadas inclinadas a través de la nave de barricas malolácticas en la sala de degustación donde el altar de vino VIK se sienta sobre esta luz natural. En la sala de degustación Patrick Valette, el enólogo jefe, o uno de sus equipos presentan diversos aspectos de VIK y ofrecen degustaciones de las diferentes cosechas.

Después de una cata de vinos, los huéspedes tienen la oportunidad de caminar arriba al pabellón de cristal para disfrutar de VIK con indulgencias culinarias entre el diseño excepcional y las esculturas de Marcela Correa durante la visualización de la viña VIK y la bodega en la majestuosa naturaleza circundante. Aquí también pueden hacer sus compras de productos VIK para disfrutar en casa con la familia y recordar su experiencia VIK.

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Descripción enviada por el equipo del proyecto. Como todas las instalaciones de la Viña VIK han llegado a ser conocidas, la bodega VIK cuenta con un diseño único y sin precedentes, artísticamente diseñado, altamente sostenible, tecnológicamente creativo y una experiencia visual impresionante que redefine la experiencia del vino.

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Ayer 27 de Junio fueron reveladas las fotografías de la Serpentine Gallery 2011 a cargo del gran arquitecto suizo y Pritzker 2009 Peter Zumthor, pabellón en el cual participó además como colaborador el creador de jardines Piet Oudolf ( High Line, Bienal de Venecia 2010, etc.), quien creó el jardín central.

El concepto para el pabellón de este año es el "hortus conclusus", es decir un espacio diseñado para la contemplación y reflexión, donde desde el acceso empieza la paulatina transición hacia un patio interior que actúa como el espacio central de desconexión alejado del sonido y del movimiento exterior. Un espacio que invita reflexionar y contemplar el jardín central y sus diferentes especies de flores.

Como en las previas obras de Zumthor, aquí cumplen un importante rol los materiales y el uso de la luz, la cual transmite esa 'espiritualidad' muy particular que se logra apreciar en su arquitectura. El tema del jardín es también visto como una forma de intimidad, la más íntima en el paisaje según el suizo, ya que requiere de cuidado y protección permanente.

La presencia de los jardines interiores ha fascinado desde siempre a Zumthor, como un elemento dotado de una presencia mágica donde la arquitectura crea el espacio para la permanencia y la contemplación.

La Serpentine Gallery es una importante cita anual de la arquitectura. Puedes ver los pabellones anteriores que hemos publicado en Plataforma Arquitectura en el siguiente link.

Arquitecto: Peter Zumthor Jardín: Piet Oudolf Fotografías: John Offenbach

A continuación más fotografías de la Serpentine Gallery 2011.

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Serpentine Gallery Pavilion 2011 / Peter Zumthor

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Ayer 27 de Junio fueron reveladas las fotografías de la Serpentine Gallery 2011 a cargo del gran arquitecto suizo y Pritzker 2009 Peter Zumthor, pabellón en el cual participó además como colaborador el creador de jardines Piet Oudolf ( High Line, Bienal de Venecia 2010, etc.), quien creó el jardín central.

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designboom | architecture & design magazine

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titled 'art biotop water garden', junya ishigami's earthwork landscape is nestled among the foothills of japan's nasu mountains. the sprawling environment, which designboom exclusively previewed with ishigami at his studio, is generated with the aim of obscuring the boundary between architecture, landscape architecture, art, and environmentalism. while the garden is carefully modeled and reliant on technological artifacts, the work is both highly artificial and undeniably natural - a living organism that grows and changes by its own inherent dynamics. the temporal characteristics of the landscape are revealed with the existence of former, existing, and future layers.

image © nikissimo inc.

while junya ishigami had opened 'water garden' at art biotop nasu during the summer of 2018, the project has now been honored with the inaugural obel award. the invasive, large-scale project calls for the relocation of an entire forest tree by tree. with this endeavor, the artist emphasizes the meaning of great respect and care for the environment. the approach - sculpting space without the imposition of built objects - relies in large part on the emotions and sensations of the viewer and is founded on the context and the qualities of the landscape. the result is a highly poetic landscape that acutely influences the visitor on an emotional level.

image © nikissimo inc.

with 'water garden', ishigami invites both visitors and professionals within the fields of architecture to foster a greater understanding and respect for the natural environment. the project guides the viewer's interaction with nature, demonstrating how one might leave an imprint on it without destroying it. martha schwartz, chair of the obel award jury comments: 'ishigami's architecture is the architecture of space, not of object, which is a departure from conventional architecture. he discards the idea of architecture as a built, utilitarian structure by reversing the business- as-usual process, which is: building first, landscape second - if at all. instead, with the project 'water garden,' ishigami leaves us wondering: is this architecture, landscape architecture, or art?'

image © nikissimo inc.

the obel award is a new, international prize for architectural achievement presented annually by the henrik frode obel foundation, founded by henrik frode obel (1942-2014). the prize is €100,000 and an artwork by tomás saraceno. the aim of the award is to honor recent and outstanding architectural contributions to human development all over the world. these contributions should offer seminal solutions to urgent problems. the award is given to works or projects from the past five years. it can be given to an architect or group of architects, and the award-winning project can range from a manifesto to a masterplan and include buildings, landscape projects, and exhibitions.

image © nikissimo inc.

image © nikissimo inc.

image © yasuyuki takagi

image © yasuyuki takagi

image © yasuyuki takagi

junya ishigami gave designboom a preview of the project at his studio - see more here
image © designboom

full article here
project info:
project title: art biotop water garden

office: junya ishigami+associates

location: art biotop nasu, tochigi, japan

year: 2013-2018

photography: nikissimo inc., yasuyuki takagi

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junya ishigami sculpts poetic 'water garden' at art biotop

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titled 'art biotop water garden', junya ishigami's earthwork landscape is nestled among the foothills of japan's nasu mountains. the sprawling environment, which designboom exclusively previewed with ishigami at his studio , is generated with the aim of obscuring the boundary between architecture, landscape architecture, art, and environmentalism.

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designboom | architecture & design magazine

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the exterior garden and greenhouses at the japanese pavilion

image © designboom

while at the venice architecture biennale 08, designboom also visited the japanese pavilion, designed by junya ishigami. because it is impossible to show actual buildings at the biennale, ishigami has found an alternative format to showing architectural forms by creating an installation which has a parasitical relationship to the pavilion's existing structure. he has constructed 'buildings' at a 1:1 scale, which have been designed with precise structural calculations, just barely able to stand. the installation suggests the future possibilities of architecture, which for ishigami is comprised of delicate greenhouses which have ephemeral physical presence that blends into their surrounding environment. ishigami's greenhouses are not equipped with air control systems, nor are they sealed off from the outside by a barrier, reducing the feel of an artificial environment. the weakness of the plant barriers result in an ambiguous mixing of elements from the internal and external environment. with the help of botanist hideaki ohba, ishigami aims to present a selection of plant life which creates a slight disturbance in the landscape of the park. at first the landscape seems quite ordinary, but it is this belief that this is an extremely progressive approach to an environment.

upon entering the interior, the japanese pavilion appears almost empty thus revealing the beauty of the original space. the greenhouses which ishigami have constructed are dispersed amongst the pavilion's exterior using furniture and plants to create the atmosphere of an interior landscape. the overall architecture of the space is not given any definite qualities of a physical object, blurring the boundaries between the interior and exterior, making the japanese pavilion appear as if it is an artificial environment or an element of topography. it was ishigami's goal to consider both architecture and landscape on the same level, using plants to create an environment which is comparable in scale to that of the built environment. he has tried to marry nature and architecture with each other to the point that the two seem almost indistinguishable so that everything internally and externally exists simultaneously.

related designboom snapshot report: junya ishigami for canon at milan design week 2008

more venice architecture biennale: http://www.labiennale.org junya.ishigami+associates: http://jnyi.jp

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venice architecture biennale 08: japanese pavilion

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the exterior garden and greenhouses at the japanese pavilion image © designboom while at the venice architecture biennale 08, designboom also visited the japanese pavilion, designed by junya ishigami. because it is impossible to show actual buildings at the biennale, ishigami has found an alternative format to showing architectural forms by creating an installation which has a parasitical relationship to the pavilion's existing structure.

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AA.VV. JA 79, Junya Ishigami. 2010.

BOSE, Shumi. "Architecture as Air: Château La Coste", Domus, 2011, Consultado el 16 de Julio de 2018, https://www.domusweb.it/en/ architecture/2011/08/03/architecture-asair- chateau-la-coste.html GADANHO, Pedro, A Japanese Constellation, New York City, The Museum of Modern Art, 2015.

IGARASHI, Taro, "A Few Things I Know About Junya Ishigami", en: Junya Ishigami: another scale of architecture. Kyoto, Seigensha Art Publishing, 2010.

ISHIGAMI, J., Junya Ishigami: Plants & architecture, Tokyo, Junya. Ishigami+Associates, 2008.

ISHIGAMI, J., Junya Ishigami: Small images, Tokyo, INAX, 2008.

ISHIGAMI, J., "Greenhouse designing with Yoshizaka", en: JA 79, Junya Ishigami, 2010.

ISHIGAMI, J., Junya Ishigami: another scale of architecture, Kyoto, Seigensha Art Publishing, 2010.

ISHIGAMI, J., Junya Ishigami: my works. Etsam, 16 de noviembre de 2011, Vídeo. Madrid, Servicios Audiovisuales, Etsam, 2011.

ISHIGAMI, J., Junya Ishigami: how small? how vast? how architecture grows, Ostfildern, Hatje Cantz, 2014.

ISHIGAMI, J., "De la libertad en arquitectura", en: El Croquis 184, Christian Kerez (2010-2015), Junya Ishigami (2005- 2015), 2016.

ISHIGAMI, J., "Pabellón de Japón, XI Exposición Internacional de Arquitectura, Bienal de Venecia", en: El Croquis 184, Christian Kerez (2010-2015), Junya Ishigami (2005-2015), 2016.

ISHIGAMI, J., "KAIT Workshop", El Croquis 184, Christian Kerez (2010-2015), Junya Ishigami (2005-2015), 2016.

HUNT, John Dixon, Greater Perfections The Practice of Garden Theory, Philadelphia, University of Pennsylvania Press, 2000.

LEVENE, Richard; MÁRQUEZ, Fernando, El Croquis 184, Christian Kerez (2010-2015), Junya Ishigami (2005-2015), 2016.

OTERO, Marina, "125 hectáreas de arte. Château La Coste, un paisaje de arquitecturas", en: Arquitectura Viva, n. 146, 2012.

WORRAL, Julian, "The Deep Field: Resolving a Japanese Constellation", en: A Japanese Constellation, New York City, The Museum of Modern Art, 2015.

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La naturaleza como experimento constructivo. El Pabellón de Japón para la XI Bienal de Venecia (Junya Ishigami, 2008) | Ra. Revista de Arquitectura

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AA.VV. JA 79, Junya Ishigami. 2010. BOSE, Shumi. "Architecture as Air: Château La Coste", Domus, 2011, Consultado el 16 de Julio de 2018, https://www.domusweb.it/en/ architecture/2011/08/03/architecture-asair- chateau-la-coste.html GADANHO, Pedro, A Japanese Constellation, New York City, The Museum of Modern Art, 2015. IGARASHI, Taro, "A Few Things I Know About Junya Ishigami", en: Junya Ishigami: another scale of architecture.

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Text description provided by the architects. A museum of vintage BMWs is opening this month in Beijing, China. Crossboundaries ' design for the gallery space brings forth the exclusiveness of the cars while it references the Chinese collector with a local touch.

The museum exhibition starts on the 3rd floor. Entering through an inviting, almost two floors high and bright area, passing the reception zone, whose vertical surfaces are accentuated with horizontal lighting strips interpreting the motion of speed, the visitor is being absorbed into a lower, more cozy "transitional" lounge.

Through layers of red fabric in the imitation of a Chinese gate, the exhibition opens up behind. The exhibition area is subdivided into different zones with diverse qualities, some of display and some of lounging.

White, light and slightly transparent fabric banners are hung from the open ceiling on this floor. While the fabric's verticality reduces the high ceiling to a more human scale, the vast amount of white textile surfaces indicates generority and the "Chinese red gate" as backdrop transmits an imperial feeling.

The neutral white brings emphasis on the few exhibition pieces here, underlining their exclusiveness.

The horizontal lighting strips continue into the main exhibition area and information walls, with integrated screens for multimedia presentations at the perimeter walls of the space. Projections can be also screened on to fabric banners in the middle of the space where seating areas are provided around the exhibition pieces.

The 4th floor offers a different experience. Walking up a centered freestanding staircase, the visitor accesses the 4th floor and arrives at the front of two long car display platforms. Having more cars to show on this floor, a key feature here is the car display. The space is structured by several long platforms out of white back painted glass surfaces with integrated stainless steel strips and edges. Similar to the 3rd floor, the metal lines mimic the lighting strips on the walls and the information walls reappear on the perimeter of the space.

The ceiling of stainless steel mirrors the elevated platforms, allowing the space to appear higher and more spacious. The special lighting for illumination of the cars is also integrated here. Parallel to each other, the platforms offer the visitor a clear route through the history of cars and more interaction.

A movie theater, game room and an exhibition display for smaller items round off the experience. They are located at the end of the exhibition area, where natural light leads you towards the elevators.

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Zhengtong BMW Museum, Beijing / Crossboundaries

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Text description provided by the architects. A museum of vintage BMWs is opening this month in Beijing, China. Crossboundaries ' design for the gallery space brings forth the exclusiveness of the cars while it references the Chinese collector with a local touch. The museum exhibition starts on the 3rd floor.

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Nineteenth-century American coverlets are both an embodiment and expression of our national identity. In red, white, and blue, these textiles visualized the young nation through emblems of state and the Stars and Stripes of independence. Looking closely, this American imagery was crafted by interweaving cotton-grown by slaves and spun in Northeastern mills-with local wools steeped in the indigo, madder, cochineal and brazilwood of colonial globalism. The material content of these textiles speaks much more directly to our nation's history than any visual stories they tell.

And yet we continue to believe in image over substance.

Unbound is a series of experimental works created by weaving historical American coverlet patterns into a ground cloth based on the cotton plaids and checks that were integral to the triangle trade. Exposed for fading and selectively unwoven, these textiles are a meditation on the process of historicization, the formation of American identity, and the prevailing culture of the image.

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Nineteenth-century American coverlets are both an embodiment and expression of our national identity. In red, white, and blue, these textiles visualized the young nation through emblems of state and the Stars and Stripes of independence. Looking closely, this American imagery was crafted by interweaving cotton-grown by slaves and spun in Northeastern mills-with local wools steeped in the indigo, madder, cochineal and brazilwood of colonial globalism.

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The internationally - and has unveiled the "largest indoor sculpture ever made". Prepared to debut in a public exhibition starting March 16, the inflated "Big Air Package" has been designed to occupy a 117-meter-tall former gas tank known as Gasometer Oberhausen in often controversial - acclaimed artist Christo
Germany. The 90-meter-high, 50-meter-wide sculpture is made from 20,350 square meters of semitransparent polyester fabric and 4,500 meters of rope, with a total weight of 5.3 tons and a volume of 177,000 cubic meters.

The seemingly endless, inflatable installation was conceived in 2010 and is Christo's first major work after the passing of his wife and artistic partner Jeanne-Claude in 2009.
More on Christo's "Big Air Package" after the break...
"The "Big Air Package" nearly spans the distance from wall to wall of the Gasomter, leaving only a small passage to walk around the sculpture. Two air fans creating a constant pressure of 27 pascal (0.27 millibar) keep the package upright. Airlocks allow visitors to enter the package. Illuminated through the skylights of the Gasometer and 60 additional projectors, the work of art creates a diffuse light throughout the interior. Inside the sculpture, an extraordinary experience of shape, space and light is provided."

"When the Big Air Package was finally installed, it was absolutely unexpected what I saw. The fabric very much transports the light. You are virtually swimming in light when you are inside the Big Air Package," the 77-year-old artist describes his latest work of art, which is the first one realized without his late wife and artistic partner Jeanne-Claude. "The inner space is probably the most unique aspect of all the Air Packages that we did since 1966. When experienced from the inside, that space is almost like a 90-meter-high cathedral."

Christo and Jeanne-Claude realized their first sculpture involving air in 1966 in the Dutch town of Eindhoven. Their last air package was erected at documenta IV in Kassel in 1968. It stood 85 meters tall, with a diameter of 10 meters and a volume of 5,600 cubic meters.

"Big Air Package" will remain on view from March 16 through December 2013.
For more on inflatable architecture, check out the latest update on Diller Scofidio + Renfro's Hirshhorn "Bubble". via This is Colossal, Christo Jeanne Claude Website

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Christo Unveils Inflatable, Light-Infused Installation in Germany

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The internationally - and has unveiled the "largest indoor sculpture ever made". Prepared to debut in a public exhibition starting March 16, the inflated "Big Air Package" has been designed to occupy a 117-meter-tall former gas tank known as Gasometer Oberhausen in often controversial - acclaimed artist Christo Germany.

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For a Moroccan Tagine restaurant in Seoul, Korean design office M4 created a graphic black and white space with a dreamy, cloud-like ceiling.

A glass facade makes the most of the location and provides a beacon for hungry evening diners, as well as making the most of a space that had plenty of design challenges: low ceilings, long and skinny floor plan, and a low budget.

The restaurant's name, 'Ho-Hum', a word for everyday boredom, inspired the wistful ceiling that mimics lazy day cloud gazing.

The voluptuous white fabric is dotted with lights, and diffusers cause the clouds to shift and move.

The white interior and wooden furniture is contrasted by inventive black typography on the walls, which explains Tagine food, an unfamiliar cuisine in South Korea.
Images courtesy M4.

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For a Moroccan Tagine restaurant in Seoul, Korean design office M4 created a graphic black and white space with a dreamy, cloud-like ceiling. A glass facade makes the most of the location and provides a beacon for hungry evening diners, as well as making the most of a space that had plenty of design challenges: low ceilings, long and skinny floor plan, and a low budget.

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"The fabric canopy can also be thought of as an inverted temple Shikhara." With the celebration of tribal ceremony and the symbiotic relationship between humans and forest as guiding philosophies, the studio constructed an abstracted forest of canopies, consisting of nineteen discs raised up on bamboo posts to support undulating planes of sheer fabric. The design was conceived to reflect the ancient Indian pilgrimage ritual of traveling through the forest in search of enlightenment. In a statement about their work, Abin Design Studio says: "The fabric canopy can also be thought of as an inverted temple Shikhara. The Indian temple is a classical example of designing a devotional community space. The conceptualization of the Pavilion of Canopies is in its essence, a contemporary attempt at re-imagining this ancient tradition."

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A Pavilion Of Canopies By Abin Design Studio - IGNANT

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"The fabric canopy can also be thought of as an inverted temple Shikhara." With the celebration of tribal ceremony and the symbiotic relationship between humans and forest as guiding philosophies, the studio constructed an abstracted forest of canopies, consisting of nineteen discs raised up on bamboo posts to support undulating planes of sheer fabric.

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Del 14 al 17 de mayo Fira Barcelona ha acogido la 21ª edición de Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), salón de carácter bienal que reúne a las empresas líderes del sector de la construcción. Este año, coincidiendo con su 40 aniversario, el salón además de apostar por la innovación y la digitalización ha querido fomentar la sostenibilidad y la economía circular como claves de futuro.

Claro ejemplo de ello es el diseño del estudio Josep Ferrando Architecture para los espacios comunes y las zonas temáticas -Future Arena, Talks Arena y Meetings Arena - Un total de 34.000 m2, dedicados a los expositores, a los avances tecnológicos, al debate y a los contactos de negocio, para los que Ferrando ha planteado una arquitectura efímera que, acorde a la singular dinámica de composición que origina sus obras, parte de un sistema que resuelve de manera lógica y económica los problemas a los que se enfrenta, optando por el reciclado y la reutilización como concepto clave.

Con tan solo dos materiales, el arquitecto barcelonés Josep Ferrando ha logrado diseñar unos espacios seductores, singulares, funcionales y que cumplen con criterios de economía circular. Por una parte, se ha utilizado geotextil, telas industriales cuyo formato estándar es de 2,20 metros de ancho por 200 m de largo, y que serán reutilizadas para impermeabilización de cubiertas. Y por otra, unas enormes vigas metálicas cuya función anterior ha sido facilitar el transporte de las piezas prefabricadas que se están utilizando para la construcción del Templo de la Sagrada Familia de Barcelona y que volverán a su función original una vez finalice BBConstrumat.

Además de una firme apuesta por el aprovechamiento de recursos, el proyecto de Ferrando transmite lo que él define como una tautología universal de la construcción. "Casi todos los espacios y casi todos los materiales de construcción trabajan de dos maneras: colgados, por lo tanto a tracción o apilados, es decir, a compresión. Dos formas de trabajar, a tracción o a compresión, que han estado históricamente presentes en la arquitectura, desde los edificios clásicos a los contemporáneos. Dos formas de trabajar en las que los elementos más ligeros, como los textiles, se contraponen con los elementos pesados, como el acero. La dialéctica entre lo que es ligero versus lo que es pesado, lo que es transparente versus lo que es opaco... ha estado siempre presente, y es lo que también, quiere transmitir esta intervención".

Es por esto que, más allá de la firme aproximación sostenible, el proyecto de Josep Ferrando Architecture para las zonas comunes de BBConstrumat 2019, en coherencia con su discurso conceptual, contiene básicamente dos materiales. Uno, el geotextil, que trabaja a tracción y que colgado desde 6 metros desde una estructura repetida de pórticos, genera unas ondas translúcidas de diferentes alturas que flotan hasta la cota de 45 cm y que conforman y regulan el espacio, recreando una especie de cueva que, a su vez, aloja pequeñas cavidades en su interior. Mientras que, el otro material son unas vigas metálicas que trabajan a compresión, se apilan a diferentes niveles y configuran el mobiliario -45 cm bancos o 75 cm mesas, entre otras piezas-. En definitiva, una arquitectura efímera original, responsable para con el planeta y que escenifica el lenguaje histórico de la construcción y por lo tanto, de la arquitectura.

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Barcelona Building Construmat Ephemeral Space de Josep Ferrando Architecture | Edificios para..

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Del 14 al 17 de mayo Fira Barcelona ha acogido la 21ª edición de Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), salón de carácter bienal que reúne a las empresas líderes del sector de la construcción. Este año, coincidiendo con su 40 aniversario, el salón además de apostar por la innovación y la digitalización ha querido fomentar la sostenibilidad y la economía circular como claves de futuro.

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En su 21ª edición, Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), el Salón Internacional de la Construcción de Fira de Barcelona, contará por segunda vez con unos espacios centrales diseñados por un estudio de arquitectura.

Si en 2017 fueron Anna & Eugeni Bach, en esta edición los más de 3000 m2 de zonas comunes han sido diseñados por Josep Ferrando, "continuando así la clara apuesta del Salón por convertirse, entre otras cosas, en un escaparate de la arquitectura efímera más original, inspiradora y sostenible", explica la organización.

Los espacios temáticos de las Talks Arena, Future Arena y Meetings Arena, en Barcelona Building Construmat acogerán, durante los días del 14 al 17 de mayo, un auditorio temporal para conferencias y debates, una área de exposición de los últimos avances y evoluciones del sector en cuanto a tecnología y nuevos materiales y una zona dedicada a encuentros de negocio y a nuevas formas de networking.

El proyecto de Josep Ferrando recuerda a una basílica hecha únicamente con dos materiales de construcción: unas grandes lonas blancas y unas vigas usadas como bancos o mostradores. La instalación efímera encargada por el Salón tiene como objetivo crear una identidad común para estas tres áreas y al mismo tiempo aislar cada espacio para que se puedan desarrollar actividades diferentes y con distintas funciones.

El reto también reside en el precio de la intervención, que tiene que ser ajustado al de una construcción temporal, y en el requerimiento de que la intervención debe de tener el mínimo desperdicio posible, desde una óptica de reúso y sostenibilidad. De hecho, el proyecto de Ferrando cuenta con la colaboración de la Junta Constructora de la Sagrada Familia de Barcelona que cederá algunas de las grandes vigas que se están empleando en la construcción de la obra magna de Antoni Gaudí y que serán reutilizadas tras la celebración del Salón en las obras de finalización del templo. Los geotextiles, prestados por la empresa Soprema, se reutilizarán en otros proyectos y la realización de la instalación y montaje cuenta con la colaboración de las empresas Lahyer y Germans Homs.

Además, esta edición el Barcelona Building Construmat será un evento neutro en carbono y sin residuos para lo que, entre otras acciones, se recolectará el papel sobrante y se donarán los excedentes de alimentos a la ONG Nutrition without Borders en línea con algunos de los valores por los que apuesta el equipo del Salón dirigido por Ione Ruete: crecimiento a través de la innovación, desarrollo sostenible y economía circular.

Future Arena: la comunidad más disruptiva

El Future Arena será el punto de encuentro de ideas transformadoras, un espacio de más de 2000 m² que se convierte en el núcleo de Barcelona Building Construmat. El internet de las cosas (IOT), la impresión 3D, las propuestas de las startups, la realidad virtual, robótica, smart materials o el BIM, entre otros, son algunos de los actores que nos acercan a la innovación en esta área. El Future Arena está dividido en cuatro zonas: zona Startups, Technical Corner, Showroom y The Future House.

The Future House presenta la innovación en la construcción de la casa del futuro. Un espacio organizado en 5 fases que conforman el ciclo de vida de la construcción de la casa del futuro, con los proyectos de investigación más innovadores del sector, de la mano de las universidades y los centros tecnológicos más punteros. La zona Showroom se configura como una exposición para conocer de cerca los materiales, proyectos y productos más disruptivos que están cambiando la construcción, seleccionados entre todas las empresas expositoras por un comité técnico. Technical Corner es un programa de ponencias en el que en 2017 más de 3.000 profesionales comparten su experiencia y conocimiento a través de 50 experiencias prácticas contadas por 50 empresas pioneras, seleccionadas por un comité técnico. Startups es el espacio del Salón que da la bienvenida a la construcción inteligente, mostrando los proyectos de las mejores startups emergentes internacionales.

Talks Arena: las voces de la innovación

Las voces de la innovación Talks Arena será el escenario del Congreso Lógicas de innovación y cambio, comisariado por Ricardo Devesa, doctor arquitecto, editor jefe en Actar y urbanNext y profesor en IaaC. Las lógicas del diseño y la construcción arquitectónica están en continua adaptación al contexto en el que operan. Su sistema de métodos y principios se expanden para afrontar retos tales como el cambio climático, las disrupciones tecnológicas, las debacles económicas y geopolíticas, o los movimientos demográficos, entre otros grandes cambios globales.

Reconocidos expertos internacionales a través de talks y mesas redondas revisarán los fenómenos más relevantes que acontecen a nuestra sociedad, para repensar y mostrar desde ellos otras lógicas espaciales, funcionales, profesionales, sociales y culturales que se orientan hacia una concepción expandida de la arquitectura, "basada en la innovación y la experimentación, a la vez que en la responsabilidad y motivación en responder a las necesidades del devenir de la sociedad y el planeta", explica Ricardo Devesa.

Meetings Arena: conectando profesionales

En el Meetings Arena BBConstrumat impulsa nuevos formatos de networking para potenciar nuevos contactos y nuevas oportunidades de negocio en un sector globalizado. Esta arena se complementa con el espacio de coworking, el press corner y la librería especializada. Dentro de esta área, organizada por el Colegio de Diseñadores de Interiores de Catalunya (CODIC) también se desarrollarán unas jornadas de encuentros de profesionales del sector del diseño de interiores visto desde campos tan cercanos o diferentes como el Retail, el Contract, el espacio Living y los espacios de trabajo Oficinas.

El Meetings Arena se completa con un espacio con un amplio fondo bibliográfico con títulos nacionales e internacionales sobre arquitectura, urbanismo, interiorismo, construcción, arte y diseño. Además Barcelona Building Construmat pondrá a disposición de todos los visitantes profesionales el Press Corner, un espacio en el que conocer, consultar y hacerse con un ejemplar de la mejor prensa especializada española en los ámbitos de la construcción y la arquitectura, disfrutando con una zona de descanso.
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BBConstrumat'19: Josep Ferrando diseñará espacios de arquitectura efímera con criterios de economía circular

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En su 21ª edición, Barcelona Building Construmat (BBConstrumat), el Salón Internacional de la Construcción de Fira de Barcelona, contará por segunda vez con unos espacios centrales diseñados por un estudio de arquitectura.

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designboom | architecture & design magazine

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OMA designs immersive chinese pavilion at venice art biennale
exterior view, installation by liu jiakun
image by italo rondinella courtesy of OMA

renowned architecture practice OMA has released photographs of their design for the chinese pavilion at the venice art biennale 2015 curated by the beijing contemporary art foundation. the exhibition itself showcases the pieces all under the theme of 'other future' and utilizes a series of stages with projection screens serving as a backdrop. composer tan dun, artist lu yang and architect liu jiakun together have created work influenced by traditional chinese heritage, social reality, nature and classics meanwhile simultaneously blending their vision with contemporary music with dance.

the installation follows OMA's recent involvement with la biennale di venezia, in which rem koolhaas directed the 14th international architecture exhibition, 'fundamentals', in 2014. the exhibition was designed by OMA asia in collaboration with curatorial advisor kayoko ota. the design team is led by dongmei yao, wanyu he, long yu, and michael kokora. the 56th international art exhibition runs from may 9, to november 22, 2015.

image by italo rondinella courtesy of OMA

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OMA designs immersive chinese pavilion at venice art biennale

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OMA designs immersive chinese pavilion at venice art biennale exterior view, installation by liu jiakunimage by italo rondinella courtesy of OMA renowned architecture practice OMA has released photographs of their design for the chinese pavilion at the venice art biennale 2015 curated by the beijing contemporary art foundation.

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Respuestas a preguntas Bases de concurso

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Respuestas a preguntas Bases de concurso

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BASES CONCURSO INTERNO_T8 ARQUITECTURA UCT

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Registro fotográfico

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VIDEO ANIVERSARIO CENTRO CULTURAL LA MONEDA, 10 AÑOS

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🎭Centro Cultural Palacio de La Moneda [Chile Tour]

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El conversatorio se realizará vía Zoom el día 20 de octubre entre 17:00 y 19:00 hrs y se encuentra abierto a todo público previa inscripción a través del siguiente enlace
Enlace inscripción

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sitio web

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Más información Menos información
Descripción enviada por el equipo del proyecto. Para celebrar el primer Centenario de la independencia de Chile, se construyeron diversas obras de gran importancia simbólica y cívica, especialmente en Santiago, como el museo de Bellas Artes, el Parque Forestal, la Biblioteca Nacional y así varias más. Esta vez, para celebrar el Bicentenario, se están llevando a cabo un gran número de obras a lo largo de Chile. Sin duda una de las más simbólicas es La Plaza de la Ciudadanía, ya inaugurada en Diciembre de 2005.Corresponde a una de las más importantes obras cívica construidas en Santiago durante el último siglo. El proyecto, diseñado por Undurraga Devés, busca articular espacios públicos solemnes del casco administrativo de la ciudad a otro sistema macro de ejes propuesto como intervención mayor. Se propone reunir actividades que actualmente están dispersas, acoger y reunir diversos actos ciudadanos. Se complementa y consolida el vacío del casco administrativo propuesto por Karl Brünner en 1930.El proyecto se estructura básicamente en 3 partes.

PRIMERA ETAPA: La Primera Etapa de la Plaza de la Ciudadanía consideró su emplazamiento en el espacio definido entre las calles Teatinos y Morandé, entre la fachada sur del Palacio de La Moneda y la vereda norte de la Alameda. Ello dio lugar a una explanada superficial de 10 mil 565 metros cuadrados, que incluye una plaza pública con áreas verdes y una terraza compuesta por un atrio y una fuente de agua, ubicados en el frontis del edificio presidencial.En el subsuelo se construyó un edificio de estacionamientos públicos con capacidad para 564 vehículos en cuatro niveles, completando una superficie de 17 mil 440 metros cuadrados con accesos peatonales y vehiculares por las calles Morandé y Teatinos. Esta primera etapa, que concluyó el 23 de diciembre de 2005, también contempló la construcción del Centro Cultural de La Moneda. La concesión del proyecto, definida a 30 años, incluye el mantenimiento y operación por parte de la empresa a cargo de las obras.

SEGUNDA ETAPA: Esta fase, a cargo del Ministerio de Vivienda, abarcó la remodelación del sector sur. Aquí, se retiró la denominada "Llama de la Libertad" y se modificó el Altar de la Patria, reubicando el monumento al Libertador Bernardo O'Higgins frente al Ministerio de Defensa y una fuente de agua en el costado poniente de la plaza. Se demolió el pavimento antiguo dejando el nuevo suelo al mismo nivel del Paseo Bulnes. De este modo, la Plaza de la Ciudadanía recuperará la continuidad visual del lugar y generará un nuevo espacio público para la vida colectiva, un lugar de encuentro, un escenario para las fiestas cívicas y las asambleas ciudadanas. En el subsuelo de esta plaza se conservó la cripta de O'Higgins, cuyo interior puede ser visto desde la misma plaza a través de una lucerna rodeada por una baranda vidriada. Además, se generó un rampa peatonal de acceso, invitando a los visitantes a conocer este espacio ceremonial donde serán exhibidos a modo de museo los elementos más simbólicos de la historia de nuestra independencia. Paralelamente, en el remate sur del Paseo Bulnes, sobre el Parque Almagro, se instalará un asta para una monumental bandera de 75 metros de altura, la que culminará simbólicamente el Eje Cívico y generará un contrapunto visual con el Palacio de la Moneda. El 9 de marzo de 2006 se inauguró la segunda etapa de la Plaza de la Ciudadanía. La bandera monumental se instalará durante 2006.

TERCERA ETAPA: La última fase del proyecto -cuyo inicio no está aún definido- incluye el rebaje de la Alameda para dar continuidad y formar el gran espacio para la Plaza de la Ciudadanía, con el tratamiento del pavimento en superficie que unifique las tres etapas, creando la gran explanada.Se incluyen además las intervenciones de las calles y veredas que bordean la Caja Cívica. En el subsuelo estarán conectadas las redes del Metro con la locomoción colectiva, dando gran accesibilidad al lugar.

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Centro Cultural Palacio La Moneda y Plaza de la Ciudadanía / Undurraga Devés Arquitectos

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Más información Menos información Descripción enviada por el equipo del proyecto. Para celebrar el primer Centenario de la independencia de Chile, se construyeron diversas obras de gran importancia simbólica y cívica, especialmente en Santiago, como el museo de Bellas Artes, el Parque Forestal, la Biblioteca Nacional y así varias más.

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09 Marzo 2017: Exposición de Picasso en Centro Cultural La Moneda

Si te perdiste la exposición de Picasso Mano Erudita, Ojo Salvaje en el Centro Cultural Palacio La Moneda, podrás disfrutarla junto a Federico y Marcelo.

-centro cultural palacio la moneda, plaza de la ciudadanía, santiago.

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city tour capítulo 02 temporada 2017. (09 de marzo 2017).

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09 Marzo 2017: Exposición de Picasso en Centro Cultural La Moneda Si te perdiste la exposición de Picasso Mano Erudita, Ojo Salvaje en el Centro Cultural Palacio La Moneda, podrás disfrutarla junto a Federico y Marcelo. -centro cultural palacio la moneda, plaza de la ciudadanía, santiago.

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Entregas

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Sesión Martes

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Sesión Viernes

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entrega

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Sesiones Online

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Pulenteando con poca plata: Centro Cultural Palacio la Moneda

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Santiago Adicto: Centro Cultural Palacio La Moneda

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La naturaleza del tejido como objeto y como sujeto

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Hijos del viento

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Hijos del Viento_Arte de los pueblos del sur sigloXIX.pdf

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1a Propuesta Tejido Fraternidad

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Decolonisign artisanal design with Mayan weavers from the highlands of Chiapas, México

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Manual de protocolo para no mapuche

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Buenas prácticas para proyectos vinculados a temáticas culturales indígenas y/o afrodecendientes

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1er Conversatorio Tejido de Fraternidad

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Primer Conversatorio: Tejido de Fraternidad

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Tejido de Fraternidad

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Esta iniciativa busca apoyar con trabajo a mujeres tejedoras de distintas comunidades y regiones de Chile. Actualmente, estas artesanas ya han comenzado a crear diversas piezas que luego serán integradas en un gran telar que representará el tejido de fraternidad que queremos en nuestra sociedad.

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Herederas del Llalliñ

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Textil Contemporáneo

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Reflexiones de Futuro Cap.8 Fadeu UC Textil Contemporáneo  Paola Moreno

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Centro cultural localizado en Santiago de Chile, bajo la Plaza de la Ciudadanía, frente a la fachada sur del Palacio de La Moneda. Fue construido con la intención de poner a Chile en el circuito cultural internacional, permitiendo el acceso participativo y formativo para todos los ciudadanos a patrimonios culturales y audiovisuales en el ámbito nacional e internacional.

Autor: Undurraga Deves Arquitectos
Ubicación: Avenida Libertador Bernardo O Higgins, Santiago
Año proyecto: 2005
Año construcción: 2003-2004
Fotografías: Esme Vos, Emilio Buenavida, BenGoetzinger, GuyWenborne, Cristian Cisternas, KarenClunes, Hernán Castro

Tiene una superficie de 7.200 m², contemplando en su base dos salas de exhibición principales de 620 m² cada una. Este centro cultural fue inaugurado en enero de 2006 por el entonces presidente de Chile Ricardo Lagos, y forma parte de las construcciones realizadas en el marco del Proyecto Bicentenario, planificación surgida desde el Estado chileno con motivo del aniversario número 200 de la República de Chile.

El Centro Cultural recibe un promedio de público que supera las 1000 personas al día, visitas que se fomentan con un amplio aparato de difusión, un programa de formación de audiencias escolares, en acceso liberado a las muestras para todo público y el trabajo con entidades chilenas y extranjeras. Su programa formativo contempla visitas guiadas, talleres, funciones de cine, programas de apoyo para profesores y actividades de extensión de todo tipo; así como el aporte especializado de su Centro de Documentación Artes Visuales y la Cineteca Nacional, quienes asocian sus servicios en pos de un resguardo del patrimonio artístico y fílmico local.

El Centro Cultural Palacio La Moneda aloja dos grandes salas de exhibición, además de otras salas menores y espacios destinados al disfrute cultural. Algunas de sus dependencias son:

Salas de exposición: Andes (oriente) y Pacífico (poniente): ubicadas en el nivel -3, representan el principal atractivo del centro cultural. Más adelante están listadas las exhibiciones realizadas en este espacio.

Espacio Violeta Parra: Ubicado en el nivel -1, hasta el año 2013, esta sala exhibió 3 muestras rotativas con la totalidad de la obra visual y textil de la connotada folclorista nacional Violeta Parra, cedida en comodato por la Fundación Violeta Parra, actualmente la colección se exhibe en el Museo Violeta Parra

Sala de exposición: "El Túnel": Ubicada a un costado del nivel -3, esta galería está destinada a albergar muestras de artes visuales, patrimonio contemporáneo plástico, fotográfico, ilustración y otras manifestaciones artísticas.

Galería del Diseño: ubicada en el nivel -2 sur, sus vitrinas presentan diversas selecciones realizadas en torno a los temas del diseño a nivel nacional.

Cineteca Nacional de Chile: Ubicada en el nivel -2 sur, del Centro Cultural. Cuenta con una sala de cine con capacidad para 210 personas y un microcine para 40 personas, estas salas tienen una programación permanente de cine patrimonial, estrenos de cine chileno, documentales y muestras de cine internacional, así como también es parte de diversos festivales de cine nacional.

Centro de Documentación de las Artes Visuales: ubicado en el nivel -2 norte, el CEDOC Artes Visuales conserva publicaciones y documentos audiovisuales sobre arte contemporáneo en Chile a partir de 1970.

En sus dependencias también existen otros espacios comerciales (Tiendas, restaurantes, cafeterías, kiosko), así como un punto de exhibición y venta de la Fundación Artesanías de Chile y el Laboratorio Creativo de Fabricame.com, (Ex. Espacio Violeta Parra)
El Centro Cultural Palacio La Moneda también cuenta con una sede en la comuna de Ñuñoa, la cual agrupa las diversas oficinas de la Cineteca Nacional de Chile, con sus bodegas de conservación y servicio de mediateca.
Descripción de los arquitectos.
Para celebrar el primer Centenario de la independencia de Chile, se construyeron diversas obras de gran importancia simbólica y cívica, especialmente en Santiago, como el museo de Bellas Artes, el Parque Forestal, la Biblioteca Nacional y así varias más. Esta vez, para celebrar el Bicentenario, se están llevando a cabo un gran número de obras a lo largo de Chile. Sin duda una de las más simbólicas es La Plaza de la Ciudadanía, ya inaugurada en Diciembre de 2005.Corresponde a una de las más importantes obras cívica construidas en Santiago durante el último siglo. El proyecto, diseñado por Undurraga Devés, busca articular espacios públicos solemnes del casco administrativo de la ciudad a otro sistema macro de ejes propuesto como intervención mayor. Se propone reunir actividades que actualmente están dispersas, acoger y reunir diversos actos ciudadanos. Se complementa y consolida el vacío del casco administrativo propuesto por Karl Brünner en 1930.El proyecto se estructura básicamente en 3 partes.

Primera Etapa:
La Primera Etapa de la Plaza de la Ciudadanía consideró su emplazamiento en el espacio definido entre las calles Teatinos y Morandé, entre la fachada sur del Palacio de La Moneda y la vereda norte de la Alameda. Ello dio lugar a una explanada superficial de 10 mil 565 metros cuadrados, que incluye una plaza pública con áreas verdes y una terraza compuesta por un atrio y una fuente de agua, ubicados en el frontis del edificio presidencial.En el subsuelo se construyó un edificio de estacionamientos públicos con capacidad para 564 vehículos en cuatro niveles, completando una superficie de 17 mil 440 metros cuadrados con accesos peatonales y vehiculares por las calles Morandé y Teatinos. Esta primera etapa, que concluyó el 23 de diciembre de 2005, también contempló la construcción del Centro Cultural de La Moneda. La concesión del proyecto, definida a 30 años, incluye el mantenimiento y operación por parte de la empresa a cargo de las obras.

Segunda Etapa:
Esta fase, a cargo del Ministerio de Vivienda, abarcó la remodelación del sector sur. Aquí, se retiró la denominada "Llama de la Libertad" y se modificó el Altar de la Patria, reubicando el monumento al Libertador Bernardo O'Higgins frente al Ministerio de Defensa y una fuente de agua en el costado poniente de la plaza. Se demolió el pavimento antiguo dejando el nuevo suelo al mismo nivel del Paseo Bulnes. De este modo, la Plaza de la Ciudadanía recuperará la continuidad visual del lugar y generará un nuevo espacio público para la vida colectiva, un lugar de encuentro, un escenario para las fiestas cívicas y las asambleas ciudadanas. En el subsuelo de esta plaza se conservó la cripta de O'Higgins, cuyo interior puede ser visto desde la misma plaza a través de una lucerna rodeada por una baranda vidriada. Además, se generó un rampa peatonal de acceso, invitando a los visitantes a conocer este espacio ceremonial donde serán exhibidos a modo de museo los elementos más simbólicos de la historia de nuestra independencia. Paralelamente, en el remate sur del Paseo Bulnes, sobre el Parque Almagro, se instalará un asta para una monumental bandera de 75 metros de altura, la que culminará simbólicamente el Eje Cívico y generará un contrapunto visual con el Palacio de la Moneda. El 9 de marzo de 2006 se inauguró la segunda etapa de la Plaza de la Ciudadanía. La bandera monumental se instalará durante 2006.

Tercera Etapa:
La última fase del proyecto -cuyo inicio no está aún definido- incluye el rebaje de la Alameda para dar continuidad y formar el gran espacio para la Plaza de la Ciudadanía, con el tratamiento del pavimento en superficie que unifique las tres etapas, creando la gran explanada.Se incluyen además las intervenciones de las calles y veredas que bordean la Caja Cívica. En el subsuelo estarán conectadas las redes del Metro con la locomoción colectiva, dando gran accesibilidad al lugar.

- Presupuesto Oficial (UF): 520.628.
- Inversión (MMUS ): 15.
- Llamado a Licitación: 5 de Octubre de 2003.
- Fecha de Inicio de Construcción: 19 de mayo de 2004.
- Plazo de Concesión: 360 meses

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Centro Cultural Palacio La Moneda - Plaza de la Ciudadanía de Undurraga Devés Arquitectos | Diseño Arquitectura

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Centro cultural localizado en Santiago de Chile, bajo la Plaza de la Ciudadanía, frente a la fachada sur del Palacio de La Moneda. Fue construido con la intención de poner a Chile en el circuito cultural internacional, permitiendo el acceso participativo y formativo para todos los ciudadanos a patrimonios culturales y audiovisuales en el ámbito nacional e internacional.

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INFO LINKS CONTACTO TERMINOS Y CONDICIONES

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Arte textil mapuche

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Textilería mapuche

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Catálogo fotográfico textiles

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CATÁLOGO FOTOGRÁFICO | MUSEO HISTORICO NACIONAL

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Recomendaciones para nombrar y escribir sobre pueblos indígenas y sus lenguas

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Colores en la cultura mapuche

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Carpeta Google Drive
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