# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La Generación del 27 es uno de los movimientos artísticos e intelectuales más importantes de la historia cultural española.

Sus miembros masculinos son ampliamente conocidos.

Pero, ¿Por qué en su extensa nómina no aparecen figuras femeninas?

¿Es que acaso las mujeres no podían ser artistas en aquella época?

Nada más lejos de la realidad...

# data[].attributes.attachment_link.description
LAS SINSOMBRERO, es un proyecto crossmedia, que reivindica el legado de las artistas pertenecientes a la generación del 27.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sumada al futurismo y el resto de las estéticas rompedoras que habían inaugurado la fiebre de la avant-garde, la revolución iniciada en el legendario Cabaret Voltaire marcó con su mezcla de irreverencia y experimentación radical, tanto en los aspectos más estimulantes como en los meramente anecdóticos, el tono subversivo que caracterizaría a la edad dorada de los ismos. El afán provocador, la iconoclasia o el desdén por el canon heredado eran ingredientes compartidos por otras escuelas a los que Dada, abanderado por el alemán Hugo Ball y el rumano Tristan Tzara, aportó un decidido gusto por el caos, el nihilismo de fondo -no fue casual que la asonada tuviera lugar en medio de la Gran Guerra- y un aire libertario que trascendía la habitual retórica antiburguesa. En particular los surrealistas, que se esforzaron más que sus predecesores en dotarse de un cuerpo teórico, fueron, como muestra el señalado caso de Breton, sus herederos directos, pero antes de que la desinhibida frescura de los comienzos fuera encorsetada por un afán reglamentador y finalmente sectario, el dadaísmo cumplió una saludabilísima función incitadora que tiene además, vista desde hoy, el encanto algo ingenuo de los pioneros incontaminados. En España lo más parecido fue la temprana constelación del Ultra, que no pretendía una traslación propiamente dicha -sus seguidores acogieron por sistema todas las ideas novísimas- pero se hizo eco de los postulados de Dada como parte del cóctel, altamente espirituoso, de las literaturas europeas de vanguardia.

Especialista en la figura de Guillermo de Torre, que fue entre nosotros el principal embajador de la corriente, Pablo Rojas ha rastreado las huellas del dadaísmo en la escena literaria de la península, en un bien concebido volumen que contextualiza el fenómeno, ofrece una breve muestra de los autores - Poetas de la nada- que siguieron su estela, recopila los textos traducidos en las revistas de la época, reúne las informaciones que dieron noticia de la controvertida actividad de los dadaístas y cierra con una heterogénea colección de citas de contemporáneos en el tramo que va de 1916, fecha fundacional del movimiento, a 1925, cuando el impulso de Dada se ha diluido, no sin fricciones, en el cauce mayor del surrealismo. Quizá el contenido antológico podría haberse acompañado de una introducción más extensa, pero el propio autor concede que ha orientado su trabajo al acopio y por otra parte las páginas que dedica a la recepción de "Dada en España", una clara síntesis del periodo, apoyan su tesis sobre la existencia, con matices, de una sucursal hispánica. Tampoco queda duda, a la vista de las selecciones respectivas, de que ni los poetas ni la prensa ni las publicaciones especializadas permanecieron ajenas al "juego de locos" (Ball) que sacudió a la sociedad de la posguerra.

El epicentro, como es sabido, estuvo en Zurich, pero los impulsores tuvieron desde el principio una vocación internacionalista y su influencia llegaría -a través de Duchamp y Picabia, que pasó por Barcelona en 1916- hasta el continente americano. Junto al citado De Torre, a quien Huidobro, el padre del creacionismo, había puesto en contacto con los vanguardistas, hay que mencionar los nombres tutelares de Ramón Gómez de la Serna y Rafael Cansinos Assens, rivales a la hora de acaudillar a las nuevas generaciones en su lucha contra los moldes caducos. En torno a ellos pulularon autores como Rafael Lasso de la Vega, Joaquín Edwards Bello, Joaquín de la Escosura, César A. Comet, Jorge Luis Borges o Eugenio Montes -representados todos en la antología de Rojas- en los que se aprecian, como ha escrito Juan Manuel Bonet a propósito del último, adherencias dadaístas, combinadas con las afines al cubismo, el expresionismo o el porvenirismo futurista. Tanto las revistas como las veladas del Ultra tomaron de Dada el componente lúdico y una voluntad de transgresión que sobreviviría en ciertas actitudes de los poetas del 27, coetáneos de los ultraístas. La amplia y curiosísima sección donde el antólogo recoge las noticias relacionadas con el dadaísmo, muchas de ellas irónicas, mordaces o abiertamente denigratorias, documenta el impacto de una propuesta que no se tradujo en demasiados poemas memorables, pero supo captar el espíritu de los tiempos y contribuyó a oxigenar, con su mirada libérrima, la enrarecida atmósfera modernista.

# data[].attributes.attachment_link.description
Sumada al futurismo y el resto de las estéticas rompedoras que habían inaugurado la fiebre de la avant-garde, la revolución iniciada en el legendario Cabaret Voltaire marcó con su mezcla de irreverencia y experimentación radical, tanto en los aspectos más estimulantes como en los meramente anecdóticos, el tono subversivo que caracterizaría a la edad dorada de los ismos.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Por Mª ANGELES PÉREZ MARTIN

Tradicionalmente a las mujeres les ha sido vetado el acceso a las Academias de arte oficiales, la mayoría tuvieron que aprender en escuelas particulares, con lo que su desarrollo artístico estuvo siempre condicionado a su nivel económico familiar. La incorporación de las artistas a los movimientos de vanguardia en el siglo XX se realiza de manera similar a lo ocurrido en el siglo anterior. Solo a las hijas de familias acomodadas les fue posible el acceso de manera independiente a la educación artística. Para el resto de mujeres, pertenecientes a clases medias, el desarrollo de su actividad artística fue a través de sus relaciones sexuales, como parejas o esposas de otros artistas. Muchas de ellas, se introducen en los círculos artísticos como modelos y, posteriormente, trasformaron sus aficiones artísticas en labor profesional, con el apoyo de sus esposos y amantes, o en muchas ocasiones, a pesar de colaborar con sus esposos o amantes.

Puntualmente tuvieron el reconocimiento a su genialidad y creatividad en sus innovaciones artísticas, participaron en exposiciones y salones, y vendieron sus cuadros, pero pocas han entrado a formar parte de los libros de Historia del arte. La ideología imperante en la vanguardia, aun bajo una pretendida modernidad, margina a la mujer artista en la misma medida que se hiciera en siglos anteriores. La libertad otorgada a la mujer para mostrarse, al ser identificada con la naturaleza, la convierte en el objeto del interés masculino encarnando a nivel sexual las relaciones sociales existentes. El cuerpo de la mujer como sede del placer visual masculino, pone de manifiesto la relación de poder masculino con el control sobre la imagen femenina. Las artistas que a pesar de ello consiguieron progresar, lo hicieron en muchas ocasiones desde una posición seudo-varonil, vistiendo y desenvolviéndose como un hombre en los círculos sociales.

Las numerosas trabas que fueron impuestas a las mujeres en las artes mayores, arquitectura, pintura y escultura, hicieron muy difícil que estas pudieran desempeñar un papel más destacado. Asumieron en la mayoría de los casos una subordinación artística respecto de sus compañeros, intentando a través de temáticas más femeninas, que estaban a su alcance, desarrollar sus actividades artísticas. Quizá precisamente porque no fueron consideradas como artísticas en un sentido intelectual. Fue a través de la fotografía, y la elaboración de textiles y diseños de moda, en los campos en los que las mujeres tuvieron un papel decisivo. En ellos les fue posible desarrollar su creatividad en igualdad de condiciones, o incluso con una mayor libertad creativa que los varones, a los cuales por su formación académica más ortodoxa, les era difícil innovar.

El desarrollo de la abstracción debe mucho al lenguaje visual derivado de las artes decorativas, sobre todo textiles, las abstracciones geométricas de los diseños de moda fueron asimiladas por la modernidad. La confección textil estaba en manos de mujeres, por lo que se convirtieron en productoras a la vez que portadoras de las vanguardias más rompedoras. Desde finales del siglo XIX, la reivindicación de la reforma del vestido se convirtió en un signo del socialismo. Abandonar los corsés era signo de progresismo. Posteriormente, pasó a verse el vestido como un medio de construir una identidad.

Mujeres como Gabriele Münter, a quien le estuvo vedado el acceso a la Academia, aunque supeditaron su labor creativa a la de sus parejas, tuvieron sin duda gran influencia en las innovaciones introducidas por sus parejas masculinas. Las geometrías de colores puros de Kandinsky, tienen un antecedente en las innovaciones formales que Münter introdujo en sus recreaciones de la pintura bávara tradicional sobre vidrio. De la misma manera que mientras hombres como Kandinsky o Mondrian hacían una abstracción formal en la pintura, en las telas con estampaciones abstractas diseñadas por Vanessa Bell, o Duncan Grant para los Talleres Omega, pueden apreciarse conceptos similares.

Otra de las innovaciones de vanguardia, fue el nuevo tratamiento de los colores a través del simultaneismo del matrimonio Delaunay. El cubismo órfico, tuvo su precedente en la primera obra abstracta realizada por Sonia Delaunay. En esa obra utilizó como soporte el diseño de un cubrecama, lo que la llevó a continuar indagando en las texturas dinámicas de las superficies, y el desarrollo del color, la luz y el ritmo musical en la pintura. Pero el paso definitivo para el desarrollo futuro de esta rama del arte de vanguardia fue cuando, en el verano de 1913, comenzó a diseñar sus propios "vestidos simultáneos". Reaccionaba así contra la monotonía en las formas de vestir, traduciendo a través de la moda los principios de la abstracción y la modernidad al gran público.

La extensa difusión de estos diseños tuvo gran repercusión en los futuristas, tanto italianos como rusos. El concepto de movimiento que la artista introdujo con sus formas geometrizadas, fue el origen del futurismo. Los artistas futuristas pretendían que el espectador participara del cuadro al representar el movimiento y la velocidad.

Los artistas de vanguardia, a través de sus manifiestos rupturistas con el arte, en un principio abogaron por la igualdad, pero la preeminencia de un culto a la virilidad hizo que evolucionaran hacia un antifeminismo declarado. Algunas mujeres que participaron activamente en el movimiento futurista cono Benedetta Marinetti, han permanecido ocultas sus creaciones, o desprestigiadas, y solo muchos años después han sido reconocidas.

En el expresionismo alemán fue fundamental el grabado y su representante más virtuosa fue una mujer, Käthe Kollwitz. Sin embargo, a pesar de participar con los grupos originarios del movimiento expresionista, El puente y El jinete azul, nunca se llegó a implicar. Sus temáticas difieren de las masculinas, ella trata la maternidad de una manera nueva, desgarrada, nunca acude a la vida nocturna, sino que recrea el mundo interior. Sus grabados expresionistas son los más representativos de la época. Fue la primera mujer académica prusiana, a la que el Kaiser le negó una medalla por subversiva.

El primer movimiento en incorporar a la mujer en igualdad de condiciones fue la vanguardia rusa, en la cual numerosas las artistas participaron. Una igualdad fraguada en los movimientos políticos radicales del siglo XIX, en los que las mujeres participaron sirviendo al pueblo. La incorporación de la modernidad y las mujeres como productoras del nuevo arte se debió en gran parte a la unificación de las bellas artes (arquitectura, pintura y escultura) con las artes aplicadas (textil, cerámica, etc.), medio en el cual las mujeres habían participado activamente y eran referentes artísticos. Una fusión que artistas como Natalia Goncharova realizaron siendo muy influyentes sus innovaciones conceptuales tomando el primitivismo indígena ruso, utilizaron la influencia de la luz en el tratamiento del color. La importancia que dieron al color en la construcción pictórica mujeres como ellas fue fundamental en la vanguardia. Otra innovación importante introdujo Olga Rozanova, suya fue la convicción de que el arte pertenecía al proletariado, y debía reflejar los elementos esenciales de la vida industrial. Fruto de estas ideas el "Manifiesto Productivista" firmado por varias artistas anunciaba "el fin de la pintura" como medio expresivo poniendo el arte al servicio del comercio, los tejidos debían fusionar los aspectos artísticos con los tecnológicos en aras de la producción.

El Movimiento Dadá que se rebeló contra las convenciones artísticas burlándose del artista burgués con acciones provocativas, acogió a muchas mujeres. La mayoría de ellas fueron esposas de artistas, que participaron activamente desde la fundación en 1916 del grupo Cabaret Voltaire el teatro donde se reunieron y realizaron muchas de sus acciones dadaístas. La principal aportación introducida fue la ruptura del estatismo de la pintura. Lo que mujeres pioneras del fotomontaje como Hanna Höch, esposa de otro importante artista como Raoul Hausmann, consiguió con sus experimentos en los que yuxtaponían elementos como las máquinas junto a una modelo elegantemente vestida. Con lo que señalaba la relación del cuerpo idealizado de la mujer con la producción de objetos en serie.

El trabajo con telas permitió a mujeres como Sophie Taeuber-Arp innovar, al liberarse de las tradiciones pictóricas, que los dadaístas tanto habían denostado. Ellas fueron capaces de comunicar la vitalidad de la vida moderna en sus audaces tejidos tipo collage.

Las mujeres aportaron al surrealismo su propia dualidad interior. Como creadoras reaccionaron ante la musa femenina surrealista, que construye una mujer objeto en el que proyectar el deseo erótico varonil. La postura frente a este lenguaje erótico surrealista y los escritos freudianos llevaron a Leonora Carrington a orientarse hacia los temas de alquimia y magia; o a Dorotea Tanning a trasferir esa sexualidad al mundo de los niños y adolescentes. La autoimagen que Frida Kahlo proyecta, deja patente la dualidad entre el ser social femenino y la fuerza del instinto interior que ensalzó el surrealismo. Los conflictos en torno a la sexualidad, intentando reconciliar el papel tradicional de la mujer con sus vidas como artistas, se manifiesta en la introducción (en las obras de la Tanning, la Kahlo y de Meret Oppenheim) de una violencia dirigida contra sí mismas en temas de alumbramientos y maternidad. Una maternidad nada positiva que produjo unas perturbadoras visiones de estas artistas, que participaban de un movimiento en el que se premiaba la inocencia de la mujer niña, atacando así las instituciones familiares. Otras como Tamara de Lempicka pusieron en valor con sus retratos detallistas el tema del lesbianismo, algo que había permanecido clandestinamente como un tabú, la mujer masculina.

No obstante, a pesar de las notables aportaciones artísticas de las mujeres al desarrollo del arte de vanguardia y a la construcción de una imagen moderna de la mujer, la realidad de esta imagen está muy lejos de la vida cotidiana de las mujeres trabajadoras. Una imagen forjada para unas pocas privilegiadas ricas, que ha sido filtrada a través de la publicidad como fomento del consumo. Mientras ellas han permanecido ocultas, sin ser consideradas en los registros de la historia. Una historia que hasta hace muy pocos años han escrito exclusivamente hombres.

Por Mª ANGELES PÉREZ MARTIN

Etiquetas: Academias de arte oficiales, Benedetta Marinetti, círculos artísticos, cubismo órfico, Duncan Grant, educación artística, El puente y El jinete azul, Gabriele Münter, Historia del Arte, Kandinsky, KATHE KÖLLWITZ, Los Ojos de Hipatia, Mª ANGELES PÉREZ MARTIN, Movimiento Dadá, movimientos de vanguardia, Mujeres artistas, Natalia Goncharova, Olga Rozanova, progresismo, SIGLO XX, Socialismo, Sonia Delaunay, Talleres Omega, Valencia, Vanessa Bell, Vanguardias, VANGUARDIAS HISTÓRICAS

# data[].attributes.attachment_link.title
Las mujeres artistas en las vanguardias históricas del siglo XX

# data[].attributes.attachment_link.description
Por Mª ANGELES PÉREZ MARTIN Tradicionalmente a las mujeres les ha sido vetado el acceso a las Academias de arte oficiales, la mayoría tuvieron que aprender en escuelas particulares, con lo que su desarrollo artístico estuvo siempre condicionado a su nivel económico familiar.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo presenta el trabajo de un grupo de mujeres artistas que a partir de los años veinte del siglo pasado fueron partícipes, en mayor o menor grado, de un movimiento que históricamente ha sido asociado a los hombres: el surrealismo. El Museo Picasso Málaga ha reunido para la ocasión obras de dieciocho creadoras luchadoras y rebeldes y en varios casos eclipsadas por sus parejas masculinas. Así, la muestra reivindica un justo protagonismo a un grupo de mujeres artistas cuyo trabajo destacó en el entorno surrealista, algunas de las cuales han tenido que esperar quizás demasiado tiempo para alcanzar un grado de reconocimiento internacional verdaderamente notable: Eileen Agar, Claude Cahun, Leonora Carrington, Germaine Dulac, Leonor Fini, Valentine Hugo, Frida Kahlo, Dora Maar, Maruja Mallo, Lee Miller, Nadja, Meret Oppenheim, Kay Sage, Ángeles Santos, Dorothea Tanning, Toyen, Remedios Varo y Unica Zürn.

El comisario de esta exposición, José Jiménez, catedrático de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid, afirma que la elección de autoras "no es una opción separatista, sino una tarea de recuperación" y que asimismo "no constituye una enumeración cerrada, sino una lista abierta a nuevas consideraciones e inclusiones. Se trata de una selección que busca la coherencia en la construcción del relato expositivo, teniendo como ejes centrales la calidad artística de las obras y el ejercicio de estas mujeres de su autonomía activa, como sujetos pensantes y creativos, hacia la plena libertad". El individualismo y la personalidad de estas artistas se transmite a través de las más de cien obras de arte entre pinturas, dibujos, esculturas, collages, fotografías y películas reunidas para la ocasión.

El surrealismo, en masculino

La historia del arte ha favorecido la figura del artista varón, excluyendo sistemáticamente a las mujeres creadoras de los principales movimientos artísticos occidentales. Las mujeres han sido consideradas en primer lugar como inspiradoras y, ya en un segundo plano, como creadoras. Sus obras, generalmente eclipsadas por las de sus compañeros artistas, han sido a menudo relacionadas con el contexto doméstico y valoradas en inferioridad.

Fundado oficialmente en 1924 con la redacción por André Breton del Primer Manifiesto del Surrealismo, el movimiento surrealista tuvo una producción artística sobretodo literaria y visual que se desarrolló principalmente en París, aunque pronto se extendió a otros países como España, Bélgica, Suiza, Reino Unido, México o Estados Unidos. El manifiesto lo definía como un "automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."

Fue una ideología influyente, transgresora y anti-academicista que, aun apoyando la igualdad y la opción artística de la mujer, la consideró más cómo objeto artístico que como sujeto creador. Los artistas surrealistas contemplaban a la mujer en un plano idealista y pasivo, como eterna mujer-niña, musa y objeto sexual, como un enigma que debía ser descifrado a disposición de su imaginación y de sus deseos. Pero este movimiento tuvo también representantes femeninas importantes, que merecen ser valoradas y recordadas ya que tuvieron una gran pero poco reconocida parte en el mismo. Ha sido muy recientemente cuando ha empezado a considerarse su obra con la misma atención y respeto del que durante tanto tiempo han disfrutado sus compañeros.

El surrealismo, en femenino

Si bien los artistas surrealistas exploraron el inconsciente mediante los sueños, automatismos y trances inducidos, sus trabajos no necesariamente expresaron sus experiencias personales. Para ellas, el surrealismo fue la manera de tomar conciencia de su ser, explorar sus pensamientos y sentimientos más profundos y construir su identidad, reflejando experiencias pasadas y presentes, miedos, esperanzas y deseos.

A diferencia de sus pares masculinos, estas creadoras se sumergieron en el inconsciente como medio de autoconocimiento y con un sentido más introspectivo que lúdico: fue la herramienta con la que exploraron su ser femenino en el mundo y con el que exorcizaron demonios. Varias de estas artistas acarreaban enfermedades, tragedias y abusos sufridos a lo largo de sus vidas. En un tiempo de gran diseminación de las teorías del psicoanálisis, su arte visualizaba la psique femenina como nunca había sido mostrada, iniciando un diálogo que gradualmente transformaría las relaciones entre géneros.

Así, muchas de sus obras tienen una naturaleza autorreferencial, en donde el autorretrato tiene una importante presencia: sentían la necesidad de plasmarse a sí mismas para expresar quiénes eran y qué sentían. Se podría afirmar que el surrealismo de estas artistas era realmente su realismo interior y lo manifestaron trabajando en una gran variedad de técnicas.

Identidad y libertad

El surrealismo fue el movimiento de vanguardia más atractivo creativamente para las mujeres por ser renovador, provocativo y por reivindicar la plena libertad de los seres humanos. Era un arte que daba importancia a la realidad personal y que facilitaba como medio de expresión la unión de lo erótico con la emoción poética promocionando así el juego de dualidades o la ambigüedad como respuesta al dictado de la razón. Fue un proceso de liberación doloroso, dramático y en ocasiones con finales trágicos que paradójicamente les facilitó la independencia creativa y la superación del yugo teórico ideológico.

Todas las artistas reunidas en Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo, en algún momento de su trayectoria vital desembarcaron en el París de los años veinte, en cuyos círculos intelectuales de entreguerras había poco espacio para la mujer artista con voz propia. Por ello cuando una década después, tras los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, cruzaron el Atlántico hacia Estados Unidos y México, encontraron allí su liberación y revolución como surrealistas, lejos ya de la órbita que en torno a Breton se había formado en la ciudad de la luz. El exilio ofreció a muchas de estas mujeres artistas un ámbito de libertad que no habían experimentado en Europa y, por lo tanto, la posibilidad de reinventarse en su independencia y en su imaginario.

Estas mujeres buscaron su identidad y su libertad a través del arte, lo que de alguna manera las convirtió en unas revolucionarias que prepararon el escenario cultural necesario para que surgiera el posterior movimiento feminista con un arte que no solo retaba las convenciones sociales e institucionales, sino, sobre todo, los límites de género.

Las obras presentes en esta exposición provienen de instituciones europea s de reconocido prestigio como, entre otras, el Moderna Museet, la Tate, el Centre Pompidou, Lee Miller Archives o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, pero también de museos americanos como el Museo de Arte Moderno de México o Yale University Art Gallery, así como de colecciones privadas.

Tras Sophie Tauber-Arp. Caminos de vanguardia (octubre 2009-enero 2010), Hilma af Klint. Pionera de la abstracción (octubre 2013-febrero 2014) y Louise Bourgeois. He estado en el infierno y he vuelto (junio-septiembre 2015), el Museo Picasso Málaga aborda de nuevo una exposición que pone en valor el trabajo artístico de la mujer en la historia del arte. Como es habitual, la muestra contará con un programa de actividades culturales propio desde el que aproximarse a los principales aspectos artísticos e históricos tratados en ella.

# data[].attributes.attachment_link.description
Somos plenamente libres. Las mujeres artistas y el surrealismo presenta el trabajo de un grupo de mujeres artistas que a partir de los años veinte del siglo pasado fueron partícipes, en mayor o menor grado, de un movimiento que históricamente ha sido asociado a los hombres: el surrealismo.

# data[].attributes.body
Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias.
Para realizar una visita virtual.

# data[].attributes.attachment_link.title
El Museo de arte Thyssen-Bornemisza - (Paseo del Prado, 8, Madrid-España)

# data[].attributes.attachment_link.description
El Museo de arte Thyssen-Bornemisza (Paseo del Prado, 8, Madrid-España) configura con el Museo del Prado y el Centro de Arte Reina Sofía el llamado Paseo del Arte.

# data[].attributes.body
Juan Gris y María Blanchard (Exposición virtual)

# data[].attributes.attachment_link.title
Visita virtual 'Juan Gris, María Blanchard y los cubismos (1916-1927)'. Hasta el 25 de febrero de 2018

# data[].attributes.body
El introductor de las vanguardias en España

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Recorrido por la vida, pensamiento y obra de diversas personalidades de la cultura española pertenecientes a la generación de la republica. Todos tienen en común el olvido que sufrieron por parte del régimen franquista tras la guerra civil de 1936.

Forman parte importante de la serie los testimonios de personas relacionadas con cada personaje. En casi todos los programas aparecen dramatizaciones en su mayoria de caracter simbolico. Los biografiados contribuyen con sus propias reflexiones a la temática del programa, con apoyo de elementos de archivo.

La primera temporada, de trece capítulos, se emitió en 1986. La segunda, de cinco, en 1989 y 1990.

# data[].attributes.attachment_link.title
La memoria fértil - Ramón Gomez de la Serna. La rebelión de la paradoja - RTVE.es

# data[].attributes.attachment_link.description
Recorrido por la vida, pensamiento y obra de diversas personalidades de la cultura española pertenecientes a la generación de la republica. Todos tienen en común el olvido que sufrieron por parte del régimen franquista tras la guerra civil de 1936. Forman parte importante de la serie los testimonios de personas relacionadas con cada personaje.

# data[].attributes.body
Un documental de TVE

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Transcripción completa

Todo el mundo llevaba sombrero,

era como un pronóstico de diferencia social.

Pero un buen día, a Federico, a Dalí,

a mí y a Margarita Manso, otra estudiante,

se nos ocurrió quitarnos el sombrero.

Y al atravesar la Puerta del Sol nos apedrearon,

insultándonos como si hubiéramos hecho un descubrimiento,

como Copérnico o Galileo.

Que nos llaman maricones,

creían que despojarse del sombrero

era una manifestación del tercer sexo.

(Murmullo aula)

La materia de hoy será examinable, como siempre, ¿vale?

A veces, la historia que viene en los libros,

no es la historia real,

es la historia seleccionada por un autor.

Yo he elaborado la teoría de los puntos ciegos,

eso que en los libros no se nos cuenta.

Especialmente, en los libros de literatura.

Hemos estudiado la literatura desde la Edad Media hasta el siglo XX.

Si hacéis una comparativa solo en este período,

podéis encontrar más de 200 autores, hombres.

Sin embargo, solo habéis estudiado cuatro mujeres.

La historia tiene que completarse, necesita contarse entera.

Al final de la década de 1920 surge un grupo de intelectuales

y artistas que cambiará para siempre el panorama cultural español,

la conocida como generación del 27.

Federico García Lorca, Salvador Dalí, Luis Buñuel o Rafael Alberti,

son algunos de sus miembros más destacados.

Todos sabemos quiénes son, y la importancia de su legado.

Pero tan amplio es el conocimiento de sus miembros masculinos,

como amplio el olvido de sus figuras femeninas.

Las artistas del grupo del 27, mujeres de gran talento, entraron

sin complejos en el mundo artístico e intelectual de la época,

rompiendo las estrictas normas sociales y culturales

de una España lastrada por mentes anquilosadas.

Su obra es decisiva para entender un país que nunca las reivindicó.

Más allá de no reconocerse los méritos de las escritoras del grupo,

no hay noticia de que formaran parte de la generación del 27.

Muchas de estas mujeres habían dejado tras de sí una obra,

que siendo ecuánimes, si se compara con algún compañero de generación,

están al mismo nivel, incluso por encima de muchos de los varones

que recordamos, y sin embargo, nadie ha sabido de todas estas mujeres.

-"Probando, probando.

-Me acuerdo un día, que mi padre tenía un amigo y vino a verle.

Le dice a mis hermanos, chiquitos: '¿Qué quieres ser de mayor?'.

Me adelanté, no me preguntaba nada: 'Yo voy a ser capitán de barco'.

Dice: 'Las niñas no son nada'.

Yo le tomé un odio a aquel hombre, horrible.

¿Qué es eso de que las niñas no son nada?

Yo, desde pequeña, quería ser algo, ¿verdad?".

-La obra de Concha es una poesía muy influida, al principio mimética,

pero con una capacidad receptora grande.

De haber leído a las poetas, "Inquietudes" y "Surtidor",

sus primeros libros, son libros juveniles, un tanto inexpertos,

pero donde a veces surge la imagen. Nunca llegó a ser una vanguardista

en poesía, no experimentó con los "ismos" de la época.

Las lecturas, como cuenta que va descubriendo,

claro, estas mujeres tienen que ser autodidactas.

La influencia de Alberti es clarísima,

sobre todo en los poemas de "Mar y tierra" este es el título.

Es el libro fruto de su viaje a Argentina,

cuando ella decide irse,

una chica sola que se va a Buenos Aires.

(Ambiente callejero)

Ella entra en el ambiente bonaerense,

Buenos Aires es una ciudad con una actividad cultural muy grande,

tanto que ese libro se lo publican en Buenos Aires,

con los dibujos de Norah Borges, la hermana de Jorge Luis Borges,

y es un libro precioso.

Luego regresa a España, y se vuelve a reincorporar.

Las experiencias amorosas que ha vivido,

humanas y de amigos,

la llevan a ese libro pequeño, "Vida a vida", donde de algún modo

está detrás la historia con Altolaguirre,

pero ya hay una evolución en su lenguaje poético,

siempre dentro de una poesía que podríamos llamar clásica.

-Ellos son impresores,

los impresores de la generación del 27.

Van a publicar una serie de revistas:

"1616", "Caballo verde para la poesía", que dirigía Neruda.

Hay unas fotos estupendas que ella está con un mono azul,

en su imprenta, y verdaderamente era una casa abierta a todo el mundo.

Despierta a unos sueños que todas las mujeres querían, de libertad,

y que tiene el valor de ponerlos en práctica.

Muchas hubieran querido volar a Europa o a América, ella lo hace.

-Este romper, abrir nuevos caminos, ese vitalismo de Concha Méndez,

incluso al final, cuando todo es muy negativo, y hay mucha sombra,

dice: "Vida, y vivir" por encima de todo, cuando incluso es mayor.

(Bocina barco)

(Sonido del mar)

(Bullicio playa)

Cuando era niña empezamos a veranear en San Sebastián.

Allí hacíamos vida de playa, sobre todo, y conocí a un chico aragonés.

Resultó Luis Buñuel, el director de cine.

Éramos de la misma edad, y nos pusimos en relaciones.

Estas relaciones duraron siete años.

-Podemos decir que aparentemente, por las relaciones, la correspondencia

que tenemos de esa época, tenían una relación estrecha los miembros

masculinos y femeninos de la generación del 27.

De hecho, emprendieron tareas juntos, colaboraron en las mismas revistas,

en "La Gaceta Literaria", "Revista de Occidente",

"Ultra", "Alfar", "Verso"...

Participaron en tareas educativas como las Misiones Pedagógicas...

Después de esto, no se entiende cómo en los manuales de historia,

en los de literatura, estas mujeres no salen con la misma frecuencia

que salen los miembros masculinos de esta generación.

-El ambiente que yo he vivido de la generación del 27,

es una cosa increíble.

Era algo único que ha habido en el mundo,

de tanto poder que hay, y tan buenos.

"Si tú, espontáneamente, me dieras un beso,

y me atrajeras, así, estrechamente,

dejándome oír en tu pecho latirte el corazón,

y un poco también la plata de tu voz,

sería glorioso.

Luego de esa plenitud, qué contenta".

Hay una alusión a Marga,

en la prensa de los años 20 que me resulta entrañable.

Se la recuerda, a ella y a su hermana Consuelo, por su aspecto.

Eran niñas a las que vestía su madre de manera bastante peculiar.

Llevaban capas, una especie de caperuzas,

y no había otras niñas como ellas en Madrid.

Eran niñas librescas, que leían muchísimo.

Leían lo mejor.

Leían las traducciones de Rabindranath Tagore

que había hecho el matrimonio Jiménez-Camprubí.

-Ella empezó muy joven,

a los 12 años ilustró el cuento que escribió su hermana Consuelo,

"El niño de oro",

eran unos dibujos de una fuerza,

de una imaginación y originalidad tremenda para una niña.

Demostraba todo un mundo interior, muy precoz al mismo tiempo.

-La obra de Marga causa furor,

porque se ve como la obra de una persona formada,

de una artista consagrada.

Sorprende, no se espera que una mujer tan joven haga lo que hace ella.

También es muy interesante cómo asistimos, a finales de los 20,

a una cierta patologización de su figura como autora.

Así, José Francés, y otros críticos, en cierto modo la virilizan.

Su talento es un talento masculino.

También lo hará Juan Ramón Jiménez, al hacer un retrato de ella

en "Españoles de tres mundos", y establece ese contraste

entre Consuelo, que es angelical, rubia, feérica,

y Marga, que es fuerte, casi virilizante.

Es sorprendente que una mujer pueda hacer lo que ella hace,

y también expresar de manera tan profunda el dolor, el desamparo.

Son ilustraciones de una gran sensualidad,

en las que juega con las nociones de fealdad,

con identidades raciales diferentes y con lo abyecto.

Son cuerpos emaciados, muy delgados...

Ella, ya muy joven trabajó con un material que otros

escultores y escultoras no usan hasta muy avanzada su vida, el granito.

Se necesita una gran maestría y una gran confianza

en la propia autoría para poder expresar a través de este material,

mucho más difícil que la escayola, que la piedra, el dolor,

que ella expresa de forma tan admirable en piezas

como "La mujer del ahorcado", en la que vemos a una mujer

que parece que está asiendo los pies del hombre que está siendo ahorcado,

y que se apoya en su hijo de corta edad,

un niño que parece de una factura racial diferente a la madre.

Es un grupo increíblemente tenso, y es quizá esta tensión

lo que más define la obra de esta niña-genio.

-Esculturas no quedaron muchas, creo que solamente sobre 17.

Ella, el último día de su vida, fue a la cantera

donde tenía su estudio, y destruyó la mayor parte de su obra.

-Cuando se trabaja con una autora o un autor que muere a destiempo,

hay que hacer un gran esfuerzo para que esa muerte no domine

todo el trabajo que haces de investigación, de análisis.

Una muerte a destiempo es algo que no se entiende,

es algo que te fuerza a buscar una interpretación,

y hay que aceptar que quizá eso no es posible.

No es posible saber a ciencia cierta

por qué una persona decide quitarse la vida.

Ella deja un diario, una serie de escritos,

yo creo que hay un componente común en esos escritos finales,

y es que reflexiona sobre un ideal de autoría,

un ideal de vida artística

que piensa que no va a poder cumplir, y al no poder cumplirse,

decide acabar con su vida.

"Tengo bastante miedo,

parece que tendré que morirme triste,

sin beso, ni corazón, ni voz de plata, ni versos.

¡Ay! imaginar, siempre imaginar.

Yo no sé si en ese momento sabré engañarme aún, o me moriré de pena".

(Ambiente callejero)

(Música animada)

"Estaban de moda, en aquella época nuestra, de juventud, los bailes.

Íbamos allí a bailar, y después íbamos al cine y todas esas cosas".

(Música animada)

Creo que se han cometido muchas injusticias.

Incluso, en la recuperación de la memoria histórica,

con ser no solo importante, sino necesaria e imprescindible,

creo que no se ha hecho todo lo que se debería.

En este punto, Josefina de la Torre,

hasta ahora ha pagado un peaje, porque hubo mucha gente

en el terreno cultural que se quedó, que no se exilió,

y que corren el grave riesgo de pasar desapercibidos,

incluso no reivindicados de una gran labor que hicieron

durante años muy duros. Si fue difícil exiliarse,

para muchos de ellos fue muy difícil quedarse.

Yo diría que

uno de los iconos de las vanguardias españolas del siglo XX.

Lo digo no solo porque así fue catalogada, sino porque si uno mira

el conjunto de la primera mitad del siglo XX,

la participación, sobre todo de las mujeres, en la vida cultural

e intelectual española, encuentra muy poquitos casos,

pero sobre todo encuentra muy pocos casos que además de ser mujer,

sean tan polifacéticas, emprendedoras y pioneras en facetas muy diversas.

Es difícil encontrar una energía tan potente,

que pueda ser tan multidisciplinar y tan eficaz, porque no eran

entretenimientos, era verdadera vocación militante la que ella tenía

por cultivar distintas facetas artísticas.

Josefina adopta el personaje de Marlene Dietrich

sin demasiado esfuerzo. Incluso físicamente llega a parecerse.

Hay algunas fotos firmadas por Marlene Dietrich dedicadas

a Josefina de la Torre, sabiendo que era quien la doblaba al castellano.

El perfil de Josefina como actriz, imagina una Marlene Dietrich

en los años 40 en el cine español.

Ella con 20 años escribe su poemario,

que la sitúa en la órbita literaria española,

y así lo recoge Gerardo Diego.

Ese reconocimiento es indiscutible.

Se podrá discutir si la nómina de los poetas del 27 incluye

a todos los que eran, si son todos los que estaban o no,

pero los que están son indiscutidos.

Que ella figure en la nómina del 34, "Antología de la poesía española"

de Gerardo Diego, como una referencia poética,

de los novísimos en aquel momento, de las vanguardias,

y que además ella sea la voz insular dentro de la generación del 27,

esto también es muy importante, es muy propio de ella,

así como Alberti es la voz del sur.

En la generación del 27, Josefina es la voz insular.

(Gaviotas, olas)

"De haber sido, sería igual que tú.

Tan cierta, que en mi recuerdo vives, rubia y pequeña,

envuelta en la tranquila claridad de tus ojos.

Si hubiera sido, igual que tú sería,

sonriente, con tu traje bordado de azucenas,

y con los brazos con que me rodeabas.

Sería tan igual a ti misma,

que como nunca ha sido, ni es, ni ya será,

te has quedado oscilando entre el sueño,

mía, prisionera en la luz aquella que he perdido".

Hay un poema memorable,

que ocurre justo después de la Guerra Civil, cuando se exilian

la mayoría de sus compañeros, "Mis amigos de entonces" se titula.

Es desgarrador.

Es un poema desgarrador en el que ella hace una elegía

a las relaciones que mantenían hasta ese momento, hasta antes

de la guerra todos ellos, y la pérdida, la ruptura.

La enorme fisura que supone en su vida personal,

y el dolor que le causa esa pérdida.

"Ignoro en qué ciudad y si algún día volveré a sentirme descubierta".

Esa es una llama,

es una brasa que a ella le quemó el resto del tiempo.

(Bullicio feria)

"Me acuerdo de atardeceres en la verbena,

yo iba con amigos, cuando era joven,

y generalmente con pintores, era muy curioso.

Esta amiga, Maruja Mallo, no sé si Dalí vendría alguna vez,

nos reuníamos y nos hacíamos retratos en unas barracas.

-Hay una de un avioncito donde están Lorca, Buñuel, no sé si Dalí también.

-Yo tenía una que era Manolo tirando del burro,

y Vicente Aleixandre y yo sentados en el cochecito.

Maruja Mallo cuando pintaba, empezó a pintar más.

Primero yo la posé para 'Una muchacha en bicicleta',

y mi raqueta de tenis, que era muy bonita, también la inmortalizó".

-El mundo madrileño de los años 20,

que tiene ese lado un poco pueblerino,

y por otro lado esa enorme efervescencia, ese enorme entusiasmo

de una generación muy unida,

los pintores y los poetas van de la mano, son muy amigos,

y Maruja goza de esa confianza y tiene intimidad con todos ellos,

o con muchos de ellos.

Esa parte de la recuperación de lo popular,

del arrabal, ese mundo del extrarradio, la feria, la verbena,

de Las Vistillas en Madrid, de San Isidro...

Enseguida ella incorpora todo este mundo,

un mundo, por otro lado, dinámico, moderno, de movimiento,

ese lado que gustó tanto a los futuristas,

del movimiento, del color,

de las cosas que pasan de una manera simultánea...

Maruja juega un papel fundamental. Primero, elemento renovador por sí,

con esa enorme personalidad que ella tenía.

Y una enorme vitalidad y fuerza, gran capacidad de comunicación,

un entusiasmo que ella sabía transmitir a los demás,

creo que fue un elemento muy importante en su obra y personalidad.

Su primera gran exposición es en la revista "Occidente",

que no era un sitio destinado a exposiciones de arte,

de hecho la única exposición que va a organizar Ortega y Gasset

y su equipo es la de Maruja Mallo, que ya es muy emblemático.

Estamos hablando del año 1928.

Ella es muy consciente de que ella es parte de esa generación,

y dentro de eso, es muy consciente de que es parte de un grupo,

el sector femenino, las mujeres,

que en ese momento todavía se consideraba que su misión

en el mundo no era ni quitarse el sombrero,

ni pasearse en la calle sin sombrero,

ni probablemente exponer, y menos aún ese tipo de pintura.

(Ambiente callejero)

El origen de "Sorpresa del trigo" me brotó presenciando

la última manifestación del Primero de Mayo.

Pasaban unos señores con los ojos mirando al cielo.

María Zambrano pronunció: "Estos son los liberales".

Después una muchachada, muy decidida, con un simulacro de armas,

y yo le dije: "Son los precursores de un nuevo imperio, inédito".

Y repentinamente apareció entre el desfile un brazo que alzaba

un enorme pan, que era como una eucaristía.

Me acerqué y les dije: "¿De dónde venís?",

y me dijeron: "Venimos andando desde Tarancón".

"¿Y qué queréis?". "Pan".

-Sin exagerar, es como la gran pintora del siglo.

No le tiene nada que envidiar a una artista como Frida Kahlo,

o a una artista como Georgia O'Keeffe.

-Pasa lo que con todos los de la generación del 27, no la mencionan.

Cuando ella volvió del exilio,

al principio, nos contaba que no la reconocían, no sabían nada de ella

en España, con el éxito que había tenido en Argentina,

en Nueva York, que no la creían las cosas que contaba

de la gente que había tratado.

Neruda apenas la menciona de pasada en las "Memorias",

Dalí apenas habla de ella...

En general, hay un silencio absoluto sobre las mujeres de aquella época.

("Himno de Riego")

La libertad de la mujer en España, el avance, su condición social

no hubiera sido posible sin el fenómeno de la República,

sin la aparición del Gobierno de la República.

La República para la mujer moderna de esa época,

representó un doble despertar.

Un despertar a un marco político lleno de libertades,

que ellas mismas contribuyeron a instaurar,

y por otro lado supuso el despertar de la verdadera condición femenina.

-"Como yo iba a buscar a Maruja Mallo, en el zaguán había reuniones

de grupos de estudiantes, y era muy interesante oír a la gente.

En aquella época conocí también a Rosa Chacel,

y a Ernestina de Champourcín, una escritora muy buena, y poeta.

Nos hicimos muy amigas".

-Para mí, Ernestina de Champourcín es mi tía Nina.

Este es el punto de partida.

Empezó a ser una poeta, como ella decía, cuando yo era mayor,

es es cuando empiezo a descubrir que era una poeta importante,

que había pertenecido a la generación del 27,

empiezo a descubrir toda su historia, y la reconstruyo marcha atrás.

Me acuerdo haber visto con sorpresa, hubo una exposición suya en Madrid,

y veo en una parada de autobús un cartel, "Ernestina de Champourcín".

No es posible, mi tía Nina, ¿qué hace en un cartel en medio de la calle?

(Ambiente callejero)

Es una de las personalidades más interesantes de la generación del 27.

No hago distingos entre hombres y mujeres, generación muy brillante,

con Lorca, Cernuda, Alberti, Aleixandre, Guillén, Salinas...

Una de las personalidades más brillantes de esa generación.

Ella se inicia como discípula asumida y voluntaria de Juan Ramón Jiménez,

en quien ve al gran poeta de la modernidad, y quiere ser moderna.

Ella tiene poemas sobre jazz, sobre el baile, la velocidad...

Incluso Juan Ramón Jiménez le comenta a Juan Guerrero Ruiz

que han ido a ver a esta escultora, la Gil Roësset, y Ernestina.

Ernestina dice que ella se suicidaría a toda velocidad.

Con un coche a toda velocidad lanzado contra un precipicio o contra el mar.

Hasta en la manera de pensar la muerte,

Ernestina de Champourcín era hipermoderna.

"Se van abriendo puertas...

Un destino se cierra,

otro se abre oscuro con un poco de luz agazapada al fondo.

¿Tal vez alguna imagen perdida en la memoria?

¿Una isla con árboles entramados de flores?

Una franja de tierra que el mar ciñe celoso,

los sobres se abigarran de ciudades insólitas.

¿Cuáles abrirán sus puertas a ese nacer distinto?

Nadie pregunta nada,

y surge la sorpresa...

La singularidad de Ernestina de Champourcín es su exilio continuo.

Es un caso muy distinto a la Chacel,

muy distinto a Maruja Mallo.

Ella tiene un libro que se llama "Primer exilio",

está muy bien titulado, porque exilios tiene muchos.

Tiene un propio exilio en su casa,

la familia aristocrática que de pronto se encuentra

con una hija que les ha salido republicana.

Dentro de la propia historia de la República, ella pertenece

a Izquierda Republicana, partido casi de cuadro que una vez en el exilio,

se encuentra en franca soledad y casi sin auxilio.

Luego, en México tiene el exilio natural,

pero luego muere su marido, de manera que después del año 47 o 48,

ella sufre un exilio de todo tipo,

y eso la lleva a una crisis de tipo anímico-espiritual,

que hace resurgir en ella la idea de un poema religioso.

Un poema religioso que ella ve como la comunicación más directa con Dios.

Eso le hace derivar hacia el Opus Dei, que es donde ella termina.

Y hasta los años 70 no regresa a España, pero cuando regresa,

ve también, aparte de a Carmen Conde y Vicente Aleixandre,

a Rafael Alberti, que también ha vuelto,

a Rosa Chacel, Maruja Mallo...

pero está exiliada dentro de los que han vuelto de ese exilio.

Ella encuentra paredes, y el tema de la pared,

los límites impuestos no por uno mismo, sino por los otros,

especialmente por la familia o por la sociedad,

ella los tematiza de una manera interesante,

diciendo que la página no puede ser una pared.

La página para ella es la libertad.

"Cuando hacía antologías Gerardo Diego, nos excluía a las mujeres.

Yo le dije un día: 'Tú nos excluirás, pero yo debajo

de la falda llevo un pantalón, así es que ya'.

La verdad que me era antipático, no se puede hacer eso".

-Los del 27, a todas las mujeres,

tampoco las consideraban tanto, vamos a ser justos.

Las tuvieron un poco...

Tú sabes que cuando se hace la antología de Gerardo Diego,

en la primera no hay ninguna mujer.

En la del 32 y en la del 34 entran Ernestina y Josefina de la Torre,

pero muchos se imponen, no quieren que estén. Concha Méndez, no.

Y luego ha habido antologías donde no las incluían.

-"Un día el entrar en la granja El Henar, el café,

me encuentro a Federico García Lorca, estaba con Manuel Altolaguirre.

Federico nos presentó.

Manolo se había ganado en París la vida con la imprenta,

entonces conoció a Picasso y a todas estas gentes.

Yo pensé: 'En la imprenta de este, a ver si aprendo imprenta,

mientras me sale otra chamba, me case o lo que sea,

voy a aprender imprenta con este.

Se hace una revista, 'Héroe'.

El primer número es de Manuel Altolaguirre, en 1931.

El segundo es de Rosa Chacel".

-Era una figura simplemente deslumbrante.

Si tuviera que usar una palabra para calificarla,

tendría que usar la palabra "deslumbrante".

En todos los sentidos.

Desde el punto de vista de su obra literaria...

Entrar en el mundo de Rosa Chacel era entrar por las puertas sagradas.

Cuando Rosa Chacel escribe "Teresa", en la España de los años 30,

tiene un propósito y un mensaje muy claros

sobre el papel de la mujer, y la capacidad de la mujer

para transformar un estado social determinado, y una escala de valores.

Con la peculiaridad de que fue escrita en una encrucijada histórica,

con todo lo que supuso la Segunda República para desencajonar

o liberar a la mujer, en su escena íntima, personal,

en su papel o en su peso social, también.

María Zambrano y Rosa Chacel, siendo unas pipiolas,

seguían a Ortega e iban a sus tertulias en "Revista de Occidente",

o a sus clases en la Universidad de Madrid,

estaban mucho más preparadas para encarrilar los tiempos que se venían,

que algunos otros que después figuran en las historias de la literatura

como nombres indiscutibles de la nómina del 27.

La nómina de una generación, ¿cómo se juzga o cómo se valora?

¿A partir de lo que un historiador dijo, escribió o sentó?

O a partir de lo que produjo esa persona.

Y desde el punto de vista personal,

lógicamente su relación con María Zambrano, con Cernuda,

con Alberti, con María Teresa,

estuvieron ahí.

-"Me levanto si quiero, y si no quiero, no me levanto.

Dramatizando esa posibilidad conflictiva, me levanto o no,

¿tendré fuerzas para levantarme?

Puedo seguir aquí indefinidamente. ¿Qué pasa si sigo aquí?

No pasa nada, pero no soy capaz".

-Rosa Chacel se desvinculaba mucho de la línea lacrimógena

en todos los aspectos, incluido el exilio.

Ella decía, lógicamente,

el dolor del fracaso de un proyecto,

que sería el que supuso la Primera República, eso es innegable,

la sensación de fracaso o derrota.

Pero no hubo jamás nostalgia.

Nostalgia de volver y todo eso, no.

Porque la España victoriosa no era la España de ella,

y a esa España ella no quiso volver, nunca.

Y al ser una persona muy sincera,

le dio una imagen que no era a mi modo de ver verdadera

de ella como persona exigente...

Era una persona que si alguien le decía una tontería,

no tenía ningún prejuicio en decir: "Eso es una solemne tontería",

o cosas así.

(Disparos, explosiones)

"Y ya empieza la infamia, una cosa horrible, la de los 'paseos'.

Los 'paseos' era que las derechas mataban gentes de izquierdas,

y las izquierdas, gente de derechas.

Les sacaban de las casas, les detenían o lo que fuera,

los llevaban 'de paseo', y los fusilaban.

Era tan monstruoso, que era una cosa horrible".

(Sirena, explosiones)

"Empiezan los bombardeos en Madrid".

(Explosiones)

"A pesar de los bombardeos, se forma el Congreso

de Escritores Internacionales. Nos reunimos los escritores,

y formamos una alianza antifascista".

-María Teresa León juega un papel importantísimo como secretaria

de la Alianza de Escritores Antifascistas,

y como una de las principales artífices del lanzamiento

del Segundo Congreso de Intelectuales en Defensa de la Cultura.

Se recorre medio mundo, y lucha porque triunfe ese Segundo Congreso,

incluso tiene una entrevista con Stalin.

La entrevista de María Teresa León y Rafael con Stalin

fue de dos horas y cuarto,

y lo convence de que tienen que venir los escritores revolucionarios

a Madrid, a la Madrid sitiada...

(HABLA EN RUSO)

-Si tengo que resumir la personalidad literaria de María Teresa,

me acuerdo por una parte de su labor como memorialista,

porque me parece que "Memoria de la melancolía" es uno de los grandes

libros de la literatura española contemporánea y de la del 27.

Quien quiera hacerse idea de lo que significó la España de la República,

desde el punto de vista de una mujer,

lo unida que iba la libertad de una mujer con la libertad republicana...

Quien quiera hacerse idea de lo que significó la guerra,

de lo que significó el exilio,

desde luego tiene que leer "Memoria de la melancolía".

Me gusta mucho también "La historia tiene la palabra",

donde dejó memoria de todos los esfuerzos de la República

en su afán por defender la cultura y el patrimonio español,

durante los años dificilísimos de la guerra.

Me parece también que María Teresa es una novelista de mucho interés.

Recuerdo con especial gusto una de las novelas que publicó en el exilio,

que se llama "Juego limpio", en la que reconstruye todo el mundo

de la Alianza de Intelectuales Antifascistas,

la labor de la gente en la cultura en la Guerra Civil,

y muy en concreto, en las guerrillas del teatro.

Cómo se involucró ella y mucha gente de la cultura en comprometer

la cultura con la causa de la libertad.

-"Hombro con hombro, unidos todos, hasta acabar...".

"En el Madrid sitiado, en agosto de 1937,

en la Alianza de Intelectuales hicimos el primer homenaje

que se hizo a Federico muerto.

Representamos 'Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín'.

Yo era Belisa, y el pintor Santiago Ontañón era don Perlimplín.

Son recuerdos tristes.

Ha pasado el tiempo,

ahora todavía pensamos que pobre Federico.

No puede estar con nosotros, no puede aparecer con su chistera divertida,

quitársela, y que vuele una paloma".

-Buena parte de su liberación como escritora tuvo que ver también

con un compromiso político. Su mirada es política y poética,

y creo que esa vinculación viene de la necesidad de unir

su conciencia de mujer con su compromiso político.

-Era una mujer de una gran importancia, pero muy desconocida,

tapada, olvidada.

En una de las obras que hizo Alberti entonces, "El hombre deshabitado",

se dice aquello de: "Una paloma blanca duerme en la nieve.

Quisiera despertarse, pero no puede. ¡Ay!, pero no puede".

Yo creo que ahora se oía desde la Puerta del Sol: "Sí se puede".

Se puede despertar esa paloma blanca,

y se puede comentar objetivamente lo que supuso la historia,

y la trayectoria política, cultural y feminista de María Teresa León Goyri.

(HABLA EN FRANCÉS)

(Disparos, explosiones)

"Pero claro, tantas cosas que perdí en Madrid cuando dejé mi casa,

como pensaba volver, ¿cómo iba yo a creer que no iba a volver nunca más?

A verlo aquello.

Qué cosa, ¿eh?"

(Bocina barco)

"En el barco mi hija se contagia.

Se nos pone enferma, y llegamos a Cuba con ella mal.

Con la niña enferma, nos quedamos en un hotel.

María Zambrano estaba también en Cuba.

Me telefonea y me dice que vaya a cenar con ella.

Su marido ha tenido que salir, que si quiero ir a cenar con ella.

Esta mujer es filósofa.

Y alumna de Ortega y Gasset, el filósofo español.

Para él es una mujer predilecta, dice que no hay ningún discípulo

que tenga la inteligencia de ella, él me lo dijo a mí una vez".

-Zambrano es una de las principales pensadoras españolas del XX.

Escribía en igualdad de condiciones que el resto de sus compañeros,

en "Revista de Occidente", publicaba libros, participaba en tertulias...

-El pensamiento de María Zambrano pertenece a una cierta tradición,

que surge a finales del XIX y principios del XX,

se conoce con el nombre de vitalismo.

Busca la aplicación de la filosofía como método o camino de vida,

como una razón que utilice el hombre para poder vivir,

es decir, una razón práctica, una ética, una forma de vida.

Para María Zambrano, la realidad no se da en ideas,

antes de darse plenamente en ideas o conceptos, se da en un sentir.

Esto lo retoma de Unamuno.

Ortega piensa que la realidad se traduce en conceptos, en ideas.

María Zambrano, sin embargo,

practica una filosofía mucho más intuitiva.

-La escritura de María Zambrano parece dicha, vocalizada.

Parece como si fuera una confidencia,

al oído del lector.

Como si ella hablara. Ella habla. No escribe, habla.

Lo que pasa es que está escrito.

Pero la inmediatez de su escritura parece como si fuera una voz.

Este punto le acerca al poeta, al novelista, al místico,

y posiblemente a la "lege" del filósofo estricto.

Ella en aquel momento está casada,

y cuando estalla la Guerra Civil, ellos están en el extranjero.

Cuando los republicanos empiezan a perder la guerra,

María Zambrano y su marido vuelven a España cuando los intelectuales

salen de ella, y vuelve a España porque cree que España la necesita.

La historia de España para María es la historia de la resistencia.

De la resistencia del espíritu libre, autónomo,

que nunca ha podido desarrollarse porque siempre las circunstancias

históricas han sido superiores a la realidad, y se han impuesto a ella.

Ella espera que llegue el momento de la utopía,

porque el concepto de utopía es para ella muy interesante,

que transmite a sus alumnos en México, en Chile, en Cuba,

y todos ellos lo recuerdan como aquel espacio mental

donde se puede vivir en paz, en libertad y en tranquilidad moral.

-Ella es consciente de que su propia generación

es la que protagonizó el gran cambio de España.

Y ella es consciente de que esa generación pagó

muy caro ese intento, ese sueño, ella más tarde lo llamará "delirio",

de una España libre y progresista.

-"Estamos haciendo algo muy diferente a lo que se hace en biografías.

(RÍEN)

¿Sabes qué pasa? Si yo pienso en una biografía mía,

tengo una sensación muy rara. Mejor no pienso en eso,

sino en contar, relatar anécdotas y cosas.

Si no, me parece que me ha salido bigote.

No sé por qué, se pone uno serio,

y yo siempre que está la gente en plan serio,

me siento como si tuviera bigote,

'qué barbaridad, lo que me está pasando a mí...'.

Qué cosa, ¿verdad?". (RÍEN)

El hecho de ser exiliado, conlleva durante 40 años de dictadura,

la marginación, el silencio, la postergación de todos estos autores.

Pero en el caso de las mujeres, es aún peor.

Porque al hecho de ser exiliadas se une el hecho de ser mujeres.

Significa la inexistencia total en la historia de la literatura

de su siglo, de su época,

-A veces los silencios son más peligrosos que las balas del enemigo.

Ahí desaparece una generación de mujeres que es la generación de oro

de las mujeres en España, con ellos, que fueron la generación de plata.

-La nueva generación de la democracia,

las primeras mujeres de la generación de la democracia,

sentimos curiosidad por saber qué había pasado antes de Franco.

Y nos encontramos con la agradable y emocionante sorpresa

de que había habido mujeres rompedoras, transgresoras,

valientes, luchadoras,

que habían conseguido cotas de libertad,

mucho más amplias que las que teníamos en ese momento en España.

Eso me permitió reconciliarme con la historia de mi país.

-¿Habéis terminado?

Entonces, voy a pasar a recogerlos, ¿vale?

Marco, el tuyo.

Marcos, el tuyo.

Y José Antonio, el tuyo. ¿Has terminado?

Muy bien, ya los tenemos todos.

¿No están todos?

¿Falta alguien?

-Mujeres. -¿Quiénes?

-Mujeres. -¿Qué mujeres?

-Nosotras.

¿Vosotras faltáis? ¿Quiénes sois, que no lo veo claro?

¿Quiénes sois?

Compañeros, así se construye la historia.

(Música créditos)

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
imprescindibles - las sin sombrero imprescindibles

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
imprescindibles - las sin sombrero documental gratis

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
imprescindibles - las sin sombrero documental

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
imprescindibles - las sin sombrero documental integro.

# data[].attributes.attachment_link.title
Imprescindibles - Las sin sombrero - RTVE.es

# data[].attributes.attachment_link.description
Transcripción completa Todo el mundo llevaba sombrero, era como un pronóstico de diferencia social. Pero un buen día, a Federico, a Dalí, a mí y a Margarita Manso, otra estudiante, se nos ocurrió quitarnos el sombrero. Y al atravesar la Puerta del Sol nos apedrearon, insultándonos como si hubiéramos hecho un descubrimiento, como Copérnico o Galileo.

# data[].attributes.attachment_link.title
Contexto de las vanguardias artisticas del siglo XX

# data[].attributes.body
Aquí comparto un documento que contiene actividades. Puede que sirvan para las clases de literatura :)

# data[].attributes.body
Aquí un contraste temporal entre las vanguardias y la Generación del 27

# data[].attributes.headline
Darío Villanueva: Imágenes de la ciudad. Poesía y cine, de Whitman a Lorca 

# data[].attributes.subject
Darío Villanueva: Imágenes de la ciudad. Poesía y cine, de Whitman a Lorca 

# data[].attributes.body
Este ensayo publicado por la Cátedra Miguel Delibes ha sido el resultado de una serie de conferencias impartidas durante un curso de doctorado en el Graduate Center de la City University of New York en octubre de 2007. Se trata de un trabajo en el que Darío Villanueva propone un recorrido refrescante por las vanguardias, un recorrido literario y cinéfilo, con una prosa de notable densidad aunque clara y sin artificios.

Imágenes de la ciudad

parte de la poesía de Walt Whitman y concreta su estudio en la obra

Poeta en  Nueva York

de García Lorca. Darío Villanueva demuestra la huella de Whitman en el arte cinematográfico, ofreciendo nuevas perspectivas de interpretación ante la poesía del

poeta estadounidense. Como dice Villanueva, “Whitman parece proponer una identidad

entre lo real y su representación imaginística que hoy en día no puede resultar extraña para quienes vivimos en la sociedad semiotizada de la información, los mas-media y el

ciberespacio”

# data[].attributes.attachment_link.title
Imágenes de la ciudad. Poesía y cine, de Whitman a Lorca, by Darío Villanueva

# data[].attributes.attachment_link.description
Imágenes de la ciudad. Poesía y cine, de Whitman a Lorca, by Darío Villanueva

# data[].attributes.body
Paul Strand y Charles Sheeler estrenaron en 1921 Manhatta, un corto vanguardista que consiste en una paráfrasis visual, mediante imágenes cinematográficas, de versos tomados de Leaves of Grass, la célebre obra de Walt Whitman que hace de Nueva York emblema de la nueva sociedad democrática y futurista. Su optimismo contrasta con la visión negativa que Baudelaire había ofrecido de París y otros poetas, como Shelley o Blake, de Londres. Esa dualidad inspirará la lectura fílmica de la ciudad en las cinematografías europeas de la época.

Imágenes de la ciudad. Poesía y cine, de Whitman a Lorca explora la relación de la literatura con otros medios, como el cine y la literatura electrónica, para conformarse como una completa guía que ofrece información a través de análisis y ejemplos.

# data[].attributes.attachment_link.title
Manhatta (1921) - New York the Magnificent - Walt Whitman | Paul Strand #NYC

# data[].attributes.attachment_link.description
"City of the world (for all races are here). City of tall facades of marble and iron, proud and passionate city." - Walt Whitman, Leaves of Grass http://www.imdb.com/title/tt0131468 CHANGE BEFORE GOING PRODUCTIONS: http://www.cbgp.com http://www.facebook.com/changebeforegoingproductions http://www.twitter.com/cbgproductions http://www.gplus.to/changebeforegoing http://www.pinterest.com/cbgproductions More classic silent films added daily to the channel.

# data[].attributes.body
Material que propone la editorial para

# data[].attributes.attachment_link.description
La travesía cultural por América del granadino Federico García Lorca (1898-1936) lo convirtió en una suerte de embajador de España en tierras del Nuevo Continente. En estos viajes el poeta amplió su visión del mundo y universalizó sus ideas estéticas; además, las travesías contribuyeron a su descreimiento en la frontera política y lo llevaron a sentirse "hombre del mundo y hermano de todos".

# data[].attributes.body
PREZI

# data[].attributes.attachment_link.title
Literatura española. El siglo XX. Vanguardias y Generación del 27. Contexto histórico, social, artístico y literario,

# data[].attributes.headline
 "Nana de la cebolla" Miguel Hernández ft. Lole

# data[].attributes.subject
 "Nana de la cebolla" Miguel Hernández ft. Lole

# data[].attributes.body
Canción en Youtube

# data[].attributes.attachment_link.description
Ni Serrat, ni José Mercé, ni Menese, ni Morente

# data[].attributes.headline
Vídeo explicativo de los Comisarios de la exposición sobre el Cubismo

# data[].attributes.subject
Vídeo explicativo de los Comisarios de la exposición sobre el Cubismo

# data[].attributes.body
https://vimeo.com/247780052

# data[].attributes.attachment_link.title
Exposición 'Juan Gris, María Blanchard y los cubismos (1916-1927)

# data[].attributes.attachment_link.description
Los comisarios de la muestra sobre el cubismo, el catedrático de Historia del Arte Eugenio Carmona y la directora Artística, Lourdes Moreno, nos hablan de una exposición inédita en España formada por más de sesenta obras, entre pinturas, esculturas, dibujos y documentos que ofrecen al espectador una visión global de este movimiento artístico de la mano de Juan Gris, María Blanchard, junto a otros como el escultor Jacques Lipchitz, Picasso, Dalí o Peinado.pinturas, esculturas

# data[].attributes.attachment_link.title
De ismo a ismo...y nunca serás el mismo - YouTube

# data[].attributes.attachment_link.description
Sign in now to see your channels and recommendations!

# data[].attributes.attachment_link.title
Repensar Guernica. La obra-icono del siglo XX de Picasso en detalle

# data[].attributes.attachment_link.description
Una investigación sobre Guernica de Pablo Picasso llevada a cabo por el Museo Reina Sofía y compuesta por alrededor de 2000 documentos

# data[].attributes.attachment_link.description
Copy this quick tutorial to learn how prezi works

# data[].attributes.headline
El recorrido del Esperpento de Valle Inclán en Roma

# data[].attributes.subject
El recorrido del Esperpento de Valle Inclán en Roma

# data[].attributes.attachment_link.title
Paseos literarios de la biblioteca María Zambrano. Instituto Cervantes de Roma.

# data[].attributes.attachment_link.description
Ramón del Valle-Inclán fue una figura excéntrica y controversial de la literatura española del fin del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. Heredero de valores ideológicos y estéticos arraigados en una profunda tradición y al mismo tiempo autor constitucionalmente orientado a una continua experimentación y provocación de los códigos literarios que, entre otras cosas, llevará a la formulación genial del esperpento.

# data[].attributes.attachment_link.description
En las primeras décadas del siglo XX, el mundo del arte se vio sacudido por el audaz experimentalismo de varios artistas judíos procedentes de Rumanía: Tristan Tzara (1895-1962), Victor Brauner (1903-1966), Marcel Janco (1895-1984) y M. H. Maxy (1895-1971). Ellos y Arthur Segal (1875-1944), un artista rumano de más edad, estuvieron presentes en el nacimiento de un influyente movimiento de vanguardia.

# data[].attributes.headline
Dadá ruso 1914 -1924 en el Museo Reina Sofía

# data[].attributes.subject
Dadá ruso 1914 -1924 en el Museo Reina Sofía

# data[].attributes.body
Actividades de comprensión en el portal Practica español

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Madrid // "La risa es la única garantía de la seriedad con la que practicábamos el anti arte...". Estas palabras del pintor y cineasta Hans Richter podrían definir la gran exposición que, hasta el 22 de octubre, acoge el Museo Reina Sofía sobre la vanguardia rusa y el dadaísmo, "Dadá ruso 1914-1924".

Con abundante material inédito, la exposición reúne 500 obras, entre ellas, 250 pinturas, collages y dibujos, además, de 73 fotografías, 150 documentos y publicaciones y 22 películas y audios, con las que se repasa el arte de vanguardia ruso desde la perspectiva del movimiento Dada, fundado en Zurich en 1916, en el Cabaret Voltaire.

"Las prácticas que se hicieron en Rusia en los años 10, 20 y 30 tuvieron una gran repercusión en el arte moderno, pero se ha dado una visión de este arte hasta ahora con tan solo una cara, la del Constructivismo y como su nombre indica con la creación de nuevas formas; pero este movimiento iba de la mano del Dadá", explica a EFE el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel.

"Y los dos movimientos surgieron a finales de la Primera Guerra Mundial y las dos guerras rusas y los dos surgen como reacción a todo lo que había ocurrido antes -continúa Villel- pero el Constructivismo, el sustituir el arte con formas, no se entendería sin la vertiente nihilista del arte de ese momento; donde lo importante era el texto, la negación, la ironía, el absurdo, el antibelicismo o la tensión entre el texto y la imagen, que utilizaban los artistas que estaban alrededor de Dada", dice.

La exposición descubre la importante relación que hubo entre Moscú, Zurich, Berlín, París o Nueva York, lo que supone "la internalización de todos los artistas".

"Hay que destacar que la cultura del momento se desarrollaba en un tiempo de dominio del partido comunista y Dadá supuso la presencia del anarquismo", precisa Borja-Villel

Todos los trabajos que se exponen en la muestra pertenecen al esplendor de este movimiento, entre la Primera Guerra Mundial y la muerte de Lenin en 1924, con la presencia de 90 artistas rusos y de otros países europeos, entre ellos, Malévich, Natan Altman, Ivan Kluin, Ivan Puni, Aleksandr Ródchenko, Olga Rozanova, Man Ray, Tristan Tzara, Iliá Zdanévich, Vladimir Mayakovski o Frnacis Picabía.

La muestra, comisariada por Margarita Tupitsyn, proceden de numerosos coleccionistas y museos particulares de Rusia y Europa. Como e l Museo Stedelij, de Ámsterdam, el Centro Pompidou, de París; el Mayakovski de Moscú, el Estatal de Bellas Artes de Pushkin o la Galería Treyakov, entre otros muchos.

La exposición, que ha contado con la colaboración de la Comunidad de Madrid, reúne todo un material multimedia, entre dibujos, material impreso, cine, obras musicales y materiales de poesía en un contexto político de la Primera Guerra Mundial, las dos revoluciones rusas y el cambio de liderazgo de Lenin a Stalin.

El Dada, que significa "Sí,sí", fue un movimiento contradictorio porque estaba en el constante "NO- NO" y detestaban la idea de autoría romántica del autor, propagando "el Todismo", añade Borja-Villel. ( 6 de junio de 2018, EFE/Practica Español )

La noticia relacionada en vídeo:

Comprehension

Lee la noticia y responde las preguntas. (Read and answer the questions)

Please wait while the activity loads. If this activity does not load, try refreshing your browser. Also, this page requires javascript. Please visit using a browser with javascript enabled.

If loading fails, click here to try again

Congratulations - you have completed Lee la noticia y responde las preguntas. (Read and answer the questions). You scored %%SCORE%% out of %%TOTAL%%. Your performance has been rated as %%RATING%%

Your answers are highlighted below.

There are 6 questions to complete.

Vocabulary

Please wait while the activity loads. If this activity does not load, try refreshing your browser. Also, this page requires javascript. Please visit using a browser with javascript enabled.

If loading fails, click here to try again

Congratulations - you have completed . You scored %%SCORE%% out of %%TOTAL%%. Your performance has been rated as %%RATING%%

Your answers are highlighted below.

There are 4 questions to complete.

# data[].attributes.attachment_link.title
"DADÁ RUSO 1914 -1924", LA BURLA CONTRA EL ARTE, LLEGA AL MUSEO REINA SOFÍA

# data[].attributes.attachment_link.description
Con abundante material inédito, la exposición reúne 500 obras, entre ellas, 250 pinturas, collages y dibujos, además, de 73 fotografías, 150 documentos y publicaciones y 22 películas y audios, con las que se repasa el arte de vanguardia ruso desde la perspectiva del movimiento Dada, fundado en Zurich en 1916, en el Cabaret Voltaire.

# data[].attributes.attachment_link.title
Modernismo y vanguardias | España es cultura

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta sección podrá buscar entre todos nuestros contenidos a través de las diferentes etapas de nuestra historia del arte, barroco, gótico, mudéjar... y un largo etc, en España.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En 1901, Picasso pintó La Habitación Azul, una obra prodigiosa y fascinante que contiene muchas de las claves del genio malagueño y un gran secreto que marcaría su obra posterior.

No, no se trata de lo que les han explicado hasta ahora: habrán leído que hace un año se descubrió otra obra debajo de la visible y se han buscado claves secretas al calor de "El Codigo da Vinci", sin encontrar nada relevante.

Hay muchísimas claves pero Picasso no escondió ninguna...porque casi todas están a la vista ! Vamos a verlas juntos.

Les adelanto que algunas las podremos resolver y otras solo conjeturarlas...pero les invito a plantearse las preguntas.

1.- El falso enigma: La obra oculta descubierta, el retrato de un hombre con barba y pajarita.

No debe sorprender a nadie, por aquel entonces (primavera de 1901) Picasso preparaba su 1ª exposición en París: pintaba frenéticamente (hasta 3 obras diarias durante semanas) y debió reciclar mucho material.

En la Phillips Collection, donde está la obra, lo sabían desde hace tiempo: ya en 1954 un conservador consignó que el grueso de las pinceladas no se correspondía con el movimiento de la escena. Simplemente no dispusieron de la tecnología de escaner hiperespectral hasta el 2014.

En todo caso sí queda un enigma no resuelto, una clave que resta oculta tras las capas de pintura ¿ quién era la figura retratada? Los relatos sensacionalistas escribieron sobre "un fantasma" y se limitaron a dejar la pregunta en el aire.
Pues tal vez lo revelemos al final del artículo.

2.- Las primeras Pistas que SÍ nos da Picasso: Toda la obra es un compendio de sus primeras influencias en París: Ya lo comentó Magaly González en nuestro facebook : " en la pared está colgada "May Milton", litografía de Toulouse-Lautrec".
Y Alex de Viña remató: " Creo ver en las flores sobre la mesa un famoso cuadro de Cezanne. Hay secretos por fuera y por dentro de esta misteriosa obra, muchos mensajes por descifrar".

Como anota Rafael Gonzalez Alvarado, también es clara la inspiración en Van Gogh y su "Habitación de Arles".

Y por supuesto el tema es el mismo que compuso Degas en sus distintas versiones de "La Tina". Hay una gran diferencia con Degas, fíjense bien: la obra de Picasso está fuera de foco ¿la quiso pintar así? ¿se había tomado una absenta de más? ¿ó había lágrimas en sus ojos? Ustedes mismos juzgarán al final del artículo.
3.- La verdadera clave de la obra no es el tema, sino la ubicación (el lugar) y la modelo.
Antes de desvelarla, necesito explicarles una pequeña historia para aquellos que no la conozcan:

Picasso fue a París por 1ª vez en 1900 con su compañero de fatigas Carles Casagemas, inseparables amigos de la Llotja, els 4 Gats y los ambientes de la calle Avinyó. Se instalan en el antiguo estudio del pintor Isidre Nonell, amigo común de Barcelona. Nonell, además, en el ambiente más canalla y bohemio de Montmartre les presenta a Laure Gargallo, modelo conocida como Germaine y se produce un fatal triángulo:
Casagemas se enamora de Germaine, pero ésta no le corresponde porque quien verdaderamente le gusta es ...Picasso.

Apunten estos nombres: Casagemas-Isidre Nonell-Germaine

Resumiré tanto que iré directamente al final: Casagemas, enloquecido por su amor no correspondido, dispara a Germaine (fallando) y se suicida. Picasso estaba en Madrid y nunca se lo perdonó; en parte porque habían discutido y sobretodo convencido que de estar allí su amigo seguiría vivo.

Fue un golpe tremendo para Picasso, Artur Ramon, desvela en su libro " Nada es bello sin el azar" el recuerdo de Manuel Pallarès, su otro amigo de la Llotja, cuya íntima amistad llegó hasta la ancianidad: " Nadie lo vivió como Picasso, que se obsesionó con ese suicidio hasta el punto de dedicarle varios cuadros en los que recreaba a su amigo muerto o su entierro a la manera de aquel célebre que hizo El Greco para el señor de Orgaz.
Artísticamente hablando, hubo un antes y un después en la obra de Picasso, quién a partir de este incidente inició su etapa artística conocida como el período azul entre 1901 y 1904″ .

Hasta aquí el tema es conocido, Picasso inicia su periodo azul a raíz del suicidio de su íntimo amigo Casagemas. Pero volvamos a "La Habitación Azul" y sus claves...

Después del suceso, sus amigos arropan a Picasso en Barcelona, en Málaga, en Madrid...
Pero el célebre marchante Ambroise Vollard , que había lanzado la carrera de Gauguin, Matisse, Cézanne ó Renoir, le ofrece realizar una 1ª exposición en París junto a Francisco Iturrino: Picasso regresa a la ciudad del Sena y como sabemos se pone a trabajar frenéticamente para su debut, pero uno de los lienzos lo reutiliza para pintar la obra que nos ocupa.

No se lo creerán:
Esa "habitación azul" es el estudio de su difunto amigo ¿Y la modelo? ... Se trata de Germaine.
¿Por qué Picasso al volver a París, se encierra en el piso que compartía con su amigo suicidado - Casagemas-, se pone a pintar como el antiguo inquilino - Nonell- y pinta a Germaine (que en su opinión había destruido a su amigo) desnuda bañándose?
¿Por qué?
Se sabe que Picasso sentía que su obra estaba repleta de agentes mágicos que podían intervenir en su vida, creía en una relación de causa-efecto entre lo que pintaba y lo que sucedía en su vida, y posiblemente esa es la clave del lienzo:
Todos los fantasmas de Picasso están en el cuadro, es el Arte como forma de magia conectada a un primitivismo integral: elimina la frontera entre el arte y la vida.
Como reflejó Platón en su mito, como un hechicero que elabora una máscara para exorcizar el temor que representa, "La Habitación Azul" es una batalla entre su poder creativo demiúrgico y la realidad que quiere transformar.

Añado el certero análisis de Sebi Morente: la mujer es a menudo representada como epicentro de pecado y tentación; es una alegoría que limpia con el agua su pecado. El color azul trasmite frialdad: la de ella ante los hechos. Y la que quiere adquirir Picasso para distanciarse del suceso.

Pero aquella batalla la perdió: esos fantasmas volverán una y otra vez a su mente, torturándole, hasta que finalmente le conducen a una grave depresión, que le llevará a la ruina económica y anímica y que artísticamente se traduce en la época azul: Tonos y temas muy cercanos a... Isidre Nonell: tragedia, miseria y exclusión social.
Ah ! ¿y quién era la figura oculta retratada bajo la habitación azul? El hombre de barba y pajarita...
Probablemente el célebre marchante y galerista Ambroise Vollard, el hombre que le pidió que volviera a París aquella fatídica primavera de 1901.
Picasso-La Habitación Azul

# data[].attributes.attachment_link.title
Los secretos de "La Habitación Azul" de Picasso

# data[].attributes.attachment_link.description
En 1901, Picasso pintó La Habitación Azul , una obra prodigiosa y fascinante que contiene muchas de las claves del genio malagueño y un gran secreto que marcaría su obra posterior.

# data[].attributes.headline
Picasso, el vaivén de un artista en metamorfosis

# data[].attributes.subject
Picasso, el vaivén de un artista en metamorfosis

# data[].attributes.body
Prectica español con EFE

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Montpellier (Francia) / De "La Flauta de Pan", que se ciñe a los cánones del realismo, a un atrevido "Arlequín músico", que descompone la imagen de un músico y su guitarra: pese a ser dos pinturas de estilos opuestos, las dos nacieron del pincel de Pablo Picasso con solo un año de diferencia, 1923 y 1924.

Ya dijo el mismo Picasso (1881-1973) que él era "un artista sin estilo", ya que este solo servía para "poner barreras al artista, obligándolo a tener un solo punto de vista, las mismas técnicas, la misma fórmula, año tras año durante toda su vida".

Ateniéndose a este principio, el Museo Fabre de Montpellier ofrece hasta el 23 de septiembre la exposición "Donner à voir" con más de cien obras firmadas por Picasso que, en torno a catorce momentos clave, hacen hincapié en los descubrimientos e innovaciones que aportaron algo nuevo en los 77 años de creación del artista.

Una de las piezas elegidas con este criterio fue la versión H de "Mujeres de Argel según Delacroix ", acabada en 1955, que forma parte de una serie de trabajos basados en la obra del romántico francés y que, por primera vez, citan directa y explícitamente a otro pintor.

"Eso abre un trabajo que hará durante años a partir de obras de otros artistas, como el que hizo con 'Las Meninas' de Diego Velázquez o 'Almuerzo sobre la hierba' de Édouard Manet", contó a Efe uno de los comisarios de la exposición Stanislas Colodiet.

La exposición se desarrolla en un espacio abierto de 900 metros cuadrados que juega con ventanas y aperturas en el interior de la sala, sin compartimentos aislados.

Se trata de una escenografía ideada por el colectivo holandés The Cloud que, según Colodiet, permite " abrazar toda la obra en una sola mirada y comunicar los diferentes espacios y períodos, sin limitarlos".

De esta forma, se elimina toda barrera de espacio, tiempo, técnica o disciplina y se permite relacionar un óleo sobre tela de antes de la Guerra Civil española "Mujer lanzando una piedra" (1931), con las mismas formas curvilíneas de una de sus primeras experimentaciones con cerámica, "Toro de pie" (1947-1948), escultura del período de posguerra.

"Picasso se nutría constantemente de su propio trabajo, de obras que guardaba en su taller y que observaba para trabajar", dijo a EFE Michel Hilaire, director del Museo Fabre y también comisario de la exposición.
Lenguajes y estilos artísticos
El recorrido circular de la muestra refleja la idea de que no hay una evolución lineal, sino un vaivén de lenguajes y estilos artísticos. De hecho, el artista malagueño negaba la existencia de una evolución o progreso, de la misma forma que negaba cualquier idea de perfección.

"Picasso nunca pasa página de forma definitiva, es capaz de reactivar constantemente descubrimientos que hizo de joven para completarlos años más tarde", afirmó Colodiet.

Un vaivén que aparece a menudo con escenas cotidianas de la mujer como la acción de peinarse, recurrente en su trayectoria y que la exposición ejemplifica en la pintura en témpera de la "Mujer con peine" (1906) o en esculturas como "Mujer peinándose", con una versión en arcilla de 1906 y otra en bronce que hizo 62 años más tarde.

Montpellier acoge temporalmente obras de colecciones privadas y museos de todo el mundo, como la National Gallery of Art de Washington, The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, o los museos parisinos d'Orsay, L'Orangerie o Picasso de París.

De este último proviene la obra icónica "Retrato de María Teresa Walter", del 6 de enero de 1937, un óleo que contrasta con las viñetas críticas "Sueño y mentira de Franco" que grabó sobre dos planchas de cobre tan solo dos días más tarde. (28 de julio de 2018, EFE/Practica Español)

La noticia relacionada en vídeo:

Comprehension

Lee la noticia y responde a las preguntas. (Read the news and answer the questions.)

Please wait while the activity loads. If this activity does not load, try refreshing your browser. Also, this page requires javascript. Please visit using a browser with javascript enabled.

If loading fails, click here to try again

Congratulations - you have completed Lee la noticia y responde a las preguntas. (Read the news and answer the questions.). You scored %%SCORE%% out of %%TOTAL%%. Your performance has been rated as %%RATING%%

Your answers are highlighted below.

There are 7 questions to complete.

# data[].attributes.attachment_link.title
PICASSO, EL VAIVÉN DE UN ARTISTA EN METAMORFOSIS

# data[].attributes.attachment_link.description
Ya dijo el mismo Picasso (1881-1973) que él era "un artista sin estilo", ya que este solo servía para "poner barreras al artista, obligándolo a tener un solo punto de vista, las mismas técnicas, la misma fórmula, año tras año durante toda su vida".

# data[].attributes.body
del IES Chaves Nogales de Sevilla

# data[].attributes.attachment_link.description
Si en la ReGeneración del 98 intentasteis dar una respuesta razonada y crítica a la situación actual de la sociedad española, os propongo ahora que hagáis lo mismo desde la literatura y el arte: promover un movimiento vanguardista que destruya lo viejo para crear algo nuevo, a la vez que sirva para denunciar determinados aspectos de la realidad española.