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mundo alfarero

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Chavarria Joaquín

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TÍTULO :  "ESMALTAR  LA COMPLICIDAD DEL FUEGO  EL ARTE"

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TÍTULO :  "ESMALTAR  LA COMPLICIDAD DEL FUEGO  EL ARTE"

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AUTOR: ANDREU VILASÍS

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IMAGO, 2019

Cianotipo sobre papel, 150 x 150 cm.

Se trata de un proyecto fallido o sobre proyectar con lo fallado.

Durante un mes trabajé en el Ex-Pabellón del Centenario, monumento y espacio público de la Ciudad de Bs. As que actualmente se encuentra encerrado y escondido entre supermercados. Durante ese tiempo estuve imprimiendo cianotipos con las estructuras de las ventanas. Día a día me trasladé desde la "otra parte" de la ciudad, cargada con un rollo de 2 mts de alto e ingresando "sutilmente" por el complejo comercial.
Paulatinamente el personal de vigilancia comenzó a echarme, y cada jornada me presentaba el desafío de buscar por dónde y cómo ingresar, hasta que finalmente me encontraban, entre amenazas y retos terminaban velándome las copias alegando que está prohibido fotografiar el pabellón. Imago es una de las pocas impresiones que sobrevivió como resultado de traspasar ese límite, de un lugar que en teoría nos pertenece, pero no se nos permite verlo, transitarlo ni fotografiarlo.

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IMAGO, 2019 Cianotipo sobre papel, 150 x 150 cm. Se trata de un proyecto fallido o sobre proyectar con lo fallado. Durante un mes trabajé en el Ex-Pabellón del Centenario, monumento y espacio público de la Ciudad de Bs. As que actualmente se encuentra encerrado y escondido entre supermercados.

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VIDEO YOUTUBE

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Moldería no tradicional: molde de un maple

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MEDIOS EN LA ESCUELA

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En la actualidad, las infancias y juventudes aprenden en gran parte a pensar e incluso a sentir a partir de sus múltiples consumos mediáticos. Desde hace varios años, los medios de comunicación se consolidaron como importantes agentes de socialización y pedagogización de las nuevas generaciones. Inmersos en este escenario mediático chicxs y jóvenes participan de múltiples y variadas experiencias. A través de las series, películas, programas de televisión, dibujos animados, redes sociales, podcast, etc., que miran y escuchan construyen gran parte de sus ideas, gustos y conforman también sus prácticas cotidianas.

La intención de trazar puentes entre lo escolar y lo mediático, implica numerosos compromisos pedagógicos. Integrar los medios de comunicación como objetos de estudio, como fuentes de información y como instrumentos de expresión, favorece la aparición de nuevas maneras de mirar la realidad y de difundir las propias voces de chicxs y jóvenes, más allá del escenario escolar.

Llevar adelante este tipo de propuestas, sin dudas, habilita experiencias significativas para que los chicxs y jóvenes que habitan las escuelas puedan para aprender a mirar, a interrogar, a reflexionar y dar lugar así al desarrollo de habilidades que permitan ejercer nuevas formas de ciudadanía.

Hacer cine en la escuela: mucho más que aprender sobre el lenguaje audiovisual

¨El cine es una máquina de crear sueños¨

Cuando los chicxs y jóvenes atraviesan la experiencia de ver y hacer cine en la escuela además de acercase al mundo cinematográfico y disfrutar de la magia del séptimo arte tienen la oportunidad de aproximase a múltiples maneras de leer y escribir el mundo. En este sentido, las películas se constituyen en los talleres del Programa en un inigualable punto de partida que nos invita a dialogar y repensar nuestras propias historias, como individuos y como sociedad.

Comunicar las ideas a través de imágenes y sonidos es una forma de expresarse; una manera de hablar. Producir una película es un ejercicio que nos permite pensar, hacer y crear. Implica tomar decisiones, debatir ideas y puntos de vista. Requiere tiempo, organización, trabajo en grupo, en equipo.

Desde éste marco, la producción de medios se conforma en una instancia de construcción de sentido. Los alumnxs, al realizar un corto, se apropian de las herramientas y elaboran narrativas según sus propias formas de pensar, sus decisiones y posibilidades. Al resolver qué filmar y de qué manera hacerlo viven una experiencia de aprendizaje muy valiosa que no sólo implica producir un corto sino dar cuenta de su propias y singulares representaciones.

Con ojos de pibxs: cortos para ver y conversar en familia

Frente a este escenario, los cortos realizados por los pibxs se constituyen en un material insustituible para el acceso a la multiplicidad de sentidos de las experiencias infantiles y juveniles contemporáneas. Ponderar el encuentro con sus miradas nos permite descubrir historias nuevas, conocer otras realidades, explorar otros lenguajes y emocionarnos con sus historias y personajes.

En esta dirección, y con el objetivo de acercar a las familias distintas producciones audiovisuales compartimos el siguiente compilado de cortos realizados por chicxs y jóvenes para que puedan desde sus hogares disfrutarlos junto a sus hijxs. Al compartir las producciones que forman parte del compilado tenemos, sin dudas, la posibilidad de reflexionar sobre las historias que nos cuentan, contextualizar los temas que se revelan, responder las dudas que surjan y pensar otras formas e historias posibles. Estamos seguros que al ver juntos los siguientes cortos podemos generar un juego e intercambio de miradas y palabras que sabemos seguirá invocando nuevas significaciones.

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En la actualidad, las infancias y juventudes aprenden en gran parte a pensar e incluso a sentir a partir de sus múltiples consumos mediáticos. Desde hace varios años, los medios de comunicación se consolidaron como importantes agentes de socialización y pedagogización de las nuevas generaciones.

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LOS MEJORES MUSEOS DEL MUNDO NATIONAL GEOGRAPHIC

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LOS MEJORES MUSEOS DEL MUNDO NATIONAL GEOGRAPHIC

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Trabajamos para garantizar la preservación y el acceso a los documentos que registran la historia de todos los argentinos.

Emilio Perina Konstantinovsky
Director General del Archivo General de la Nación

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Trabajamos para garantizar la preservación y el acceso a los documentos que registran la historia de todos los argentinos.

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BIBLIOTECA MUNICIPAL DEL MAESTRO DE C.A.B.A

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BIBLIOTECA MUNICIPAL DEL MAESTRO DE C.A.B.A

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Catálogo Público de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno de la República Argentina

Para consultar el Catálogo de la Biblioteca Nacional seleccione INVITADO

Para solicitar material de la Sala donde se encuentre, identifíquese ingresando su número de documento, contraseña y presione ENTRAR

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Catálogo Público de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno de la República Argentina Para consultar el Catálogo de la Biblioteca Nacional seleccione INVITADO Para solicitar material de la Sala donde se encuentre, identifíquese ingresando su número de documento, contraseña y presione ENTRAR

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ENTRELAZADOS:  CHARLA ENTRE GRACIELA SILVESTRI Y MARIANO LLINÁS

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ENTRELAZADOS:  CHARLA ENTRE GRACIELA SILVESTRI Y MARIANO LLINÁS

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VIDEO

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Video documental sobre las expediciones y los procesos de investigación y montaje de Tomás Saraceno para su exposición Tomás Saraceno: Cómo atrapar el universo en una telaraña que tuvo lugar en las salas del Moderno del 7 de abril de 2017 al 19 de marzo de 2018 y para los cuales trabajaron en colaboración los equipos del Studio Tomás Saraceno en Berlín, del Museo Moderno y del Museo de Ciencias Naturales Bernardino Rivadavia en Buenos Aires, y las 7000 arañas sociales autóctonas parawixia bistriata, las cuales ingresaron a las salas del Museo unos 6 meses antes de comenzar la exposición.

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TEATRO ONLINE

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Sèvres - Manufacture et Musée nationaux - Accueil

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Découvrir les actualités du Musée et de la Manufacture de Sèvres, se renseigner sur l’accès et les horaires.

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Con pesar, el Centro Argentino de Arte Cerámico dice adiós a un miembro destacado de su comunidad: Perla Alemann de Bardin.

Perla Bardin dejó su Uruguay natal en 1939 para radicarse en Buenos Aires. Se formó en Faenza, un reconocido centro cerámico en los aspectos de perfeccionamiento de la práctica; también en naciones con ancestrales tradiciones porcelaneras como Austria y Suecia. En este último país se desempeñó como decoradora para la Manufactura de Gustavberg y en el nuestro lo hizo para la recordada porcelana Hartford.

Como representante de la Comisión ocupada de las relaciones con el Exterior, formó parte del primer Consejo Directivo del Centro Argentino de Arte Cerámico (1958), institución que presidió entre 1968 y 1971. Asimismo, en el plano de la gestión internacional se ha desempeñado como Vicepresidenta para la región latinoamericana del Consejo Mundial de Artes y Oficios (1971-1980), y desde 1972 ha sido miembro de la Academia Internacional de Cerámica (Suiza).

Es muy conocido su especial interés en los haceres artesanales, a los que puedo dedicarse distinguida con becas otorgadas por el Fondo Nacional de las Artes (1964). Con paciencia, reunió una plural colección de piezas que compendian lo mejor de nuestras artes autóctonas dando cuenta de sus varias artes del fuego, su diversidad en trabajos textiles, su variedad de tallas en materiales distintos, su amplitud de habilidades para el trabajo del cuero... El resultado de estas indagaciones se vio plasmado en una exposición consagrada al "arte popular" de Argentina en el Museo Nacional de Bellas Artes, institución que más tarde acogió una nueva muestra bajo su cuidado, ofreciendo a nuestro público un panorama de las artesanías de toda América Latina (1971). A este respecto, consecuencia de pesquisas similares son sus libros dedicados al tema y sus colaboraciones con publicaciones específicas editadas en el extranjero.

De manera recíproca, se ha ocupado también de mostrar en otros países nuestro hacer cerámico, gestionando exhibiciones de la disciplina en el exterior. Su trabajo como ceramista ha podido verse en numerosas ocasiones, ya en muestras individuales, ya en exposiciones colectivas, tanto en Argentina como en el extranjero, donde actúo asimismo como conferencista especializada. Sus piezas integran hoy acervos cerámicos resguardados en países tan diversos como Australia, Austria, Estados Unidos de América, Grecia, Japón, Suiza y Turquía.

El Centro Argentino de Arte Cerámico se despide de una colega a la que siempre se recordará por su denodada defensa de nuestra identidad estética.

Centro Argentino de Arte Ceramico

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Con pesar, el Centro Argentino de Arte Cerámico dice adiós a un miembro destacado de su comunidad: Perla Alemann de Bardin. Perla Bardin dejó su Uruguay natal en 1939 para radicarse en Buenos Aires. Se formó en Faenza, un reconocido centro cerámico en los aspectos de perfeccionamiento de la práctica; también en naciones con ancestrales tradiciones porcelaneras como Austria y Suecia.

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Vilma Villaverde
Premio Konex 1992: Cerámica

Nació el 23/02/1942. Profesora de pintura egresada de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1961 y Magíster en Educación por el Arte, Licenciada en Artes Plásticas (Universidad Nacional de Misiones). Profesora del área de cerámica de la Facultad de Artes de la UNaM (1978-2008) y la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova (1985-89). Expuso sus obras en Brasil, Colombia, Alemania, España, Italia, China, Japón y Corea. Miembro de la Academia Internacional de la Cerámica (Ginebra, Suiza). Ganadora del diversos Primeros Premios Adquisición: IV y VII Salón Nacional de Cerámica por Cacharros y Escultura respectivamente, 51º Salón Nacional de Rosario, Salón Trienal de La Plata, Salón Nacional de Cerámica, LXXXV Salón Nacional de Artes Plásticas por Escultura, 74º Salón Nacional de Santa Fe, Salón Nacional de Artes Visuales por Escultura. Segundo Premio Adquisición Salón Municipal Manuel Belgrano. Premio del Jurado Salón Internacional de Cerámica, Mino, Japón. Premio del Jurado First International Biennale of Ceramics, Taiwán.

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fundación konex - premiando la excelencia argentina y sudamericana desde 1980 - artes - espectáculos - deportes - música - ciencia y tecnolog

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Nació el 23/02/1942. Profesora de pintura egresada de la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1961 y Magíster en Educación por el Arte, Licenciada en Artes Plásticas (Universidad Nacional de Misiones). Profesora del área de cerámica de la Facultad de Artes de la UNaM (1978-2008) y la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova (1985-89).

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Antonio Pujia

Nace el 11 de Junio de 1929 en un pueblo del sur de Italia llamado Polia. Sus padres son: Vittorio Pujia y Maria Vallone. Ya en su infancia denota su interés por las formas modelando sus propios juguetes con arcilla que obtenía de las orillas de un arroyo.

En Mayo de 1937 emigra con su su madre y su hermana mayor Carmela hacia la Argentina donde los esperaba Vittorio que había viajado cuando Antonio tenia dos años. Llega a Buenos Aires y comienza sus estudios primarios con cierta dificultad puesto padecía de miopía y nadie se había percatado, su maestro de cuarto grado lo observa y le recomienda a su madre que lo lleve al oculista, usa lentes desde entonces.

También durante su primer grado superior, y por su dificultad con el idioma, comienza a dibujar elementos de la realidad que le llaman poderosamente la atención por la novedad que significaban para el; dibuja un diariero y su maestra lo muestra por toda la escuela llenándolo de orgullo.

Al momento de egresar, su maestro orienta a los alumnos en sus futuros estudios secundarios y le dice que el debería seguir Bellas Artes. Antonio, fascinado por el atrayente nombre de la carrera, le comunica su deseo a sus padres recibiendo una rotunda negativa por parte de su padre que imaginaba mas conveniente para el una carrera de contador. Con la complicidad de su madre consigue anotarse en el examen de ingreso de la Escuela Manuel Belgrano. Ya en el examen se siente un tanto intimidado por que descubre que sus futuros compañeros se han preparado y el no, de todos modos logra aprobar y cursa regularmente la escuela haciéndose notar cada vez mas por sus dotes artísticas y por su gran aplicación al estudio. Durante este período trabaja duramente para costearse los estudios eligiendo siempre trabajos que le permiten agregar conocimientos y practica de taller, relacionado con los materiales usados en la escultura, por ejemplo moldería en yeso, realización de taseles, etc. Así obtiene el titulo de Profesor Nacional de Dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y el de Profesor de Escultura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Carcova. Este periodo de estudios abarca desde 1943 hasta 1954 y tiene como profesores a artistas de la talla de Troiano Troiani, Alfredo Bigatti, Alberto Lagos y José Fioravanti, con los cuales también trabaja como ayudante en sus talleres, también trabaja como ayudante en el taller de Rogelio Yrurtia.

Tiempo después, y a modo de sentido homenaje, bautiza con sus nombres los patios de su propia escuela-taller. Se dedica con creciente intensidad a la creación y a la docencia ejerciendo la titularidad de las cátedras de Escultura en las escuelas Pueyrredón y Belgrano y también enseña en su escuela -taller entre 1970 y 1975.

En 1956 el entonces Director Técnico del Teatro Colón, Hector Basaldua, decide dotar al Teatro de un taller de escultura escenográfica para lo cual organiza un concurso, el cual es ganado por Antonio Pujia; quien se desempeña como jefe del mismo hasta 1970. De este periodo proviene su fascinación por la música y la danza, dos de sus temas predilectos. Asiste regularmente a las clases de los bailarines y se dedica a tomar infinidad de apuntes en carbonilla sobre papel. Así, forja una intensa amistad con José Neglia y Norma Fontela, primeras figuras del Ballet estable del Teatro y tantos otros bailarines del cuerpo de baile. En 1966 realiza el retrato de Norma Fontela que hoy se exhibe en el foyer del teatro.

En 1959 Gana su primer premio de importancia: el Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano. Esta distinción lo empuja a profundizar su compromiso con el arte. Esto iniciaría una seguidilla de premios crecientes en importancia y ganados a una edad poco usual, puesto que los mismos se daban, por lo general a artistas de mayor edad y trayectoria. En 1960 gana el Gran Premio de honor del Salón Nacional de Artes Plásticas a la edad de 30 años.

En 1961 gana la Bienal Alberto Lagos y en 1964 el Gran Premio del Fondo Nacional de las Artes "Augusto Palanza", completando de este modo la posesión de los premios mas importantes del país. Estas destacadas distinciones confirman la elección de Pujia y lo comprometen cada vez mas profundamente en su compromiso con el arte.

En 1965, motivado por esta secuencia de premios, decide realizar su primer muestra individual en la histórica galería Witcomb, una de las primeras galerías de Bs.As. la cual había albergado muestras de los mas importantes artistas del país y del extranjero. Esta muestra marca un hito en su carrera, pues, además de ser un veredero suceso de publico y ventas, fue una muestra donde expuso una gran cantidad de obras fundidas en bronce, cosa que hasta entonces no había podido hacer. Por otro lado, la apuesta fue grande, la muestra fue costeada integramente con sus ahorros; tónica esta, que continuara durante toda su vida como única forma de mantener independencia e integridad con respecto a lo que desea expresar.

Ya completamente definido y animado por el gran éxito de su primer muestra individual se embarca en una producción ininterrumpida (sin dejar su tarea docente ni el taller del Colón) que desemboca en su segundo gran éxito: Biafra. En el año 1970 y profundamente dolorido por el notable impacto que le producen las imágenes de la prensa sobre la desvastación de un nuevo país en el continente Africano, produce lo que seria su primer gran compromiso social. La exposición descarnada de la destrucción del hombre por el hombre. Esta exposición, inaugurada el 23/7/71 en la Galería Esmeralda provoca los mas grandes elogios por parte de la prensa especializada y del publico asistente.

Años después, en el 2000, las mismas esculturas expuestas en el Museo E. Sivori, provocarian sensaciones análogas a aquella época. Es tan grande la importancia que Pujia confiere a esta serie de esculturas que, aún en día, la serie completa y original es parte de su colección privada. En situación análoga a esta se encuentra su famosa serie Martín Fierro producto de los años 72/73 en los cuales vuelve a reflejar la miseria de la destrucción junto a su pasión por la tierra que lo recibió y albergo la Argentina. En la exposición del 75 en el prestigioso Hall del Teatro Municipal Gral. San Martín, el publico se encontró con una de las mas intensas series de esculturas que se hubiesen visto hasta entonces. El suceso es de tal magnitud, que Pujia decide incorporar la muestra, integra, a su colección.

El profundo sufrimiento que le provoca la producción de estas dos series, lo moviliza hacia el otro extremo de su rica personalidad; así es que, en 1977 en la Galería Imagen, expone una recordada serie de esculturas que se alejan sensiblemente de la temática dominate de aquellos años. Mujeres desnudas, parejas de amantes, erotismo, plantas, la serenidad, se expresan en obras como "Adagio" (retrato de su mujer embarazada) o "Amarnos con pasión" ponen en relieve la preocupación del artista en mostrar, con la misma intensidad y pasión, las diferentes posibilidades que anidan en el seno de los seres humanos; el amor y el odio, la construcción y la destrucción, la apatía y la pasión; Tanathos y Eros en eterna lucha.

En el año l976 y aproximadamente durante un año, vive y trabaja en España, en el Escorial, y durante ese periodo y ya de regreso en Bs.As hasta el 79 elabora la temática relativa a los años de plomo con la dictadura impuesta en Argentina. Una pieza de tamaño natural, "Libertad Amordazada" y la serie de esculturas mutables, que también dan cuenta de lo que es encarcelado, por ejemplo "El espejo del alma", mas otras donde la expresión esta puesta en lo que es encerrado, lo que permanece oculto detrás de las cubiertas siniestras que oprimen. En l98O se conmemora la 2da. Fundación de Buenos Aires y se le encarga la creación de una medalla conmemorativa, que se acuña en Italia, y se regalan 250.000 como insert con la Revista "Siete Días". Hasta el 82 se extiende el periodo de piezas con la temática de la dictadura, y con el viaje del 83 comienza a producirse un acercamiento a la obra de Amedeo Modigliani, teniendo como punto de partida el oleo "Le grand nu". Esta serie es un homenaje al pintor,a la belleza, a la serenidad, como contrapartida de la serie anterior. A continuación de esta serie, y luego de este viaje, surge la certeza de que sus raíces están definitivamente en este país en el cual habita, vive, trabaja y ama, desde que llego a los 8 años. En algún momento, la fantasía era pertenecer a ambos, y repartir la vida entre Italia y Argentina, pero redescubre su ciudad, donde esta su familia, su taller, sus alumnos, sus amigos, y esto se traduce en otra serie temática: "Canto de amor a Buenos Aires". Forma parte de este homenaje el acuñado de una serie de medallas con temas y poemas acerca de la Ciudad, que acompañan la edición de un libro. También en ese año, con el advenimiento de la democracia, crea por encargo, una medalla conmemorativa de la asunción a la Presidencia del Dr. Alfonsín.

Hace una importante ampliación a su taller consiguiendo un espacio y luminosidad muy importantes y su sentimiento se vuelca a desarrollar la parte mas bella de la vida: las parejas que se aman, este momento coincide con la etapa en que sus hijos están en pareja, y son el testimonio de la eterna continuidad de la vida siendo, ocasionalmente, modelos para sus obras. Realiza la exposición titulada"En-amor -a dos", que muestra esta serie. A continuación, y con esa misma dirección aparecen las familias, que incluyen los nietos del artista, y forman el núcleo de las familias felices. Posteriormente la debacle económica en que se sumerge el país opone a estas familias las que quedan marginadas de toda inserción social por la desocupación y la indiferencia social. Esta serie la realiza a partir del cuadro de Ernesto de la Cárcova "Sin pan y sin trabajo"; el material que emplea para expresarse, es la cera directa pigmentada. Luego de un tiempo retoma la temática de las parejas y las familias combinando diversos materiales, madera, o mármol con bronce.

Luego de las dos muestras del año 2.000 (Museo Eduardo Sivori y Galería Principium) Pujia decide homenajear (durante el 2003) al Maestro Rogelio Yrurtia del cual fuera ayudante en su juventud y de quien conserva valiosas vivencias y un gran agradecimiento por su ejemplo como creador y pedagogo. Reune entonces parte de sus obras que abarcan el periodo desde l96O hasta 2000, realizando esta muestra en la Casa Museo Rogelio Irurtia que el Maestro donara, con la totalidad de su obra y sus pertenencias, al país. A partir de mediados de 2004 suspende cursos y su participación en Muestras Colectivas o Ferias de Arte, para comenzar un HOMENAJE A LA MUJER al cual dedica todo su tiempo creativo. Dibuja con modelo vivo en su taller, y a partir de esa idea y un numero importante de bocetos, va definiendo y construyendo una serie de piezas ensamblando, bronce fundido a la cera perdida, mármol de carrara, mármol belga, ébano con diversos baños de plata y oro.

Hasta el momento, continua esa misma serie.

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Antonio Pujia, Biografía Nace el 11 de Junio de 1929 en un pueblo del sur de Italia llamado Polia. Sus padres son: Vittorio Pujia y Maria Vallone. Ya en su infancia denota su interés por las formas modelando sus propios juguetes con arcilla que obtenía de las orillas de un arroyo.

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Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.

Pablo Picasso

Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.

En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.

Dos años más tarde obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influidos por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.

Picasso en 1908

En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su "período azul". Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.

Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí trabó amistad con Braque y Apollinaire, y se enamoró de Fernanda Olivier. Durante tres años Picasso pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.

Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a crear el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.

Con Olga Clochlova en París (1919)

En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Serguéi Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Erik Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica.

Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar.

Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan.

En su estudio en Vallauris (1949)

En 1944 se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.

En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette David, que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.

Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguiría creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: su hija Paloma.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets.

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Amedeo Clemente Modigliani ( Livorno, 12 de julio de 1884- París, 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente. Pasó su juventud en su país natal, donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. En 1906 se mudó a París, donde entró en contacto con prominentes artistas, como Pablo Picasso y Constantin Brâncuși. Su obra es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 hasta 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió a los treinta y cinco años de edad de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.

Italia: Infancia y estudios

Nació en una familia judía sefardí en la ciudad italiana de Livorno, en la Toscana. Se trataba de una ciudad portuaria que servía como refugio a aquellos perseguidos por su religión y contaba con una amplia comunidad judía. Fue el cuarto hijo de Flaminio Modigliani y Eugenia Garsin. Sus hermanos mayores eran Giuseppe Emmanuele, Margherita y Umberto.

Su madre, una francesa nativa de Marsella, era descendiente de una familia intelectual y erudita de origen sefardita. Hablaba fluidamente varios idiomas. Sus ancestros fueron expertos en los textos sagrados judíos y fundaron una escuela de estudio del Talmud. El linaje de la familia alcanza al filósofo neerlandés del siglo XVII, Baruch Spinoza. La familia manejaba una agencia de crédito con sucursales en Marsella, Túnez y Londres, aunque el negocio tenía sus alzas y sus bajas. Su padre, nacido en Roma, se dedicaba al préstamo, pero era mal negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes y, muy pronto, debió recurrir él mismo a otros acreedores.

Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa. Una vieja ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida.

Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos, y así es como Modigliani pasó su infancia entre la pobreza y la enfermedad.

A los catorce años de edad, Amedeo ("Dedo", como lo llamaban en su familia) comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori, uno de los pintores del movimiento florentino conocido como los macchiaioli, un nombre que eligieron a partir de los ataques de algunos críticos que decían que pintaban con manchas ("macchie"). Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufrió un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1898, su hermano de veintiséis años, Emmanuele, futuro diputado del Partido Socialista Italiano, fue condenado a seis meses de prisión por ser militante del movimiento anarquista.

En 1902 se inscribió en la Escuela libre del Desnudo, Scuola libera di Nudo, en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se movió por los bajos fondos.

París: arte y desenfreno

En 1906 se trasladó a París, que es por la época el centro de la vanguardia. En el Bateau-Lavoir, un falansterio para proletarios de Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Nunca retocaba sus cuadros, pero los que posaron para él decían que era como si hubiesen desnudado su alma.

En 1909, se pasa un breve período en Livorno, enfermo y deteriorado en su salud por los excesos de su vida. Regresa a París y alquila un estudio en Montparnasse. Se considera a sí mismo más escultor que pintor, y siguió sobre esa vía cuando Paul Guillaume, un marchante joven y ambicioso le presenta a Constantin Brâncuşi.

Constantin Brâncuşi, conoció personalmente a Modigliani en 1909 recién mudado a su estudio de Montparnasse. Fue a partir de este encuentro que comenzó la fase escultórica de Modigliani que se prolongó hasta 1914. Según el historiador de arte Gerhard Kolberg, las esculturas de Modigliani conjugan pretensiones idealistas y plásticas, con una realización escultórica primitiva, incluso arcaica. De hecho las figuras de Modigliani presentan una fuerte estilización que se puede apreciar en sus cabezas con cuellos largos, narices agudas y ojos representados como contornos, que son clara referencia a aquellas esculturas de los primitivos muy apreciadas por los círculos de vanguardistas de París.​

Descubre el arte africano y camboyano en el Musée de l'Homme de París. Sus estatuas se reconocen por los ojos almendrados, las bocas pequeñas, las narices torcidas y los cuellos alargados. Se presentó una serie en el Salón de Otoño de 1912, pero tuvo que dejar de esculpir porque el polvo le causaba problemas de salud. Retrató a los habituales de Montparnasse, como Soutine, Diego Rivera, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars y Jean Cocteau. Al iniciarse la Primera Guerra Mundial, intenta alistarse, pero su precaria salud se lo impide.

Conocido como "Modì" por sus amigos, Amedeo emana magnetismo hacia las mujeres. Tiene numerosos romances hasta que entra en su vida Beatrice Hastings, con la que mantendrá una relación tormentosa de unos dos años. Ésta le sirve de modelo en varios retratos, como " Madame Pompadour". Cuando está bajo los efectos del alcohol, es triste y violento, como muestra el dibujo de Maria Vassilieff. Sobrio, es tímido y encantador, le gusta citar a Dante Alighieri y recitar poemas del libro del conde de Lautréamont Los cantos de Maldoror ( Les Chants de Maldoror) libro del que siempre tiene cerca un ejemplar.

En 1916, conoce al poeta y marchante de arte polaco Léopold Zborowski y a su mujer Anna. Modigliani lo retrata en varias ocasiones, cobrándole sólo diez francos por retrato. El siguiente verano, la escultora ucraniana Chana Orloff le presenta a su amiga Jeanne Hébuterne, una estudiante de dieciocho años que había posado para Foujita. Cuando la familia burguesa de Jeanne se entera de esta relación con el que era considerado un depravado, le corta su asignación económica.

El 3 de diciembre de 1917 celebra su primera exposición, en la galería de Berthe Weill, pero horas después la autoridad la cierra por indecencia. Debido a sus problemas de salud, tiene que trasladarse a Niza con Hébuterne, que da a luz en 1919 a una hija a la que llamará Jeanne. Por sugerencia del marchante Guillaume, realiza una serie de desnudos (ahora sus obras más cotizadas), con la pretensión de venderlos a los millonarios que veranean en la Costa Azul, sin mayores éxitos.[cita requerida]

En mayo de 1919, vuelve a París, a la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Unos días antes había pedido el permiso al gobierno francés para contraer matrimonio con Jeanne.

Los más importantes artistas de Montmartre y Montparnasse siguen los funerales hasta el cementerio parisino de Père-Lachaise. Jeanne Hébuterne, llevada a casa de sus padres, se suicida tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani, embarazada por segunda vez.

La hermana de Modigliani que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Ésta escribirá una importante biografía de su padre titulada Modigliani: Hombre y mito.

Fama póstuma

La concepción de su pintura, basada en el diseño lineal, la pureza arcaica de su escultura, y su vida romántica y llena de tribulaciones económicas y enfermedad, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna, aislada de las corrientes de gusto contemporáneo ( cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) que estaban en desarrollo en el mismo período. En la actualidad Modigliani es considerado uno de los mayores artistas del siglo XX y sus obras se exponen en los principales museos del mundo.

Sus esculturas raramente han cambiado de manos y las pocas pinturas que se encuentran en el mercado, han alcanzado valores excepcionales. En 2010 en la Casa Christie's de París, una de sus esculturas, Tete de Caryatide, fue vendida en la cifra récord de 43 millones de euros. En noviembre de 2015 el millonario chino Liu Yiqian adquiere su pintura (1917) en el remate de la casa Christies en 170,4 millones de dólares, la segunda mejor pagada en subasta en esa fecha, solo superada por Mujeres de Argel de Picasso que se había vendido en 179,3 millones de dólares en mayo de 2015.

En 1958 Jacques Becker dirigió Los Amantes de Montparnasse​ en la que Gérard Philipe interpreta a Amedeo.

Franco Brogi Taviani dirigió una coproducción franco italiana llamada Modì​ en 1989 en la que el pintor de Livorno era interpretado por Richard Berry.

Andy García interpreto a Modigliani y Elsa Zylberstein a Jeanne Hébuterne en la película dirigida por Mick Davis, Modigliani ​ de 2005.

Referencias

Enlaces externos

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Amedeo Clemente Modigliani ( Livorno, 12 de julio de 1884- París, 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente.

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Así la define Alejandro Jodorowsky

"La creatividad es como un bolsillo mágico que siempre está dispuesto a dar."

¿Qué sería del mundo sin creatividad?

Sin ella sólo habría repetición y rutina. Para cambiar, mejorar y abrir nuevas direcciones, es imprescindible la creatividad. Crear es traer al mundo algo de valor que antes no estaba, hace nacer lo que en el mundo no nace.

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Así la define Alejandro Jodorowsky "La creatividad es como un bolsillo mágico que siempre está dispuesto a dar." ¿Qué sería del mundo sin creatividad? Sin ella sólo habría repetición y rutina. Para cambiar, mejorar y abrir nuevas direcciones, es imprescindible la creatividad.

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Manuel González Martí ( Valencia, 1 de enero de 1877-Valencia, 4 de enero de 1972) fue un dibujante, historiador y erudito español fundador del Museo Nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias González Martí en 1954, del que fue director de 1954 a 1972. También dirigió en la capital valenciana durante la década de 1940 el Museo de Bellas Artes.​

Nacido en una familia burguesa, hijo de Vicenta Martí Sanmartín y Emilio González Pitarch, procurador de los Tribunales de Justicia de Valencia. Realizó estudios de Derecho en la Universidad de Valencia y de Bellas Artes en la Real Academia de San Carlos.​ Con 20 años y un espíritu que ya prometía al hombre emprendedor que fue a lo largo de su vida, comenzó su periodo de caricaturista -bajo el seudónimo de "Folchi"- en revistas de humor y arte como Cascarrabias (1897), Arte Moderno (1900), Valencia Artística (1903) o Impresiones (1908), algunas de ellas creadas por él, llegando a ser premiado con la medalla de oro en la Exposición Regional Valenciana de 1909 y con la de plata en la Exposición Internacional de Barcelona de 1911.​

Colaborando en las primeras excavaciones que se realizan en 1907 en Paterna, se le atribuye el descubrimiento arqueológico de las antiguas alfarerías medievales de esa ciudad. En 1909 participó con su colección en la Exposición Regional Valenciana y un año después en la sección de Arte retrospectivo de la Exposición Nacional. En 1911, con la colaboración de José Benlliure, director de la Academia de España viajó a Roma y realizando un estudio sobre la azulejería valenciana de las Salas Borgianas en las dependencias vaticanas.​

En 1914, González Martí ingresó como profesor en la recién creada Escuela de Cerámica de Manises por Vicente Vilar David y Vicente Mora Arenes, convirtiéndose en su director dos años después al hacerse centro oficial, cargo que desempeñaría hasta su jubilación en 1947 (salvo el paréntesis de la guerra civil española). Tras la muerte de su esposa Amelia Cuñat y Monleón, en julio de 1946, decidió donar su colección de cerámica al Estado Español, que para albergarla creó el Museo Nacional de Cerámica el 6 de febrero de 1947 (del que sería su director vitalicio).​ Activo hasta el final, falleció en el propio museo el 4 de enero de 1972.

Se consideran esenciales sus estudios de Cerámica Española (publicado en 1933) y los tres volúmenes de la Cerámica del Levante Español (aparecidos entre 1944-1952).

Fue, desde muy joven, socio activo de Lo Rat Penat, participando en las excursiones científico-literarias, tomando anotaciones y realizando dibujos y fotografías de muchos monumentos que luego formaron parte de su álbum personal sobre arte e historia. En la asociación cultutal Lo Rat Penat llegó a ser su presidente entre 1928 y 1930, y tras la guerra, por mandato de la nueva autoridad civil entre 1950 y 1962. Fue durante este segundo mandato cuando decidió nombrar como secretario de la asociación cultural a Enric Matalí i Timoneda, el 13 de febrero de 1955,;​ fue durante este período y junto con Carles Salvador, cuando se promueve el desarrollo de los cursos de valenciano.​

Hijo adoptivo y predilecto de localidades como Paterna, Burjassot, Morella y Manises. Hijo predilecto de Valencia en 1967 y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes en 1968. Primer Coloso del País Valencià en 1971. Se le concedieron en vida la Encomienda con placa de Alfonso X el Sabio en 1947 y la Gran Cruz de Alfonso X en 1954, además de la medalla al Mérito Civil.​

Véase también

1. Allí comienza su pasión por la cerámica contagiado por el escultor, dibujante y coleccionista de azulejería Mariano García Mas.

2. Sus tiras más conocidas fueron las "dotoreries de "l'Horta" hechas a partir de de imágenes fotográficas que luego pasaba a plumilla.

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Manuel González Martí ( Valencia, 1 de enero de 1877-Valencia, 4 de enero de 1972) fue un dibujante, historiador y erudito español fundador del Museo Nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias González Martí en 1954, del que fue director de 1954 a 1972.

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(Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 - id., 1954) Pintora mexicana.
Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus
ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica
al mismo tiempo, deriv…

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(Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) Pintor argentino. Tras un período de búsquedas en Europa, cuya etapa más singular fue el aporte expresionista, Berni se inclinó hacia el realismo, poniendo su pintura al servicio del ideal humano y social.

Antonio Berni

Sus dotes artísticas le llevaron, a la temprana edad de diez años, a ingresar como aprendiz en un taller de vidrieras policromadas. En el taller aprendió las primeras nociones de dibujo, disciplina que cursó más tarde también en Rosario. A los quince años Berni ya tenía muy claro cuál era su vocación y realizó una primera exposición con paisajes y retratos que le valieron la consideración de niño prodigio.

Fue invitado a exponer hasta cuatro veces, en Rosario y en Buenos Aires, antes de recibir una beca para realizar un viaje de estudios a Europa. Con veinte años, Berni llegó a Madrid y dedicó tres meses a recorrer España: Segovia, Toledo, Córdoba, Granada y Sevilla, ciudades monumentales cargadas de historia en las que tuvo la oportunidad de conocer las obras de los maestros españoles (como El Greco, Francisco de Zurbarán, Velázquez o Goya), que sin duda impresionaron al joven artista.

Tras este primer contacto con el Viejo Mundo, Berni llegó a París en febrero de 1926. En esta ciudad, que todavía era la capital del arte, el joven pintor descubrió las vanguardias y se inició en algunas de las técnicas (grabado y collage) y los estilos (Fauvismo y Surrealismo) que conformarían su obra futura. Recibió clases de pintura del neocubista francés André Lhote y del fauvista Othon Friesz, que ejercieron gran influencia en su estilo, y aprendió la técnica del grabado con Max Jacob.

En estos años frecuentaba el círculo de artistas argentinos conocido como el Grupo de París. Conoció al pintor Lino Eneas Spilimbergo, con el que trabó una sólida amistad que les llevaría a colaborar en muchos proyectos a lo largo de sus vidas. En 1929 tomó contacto con el círculo de los surrealistas a través del escritor Louis Aragon, amigo suyo y que ejerció una gran influencia en el pintor. La obra de Berni se fue decantando claramente hacia este estilo y hoy se le considera como uno de los primeros artistas latinoamericanos de estilo surrealista. Desde París realizó una serie de viajes a Italia, Holanda y Bélgica.

Desocupados (1934), de Antonio Berni

En 1930 volvió definitivamente a su país natal, donde se encontró con su amigo Spilimbergo y con el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Juntos recibieron el encargo de realizar un mural en Rosario (Mural Botana, 1933). Tras esta enriquecedora experiencia, el estilo pictórico de Berni se decantó claramente hacia una pintura comprometida, consciente de una realidad muy distinta a la que había dejado en París; un estilo conocido como realismo social narrativo, característico de todo el continente americano, aunque con marcadas diferencias entre los distintos países.

Se instaló en su ciudad natal, Rosario, una ciudad con una vida cultural muy activa. En esta década de 1930, Berni desarrolló una gran actividad política: tomó parte importante en la creación de la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos y se afilió al partido comunista. En 1933 fundó el grupo Nuevo Realismo, desde el cual se realizaron proyectos artísticos cargados de intención política que convertían lo cotidiano en objeto de la obra de arte.

Viajó por todo el país para conocer la realidad social e investigar la vida cotidiana de su entorno, hasta que en 1936 se instaló definitivamente en Buenos Aires, donde comenzó a dar clases de dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes, actividad que compaginó desde entonces con su labor creativa. En este periodo fue nombrado presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, institución a la que siempre estuvo ligado.

Para entonces ya era un artista consagrado y recibió el encargo de realizar un mural, junto con su amigo Spilimbergo, para el pabellón argentino de la Feria Mundial de Nueva York (Agricultura y Ganadería), al que siguieron los de la Sociedad Hebraica, realizado en 1943, y el de la Galería Pacífico, de 1946. Simultáneamente realizó una importante serie de retratos de su mujer y su hija Lili, que sin duda denotaban un giro en su obra hacia un periodo de introspección que le llevó en la década de 1950 a adoptar un estilo expresionista, de tintes dramáticos, que desembocó en una serie de paisajes urbanos en los desaparecía la figura humana.

El mundo prometido a Juanito Laguna (1962)

En la década de 1960 retomó su interés por retratar los personajes que le rodeaban como instrumento para hacer crítica social. Su estilo conservó el carácter expresionista, pero fuertemente influido por el Pop Art y el realismo social. En este periodo creó dos personajes: Juanito Laguna y Ramona Montiel, ambos de los bajos fondos; él, de los suburbios de Buenos Aires, y ella, de los más sórdidos ambientes parisinos.

Las series protagonizadas por estos personajes retratan con gran agudeza de observación, y desde un punto de vista crítico, episodios de la vida cotidiana. La técnica predominante es el collage, tanto el tradicional collage "matérico" (realizado a partir de materiales de desechos) como el fotomontaje. En estas series (además de la mencionada, realizó dos más tituladas La Luna y Los monstruos, así como un conjunto de retratos populares), Berni alcanzó una gran calidad plástica y un estilo muy personal en el que retomó la estética surrealista. En 1962 recibió el Premio Internacional de Grabado y Dibujo de la Bienal de Venecia.

En la década de los setenta realizó una serie de trabajos escenográficos y decorativos, así como ilustraciones y colaboraciones con revistas, tanto nacionales como extranjeras. Los medios gráficos, que siempre habían interesado a Berni y en los que se manejaba con maestría, fueron un importante canal de distribución de su obra. Continuó con sus series populares y creó nuevos personajes como La difunta Correa, que llegó a convertirse en un mito popular. Su pintura seguía dominada por la técnica del collage. En sus últimos años realizó una serie de esculturas.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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(Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) Pintor argentino. Tras un período de búsquedas en Europa, cuya etapa más singular fue el aporte expresionista, Berni se inclinó hacia el realismo, poniendo su pintura al servicio del ideal humano y social.

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DG   PROMOCIÓN DEL LIBRO, BIBLIOTECA Y CULTURA

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DG   PROMOCIÓN DEL LIBRO, BIBLIOTECA Y CULTURA

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DG. Promoción del Libro, Bibliotecas y Cultura

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Somos una Dirección del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que tiene como objetivo promover y fortalecer la cultura de los barrios de la Ciu...

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CERÁMICA                 - LIBROS DIGITALIZADOS -

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CERÁMICA                 - LIBROS DIGITALIZADOS -

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Breve Historia del Muralismo: "Canto General de México"

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Siqueiros, Berni y el mural "Ejercicio Plástico"

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Invitado por Victoria Ocampo -y corrido de Estados Unidos- Siqueiros vino a la Argentina para promocionar el muralismo como único arte revolucionario. Declarando muerta la pintura de caballete, planificó tres conferencias en "Amigos del Arte", de las cuales llegó a realizar sólo una.

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Antonio Berni - 18 obras de arte - pintura

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Nacido en Rosario y hábil pintor desde muy temprana edad, en 1925 Antonio Berni (1905-1981) obtuvo una beca para perfeccionarse en Europa. Durante esa primera estadía en París asistió a las clases de los pintores Othon Friesz y André Lhote. Pero además del recorrido por los talleres más frecuentados por los artistas latinoamericanos que deseaban incorporar el lenguaje poscubista, Berni hizo otro camino que lo alejó de algunos de sus compañeros de estadía parisina: hacia fines de los años veinte tomó contacto con el grupo de los surrealistas. Berni dice haber conocido a André Breton y a Marcel Duchamp hacia 1928, pero fue con Louis Aragon con quien trabó una amistad duradera.

En 1928 hubo varios acontecimientos clave para el surrealismo francés: la publicación del libro de Breton Le surréalisme et la peinture y dos exposiciones parisinas del pintor italiano De Chirico (una de ellas organizada por los surrealistas). Ese también fue el momento en que el problema colonial se tornó central para el comunismo. De allí que Berni encontrara un clima particularmente receptivo para los no europeos en el marco del PCF. En esos años, el artista participó de tres círculos diferentes que años más tarde describió de este modo: los argentinos (Aquiles Badii, Horacio Butler, Héctor Basaldúa, Lino Enea Spilimbergo, Alfredo Bigatti, Raquel Forner y "otros que no eran artistas"), un "grupo de gente de la noche y de la juerga", y un tercer grupo, el del anticolonialismo. El movimiento antiimperialista, en el que participaban militantes de nacionalidades bien diversas, fue para él un foro de discusión sobre política. En efecto, sus lazos con intelectuales comunistas tuvieron una importancia tan considerable como la del aprendizaje de los lenguajes artísticos de vanguardia.

ANTONIO BERNI, LA TORRE EIFFEL EN LA PAMPA (1930), TÉMPERA Y COLLAGE, 50 X 67 CM.

El collage La Torre Eiffel en la pampa(1930) fue realizado justo antes de dejar París. Esta obra presenta una articulación de elementos estilísticos que resume bastante bien el primer recorrido europeo de Berni: el collage utilizado por algunos surrealistas como Ernst (la torre, el edificio y las vías férreas son imágenes fotográficas recortadas y adheridas) se combina con la atmósfera de extrañamiento y la perspectiva aguda propias de la pintura metafísica de De Chirico. A la vez, la figura del primer plano presenta algo de la monumentalidad de la pintura mural florentina y una síntesis que se ajusta a lo aprendido con Lhote. No se trata de un simple muestrario de lo incorporado en esos años. Estas tradiciones se articulan a partir de recorridos personales. En su referencia a la pintura metafísica, Berni reemplaza las alusiones a la tradición italiana -las arcadas o las esculturas marmóreas- por elementos representativos de la modernidad: las vías del ferrocarril y la torre Eiffel. A diferencia de los atardeceres melancólicos envueltos en una atmósfera anaranjada que habían fascinado a De Chirico, la vista pampeana presenta una luz fría que no hace nada por integrar las figuras de papel al paisaje sobre el cual fueron adheridas. Con este trasplante crudo de la torreEiffel a la pampa, Berni anticipaba su propio regreso a la Argentina. Pero la " angustia de la partida"(título de una obra de De Chirico) se transmite no tanto por la reminiscencia clásica y la luz del atardecer, sino por la aparente imposibilidad de reconciliar esos dos universos superpuestos.

Pocos años más tarde, el Nuevo Realismo que Berni lanzó desde Rosario hacia 1933 condensaba ciertos aspectos del surrealismo con la apuesta explícita del muralismo por la política. Tanto el impacto de la Argentina de la crisis de los años treinta, como la presencia del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros en Buenos Aires durante 1933 constituyeron disparadores indiscutidos para el Nuevo Realismo. Berni mismo fue uno de los artistas locales que colaboraron con Siqueiros para la realización de Ejercicio Plástico, en el subsuelo de una residencia privada, mural que luego de una larga y accidentada historia fue restaurado y emplazado en 2010 cerca de la Casa Rosada, en Buenos Aires.

ANTONIO BERNI, MANIFESTACIÓN (1934), TEMPLE SOBRE ARPILLERA, 182 X 249 CM. MUSEO DE ARTE LATINOAMERICANO DE BUENOS AIRES (MALBA)

Una obra programática como Manifestación(1934) resulta un ejemplo ilustrativo de los "murales portátiles" de Berni. Tal como señala Roberto Amigo, con las grandes pinturas de esos años el artista rosarino buscó que la visibilidad pública del mural tuviera como soporte una obra de caballete: el gran formato, el uso del temple sobre tela de arpillera y el tratamiento monumental de las figuras ofrecían un aspecto imponente. Esos manifestantes pidiendo pan y trabajo parecen descender con celeridad hasta el primerísimo primer plano, al punto de casi salirse de la tela hacia el espacio del espectador. Como afirma Diana Wechsler, lo surreal le ofrecía elementos estilísticos para desarrollar una figuración singular con atmósferas agobiantes. Así, estos "murales portátiles" pretendían intervenir en las conciencias políticas de los espectadores, y enmendar la falta de un Estado dispuesto a ofrecer muros públicos a los artistas de izquierda. Pero si el Nuevo Realismo constituyó un modo de resistencia frente a la nueva realidad argentina comandada por un gobierno filofascista, este giro también estuvo en sintonía con las nociones acerca del realismo que Aragon pregonaba desde las líneas del PCF.

La bibliografía sobre Berni ha tendido a desmarcar su Nuevo Realismo del realismo socialista, señalando que la imagen de los trabajadores de Manifestacióno Desocupados (1934) tiene poco que ver con las representaciones triunfantes soviéticas. En efecto, puede percibirse una distancia considerable entre estas pinturas sobre arpillera de Berni y la imagen oficial heroica que la urss presentaba en el pabellón en la Exposición Universal de París de 1937; por ejemplo: sus trazos son más modernos y no muestran el optimismo característico del realismo socialista. Sin embargo, Roberto Amigo ha dado cuenta de los vínculos entre la iconografía de estas obras paradigmáticas de Berni con la agenda del PCA de los años treinta. A su vez, la "doctrina" del realismo socialista consistía menos en un estilo preciso que en lineamientos generales acerca de un realismo heroico centrado en el contenido. Los términos que se utilizaban para referirse a este realismo -"fuerte" o "enérgico"- podrían aplicarse a estas obras de Berni.

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Los "murales portátiles" de Berni en la Argentina de los años treinta

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Nacido en Rosario y hábil pintor desde muy temprana edad, en 1925 Antonio Berni (1905-1981) obtuvo una beca para perfeccionarse en Europa. Durante esa primera estadía en París asistió a las clases de los pintores Othon Friesz y André Lhote.

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ARTE CERÁMICA EN LOS SUBTES DE BUENOS AIRES

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ARTE CERÁMICA EN LOS SUBTES DE BUENOS AIRES

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Arte Cerámico en los Subtes de Buenos Aires

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Osvaldo Pellegrini Artista Plástico. 225 likes. Que la belleza no te paralice pues donde termina la perfección aparece la metáfora, así es como el arte es una pregunta a resolver..sin respuesta,también.

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Karlos Jordan Ceramista. 814 likes · 1 talking about this. Difusión de las artes del Fuego en General y la Cerámica en particular

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TEATRO ONLINE https://www.teatrocervantes.gob.ar/noticias/cervantes-online/

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CASA AZUL :       RECORRIDO VIRTUAL          

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MUSEO NACIONAL DE CERÁMICAS Y ARTE  SANTUARIAS "GONZALES MARTÍ"

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MUSEO NACIONAL DE CERÁMICAS Y ARTE  SANTUARIAS "GONZALES MARTÍ"

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Así la define Alejandro Jodorowsky

"La creatividad es como un bolsillo mágico que siempre está dispuesto a dar."

¿Qué sería del mundo sin creatividad?

Sin ella sólo habría repetición y rutina. Para cambiar, mejorar y abrir nuevas direcciones, es imprescindible la creatividad. Crear es traer al mundo algo de valor que antes no estaba, hace nacer lo que en el mundo no nace.

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Así la define Alejandro Jodorowsky "La creatividad es como un bolsillo mágico que siempre está dispuesto a dar." ¿Qué sería del mundo sin creatividad? Sin ella sólo habría repetición y rutina. Para cambiar, mejorar y abrir nuevas direcciones, es imprescindible la creatividad.

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CERÁMICA                               - LIBROS -

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CERÁMICA                               -LIBROS DIGITALIZADOS-

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CERÁMICA                               -LIBROS DIGITALIZADOS-

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CERÁMICA                               -LIBROS- 

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https://www.libreriamundial.org/libreria/tecnologia-de-los-materiales-ceramicos/

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BIOGRAFÍAS:

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BIOGRAFÍAS:

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BIOGRAFÍAS:

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VAN A ENCONTRAR POÉSIAS, CUENTOS, CANCIONES ...

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VAN A ENCONTRAR POÉSIAS, CUENTOS, CANCIONES ...

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https://bibliopalabra.blogspot.com/2020/

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LES COMPARTO ESTE BLOG:  "PALABRAS PARA ESCUCHAR", DEL CUAL SOY INTEGRANTE COMO NARRADORA CON OTROS MARAVILLOSOS COLEGAS CONVOCADOS. ESTE  ES UN ESPACIO  PROPUESTO POR EL MINISTERIO DE EDUCACIÓN.        

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LES COMPARTO ESTE BLOG:  "PALABRAS PARA ESCUCHAR", DEL CUAL SOY INTEGRANTE COMO NARRADORA CON OTROS MARAVILLOSOS COLEGAS CONVOCADOS. ESTE  ES UN ESPACIO  PROPUESTO POR EL MINISTERIO DE EDUCACIÓN.        

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¡ PARA ENDULZAR LOS OÍDOS, DISFRUTEN!...

¡ DISFRUTEN!

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"La palabra es una llave, puede abrir puede cerrar. Habrá que darle una vuelta que nos sirva para entrar" de Laura Devetach

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MODIGLIANI Y SU ESCULTURA MULTIMILLONARIA

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4 miradas en el Museo de Artes plasticas Eduardo Sivori

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Marcelo Martiarena Instalación: ¿De qué lado estás?

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" EL MAESTRO DE SIEMPRE ANTONINO  PUJIA".

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" EL MAESTRO DE SIEMPRE ANTONINO  PUJIA".

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ADMIRACIÓN  ETERNA PADRINO.