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Actividad. Clase 17/6.

Autor: Caspar David Friedrich.

Año: 1818.

Título: “El caminante sobre el mar de nubes” o “Wanderer above the sea of fog”; (título original [en alemán]: “Der Wanderer über dem Nebelmeer”).

Dimensiones: 74,8 cm (ancho) x 94,8 cm (alto).

Vanguardia: Romanticismo.

Soporte: tela (lienzo).

Material: óleo.

Técnica: Técnica húmeda de pintura al óleo. Sfumato.

Elementos formales.

Puntos: imperceptibles al mirar la obra como un todo, carecen de protagonismo. Al analizar detalladamente, se perciben algunos puntos, en el segundo plano, en la textura de las nubes y las montañas.

Línea: Hay una línea en el primer plano, que es el bastón del hombre de espaldas; una línea recta. El resto de las líneas en la composición son de contorno y para dar detalle, especialmente con líneas mixtas e irregulares, a las estructuras rocosas-montañosas. Se emplean también líneas curvas diagonales en el pelo del personaje, sugiriendo que hay viento soplando hacia la izquierda.

Forma: Predominan las formas orgánicas que intentan imitar la naturaleza (árboles, montañas, nubes). Se encuentran tanto en el paisaje como en el primer plano de la obra; pareciera que todo lo que rodea al personaje son figuras orgánicas.

Textura: Visual. Agudiza el grado de detalle. Por ejemplo, en el pelo del personaje o en las nubes y montañas.

Color: Armonía de colores fríos. En el primer plano, se resaltan los colores oscuros en tonos de azules, grises y marrones. Estos contrastan con los colores claros del segundo plano, también fríos, en tonos principalmente grises. Descartando la cabeza del personaje, se podría hablar de una monocromía del azul.

Figuración, todos los elementos son identificables. Cuenta con un retrato y un paisaje.

Composición.

La obra es asimétrica. De todos modos, el personaje se encuentra en el centro de la composición y se perciben laderas de montañas a cada lado de él, que parecerían corresponder a una simetría axial, como si el personaje tapara un punto de fuga.

La obra está en estado de reposo y equilibrio. El personaje parece estar admirando un paisaje, que, aunque se sugiere cierto movimiento, lo hace reflexionar estando quieto en su lugar.

Elegí esta obra porque me transmitió tranquilidad, en un principio. Además, el personaje parece estar reflexionando, lo que me dieron ganas de saber qué estaba pensando. Quise buscar una obra que no conocía yo, pero que sea importante y que, en general, sea conocida. También me pareció que la mayoría de las obras famosas eran retratos de rostros y esta me llamó la atención porque la identidad del hombre parece no importar.

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Análisis de obra

Autor: Vincent Van Gogh

Año: 1889

Título de la obra: De Sterrennacht (La noche estrellada)

Dimensiones: 73,7 cm × 89,2 cm

Vanguardia a la que pertenece: Postimpresionismo

Soporte: lienzo

Materiales: óleo humedecido y pinceles finos

Técnica: óleo sobre lienzo

Elementos formales

Punto: hay puntos grandes y medianos, están ubicados en el cielo representando las estrellas, gracias a ellos nos damos cuenta que en esta obra es de noche.

Línea: son onduladas, horizontales, creando formas protagonistas y secundarias en la obra. Aparecen líneas rectas sólo para detalles como los techos de las casas

Forma: son irregulares y orgánicas, las encontramos en el cielo, en las casas, en las montañas,

Textura: visual, me hace parecer que tiene una textura rugosa por cómo se utilizó el pincel en las montañas y en el cielo

Color: el color que más aparece es el azul, también aparece el negro, ambos haciendo referencia a la oscuridad y al frío. También aparece el color amarillo para darle tonalidad a las estrellas

Figuración o abstracción: figurativa porque logro identificar los objetos que aparecen

Composición

Simétrica o asimétrica: asimétrica

Reposo-equilibrio-inestabilidad: reposo y equilibrio

Elegí esta obra porque me gustan sus colores, me conduce a una época antigua en Francia. Si bien es una obra muy conocida, la elegí porque tiene un estilo único, “alocado”, diferente a las demás, que son más tranquilas. Es muy interesante ya que tiene muchos significados y fue una obra que Van Gogh realizó cuando estaba en un sanatorio.

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Análisis de la obra:

Autor : Vincent Van Gogh.

Año: 1889.

Título: La noche estrellada.

Dimensiones: 73,7 x 92,1 cm.

Vanguardia: postimpresionismo.

Soporte: lienzo.

Materiales: óleo.

Técnica: pintura.

Punto: las estrellas son los puntos en esta obra y se encuentran en la parte superior, estas tienen el trabajo de guiar los distintos elementos que se encuentran en esta obra.

Línea: la obra contiene líneas onduladas, estas se pueden ver en el cielo o en el contorno del pino.

Forma: se encuentran formas orgánicas e irregulares, se observan en el pino o en las montañas que están en el fondo de la obra como así también en las casas.

Textura: la textura es visual, se encuentra determinada por la pincelada.

Color: en la obra se encuentran colores como el azul y el amarillo en distintas gamas, algunas más oscuras y otras más claras. Se puede ver como la claridad del cielo contrasta con la oscuridad del pueblo.

Figuración o abstracción: está obra es figurativa ya que fácilmente se pueden reconocer los objetos que se encuentran en la pintura, la luna, el pueblo, el pino, las estrellas, etc.

Simetrica o asimetrica: esta es asimétrica, la mayoría de los elementos se encuentran en la parte inferior aunque la parte superior se lleva el protagonismo.

En reposo -equilibrio-inestabilidad: considero que es inestable ya que los elementos en esta obra no están tan bien distribuidos como para decir que está equilibrada.

Elegí esta obra por que me gustan mucho las tonalidades que se encuentran en ella ademas de las formas irregulares, personalmente creo que el cielo es lo mas llamativo y hermoso de esta pintura.

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Análisis de la obra:

- Autor: Salvador Dalí
- Año: 1931
- Título: La persistencia de la memoria
- Dimensiones: 24cm × 33cm
- Vanguardia: Surrealismo
- Soporte: Lienzo
- Materiales: Pintura al aceite
- Tecnica: óleo sobre lienzo

Elementos formales:
- Punto: Aparecen en los relojes, su centro esta marcado por puntos
- Lineas: Hay lineas rectas y onduladas formando los relojes y objetos como el árbol
- Forma: Son formas irregulares se pueden ver los relojes bastante distorsionados
- Textura: es una textura visual ya que todo esta pintado sin relieve
- Color: Juega con el contraste entre los colores fríos como azules y los grises, con los cálidos, marrones o amarrillos
- Figuración o abstracción: aunque de manera distorsionada se logran reconocer los objetos por lo que es figurativa

Composición:
- Simétrica o asimétrica: Simétrica
- Reposo/equilibrio/inestabilidad: reposo y equilibrio

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Autor: René Magritte

Año: 1928

Título de la obra: Los amantes

Dimensiones: 54 cm x 73 cm

Vanguardia a la que pertenece: Surrealismo

Soporte: lienzo

Materiales:  Pintura al aceite

Técnica: óleo sobre lienzo

Elementos formales.

Puntos: imperceptibles al mirar la obra a simple vista. Se pueden llegar a divisar algún que otro punto en el fondo negro de la pintura

Línea: Hay una línea en el primer plano, en la parte derecha de la pintura se hace ver una gran franja roja que cubre de arriba a abajo toda la parte derecha de la pintura.

Formas: Encontramos formas orgánicas las mas noticias y detalles para simular la realidad.

Textura: es una textura visual ya que todo está pintado sin relieve alguno.

Color: Juega con el contraste entre los colores fríos como negro y el grises, con los cálidos, rojo.

Figuración o abstracción: todos los objetos se pueden reconocer fácilmente.

Composición:

- Simétrica o asimétrica: Simétrica

- Reposo/equilibrio/inestabilidad: reposo y equilibrio

Escogí esta obra ya que es una de las pocos que conozco, como también de las pocas que me gustan. Me gusta mucho por el hecho realista que maneja estas obra, el dilema de los amantes, en el cual representa a los amantes como realmente son: objetos de placer.

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Análisis de la obra:

Autor: Jackson Pollock

Año: 1952

Título: Convergence

Dimensiones: 241,9 x 399,1 cm

Vanguardia Artística: Expresionismo abstracto

Soporte: Lienzo

Materiales: Pintura sintética

Técnica: Dripping, Pintura de acción.

Punto: En la obra no hay puntos, porque la técnica del dripping siempre forma líneas, al “chorrear” o salpicar la pintura.

Línea: Hay líneas rectas, onduladas e irregulares, formadas al salpicar la pintura contra el lienzo. Todas las líneas forman la obra que se observa, y no hay una que predomine por sobre el resto o que tenga una forma particular.

Forma: Todo el cuadro está compuesto por formas accidentales superpuestas y salpicaduras que no siguen un patrón aparente.

Textura: el pintor no trabaja con la textura visual, pero tiene una especie de textura táctil debido al relieve generado por las múltiples capas de pintura,

Color: tiene una base de color negro y blanco, y por encima salpican los colores primarios, que resaltan sobre el fondo con poca saturación. Los colores que mas contrastan son el rojo y el amarillo, el azul está presente en menor cantidad y se funde con las partes oscuras del fondo de la pintura.

Figuración o abstracción: la obra es completamente abstracta, no hay elementos reconocibles en ella.

Simetría: es simétrica porque todas las partes del cuadro tienen la misma cantidad de elementos, y no hay una parte que llame más la atención que otra. No hay un eje o punto al respecto del cual se posicionan los elementos, pero la cantidad de líneas o colores en toda la obra es pareja.

Equilibrio: la obra está en equilibrio, pero no necesariamente en reposo, porque las líneas dan una sensación de movimiento.

Elegí a Pollock y esta obra suya en particular porque es un artista que siempre me resultó interesante, porque se distanció de otras técnicas más tradicionales, y sus cuadros son muy particulares y reconocibles. Esta obra me gusta por la combinación de colores, que hace que resalten zonas en particular del cuadro, aunque en realidad no tengan una forma diferenciada. Elegí también a este artista porque quería analizar una obra no figurativa, donde el artista se expresara de otra forma.

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Análisis de obra

Autor: Caspar David Friedrich

Año: 1818

Título de la obra: El caminante sobre el mar de nubes

Dimensiones: 74,8 centímetros de ancho por 94,8 centímetros de alto.

Vanguardia a la que pertenece: Romanticismo, busca expresar estados de ánimo y sentimientos, a la intensidad emocional. El tema de la pintura romántica es el paisaje, en su aspecto más salvaje y misterioso, así como cuadros con temática exótica, dramática, melancólica.

Soporte: Tela.

Materiales utilizados: Óleo

Técnica: Óleo sobre tela.

Elementos formales

Punto: no se les da tanta importancia. Solo se observan si miramos con mucho detalle.

Linea: rectas (bastón de la silueta), de contorno , difuminadas con el fondo.

Forma:  Orgánicas (figuras creadas por o en la naturaleza sin intervención humana).

Textura: visual.

Color: destaca una gama de colores más oscuros en tonos azules, negros y algún que otro marrón.

Figuración, los elementos que se visualizan tienen una forma común para todos.

Composición

Simetría (ya que si se divide la obra por la mitad se observa el mismo peso en ambos lados).

No se encuentra en reposo (los objetos presentes están en movimiento, como el agua), equilibrio (la obra tiene un gran equilibrio, tanto por los tamaños de los objetos como la distribución de ellos) y es inestable (ya que no se mantiene invariable o inalterable en el mismo lugar, estado o situación).

Valoración personal

Personalmente elegí esta obra por varios motivos. Primero, me gustó mucho el dibujo realizado: un viajero sobre una roca observando un mar de nubes. Me pareció una idea muy original y encantadora. Además, me gusta como en esta obra, lo que se esperaría ver es un mar en el fondo, y sin embargo, lo que vemos, son nubes. Segundo, me llamó la atención todo lo que transmite. Esas nubes o niebla que al tratar de tocar se resbala de las manos y la silueta de espaldas sin que podamos conocer su cara, hace que sienta cierta inquietud. Incluso, el hombre podría tener nuestras caras y nos representa a nosotros. Aunque no creo que el autor quiera que nos enfoquemos en la silueta, sino en el paisaje.

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·         Autor: Johann Heinrich Füssli

·         Año: 1781

·         Título de la obra: The Nightmare

·         Dimensiones: (101 cm × 127 cm)

·        Vanguardia a la que pertenece:  Surrealismo

·         Soporte: Lienzo

·         Materiales:  óleo sobre lienzo

·         Técnica:  Óleo

Elementos formales

·         Punto: se pueden notar el uso de puntos para dar detalles

·        Línea: líneas que forman diferentes objetos realistas

·         Forma: orgánicas que dan formas reales humanas y animales

·         Textura: texturas que sobresalen.

·         Color:  Se usan colores oscuros para dar más  “terror”

·         Figuración o abstracción:  obra figurativa

Composición

·         Simétrica o asimétrica:  simétrica

·         Reposo-equilibrio-inestabilidad: Reposo equilibrio.

Elegí esta obra porque me llamo la atención y me gustan las obras de este estilo más terroríficas me sentí atraído en por la mirada del “bicho” que esta subido sobre la chica.

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Análisis de la obra:
Autor: Leonardo da Vinci.

Año: 1503-1519.

Titulo: La Gioconda.

Dimensiones: 77cm x 53cm.

Vanguardia a la que pertenece: Realismo extremo.

Soporte: Álamo.

Materiales: Pintura al óleo.

Técnica: Pintura al óleo sobre tabla de álamo.

Punto: Si la obra se ve rápidamente, no se ve ningún punto. Pero si se ve detalladamente si.

Línea: Se pueden observar líneas rectas y onduladas.

Forma: A los lados de Lisa Gherardini, se pueden ver formas orgánicas en los caminos.

Textura: Esta obra, tiene relieves.

Color: Para esta obra, se utilizaron diversos colores, mayormente oscuros. Gracia a esto, personalmente se luce más el tono de la piel.

Figuración o Abstracción: Es figurativa.

Simétrica o Asimétrica: Simétrica.

Reposo-equilibro-inestabilidad: Equilibrio.

Elegí esta obra por varios motivos, en primer lugar porque siempre me causo y me sigue causando mucha intriga en saber que pensó da Vinci al pintarla. También, porque siempre me sorprendió que cuando la miras te está mirando sin importar donde estas ubicado, esto me hace sentir una sensación extraña ya que te hace sentir observado. Por último, porque hace poco escuche la historia de cuando fue robada y me gustó.

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Análisis de la obra:

Autor: Jean-François Millet
Año:  1857-1859
Título: El ángelus
Dimensiones: 66 cm × 55,5 cm
Vanguardia artística: Realismo
Soporte: Lienzo
Materiales: Óleo
Técnica:Óleo sobre lienzo

En cuanto a los elementos formales:

Punto: Los puntos no se ven cuando se contempla el todo, pero se pueden ven en el pasto. Son cortos y seguros.
Línea: La gran mayoría de las líneas son onduladas y forman alguna forma o personaje, excepto la línea del horizonte y una línea en el pasto, las cuales son rectas.
Forma: Las formas son orgánicas, son personas, pájaros, una canasta, una carreta con bolsas, un rastrillo y plantas.
Textura: La mayoría del cuadro es liso, excepto por el cielo y el pasto, que parecen tener textura.
Color: Los colores son suaves para el paisaje y un poco más oscuros para los personajes, todo el cuadro es muy sobrio y tiene un aura triste gracias a los colores.
Figuración o abstracción: Es una obra figurativa ya que Millet pintaba lo que veía y en este caso son dos campesinos rezando, lo cual es muy reconocible.

Composición

Simetrica o asimetrica: Es un cuadro no tan simétrico, pero conserva cierto balance en toda la obra.
En reposo-equilibrio-inestabilidad: La obra está en equilibrio y reposo.

Elegí este cuadro ya que tuve la suerte de ver muchos de los cuadros de Millet en una muestra y este es el tipo de arte que más me gusta, el realista. Aunque este no fue mi cuadro favorito, es el más reconocido y entiendo por qué. Este cuadro me genera tristeza por la historia de fondo, la canasta antes contenía el cuerpo de un niño fallecido, pero Millet lo cambió porque se dio cuenta de que no iba a venderse tan bien con ese detalle, pero la escena conserva su tristeza y melancolía.

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Análisis de la obra

Autor: Edvard Munch.

Año: 1983

Título: El grito.

Dimensiones: 91 cm × 74 cm

Vanguardia: Expresionismo.

Soporte: Lienzo.

Materiales: Óleo.

Técnica: Óleo sobre lienzo, con una aplicación violenta del color.

Punto: No hay tantos puntos en esta obra, los únicos que se utilizan son para formar la cara del protagonista.

Línea: Hay líneas rectas formando el puente y líneas onduladas en todo el fondo formando el paisaje.

Forma: Encontramos formas irregulares en todo lo que se ve detrás del puente, el cielo, la playa, el canal.

Textura: La textura es visual

Color: Hay una contraposición entre gamas cálidas y frías, aunque predominan más los colores naranja, amarillo y marrón en sus distintas tonalidades.

Figuración o abstracción: Es una obra figurativa ya que puedo reconocer a la persona gritando, a las otras dos personas que vienen o se alejan caminando, el cielo, la playa, el puente.

Es simétrica.

Considero que la obra está equilibrada.

Elegí esta obra porque es muy famosa y siempre me llamó la atención desde chica. Logra transmitirme una sensación de angustia y soledad que es lo que el autor quiere reflejar.

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Autor: René Magritte.
Año: 1964
Titulo: El hijo del hombre.
Dimensiones: (116 cm × 89 cm.)
Vanguardia a la que pertenece: surrealismo.
Soporte: lienzo.
Materiales:  Pintura al aceite.
Técnica: óleo sobre lienzo.
Punto: casi no hay.
Líneas: se pueden ver en el abrigo y en el fondo.
Formas: las formas intentan imitar un escenario común.
Textura: es visual.
Color: la mayoría son colores muy naturales pero resaltan el verde de la manzana y el rojo de la corbata.
Figuración o Abstracción: Es figurativa.

Simétrica o Asimétrica: Simétrica.

Reposo-equilibro-inestabilidad: Equilibrio.

Elegí esta obra ya que me llamo la atención el porque de la manzana cubriendo el rostro. Y que llevo al pintor a hacer esta obra.

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Análisis de obra:

·       Autor: Frank Frazetta

·       Año: 1967

·       Título de la obra: Nightstalker

·       Dimensiones: sin identificar

·       Vanguardia: fantástica

·       Soporte: sin identificar

·       Materiales utilizados: óleo

·       Técnica: pintura al óleo, perspectiva

Elementos Formales

·       Punto: se encuentra representando las luces de la ciudad, siendo de tamaño pequeño

·       Línea: son rectas en las nubes que atraviesan la luna. Son onduladas en los huesos, en el cuerpo del protagonista de la obra, en la ciudad, en el camino que se dirige a la misma y en la luna. Son quebradas en la composición de la ciudad y en la colina

·       Forma: son orgánicas (la luna, el protagonista de la obra, los huesos, la colina, el camino, las nubes y la ciudad)

·       Textura: son visuales, desde los huesos, pasando por la luna, hasta el camino que lleva a la ciudad

·       Color: se perciben una variedad de matices del naranja y el gris. También se encuentran el negro y el blanco

·       Figuración-Abstracción: la obra es figurativa. Todos los elementos son identificables

Composición

·       Simetría-Asimetría: la obra es asimétrica. Se nos destaca primero un personaje y los huesos que lo rodean, para que luego pasemos a ver la luna y la aldea a lo lejos.

·       Reposo-Equilibrio-Inestabilidad: la obra está en reposo. Vemos a un personaje ahí, quieto, observando, contemplando, planteándose qué hacer frente a la aldea.

Valoración personal

·       Me parece una obra alucinante. Me llena de curiosidad sobre quién es el personaje que se nos presenta. Dónde está, qué hace ahí. Todo lo que hace Frank Frazetta te lleva a otro mundo. Te planteas todo lo que puede pasar en esos universos.

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Artista: Katsushika Hokusai

Tamaño: 26 cm x 38 cm

Período: Ukiyo-e

Autor: Katsushika Hokusai

Fecha de creación: 1830–1831

Tema: Monte Fuji

Título: Kanagawa oki nami ura

Soporte: Grabado en color sobre bloque de madera

Materiales: Tinta

Técnica: ukiyo-e (técnica de estampa japonesa)

Desde el punto de vista artístico, esta obra presenta varios elementos dignos de mención. En primer lugar, el fuerte y destacado color azul usado para representar el mar y la gran ola. Este color azul fue bastante novedoso en la época, ya que se importó nada menos que desde Inglaterra, a través de China, hasta Japón. Recordemos que durante el periodo Edo, el país estuvo cerrado a todo tipo de influencias externas, por lo que se puede entender la relevancia de introducir esta novedad.

La gran ola muestra unos rasgos muy marcados, especialmente el contraste entre el agua de mar y la espuma, y cuya composición de color le dota de una textura casi pétrea, dura como una roca. La espuma, en su forma previa al caos del momento en que romperá, se muestra de forma bella y ordenada, que casi sugieren unas manos apunto de alcanzar algo. Los barcos suponen un contraste pequeño a esta poderosa estampa, y destacan de manera sutil, casi desapercibida, por encima de las olas con un color madera muy suave.

Finalmente, cabe observar que los colores usados para representar al Monte Fuji son idénticos que los de la olas y la espuma. Esto podría ser, si acaso, una expresión de la unicidad de la naturaleza, que se muestra en diferentes formas, una montaña solitaria al fondo y el mar enrugecido, pero siguen siendo, en el fondo, lo mismo.

Simétrica o asimétrica: simétrica

En reposo -equilibrio-inestabilidad: inestabilidad

La elegí: puse en google, pinturas famosas de japón, y esta era la primera, porque de japón, porque me gusta su cultura, eso es todo.

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Analisis de obra

Autor: Eduardo Naranjo

Año: 1971

Título de la obra: Contemplación de la muñeca

Dimensiones: 85 × 68

Vanguardia: Realismo mágico

Soporte: Lienzo

Materiales utilizados: Óleo

Técnica: Óleo sobre lienzo.

Elementos Formales

Punto: Los puntos en esta obra son imperceptibles por lo que no se sabe su tamaño, forma, o textura.

Líneas: En su gran parte, las líneas rectas corresponden a las puertas y las molduras de las mismas. También se encuentran líneas quebradas en las puertas, onduladas en la bolsa y la maleta debajo de esta. Las líneas mixtas se encuentran esparcidas en las puertas, las escrituras de la maleta, y en la muñeca en sí. Las de contorno están totalmente delimitadas en la obra.

Formas: Predominan las formas orgánicas y geométricas. Las primeras se ven en el cuerpo de la muñeca, en la bolsa, en el desgaste de las maletas y los cerrojos de la misma, las geométricas son predominantes en las puertas, en pequeños detalles dibujados en estas, en los rombos de los pantalones de la muñeca, el cuadrille de su pollera, la flecha que atraviesa el corazón, los cálculos y signos matemáticos, etcétera.

Textura: La pintura no tiene textura táctil, pero si visual. Desde las partes gastadas de la pintura de las puertas y las molduras, el cabello de la cabeza y vestimenta de la muñeca aparentando diferentes telas, las grietas de la madera, el cuero roto de la maleta, el plástico de la bolsa y la etiqueta destruida de la misma, la rugosidad del cartón, y las costuras del cuero.

Color: Predominan los colores fríos, desaturados, y la obra es bastante monocromática. Menos la saturación del color naranja en el el pantalón y los labios de la muñeca.

Figuración-Abstracción: Figurativa, todos los elementos son identificables.

Composición

Simetría-Asimetría: La obra es asimétrica, aunque la muñeca se encuentra en el centro de la composición.

Reposo-Equilibrio-Inestabilidad: Es una obra en estado de equilibrio, pero personalmente no me da la sensación de un estado de reposo. Esto, por como se encuentra pintada la pollera de la muñeca que parece estar asomándose por las puertas del placard o armario, y teniendo en cuenta que la vanguardia del autor tiene una conformación mágica da sentido a este pensamiento.

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Esta obra la elegí entre muchas, buscaba un autor contemporáneo que se dedicara a pintar algo mas fantasioso pero en la busqueda me encontre con las pinturas de Eduardo Naranjo y el toque siniestro de esta obra en particular fue lo que me cautivo. En verdad, sus primeras obras son terriblemente detallistas, juega con la magia, los sueños, la perspectiva y la subjetividad, las dimensiones, las texturas visuales, luces y conceptos.

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Análisis de la obra:

Autor: Pablo Picasso

Años: 1937

Título de la obra: Guernica

Dimensiones: 776,6 cm × 349,3 cm

Vanguardia: Cubismo, Surrealismo

Soporte: Lienzo

Materiales: Óleo

Técnica: Óleo sobre lienzo

Elementos formales:

Punto: No hay un gran protagonismo de los puntos en esta obra, pudiéndolos encontrar solo en los ojos de algunas criaturas.

Línea: Las líneas son parte clave y lo que en sí, forma a la obra, se pueden encontrar a lo largo de toda la pintura, ya sea de forma aisladas como formando una figura. La obra está llena de diferentes tipos de estas, se pueden encontrar líneas curvas y onduladas formando figuras humanas o animales y líneas rectas como parte del fondo y de algunas criaturas.

Forma: Las formas que podemos encontrar en la obra son geométricas, como podemos ver en el fondo, e irregulares, como podemos ver en la composición de los cuerpos

Textura: La textura es visual, dominando una apariencia bidimensional.

Color: Imagen acromática, sin color. Pintada en blanco y negro (tonos dominantes de la obra) con una gama de grises.

Figuración o abstracción: La obra es abstracta ya que hay elementos en esta que son irreconocibles o que pueden tener una libre interpretación.

Simetría o Asimetría: Asimétrica

Reposo-equilibrio-inestabilidad: La obra está en equilibrio y en reposo

Elegí esta obra por todo lo inquietante y estresante que puede ser la pintura la primera vez que se observa, pero a su vez debido a todo el significado que oculta detrás de esas figuras casi irreconocibles sobre la guerra civil española.

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Autor: Maria Cristina Elorriaga
Año: 2018
Título: “Periplo interior”
Dimensiones: 36x25
Obra contemporánea. Figuración abstracta
Soporte: papel
Material: copias propias de grabados y pinturas de la artista.
Técnica: collage

Elementos formales

Punto: se encuentra en el papel de los grabados, por su propia técnica de aguatinta.
Línea: líneas orgánicas, líneas onduladas, rectas y de contorno.
Forma: hay formas accidentales en el corte del papel a mano. Formas geométricas en el contorno de la obra.
Textura: hay textura táctil porque el grabado superior tiene gofrado, y la medialuna inferior tiene textura con pintura en relieve. Por lo tanto hay textura visual y táctil.
Color: predominan los neutros (blancos, negros y grises) con pequeños toques de color rojozos y tierras (colores cálidos)

Figuración abstracta
Composición asimétrica
En reposo, me da paz y silencio

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Autor: Remedios Varo

Año: 1957

Título de la obra: La creación de las aves

Dimensiones: (52.5 × 62.5 cm)

Vanguardia a la que pertenece: obra surrealista

Soporte: lienzo

Materiales utilizados: óleo

Técnica: pintura al óleo

Elementos Formales

Punto:  puntos en gran parte de la obra

Forma: tiene formas geométricas como el triangulo

Textura:  sombras profundas

Color: cálidos

Figuración-Abstracción: -

Composición

Simetría-Asimetría: es asimétrica.

Reposo-Equilibrio-Inestabilidad: esta equilibrada.
Aqui mi obra: