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Lumière sur les derniers impressionnistes

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Lumière sur les derniers impressionnistes

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Visite virtuelle de l'exposition proposée par le musée de Lodève (septembre 2020-février 2021)

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L'occasion de se plonger dans un bon e-bouquin

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L'occasion de se plonger dans un bon e-bouquin

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Cultura met à disposition gratuitement 3000 e-books

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L’Opéra national de Paris (à retrouver directement sur le site) rend accessible en ligne certains de ses spectacles. Gratuitement bien sûr.

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Brèves

TOURNÉE DU BALLET DE L'OPÉRA AU JAPON EN FÉVRIER 2024

THE EXTERMINATING ANGEL : CHANGEMENT DE DISTRIBUTION

GIVING TUESDAY : OUVREZ L'OPÉRA DE PARIS À TOUS LES PUBLICS

LES MORTIER AWARDS 2023 DÉCERNÉS À ARIANE MNOUCHKINE ET JEFFREY DÖRING

Bons cadeaux

Partagez votre passion pour l'opéra et le ballet en offrant un bon cadeau de l'Opéra national de Paris.

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Ma Première fois à l'Opéra

Venez en famille assister pour la première fois à une représentation à tarif exceptionnel : 25 € par adulte et 10 € par enfant.

Podcasts

De la scène aux coulisses, nos podcasts vous emmènent au plus proche des œuvres et des artistes !

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Le Palais Garnier et l'Opéra Bastille. Programmation, Billetterie, Informations pratiques.

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Une plongée en streaming dans les archives

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Une plongée en streaming dans les archives

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L’INA rend gratuite sa plateforme Madelen pendant 3 mois, une véritable mine d’or culturel avec 13.000 contenus : documentaires, séries, spectacles, concerts ou encore émission cultes.

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madelen est la plateforme de streaming de l'INA qui fait découvrir à tous les curieux d'aujourd'hui les meilleurs programmes créés pour la télé depuis qu'elle existe : séries culte, films rares, émissions, documentaires, théâtre...

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madelen est la plateforme de streaming de l'INA qui fait découvrir à tous les curieux d'aujourd'hui les meilleurs programmes cré

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La Comédie-Française a lancé pendant le confinement une web TV "La comédie continue" en live tous les jours à partir de 16h : mises en scène récentes et d’autres pièces intemporelles.

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Afin de vous accueillir dans les meilleures conditions, nous sommes contraints de décaler l'horaire des représentations du dimanche des spectacles du Petit Saint-Martin ( Les héros ne dorment jamais et Séisme) qui auront lieu à 17h30 (au lieu de 16h30).

La comédienne Anna Cervinka s'étant malheureusement blessée, nous sommes contraints d'annuler les représentations de Déshonorée.

Le spectacle sera créé la saison prochaine (2026-2027), les dates et lieu de représentation seront annoncés avec l'ensemble de notre programmation.

JANVIER - JUILLET 2026

La Salle Richelieu fermant pour travaux le 16 janvier, la Troupe se produira dès le 14 janvier dans 11 théâtres à Paris et à Nanterre.
Outre ses deux salles permanentes, le Théâtre du Vieux-Colombier et le Studio-Théâtre, elle aura pour point fixe le Théâtre de la Porte Saint-Martin et le Petit Saint-Martin et sera présente dans 9 théâtres partenaires : le Théâtre du Rond-Point, l'Odéon Théâtre de l'Europe, le Théâtre Montparnasse, le Théâtre Nanterre-Amandiers, le 13e art, La Villette-Grande Halle et le Théâtre du Châtelet.

Les 20 spectacles de cette saison hors les murs sont en vente.

Les visites historiques " Sur les pas de Molière " et " Le Paris de Molière " continuent et se déroulent à l'extérieur.
Départ Église Saint-Eustache

Consultez nos conditions générales de ventes pour les conditions d'accès.

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Afin de vous accueillir dans les meilleures conditions, nous sommes contraints de décaler l’horaire des représentations du dimanche des spectacles du Petit Saint-Martin (Les héros ne dorment jamais et Séisme) qui auront lieu à 17h30 (au lieu de 16h30).

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Nouveau site riche de plus de 4000 œuvres et objets issus des 132 musées d'Occitanie : archéologie, peinture, sculpture, arts décoratifs, histoire, patrimoine, sciences naturelles...

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Tous à table : le repas de fête en Occitanie !

Venez découvrir les arts de la table en Occitanie ! Tablées festives, vaisselle, verrerie, menus de fête

Route de l'Antiquité en Occitanie : parcours mosaïque

Embarquez à la découverte de la mosaïque antique en Occitanie, depuis la Villa de Séviac dans le Gers jusqu'au musée de Beaucaire dans le Gard. Motifs géométriques ou figurés, décors noir et blanc ou polychromes, laissez-vous envoûter !

Collections de sculptures romanes, d'ornithologie et d'ethnographie régionale.

Découvrez le musée

Le Musée d'Art Campanaire présente des collections uniques, européennes et extra-européennes consacrées aux cloches et à l'art campanaire.

Découvrez le musée

Retrace la bataille d'Uxellodunum (51 av. J.C.) : historique ; pointes de flèches et objets découverts sur le site.

Découvrez le musée

Le Muséum Victor Brun présente des collections d'histoire naturelle très riches et variées : oiseaux d'Europe et du monde entier, animaux exotiques et locaux, fossiles, minéraux, coquilles... réunies au milieu du XIXe siècle par des érudits locaux et exposées à l'intention de leurs concitoyens.

Découvrez le musée

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Tous à table : le repas de fête en Occitanie ! Venez découvrir les arts de la table en Occitanie ! Tablées festives, vaisselle, verrerie, menus de fête Route de l'Antiquité en Occitanie : parcours mosaïque Embarquez à la découverte de la mosaïque antique en Occitanie, depuis la Villa de Séviac dans le Gers jusqu'au musée de Beaucaire dans le Gard.

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Pour découvrir la passion du peintre pour la bande dessinée et ses nombreux essais dans le neuvième art. (Musée national Picasso)

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Visite de l'exposition " Picasso et la bande dessinée " avec le commissaire

Johan Popelard, commissaire de l'exposition, vous fait visiter " Picasso et la bande dessinée " depuis chez vous. Il vous fait découvrir la genèse et les œuvres clefs de l'exposition.

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Vidéo Visite de l'exposition " Picasso et la bande dessinée " avec le commissaire

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Visite de l'exposition " Picasso et la bande dessinée " avec le commissaire Johan Popelard, commissaire de l'exposition, vous fait visiter " Picasso et la bande dessinée " depuis chez vous. Il vous fait découvrir la genèse et les œuvres clefs de l'exposition.

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Première rétrospective française consacrée au père de l’art optique depuis plus de 50 ans. Découvrez ses tableaux et autres sculptures qui jouent sur les formes géométriques et les couleurs pour créer des illusions d’optique méthodiques et scientifiques.

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Visite exceptionnelle de l'exposition Vasarely | Centre Pompidou

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Figure de l'artiste, l'exposition du Musée du Louvre 

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Figure de l'artiste, l'exposition du Musée du Louvre 

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Pour nous apprendre à lire une œuvre d’art. Une trentaine d’œuvres y sont littéralement analysées, décortiquées de manière très explicative, pour que tout le monde trouve une réponse à la question suivante : comment s'est développée la figure de l'artiste dans le temps ?

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Matisse, comme un roman : l'exposition du Centre Pompidou en visite virtuelle

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Matisse, comme un roman : l'exposition du Centre Pompidou en visite virtuelle

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Une exposition exceptionnelle et originale qui explore les liens entre la littérature et le peintre. Le musée a mis en ligne une visite autour de 10 oeuvres en 13 minutes.

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Visite exclusive de l'exposition Matisse | Centre Pompidou

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Exposition "Le rire de Cabu", Hôtel de ville, Paris

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Exposition "Le rire de Cabu", Hôtel de ville, Paris

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Découvrez l'expo à travers une visite virtuelle. Un hommage joyeux à celui qui fut l’un des plus talentueux et populaires dessinateurs de presse de sa génération.

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You must activate javascript to visualize the Virtual Tour : LE RIRE DE CABU | Exposition Hotel de Ville de Paris | Visite Virtuelle 360 | Timothee EISENEGGER | www.timographie360.fr (Virtual tour generated by Panotour).

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le rire de cabu | exposition hotel de ville de paris | visite virtuelle 360 | timothee eisenegger | www.timographie360.fr

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LE RIRE DE CABU | Exposition Hotel de Ville de Paris | Visite Virtuelle 360 | Timothee EISENEGGER | www.timographie360.fr

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LE RIRE DE CABU | Exposition Hotel de Ville de Paris | Visite Virtuelle 360 | Timothee EISENEGGER | www.timographie360.fr

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La première exposition en réalité virtuelle consacrée aux trois "Bleus" de Joan Mirò

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Sur le site, des podcasts, collections et expositions à découvrir (Bacon, Vasarely, Dora Maar, etc...)

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Pour acheter un billet ou une adhésion, pour consulter mon historique d'achat, pour m'inscrire à une newsletter...

Mon Espace Personnel

Pour conserver mon historique de navigation, pour enregistrer mes dossiers de favoris, pour contribuer à l'enrichissement des ressources en y ajoutant des mots-clés et des commentaires libres...

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Pour acheter un billet ou une adhésion, pour consulter mon historique d'achat, pour m'inscrire à une newsletter... Pour conserver mon historique de navigation, pour enregistrer mes dossiers de favoris, pour contribuer à l'enrichissement des ressources en y ajoutant des mots-clés et des commentaires libres...

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témoignant de la richesse et de la diversité des collections du musée Rodin, créé en 1919 à l’initiative du sculpteur lui-même.

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Accueil &gt Collections &gt Collections

Découvrez une sélection emblématique de chefs-d'œuvre et de documents faisant partie des collections d'Auguste Rodin, qui témoignent de la richesse et de la diversité des collections du musée Rodin, créé en 1919 à l'initiative du sculpteur lui-même.

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Accueil &gt Collections &gt Collections Découvrez une sélection emblématique de chefs-d'œuvre et de documents faisant partie des collections d'Auguste Rodin, qui témoignent de la richesse et de la diversité des collections du musée Rodin, créé en 1919 à l'initiative du sculpteur lui-même.

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découvrez en 3D l'exposition de cet artiste, sur le toit de la Grande Arche de la Défense

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CYRIL KONGO sur le toit de la grande Arche - Grand public

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Cyril Kongo prend de la hauteur. Quand le Street Art envahit le toit de la grande Arche à Paris.

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visite virtuelle de l'exposition du Musée Jacquemart-André, permettant de découvrir  60 aquarelles et quelques 10 peintures à l’huile provenant de la Tate Britain de Londres.

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Visite virtuelle de ce site exceptionnel classé au patrimoine mondial de l'UNESCO.

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The Grand Canyon was our inaugural collection using the Street View Trekker. The Trekker, our latest imagery-gathering apparatus, is a wearable backpack system that allows us to venture to locations only accessible by foot. The ability to take Street View to remote, hard-to-navigate places, such as the Grand Canyon, is a major opportunity to make the beauty and history of locations like these accessible to a global audience.

The rugged terrain, ridges and steep trails of the Grand Canyon are the perfect setting to showcase the functionality of the Trekker. The narrow trails would be inaccessible to our traditional Street View cars, trikes, and trolleys, but is perfect for the wearable Trekker backpack. The compact size of the Trekker makes it unobtrusive and easy to maneuver, while automatically gathering images as it goes. The Trekker is operated by an Android device and consists of 15 lenses at the top of the mast, each angled in a different direction that will enable us to stitch together a 360-degree panoramic view.

It took a team of 10 Googlers and 5 Trekkers about 3 full days to adequately capture the main trails of the Grand Canyon's south rim. Two Trekker teams hiked down the Bright Angel Trail, camped overnight at Phantom Ranch, and then hiked out the next day along the South Kaibab Trail. Another three Trekker teams remained at the top of the Grand Canyon collecting imagery around the rim as well as the South Rim Trail. Our team also ventured out to collect imagery of Meteor Crater, just outside Grand Canyon National Park.

To continue making Google Maps as comprehensive and accurate as possible, we're eager to take the Trekker still more places only accessible by foot. We look forward to sharing future collections with you that showcase more unique places around the world - from forest trails to the steps of ancient castles, and beyond.

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The Grand Canyon was our inaugural collection using the Street View Trekker. The Trekker, our latest imagery-gathering apparatus, is a wearable backpack system that allows us to venture to locations only accessible by foot.

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La maison européenne de la photographie (M.E.P, Paris)

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La maison européenne de la photographie (M.E.P, Paris)

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met en ligne plusieurs de ses expositions. A découvrir !

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Comme les autres musées de France et du monde, la MEP a fermé ses portes jusqu'à nouvel ordre pour éviter la propagation du virus Covid-19.

Nous vous proposons, en cette période de confinement, de continuer à accéder virtuellement à une partie de notre programmation sur cette page de notre site, ainsi que sur nos réseaux sociaux.

Expositions en cours, événements, activités jeunesse... la MEP a imaginé des formats adaptés à la situation, ludiques et engageants, qui font vivre notre programmation depuis chez vous.

Sur cette page, vous trouverez articles, podcasts ou encore vidéos... essentiellement conçus autour de notre exposition phare en cours : Erwin Wurm Photographs mais également autour de nos collections et ressources, de nos activités jeunes publics et de la photographie en général.

Restez informé de l'actualité de notre programmation en vous inscrivant à nos différentes newsletters ici.

Photo : Erwin Wurm, Jakob / Jakob Fat, 1994© Erwin Wurm

Éclairages d'œuvres

One Wurm a Day

Chaque jour la MEP vous propose le " One Wurm a Day ", un éclairage exclusif sur une des œuvres de l'exposition Erwin Wurm Photographs délivré avec la complicité de la co-commissaire de l'exposition, Laurie Hurwitz. À suivre ici et sur notre compte Instagram !

‣ Voir le diaporama

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Jeunes publics

Appareil photo pop-up

Fabrique ton appareil photo en 3D ! En suivant ce tutoriel, tu découvriras les différentes étapes pour le construire. Amuse-toi à découper, plier, assembler, coller ! Puis, tu peux dessiner les images des photos Polaroid et colorier l'appareil pour le personnaliser.

Cet appareil photo est une adaptation simplifiée de celui conçu par Eric Singelin, illustrateur et ingénieur papier, pour le stage-atelier " Déplier l'imaginaire " mené avec des enfants de 6-11 ans.
Télécharger le tutoriel et le patron

La MEP répond aux enfants

Soyez curieux ! Comment, pourquoi, qui, où, depuis quand...
Envoie-nous toutes les questions qui te passent par la tête sur la photographie. Chaque semaine on essaiera d'apporter des réponses... et peut-être de se poser de nouvelles questions !

Comment faire ?
Enregistre ta question en indiquant aussi ton prénom et ton âge, avec l'enregistreur du téléphone portable. En mettant des écouteurs avec micro, c'est encore mieux pour le son. Puis, envoie l'enregistrement à reservation@mep-fr.org.

Bertille 7 ans :
Qui a inventé la photo ?

Joseph 6 ans :
Pourquoi quand on fait une photo, l'œil de l'appareil photo il fait un clin d'œil ?

Le livret découverte sur Erwin Wurm

Découvre l'exposition d'Erwin Wurm ! Chaque semaine, tu pourras télécharger deux pages de présentation d'œuvres et t'amuser à faire les différentes activités proposées : observer, décrire, dessiner, mimer, ressentir. Si tu as besoin d'aide pour la lecture, demande à un plus grand !

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Podcasts

Les podcasts sont réalisés par Jérôme Leray et Vanille Fiaux.

Interview Tom Lovelace par Inès de Bordas

Inès de Bordas, commissaire d'exposition et éditrice française, vous emmène pendant 45 minutes à la rencontre exclusive de l'artiste britannique Tom Lovelace. Découvrez dans cet entretien sa pratique artistique singulière, son parcours, les thèmes centraux de sa recherche, ses productions récentes et les résonances de son travail avec la rétrospective d'Erwin Wurm.

Une œuvre, une minute - Bernard Pierre Wolff

Bernard Pierre WOLFF
New York , 1974
Tirage gélatino-argentique

Né à Connerré dans la Sarthe en 1930 Bernard Pierre WOLFF mort à New York en 1985

Bernard Pierre Wolff vivait la photographie comme une écriture quotidienne et fulgurante, arpentant la ville, traquant l'instant photographique à l'instar d'Henri Cartier-Bresson qu'il admirait.

Ancien assistant d'Henri Langlois à la Cinémathèque française, il débute la photographie au milieu des années 1970 après son installation à New York, où il suit l'enseignement de Charles Harbutt. Son travail dans la lignée de la photographie de rue américaine se développe à l'occasion de nombreux voyages, notamment en Inde, mais aussi au Japon, en Afrique ou en Amérique latine. Avant d'être fauché prématurément par la maladie, en 1985, il publie trois livres : Friends and Friends of Friends, aux éditions Dutton en 1978, En Inde et New York Macadam aux éditions du Chêne en 1982 et 1983.

Il a fait don à la MEP de l'ensemble de son œuvre et de ses archives.

Sophie Lambert
‣ Voir la photo en grand

Une œuvre, une minute - Édouard Levé

Dans son ouvrage Reconstitutions (éditions Phileas Fogg, 2003), le photographe et écrivain Édouard Levé tente de reproduire par le biais de la photographie plusieurs de ses rêves. A partir d'images documentaires réinterprétées, l'artiste créé trois séries photographiques : " Pornographie ", " Rugby " et " Quotidien " où, comme chez Erwin Wurm, les postures et les compositions formées par les corps évoquent un imaginaire chorégraphique.

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Vidéos Exclusives

VIDÉOS EXCLUSIVES ERWIN WURM

Dans le cadre de son exposition " Erwin Wurm Photographs " à la MEP, la première rétrospective consacrée à son travail photographique, l'artiste autrichien vous invite pendant le confinement à visionner une sélection de ses vidéos. Dans une œuvre conceptuelle mêlant sculptures, performances, vidéos, dessins et photographies, l'artiste interroge les qualités formelles de la sculpture en tant que médium.

Dans ces vidéos, il envisage l'acte physique de prendre ou de perdre du poids comme un geste sculptural, créant l'illusion d'un gonflement ou d'un rétrécissement, abordant le corps humain comme une sculpture ou - dans un critique sous-jacente et grinçante de la société - donnant une apparence humaine déconcertante aux objets du quotidien.

Vidéo. 9 minutes 29 secondes
© Erwin Wurm

Son travail sur des corps hypertrophiés conduisent Wurm à réaliser Fat House [Grosse Maison], une sculpture grandeur nature d'une maison " chamallow ", dans une critique vigoureuse des excès de la société de consommation où nous cherchons à consommer toujours plus. Aujourd'hui installée dans le jardin derrière son atelier autrichien (où elle sert de refuge pour son troupeau de moutons se réfugie en saison froide), elle fait également l'objet d'une vidéo. On y voit la maison en pleine crise d'identité (Suis-je une maison ? Ou une simple œuvre d'art ? Et pourquoi suis-je grosse ?).

Vidéo. 9 minutes 29 secondes
© Erwin Wurm

Erwin Wurm rêve dès son plus jeune âge d'être peintre. Mais après avoir passé l'examen d'entrée à l'école des beaux-arts en Autriche, il est, à sa grande déception, refusé par la section peinture mais admis en sculpture. Au début anéanti, il transforme une situation peu enviable en catalyseur : " Cette catastrophe m'a incité à étudier et interroger la nature de la sculpture. Je me suis demandé, 'Que signifie réaliser une sculpture ?' J'ai réfléchi à ses caractéristiques fondamentales : masse, volume, surface, temps. " Ces réflexions le conduiront à déconstruire l'art de la sculpture et à en prendre le contrepied.

Dans 13 Pullovers [13 pulls], il filme son ami, l'artiste autrichien Fabio Zolly, assis sur une chaise, amplifie progressivement son ventre d'homme d'âge mur en enfilant une succession de pulls. Pour l'artiste, prendre ou perdre du poids est un acte sculptural ; ici, il transforme ainsi son ami en une sculpture humaine hypertrophiée.

Vidéo. 8 minutes 25 secondes
© Erwin Wurm

La " Fat Car " est une des œuvres les plus connues d'Erwin Wurm : une Alfa Romeo anthropomorphique, taille réelle, gonflée avec du polystyrène et de la fibre de verre. Comme la " Fat House ", elle symbolise notre fascination pour la surconsommation et le désir de richesse à tout prix, que l'artiste considère comme le mal de notre société. Autrefois aérodynamique et profilée, elle devient obèse, comme sortie tout droit d'un cartoon. À l'inverse de la transformation du corps de Fabio en un objet sculptural, la déformation de la " Fat Hous " et de la " Fat Car " - qui fait dans cette vidéo un monologue sombre et absurde sur le temps - les humanisent.

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Lives d'artistes
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Performances artistiques vidéo

Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

(Cliquez en bas à droite pour mettre la vidéo en plein écran !)

Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

(Cliquez en bas à droite pour mettre la vidéo en plein écran !)

Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

(Cliquez en bas à droite pour mettre la vidéo en plein écran !)

À la croisée de la performance, de la sculpture, de la photographie et du film, le travail pluridisciplinaire de l'artiste britannique Tom Lovelace entre en résonance avec la rétrospective d'Erwin Wurm.

Spécialement conçue dans le contexte du confinement, The Dancer and the Shadow est née de la rencontre de l'artiste avec avec un inconnu, qui danse, tous les soirs, seul, dans un parc de Londres. Empêché de se rendre à ses cours à cause du lockdown, l'homme s'évade de son quotidien, le temps d'une danse avec son ombre. Dans son atelier, Tom Lovelace se met en scène dans une valse imaginaire avec cet inconnu, mêlant ainsi, avec poésie, images et mouvement.

(Cliquez en bas à droite pour mettre la vidéo en plein écran !)

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Visites Virtuelles

Yoonkyung Jang
Incandescence

Avec le concours de notre partenaire GalleriesNow, nous vous proposons de (re)découvrir la programmation 2019 de la MEP.

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Événements

Workshop virtuel " Art & Société " de Kenza Aloui

Jeudi 9 avril à 18h30, Kenza Aloui vous invite à participer à un atelier de réflexion et de discussion autour de l'exposition Erwin Wurm. Ce rendez-vous, habituellement organisé au sein de la MEP, sera cette fois proposé dans une déclinaison digitale, via la plateforme Zoom.

Au programme : débat sur l'oisiveté, sur le politiquement incorrect, sur les normes de beauté ou encore sur l'absurde, inspirés à Kenza Aloui par le travail d'Erwin Wurm.

Cet atelier est limité à 10 participants, pour vous inscrire : info@mep-fr.org

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One Wurm a Day

Chaque jour la MEP vous propose le " One Wurm a Day ", un éclairage exclusif sur une des œuvres de l'exposition Erwin Wurm Photographs délivré avec la complicité de la co-commissaire de l'exposition, Laurie Hurwitz. À suivre ici et sur notre compte Instagram !

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Appareil photo pop-up

Fabrique ton appareil photo en 3D ! En suivant ce tutoriel, tu découvriras les différentes étapes pour le construire. Amuse-toi à découper, plier, assembler, coller ! Puis, tu peux dessiner les images des photos Polaroid et colorier l'appareil pour le personnaliser.

Cet appareil photo est une adaptation simplifiée de celui conçu par Eric Singelin, illustrateur et ingénieur papier, pour le stage-atelier " Déplier l'imaginaire " mené avec des enfants de 6-11 ans.
Télécharger le tutoriel et le patron

La MEP répond aux enfants

Soyez curieux ! Comment, pourquoi, qui, où, depuis quand...
Envoie-nous toutes les questions qui te passent par la tête sur la photographie. Chaque semaine on essaiera d'apporter des réponses... et peut-être de se poser de nouvelles questions !

Comment faire ?
Enregistre ta question en indiquant aussi ton prénom et ton âge, avec l'enregistreur du téléphone portable. En mettant des écouteurs avec micro, c'est encore mieux pour le son. Puis, envoie l'enregistrement à reservation@mep-fr.org.

Bertille 7 ans :
Qui a inventé la photo ?

Joseph 6 ans :
Pourquoi quand on fait une photo, l'œil de l'appareil photo il fait un clin d'œil ?

Le livret découverte sur Erwin Wurm

Découvre l'exposition d'Erwin Wurm ! Chaque semaine, tu pourras télécharger deux pages de présentation d'œuvres et t'amuser à faire les différentes activités proposées : observer, décrire, dessiner, mimer, ressentir. Si tu as besoin d'aide pour la lecture, demande à un plus grand !

Les podcasts sont réalisés par Jérôme Leray et Vanille Fiaux.

Interview Tom Lovelace par Inès de Bordas

Inès de Bordas, commissaire d'exposition et éditrice française, vous emmène pendant 45 minutes à la rencontre exclusive de l'artiste britannique Tom Lovelace. Découvrez dans cet entretien sa pratique artistique singulière, son parcours, les thèmes centraux de sa recherche, ses productions récentes et les résonances de son travail avec la rétrospective d'Erwin Wurm.

Une œuvre, une minute - Bernard Pierre Wolff

Bernard Pierre WOLFF
New York , 1974
Tirage gélatino-argentique

Né à Connerré dans la Sarthe en 1930 Bernard Pierre WOLFF mort à New York en 1985

Bernard Pierre Wolff vivait la photographie comme une écriture quotidienne et fulgurante, arpentant la ville, traquant l'instant photographique à l'instar d'Henri Cartier-Bresson qu'il admirait.

Ancien assistant d'Henri Langlois à la Cinémathèque française, il débute la photographie au milieu des années 1970 après son installation à New York, où il suit l'enseignement de Charles Harbutt. Son travail dans la lignée de la photographie de rue américaine se développe à l'occasion de nombreux voyages, notamment en Inde, mais aussi au Japon, en Afrique ou en Amérique latine. Avant d'être fauché prématurément par la maladie, en 1985, il publie trois livres : Friends and Friends of Friends, aux éditions Dutton en 1978, En Inde et New York Macadam aux éditions du Chêne en 1982 et 1983.

Il a fait don à la MEP de l'ensemble de son œuvre et de ses archives.

Sophie Lambert
‣ Voir la photo en grand

Une œuvre, une minute - Édouard Levé

Dans son ouvrage Reconstitutions (éditions Phileas Fogg, 2003), le photographe et écrivain Édouard Levé tente de reproduire par le biais de la photographie plusieurs de ses rêves. A partir d'images documentaires réinterprétées, l'artiste créé trois séries photographiques : " Pornographie ", " Rugby " et " Quotidien " où, comme chez Erwin Wurm, les postures et les compositions formées par les corps évoquent un imaginaire chorégraphique.

VIDÉOS EXCLUSIVES ERWIN WURM

Dans le cadre de son exposition " Erwin Wurm Photographs " à la MEP, la première rétrospective consacrée à son travail photographique, l'artiste autrichien vous invite pendant le confinement à visionner une sélection de ses vidéos. Dans une œuvre conceptuelle mêlant sculptures, performances, vidéos, dessins et photographies, l'artiste interroge les qualités formelles de la sculpture en tant que médium.

Dans ces vidéos, il envisage l'acte physique de prendre ou de perdre du poids comme un geste sculptural, créant l'illusion d'un gonflement ou d'un rétrécissement, abordant le corps humain comme une sculpture ou - dans un critique sous-jacente et grinçante de la société - donnant une apparence humaine déconcertante aux objets du quotidien.

Vidéo. 9 minutes 29 secondes
© Erwin Wurm

Son travail sur des corps hypertrophiés conduisent Wurm à réaliser Fat House [Grosse Maison], une sculpture grandeur nature d'une maison " chamallow ", dans une critique vigoureuse des excès de la société de consommation où nous cherchons à consommer toujours plus. Aujourd'hui installée dans le jardin derrière son atelier autrichien (où elle sert de refuge pour son troupeau de moutons se réfugie en saison froide), elle fait également l'objet d'une vidéo. On y voit la maison en pleine crise d'identité (Suis-je une maison ? Ou une simple œuvre d'art ? Et pourquoi suis-je grosse ?).

Vidéo. 9 minutes 29 secondes
© Erwin Wurm

Erwin Wurm rêve dès son plus jeune âge d'être peintre. Mais après avoir passé l'examen d'entrée à l'école des beaux-arts en Autriche, il est, à sa grande déception, refusé par la section peinture mais admis en sculpture. Au début anéanti, il transforme une situation peu enviable en catalyseur : " Cette catastrophe m'a incité à étudier et interroger la nature de la sculpture. Je me suis demandé, 'Que signifie réaliser une sculpture ?' J'ai réfléchi à ses caractéristiques fondamentales : masse, volume, surface, temps. " Ces réflexions le conduiront à déconstruire l'art de la sculpture et à en prendre le contrepied.

Dans 13 Pullovers [13 pulls], il filme son ami, l'artiste autrichien Fabio Zolly, assis sur une chaise, amplifie progressivement son ventre d'homme d'âge mur en enfilant une succession de pulls. Pour l'artiste, prendre ou perdre du poids est un acte sculptural ; ici, il transforme ainsi son ami en une sculpture humaine hypertrophiée.

Vidéo. 8 minutes 25 secondes
© Erwin Wurm

La " Fat Car " est une des œuvres les plus connues d'Erwin Wurm : une Alfa Romeo anthropomorphique, taille réelle, gonflée avec du polystyrène et de la fibre de verre. Comme la " Fat House ", elle symbolise notre fascination pour la surconsommation et le désir de richesse à tout prix, que l'artiste considère comme le mal de notre société. Autrefois aérodynamique et profilée, elle devient obèse, comme sortie tout droit d'un cartoon. À l'inverse de la transformation du corps de Fabio en un objet sculptural, la déformation de la " Fat Hous " et de la " Fat Car " - qui fait dans cette vidéo un monologue sombre et absurde sur le temps - les humanisent.

Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

(Cliquez en bas à droite pour mettre la vidéo en plein écran !)

Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

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Avec sa performance " Corps et artifices ", librement inspirée des One Minute Sculptures d'Erwin Wurm, la chorégraphe Alice Martins poursuit sa recherche sur la relation entre corps et objets, et se met en scène dans son environnement quotidien.

Ce projet, spécialement conçu pour la MEP et réalisé en continu sur toute une journée, suit un protocole strict : 1 espace, 8 heures,16 objets, 3 études donnant lieu à 128 gestes-rencontres.

Grâce à ces consignes simples, Alice Martins s'émancipe, dans un dialogue avec les objets qui l'entourent, du rapport fonctionnel qui nous lie habituellement à eux, et démultiplie les interactions possibles avec humour et poésie.
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Alice Martins, " Corps et artifices ", 2020. © Alice Martins

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À la croisée de la performance, de la sculpture, de la photographie et du film, le travail pluridisciplinaire de l'artiste britannique Tom Lovelace entre en résonance avec la rétrospective d'Erwin Wurm.

Spécialement conçue dans le contexte du confinement, The Dancer and the Shadow est née de la rencontre de l'artiste avec avec un inconnu, qui danse, tous les soirs, seul, dans un parc de Londres. Empêché de se rendre à ses cours à cause du lockdown, l'homme s'évade de son quotidien, le temps d'une danse avec son ombre. Dans son atelier, Tom Lovelace se met en scène dans une valse imaginaire avec cet inconnu, mêlant ainsi, avec poésie, images et mouvement.

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Yoonkyung Jang
Incandescence

Avec le concours de notre partenaire GalleriesNow, nous vous proposons de (re)découvrir la programmation 2019 de la MEP.

Workshop virtuel " Art & Société " de Kenza Aloui

Jeudi 9 avril à 18h30, Kenza Aloui vous invite à participer à un atelier de réflexion et de discussion autour de l'exposition Erwin Wurm. Ce rendez-vous, habituellement organisé au sein de la MEP, sera cette fois proposé dans une déclinaison digitale, via la plateforme Zoom.

Au programme : débat sur l'oisiveté, sur le politiquement incorrect, sur les normes de beauté ou encore sur l'absurde, inspirés à Kenza Aloui par le travail d'Erwin Wurm.

Cet atelier est limité à 10 participants, pour vous inscrire : info@mep-fr.org

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La MEP chez vous - Maison Européenne de la Photographie

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Comme les autres musées de France et du monde, la MEP a fermé ses portes jusqu'à nouvel ordre pour éviter la propagation du virus Covid-19. Nous vous proposons, en cette période de confinement, de continuer à accéder virtuellement à une partie de notre programmation sur cette page de notre site, ainsi que sur nos réseaux sociaux.

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Le ministère égyptien du tourisme et des monuments propose une visite virtuelle, grâce à une modélisation en 3D, du tombeau de Ramsès VI. L'occasion de découvrir toute la richesse de l'Egypte ancienne !

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Visite virtuelle de la "Ville de pierre", crée il y a plus de 2000 ans par les  Nabatéens.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Over 2,000 years ago, the Nabataeans created Petra-the city of stone. Journey with us behind the iconic facade from the movies, and discover one of the great wonders of the world, forgotten by time itself.

Explore an ancient world wonder, forgotten by time itself.

Discover Petra

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Over 2,000 years ago, the Nabataeans created Petra-the city of stone. Journey with us behind the iconic facade from the movies, and discover one of the great wonders of the world, forgotten by time itself. Explore an ancient world wonder, forgotten by time itself. Discover Petra

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comme si vous y étiez...

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Cette semaine les collections sont à l'honneur en vidéo et sous forme de textes !

17 mai
Chez les indiens kayapó du Brésil, chacun, selon ses origines, a le privilège de se parer de certaines plumes, et de les porter notamment pendant des rituels.
Voir la vidéo

16 mai
Aujourd'hui nous aurions dû fêter ensemble la nuit des musées. À défaut nous vous proposons d'admirer quelques clichés nocturnes.

15 mai
Le musée des Confluences et l'INSA Lyon se sont associés pour inviter les étudiants du département informatique à une aventure littéraire autour des collections du musée. Nous vous proposons aujourd'hui de découvrir quatre nouveaux textes.
Lire les textes

14 mai
Hématophage, j'affectionne l'ombre, la chaleur et l'humidité. Je peux tirer jusqu'à 400 fois mon poids grâce à mes pattes très puissantes. Agissant comme des ressorts et disposant de sacs à air pour atterrir en douceur, celles-ci me permettent de sauter à 30 cm. Qui suis-je ?
Réponse 2 en bas de page

13 mai
C'est parti pour 5 nouvelles expositions illustrées par des émojis. Faites-nous vos propositions en commentaire !
Pour un coup de pouce
Réponse 1 en bas de page

12 mai
Diffusé en avant-première au musée en avril 2018, Le mystère des géants disparus est disponible en replay France.tv jusqu'à jeudi. Des Amériques à l'Asie, en passant par l'Europe, découvrez un monde qui s'est éteint il y a tout juste 10 000 ans !
Regarder le documentaire

11 mai
Bouddha et sa position favorite du confinement
Visionner la vidéo

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Cette semaine les collections sont à l'honneur en vidéo et sous forme de textes ! 17 mai Chez les indiens kayapó du Brésil, chacun, selon ses origines, a le privilège de se parer de certaines plumes, et de les porter notamment pendant des rituels.

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319 expositions virtuelles
20 thématiques différentes
dans plus d'une quarantaine de musées français ou étrangers : histoire, arts graphiques, musique, cinéma...

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Les arts en Europe au XVIIe siècle
de Nicolas Milovanovic.

" Grand siècle " en France, " Siècle d'or " aux pays-Bas et en Espagne, le XVIIe siècle est en Europe un moment d'extraordinaire floraison artistique.
Dans un contexte de controverse religieuse, alors que la guerre est quasi incessante dans un continent qui se reconfigure, l'époque est marquée par un épanouissement des arts sans pareil et des réalisations majeures en architecture, peinture, sculpture et arts décoratifs.

Héritier de la Renaissance, passionné par l'Antiquité et ses vestiges, le XVIIe siècle européen fait alors de la tradition classique sa langue commune. Il façonne de nouveaux vocabulaires stylistiques, explore de nouveaux sujets, il développe le goût pour les œuvres et les collections et dynamise la commande, le marché de l'art et ses nouveaux amateurs.
Ainsi, des grandes métropoles aux petites villes, des cours royales aux intérieurs modestes, des grandes créations aux simples almanachs, l'art est omniprésent et fascine une Europe aux temps troublés, faisant avant tout du " Grand Siècle ", le siècle des arts, le siècle des images.

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Expositions virtuelles | Ecole du Louvre

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L'Ecole du Louvre est un établissement d'enseignement supérieur qui dispense des cours d'histoire de l'art, d'archéologie, d'épigraphie, d'histoire des civilisations, d'anthropologie et de muséologie.

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Cette visite virtuelle gratuite de l'exposition "Soulages, la puissance créatrice" (Espace culturel Lympia, Nice)nous fait revivre les grands moments de la carrière de l'artiste.

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Notre-Dame de Paris en plus de 100 oeuvres

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Notre-Dame de Paris en plus de 100 oeuvres

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Accessible en ligne, cette exposition retrace l’histoire de la cathédrale et parcourt les grands événements dont elle a été le témoin, à travers une sélection de plus de 100 reproductions d’œuvres, de toutes époques.

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NOTRE-DAME DE PARIS EN PLUS DE 100 ŒUVRES

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Harry Potter : une histoire de la magie 

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Harry Potter : une histoire de la magie 

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Découvrez l'exposition virtuelle de la British Library, pour les petits et aussi les plus grands...

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Harry Potter: A History of Magic - Google Arts & Culture

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Explore the wonders of the British Library exhibition

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Revoir 40 ans de créations du célèbre festival annulé cette année

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#Revoir 40 ans de créations à montpellier Danse

montpellierdanse

Au cours de 40 ans d'histoire, Montpellier Danse a coproduit près de 500 spectacles et en a montré des milliers... cette playlist regroupe les spectacles coproduit ou diffusé en 40 ans de festival !

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#Revoir 40 ans de créations à montpellier Danse | Numeridanse.tv

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Ajouter cette vidéo à une playlist La vidéo a été ajoutée avec succès. La vidéo est déjà présente dans la playlist. Vous devez être membre pour profiter de toutes les fonctionnalités Se connecter S'inscrire Vous devez être membre pour voir cette playlist Se connecter S'inscrire Supprimer mon historique vidéo Êtes-vous sûr de vouloir supprimer l'historique ?

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Entre Calais et Paris, où peut-on (parfois pouvait-on)  profiter de ses graffitis en France ? Découvrez-le avec le magazine Dada

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Avril 2020 : Avez-vous vu Banksy ? Insaisissable, l'artiste dissémine ses graffitis sur tous les continents. Fidèle à ses principes, il offre au monde son art, gratuitement. Entre Calais et Paris, où peut-on (parfois pouvait-on) en profiter en France ? Au début de l'été 2018, Banksy paie une petite visite à notre capitale, Paris. Discrètement, il y dissémine quelques graffitis drôles ou mystérieux, chargés de messages sociaux et engagés.
Disparu

Derrière un panneau d'affichage près du centre Pompidou, Banksy peint son animal préféré, le rat, avec un cutter entre ses pattes. La position est plutôt... suggestive. L'artiste revendique son graffiti sur les réseaux sociaux le 26 juin 2018. Il y célèbre les révoltes de mai 68 à Paris, où les graffitis au pochoir ont vu le jour selon lui. Vous y êtes passé et ne l'avez pas vu ? C'est normal ! En septembre 2019, deux hommes vandalisent le panneau en pleine nuit et emportent le pochoir. L'œuvre qui avait été offerte à tout le monde est volée ... Réapparaitra-t-elle un jour ?

Conservé

Le lendemain, 27 juin 2018, l'artiste récidive et publie une nouvelle œuvre sur son fil Instagram. Un cavalier à califourchon sur un cheval fougueux apparaît au 41 avenue de Flandre dans le 19 e arrondissement de Paris. La cape rouge au vent et la cambrure de l'animal vous rappellent quelque chose ? Et oui, c'est bien un hommage au tableau de Jacques-Louis David, Bonaparte franchissant le mont Saint-Bernard (1801). Si les poses sont quasi identiques, le personnage de Banksy semble avoir un léger problème avec son manteau... Le vent le ramène complètement sur sa figure et dissimule son visage ! Contrairement à Bonaparte dont toute l'attitude allait vers l'avant, il ne serait pas surprenant que ce cavalier-ci soit sur le point de tomber à la renverse...

État inconnu

Qu'Il est gentil le toutou... Trop gentil peut-être ? L'homme qui lui tend un os délicieux tient dans son dos une scie. Le chien ne la voit pas, mais elle n'en est pas moins menaçante. D'ailleurs, il a déjà une patte en moins. Serait-ce son propre os qu'il regarde avec appétit ? Cette scène inquiétante apparaît fin juin 2018 au dos de la Sorbonne à Paris. Banksy la diffuse sur son Instagram le 27 juin, confirmant sa signature déjà bien soupçonnée. Cette fois-ci, le graffiti ne sera pas volé ! Recouverte d'un plexiglas pour être protégée, cette œuvre pourtant réalisée dans l'illégalité est devenue très précieuse pour ses riverains.

Conservé

Toujours près de la Sorbonne, Rue Maître Albert, Banksy pose un autre graffiti : un rat déguisé en Minnie Mouse, reconnaissable à son nœud rouge à pois blancs et à ses grandes oreilles. Au-dessus de sa tête, la date " MAI 1968 " apparaît. Encore une fois, le graffeur rend hommage à ce qu'il considère comme la naissance de l'art des pochoirs, son medium favori. Cependant, le 8 quasiment effacé semble être tombé sur la tête du rat pour faire office d'oreilles. Simple jeu graphique ou signification plus profonde ?

État inconnu

C'est à la Porte de la Chapelle, tout près d'un camp de réfugiés, que ce graffiti apparaît dans le weekend du 23 juin 2018, revendiqué par Banksy sur les réseaux sociaux le 28 juin. Une petite fille au visage inquiet, dont la coiffure n'est pas sans rappeler celle de Minnie Mouse encore une fois, tente de recouvrir d'une jolie tapisserie rose une croix gammée. Une œuvre touchante, qui dénonce la haine des étrangers, au lendemain de la journée mondiale des réfugiés (20 juin). Peu de temps après, le tag est vandalisé, recouvert de peinture bleue pour faire réapparaitre cette croix qu'il avait essayé de faire disparaître...

Disparu

Banksy continue à traverser Paris. Prochain arrêt : le Bataclan. Épicentre des atrocités du 13 novembre 2015, l'artiste y rend un hommage à toutes les victimes. Peint sur la sortie de secours, la forme nébuleuse apparaît comme un enfant la tête baissée, un mouchoir à la main. Son visage est indistinct, il semble avoir fondu... Cette vision horrifique fait écho aux événements qui se sont déroulés ici. Le 28 juin 2018, le graffiti apparaît sur les réseaux sociaux du l'artiste. Malheureusement, cette œuvre que l'artiste avait offerte à tous pour dénoncer la barbarie a été dérobée dans la nuit du 25 janvier 2019.

Disparu

Plus au nord, Banksy investit un escalier de Montmartre, avec beaucoup d'humour cette fois. Un seau à champagne sur un tabouret, dont le bouchon qui a sauté propulse un rat tout en haut des marches. Pour le street-artiste, le rat est le symbole des " laissés-pour-compte ", ceux qui n'ont pas ou peu de privilèges. Mais ici, il a droit au champagne - marque d'aisance - qui lui permet même de s'élever (dans la société ?) et de rejoindre la fête montmartroise. Publié par Banksy sur son réseau le 28 juin 2018, elle se trouvait rue du Mont-Cenis à Paris. L'occasion d'une bonne ascension !

État inconnu

Disons au revoir à Paris par un dernier tour à l'immanquable Tour Eiffel. Deux rats un peu bourgeois profitent de la vue, loin de la place encombrée du Trocadéro. La canalisation, présente juste derrière eux, donne l'impression qu'ils en sortent tout juste. Car après tout, les rats vivent bien dans les égouts, non ? Même dans ses graffitis les plus simples, l'humour sarcastique de Banksy trouve sa place. " Officiellement " présentée sur le site de l'artiste, le couple de rat se trouvait sous le Pont Rouelle à Paris.

En décembre 2015, suite à la crise des migrants entre le port de Calais et celui de Douvres en Angleterre, Banksy fait une courte incursion dans la ville française pour inscrire sur les murs son message engagé et enragé.
Conservé

Entre deux tentes, route des Garennes, un personnage semble en marche, un baluchon sur le dos. Si l'on y regarde de plus près, il ressemble à s'y méprendre à Steve Jobs, fondateur de la compagnie Apple. Pourquoi en faire le portrait au milieu d'un camp de réfugiés ? Banksy souhaite rappeler les origines syriennes de ce magnat de la technologie. À un moment où les tensions sont fortes suite à l'arrivée massive de réfugiés syriens en Europe, ce graffiti fait mouche. Nous venons tous de quelque part pour aller ailleurs comme dans cette " jungle " à Calais. Est-il juste de fermer les portes à ces gens qui ne sont pas nés au même endroit que nous ? Ce n'est en tout cas pas l'avis de Banksy.

En face, Banksy inscrit cette phrase, comme un faux message d'espoir : " peut-être que toute cette situation finira par se régler d'elle-même ". S'agit-il de dénoncer l'inaction ou d'espérer un futur meilleur ?

Disparu

Banksy n'en était pas à son premier rodéo de détournement des classiques français avec le Napoléon de 2018. Comme sur Le radeau de la Méduse de Théodore Géricault (1819), des naufragés désespérés appellent à l'aide un bateau qu'ils aperçoivent au loin... Mais ici le ferry, rappelant celui qui traverse la Manche pour relier la France à l'Angleterre, ne les voit pas - ou les ignore - et continue sa route. Intitulée " nous ne sommes pas tous dans le même bateau ", cette œuvre dénonce sans équivoque l'indifférence des pays européen face à la détresse de ces personnes que la guerre a chassés de leurs pays d'origine. Malheureusement, le graffiti est effacé en 2017 lors d'un ravalement de façade.

Conservé

C'est face à la digue Gaston Berthe que se présente l'un des derniers survivants des tags de Banksy à Calais. Une petite fille, les cheveux ébouriffés par les vents marins, tient une longue vue qu'elle pointe vers le rivage. Derrière elle, une valise indique qu'elle est en voyage. Mais, perché sur sa longue-vue, un vautour la guette. Allégorie de ce qui l'attend de l'autre côté de la mer ? Ou peut-être si elle reste immobile ? Inquiétant, bouleversant, le graffiti est tout de suite reconnu comme une œuvre d'art par la ville de Calais, qui le protège dans les jours qui suivent son apparition, et compte bien le conserver même si le bâtiment est réhabilité.

En janvier 2016, toujours dans l'idée de dénoncer le traitement des réfugiés à Calais, Banksy s'installe en face de l'ambassade de France à Londres. Une petite fille débraillée aux airs de Cosette (héroïne des Misérables, le roman de Victor Hugo), se tient devant le drapeau tricolore, les larmes aux yeux. Triste ? Sûrement, mais ce n'est pas ce qui provoque ces pleurs. C'est plutôt le nuage de gaz lacrymogène qui l'enveloppe. Pour dénoncer l'utilisation de ces gaz dans la " jungle " de Calais, le street-artiste choisit cette fois la manière forte !

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Les 12 graffitis de Banksy en France - DADA

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Avril 2020 : Avez-vous vu Banksy ? Insaisissable, l'artiste dissémine ses graffitis sur tous les continents. Fidèle à ses principes, il offre au monde son art, gratuitement. Entre Calais et Paris, où peut-on (parfois pouvait-on) en profiter en France ?

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du Musée des arts décoratifs (Paris), accessible numériquement

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Par Laurent P. · Photos par Elodie D. · Publié le 20 avril 2020 à 20h05 · Mis à jour le 21 avril 2020 à 08h38

En raison de l'épidémie de coronavirus, la Maison Dior, dont les 70 ans ont été célébrés en 2017 au Musée des Arts Décoratifs à travers une sublime rétrospective autour de son créateur, Christian Dior, a décidé de vous faire revivre cette exposition de tous les records numériquement parlant à travers une visite guidée disponible sur YouTube.

Petite surprise du Musée des Arts Décoratifs pour tous les amateurs de mode en manque d'esquisses et de robes en raison de la pandémie de coronavirus... La Maison Dior vous propose de découvrir une version numérique de l'exposition de tous les records, Christian Dior, couturier du rêve, qui s'est tenu en 2017 au MAD Paris pour les 70 ans de la maison de couture (et qui a attiré pas moins de 700 000 visiteurs en tout et pour tout).

Une jolie visite guidée à faire en vidéo, gratuitement, sur la page YouTube de la Maison Dior (on vous en propose une des nôtres également en bas de cet article) et qui vous invite à découvrir dessins, robes et autres oeuvres d'art ayant inspirées le créateur, ce dernier ayant également été un galeriste et amateur d'art éclairé. Une exposition qui met en valeur le travail d'un couturier qui a su révéler la part princière du corps des femmes, leur offrant sur un plateau d'argent une silhouette formidablement moderne et élégante. Certes réservées aux élites, ses créations ont toutefois dépassé la sphère privée de la mode bourgeoise en devenant des emblèmes, que le musée des Arts Décoratifs remet une nouvelle fois à l'honneur à travers cette visite en vidéo.

Christian Dior a révolutionné la mode d'après-guerre, il a insufflé de l'extravagance aux robes trop sages des femmes des années 50 et a lancé une grande entreprise où la couture est un art. Avec la volonté charmante de mettre en lumière l'aspect contemporain de son travail et de celui de ses successeurs, le musée frappe une nouvelle fois un grand coup avec cette petite surprise qui ne passera sans doute pas inaperçue auprès des connaisseurs. Et si on repartait à la découverte de la mode et de Christian Dior, les amis ?

Informations pratiques

Âge recommandé
Tout public

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Coronavirus : Christian Dior, l'exposition au Musée des Arts Décoratifs accessible numériquement

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En raison de l'épidémie de coronavirus, la Maison Dior, dont les 70 ans ont été célébrés en 2017 au Musée des Arts Décoratifs à travers une sublime rétrospective autour de son créateur, Christian Dior, a décidé de vous faire revivre cette exposition de tous les records numériquement parlant à travers une visite guidée disponible sur YouTube.

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Tester ses connaissances sur  les plantes et les animaux

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Tester ses connaissances sur  les plantes et les animaux

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d'une manière ludique sur le site Biofotoquiz

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De 1900 à nos jours, choisissez un pays, une décennie, et écoutez !

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Avec l'Observatoire de Paris, de courtes vidéos simples et explicatives.

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2020 Ressources Vidéos pour l'Enseignement - Observatoire de Paris Plan du site | Se connecter | Contact | RSS 2.0

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Les mouvements illustrent l’évolution de l’art, en transformation constante au fil du temps. D’où vient cette notion et quand est-elle née ?

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Les mouvements sont l'illustration même de l'évolution de l'art, en transformation constante au fil du temps. Mais finalement cette notion qui semble évidente, est-elle juste, d'où vient-elle et surtout quand est-elle née ?

Existence de la notion de mouvement

L'histoire de l'art en tant que discipline commence au XVIe siècle avec notre cher Giorgio Vasari, à l'origine d'une première démarche de typologie historique des artistes. Il va dresser un répertoire des artistes en utilisant des termes comme " style " ou parler " d'école ".

Il faudra attendre le XIXe siècle pour que l'idée de mouvement apparaisse véritablement. Ce sont les critiques qui vont nommer ces mouvements à une époque où ils ont une place déterminante. Les critiques ne sont pas les seuls à participer à la naissance d'un mouvement, il y a aussi les collectionneurs, les galeristes...

Le mouvement ouvre donc l'ère dynamique de la modernité.

Mais quels sont ces mouvements ?

Le néoclassicisme

Certains continueront à parler de style mais nous sommes à deux pas de la notion de mouvement.

Le néoclassicisme est un marqueur de transition entre le XVIIIe et le XIXe siècle. Il se caractérise par un retour à l'antique, le culte du beau et des sujets mythologiques.

Le peintre Jean Louis David en est l'un des principaux représentant. Sous la Révolution, retenons son Serment des Horaces ou encore le Sacre de l'empereur Napoléon 1er, immense oeuvre de par sa taille et sa technique.

Le deuxième artiste marquant du néoclassicisme est Ingres, élève de David. C'est avant tout un dessinateur, dans la perfection de la ligne et à la recherche de la beauté, une autre caractéristique du style néoclassique.

Le romantisme

En opposition à la tradition classique, peintres, écrivains et musiciens vont exprimer leur égo et leur mélancolie; il s'agit du Romantisme.

Nous pouvons cette fois parler de mouvement, même s'il ne conduit pas à une modification de la technique picturale.

Chez nos amis Allemands la plus belle illustration du romantisme réside dans l'oeuvre de Caspar David Friedrich. Il nous invite à prendre en considération la puissance de la nature.

En Angleterre, je retiendrais William Blake, artiste peu apprécié de son vivant qui va connaître un intérêt posthume.

En France, c'est le très célèbre Radeau de la Méduse de Géricault, considéré comme le manifeste du romantisme français. Mais le peintre du romantisme par excellence chez nous c'est Delacroix, avec notamment sa toile maîtresse Le Massacre de Scio.

L'impressionnisme

Chers lecteurs, nous entrons là dans le premier mouvement de l'histoire de l'art moderne.

En réaction au système du Salon, un événement parisien qui expose les œuvres des artistes " agréés " par les principales institutions françaises, un groupe de jeunes peintres décident d'aborder à leur manière le marché de l'art ainsi que l'esthétisme.

Il s'agit de Pissarro et Monet, rejoints ensuite par Renoir et Bazille, puis par Sisley et Morisot. Ils travaillent en plein air et expérimentent une peinture par touche afin de donner la sensation du mouvement.

Le Japonisme

A la fin du XIXe, lors de l'ouverture des ports japonais aux Occidentaux les relations commerciales s'intensifient et c'est à cette occasion que nous allons en prendre plein les yeux !

L'influence de l'art japonais sera considérable. Monet, Bonnard ou encore Van Gogh se passionnent pour les estampes. En découvrant celles de maîtres comme Hokusai ou Hiroshige, ils vont découvrir de nouvelles manières d'aborder la perspective.

Les avant gardes

Au XXe, les artistes vont aller encore plus loin en nette rupture avec l'esthétisme et vont marquer de nouveau l'histoire.

Le Cubisme, des recherches de styles et non un mouvement

Contrairement à ce que l'on pense généralement, le cubisme historique, celui de Braque et Picasso, n'est pas véritablement, selon moi, un mouvement.

Il faudra attendre le cubisme dit " classique " ou la Section d'Or pour voir véritablement un groupe d'artistes, dont Gleizes et Metzinger qui vont publier un plaidoyer Du cubisme en 1911.

Finalement tout part de Cézanne qui invente une nouvelle représentation de l'espace et de Gauguin avec sa simplification des formes et ses influences primitives.

Futurisme, le premier mouvement d'avant garde

Son influence sur les dada et les surréalistes est très grande. La relecture du Manifeste des peintres futuristes permet de constater la radicalité du mouvement :

" Tout est conventionnel en art. Rien n'est absolu en peinture. ".

La Première Guerre mondiale sonnera le glas des aventures de ce mouvement d'importance.

Après-Guerre et postmodernité

Aux États-Unis, les artistes vont bénéficier d'un programme d'État ce qui va favoriser le développement de l'expressionnisme abstrait avec des figures comme Pollock, De Kooning, Rothko...

En Angleterre né le Pop Art qui désigne la culture de masse. Hockney utilisera cet univers et Warhol en sera la figure tutélaire aux États-Unis.

En France le réveil sera long ; des artistes comme Hartung ou Soulages se regroupent sous l'appellation d'École de Paris. C'est aussi la naissance de l'Art Brut avec Dubuffet, Chaissac...

Et que se passe-t-il au XXIe siècle ?

Des individualités artistiques se détachent ; Koons en est une figure incontournable, dont les créations, sans équivoque, sont dans l'héritage de Marcel Duchamp.

D'autres mouvements apparaissent comme le Stuckisme fondé en 1999 par Billy Childish et Charles Thomson prônant une peinture figurative.

Et j'aimerais enfin mentionner le doux nom du Superflat dont le principal représentant est le très médiatique artiste japonais, Takashi Murakami.

Par Nicolas Samson-Agnez,

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Qu'est-ce qu'un mouvement en peinture ? - cultur'easy

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Les mouvements sont l'illustration même de l'évolution de l'art, en transformation constante au fil du temps. Mais finalement cette notion qui semble évidente, est-elle juste, d'où vient-elle et surtout quand est-elle née ? L'histoire de l'art en tant que discipline commence au XVIe siècle avec notre cher Giorgio Vasari, à l'origine d'une première démarche de typologie historique des artistes.

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Pourquoi cette date est devenue la fête du travail ?

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Ça m'intéresse - La curiosité en continu

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D'où vient la fête du 1er mai ? - Ça m'intéresse

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Voici 120 ans, une manifestation dégénérait aux Etats-Unis. L'exécution de ses meneurs devint dans le monde entier un symbole des luttes sociales.

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s’invite chez des artistes pour parler littérature et influences : livres marquants, surprenants, inspirants… Cette émission de France TV permet de découvrir l’invité à travers sa passion pour les mots.

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"Dans la bibliothèque de..." s'invite chez des artistes pour parler littérature et influences. Recommandations, livres marquants, surprenants, inspirants... découvrez l'invité à travers sa passion pour les mots.

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"Dans la bibliothèque de..." s'invite chez des artistes pour parler littérature et influences. Recommandations, livres marquants, surprenants, inspirants... découvrez l'invité à travers sa passion pour les mots.

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La villa de Diomède à Pompéi

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La Villa de Diomède, un contexte singulier

Longtemps oubliée, la Villa de Diomède est restée ensevelie sous plusieurs mètres de lapilli, éjectés par l'éruption du Vésuve en 79 ap. J.-C.

Pourtant, avant la catastrophe, elle était une des résidences les plus en vue de Pompéi, aux mains d'un grand propriétaire dont l'identité nous reste inconnue.

Elle doit son nom à la tombe de Marcus Arrius Diomedes, qui lui fait face, de l'autre côté de la rue. En position suburbaine, elle est aménagée non loin de la porte nord de la ville, la Porte d'Herculanum, dans une zone qui associait, au moment de l'éruption, d'autre villas, des installations commerciales et une nécropole.

La Villa de Diomède combine ainsi les atouts d'une demeure " de ville ", parmi les plus grandes du site, où logeait et recevait une riche famille, et tous les attraits d'une villa de plaisance : articulée sur quatre niveaux, elle se déploie sur plus de 3700 m2, avec une vue panoramique sur le golfe de Naples, face à l'île de Capri.

Découverte et mémoire

Outre ce dispositif scénographique original, qui a su pleinement tirer parti des contraintes d'un terrain escarpé, la Villa de Diomède présente une autre particularité : il s'agit d' un des tous premiers bâtiments excavés à Pompéi, entre les années 1771 et 1775, la découverte du site remontant à 1748.

Le responsable des fouilles, Francesco La Vega, un ingénieur militaire, a produit des rapports d'une extrême précision, assortis de relevés, l'ensemble constituant une documentation exceptionnelle, et ce dès le début de l'exploration de Pompéi, dans les années 1770-1780.

L'excellente préservation de la Villa de Diomède et son voisinage immédiat avec l'entrée nord de Pompéi, où se garaient alors les carrosses des rares privilégiés autorisés à fréquenter le site, en font alors un des monuments les plus emblématiques du Grand Tour en Italie, abondamment décrit et reproduit par artistes et architectes, à la fin du XVIIIe siècle et au XIXe siècle.

Autre singularité : la présence d'une vingtaine de victimes de l'éruption dans les espaces souterrains de la villa. L'empreinte des corps dans la couche éruptive, encore perceptible, suscite l'émotion des visiteurs de l'époque, et celle du buste d'une jeune femme inspire notamment Théophile Gautier, qui la réincarne dans le personnage principal de sa nouvelle Arria Marcella, Souvenir de Pompéi (1852). Avec le sentiment de pénétrer dans l'intimité de l'Antiquité, les voyageurs s'initient à l'organisation architecturale, au décor et à la culture matérielle d'un habitat aristocratique dans son ensemble. Devenue un lieu de mémoire incontournable dans le courant du XIX e siècle, la Villa de Diomède fige l'image d'une vie quotidienne tragiquement interrompue.

Modéliser l'évolution d'un monument, de l'Antiquité à nos jours

Paradoxalement, alors que la Villa de Diomède est un des édifices les plus largement représentés de Pompéi depuis la fin du XVIII e siècle, avec un corpus de plus de 500 témoignages graphiques et photographiques réunis, elle n'a jamais fait l'objet d'une étude archéologique approfondie et reste en partie inédite. Comment, en effet, restituer l'évolution d'un tel monument, conjuguant la fabrique matérielle d'une villa romaine et sa fabrique imaginaire contemporaine ? Engagé en 2012, un programme pluridisciplinaire, intitulé " Villa de Diomède " a eu pour objectif d'y répondre. Il s'agit de modéliser les chantiers de construction qui ont rythmé la vie de la villa jusqu'à l'éruption du Vésuve, ainsi que les restaurations qui l'ont transformée, de la fin du XVIII e siècle à nos jours. Pour ce faire, différentes compétences se sont associées, en fédérant plusieurs équipes de recherche appartenant au périmètre de PSL : archéologie du bâti, informatique, imagerie scientifique, géophysique et ingéniérie structurelle.

Le point de départ a été la mise en place d'une maquette numérique de la villa dans son état actuel, produite à partir de 25 000 photographies environ .

Une première collaboration entre le Centre de recherche commun Inria -Microsoft Research et la société Iconem a permis d'élaborer le modèle photogrammétrique en 2012. Un financement PEPS CNRS - PSL, puis le programme structurant PSL " Pompéi 3D ", avec le concours du Parc Archéologique de Pompéi, ont permis d'approfondir l'étude et d'affiner le modèle, par les soins de la société Archeo3d.
Les dessins historiques des architectes du XIX e siècle et les relevés archéologiques produits dans le cadre de ce projet y ont ensuite été projetés, comme autant de calques. Ainsi, le modèle 3D fonctionne comme une véritable machine à remonter le temps, qui restitue l'évolution de la villa sur la longue durée et en propose la visite virtuelle au moment de sa découverte, avec des décors alors parfaitement conservés, aujourd'hui très érodés.

L'impact des restaurations modernes, ainsi que les traces des voyageurs du Grand Tour dans la villa, qui ont laissé des milliers de graffitis sur les murs, ont également été intégrés à l'étude.

Enfin, les objets découverts lors des fouilles du XVIII e siècle, actuellement conservés au Musée archéologique de Naples, ont été recontextualisés dans les différents espaces de la villa. Leur inventaire révèle un aspect insoupçonné de la vie quotidienne au moment de l'éruption : la villa se trouvait alors en pleine reconstruction, ayant été fortement affectée par un tremblement de terre ravageur, daté de 63 ap. J.-C., suivi d'autres secousses peu avant l'éruption finale.

Un laboratoire d'analyse et de formation

Le programme Villa de Diomède a permis de renforcer une plate-forme technologique sur l'imagerie 3D au sein de PSL et de développer des méthodes pluridisciplinaires innovantes pour l'analyse du patrimoine archéologique. Les résultats obtenus ont été valorisés dans le cadre du programme de la communauté européenne " Grande Progetto Pompei Pompéi - Piano della conoscenza " qui, piloté par le Parc Archéologique de Pompéi, a pour objectif de dresser un nouveau relevé et un plan de conservation de l'ensemble du site. Le projet sur la Villa de Diomède a associé plusieurs opérations de formation dans diverses disciplines : deux stages d'initiation à l'archéologie de la construction romaine, en 2014 et 2015, dans le cadre du Master PISA (ENS-PSL), un stage de relevé architectural, en 2013, en partenariat avec l'Università degli Studi Federico II ; des stages en ingéniérie structurelle et en prospections géophysiques, développés par l'Università degli Studi di Padova " et une thèse de doctorat en ingénierie structurelle dans le cadre d'une collaboration entre l'ENS et l'Università degli Studi Federico II. Une publication collective est en cours, avec une parution prévue en 2019.

En savoir plus sur le projet,son équipe et ses partenaires et découvrir le documentaire de Claire Duguet sur la mission de 2015.
Programme réalisé dans le cadre d'un PEPS conjoint CNRS-PSL (2012), d'un programme structurant PSL " Pompéi 3D " (2014-2015) et d'un programme collaboratif de l'Agence Nationale de la Recherche " RECAP " (ANR-14-CE31-0005, 2015-2019), avec le soutien de l'Institut Universitaire de France (chaire junior H. Dessales), du labex TransferS (projet Atlas des techniques de la construction romaine), du CNRS ((Soutien à la mobilité internationale), du Ministère des Affaires Étrangères et du Développement Industriel (Mission archéologique " Italie du sud ").
Glossaire

Stratigraphie : en archéologie, selon des principes empruntés à la géologie, distinction des différentes couches (ou unités stratigraphiques) qui composent un site de fouilles ou un édifice. La caractérisation de leur contenu et de leur succession permet d'établir des séquences chronologiques.

Grand Tour : pratique d'un long voyage, effectué en Europe et/ou en Asie, par de jeunes nobles, amateurs d'art et artistes, afin de parfaire notamment leur connaissance des antiquités. L'Italie constitue une destination privilégiée et Naples, avec la découverte des cités Vésuviennes, en devient un point central à partir de la fin du XVIIIe siècle.

Photogrammétrie : technique de mesure, et par extension, de numérisation tridimensionnelle d'une scène (environnement, bâtiment ou objet), qui se fonde sur la mise en correspondance de points remarquables présents sur au moins deux clichés photographiques. Le développement de la photographie numérique, l'augmentation des puissances de calcul et la constante amélioration des algorithmes de traitement d'image ont permis d'automatiser la recherche d'une multitude de points

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Villa de Diomède, Pompéi : la fabrique d'une villa romaine

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Longtemps oubliée, la Villa de Diomède est restée ensevelie sous plusieurs mètres de lapilli, éjectés par l'éruption du Vésuve en 79 ap. J.-C. Pourtant, avant la catastrophe, elle était une des résidences les plus en vue de Pompéi, aux mains d'un grand propriétaire dont l'identité nous reste inconnue.

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Des expositions virtuelles de l'Université de Paris : sciences et lettres

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Des expositions virtuelles de l'Université de Paris : sciences et lettres

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Marie Curie ;  les frères Humboldt ; Zeus, les Celtes...

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PSL-Explore est le site de diffusion des savoirs de l'Université PSL.

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Un documentaire en 4 parties relatant le processus de création du légendaire réalisateur japonais

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10 ans avec Hayao Miyazaki | NHK WORLD-JAPAN On Demand

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Un documentaire exclusif en 4 parties relatant le processus de création du légendaire réalisateur japonais Hayao Miyazaki. La série de reportages le décrit comme artisan passioné, pionnier inconditionnel et père de qui se confronte à son fils.

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Apprendre à dessiner des personnages de manga

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Apprendre à dessiner des personnages de manga

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connaître les techniques de base

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3 manières de dessiner des mangas - wikiHow

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Un manga est une bande dessinée, généralement publiée au Japon, qui se base sur un style graphique nippon. Cet article vous aidera à vous familiariser avec les techniques de base du dessin de manga, en vous référant à des styles de dessins...

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sur le site de l'Ecole Supérieure des Métiers Artistiques :  jeunesse, aventure, comédie, romance, fantastique...

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Films et courts-métrages d'animation 3D français

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Liste de tous les courts-métrages d'animation 3D FR de l'ESMA, école de cinéma 3D et effets spéciaux.

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Sur un ton humoristique, cette émission s'intéresse  aux points communs et aux différences entre  la culture française et la culture allemande, d'un point  point de vue linguistique, avec des étymologies comparées, et sociétal avec les petites habitudes de ces deux pays.

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Mots, rites, objets, références... Karambolage propose une anthropologie comparative amusée des autochtones, de part et d'autre du Rhin.

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Trouver des livres libres de droit en langue étrangère

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Trouver des livres libres de droit en langue étrangère

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anglais, espagnol, allemand...
classés par genre littéraire.

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Great selection of modern and classic books waiting to be discovered. All free and available in most ereader formats.

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Visiter la Station spatiale Internationale

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Visiter la Station spatiale Internationale

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à partir des prises de vue réalisées par Thomas Pesquet.

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ISS 360 | Station Spatiale Internationale - Street View Enrichi

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ISS 360 | Station Spatiale Internationale - Street View Enrichi

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Découvrez la Station Spatiale Internationale (ISS) en explorant cette visite virtuelle Google interactive multimédia. Photographies: Thomas Pesquet. Enrichissements: Visite 360 Pro

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Voir La Grotte des demoiselles (Saint Bauzille de Putois)

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Voir La Grotte des demoiselles (Saint Bauzille de Putois)

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visite virtuelle à 360°

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Podcasts de l'émission de RTL, un véritable cabinet de curiosités :    Histoire, sciences, grands destins, aventure... Edition spéciale : "La curiosité retourne à l'école"

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La curiosité est un vilain défaut

Du lundi au vendredi de 14h à 15h, Sidonie Bonnec et Thomas Hugues vous ouvrent les portes de leur cabinet de curiosités. Histoire, sciences, grands destins, aventure, success stories ... 2 sujets par jour pour mieux sauter du coq à l'âne, Il y en a pour tous vous goûts ! mais surtout, Ils vous raconteront la petite histoire de l'Histoire...

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la référence du podcast indépendant francophone

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La curiosité est un vilain défaut. Du lundi au vendredi de 14h à 15h, Sidonie Bonnec et Thomas Hugues vous ouvrent les portes de leur cabinet de curiosités. Histoire, sciences, grands destins, aventure, success stories ... 2 sujets par jour pour mieux sau...

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Cette nouvelle série courte de Arte revisite avec humour les tableaux les plus célèbres du monde entier.

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A Musée Vous, A Musée Moi - de Warhol à Vermeer - Séries et fictions | ARTE

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Cette série courte revisite avec humour les tableaux les plus célèbres du monde entier. De “La Joconde” à la “Marilyn” d’Andy Warhol, les personnages de ces toiles de maîtres s’animent au travers de sketchs loufoques et décalés, dans des décors et costumes scrupuleusement reconstitués.

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Le Louvre propose des dossiers multimédias interactifs qui permettent d'aller au plus près des détails d'une œuvre et d'en approfondir tous les aspects historiques et artistiques

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La base de données Collections présente plus de 480 000 œuvres du musée du Louvre et du musée national Eugène-Delacroix. Enrichie quotidiennement, elle est issue d'un travail continu de recherche et de documentation mené par le personnel scientifique des deux musées.

Elisabeth-Louise Vigée Le Brun, La Paix ramenant l'Abondance Salle 933, Aile Sully, 2e étage

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Explorez la richesse des lieux et des collections du domaine du Louvre : le palais, les œuvres, les jardins et les parcours de visite.

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pour découvrir des artistes (comme le Montpelliérain Vincent Bioulès) et leurs expositions virtuelles

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Expositions virtuelles Archives - Artistes d'Occitanie

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Accessible gratuitement, ce jeu vidéo interactif (BNF) propose d’explorer, à travers une série d’énigmes, un univers inspiré de la fantasy, peuplé de créatures et d’objets mystérieux.

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Le Royaume d’Istyald - Un voyage interactif | Fantasy - BnF

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La Bibliothèque nationale de France vous invite à découvrir la Fantasy avec un jeu vidéo : Sauvez l’Arbre du Savoir et devenez le héros du Royaume d’Istyald. @laBnF #fantasybnf

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La BNF propose d'explorer cet univers et "s’attache à mettre en valeur les sources mythiques et historiques auxquelles la fantasy ne cesse de puiser, leur donnant une nouvelle actualité."

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Explorez le Royaume merveilleux d'Istyald ! Partez à la rencontre de créatures étranges, percez les mystères de ce monde, et sauvez l'Arbre du savoir, source originelle de sagesse et de connaissance.

Découvrez la fantasy sous un autre angle. Ces formats courts vous permettront de comprendre comment la fantasy s'empare des sujets sociétaux majeurs de son époque.

Approfondissez vos connaissances de la fantasy à travers des dossiers thématiques retraçant l'histoire du genre. Parcourez textes de référence, images et interviews et devenez incollable sur les grands récits de fantasy et ceux qui les ont inspirés.

Téléchargez des parcours pédagogiques pour comprendre comment se constitue un univers de fantasy. Organisés autour de cinq thèmes majeurs, ces parcours proposent des activités invitant les élèves à observer, lire, parler, approfondir, jouer et écrire, en s'appuyant sur les contenus du site.

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Fantasy - BnF | Le site dont vous êtes le héros

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Plongez dans le monde merveilleux de la Fantasy avec un jeu vidéo et un site web immersif proposés par la Bibliothèque nationale de France. #Fantasy #fantasybnf

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6000 ouvrages en accès libres

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Crédits photo : © SNCF

La sélection de Simone

Retrouvez la sélection de Simone Hérault, la voix de la SNCF, que vous pouvez entendre chaque jour dans nos gares. Cette dernière partage avec vous ses 5 ouvrages préférés issus de notre catalogue :

" 50 exercices pour apprendre à méditer " de Géraldine Prévot-Gigand (éd. Eyrolles)

" Vents froids " d'Olivier Magnier (éd. HJ)

" C'est l'histoire d'une mouche " de Laurie Cohen (éd. Les 400 coups)

" Contes de la bécasse " de Guy de Maupassant (éd. Ligaran)

" Normandie, les histoires extraordinaires de mon grand-père " de Gérard Nédellec et Jacques Hel (éd. CPE)

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Avec e-Livre, confinez-vous dans la lecture

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Retrouvez la sélection de Simone Hérault, la voix de la SNCF, que vous pouvez entendre chaque jour dans nos gares. Cette dernière partage avec vous ses 5 ouvrages préférés issus de notre catalogue : " 50 exercices pour apprendre à méditer " de Géraldine Prévot-Gigand (éd. Eyrolles) " Vents froids " d'Olivier Magnier (éd.

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Une visite exclusive de l'exposition Francis Bacon :

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Une visite exclusive de l'exposition Francis Bacon :

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"Bacon en toutes lettres", octobre 2019, Centre Pompidou

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Visite exclusive de l'exposition Bacon | Centre Pompidou

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en visite virtuelle : salle par salle., l'histoire de sa découverte en 1994

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Découverte le dimanche 18 décembre 1994 par Jean-Marie Chauvet, Éliette Brunel et Christian Hillaire à l'occasion d'une exploration spéléologique privée, la grotte Chauvet-Pont d'Arc est l'une des plus anciennes grottes paléolithiques ornées du monde.

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Chaque semaine, une nouvelle œuvre commentée par un historien d'art

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L'Encyclopédie sonore des arts visuels vous propose de découvrir chaque semaine une nouvelle oeuvre commentée par un historien d'art. De la Renaissance à l'Art Conceptuel, nous vous proposons de découvrir gratuitement la grande histoire des arts visuels.

Pour vivre de leur art, les artistes d'aujourd'hui ont besoin d'être appréciés, et compris. Nous pensons chez Active-Art que la société a plus que jamais besoin de redonner la priorité aux valeurs essentielles que sont la culture et l'émotion générées par la compréhension d'une oeuvre d'art. " Comprendre, c'est être libre "... Raviver le sens du merveilleux, tel est le projet de l' oeuvre qui parle, en partenariat avec Sarah Noteman, critique et historienne de l'art.

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1 - L'encyclopédie sonore des arts visuels - Page d'accueil - L'Encyclopédie sonore des Arts Visuels

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Découvrez l'art d'hier et d'aujourd'hui depuis chez vous. L'Encyclopédie sonore des arts visuels vous propose de découvrir chaque semaine une nouvelle oeuvre commentée par un historien d'art. De la Renaissance à l'Art Conceptuel, nous vous proposons de découvrir gratuitement la grande ... Continuer la lecture →

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Réviser l'anglais tout en se replongeant dans l' œuvre et l'univers de J.K. Rowling

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Join Harry Potter and journey into the wizarding world with our new site! Discover puzzles, quizzes, crafts and more to guide you through the very first book.

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à domicile : découvrez les meilleurs spectacles (un nouveau chaque semaine) sur la plateforme Cirqueconnect :

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Au Cirque du Soleil, nous vous offrons de vous évader à travers le plaisir et la fantaisie de nos spectacles. Laissez-nous vous accueillir dans notre univers où des séquences inédites de nos spectacles et vidéos favorites de nos fans vous transporteront. Juste pour vous, de nous tous. Amusez-vous!

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Votre accès au contenu Cirque du Soleil, à un seul endroit.

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Découvrez notre univers où des séquences inédites de nos spectacles et vidéos favorites de nos fans vous transporteront.

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Après inscription gratuite,
recevez 3 fois par semaine une anecdote décalée et mémorable à lire en une minute à propos d'œuvres d'art

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Artips, votre bulle de culture au quotidien

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Chaque semaine recevez des anecdotes gratuites dans votre boîte mail !

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Sur son site, 800 vidéos (leçons de cinéma avec les plus grands cinéastes, acteurs, actrices et technicien(nes) au monde disponibles ; essais ; conférences...). Plateforme VOD gratuite. Un film proposé chaque soir.

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Le film du mercredi 22 novembre

Avec Evelyn Preer, Flo Clements, James D. Ruffin.

Sylvia Landry, une enseignante du Deep South, organise une collecte de fonds dans le Nord afin de soutenir son école. Lors de son voyage, elle rencontre le docteur Vivian, jeune homme de Boston engagé dans l'amélioration de la condition sociale des Noirs. La réponse d'Oscar Micheaux à Naissance d'une nation de D. W. Griffith (1915).

Sylvia Landry, a teacher from the Deep South, organizes a fundraising campaign in the North to support her school. During her trip, she meets Doctor Vivian, a young man from Boston committed to improving the social condition of black people. Oscar Micheaux's response to Birth of a Nation by D. W. Griffith (1915).

Voir le film

Le travail du cinéma

Cinéastes au travail, cinéma en travail : documents arpenteurs du plateau de tournage à la salle de montage, images d'atelier montrant et démontrant la fabbrica du cinéma, à la recherche du bleu de Chartres (Langlois évoquant Vigo pour Boutang) ou d'un sourire enfoui (Pedro Costa filmant les Straub-Huillet pour Cinéma, de notre temps).

Entretiens à Chaillot, 1986

En 1986, la Cinémathèque française fêtait son cinquantième anniversaire. Tout au long de l'année, cinéastes et personnalités du cinéma mondial (de Bette Davis à Wim Wenders, d'Elia Kazan à Nagisa Ōshima, de Claude Chabrol à Werner Schroeter...) se sont succédé dans la salle mythique du palais de Chaillot pour montrer leurs films et en parler.
En 2023, douze de ces entretiens filmés ont été retrouvés sous forme de rushes sur cassettes Betacam. Historiques et inédits, ils seront présentés sur HENRI au fil de la saison 2023-2024.
Avec un peu d'avance sur les célébrations de 1986, c'est Jean-Luc Godard en personne qui inaugurait la formule, le 27 novembre 1985, à l'occasion de la sortie du livre d'Alain Bergala Jean-Luc Godard par Jean-Luc Godard : 80 minutes de discussions filmées caméra à l'épaule par Raymond Depardon restées inédites à ce jour, à découvrir dès maintenant sur HENRI.

CinéMode

À l'occasion de l'exposition-défilé CinéMode imaginée par le couturier cinéphile Jean Paul Gaultier, proposition d'une histoire permanente croisée du cinéma et de la mode. "Dress gives one the outward sign from which people in general can, and often do, judge upon the inward state of mind and feelings" (" La tenue vestimentaire donne un signe extérieur à partir duquel les gens en général peuvent juger, et ils le font souvent, de l'état d'esprit et des sentiments intérieurs "), comme nous le dit Mae West.

Jacques Rozier

" Des films authentiques, il n'y en a pas beaucoup. Le discours dominant est que le cinéma est un art, moi je pense que le cinéma est de moins en moins un art. Il faut lutter pour qu'il reste un art, mais c'est surtout une industrie étant donnée la concentration actuelle, les intérêts en cours. L'utopie, c'est bien ! Ce qui vaut le coup, c'est de lutter pour une cause impossible. " (Jacques Rozier, 2003)

De tous les cinéastes français de la Nouvelle Vague ou apparentés, Jacques Rozier est peut-être le plus mystérieux, le plus espiègle, et aussi le plus discret. Plus de soixante ans ont passé depuis son premier court métrage, Rentrée des classes, en 1956 : il est temps aujourd'hui de restaurer les films de ce cinéaste majeur qui, en proposant une œuvre sensible et décalée, a marqué l'histoire du cinéma français et continue d'influencer de jeunes réalisateurs. Ici, une sélection de courts métrages récemment restaurés avec le concours de leur auteur.

Tout-monde

Qui d'autre qu'Édouard Glissant pour nommer notre section documentaire ? Car il sera exactement question de cela : visions de l'univers, imaginaire, conquête et histoire des peuples. Comme pour regarder tout le " bleu du monde au creux de ta main " (un peu de Duras ici, aussi).

" J'appelle Tout-monde notre univers tel qu'il change et perdure en échangeant et, en même temps, la "vision" que nous en avons. La totalité-monde dans sa diversité physique et dans les représentations qu'elle nous inspire : que nous ne saurions plus chanter, dire ni travailler à souffrance à partir de notre seul lieu, sans plonger à l'imaginaire de cette totalité. Les poètes l'ont de tout temps pressenti. Mais ils furent maudits, ceux d'Occident, de n'avoir pas en leur temps consenti à l'exclusive du lieu, quand c'était la seule forme requise. Maudits aussi, parce qu'ils sentaient bien que leur rêve du monde en préfigurait ou accompagnait la Conquête. La conjonction des histoires des peuples propose aux poètes d'aujourd'hui une façon nouvelle. La mondialité, si elle se vérifie dans les oppressions et les exploitations des faibles par les puissants, se devine aussi et se vit par les poétiques, loin de toute généralisation. "

Slava Ukraïni ! Слава Україні!

Indéniable et irréductible, le cinéma ukrainien, plus fort que les balles.
Séances spéciales en solidarité avec l'Ukraine.

Après les films de Kira Mouratova - figure marquante du cinéma ukrainien depuis les années 1960 -, la programmation Slava Ukraïni ! Слава Україні! met en lumière le travail essentiel réalisé en ce moment par le collectif Babylon '13, un groupe de cinéastes ukrainiens qui témoignent, au jour le jour, de la résistance sous toutes ses formes dans leur pays en guerre. Plutôt que des images de combat, les films programmés montrent la vie quotidienne dans toute sa complexité.

Toute la mémoire du monde 2023

Programmer des raretés d'une collection film d'une cinémathèque, de notre Cinémathèque, c'est donner à voir une création effrénée, fiévreuse, diversifiée, des œuvres aussi qui respectent peu les cadres ou l'habituel. Durant les 5 jours de notre festival, 5 films issus de nos collections : cinéma photographié par Henri Cartier-Bresson, Mickey militant, Ghérasim Luca à la Louma, sulfure du cinéma primitif italien et home movie signé Frédéric Pardo. Un film mis en ligne chaque jour, du mercredi 8 au dimanche 12 mars.

Ukranima ! Украніма!

En solidarité avec l'Ukraine, au 365 e jour de guerre, une rétrospective jeune public en 9 films, en ligne pour un an. HENRI étant accessible au monde entier, ce panorama du court métrage d'animation ukrainien (1968-1996) est aussi pensé pour les enfants d'Ukraine. Slava Ukraïni! pour que vive le cinéma ukrainien.
Une rétrospective proposée avec le soutien de l'Académie des beaux-arts
en solidarité avec le Centre national Oleksandr Dovzhenko, Kyiv.

Jean-Luc Godard

Pour fêter l'anniversaire de sa naissance, le 3 décembre, quelques films de, avec ou sur Jean-Luc Godard.

Serial

Le film à épisodes était projeté traditionnellement dans les salles de cinéma en premier programme d'un long métrage. Conçu pour fidéliser les spectateurs, le serial, ou ciné-roman en France, fut un genre très populaire du cinéma muet, faisant la fortune des premiers studios. C'est l'ancêtre naturel de la série télévisée et de la VOD. Binge watching encouragé !

‌‌1950

Science-fiction, vespa, polaroïd, baby-foot, cool, décolonisation, verlan, babysitter, blue-jean, pizzéria, cha-cha-cha, contraceptif, rock, Big Bang, scoop, spoutnik, bionique, scoubidou, beatnik, supérette... Bien entendu, il ne sera pas question de tout cela. Une sélection de films inattendus et anti-cartes postales des fifties.

American Fringe

Nouveau regard sur le cinéma américain contemporain, American Fringe propose un échantillon représentatif d'un champ passionnant et méconnu, à la marge du " cinéma indépendant ". Depuis 2016, au cours d'un week-end d'automne, huit programmes de travaux très récents sont rituellement projetés à la Cinémathèque, parfois en présence des réalisateurs. En 2020, la manifestation est annulée en raison des conditions sanitaires. Les curators Richard Peña et Livia Bloom Ingram proposent pour HENRI une sélection best-of des quatre éditions (2016-2019), en coopération avec Arts Arena.

Toute la mémoire du monde 2022

Durant les 5 jours de notre festival, 5 films issus de collections d'archives : trois raretés de la Cinémathèque française (un inédit en Hi-8 de Chris Marker, le premier film de fiction du père du cinéma béninois et les Black Panthers de South Central vus par un jeune Français), les essais de Marlene pour L'Ange bleu (Murnau Stiftung et Deutsche Kinemathek) et un sublime drame muet hongrois, L'Indésirable (quand Michael Curtiz s'appelait encore Mihály Kertész, en provenance du National Film Institute à Budapest).

Le Fresnoy - Studio national, panorama

Depuis octobre 1997, Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains est un établissement de formation artistique audiovisuelle de haut niveau, cofinancé par le ministère de la Culture et la région Hauts-de-France, avec la participation de la ville de Tourcoing. Sa conception et sa direction artistique et pédagogique ont été confiées à Alain Fleischer. L'objectif du Fresnoy est de permettre à de jeunes créateurs de réaliser des œuvres avec des moyens techniques professionnels, sous la direction d'artistes reconnus, et dans un large décloisonnement des différents moyens d'expression, prolongé par une politique de diffusion ambitieuse d'expositions et d'événements, en particulier Panorama, qui présente en septembre de chaque année l'ensemble des œuvres produites au Studio.
Ce programme, panorama en quatre films courts, mélange auteurs connus, comme le Taïwanais Tsai Ming-liang (venu enseigner) et jeunes artistes d'horizons différents (de la France à l'Arabie saoudite, en passant par la Tunisie et le Chili), aux pratiques diverses (documentaire-opéra, utilisation des nouvelles technologies et de la pellicule). Si Tsai Ming-liang livre en 2001 un film pétillant, plein d'ironie et d'humour absurde, les œuvres des jeunes cinéastes sont en prise directe, de façon brute et poétique, avec une réalité contemporaine où le désespoir n'est jamais loin.

Fresh Wave HK

Hommage au Fresh Wave Film Festival de Hong Kong.
" Mon seul conseil, est que vous devez continuez à faire des films, des courts métrages en particulier, car ils permettent d'expérimenter toutes les variantes, le savoir-faire et la mobilité de l'art cinématographique. Je suis sûr qu'aussi longtemps que Hong Kong survivra, le cinéma de Hong Kong survivra, le cinéma hongkongais persistera à prospérer. Alors, allez-y, lancez-vous ! " (Johnnie To, 2021)

Lancé en 2006 par le réalisateur Johnnie To, le Fresh Wave Film Festival est devenu un vivier indispensable de jeunes talents hongkongais et l'un des rares espaces de libre création à Hong Kong. Alors que la censure s'abat sur les films actuels et passés, la Cinémathèque française profite de la 16 e édition du festival qui aura lieu du 17 juin au 17 juillet 2022 pour rendre hommage en trois films à ce festival courageux et en souvenir des mouvements démocratiques de la jeunesse de Hong Kong de juin à octobre 2019. À Paris aura lieu également le premier Festival de films hongkongais qui présentera des films interdits sur ce territoire (23 juin-2 juillet 2022 au cinéma L'Épée de bois).

Japan Fringe

Focus sur le cinéma indépendant japonais post-Fukushima, avec la complicité de la critique et journaliste Nanako Tsukidate (ex-membre du comité de sélection de la Semaine de la critique, sélectionneuse à la Mostra pour les Venice Days). Après les années 2010, plusieurs jeunes cinéastes japonais ont commencé à émerger sur la scène internationale. Leurs créations radicales et originales ne sont visibles que dans les festivals internationaux - Locarno, Rotterdam ou FIDMarseille - sans trouver de distributeurs internationaux, hormis quelques exceptions comme Ryūsuke Hamaguchi. Japan Fringe se propose de rassembler des œuvres personnelles, produites indépendamment, qui ont pour dénominateur commun d'être tournées après le 11 mars 2011, date du grand tsunami et de la catastrophe de Fukushima. Les genres et formats sont divers : fiction, documentaire, docu-fiction ou expérimental, les cinéastes partagent consciemment ou inconsciemment, directement ou indirectement, la sensation d'absence, de perte et d'inquiétude face au monde de l'après dans lequel ils doivent vivre. Japan Fringe permet de renouer avec une histoire renouvelée du cinéma japonais encore trop peu abordée à l'étranger. Cette sélection de 9 films sera mise en ligne du 1er au 17 décembre au rythme d'un film ajouté chaque mercredi, jeudi et vendredi.

Séances spéciales

© 2023 La Cinémathèque française

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HENRI - Des films rares de la Cinémathèque française à voir en ligne

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HENRI, la plateforme VOD de la Cinémathèque française, vous fait découvrir gratuitement en ligne des films rares issus de ses collections.

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Découvrez ses ressources numériques : expos, animations

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Site de l'exposition France 09 février - 23 octobre 2011, visite virtuelle du France et Web TV télé Fr@nce.

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Un parcours pour mieux connaître ce génie aux multiples facettes : inventeur, artiste, architecte, botaniste...

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chaîne Youtube du château, les collections, expériences en réalité virtuelle...

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Versailles chez vous

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Découvrez aussi des jeux à réaliser en famille : mises en scène, mimes, cherche et trouve, ...
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Redécouvrez Poum Tiya, un conte illustré par Emmanuel Guibert sur le voyage à Versailles d'un jeune Prince de Siam à la cour du roi Soleil.

Culture Chez nous

La culture à domicile pendant la période de confinement, c'est ce que propose le ministère de la Culture ! Avec la mise en ligne de la plateforme www.culture.gouv.fr/Culturecheznous où sont répertoriées toutes les initiatives des opérateurs culturels pour offrir, chaque jour, de nouveaux contenus numériques accessibles au plus grand nombre.

Archéologie, cinéma, musées, audiovisuel, spectacles, jeunesse, patrimoine, danse, archives... Autant de domaines aux ressources culturelles d'une exceptionnelle richesse ; à découvrir en vidéos, à travers des cours en ligne, des visites virtuelles ou encore des concerts live. Cette offre numérique d'une grande diversité et, entièrement gratuite, s'adresse à tous les publics : enfants, adultes et enseignants.

Ces initiatives sont également relayées sur les réseaux sociaux via le mot clé #Culturecheznous et les comptes du ministère de la Culture :

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avec ce quiz sur les héros imaginaires de la littérature française

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Ces héros imaginaires de la littérature française

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Retrouvez, à partir du nom de l'auteur et des indices, ces personnages de roman ! - Q1: Personnage et titre du premier livre de François Rabelais (1483 ou 1494-1553), je suis le fils de Gargantua et de Badebec (qui décède à ma naissance). Qui suis-je ? Raminagrobis., Gargamelle., Pantagruel.,...

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Des jeux pour créer un texte très personnel

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Ateliers d'écriture & jeux littéraires

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Jeux littéraires

Retrouvez nos Jeux littéraires dès septembre 2013, en même temps que la nouvelle édition du Nouveau Magasin d'écriture, de Hubert Haddad.

Cet atelier d'écriture a été imaginé par Hubert Haddad à partir du Nouveau Magasin d'écriture.

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Le nouveau magasin d'écriture - Atelier n°1

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Ateliers d'écriture & jeux littéraires Inscrivez-vous à notre Newsletter Jeux littéraires Retrouvez nos Jeux littéraires dès septembre 2013, en même temps que la nouvelle édition du Nouveau Magasin d'écriture, de Hubert Haddad. require WWW::Footer(); ?>

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Revivre la mission Apollo 11 en temps réel

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Revivre la mission Apollo 11 en temps réel

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Le site ApolloInRealTime propose de revivre les premiers pas de l'homme sur la Lune, il y a 50 ans. Une véritable immersion dans la capsule lunaire.

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A real-time interactive journey through the Apollo 11 mission. Relive every moment as it occurred in 1969.

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Le 21 juillet 1969, après avoir filé dans l'espace à 40 000 km/h, les 3 hommes de la mission Apollo 11 ont relevé le défi...

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Ça m'intéresse - La curiosité en continu

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Il fallait être gonflé et avoir les nerfs solides pour s'embarquer dans la mission Apollo 11. Filant dans l'espace à 40 000 km/h, trois hommes ont relevé le défi. Sous le regard fébrile de toute une planète.

Houston Texas, le 20 juillet 1969. Il est 15 heures

Au centre de contrôle de la Nasa, la tension est à son comble. A 380 000 kilomètres de la Terre, l'astronaute Neil Amstrong de la mission Apollo 11 vient d'annoncer par radio qu'il est en vue du site d'alunissage. A 1830 mètres d'altitude, rien ne va plus. Un voyant lumineux indique que l'ordinateur de bord est saturé de calculs. Par les hublots du module lunaire Eagle, Armstrong et son coéquipier Aldrin constatent que les données du pilote automatique sont erronées ! La zone d'alunissage est dépassée de plusieurs kilomètres. Eagle se dirige à présent vers un cratère au relief tourmenté. Bientôt, il sera impossible de se poser. Armstrong informe Houston d'une voix neutre qu'il prend les commandes manuelles. Son pouls passe de 77 à 156 pulsations/minute !

Les ingénieurs de Houston ne paniquent pas. savent que Neil Armstrong est l'homme de la situation, même s'il est vrai qu'à l'origine c'était son coéquipier Edwin " Buzz " Aldrin qui devait être le premier homme sur la Lune. La Nasa a changé d'avis au dernier moment, préférant que le monde retienne le nom d'un civil plutôt que celui d'un militaire, Aldrin étant membre de l'US Air Force. Fils de fonctionnaires, né le 5 août 1930 à Wapakoneta, dans l'Ohio, Armstrong est un vétéran apprécié pour ses compétences et ses nerfs d'acier. A 16 ans, il a décroché son brevet de pilote avant même son permis de conduire ! Pilote d'essai à 25 ans, astronaute de la Nasa à 32 ans, il est déjà célèbre aux Etats-Unis pour avoir piloté l'avion-fusée X-15, un " cercueil volant " capable de dépasser les 7 000 km/h, et commandé en 1966 la mission Gemini 8, qui réussit le premier amarrage orbital de deux vaisseaux spatiaux. L'homme a frôlé la mort plusieurs fois. Il a toujours fait preuve d'un sang-froid extraordinaire, notamment en s'éjectant à 30 mètres du sol lors d'une séance d'entraînement à l'atterrissage... sur la Lune !

Mais ce 20 juillet 1969, pas question de s'éjecter

Pourtant, la procédure d'alunissage ne se présente pas sous les meilleurs auspices : " Passé sous la barre des 500 mètres, je jetai un oeil par le hublot, confiera plus tard Armstrong. Je vis que le module se dirigeait à grande vitesse sur des rochers dont certains étaient aussi gros que des automobiles. " Tandis que l'astronaute s'efforce de changer de trajectoire, le niveau de carburant baisse de façon alarmante. Soudain s'offre enfin à sa vue un site dégagé : " Ce n'était pas une très grande surface, seulement 60 mètres carrés. Mais cela paraissait suffisant... " A 15 h 17, heure de Houston, la voix calme d'Armstrong résonne dans la salle de contrôle : " Ici la base de la Tranquillité. L'Aigle a atterri. " A Houston, c'est un ouf de soulagement. La catastrophe a été évitée de justesse : le module lunaire (appelé aussi LEM ou Lunar Excursion Module) ne disposait plus que de seize secondes de carburant en réserve ! L'astronaute Charlie Duke chargé de la communication radio aura ces mots célèbres : " Ici, il y a un tas de gars qui viraient au bleu. Nous respirons de nouveau. Merci ! "

Pour les hommes de la Nasa comme pour le président Richard Nixon élu six mois plus tôt, cette victoire est historique. Le pari de Kennedy consistant à déposer un homme sur la Lune avant la fin de la décennie est gagné. L'ancien président américain l'avait lancé comme un défi à la face de l'URSS lors d'un discours au Congrès, le 25 mai 1961, soit un mois après l'envoi du premier homme dans l'espace par les Soviétiques. A l'époque de l'exploit de Youri Gagarine, aucun astronaute américain n'avait fait le tour de la Terre. Il n'aura fallu que huit ans aux Etats-Unis pour rattraper, puis dépasser l'Union soviétique dans la course à l'espace. Ça y est, des hommes ont " aluni " pour la première fois de l'Histoire. Reste à débarquer.

À 21 heures et 39 minutes, Armstrong annonce qu'il va déverrouiller la porte du LEM

Depuis le décollage à cap Canaveral (Floride) de la fusée Saturn 5 qui place sur orbite terrestre le vaisseau spatial Apollo, le 16 juillet, la terre entière suit l'événement seconde par seconde A Houston, près de 3 500 journalistes représentant 56 nations couvrent l'événement retransmis en direct et en mondovision par 36 chaînes de télévision. De Paris à Tokyo, on a suivi les largages successifs des étages du lanceur, l'amarrage du module lunaire Eagle avec le module de commande Columbia, la course vers la Lune à 40 000 km/h, la mise en orbite lunaire le 19 juillet au matin, puis l'alunissage le 20 juillet. L'instant de vérité approche.

Que va-t-il se passer maintenant ? Armstrong va-t-il s'envoler ? Et s'il tombe, pourra-t-il jamais se relever ? L'astronaute lui-même n'a pas de certitude. " Nous nous étions exercés en piscine ou accrochés à des câbles pour simuler les conditions lunaires, racontera-t-il. On savait que le poids de l'homme sur la Lune était le sixième de son poids terrestre et nous avions la sensation que l'on pouvait sauter très haut et que tout se déroulerait lentement. Mais en aucun cas nous ne pouvions simuler l'ensemble des paramètres. " Il faut encore ajouter à ces incertitudes l'absence d'atmosphère. Dépourvue de couche protectrice, la Lune est bombardée en permanence de micrométéorites et de rayonnements cosmiques mortels pour l'homme. Quant aux écarts de températures, ils sont juste monstrueux : -120 °C à l'ombre et + 157 °C au soleil !

Les ingénieurs de la Nasa sont persuadés d'avoir tout prévu. Ils ont équipé les astronautes d'épaisses combinaisons qui leur donnent l'apparence de Bibendum. Sur un costume de Nylon parcouru de tubes où circulent oxygène et eau, Armstrong et Aldrin ont enfilé une première tenue gonflable en caoutchouc synthétique. Ils se sont ensuite coulés dans des scaphandres spatiaux qui comprennent pas moins de 21 épaisseurs d'isolants aux noms bizarres : Nomex, Mylar, Dacron, Kapton, Teflon... Le hic, c'est qu'avec toutes ces épaisseurs, la portée de leurs bras s'est réduite à 75 cm ! Ils transportent également en sac à dos une " centrale de survie ". Cette usine de poche contient les bouteilles d'oxygène, les batteries, les radios, les pompes à eau et de refroidissement. Le poids total de cet harnachement est de 80 kilos ! Selon les calculs des scientifiques, passé la porte du LEM, la combinaison d'Armstrong ne devrait toutefois plus peser que 13 kilos.

À 21 heures 56 minutes et 15 secondes, Armstrong se lance

Il va mettre à peu près dix minutes pour descendre les sept barreaux de l'échelle fixée sur le module lunaire. Tout se passe bien. A l'avant-dernier barreau, il s'arrête pour déployer la caméra qui doit filmer l'instant historique : " Je vais maintenant sauter du module lunaire ", annonce-t-il. A cette seconde, un ultime doute demeure. Selon plusieurs scientifiques, la surface sans vent de la Lune pourrait être recouverte d'un épais manteau de poussière : Armstrong ne va-t-il pas s'y enfoncer dangereusement. Il saute le dernier barreau et... pose son pied gauche sur la Lune sans aucun problème. A Houston, il est 21 h 56 (3 h 56, heure française, le 21 juillet). Entre deux bips ponctuant chaque intervention radio, l'astronaute décrit succinctement le sol lunaire " dur et couvert d'une couche de poussière fine comme de la poudre ", avant de lancer son fameux : " C'est un petit pas pour l'homme, mais un bond de géant pour l'humanité. "

L'instant est magique

On évalue à environ 600 millions le nombre de téléspectateurs qui entendent - avec un décalage de deux secondes, le temps du chemin Terre-Lune - cette phrase mythique. Beaucoup d'entre eux ont pris soin de placer leur téléviseur au coin d'une fenêtre pour voir dans le même temps l'astre lunaire dans le ciel et sur l'écran. Neil Armstrong dira plus tard: " Mon souvenir le plus marquant fut le paysage qui s'offrit à mes yeux. " Il est à couper le souffle. Le véhicule spatial s'est posé sur une plaine immense couverte d'une fine poussière ambrée, tantôt grisâtre, tantôt blanche comme la neige. La poussière en question est en réalité noire d'encre. Mais la lumière qu'elle reflète est éblouissante, bien plus vive que sur Terre, si intense qu'il est impossible de distinguer les étoiles dans le ciel ! Phénomène curieux : la Lune étant dix fois plus petite que notre planète, l'horizon y est dix fois plus proche. Les ombres et le ciel sont d'un noir profond, si opaque qu'on dirait du velours. En l'absence d'atmosphère, tout ce qu'on voit est d'une précision extraordinaire : le caillou aux pieds d'Armstrong comme la montagne qui se dessine au loin. A l'oeil nu, il est quasiment impossible d'évaluer correctement la distance. Tout paraît à portée de main !

Nuit du 20 au 21 juillet, entre 22 heures 06 minutes minuit dix

Pendant plus de deux heures, les astronautes évoluent à moins de 20 mètres du LEM. Ils plantent un mât portant un drapeau américain, installent un sismographe chargé de mesurer les flux des particules solaires, puis un réflecteur laser qui permettra de déterminer la distance Terre-Lune. Ils posent au sol des plaques à la mémoire des astronautes américains et russes morts au service de la conquête spatiale. La caméra, fixée sur un trépied, permet aux téléspectateurs du monde entier de voir progresser les deux hommes par bonds dans un étrange ballet : lorsque leurs corps quittent le sol, il se passe une à deux secondes avant qu'ils ne le touchent à nouveau ! Aldrin et Armstrong ont dû apprendre à doser leur effort, car une enjambée terrestre " normale " les projetterait si haut qu'ils rebondiraient avant de pouvoir retrouver l'équilibre !

Après s'être brièvement entretenus par radio avec le président Nixon, les astronautes chargent 21 kilos de pierres lunaires dans leur sac. Mais les réserves d'oxygène d'Armstrong s'amenuisent. Il est grand temps de revenir vers Eagle pour garder une marge de sécurité suffisante. Au total, Aldrin aura passé 1 h et 44 min à travailler sur la Lune, Armstrong, 2 h et 14 min. Ils rejoignent maintenant Michael Collins, le troisième homme de la mission Apollo 11, resté en orbite autour de la Lune dans le module de commande. Le 22 juillet, à 16 h 34, l'amarrage avec Columbia s'effectue normalement. Aldrin et Armstrong peuvent enfin retirer leur énorme scaphandre, plus de trente heures après l'avoir enfilé ! Dans deux jours, ils seront sur Terre.

24 juillet, 11 heures et 50 minutes. Le module Columbia amerrit dans l'Océan Pacifique

À bord du porte-avions chargé de recueillir les héros de l'espace, le président Nixon est aux anges. On l'a informé que le dirigeant de l'URSS Leonid Brejnev, qui a assisté en secret à l'opération d'alunissage, est effondré. Il a dû se rendre à une douloureuse évidence : les Soviétiques ont bel et bien perdu la bataille du vol habité. A cela s'ajoute un échec cuisant : la sonde soviétique Luna 15, qui devait se poser en même temps que les astronautes américains et repartir sous leur nez avec des échantillons lunaires, s'est écrasée dans la mer des Crises à 480 km/h ! La victoire américaine est totale !

Neil Armstrong décède le 25 août 2012. Dix-neuf jours après que le robot américain Curiosity a envoyé ses premières images depuis la surface de la planète Mars, mais sans que l'homme y ait posé les pieds. Lors d'un entretien accordé en septembre 2001 pour la Nasa, Armstrong déclarait à ce propos que, quoique " faisable techniquement ", l'envoi d'astronautes sur la planète rouge était " trop coûteux et donc peu probable dans un avenir proche ". Le fringant retraité de 71 ans s'empressait toutefois d'ajouter : " Si par extraordinaire on me proposait d'être commandant d'une mission vers Mars, je sauterais tout de suite dessus. "

Par J.-F. Paillard

Découvrez les plus beaux paysages lunaires que l'on peut rencontrer en restant sur Terre, en cliquant ici !

Avec son hors-série " Tout sur la Lune ! " (5,95 €), Ça M'intéresse Questions & Réponses célèbre le 50 e anniversaire du premier homme sur la Lune

Par l'équipe Ça m'intéresse

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21 juillet 1969 : la folle conquête de la Lune ! - Ça m'intéresse

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Houston Texas, le 20 juillet 1969. Il est 15 heures Au centre de contrôle de la Nasa, la tension est à son comble. A 380 000 kilomètres de la Terre, l'astronaute Neil Amstrong de la mission Apollo 11 vient d'annoncer par radio qu'il est en...

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La 2 cv, une voiture entrée dans la légende

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La 2 cv, une voiture entrée dans la légende

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Voiture pour tous, voiture de tous, elle parcourt les routes de France et d'ailleurs depuis...1948 ! Devenue une véritable image de marque de la France, elle incarne aussi les enjeux politiques de l'époque.

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Il y a tout juste 70 ans, le 7 octobre 1948, Citroën présentait la 2CV au Salon de l'automobile de Paris. Pendant plus de quarante ans, la 2CV a été l'image de marque de la France : la France enthousiaste et rêveuse du Front populaire, la France renaissante de l'après-guerre, la France colorée et rockeuse des années 1960, la France soixante-huitarde et baba-cool des années 1970, la France mouvementée des années 1980. En tant que telle, la 2CV est aussi le produit et le reflet des enjeux politiques qui ont agité le pays pendant ces quatre décennies. Voici quatre clés de lecture permettant de comprendre en quoi la petite "deudeuche" est aussi une voiture politique.

1. La naissance de la 2CV, une histoire politique

D'abord un bref retour sur l'histoire de cette voiture mythique : rappelons que deuxcents 2CV devaient initialement être présentées au Salon de l'auto de 1939, objectif qui n'a bien sûr pas pu être atteint avec l'explosion de la Seconde guerre mondiale cette même année. Pierre-Jules Boulanger, PDG de Citroën depuis 1937, décide alors de détruire les automobiles déjà construites, pour éviter qu'elles ne profitent aux Allemands. Ces derniers lui réclament sous l'Occupation les plans de sa voiture, en échange de ceux concernant celle qui deviendra la "Volkswagen". Boulanger refuse, et poursuit les études sur son modèle en cachette de l'occupant. La 2CV voit donc finalement le jour en 1948, au grand étonnement du public. Mais un public français, et libre.

2. La 2CV, voiture populaire : un projet politique

Le projet de Pierre-Jules Boulanger était avant tout de créer une voiture populaire. Elle devait donc être à la fois une "TPV" ("toute petite voiture") à petit prix, comme le stipule le cahier des charges écrit par le PDG de Citroën, mais aussi être grande à l'intérieur, pour une utilisation familiale ou professionnelle - d'où les quatre places assises et l'espace pour cinquante kilos de bagages. La 2CV devait aussi être de faible entretien, mais résistante : Boulanger souhaitait que l'on puisse transporter un panier d'œufs à travers champ dans cette voiture sans en casser aucun. Et de fait, elle a été à l'époque préconisée par les médecins pour le transport des femmes enceintes, puisqu'on n'y sentait pas du tout les à-coups. Boulanger disait également : "Il faut qu'elle ait le confort d'une voiture américaine", et la 2CV a été l'une des premières voitures à posséder un chauffage pour l'hiver. Voiture pour tous, la 2CV peut être considérée comme un symbole de la démocratisation et de la réconciliation des classes entre elles... même si ce n'est pas aussi simple que cela.

3. La 2CV, incarnation d'un conflit de classes

En tant que voiture conçue pour le peuple, la 2CV incarne en fait aussi un conflit de classes. Signe comme nous l'avons vu de la démocratisation de l'usage de l'automobile, elle peut également, selon l'interprétation, être retenue comme la voiture née de l'esprit condescendant du patronat pour humilier à sa manière la classe ouvrière. Dans une émission des "Lieux de mémoire" consacrée en 1996 à la 2CV, intitulée "La 2CV, une modeste huitième merveille du monde", on entend ainsi le journaliste Jean-Françis Held évoquer le mépris premier avec lequel Citroën aurait conçu ce nouveau modèle - initialement borgne, avec un seul phare, et sans démarreur automatique :

Ils ont pas beaucoup d'argent, ils sont cons, ils savent pas ce qui est beau, donc on va leur faire un truc à leur mesure.

Cette émission de Ludovic Sellier, riche en témoignages, permet aussi d'entendre l'ancien Président Valéry Giscard d'Estaing plaisanter en se rappelant son entrée à l'Élysée en 2CV. Une anecdote qui en dit long sur l'image qu'avait alors la voiture, certainement pas assez digne pour transporter un Président :

Un jour, je rentre en hélicoptère pour aller à l'Élysée, et on se pose à Issy-les-Moulineaux. Mais il y a eu un loupé quelconque dans les transmissions, et il n'y avait personne pour me récupérer. Je regarde autour de moi et, heureusement, j'aperçois un gendarme qui gardait le terrain. Je lui demande s'il a une voiture, et il me dit que oui, mais que c'est sa voiture personnelle... une vieille 2CV ! On traverse alors Paris dans sa 2CV, je soulevais la fenêtre pour regarder et je rencontrais des regards égarés, les gens nous regardaient avec stupéfaction. Quand on est arrivés à l'Élysée, c'était encore plus curieux : le protocole républicain en a été stupéfait !

4. La 2CV, symbole d'une époque

La 2CV est aussi une voiture politique car elle reste avant tout le symbole d'une idéologie avant-gardiste, d'un mouvement moderne aspirant à créer un monde nouveau en se débarrassant des anciennes habitudes, du climat d'une France sûre d'elle-même. À cet égard, l'émission de Ludovic Sellier précédemment évoquée est révélatrice, qui présente de nombreuses archives sonores de l'époque où l'on peut par exemple entendre les conducteurs de 2CV être décrits comme des gens "cools, décontract', qui ne se posent pas trop de questions".

On y retrouve également des témoignages de la farandole de surnoms dont la 2CV a fait l'objet : une "chaise longue sous un parapluie", "le petit canard", la "deuche" ou la "deudeuche"... C'est que, vendue pendant plus de quarante ans, la 2CV a été la voiture représentative de toute une génération d'Européens et surtout de Français. Ses usagers ont noué une véritable relation affective avec l'auto, dont ils font parfois des descriptions lyriques, pleines d'émotion et de comparaisons quelque peu farfelues :

La 2CV est comme un étrange légume qu'on peut manger à toutes les sauces, et qui conserve son goût spécifique quoi qu'il en soit.

C'est la voiture des poètes, des rêveurs, des gens qui prennent le temps de vivre. Ce n'est pas une voiture vroum vroum, c'est une voiture tic tac - le tic tac du temps qui passe, et qu'on prend le temps de vivre.

Documents audiovisuels :

"La 2CV, une modeste huitième merveille du monde", dans "Lieux de mémoire", 18 janvier 1996. Par Ludovic Sellier. Réalisation par Marie-Christine Clauzet.

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La 2CV a 70 ans. Voiture pour tous, voiture de tous, la 2CV a été en vente de 1948 à 1990. Devenue une véritable image de marque de la France, l'automobile incarne aussi les enjeux politiques de l'époque. On vous explique pourquoi en quatre points.

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avions, découvertes et travaux faits par des inventeurs, des ingénieurs, des pilotes et des mécaniciens tous animés par la même passion : VOLER !

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L'histoire de l'aviation n'a pas la prétention de raconter toute l'histoire de l'aviation, car il faudrait plusieurs centaines de pages pour le faire. Mais le but est seulement de décrire dans l'ordre chronologique les avions, les découvertes et les travaux faits par des inventeurs, des ingénieurs, des pilotes et des mécaniciens tous animés par la même passion : VOLER !
Ce chapitre sur l'histoire de l'aviation a pour base l'énorme travail réalisé par Gérard Pujol que je remercie.
La conception d'un aéronef demande plusieurs années, voire pour certains plus de 10 ans. C'est pour cette raison que les dates indiquées sont les dates de la première mise en exploitation, soit au sein d'une unité militaire, soit au sein d'une compagnie aérienne.

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L'histoire de l'aviation n'a pas la prétention de raconter toute l'histoire de l'aviation, car il faudrait plusieurs centaines de pages pour le faire. Mais le but est seulement de décrire dans l'ordre chronologique les avions, les découvertes et les travaux faits par des inventeurs, des ingénieurs, des pilotes et des mécaniciens tous animés par la même passion : VOLER !

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avec la BNF, à l'occasion de l'année de la BD. Application gratuite appelée BDnf :

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propose une  programmation numérique : des jeux pour les familles, nombreuses fiches thématiques pour tout savoir sur les avions emblématiques de l'histoire, interviews et autres images d'archives en vidéos.

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Activités

S'installer aux commandes de simulateurs de vol pour comprendre la dynamique du vol, être assis confortablement dans le planétarium pour explorer l'espace, bénéficier de mini visites guidées en groupes restreints, monter à bord d'aéronefs et accéder à des parties habituellement interdites au public, tout ceci est possible au musée. Embarquement immédiat !

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Musée de l'Air et de l'Espace du Bourget - Site officiel

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A 10 min de Paris visitez deux Concorde, un Boeing 747, Rafale, Mirage, DC3, plus de 350 machines volantes. Ouvert toute l'année du mardi au dimanche.

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3 choses à savoir sur cet artiste qui a marqué son époque et le Pop Art, ses œuvres marquantes

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Il est l'un des artistes les plus productifs et populaires du 20e siècle, nous parlons bien évidemment d'Andy Warhol et de sa révolution artistique dans la culture américaine. vous replonge dans une existence palpitante et un bouillonnement créatif sans précédent... Retenez l'essentiel du roi du Pop Art dans la Minute Arty !
3 choses à savoir sur Andy Warhol

1# Un génie du Pop Art et de la sérigraphie

Ce n'est un secret pour personne, Andy Warhol a véritablement marqué son époque. Figure centrale du Pop Art, il a mis en exergue des icônes de l'époque contemporaine dans des œuvres aux couleurs ultra saturées. Son approche était claire : célébrer une vie basculée dans l'hyper-consumérisme et la culture populaire américaine. L'artiste se plaisait à aller chercher ses codes picturaux dans la publicité pour produire ses œuvres.

Farah Pahlavi et Andy Warhol [Public domain]

De son vrai nom, Andrew Warhola, il a révolutionné le genre et inspiré un grand nombre d'artistes, de photographes, de musiciens et créateurs de mode. Il est aussi et surtout connu pour sa technique bien rodée de la sérigraphie. Chez Warhol, le concept d'œuvre unique est purement et simplement aboli. Produire en masse, à grande échelle et à répétition, c'était son objectif.

2# C'était aussi un producteur de films

Vous pensiez qu'Andy Warhol ne produisait que des sérigraphies ? Détrompez-vous, il a fait bien plus que ça ! Sa carrière artistique a été enrichie de bien des façons, à commencer par sa passion pour le cinéma ! En plus d'être un plasticien hors-pair, c'était aussi un cinéaste détonnant. Son Œuvre cinématographie ne compte pas moins de 70 films.

S'ils sont muets et en noir et blanc pour beaucoup, ils sont surtout très longs ! La plus célèbre de ses réalisations est incontestablement Sleep qui dure - et il faudra s'accrocher - plus de cinq heures ! Un long moment à observer le poète John Giorno plongé dans son sommeil. Il fallait oser ! Lors de la première projection du film en 1964, ils n'étaient que neuf à se rendre en salle...

3# Et le fondateur de The Factory

Particulièrement prolifique, Andy Warhol a eu une idée de génie : rassembler une scène artistique et variée dans un seul et même endroit, un studio baptisé The Factory. Un lieu de production et de diffusion artistique à New York réunissant des artistes dans une ambiance collaborative et pour le moins éclectique.

L'intérêt pour le maître du Pop Art était de contrecarrer l'idée que les artistes sont des créateurs solitaires et renfermés dans leur propre atelier. Peintres, musiciens, architectes ou encore designers sont alors réunis pour vivre leur art dans un endroit qui devient rapidement THE place to be.

Artiste plasticien, cinéaste, mais pas que... Andy Warhol était aussi producteur de musique ! Son studio accueillait entre autres le groupe The Velvet Undeground dont il était le manager. La pochette de leur album reprend d'ailleurs l'une des œuvres de Warhol.

L'artiste avait donc plus d'une corde à son arc et avait notamment réalisé des pochettes pour les Rolling Stones et John Lennon, rien que ça ! Et si vous pensiez que c'était tout, sachez que Warhol tenait également une discothèque et était aussi à l'origine du magazine Interview et de deux émissions de télé !

Un jour il a dit

Si vous voulez tout savoir sur Andy Warhol, regardez simplement la surface de mes peintures, de mes films et de moi-même. Je suis là. Il n'y a rien derrière.
Andy Warhol

Le saviez-vous ?

La vie d'Andy Warhol bascule dramatiquement le 3 juin 1968. Alors présent dans son studio The Factory, une femme armée tente de l'assassiner en lui tirant dessus à trois reprises. Gravement touché et mort cliniquement pendant quelques instants, l'artiste se remet douloureusement de cette attaque et porte un corset jusqu'à la fin de ses jours en 1987.

Ses plus grandes œuvres

Andy Warhol, Diptyque Marilyn, 1962

Warhol, Liz Taylor, 1964

Andy Warhol, Mao Zedong, 1973

Envie de connaître tous les secrets de la célèbre Campbell's Soup ?
Découvrez notre Œuvre à la loupe !

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La Minute Arty * Andy Warhol - Le blog d'art contemporain de KAZoART

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Il est l'un des artistes les plus productifs et populaires du 20e siècle, nous parlons bien évidemment d'Andy Warhol et de sa révolution artistique dans la culture américaine. vous replonge dans une existence palpitante et un bouillonnement créatif sans précédent... Retenez l'essentiel du roi du Pop Art dans la Minute Arty !

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cinéma, musique, sports..., des contre la montre

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Testez vos connaissances et développez votre culture sur la langue française et plus encore !

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Connaître l'essentiel sur ce mouvement : origines, influences, œuvres, principaux artistes

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Le Pop art est né en Grande-Bretagne durant les années 50 et se réfère à l'intérêt d'un certain nombre d'artistes pour les images des médias de masse, de la publicité, des bandes dessinées et des produits de consommation.

Les années 50 furent une période d'optimisme. et après de la guerre, on vit un grand boom dans la consommation de ces produits.

Qu'est-ce que le Pop art ?

Le Pop art est l'un des mouvements artistiques principaux du 20e siècle. Le concept du Pop art est représenté par les artistes dans l'attitude donnée à l'oeuvre plutôt que par l'oeuvre d'art elle-même.

Concept pop art

Le Pop art a contesté les traditions en affirmant que l'utilisation d'éléments visuels de la culture populaire produits en série est contiguë avec la perspective des beaux-arts depuis que le Pop art enlève le matériel de son contexte et isole l'objet, ou le combine avec d'autres objets, pour la contemplation. Le concept du Pop art se présente plus dans l'attitude donnée à l'oeuvre que par l'oeuvre elle-même.

Le Pop art est caractérisé par des thèmes et des techniques tirés de la culture de masse populaire, tels que la publicité, les bandes dessinées et les objets culturels mondains. Le Pop art est largement interprété comme une réaction aux idées dominantes de l'expressionnisme abstrait.

Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l'art.

Techniques pop art

Soulignant ainsi ironiquement les éléments banaux ou " kitsch " de n'importe quelle culture donnée. Le mouvement a été défini aussi par l'utilisation de moyens mécaniques et de techniques de reproduction par les artistes.

La plupart des oeuvres du Pop art sont considérées incongrues, car les pratiques de conception qui sont employées rendent difficile pour certains leur compréhension. Le Pop art et le minimalisme sont considérés comme les derniers mouvements artistiques modernes et, ainsi, les précurseurs de l'art post-moderne, voire même des exemples, tôt, de l'art post-moderne.

Origines du pop art

Le Pop art tire ses origines principalement de Grande-Bretagne, mais est grandement influencé par la culture américaine de ce temps. Plusieurs artistes influents du Pop art proviennent d'Amérique.

Les origines du Pop art en Amérique et en Grande-Bretagne se sont développées légèrement différemment. En Amérique, le Pop art a marqué un retour à la composition plus " hard-edged " et à l'art représentatif par les artistes employant la réalité mondaine, l'ironie et l'impersonnel pour répandre le symbolisme personnel et le relâchement de l'expressionnisme abstrait.

En revanche, l'origine du mouvement en Grande-Bretagne d'après-guerre était plus académique, avec un focus sur la figuration dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine. Ils utilisaient l'ironie et la parodie pour illustrer ce dispositif symbolisant la puissance et la manipulation qui affectaient le style de vie d'une société, tout en améliorant la prospérité de celle-ci.

Le début du Pop art en Grande-Bretagne était une question d'idées, alimentées par la culture populaire américaine vue de loin, alors que les artistes de l'Amérique étaient inspirés par les expériences de la vie, directement dans cette culture.

Influences des mouvements artistiques précédents

Cependant, le Pop art était également la suite de certains aspects de l'expressionnisme abstrait, tel qu'une croyance dans les possibilités de l'art, particulièrement pour le dessin à grande échelle. Par le fait même, le Pop art était une prolongation et un reniement du dadaïsme. Tandis que le Pop art et le dadaïsme exploraient certains sujets pareils, le Pop art a remplacé les impulsions destructives, satiriques et anarchiques du mouvement Dada par l'affirmation détaché des objets façonnés de la culture de masse.

Une partie des artistes les plus influents incluait Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, et Man Ray, notamment.

Influences du pop art

Le Pop art fut influencé par les images vues dans les oeuvres d'art de l'artiste Eduardo Paolozzi, durant une exposition, en 1953, à l'Institut des Arts Contemporains. Il fut aussi influencé par des artistes américains tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg et des artistes britanniques tels que Richard Hamilton et le Groupe indépendant qui visait un style d'art moins académique.

Hamilton a aidé à organiser l'exposition " Man, Machine and Motion ", de 1955, et " This is Tomorrow " avec son oeuvre historique " Just What is it that makes today's home so different, so appealing? "

Influencé par la société de consommation

Le mouvement artistique s'est établi par vagues, mais l'ensemble de ses adhérents dont Joe Trilson, Richard Smith, Peter Phillips, David Hockney et RB Kitaj ont partagé un intérêt commun pour l'expérience de consommation des temps modernes.

Le pop art et la musique

Le Pop Art a donc coïncidé avec le phénomène de la musique pop des années 50 et 60 en plus de prendre place dans l'image de la mode à Londres. L'artiste Pop art Peter Blake a par exemple conçu des couvertures d'album pour Elvis Presley et les Beatles. Il a aussi utilisé des images de stars du cinéma telles que Brigitte Bardot, de la même manière que Andy Warhol a immortalisé Marilyn Monroe.

Pop art en Amérique

Bien que le pop art fut originaire de la Grande-Bretagne, ce mouvement artistique a explosé en Amérique dans les années 50.

Bien qu'originaire de la Grande-Bretagne, le pop art a véritablement explosé aux États-Unis. Ce mouvement, en rupture avec l'abstraction, dénonce la société de consommation. Retour sur un courant iconoclaste.

Tandis que les Britanniques voyaient la culture populaire américaine d'une perspective légèrement détachée, leur point de vue était souvent traduit avec des traits romantiques, sentimentaux et pleins d'humour. En revanche, les artistes américains étant bombardés quotidiennement par une multitude d'objets de production de masse, ils travaillaient généralement avec plus d'agressivité.

Reproduire la culture populaire américaine

Deux des peintres les plus importants du Pop art américain étaient Jasper Johns et, en particulier, Robert Rauschenberg. Tandis que les peintures de Rauschenberg ont des rapports évidents avec les premiers travaux de Kurt Schwitters et d'autres artistes dadaïstes, son souci était avec la société actuelle. Son approche pour unifier des matériaux éphémères et des événements typiques de la vie en Amérique a donné à son travail une qualité unique.

La naissance du pop art américain

Commençant vers la fin des années 50, le Pop art en Amérique a donné sa plus grande impulsion pendant les années 60, principalement à New York. Les Américains vivaient à cette époque dans une opulence d' objets de consommation produits en masse. À cette heure, la publicité américaine avait adopté beaucoup d'éléments de l'art moderne et fonctionnait à un niveau très sophistiqué. En conséquence, les artistes américains ont dû chercher plus profondément pour trouver des sujets dramatiques qui distanceraient l'art des objets commerciaux bien réalisés et pensés.

Les artistes de l'époque se sont alors approprié les images de la publicité, du cinéma, de la bande dessinée et de la télévision sans avoir sous un premier abord avoir subit de transformation pour les présenter en tant qu'œuvre d'art. Les réactions ne se sont pas faites attendre. Les critiques étaient tout d'abord scandalisés de cette sublimation du quotidien que les artistes avaient réalisée, mais le public a très vite été conquis.

À noter également que, tandis que le mouvement artistique britannique Pop art précurrence le mouvement américain, il y a un certain artiste américain qui a utilisé l'icône populaire dans ses techniques. Pendant les années 20, les artistes américains Gerald Murphy, Charles Demuth et Stuart Davis ont créé des peintures, avant le Pop art, qui contenaient des images de la culture " pop " tels que les objets mondains cueillis des produits commerciaux.

Les artistes représentatifs

Parmi les artistes les plus connus du pop art américain on retrouve bien entendu le représentant majeur : Andy Warhol.

Il utilise, à l'aide de sérigraphies, les objets de la production de masse et les représente sous forme de séries. Il produit également plusieurs portraits des célébrités de l'époque comme Elvis Presley, Marilyn Monroe ou Jackie Kennedy et les représente comme des icônes, mais aussi comme des objets de consommation. Il est alors persuadé que tout le monde peut avoir un moment de célébrité.

Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui illustre le pop art. Il exécute des peintures des produits de consommation en utilisant les codes de la publicité, avec une touche d'humour.

On citera également d'autres artistes comme Wesselmann, qui réalise des collages d'objets sur des toiles qui donnent ainsi un aspect trompe l'œil, ou encore Jasper Johns, Jim Dine, David Hockney, ou Robert Rauschenberg.

Pop art en Angleterre

Né en Angleterre dans la Grande-Bretagne, le pop art a révolutionné le monde de l'art. Plusieurs artistes et groupes d'artistes étaient purement britanniques.

Le pop art est un courant artistique à part entière qui a révolutionné le monde l'art. Issu de la contraction de "Popular Art" faite par John McHale en 1954, le pop art, même s'il a littéralement explosé aux États-Unis, est pourtant né en Grande-Bretagne.

Un mouvement purement britannique

Le pop art est à l'origine d'un groupe d'artistes appelé " Independant Group ", en 1952. Le groupe nommé " The Independent Group " (IG), fondé à Londres en 1952, est considéré comme le précurseur au mouvement Pop art. Ils étaient un regroupement de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, auteurs et critiques qui contestaient les approches modernistes actuelles de la culture aussi bien que les points de vue traditionnels des beaux-arts.

Le groupe est composé des artistes peintres anglais Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, du couple d'architectes Alison et Peter Smithson et du critique d'art Lawrence Halloway.

Le groupe se réunit et discute de leur vision de l'art, qui est dominée par l'abstraction, de leur regard sur la technologie et la société de consommation et du monde de la publicité. Les domaines auxquels ils s'intéressent sont le design, le cinéma, la publicité, la bande dessinée et la science fiction. Ils brisent les codes de l'art de l'époque.

Première exposition

Lors de la première réunion de groupe indépendant en 1952, l'artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a présenté une conférence utilisant une série de collages intitulés " Bunk " (couchette !), qu'il avait assemblé durant son passage à Paris entre 1947-1949.

Ce matériel était composé d'objets tels que des publicités, des personnages de bande dessinée, des couvertures de magazines et divers éléments graphiques de produits de série qui, la plupart du temps, représentaient la culture populaire américaine. Une des images dans cette présentation était le collage de Paolozzi " I was a Rich Man's Plaything " (j'étais un jouet d'homme riche), qui inclut la première utilisation du mot " Pop ", celle-ci apparaissant dans un nuage de fumée émergeant d'un revolver.

Après la présentation séminale de Paolozzi en 1952, le groupe s'est concentré principalement sur le langage figuré de la culture populaire américaine, plus particulièrement sur la publicité de masse.

Autres expositions

C'est lors de l'exposition This is Tomorrow, à la Whitechapel Gallery de Londres, où Richard Hamilton présente son collage intitulé Just what is it that makes today's homes so different, so appealing ?, en référence à une publicité et représentant un homme bodybuildé au milieu d'un salon moderne, que le pop art prend son essor.

Ce collage est considéré comme le manifeste du pop art. Le pop art est un mouvement proche de la société qui démocratise l'art auparavant réservé aux élites et qui allie l'humour et la dérision de la consommation de masse tout en dénonçant cette explosion de consommation à outrance de la société d'après-guerre.

Première apparition du terme pop art

L'invention du terme complet " Pop art " a été faite par John McHale pour la présentation suivante, en 1954. Le terme spécifique Pop art est apparu pour la première fois dans un article écrit par les membres Alison et Peter Smithson dans Arc, en 1956.

Cependant, le terme est souvent crédité au critique d'art/conservateur britannique Lawrence Alloway, dans un essai de 1958 intitulé Les arts et les médias. Bien que le terme qu'il emploie soit " culture de masse ", Alloway était l'un des principaux critiques à défendre la culture de masse et le Pop art comme forme d'art légitime.

Des sujets du quotidien

La particularité de ce courant est de présenter en tant qu'œuvres d'art des objets et des illustrations ordinaires de la vie quotidienne, appréciés par les masses, afin de les regarder sous un autre angle.

Les principales techniques du pop art sont la sérigraphie et le collage.

Les artistes représentatifs

Les principaux acteurs du pop art britannique sont Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi. Ils ont une vue particulièrement affutée de la société de consommation. Leurs productions se veulent éphémères, bon marché, fascinantes et astucieuses tout en étant proches de la culture populaire, permettant ainsi aux amateurs d'en identifier facilement les codes et d'en apprécier l'esthétisme.

Paolozzi est le premier à effectuer des photomontages, mais ce sera Richard Hamilton qui inclura pour la première fois le mot " pop " dans son œuvre. Il continuera son travail en y incluant des images de pin-ups et des images de voitures comme sujet d'étude, introduisant le fétichisme, élément majeur du pop art.

D'autres artistes viendront ensuite alimenter le courant britannique comme David Hockney ou Peter Blake.

Nouveau réalisme : pop art en France

Au-delà d'un simple mouvement en France, les caractéristiques du nouveau réalisme se trouvent toutes dans la définition du pop art.

Si le pop art naît d'abord en Angleterre dans les années cinquante par le travail de Richard Hamilton et d'Eduardo Paolozzi pour ensuite exploser aux États-Unis, la France n'est pas restée en arrière non plus.

Nouveau réalisme et pop art

Le nouveau réalisme est apparenté au pop art et, comme lui, s'inspire de la réalité quotidienne et du monde de la publicité en réalisant des assemblages et des collages pour prendre l'abstraction à contre-pied.

Si les deux mouvements peuvent être associés, le nouveau réalisme n'est cependant pas une adaptation française du mouvement anglophone. Les deux courants apparaissent à la même époque, dans les années soixante.

La genèse

Le nouveau réalisme est un groupe d'artistes rassemblés sous l'idée d' Yves Klein, artiste peintre, et de Pierre Restany, critique d'art.

L'appellation " Nouveau réalisme " naît sous la plume de Restany pour qualifier une exposition à Milan regroupant des artistes comme Arman, Tinguely ou Yves Klein. Pierre Restany publiera le manifeste du nouveau réalisme le 16 octobre de la même année de l'exposition. Ce manifeste est signé par les artistes présents lors de l'exposition de Milan.

L'année suivante est publié un second manifeste intitulé " 40° au-dessus de Dada " et d'autres artistes rejoindront le mouvement comme Christo ou César, par exemple. Néanmoins, Klein se retirera du groupe en refusant l'influence dadaïste revendiquée par Restany.

Le groupe sera véritablement actif de 1960 à 1963, mais ne sera dissoudra qu'en 1970.

Un mouvement qui recycle le réel

Le groupe utilise des objets de consommation de la vie quotidienne et les utilise comme matériel pour en faire des symboles, pour les voir sous un autre jour. Les matériaux utilisés sont des composants beaucoup moins raffinés que lors des courants antérieurs. Ils utilisent du béton, de la tôle, du ciment et d'autres matériaux industriels.

Le groupe veut appréhender le réel de manière nouvelle.

Le travail du groupe sera souvent réalisé de manière collective, mais avec des techniques différentes. Accumulation, compression, lacérations d'affiches, assemblage d'objets courants ou encore sculptures autodestructives ; les techniques d'approche du nouveau réalisme sont variées.

Quelques artistes du nouveau réalisme

Parmi les nombreux artistes qui font partie du nouveau réalisme, on trouve notamment Arman qui accumule des objets ou encore ses Colères qui sont des manifestations de destructions de matériel souvent réalisées en public dont il assemblera les restes dans un tableau.

Parmi les plus connus, et bien qu'il se détache du groupe très tôt, Yves Klein est un des fondateurs du nouveau réalisme. Son œuvre la plus connue est le Monochrome bleu qu'il transforme en objet de culte et dépose même un brevet de sa couleur bleue sous le nom d'IKB.

Jean Tinguely, lui, crée des sculptures en assemblant des objets du quotidien comme des jouets et des objets en plastique possédant une pédale de commande qui, lorsqu'elle est déclenchée, agite en tout sens la sculpture. Un véritable pied-de-nez aux sculptures classiques.

L'impact du pop art

Ailleurs dans le monde, le Pop art aura également une influence considérable sur plusieurs mouvements artistiques.

En France, le Pop art inspire le mouvement, beaucoup plus politisé, du Nouveau Réalisme, qui rassemble des artistes tels que Yves Klein, Arman, Gérard Deschamps, Raymond Hains.

Au Japon, le Superflat, d'inspiration surréaliste, postmoderne et Pop art, a toujours actuellement un grand impact sur la culture, en particulier sur la jeunesse. Les artistes du groupe Kaikai Kiki, inventeurs du Superflat, sont reconnus principalement pour leur production massive.

Chronologie du Pop Art

Découvrez les événements importants du Pop art à l'aide de notre frise chronologique.

Eduardo Paolozzi inclut le mot Pop dans une œuvre.

L'artiste écossais, illustrateur et co-fondateur du Groupe Indépendant Eduardo Paolozzi est le premier à développer un nouveau style artistique dans I Was a Rich Man's Plaything (" J'étais le jouet d'un homme riche "), tableau composé d'images découpées d'une pin-up, du logo Coca-Cola, d'une tarte aux cerises et du mot Pop. Ce travail est souvent désigné comme le précurseur du mouvement Pop Art.

Paolozzi présente Bunk ! à Peter Blake et Richard Hamilton

Paolozzi présente une conférence au GI à l'Institut d'Art Contemporaine (IAC) de Londres, avec une série de collages intitulés Bunk ! Cette œuvre est composée d'objets trouvés comme les publicités, des personnages de comics, des couvertures de magazines et autres images diverses produites en nombre qui témoignent de la culture populaire américaine. Le groupe est constitué de Peter Blake, Richard Hamilton, William Turnbull et le critique d'art Lawrence Alloway.

Les critiques et les artistes commencent à utiliser le mot Pop

John McHale, également cofondateur du GI et du IAC, aurait inventé la phrase Pop Art, bien que plusieurs pensent qu'il s'agirait en fait d'une invention du critique d'art Lawrence Alloway. Les artistes du GI et les critiques utilisent le mot Pop au milieu des années 50 pour décrire le mélange de la culture populaire de masse avec les beaux-arts dans l'idée de produire une nouvelle esthétique en réponse à la commercialisation de la culture occidentale.

Peter Blake crée On The Balcony (" au balcon ")

Le tableau, qui à première vue ressemble à un collage, représente des personnages tenant des chefs d'œuvres connus. On The Balcony devient une œuvre emblématique du canon Pop Art, à présent exposée au Tate Britain.

Le collage Pop emblématique de Richard Hamilton est exposé.

Le collage d'Hamilton What is that Makes Today's Home So Different and So Appealing ? (" Qu'est-ce qui fait qu'aujourd'hui la maison semble tellement différente et attirante ? ") est présenté à la galerie d'art Whitechapel à Londres. L'esthétique Pop Art est née.

La galerie Whitechapel à Londres tient l'exposition : This is tomorrow

Une exposition qui s'inspire de la culture populaire (ex : Marilyn Monroe et publicité de film)

Hamilton définit le Pop.

" Populaire (conçue pour le grand public) ; éphémère (solution à court terme) ; consommable (aisément oublié) ; bon marché ; produit en masse ; jeune (à destination de la jeunesse) ; insolent ; sexy ; fantaisiste ; séduisant ; et qui rapporte gros. "

Ouverture de la galerie de Leo Castelli à New York

La galerie de Castelli fait la promotion d'oeuvres Pop Art

Lawrence Alloway consacre le Pop Art

" Le terme, d'origine anglaise selon moi, est une description des communications de masse, particulièrement, mais pas uniquement, celles qui sont visuelles. " Le critique d'art Lawrence Alloway publie l'essai Arts et Médias de Masse, qui utilise la phrase " art populaire de masse ".

La Galerie de Leo Castelli à New York tient une exposition Pop Art

Une exposition des oeuvres de Robert Rauschenberg et Jasper Johns

Le Pop Art arrive aux États-Unis.

Les artistes américains néo-dada et amants Jasper Johns et Robert Rauschenberg lancent le Pop Art américain, en utilisant l'imagerie de masse, l'iconographie, les objets trouvés et en employant des techniques telles que la gravure, la sérigraphie et le collage.

Premières peintures par l'artiste Andy Warhol

Des oeuvres qui s'inspirent de bandes dessinées, telles : Dick Tracy et Superman

Roy Lichtenstein crée ses premières œuvres Pop Art.

" Le Pop Art est l'utilisation de l'art commercial en tant que sujet en peinture. Il était difficile de trouver un tableau suffisamment ignoble pour que personne ne veuille le suspendre au mur - tout le monde suspendait n'importe quoi. La seule chose que tout le monde détestait, c'était l'art publicitaire ; et apparemment, il n'était pas suffisamment détesté non plus. ". Roy Lichtenstein.

La galerie Daniel Cordier de Paris tient une exposition de l'artiste Rauschenberg.

La BBC diffuse Pop Goes the Easel.

L'émission d'art vedette de la BBC, Monitor, diffuse Pop Goes the Easel, un documentaire magnifique sur les jeunes artistes Pop britanniques du moment, dont Sir Peter Blake et Pauline Boty.

La galerie Leo Castelli tient une exposition de Roy Lichtenstein

Les oeuvres exposées sont produites à partir de bandes dessinées

Andy Warhol fait sa première exposition solo.

La première exposition dédiée entièrement à Andy Warhol présente les maintenant très connus 32 tableaux des boîtes de soupe Campbell's, une pour chaque saveur. Le style visuel du Pop Art est maintenant établi ; des couleurs vives, souvent primaires, une imagerie emblématique tirée des médias quotidiens et de la publicité, l'utilisation de collages, de sérigraphie, de toiles de grande taille et l'utilisation de l'ironie, de la parodie et de l'insolence. Le dictionnaire Collins décrit le Pop Art comme " un mouvement dans l'art moderne qui imite les méthodes, les styles, et les thèmes de la culture populaire et des médias de masse, comme les bandes dessinées, la publicité et la science-fiction. "

Warhol présente le Diptyque Marilyn.

La première exposition solo d'Andy Warhol à New York présente le Diptyque Marilyn, quelques mois à peine après la mort de l'actrice. L'œuvre sera au centre de l'exposition Andy Warhol au Tate Liverpool.

Un symposium sur le Pop Art se tient au Musée d'Art moderne de New York.

Le symposium introduit le terme Pop Art à la communauté de l'art. Warhol et Duchamp font partie de l'audience.

Le Guggenheim présente l'exceptionnel Pop Art Show.

Organisé par Lawrence Alloway du GI, Six Painters and the Object (" Six peintres et l'objet ") marque l'apogée du Pop Art avec des œuvres par Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et même Andy Warhol.

Whaam ! de Lichtenstein est exposé.

Whaam ! est exposé à la galerie de Leo Castelli dans la ville de New York. L'œuvre incarne le style de Lichtenstein, des motifs de comics, des couleurs vives et primaires, un format large, une forme stylisée et pleine d'humour. La Tate Gallery achète le tableau en 1966 pour 3940 livres sterling et il est à présent exposé de façon permanente au Tate Modern de Londres.

Andy Warhol, inaugure le studio de création Factory à New York.

Warhol crée Silver Car Crash (Double Disaster) (" Accident de voiture argentée (double désastre) ")

Cette œuvre va devenir l'œuvre la plus chère de Warhol, vendue pour.... 105 millions de dollars.

Le magazine Life met en doute le Pop Art.

Le magazine publie un article sur Lichtenstein avec pour titre " Est-il le pire artiste aux États-Unis ? " qui provoque le doute et la remise en question des artistes du Pop Art en les faisant paraître comme des imitateurs et des profiteurs.

Rauschenberg reçoit un grand prix à la Biennale de Venise, ce qui laisse prétendre une certaine prédominance de l'art américain sur l'art européen.

Warhol amplifie son rythme de création dans the Factory.

Avec l'aide de très nombreux assistants à son studio new-yorkais, The Factory, Warhol maximise sa productivité.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette de disque du groupe Velvet Underground.

Lichtenstein abandonne le Pop Art.

Laissant derrière lui son style Pop Art emblématique, Lichtenstein travaille sur ses séries Peintures Modernes et Sculptures Modernes.

Peter Blake conçoit la jaquette de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Les Beatles lancent leur 8ème album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band avec un travail graphique par Peter Blake et son épouse Jann Haworth. Cette œuvre deviendra une pièce représentative du Pop Art britannique.

La féministe radicale Valerie Solanas tire sur Andy Warhol, ce qui changera le reste de sa vie.

The Factory renforcera étroitement sa surveillance et Warhol ne s'en remettra jamais complètement, devant porter un corset chirurgical pour le restant de ses jours. La fin du Pop Art est proche.

Musée d'art Moderne de New York tient une rétrospective de l'œuvre d'Oldenburg.

Warhol réalise une oeuvre pour illustrer la pochette du disque Sticky Fingers pour les Rolling Stones.

Terminologie Pop Art

Voici quelques termes et concepts que vous pourriez rencontrer en faisant des recherches sur le Pop Art.

Pop Art

Mouvement artistique réputé pour sa tendance à délaisser les notions habituelles des beaux-arts pour se concentrer sur ou parodier les médias de masse et la culture populaire. Le Pop Art peut se retrouver dans tous les arts visuels, dont la peinture, la sculpture, le dessin, le cinéma ou les installations d'art.

Artiste Pop art

Un artiste dont le travail est inspiré, ou parodie ou vient en commentaire sur la culture populaire, et dont les œuvres tendent à reproduire le style et les techniques du mouvement Pop Art. Parmi quelques exemples, on peut citer Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Richard Hamilton.

Soupe en boîte Campbell's

Plusieurs œuvres par Andy Warhol sont composées d'une nature morte, une simple boîte de soupe Campbell's. La plus célèbre de ces œuvres est Campbell's Soup I, qui représente une boîte de soupe à la tomate plus précisément.

Œuvres d'art Pop Art

Art sous n'importe quelle forme, sculpture, peinture, installation, etc., qui tombe dans le domaine du mouvement Pop Art. D'habitude, ce genre d'œuvres se concentre sur les expériences banales et l'imagerie populaire du quotidien, plutôt que sur le style classique beaux-arts.

Les œuvres mélangent ou parodient souvent la culture populaire ou les objets du quotidien que nous pouvons croiser dans la vie de tous les jours. Par exemple, les Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol représentaient des objets communs que la plupart des gens connaissaient.

Culture populaire

Les idées, habitudes, valeurs et expériences communes d'un groupe de personnes donné, généralement la culture de la plus vaste majorité. Cela contraste avec des sous-cultures qui correspondent à des portions plus petites d'une culture populaire plus large et qui peuvent être très différentes dans les valeurs et les opinions.

Le terme " culture populaire " se réfère tout particulièrement à l'imagerie commune et au symbolisme que tout le monde comprend, comme ceux des films, livres, séries télé, publicités et journaux quotidiens. Cela s'oppose à une conception plus élitiste de la culture, telle que comprise par une minorité intellectuelle.

Collages

Type de technique artistique dans les arts visuels, qui implique de placer ensemble plusieurs pièces dépareillées pour former un ensemble plus grand. Le collage sera souvent composé de pièces de travaux antérieurs - par exemple de photos de magazines ou d'images et formes créées par d'autres artistes - pour créer une nouvelle œuvre composée de tous ces éléments préexistants.

Sérigraphie

Aussi connue sous le nom d'impression à écrans, il s'agit d'une technique artistique qui implique de faire passer de l'encre à travers un tamis très fin (un écran) vers le support final, comme un vêtement. Cela fonctionne comme une sorte de pochoir, dans le sens où une partie du maillage sera bloqué et l'encre peut couler uniquement à travers les zones ouvertes, créant ainsi une image particulière sur le support.

Cette technique fut popularisée par Andy Warhol pour son utilisation artistique. C'est devenu ensuite une technique plus courante, utilisée pour l'impression de tee-shirts et encore en usage de nos jours.

Questions sur le Pop Art

Voici une Foire Aux Questions (FAQ) sur le mouvement Pop Art.

Qu'est-ce que le mouvement Pop Art ?

Le Pop Art est un mouvement culturel né dans le milieu du 20e siècle en Angleterre, d'où il s'est répandu outre-mer en quelques années vers les États-Unis. Le Pop Art se concentre sur la culture populaire plutôt que les beaux-arts plus élitistes et honore les expériences paraissant banales du quotidien, en s'appropriant des commentaires sur les médias de masse, les comics et autres supports communs.

Quelle fut l'œuvre d'art si controversée qu'elle fut enlevée de son emplacement initial ?

Tilted Arc, par Richard Serra, fut d'abord commandé pour être placé en face d'un bâtiment officiel, mais fut finalement enlevé après une controverse due à des raisons pratiques - la sculpture gênait la vue et le passage - aussi bien qu'esthétiques - elle était vue comme une horreur, car pour l'essentiel composée d'une pièce de métal courbée coupant le passage en deux. Elle fut retirée en 1989.

Quand s'est terminé le mouvement Pop Art ?

Bien qu'habituellement associé avec les artistes les plus célèbres des années 50 et 60, le mouvement Pop Art est toujours en vogue et les artistes pop sont encore présents au 21ème siècle.

Qui est le plus célèbre artiste Pop ?

Andy Warhol est probablement l'artiste pop le plus connu et son travail, comme sa fameuse représentation des boîtes de soupe Campbell's, est immédiatement reconnaissable par la plupart des Américains de nos jours.

Qui a créé le Pop Art ?

Comme la plupart des mouvements artistiques, le mouvement Pop Art a commencé avec quelques vagues fondateurs. Le Groupe Indépendant, un collectif d'artistes en Angleterre au début des années 1950 est souvent crédité comme l'influence fondatrice du Pop Art moderne.

Qui sont les artistes connus du Pop Art ?

Quelques-uns des artistes pop les plus connus sont Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton et James Rosenquist, bien qu'il y en ait bien plus puisque le mouvement est large et dure depuis plusieurs dizaines d'années.

Qui est Andy Warhol ?

Andy Warhol est l'un des artistes pop les plus connus et influents. Né aux États unis d'immigrants d'Europe de l'Est, il créa plusieurs œuvres de Pop Art célèbres qui sont encore reconnues de nos jours. Il fut prolifique et donna naissance à de nombreuses peintures, sculptures, films et installations. Il est mort en 1987.

Qui est Roy Lichtenstein ?

Roy Lichtenstein est un artiste pop américain dont le style fut grandement influencé par les comics populaires à son époque. Il est considéré comme l'un des artistes pop originels majeurs des années 50. Il est mort en 1997.

Qui est Richard Hamilton ?

Richard Hamilton est un artiste pop anglais, connu pour être un fondateur majeur du mouvement. Quelques-unes de ses œuvres sont considérées comme les premiers exemples du Pop Art. Il est mort en 2011.

Quelle est la plus célèbre peinture d'Andy Warhol ?

Le plus célèbre tableau d'Andy Warhol est probablement son interprétation d'une banale boîte de soupe à la tomate, appelée Campbell's Soup I.

Qu'est-ce que le Groupe Indépendant ?

Le Groupe Indépendant était une organisation de plusieurs peintres, sculpteurs et autres artistes en Angleterre, qui furent les fondateurs des premiers développements du mouvement Pop Art.

Citations Pop art

Voici quelques unes des citations tirées des plus grands artistes du mouvement artistique du Pop art dont Roy Lichtenstein, Andy Warhol et son ami Jean Michel Basquiat.

Citations de Andy Warhol

Citations de Jean Michel Basquiat

Citations de Roy Lichtenstein

Oeuvres pop art

Galerie d'art dédiée spécialement au pop art et à l'originalité des oeuvres d'art produites par ses artistes. Entrez dans l'univers pop art grâce à ce tour guidé en photos.

Artistes célèbres du pop art

Roy Lichtenstein

Le peintre américain Roy Lichtenstein a produit plusieurs oeuvres Pop art, ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée.

Roy Fox Lichtenstein (27 octobre 1923 au 29 septembre 1997) était un artiste américain du Pop art ayant été fortement influencé par la publicité populaire et le modèle de la bande dessinée. Il a décrit lui-même le Pop art comme " n'étant pas une peinture américaine, mais une peinture industrielle ".
Voir la biographie de oy Lichtenstein
Richard Hamilton

L'artiste Richard Hamilton, originaire de Londres, a produit plusieurs oeuvres d'art appartenant au mouvement artistique Pop art. Certaines sont même considérées comme les premières oeuvres du Pop art.

Richard Hamilton (né en février 1922) est un artiste anglais du mouvement artistique Pop art.
Voir la biographie de Richard Hamilton
Andy Warhol

Andy Warhol est une figure centrale du Pop art. L'artiste a produit des oeuvres qui ont marqué l'histoire de l'art (Marilyn Monroe, Campbell's Soup, etc.) et sa biographie ne laisse personne indifférent.

Andrew Warhola (6 août 1928 au 22 février 1987), connu sous le nom d'Andy Warhol, était un artiste américain et une figure centrale dans le mouvement artistique du Pop art. Après une carrière réussie en tant qu'illustrateur commercial, Warhol est devenu célèbre dans le monde entier pour son travail en tant que peintre, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique et auteur.
Voir la biographie d'Andy Warhol
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Pop art | Tout sur le mouvement artistique international

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De l'écriture à la bombe atomique, les grandes inventions et découvertes jalonnent l'histoire, changent la vie quotidienne des hommes, bousculent les croyances, font avancer les connaissances, même si elles ne sont pas toujours gage de progrès.

La découverte révèle ce qui existe déjà, identifiant une chose ou un phénomène établi. Elle peut être fortuite ou résulter d'une intuition. C'est ainsi qu'ont été réalisées les plus grandes découvertes scientifiques de l'histoire comme la théorie de l'évolution ou le big bang.

L'invention, elle, est le fait de l'intervention de l'homme en vue de créer quelque chose qui n'existait pas. Le processus d'invention est en général précédé d'une ou plusieurs découvertes qui aident l'inventeur à résoudre le problème qui se pose. Avec la révolution industrielle et la mondialisation, les grandes inventions du XIXe et du XXe siècle vont bouleverser la société humaine et durablement impacter son environnement.

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Les grandes inventions et les découvertes

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10 mangas essentiels qui ont laissé leur empreinte

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10 mangas essentiels qui ont laissé leur empreinte

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Le manga est devenu un média de divertissement incontournable ces dernières années, la publication de précurseurs comme Akira ou Dragon Ball en France ont aujourd'hui plus de 20 ans. Il est désormais devenu improbable de ne pas connaître quelques titres phares, même pour les néophytes, car cette industrie se construit depuis des décennies au Pays du soleil levant. Journal du Japon vous propose de revenir sur dix mangas majeurs, qui ont marqué leur époque en apportant des innovations marquantes et qui continuent d'inspirer nombre de mangakas en activité.
En 1946, le Japon se reconstruit après les ravages de la guerre... Une époque où les américains diffuse leur culture via leur domination et influencent grandement les productions de cette période. En effet, les yonkoma (ces fameux manga en " 4 cases ") sont un dérivé des fameux comics strip américain : Garfield (1987) ou encore Snoopy (1950), en sont des exemples.

S'ils voient leur naissance dans la presse, certains auteurs en ont fait des mangas : Sazae-San (1946) de Machiko Hasegawa en fait partie. Bien qu'humoristique, Sazae-San relate le quotidien d'une famille japonaise banale après les événements de la seconde Guerre Mondiale, posant un contexte culturellement intéressant, pour une histoire répartie sur 45 tomes.

Le yonkoma continuera de séduire avec Mes voisins les Yamada (1991) de Hisaichi Ishii, adapté des années plus tard au cinéma par le studio Ghibli. Des séries comme Azu Manga Daioh(1999), K-On (2007) ou encore Lucky Star (2004) en sont d'autres descendants plus récents. Mais dès Sazae-San, les bases sont posées : du réalisme avant tout, beaucoup d'humour et un trait simple.

De même, les apartés en fin de volume que beaucoup de mangakas utilisent pour communiquer avec les lecteurs sont, eux aussi, des yonkoma. Nul doute que le succès de Sazae-San y est pour beaucoup : en effet, l'anime de 1969 est toujours en cours de diffusion et compte... plus de 6 000 épisodes.

La nouvelle île au trésor et les fondamentaux de Tezuka

Qui ignore le nom de celui que l'on surnomme le dieu du manga ? Osamu Tezuka est connu à travers le monde pour ses titres emblématiques : Astro Boy (1952) lui permettra d'exploiter tout son talent dans un univers de Science-fiction, Black Jack (1973) sera l'une de ses œuvres les plus personnelles ( Tezuka était médecin de formation) tandis que Princesse Saphir (1953) posera les bases fondamentales du shôjo...

En revanche, on connaît beaucoup moins " La nouvelle île au trésor " (1947), publié chez Isan Manga et remaniée par le mangaka, qui a non seulement lancé sa carrière, mais qui a aussi posé de nombreux codes qui ont bouleversé le genre du manga. Comme son nom l'indique, cette histoire prend comme source d'inspiration l'œuvre de Robert Louis Stevenson, mais uniquement en surface.

Ce shônen d'aventure en un tome est graphiquement inspiré des dessins animés de Walt Disney, dont le mangaka est un fervent admirateur. C'est sur ces bases que se construit ce style, qui demeurera inchangé ou presque, révolutionnant le découpage et le cadre en s'inspirant du 7 e art. Ainsi les plans cinématographiques vont être introduits et devenir des éléments indissociables du manga : les gros plans, les contre-plongées, les plans américains... Ces techniques du cinéma vont permettre de varier les angles, les cadres et ceci dans le but de dynamiser la narration.

Kitarô le repoussant, le renouveau des Yokaï

Contrairement à ce que l'on pourrait imaginer, Kitarô le repoussant est en fait... une comédie. Shigeru Mizuki créé son personnage phare en 1959 et connaîtra un immense succès au Japon, comme en témoigne ses nombreuses adaptations en animé et en film (le dernier long métrage date à peine de 2008).

Le trait et la mise en page du mangaka sont assez classiques, la force de l'artiste se situant plutôt dans ce qu'il est parvenu à faire du folklore des monstres japonais. Tout en leur apportant un design renouvelé tantôt effrayant, tantôt amusant, il va conférer à ses histoires et ses protagonistes une dimension folklorique oscillant de la noirceur à la légèreté.

Entre humour et poésie, les Yokaï émerveillent et terrifient tout au long de l'œuvre... mais c'est aussi pour mieux mettre en lumière la part d'ombre de l'Homme. Il ne fait aucun doute que quelques monstres apparaissant dans certains shônen populaires et se prêtant au genre fantastique ont trouvé leur source d'inspiration chez Mizuki.

Chez ces héritiers on peut citer quelques séries de Rumiko Tahahashi comme Lamu (1981), Ranma ½ (1987) et Inu Yasha (1997), qui mêlent à la fois l'humour et les démons... Mais c'est aussi le cas pour des mangas au ton plus sérieux, comme Le pacte des Yokaï (2005) ou encore Mushishi (1999) qui ont pour point commun l'omniprésence de la nature, la féerie et la cohabitation homme/yokaï si chers au papa de Kitarô.

Ashita No Joe, un précurseur du seinen

Ashita No Joe (1968) est un shônen dessiné par Tetsuya Chiba et scénarisé par Asao Takamori. Ce drame social prend le contrepied des standards de l'époque en faisant du sport un moyen de survivre et non une façon d'atteindre la gloire : le triste destin de Joe n'est de sentir vivant que quelques instants sur un ring.

Pour saisir toute l'ampleur de l'œuvre, il faut noter que, dans les années 60, un courant a pris de l'ampleur : le Gekiga, que l'on peut considérer comme l'ancêtre du seinen, et dont Ashita no Joe est l'un des emblèmes. L'histoire de Joe s'adresse à un lectorat adulte en exploitant des sujets tels que la violence, la crise financière et la mort. Il débutera comme un vagabond, passera par la case prison pour connaître une gloire jalonnée de malheur, d'amertume et de fatalité... ce qui diverge forcément avec certaines bases propre aux shônens : l'espoir, l'amitié qui défi le destin, etc...

Dénonçant une réalité sociale injuste, Ashita No Joe est à la fois une satyre politique et une histoire de liberté ; celle d'un homme solitaire, blessé par le monde gangrené qui l'entoure, qui a décidé de ne suivre qu'une loi, celle de son cœur de lion... Et un lion n'obéit qu'à lui-même, quitte à se faire respecter en montrant ses crocs.

L'appropriation de l'image de Joe par des mouvements d'extrême gauche mettra fin à la carrière de ce récit coup de poing en 1973 suite à la pression du gouvernement japonais, alors que le manga est au sommet de sa popularité... ce gekiga s'achèvera de façon magistrale, en ayant tout de même donné lieu au cours de sa carrière à de réelles funérailles pour un personnage fictif.

Notons aussi qu'il aura grandement popularisé le fameux contre-croisé, l'arme favorite de Joe Yabuki ! Ce sera aussi la spécialité de Miyata dans Hajime No Ippo (1989), mais aussi une technique hommage que l'on retrouvera dans beaucoup de shônen comme Dragon Ball (1984)... Autre exemple : le premier grand succès de Masami Kuramada (Saint Seiya) sera un manga de boxe, Ring Ni Kakero, dont il ne cache pas la source d'inspiration principale : Ashita No Joe, là encore.

Kamen Rider, où la popularisation du genre sentaï

Ultraman voit le jour sur les écrans nippons en 1966 et sera à l'origine des séries Tokusatsu, littéralement " effets spéciaux ". Hayata, le héros de cette histoire, se voit remettre par Ultraman la Beta Capsule qui lui permettra de se transformer en un temps limité en...Ultraman lui-même !

Probablement influencé par ce héros, Shotaro Ishinomori (anciennement assistant et élève de Osamu Tezuka) va créer Kamen Rider (1971) qui assoit les bases d'un sous-genre du Tokusatsu : le super Sentaï... sans vraiment le vouloir, car Kamen Rider est alors une réminiscence de sa précédente œuvre, Cyborg 009 (1964).

Avec Ultraman (1966) et tous les " Metal Hero " (X-Or ou encore Spielvan), celui que l'on surnomme le Roi du manga va inspirer sur des générations le petit écran japonais... Traversant même les frontières nippones avec la version américaine de .

Ishinomori démontrera ainsi que le manga n'est pas à cantonner à la simple adaptation animée : il peut aussi servir de base pour la télévision, mais également le cinéma ou encore le théâtre... Depuis on peut noter que Torû Fujisawa, l'auteur de, a consacré deux de ses œuvres où le héros fait hommage à Kamen Rider : Kamen Teacher (2007) et Black Kamen Teacher (2013).

L'école emportée, l'horreur dans le quotidien

Kazuo Umezu est célèbre pour deux de ses mangas d'horreur, qui lui vaudront même d'être évoqué pour ses visages horrifiques par Tezuka. Il s'agit tout d'abord de Baptism (1974) qui relate l'histoire d'une mère prête à tout pour mener une vie la plus ordinaire et parfaite possible... et ensuite de L'école emportée (1972) qui nous intéresse ici.

Si les deux œuvres ont des points communs (l'enfance, l'école), c'est bien L'école emportée qui a d'abord su redéfinir intelligemment le genre horrifique. Umezu a préféré prendre pour héros des enfants confrontés à une situation terrible : du jour au lendemain, des écoliers se retrouvent dans une dimension parallèle hostile, sans aucun contact avec leur monde d'origine.

C'est en narrant leur réaction face à l'inconnu que le mangaka fera ressortir à la fois ce qu'il y a de plus beau et laid dans un individu : si certains vont tomber dans la folie pure ou préférer la mort, d'autres vont se résoudre à tenter de vivre, même si seul l'incertitude les attend.

En mettant en place la folie comme le thème majeur de ses œuvres, les héritiers du style Umezu sont nombreux. On peut distinguer deux titres du lot : Dragon Head (1995) où trois collégiens vont se retrouver être les seuls survivants d'un train coincé dans un tunnel et Amer Beton (1993) où le personnage de Noir (toujours un enfant) bascule dans la démence.

La rose de Versailles, l'émergence du shôjo dramatique

Princesse Saphir (1953) a posé les bases du shôjo, mais La Rose de Versailles (1972) a su apporter sa pierre à l'édifice, de bien des façons. Tout d'abord, en choisissant pour cadre un pays étranger (ce qu'embrassera Candy Candy plus tard en 1975), Riyoko Ikeda va passionner toute une génération en explorant avec sa vision aussi romancée que juste une culture que les Japonais ignorent.

Elle va aussi créer le personnage d'Oscar de Jarjayes (l'un des seuls protagoniste fictif de l'œuvre), élevé comme un homme mais aspirant à une vie de femme que son devoir lui empêche d'emprunter. L'ambiguïté sexuelle du personnage et dès lors mise en place, l'androgyne attirant les regards charmés de la noblesse féminine.

Non-content de ce contexte délicat, le cadre historique le sera d'autant plus car se déroulant à la Révolution française... Ainsi, c'est à la fois l'âme pure d'Oscar qui souffre devant la suffocation sociale du peuple, pauvre et délaissé, mais aussi ses idéaux d'une France belle, sophistiquée et romantique qui tombent en lambeaux, à l'instar de la royauté.

Ce shôjo préférant la tragédie et le drame est probablement à l'origine de nombreux animes qui auront pour point commun de se dérouler en Europe (et plus particulièrement en France) et à tendance mélancolique et dramatique : Rémi sans famille (1977), Princesse Sarah (1985), Heidi (1974), le chien des Flandres (1992). Autant de séries qui auront su susciter l'engouement et les larmes des téléspectateurs japonais comme français.

Akira : réconciliation des français avec le manga

Dans les années 90, le manga n'avait pas, officiellement du moins, le vent en poupe. En effet, Ségolène Royal avait fait de ce média un bouc-émissaire en puissance représentatif de l'excès de violence contre laquelle elle tentait de lutter à la télévision. Dans son livre Le ras-le-bol des bébés zappeurs (1989), elle évoque en l'occurrence la violence de Bioman, l'aspect bas-de-gamme des franchises d'anime japonais mais aussi la responsabilité de Dorothée qui présentait ces séries aux plus jeunes.

Publié depuis 1982 dans son pays d'origine, le seinen de Katsuhira Otomo arrive discrètement dans les kiosques français en 1990. L'occasion pour de nombreux lecteurs de découvrir un scénario palpitant, un dessin léché mais aussi une mise en scène digne des meilleurs films d'action, bien loin de la description abêtissante et à l'emporte pièce des anti-mangas.

Comme pour parachever ce pied de nez, le film d'animation sort dans les salles Françaises en 1991, totalisant pour sa première année d'exploitation 40 000 entrées : un record pour une œuvre si peu médiatisée à l'époque. Bien que sa violence attisera la volubilité de ses détracteurs, le long-métrage démontrera son aboutissement technique. S'ensuivra une réédition cartonnée de la série par Glénat, mais aussi une ouverture vers le succès que l'on connaît aujourd'hui aux BD Nippones.

Akira fait aujourd'hui figure de référence et continue d'inspirer toute la pop culture, de nombreux auteur japonais (et français) ont été inspiré par cet adolescent incontrôlable suite à l'acquisition de superpouvoir, brimé par ses camarades et partant à la dérive : on pourrait presque parler de plagiat pour le film Chronicles (2012). Quelques séries s'amusent aussi à faire des petits hommages, comme Blood Lad (2009). Pour cette œuvre et les suivantes, l'impact de Katushiro Otomo reste encore très vif, preuve en avec son sacre au FIBD d'Angoulême et une réédition inédite d'Akira pour 2016.

Jojo's Bizarre Adventure : une indétrônable inventivité

Lors de sa publication en 1986 dans les pages du Weekly Shônen JUMP, Jojo's Bizarre Adventure surprend. Si ses deux premières parties vont poser quelques bases de la saga (les Jojo's Pose, les héros efféminés, l'hémoglobine et le découpage alambiqué), c'est surtout la troisième partie Stardust Crusaders qui va révolutionner un pan de l'histoire du shônen.

En inventant les Stands, Hirohiko Araki va à la fois développer un nouveau concept de combat (rendant ses affrontements aussi inattendus que passionnants) et inspirer une génération entière de mangaka. La force et l'amitié ne suffisent plus pour gagner, il va falloir compter... Sur l'intelligence et l'ingéniosité.

En étant sans concession avec ses héros (dont une grande partie meurt à chacun de ses arcs), l'auteur joue avec les nerfs de ses lecteurs qui ne savent plus trop à quoi s'attendre, entre ses idées farfelus (bataille de Spaghetti, un chien manieur de Stand, course de chars), ses personnages déjantés (Rohan Kishibe en tête), son scénario riche et dense... Jojo's Bizarre Adventure ne cesse de se renouveler.

L'un de ses successeurs méconnus est Shaman King (1998), mais on peut souligner d'autres œuvres comme Naruto (avec le fameux Susano), Yu-Gi-Oh (pour Magic And Wizard et le look de Yugî) et bien d'autres encore comme Hunter x Hunter (pour Hisoka qui ressemble à Dio Brando) ! Même la saga des Persona, la célèbre licence de ATLUS, a complètement repris l'idée des Stands. Avec son inventivité, Araki a laissé peu de place à l'originalité pour ses contemporains, un vrai défi à relever !

Sanctuary, le renouveau du Thriller

Shō Fumimura, aussi connu sous le nom de Buronson, est réputé pour la qualité de ses scénarios. Vous le connaissez forcément : il est l'auteur du célébrissime Hokuto No Ken. Lorsqu'il s'allie à Ryōichi Ikegami (Crying Freeman et Heat, du même scénariste pour ce dernier) en 1990 pour collaborer sur Sanctuary, le talent combiné des deux mangakas va donner naissance à l'un des meilleurs thrillers de sa génération.

Le trait réaliste et sobre du dessinateur va parfaitement se marier à ce thriller tout droit sorti de l'imagination de Buronson. Deux hommes vont tenter de prendre le contrôle du Japon : l'un en suivant le chemin de la " lumière " (celui de la politique) et l'autre en évoluant dans son ombre (en prenant le contrôle des yakuzas).

La force de ce seinen se situe d'une part dans sa montée en puissance constante. Le double cheminement des héros est prenant, mais il est aussi judicieusement développé, telle une excellente partie d'échecs. Pour permettre l'ascension vers le sommet et le pouvoir, les sacrifices seront nombreux. Des flashbacks expliquent la raison de cette inébranlable volonté, finissant de parfaire les qualités déjà nombreuses de ce récit en se basant sur un fait historique réel. D'autre part, le sujet exploité est inédit : la politique.

Là où les Furyôs comme Racaille Blues ou Young GTO mettent en avant une jeunesse qui se " libère " des carcans de la société grâce à leur propre code de l'honneur, les héros de Sanctuary vont miser sur une refonte complète d'un système politique, corrompu, en en devenant les actionnaires direct. Sanctuary marquera ainsi les débuts du seinen sociétal : Say Hello To Black Jack, Ki-IITchi ou encore Akumetsu, en sont des exemples.
L'héritage des œuvres que nous citons a beaucoup servi à la postérité, pour autant cette introduction à l'histoire du manga est bien loin d'être exhaustive. Kamui-Den, Gen d'Hiroshima, Lone Wolf And Club... ils ont eux aussi, comme tant d'autre, su transcender leur genre respectif lors de leur publication. Il ne reste plus à la génération actuelle qu'à exploiter ce savoir, de le transcender, pour guider le manga vers sa future destination : l'avenir. Nul doute que celui-ci sera plein de surprises et prometteur quant on peut admirer le travail graphique et narratif de nouveaux grands auteurs comme Inio Asano, Naoki Urasawa ou encore Makoto Yukimura... Qui seront les prochains à marquer leur époque ? Pour plus d'informations sur tous ses titres, voici quelques liens vers leurs éditeurs respectifs : La nouvelle île au trésor/ Kamen Rider, Kitarô le Repoussant, Ashita No Joe/ L'école emportée/ Akira, La rose de Versailles, Jojo's Bizarre Adventure, Retrouvez également notre dossier consacré à Jojo pour plus d'informations sur la saga.

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L'histoire du manga : 10 mangas qui ont laissé leur empreinte

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Le manga est devenu un média de divertissement incontournable ces dernières années, la publication de précurseurs comme Akira ou Dragon Ball en France ont aujourd'hui plus de 20 ans. Il est désormais devenu improbable de ne pas connaître quelques titres phares, même pour les néophytes, car cette industrie se construit depuis des décennies au Pays du soleil levant.

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Revoir des pièces de grands auteurs classiques, écouter des lectures faites par des comédiens...

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De 1928 à nos jours, des repères, une chronologies, créateurs, séries marquantes

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J.J. Abrams, R. Altman, J-L Azoulay, D. Benioff, S. Bochco, C. Brooker, B. Carroll, D. Chase, M. Cherry, M. J. Chomsky, A. Cipriano, J. Connely, B. Cosby, M. Crichton, L. Dunham, K. Ehrin, D. Elkaïm, J. Erman, B. Falchuk, T. Fontana,M. Frost, M. Garrison, V. Gilligan, D. Greenwalt, M. Groening, T. Hanks, D. Harmon, A. Hitchcock, M. Kauffman, M. Kozoll, S. Leonard, R. Levinson, D. Lindelof, S. Lumet, D. Lynch, G.R.R Martin, P. McGoohan, J. McNamara, C. Mendelsohn, S. Merchant, D. Milch, R. Murphy, J. Oppenheimer, I. Phillips, N. Pizzolatto, V. Poymiro, G-P Sainderichin, S. Saks, J. Seinfeld, R. Serling, D. Simon, J. Soloway, S. Spielberg, D. Star, M. Stewart, J. M. Straczynski, J. Surnow, les sœurs Wachowski, G. Waldron, D. B. Weiss, J. Whedon, A. Yerkovich, L. D. Zlotoff.

Mais aussi : Amazon Prime Video, Apple + TV, Disney+, Hulu, Netflix, StarzPlay, etc ﻿﻿

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J.J. Abrams, R. Altman, J-L Azoulay, D. Benioff, S. Bochco, C. Brooker, B. Carroll, D. Chase, M. Cherry, M. J. Chomsky, A. Cipriano, J. Connely, B. Cosby, M. Crichton, L. Dunham, K. Ehrin, D. Elkaïm, J. Erman, B. Falchuk, T. Fontana,M. Frost, M. Garrison, V. Gilligan, D. Greenwalt, M. Groening, T.

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Connaître, en 1min30, la petite histoire d'une oeuvre d'art se trouvant dans les collections permanentes des musées français et européens.

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Adèle Van Reeth nous raconte tous les dimanche soir en 1min30, la petite histoire d'une oeuvre d'art se trouvant dans les collections permanentes des musées français et européens.

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Beaux Arts | L’art comme vous ne le verrez nulle part ailleurs

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L’art comme vous ne le verrez nulle part ailleurs : expositions, vidéos d’artistes, guides, dossiers et reportages.

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Comment une gare désaffectée est devenue un des musées les plus célèbres de Paris

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From Station to the Renovated Musée d'Orsay - Musée d'Orsay, Paris - Google Arts & Culture

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In 1900 Paris hosted its fifth Universal Exhibition.

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Exposition Claudia Andujar à la Fondation Cartier

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Exposition Claudia Andujar à la Fondation Cartier

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une rétrospective de la photographe brésilienne  dévoilant également son engagement dans la défense des droits des Indiens Yanomami.

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The Fondation Cartier pour l'art contemporain is pleased to announce the largest exhibition to date dedicated to the work of Claudia Andujar. For over five decades, she has devoted her life to photographing and protecting the Yanomami, one of Brazil's largest indigenous group.

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Visiter la maison de Claude Monet à Giverny

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Visiter la maison de Claude Monet à Giverny

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musée consacré à l'artiste se situant dans la célèbre demeure du peintre, entourée de ses jardins, avec une visite virtuelle inédite

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met à disposition des milliers de documents numériques gratuitement :
livres, podcats, expos, images, musique... Voici le communiqué de presse qui les recense :

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qui vous met dans la peau d'un rédacteur de fausses informations. Ce jeu n’a pas pour ambition d’entrer dans le détail des motivations des créateurs de fausses informations, mais plutôt d’apprendre à les identifier – pour mieux les ignorer.

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Play the fake news game! How bad are you? Become a fake news tycoon and get as many followers as you can.

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Cette carte recense de grands classiques qui ont pris Paris pour décor. Naviguez au fil des mots, des Champs-Élysées au Boulevard du Temple, et téléchargez gratuitement des e-books.

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Paris comme dans les livres

Cadeau ! Cette carte recense de grands classiques qui ont pris Paris pour décor. Naviguez au fil des mots, des Champs-Élysées au Boulevard du Temple, et téléchargez gratuitement des e-books.

Ils ont été nombreux à parler de Paris dans leurs livres, de Zola à Daudet en passant pas Balzac et Stendhal, voici la carte de Paris des classiques de la littérature.

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Paris comme dans les livres Cadeau ! Cette carte recense de grands classiques qui ont pris Paris pour décor. Naviguez au fil des mots, des Champs-Élysées au Boulevard du Temple, et téléchargez gratuitement des e-books.

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Découvrir le magazine du jeudi soir sur France 5 : "des aventures et des enquêtes scientifiques dans lesquelles des archéologues ou des experts passionnés décryptent le monde qui nous entoure."

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Mathieu Vidard vous présente le grand spectacle de la science à travers des documentaires dédiés aux nouvelles découvertes archéologiques, spatiales et biologiques de notre planète.

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Mathieu Vidard vous présente le grand spectacle de la science à travers des documentaires dédiés aux nouvelles découvertes archéologiques, spatiales et biologiques de notre planète.

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Tout savoir sur l'histoire de la télévision française

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Tout savoir sur l'histoire de la télévision française

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avec le Grenier de la télé : chronologie, les émissions et les séries cultes...

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Chronologie des événements majeurs
1926 (26 janvier) : l'ingénieur écossais John L. Baird, aidé de son équipe, fait la démonstration de son "televisor". Il est le premier homme au monde à émettre une image de télévision d'objets en mouvements. Notons que Baird s'appuie sur les travaux de l'ingénieur allemand Paul Nipkow.

1931 (14 avril) : l'ingénieur français René Barthélemy réédite l'exploit de Baird, mais sans utiliser le procédé de Nipkow : Barthélemy a recours à un "tambour à miroirs" qu'il juge plus performant.

René Barthélémy présente son téléviseur, l'Emyvisor.

: à l'initiative du Ministre des Postes, Georges Mandel, la première émission officielle de télévision française est diffusée depuis le Ministère des P.T.T., 103 rue de Grenelle, à Paris. Il est 20h15 quand, sur le petit écran, apparaît le visage de Béatrice Bretty, sociétaire de la Comédie Française. A ses côtés, Jean Toscane, la voix la plus célèbre de Radio Paris PTT, et René Barthélemy. Lèvres maquillées en noir, M
1935 (26 avril) lle Bretty raconte sa dernière tournée en Italie : "Nous avons fait un beau voyage..." Ce sont les premiers mots diffusés à la télévision. Vingt minutes plus tard, la première émission de télévision était terminée, ayant eu pour seuls témoins une poignée d'invités choisis par M. le Ministre. 1935 (8 décembre) : le commun des Français peut enfin découvrir la télévision : des récepteurs sont installés dans divers lieux publics. A 17h, des acteurs lisent des poèmes devant la caméra. En effet, si l'Emyvisor de Barthélemy est mis en vente, son prix est encore si exorbitant que seuls de rares privilégiés peuvent se targuer de regarder la télévision chez eux !

1937 (10 juillet) : lors de l'exposition universelle de Paris, les Français font la démonstration de leur matériel haute définition, fabriqué par Thomson et la Compagnie Générale de Télévision d'Henri de France, pour les studios des PTT. La caméra est désormais entièrement électronique et la qualité d'image incroyablement améliorée.

1939 (3 septembre) : la télévision française cesse d'émettre, à cause de la guerre. Les Français s'en rendent à peine compte : il n'y a pas plus de 300 postes récepteurs sur l'ensemble du territoire. La raison ? Le prix des appareils (de 11500 à 15500 francs - soit de 5000 à 6500 euros) pour un récepteur Marconi (marque britannique), d'une part ; la faible qualité des programmes dans lesquels l'Etat ne veut pas investir, d'autre part.

1943 (30 septembre) : les émissions proposées par l'occupant allemand démarrent. C'est une idée de Kurt Hinzmann, sous-directeur de la télévision allemande, qui en a eu l'idée pour distraire les blessés de guerre. Deux cent cinquante postes de fabrication allemande (Telefunken) ont été distribués dans les hôpitaux.
1944 (12 août) : Fernsehsender Paris cesse d'émettre définitivement : Les Alliés sont tout près de paris. Le 17 août, Hinzmann reçoit l'ordre de faire dynamiter l'émetteur de la Tour Eiffel. Il refuse : il n'a jamais été un nazi convaincu, ce n'est pas maintenant qu'il va le devenir ! La Gestapo monte un dossier contre lui. En 1946, la France lui ouvrira ses portes, ainsi qu'à des ingénieurs allemands, pour remettre sur pied la télévision française.

1944 (octobre) : reprise des émissions après la libération de Paris. Elles sont diffusées depuis les studios de la rue Cognac-Jay qui appartenaient à la Fernsehsender.
1945 (23 mars) : création de la RDF, Radio Diffusion Française : l'Etat prend en main le développement de la radio et de la télévision en France. La RDF est contôlée par le ministère de l'information du Gouvernement Provisoire de la République Française qui met en place des équipes nouvelles issues de la Résistance.
1946 : Maïté Célérier de Sanois, rédactrice à Marie-Claire, lance le premier magazine féminin télévisé, La Femme chez elle. On y parle haute couture, mode pratique, coiffure et conseils ménagers. 1949 (9 février) : la RTF, Radiodiffusion Télévision Française, remplace la RDF. Son fonctionnement est identique à celui de la RDF, mais elle possède une chaîne de radio supplémentaire et, surtout, une deuxième chaîne de télévision.
1949 (mai) : les deux premières speakerines de l'histoire de la télévision font leur apparition : Jacqueline Joubert et Arlette Accard présentent les programmes.

1949 (29 juin) : le premier journal télévisé est présenté par Pierre Sabbagh. L'équipe du journal est composée, entre autres, de Georges de Caunes, Jacques Sallebert et Pierre Tchernia.

Pierre Sabbagh en régie pendant la diffusion du journal télévisé (photo INA)

1950 : création des réseaux Eurovision et Euroradio, exploités par l'Union Européenne de Radio-télévision. L'UER se donne pour objectif de fournir des images à tous les téléspectateurs européens, veillant à l'échange et l'acheminement des images d'actualité et d'événements sportifs entre tous ses membres. Cette technique permettra aux Français, deux ans plus tard, d'assister au couronnement d'Elisabeth II.

Cette année-là, le nombre de téléviseurs en France est estimé à un peu plus de 3700. C'est peu, mais il faut dire que la diffusion, via principalement la Tour Eiffel, couvre à peine 10% du territoire !

Poste de télévision Thomson (1950)

1950 (janvier) : première émission destinée à la jeunesse : Le Club du jeudi. Il s'agit d'une succession de numéros de clowns, de funambules et de prestidigitateurs.

1951 : Catherine Langeais, de son véritable nom Marie-Louise Terrasse, qui fut fiancée à François Mitterrand de 1938 à 1942, devient une speakerine aussi populaire que Jacqueline Joubert. En avril 1987, le Président Mitterrand lui remettra la Légion d'Honneur.

1953 : première grande émission de divertissement : 36 chandelles, présentée par Jean Nohain. Diffusées en direct depuis des grandes scènes parisiennes, les émissions accueillent des artistes comme Fernandel, Louis mariano, Annie Cordy, Yves Montand, Fernand Raynaud, Charles Aznavour, Georges Brassens, Brigitte Bardot, etc.

1953 (20 octobre) : une nouvelle émission démarre : La Séquence du spectateur. Catherine Langeais y présente l'actualité cinématographique. Un record de longévité pour une émission télé, puisqu'elle sera diffusée jusqu'en 1989, soit pendant 36 ans !
1954 : Télé Match est le premier jeu télévisé, présenté par Pierre Bellemare.

Cette même année, lancement de la première émission culinaire, Art et magie de la cuisine, présentée par Catherine Langeais et le chef Raymond Oliver.

(photographie provenant des archives de Télérama)

1954 (17 mars) : première de La Piste aux étoiles, émission de Gilles Margaritis, réalisée par Pierre Tchernia et présentée par Roger Lanzac, alias Monsieur Loyal. Elle est entièrement consacrée au cirque et est diffusée le mercredi soir, car le lendemain il n'y a pas école. Elle perdurera jusqu'en 1976 !
1955 (octobre) : Pierre Tchernia, Jacques Grello et Robert Rocca présentent la première émission d'actualité satirique : La Boîte à sel. De nombreux acteurs comiques participent aux sketches. En février 1960, les trois créateurs préféreront arrêter l'émission plutôt que de subir la censure au sujet de la Guerre d'Algérie.

Pierre Tchernia dans une situation des plus surprenantes pour la télévision prude des années 50 !

1956 : une estimation porte à 500.000 le nombre de postes de télévision en France.

1956 (mai) : Énigmes de l'Histoire, l'émission d'André Castelot, Alain Decaux (scénaristes) et Stellio Lorenzi (réalisateur), propose des reconstitutions théâtrales relatives à des événements ou à des personnages historiques. En 1957, l'émission sera rebaptisée La Caméra explore le temps. Decaux restera également dans les mémoires pour son émission historienne Alain Decaux raconte diffusée de 1969 à 1981. 1958 : le nombre de postes de télévision dans les foyers français s'élève à un million. Désormais, chaque année, un million de téléviseurs sera vendu en France, jusqu'à ce que chaque famille possède un poste à la fin des années 60.

1959 (janvier) : 5 colonnes à la une est la première grande émission d'information. Consécutivement, une nouvelle émission de divertissement qui restera dans les mémoires fait son apparition : Télé Dimanche, créée par Raymond Marcillac. C'est dans cette émission, dans la rubrique du "Jeu de la chance" (télé-crochet) que Mireille Mathieu se fera remarquer en 1965. 1959 (février) : Denise Glaser présente une nouvelle émission sur la première chaîne : Discorama. Il y est question de l'actualité de la chanson, du disque, du théâtre et de découverte des nouveaux talents. L'émission durera jusqu'en 1974, lorsque Denise Glaser sera "remerciée" par Valéry Giscard d'Estaing qui profitera de son arrivée au pouvoir pour éliminer du petit écran les personnalités trop ancrée à gauche.

Denise Glaser, en 1964 (photo INA)

1960 : Maurice Brunot crée Le Petit train, un interlude pour faire patienter les téléspectateurs en cas de problème technique ou lorsque les programmes sont en avance sur l'horaire prévu. Chaque wagon présente le fragment d'un rébus : à vous de jouer !

Maurice Brunot en tournage

1961 (mai) : une nouvelle émission de variété sur la musique yé-yé est proposée aux plus jeunes : Âge tendre et tête de bois, présentée par Albert Raisner.
1962 (juillet) : Guy Lux et Pierre Brive proposent Intervilles, un jeu de compétition qui oppose deux villes françaises dans des épreuves fantaisistes, mais sportives. Sur une idée du Général de Gaulle, une version européenne de l'émission sera créée à partir de 1965 : Jeux sans frontières.

Simone Garnier et Guy Lux, à Antibes, en 1963 : dans Intervilles, on discute toujours les points !

1962 (12 décembre) : diffusion de la toute première émission de Bonne Nuit les petits. C'est "Gros Ours" qui accompagne le marchand de sable sur son nuage ; il ne sera rebaptisé "Nounours" qu'après l'été 1963.

Pimprenelle, Nounours et Nicolas

1964 : après des débuts sur Télé Monte Carlo (en 1961), Denise fabre rejoint la 2ème chaîne de la RTF en tant que speakerine.

1964 (avril) : naissance d'une émission dont le concept fera des émules : La Caméra invisible, de Jacques Rouland, avec Jacques Legras (principal acteur devant la caméra cachée) et les interventions de Pierre Bellemare et Jean Poiret.

Avec des portes sans vitres, Pierre Bellemare va piéger les étourdis sous l'oeil de la caméra invisible !

1964 (juin) : Noëlle Noblecourt, présentatrice de Télé Dimanche, est licenciée avec pertes et fracas pour avoir étourdiment... montré ses genoux à l'écran ! 1964 (27 juin) : l'ORTF, Office de Radiodiffusion Télévision Française, remplace la RTF. Contrairement à celle-ci, l'ORTF n'est pas placée sous l'autorité du ministère de l'information, mais seulement sous sa tutelle afin de contrôler le respect de ses obligations à l'égard du service public. Le Général de Gaulle souhaitait ainsi que l'ORTF devienne une institution autonome, semblable à celles des autres grandes démocraties. C'est ainsi que le statut de l'ORTF est analogue à celui de la BBC en Grande Bretagne. Pourtant, les faits démontreront que l'Etat conserve un contrôle rigoureux des émissions de télévision.

1966 (28 août) : première représentation d'une pièce pour l'émission Au Théâtre ce soir, conçue par Pierre Sabagh. Celle-ci, intitulée J'y suis, j'y reste, est tournée en public au théâtre Marigny. Titre de bon augure, puisqu' Au Théâtre ce soir durera jusqu'en 1988. Il faudra ensuite attendre 2007 pour revoir du théâtre à la télévision en première partie de soirée !

J'y suis, j'y reste, avec Anne-Marie Carrière, Jacques Morel et Denise Grey

1967 (avril) : Armand Jammot présente sur la deuxième chaîne une émission sur le cinéma : Les Dossiers de l'écran. Le principe consiste à projeter un film, puis d'organiser un débat sur un thème relatif à ce film.
1967 (septembre) : sur la deuxième chaîne, Pierre Tchernia présente une émission-jeu qui porte sur l'actualité du cinéma : Monsieur Cinéma.

Jacque Rouland, Pierre Tchernia et José Artur, en 1977 (photo INA)

1967 (1er octobre) : grâce à un standard d'encodage de la couleur inventé par Henri de France, la deuxième chaîne est désormais en couleurs ! Enfin... pour ceux qui ont un poste de télévision compatible, bien sûr !

1968 (octobre) : premières publicités télévisées, diffusées sur la première chaîne. La Régie Française de Publicité (filiale de l'ORTF) sera créée l'année suivante et perdurera jusqu'en 1987. Il faudra encore attendre janvier 1971 pour voir de la publicité sur la 2ème chaîne.

1969 (juin) : le ministère de l'information disparaît. Désormais, l'ORTF est sous la tutelle du Premier Ministre.

1969 (21 juillet) : des millions de téléspectateurs français assistent aux premiers pas de l'Américain Neil Armstrong sur la Lune.

Un événement historique que l'on regarde en famille... à condition de veiller tard : le premier pas de l'homme sur la lune a lieu à 3h56 !

1971 : inventée en 1956 aux Etats-Unis par Robert Adler et Eugene Polley, la télécommande arrive enfin en France. En raison de son coût, il faudra quelques années avant que tous les téléviseurs n'en soit équipés. Dès les années 80, elle changera radicalement la façon de regarder la télé, rendant le téléspectateur infidèle aux chaînes et aux publicités.

1972 (31 décembre) : lancement de la troisième chaîne. Elle est en couleurs et diffuse chaque soir des décrochements régionaux.

1973 (avril) : Bernard Pivot présente Ouvrez les guillemets, une émission littéraire qui sera rebaptisée Apostrophes en janvier 1975. 1974 (8 juillet) : la loi divise l'ORTF en sept institutions autonomes : TF1 (ex-première chaîne), Antenne 2 (ex-deuxième chaîne), FR3 (ex-troisième chaîne), INA (Institut National de l'Audiovisuel), Radio France, SFP (Société Française de Production et de création audiovisuelles) et TDF (TéléDiffusion de France). Les trois chaînes de télévision constituent toujours un service public, sous la tutelle de l'Etat.

1974 (septembre) : Christophe Izard propose , sur FR3. Dès l'année suivante, il lancera Les Visiteurs du mercredi sur TF1, une émission pour la jeunesse qui alternera des dessins animés, des feuilletons, des documentaires et des rubriques éducatives, présentés par des animateurs (dont Patrick Sabatier et Soizic Corne). C'est le début de l'âge d'or des programmes pour la jeunesse.

Hyppolite et Casimir sont prêts à tout pour faire rire les enfants !

1975 : Yves Mourousi devient rédacteur et présentateur du journal de 13 heures de TF1. Il dépoussière radicalement l'institution en étant le premier à proposer un journal tourné hors studio, avec au moins un direct en extérieur par semaine. Mais il innove aussi par son ton léger : son fameux "Bonjour !" peu cérémonieux en choquera plus d'un.
1975 (janvier) : Jacques Martin propose sur TF1 une émission satirique qui va connaître un immense succès : Le Petit Rapporteur. Deux ans plus tard, avec Bon Dimanche, Jacques Martin, prendra en main le programme d'une partie de la journée dominicale sur Antenne 2, et ce pour plusieurs années.

De gauche à droite : Pierre Desproges, Pierre Bonte, Stéphane Collaro, Jacques Martin, Piem et Daniel Prévost

Sur Antenne 2, l'ouverture et la fermeture des programmes est confiée à l'artiste belge Jean-Michel Folon et au compositeur Michel Colombier qui nous offrent des hommes volants d'une poésie rare à la télévision.

1976 (1er janvier) : TF1 est désormais en couleurs.

1976 (mars) : Les Jeux de 20 heures débarquent sur FR3, proposés par Jacques Solness et Jean-Pierre Descombes. Jean-Pierre Foucault les rejoindra en janvier 1981.

Jacques Capelovici, alias Maître Capello, remet 100 francs dans le nourrain !

1977 : après un passage éclair dans Les Visiteurs du mercredi, Frédérique Hoschedé présente, sous le pseudonyme de Dorothée, Dorothée et ses amis, émission qui sera rebaptisée 1977 (janvier) : Catherine Chaillet, à l'origine du logo de TF1 lance Les Tifins, un petit dessin animé mettant en scène les T et les F propres à l'identité de la chaîne.Récré A2 l'année suivante lorsque Jacqueline Joubert deviendra directrice de l'unité jeunesse d'Antenne 2.

1979 (novembre) : Claude Pierrard présente Acilion et sa bande, une émission pour la jeunesse qui deviendra en février 1980.

Cette même année, Antenne 2 change de logo, abandonnant ses ondes bleues électriques émanant d'un "A2" rouge et vert, que nous devions au peintre Georges Mathieu, en faveur d'un "a2" tout en rondeur.

1984 (4 novembre) : mise en service de la première chaîne privée, en partie payante : Canal +.

1986 (20 février) : naissance de la deuxième chaîne privée nationale : La 5. Celle-ci est gratuite, entièrement financée par la publicité qui, c'est une première en France, sera diffusée pendant les émissions qu'elle interrompra. A la tête de La 5 : l'homme d'affaires italien, Silvio Berlusconi.
1986 (1er mars) : mise en service de la troisième chaîne privée nationale : TV6. Cette chaîne, gratuite car entièrement financée par la publicité, est essentiellement consacrée à la musique et destinée aux adolescents et jeunes adultes. Dans l'histoire de la télévision française, TV6 est la première chaîne à disparaître. Et ce pour des raisons politiques. Le 1er mars 1987, le canal est réattribué à Métropole 6, dite M6.

1987 (avril) : le gouvernement Chirac vend TF1 au groupe Bouygues. Quitte à privatiser une partie de la télévision du service public, le choix aurait pu se porter sur le groupe Hachette, spécialisé dans la diffusion de produits culturels, ce qui aurait peut-être assuré à TF1 le maintien d'une certaine qualité de programmes, mais c'est finalement le plus offrant qui l'a emportée.
1989 (17 janvier) : création du Conseil Supérieur de l'Audiovisuel (CSA), autorité indépendante qui a pour but de garantir l'exercice de la liberté dans le domaine de la communication audiovisuelle, mais qui très vite jouera un rôle de censeur.
1990 : TF1 change de logo. Derrière cette rénovation de façade, c'est un véritable bouleversement qui s'opère. Les programmes lénifants et voyeuristes vont se multiplier au cours de la décennie, proposant des émissions racoleuses (reality shows). La démagogie et l'abrutissement servent d'écrin à une publicité qui devient le premier objectif du groupe Bouygues.

1992 (12 avril) : pour des raisons politico-financières, La 5 rend définitivement l'antenne à minuit, malgré une popularité véritable. C'est la deuxième fois que l'on assiste à la disparition d'une chaîne française. Avec beaucoup d'émotion, les journalistes Jean-Claude Bourret et Marie-Laure Augry donnent scandent le compte à rebours avant la fermeture d'antenne.

1992 (septembre) : Antenne 2 et FR3 deviennent France 2 et France 3. Il s'agit de donner une image unie face au géant TF1.

1992 (28 septembre) : la fréquence hertzienne vacante de feu La 5 est attribuée à la chaîne franco-allemande Arte, de 19h à 1h du matin.

1992 (14 novembre) : Canal + lance un "bouquet de chaînes" par satellite. Canalsattelite est la première offre de ce genre en France à rencontrer le succès. La télévision n'est désormais plus à taille humaine : la qualité cède le pas à la quantité.
1993 (mars à juin) : les derniers speakerin et speakerines, remplacés par des bandes annonces (plus rentables) sont remerciés. TF1 s'était déjà débarassé de ces icones de l'âge d'or de la télévision l'année précédente. C'est une certaine idée de la télévision qui prend fin.

1994 (13 décembre) : La Cinquième, chaîne de "télévision du savoir, de la formation et de l'emploi" (dixit le gouvernement Balladur), sous la présidence de Jean-Marie Cavada émet sur le même réseau hertzien qu'Arte. Ses programmes s'arrêtent donc à 18h59 pile. Le 7 janvier 2002 la chaîne sera rebaptisée France 5.

1997 (août) : le Club Dorothée est supprimé de l'antenne. Même si le contenu de cette émission était souvent discutable, on peut regretter la disparition de la dernière véritable émission jeunesse (c'est-à-dire avec des animateurs en plateau).
2000 : Jean Drucker, PDG de M6 depuis 1987, quitte son poste. Dès lors, la chaîne va s'évertuer à suivre la voix tracée par TF1, sombrant dans la facilité du racolage avec des émissions abêtissantes présentées par des animateurs incapables d'aligner deux phrases en un français correct. Le clou est enfoncé lorsque la chaîne présente la première émission française de "télé réalité", en 2001 : Loft Story.
2005 (31 mars) : lancement de la télévision numérique terrestre, dite TNT, qui, à terme, doit remplacer la télévision analogique terrestre, c'est-à-dire la diffusion par ondes hertziennes telle qu'elle est effectuée depuis 1935. La TNT va permettre aux chaînes de proposer une image et un son haute définition. De plus, ce système permet de diffuser un plus grand nombre de chaînes (le service public s'enrichit de France 4, France Ô, et France 5 peut continuer à émettre après 19h).

A suivre...

Cet article est © Le Grenier de la télé, tous droits réservés.

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Histoire de la télévision française - Le Grenier de la télé

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Chronologie des événements majeurs 1926 (26 janvier) : l'ingénieur écossais John L. Baird, aidé de son équipe, fait la démonstration de son "televisor". Il est le premier homme au monde à émettre une image de télévision d'objets en mouvements. Notons...

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parmi le catalogue des Humanoïdes associés

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Liste des titres accessibles en lecture gratuite sur le site et l'application Humano BD des Humanoides Associés -

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Découvrir l'histoire de la presse avec l'exposition en ligne de la BNF

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Cinq siècles d'histoire de la presse | BnF Essentiels

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S'informer n'est pas un besoin récent de sociétés démocratiques. Dès la naissance de l'impression, les nouvelles circulent via des feuilles tirées sur des...

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Spectacles et pièces de théâtre diffusés par France 5  à regarder depuis son canapé

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François Morel enfile son smoking noir de music-hall pour redonner vie aux textes absurdes et irrésistiblement drôles de Raymond Devos : "La Truite", "Caen", "L'Ouïe de l'oie", "Je hais les haies" ou encore "Le plaisir des sens". Avec la poésie qui lui est propre, le comédien s'approprie quelques-uns des plus inoubliables sketches de son idole. Antoine Sahler met ses mots en musique.

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Au spectacle chez soi J'ai des doutes - Devos/Morel

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François Morel enfile son smoking noir de music-hall pour redonner vie aux textes absurdes et irrésistiblement drôles de Raymond Devos : "La Truite", "Caen", "L'Ouïe de l'oie", "Je hais les haies" ou encore "Le plaisir des sens". Avec la poésie qui lui est propre, le comédien s'approprie quelques-uns des plus inoubliables sketches de son idole.

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Découvrir ou revoir la série de Arte :  En 30 épisodes de 3 minutes, le professeur Moustache vulgarise avec humour les grandes et petites énigmes scientifiques de l'humanité.

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Tous les épisodes

Le Professeur Moustache et son assistant Nathanaël sont de retour ! Sous la plume de Marion Montaigne et avec la voix, truculente, de François Morel, ils se mettent en quatre pour expliquer les phénomènes scientifiques du quotidien.

Le Professeur Moustache et son assistant Nathanaël sont de retour ! Sous la plume de Marion Montaigne et avec la voix, truculente, de François Morel, ils se mettent en quatre pour expliquer les phénomènes scientifiques du quotidien.

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Le Professeur Moustache et son assistant Nathanaël sont de retour ! Sous la plume de Marion Montaigne et avec la voix, truculente, de François Morel, ils se mettent en quatre pour expliquer les phénomènes scientifiques du quotidien.

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Memorya : un jeu documentaire scientifique

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Memorya : un jeu documentaire scientifique

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sur la mémoire et ses possibilités. Des chercheurs et des artistes se sont associés pour créer un jeu interactif

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MEMORYA - Jeu documentaire scientifique sur la mémoire

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MEMORYA est un jeu documentaire scientifique sur la mémoire

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Classement des 100 meilleurs films de l'histoire

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Classement des 100 meilleurs films de l'histoire

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Les journalistes de Télérama vous présente leur sélection, depuis la naissance du cinéma en 1895 à nos jours

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Dans Le Guide du cinéma en 15 000 films publié en 2009 par Télérama, chaque rédacteur du service Cinéma avait répondu à un questionnaire sur sa cinéphilie - son film " un peu au-dessus de tous les autres ", celui qu'il " ne cesse de revoir ", etc. Restait à établir notre palmarès des cent meilleurs films de l'histoire, depuis la première projection du cinématographe Lumière en 1895 jusqu'à nos jours.

Un top 100 qui, pour les journalistes votants, a viré au casse-tête, comme Pierre Murat vous le raconte ici. Quand on adore un réalisateur, on voudrait citer tous ses films. C'était évidemment impossible - mais alors, lequel choisir ? Pour que la liste soit la plus pertinente possible, il ne fallait pas se limiter aux films hollywoodiens et français - vous verrez que l'Italie, le Japon, et la Russie autres grandes terres de cinéma, mais aussi la Turquie ou Hong-Kong sont également représentés. Nous devions aussi couvrir le plus possible les cent vingt ans de création du 7e art : impossible d'établir un top 100 sans au moins un classique du muet, ni un film réalisé au cours des cinq dernières années. Il ne fallait pas négliger les documentaires, ni le cinéma d'animation. Et ne pas oublier que cinéaste s'écrit aussi au féminin. Un casse-tête, on vous dit !

Alors chacun s'est longuement interrogé, a beaucoup douté, a corrigé ses choix jusqu'au dernier moment. Avec des regrets, sinon des remords. Le résultat, le voici : la liste de nos cent films préférés. Forcément partiale - c'est à notre connaissance, la première fois que Vertigo d'Hitchcock est considéré comme le meilleur film de l'histoire du cinéma. Forcément incomplète - des pans entiers de la cinématographie mondiale (Amérique du Sud, Afrique, Inde...) sont ignorés. Forcément polémique - pour ne prendre qu'un exemple, Les Enfants du paradis, invariablement cité depuis des décennies comme l'un des meilleurs films français de tous les temps, ne figure même pas dans notre top 100. Mais elle est animée d'une passion intacte, et, nous l'espérons, communicative pour le cinéma. Bonne lecture !

21 - Stalker

réalisé par Andreï Tarkovski (1979)
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22 - La Party

réalisé par Blake Edwards (1968)
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23 - Mon oncle

réalisé par Jacques Tati (1958)
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24 - Les Nuits de la pleine lune

réalisé par Eric Rohmer (1984)
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25 - Cléo de 5 à 7

réalisé par Agnès Varda (1962)
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26 - L'Eclipse

réalisé par Michelangelo Antonioni (1962)
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27 - Van Gogh

réalisé par Maurice Pialat (1991)
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28 - Andreï Roublev

réalisé par Andreï Tarkovski (1969)
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29 - Vous ne l'emporterez pas avec vous

réalisé par Frank Capra (1938)
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30 - Pierrot le fou

réalisé par Jean-Luc Godard (1965)
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31 - Ariane

réalisé par Billy Wilder (1957)
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32 - Casino

réalisé par Martin Scorsese (1995)
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33 - In the mood for love

réalisé par Wong Kar-waï (2000)
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34 - Bright Star

réalisé par Jane Campion (2009)
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35 - Loulou

réalisé par Georg Wilhelm Pabst (1929)
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36 - La Règle du jeu

réalisé par Jean Renoir (1939)
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37 - Une chambre en ville

réalisé par Jacques Demy (1982)
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38 - Frankenstein

réalisé par James Whale (1931)
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39 - Husbands

réalisé par John Cassavetes (1970)
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40 - La Belle et la Bête

réalisé par Jean Cocteau (1946)
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41 - L'Evangile selon Saint Mathieu

réalisé par Pier Paolo Pasolini (1964)
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42 - Manhattan

réalisé par Woody Allen (1979)
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43 - Il était une fois en Amérique

réalisé par Sergio Leone (1984)
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44 - Les Lumières de la ville

réalisé par Charles Chaplin (1931)
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45 - The Yards

réalisé par James Gray (2000)
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46 - Le jour se lève

réalisé par Marcel Carné (1939)
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47 - Ludwig, le crépuscule des dieux

réalisé par Luchino Visconti (1972)
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48 - Une autre femme

réalisé par Woody Allen (1988)
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49 - Les Demoiselles de Rochefort

réalisé par Jacques Demy (1967)
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50 - Le Dictateur

réalisé par Charles Chaplin (1940)
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51 - Une femme sous influence

réalisé par John Cassavetes (1974)
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52 - Belle de jour

réalisé par Luis Buñuel (1967)
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53 - All that jazz - Que le spectacle commence

réalisé par Bob Fosse (1979)
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54 - Certains l'aiment chaud

réalisé par Billy Wilder (1959)
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55 - Les Désaxés

réalisé par John Huston (1961)
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56 - Rocco et ses frères

réalisé par Luchino Visconti (1960)
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57 - La Jetée

réalisé par Chris Marker (1962)
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58 - Citizen Kane

réalisé par Orson Welles (1941)
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59 - La Cérémonie

réalisé par Claude Chabrol (1995)
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60 - Les Parapluies de Cherbourg

réalisé par Jacques Demy (1964)
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61 - Le Mécano de la General

réalisé par Buster Keaton et Clyde Bruckman (1926)
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62 - The Shop around the corner

réalisé par Ernst Lubitsch (1940)
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63 - The Social Network

réalisé par David Fincher (2010)
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64 - Winter Sleep

réalisé par Nuri Bilge Ceylan (2014)
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65 - Profession : reporter

réalisé par Michelangelo Antonioni (1975)
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66 - Mouchette

réalisé par Robert Bresson (1967)
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67 - Ratatouille

réalisé par Brad Bird (2007)
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68 - Le Mirage de la vie

réalisé par Douglas Sirk (1959)
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69 - Amarcord

réalisé par Federico Fellini (1973)
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70 - La Prisonnière du désert

réalisé par John Ford (1956)
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71 - Le Feu follet

réalisé par Louis Malle (1963)
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72 - Amour de perdition

réalisé par Manoel de Oliveira (1978)
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73 - Shoah

réalisé par Claude Lanzmann (1985)
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74 - Le Corbeau

réalisé par Henri-Georges Clouzot (1943)
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75 - Un conte de Noël

réalisé par Arnaud Desplechin (2008)
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76 - Hôtel des Amériques

réalisé par André Téchiné (1981)
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77 - Distant Voices

réalisé par Terence Davies (1988)
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78 - Le Goût de la cerise

réalisé par Abbas Kiarostami (1997)
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79 - Le Voyeur

réalisé par Michael Powell (1960)
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80 - Une journée particulière

réalisé par Ettore Scola (1977)
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81 - L'Homme qui tua Liberty Valance

réalisé par John Ford (1962)
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82 - Aguirre, la colère de Dieu

réalisé par Werner Herzog (1972)
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83 - Diamants sur canapé

réalisé par Blake Edwards (1961)
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84 - Johnny s'en va-t-en guerre

réalisé par Dalton Trumbo (1971)
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85 - Les Affranchis

réalisé par Martin Scorsese (1990)
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86 - Les Moissons du ciel

réalisé par Terrence Malick (1978)
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87 - Blade Runner

réalisé par Ridley Scott (1982)
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88 - L'Histoire d'Adèle H.

réalisé par François Truffaut (1975)
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89 - Le Chagrin et la pitié

réalisé par Marcel Ophuls (1971)
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90 - A nos amours

réalisé par Maurice Pialat (1983)
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91 - 2001, l'Odyssée de l'espace

réalisé par Stanley Kubrick (1968)
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92 - Le Guépard

réalisé par Luchino Visconti (1963)
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93 - Cœurs brûlés

réalisé par Josef von Sternberg (1930)
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94 - Les Rapaces

réalisé par Erich von Stroheim (1924)
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95 - Tous les autres s'appellent Ali

réalisé par Rainer Werner Fassbinder (1974)
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96 - Partition inachevée pour piano mécanique

réalisé par Nikita Mikhalkov (1977)
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97 - L'Impasse

réalisé par Brian de Palma (1993)
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98 - La Fièvre dans le sang

réalisé par Elia Kazan (1961)
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99 - Une partie de campagne

réalisé par Jean Renoir (1936)
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100 - Blanche-Neige et les 7 nains

réalisé par David Hand (1937)
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Les 100 meilleurs films de l'histoire selon "Télérama"

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Dans Le Guide du cinéma en 15 000 films publié en 2009 par Télérama, chaque rédacteur du service Cinéma avait répondu à un questionnaire sur sa cinéphilie - son film " un peu au-dessus de tous les autres ", celui qu'il " ne cesse de revoir ", etc.

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Un parcours dans le musée des arts décoratifs (Paris) qui offre un panorama de la création moderne de 1940 à nos jours

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"La folle histoire du design", à travers un nouveau parcours, propose une vision à la fois globale et transversale des collections de design, dont le musée conserve l'une des plus importantes au monde. En privilégiant une approche thématique et pluridisciplinaire, il offre au public une expérience de visite inédite. Un niveau supplémentaire vient s'ajouter à l'espace qui lui était précédemment consacré dans le Pavillon de Marsan : désormais l'ensemble couvre au total 2100 mètres carrés.

Dans une scénographie confiée à Normal Studio, le parcours invite le visiteur à cheminer dans l'univers éclectique et foisonnant du design avec plus de 1 000 œuvres dont certaines ont été conçues par des créateurs incontournables à l'instar de Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Roger Tallon, François-Xavier et Claude Lalanne, Philippe Starck, Jasper Morrison ou Iris van Herpen. Au design et aux arts décoratifs font écho les arts graphiques et la mode mais aussi les papiers peints, les jouets, les verres et la photographie.

Des créations phares aux acquisitions récentes en passant par des pièces de nos fonds jusqu'alors jamais exposées, c'est une nouvelle vision de ses collections que présente le Musée des Arts Décoratifs.

Direction du projet
* Olivier GABET, directeur du musée

Équipe scientifique
* Dominique FOREST, conservatrice en chef du département moderne et contemporain
* Jean-Luc OLIVIÉ, conservateur en chef du département du verre
* Cloé PITIOT, conservatrice des collections XX-XXI e siècles
* Marianne BRABANT, Louise CURTIS, Véronique AYROLES, assistantes de conservation
* Laurence BARTOLETTI, chargée d'études documentaires
* Régine SOULIER, chef de projet, présentation des collections

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La folle histoire du design à travers un nouveau parcours

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Le 19 octobre 2018, le Musée des Arts Décoratifs dévoile son nouvel écrin dédié au design en proposant un panorama unique de la création moderne et contemporaine des années 1940 à nos jours. > DÉCOUVREZ LE NOUVEAU PARCOURS DES COLLECTIONS DE DESIGN

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Habitudes, mode, objets, aliments, ce site présente leur histoire

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Objets de légende Archives - Objets de légende

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L'histoire des objets et habitudes du quotidien

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avec la revue l'Eléphant

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L'éléphant - La revue de culture générale

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En 1996, dans un hors-série de la revue Le Collectionneur de bandes dessinées, des spécialistes français s'époumonaient à l'idée que les Américains, la même année, célébraient le centenaire de la BD. Pour les Français, la bande dessinée était née en Europe avec Histoire de M. Jabot du Suisse Rodolphe Töpffer en 1833. Simple querelle de chapelle ou critique de l'américano-centrisme ? Les choses sont un peu plus compliquées... Pour s'entendre sur les origines de la bande dessinée, il faut d'abord se pencher sur sa définition.

Problème : il y a autant de définitions que d'experts. Selon l'argus de la bande dessinée, un ouvrage de référence communément appelé BDM, la bande dessinée serait " un enchaînement et une succession de dessins accompagnés en général d'un texte (pas obligatoirement), relatant de façon fragmentée une action dont le déroulement temporel s'effectue par bonds successifs d'une image à une autre. Réduit à un rôle d'appoint, le texte est subordonné à l'image et non le contraire ".

Non seulement cette définition est inepte et tautologique, mais elle écarte de nombreuses bandes dessinées du corpus. À l'opposé, les jeunes Turcs Barthélémy Schwartz et Balthazar Kaplan, qui ont révolutionné la critique de BD dans les années 1980 avec leur revue Dorénavant, proposent deux définitions plus ouvertes. Pour le premier, la bande dessinée est " la juxtaposition de deux images ".

"La bande dessinée, c'est comme le cinéma, même si c'est un cinéma de pauvres." -Hugo Pratt

Pour le second, c'est " la compartimentation de l'espace pour produire un effet de temps ". Mais il manque à ces définitions un caractère essentiel de l'histoire de la bande dessinée : sa publication au sein d'ouvrages et de journaux. Autrement dit : sa reproductibilité. En ce sens, Töpffer avait définitivement fait mouche avant tout le monde. Le Suisse a produit Histoire de M. Jabot en 1831, mais sa publication au sein d'un ouvrage au moyen de l'autographie (un procédé d'impression et de reproduction qu'il avait lui-même inventé) date de 1833.

Et c'est cette date qu'on retient. Aujourd'hui, la plupart des chercheurs internationaux s'accordent sur le statut d'inventeur de la bande dessinée de Rodolphe Töpffer. Mieux, le Genevois avait théorisé sa création. Dans la préface d'une réédition d' Histoire de M Jabot parue en 1837, il écrit : " Ce petit livre est d'une nature mixte. Il se compose de dessins autographiés au trait. Chacun des dessins est accompagné d'une ou deux lignes de texte. Les dessins, sans le texte, n'auraient qu'une signification obscure ; le texte, sans les dessins, ne signifierait rien. Le tout ensemble forme une sorte de roman d'autant plus original qu'il ne ressemble pas mieux à un roman qu'à autre chose. "

Des cases à l'album

CQFD ? Non, car on devrait plutôt s'intéresser à des naissances de la bande dessinée, au pluriel, plutôt que de s'écharper sur la date de son invention. Dans un ouvrage digne d'intérêt qui porte justement ce titre, Naissances de la bande dessinée (Les Impressions nouvelles, 2009), le critique Thierry Smolderen réaffirme l'importance de la bande dessinée américaine, le comic strip, et son développement dans la presse qui a initié une forme de spectacularisation toujours à l'œuvre aujourd'hui. Mais il fait remonter la naissance de la bande dessinée bien avant Töpffer, à celle du roman moderne, qui émerge en Angleterre au cours du XVIII e siècle, à travers notamment l'œuvre du peintre et graveur William Hogarth.

Il s'agit de suites d'images muettes qui racontent une histoire, comme La Carrière d'une prostituée, six images peintes en 1731 et gravées en 1732. Au xix e siècle, écrit Smolderen, " le courant impulsé par Hogarth est resté l'affaire exclusive d'un groupe particulier de dessinateurs, les illustrateurs humoristiques [...]. Fascinés par le graffiti, le dessin d'enfant et les images marginales, ils sont les premiers à s'emparer des médias émergents, qu'ils schématisent et combinent dans une perspective ironique ". Avec l'apparition de Rodolphe Töpffer, ces mêmes dessinateurs vont désormais s'attacher à développer des séquences issues de l'imagerie populaire imprimée, dont l'objet sera désormais la critique de la société industrielle naissante.

Tout au long du xix e, en Europe, les caricaturistes et pionniers de la bande dessinée, comme le Français Caran d'Ache, le Britannique George Cruikshank ou l'Allemand Wilhelm Busch agiront de concert dans la presse, la caricature nourrissant la bande dessinée et vice versa. Ils sont contemporains des pionniers du cinéma et de la photographie. Le photographe Nadar fait de la bande dessinée. Winsor McCay, le dessinateur de Little Nemo, réalise l'un des premiers dessins animés de l'histoire. Dix après sa création en 1938, Superman est adapté au cinéma. Tout au long du xx e siècle, ces arts visuels naissants suivront des chemins parallèles en se rejoignant parfois.

On croit souvent que la
bande-dessinée était d'abord
destinée aux enfants. C'est faux !

On croit souvent que la bande dessinée était d'abord destinée aux enfants. C'est faux ! Les bandes dessinées de Caran d'Ache publiées par Le Figaro à partir de 1895, les funnies américains comme le Yellow Kid, apparu en 1896 et qui fut effectivement le premier personnage de BD à s'exprimer régulièrement dans des phylactères (les bulles), sont d'abord destinés à un lectorat adulte. Aux États-Unis, les funnies sont représentatifs d'un moment important de la bande dessinée, appelé l'âge d'or de la bande dessinée américaine, qui prend racine au début du xx e siècle et s'éteint dans les années 1940.

Il s'agit de comic strips, des bandes de quelques cases effectivement amusantes (plus tard, le terme prendra une acception plus généraliste) et qui se transforment, le dimanche, en une page entière publiée dans les suppléments dominicaux des grands quotidiens américains. Parmi ces chefs-d'œuvre de la BD : Little Nemo, Krazy Kat, Gasoline Alley et Dick Tracy. Il faut imaginer combien ces grandes pages en couleur, qui profitent des progrès de l'imprimerie, impressionnent les lecteurs et augmentent les ventes des journaux.

"Faire de la bande dessinée, c'est comme voir ses rêves." - Chris Ware

Tout au long de l'âge d'or de la bande dessinée américaine, les deux grands magnats de la presse, Joseph Pulitzer et William Randolph Hearst - l'homme dont s'inspirera Orson Welles dans Citizen Kane -, respectivement propriétaires du New York World et du New York Journal, ne cessent de se faire la guerre afin de débaucher les meilleurs dessinateurs.

Aux États-Unis, la première grande rupture éditoriale et créative des comics intervient sous l'impulsion de l'homme de presse Max Gaines. L'éditeur de Superman, que tout le monde refuse de publier avant lui, a l'idée géniale de se départir des comic strips quotidiens afin de produire de longs récits au sein de fascicules agrafés, faussement appelés comic books. En février 1934, Max Gaines crée le premier comic book de l'histoire : Famous Funnies. À partir de 1938, Superman paraît sous cette forme.

Gaines est à l'origine de la création de la maison d'édition DC Comics, l'un des deux grands éditeurs américains avec Marvel. DC est l'éditeur de Batman et de Superman, créé pendant l'âge d'or, quand Marvel est plutôt lié à l'âge d'argent, celui d'après. À partir des années 1950, sous l'impulsion notamment du scénariste Stan Lee, Marvel publie les comic books des super-héros Spiderman, Iron Man, Daredevil, le Surfer d'argent ou les Quatre Fantastiques. Le lectorat se rajeunit pour s'adresser plutôt aux adolescents.

Contre la bien-pensance

Durant cette période, les comic books aux États-Unis sont publiés sous l'autorité d'un Comic Code instauré en 1954 suite à la publication par un psychiatre, Fredric Werthman, d'un livre anti-bande dessinée intitulé Seduction of the Innocent. Cette forme de censure, sévissant également en France au même moment, bannit toute référence à la violence et à la sexualité, interdit de moquer l'autorité et oblige les scénaristes à faire triompher le bien sur le mal : elle va marquer durablement la production.

Saint-Ogan invente l'une des
esthétiques les plus importantes
de l'histoire de la BD : la ligne claire.

C'est en réaction à la Comic Code Authority que certains dessinateurs américains, sous la figure tutélaire de Robert Crumb, biberonnés au journal satirique Mad de Harvey Kurtzman, créent l'un des mouvements esthétiques les plus importants de l'histoire de la BD : les comix underground. En ajoutant un x à comic, ces dessinateurs issus des mouvements contestataires des années 1960 savent ce qu'ils font. Leurs préoccupations libertaires, autobiographiques et sociétales vont définitivement faire entrer la BD mondiale dans l'âge adulte. Bientôt, ce mouvement culturel traversera l'Atlantique. En France, Marcel Gotlib, Claire Bretécher et Nikita Mandryka créent L'Écho des savanes en 1972.

En 1975, Gotlib s'en va fonder Fluide glacial et, la même année, Jean-Pierre Dionnet, Philippe Druillet, Jean-Pierre Farkas et Moebius créent Métal hurlant et les Humanoïdes associés. À la même période, au Japon, des dessinateurs se rebellent également contre les codes enfantins du manga inventés par Osamu Tezuka, le créateur d' Astroboy, en créant notamment le gekiga (manga réaliste) au sein du magazine Garo.

En France, cette évolution n'est pas allée de soi. À la fin du xix e siècle et au début du xx e, une forte industrie de l'album illustré et de la presse pour la jeunesse va porter la bande dessinée et le texte illustré sur le terrain de l'enfance. Ainsi de Bécassine, créée par Émile-Joseph Porphyre Pinchon en 1905, des Pieds nickelés, inventés par Louis Forton en 1908 pour la revue L'Épatant, et du Sapeur Camember de Christophe, publié dans Le Petit Français illustré à partir de 1890. Mais, contrairement aux Américains, qui font un usage récurrent de la bulle depuis le Yellow Kid de Richard F.

A l'orée du XXIe siècle, les
territoires d'expression de
la bande dessinée se sont
largement ouverts sur le monde.

Outcault publié dans le magazine Truth à partir de 1896, les auteurs français laissent sagement les textes sous les dessins. Or la bulle est, sinon une contingence obligatoire à la bande dessinée, au moins l'un de ses arguments les plus spectaculaires. Il faudra attendre Alain Saint-Ogan, l'inventeur de la BD européenne moderne, pour que la bulle fasse son apparition de façon régulière dans une série au long cours créée en 1925 : Zig et Puce.

On n'en finirait pas d'énumérer les apports de Saint-Ogan au développement de la bande dessinée. Déjà, en 1845, l'inventeur de la bande dessinée Rodolphe Töpffer avait déterminé dans un livre, intitulé Essai de physiognomonie, les principales caractéristiques, issues justement de la caricature, présidant aux expressions visuelles des personnages, un élément fondamental de la BD. Tandis que Winsor McCay, aux Etats-Unis, avait inventé de multiples effets visuels liés notamment à la composition de la planche de BD, Saint-Ogan instaure ce que l'on appellera plus tard le " gaufrier ", un agencement classique de quatre bandes dans lesquelles prennent vie plusieurs cases de taille régulière.

Surtout, il invente l'une des esthétiques les plus importantes de l'histoire de la BD : la ligne claire. Le principe : signifier d'une seule et même épaisseur de trait tous les éléments de l'image, qu'ils soient au premier ou au second plan, et produire des aplats de couleur à l'intérieur, à la limite du coloriage. Cette esthétique, qui évoque l'art du vitrail au Moyen Âge, trouvera son aboutissement à travers l'œuvre d'Hergé, et notamment Tintin. Ce n'est pas un hasard : Hergé est un admirateur d'Alain Saint-Ogan. En 1931, il lui rend visite, alors qu'il n'a que 24 ans. Saint-Ogan lui offre une planche originale de Zig et Puce intitulée Gloire et richesse ...

Avec Saint-Ogan puis Hergé, la révolution n'est pas seulement esthétique. À partir de la Seconde Guerre mondiale, l'éditeur belge Casterman produit des albums à partir des épisodes de Tintin publiés dans Le Petit Vingtième. Hergé redessine de nombreuses cases et planches et même des histoires complètes comme L'Île noire, publiée une première fois dans Le Petit Vingtième en 1937 et 1938, puis en album en 1943 et enfin redessinée pour l'édition de 1966. Aux côtés de Tintin, un autre personnage franco-belge fondamental fait son apparition. Né en 1938, Spirou donne son nom au magazine éponyme.

Inventé par Rob-Vel, repris par Jijé puis développé par Franquin, Spirou est à Tintin ce que le jambon-beurre est à l'omelette aux truffes. On a longtemps opposé les gros nez de l'école de Marcinelle, où était imprimé Spirou, à la rigueur de la ligne claire hergéenne. En réalité, Franquin et Hergé se respectent énormément. Le père de Tintin déclare même, à propos de celui de Gaston Lagaffe : " Quand je vois Franquin, je me dis : mais comment peut-on nous comparer ? Lui c'est un grand artiste, à côté duquel je ne suis qu'un piètre dessinateur. " Hergé n'a pas entièrement tort. Chez Franquin, le dessin bouge littéralement sur la page, fruit d'une énergie graphique incomparable.

Le nouvel âge d'or

À l'instar des injonctions nord-américaines, la bande dessinée d'après-guerre en France est largement contingentée par la censure. À l'époque, le terme n'existe même pas : on parle d'illustrés. La loi de 1949, qui régit les publications pour la jeunesse, veille et interdit. Dans les bandes dessinées d'alors, pas de violence, encore moins de meurtres, pas de sexe ni de drogue : il faut protéger la jeunesse française. Communistes et catholiques produisent de nombreux journaux et albums afin de l'éduquer.

Vaillant, par exemple, est une extension du Parti communiste français, qui donnera bientôt naissance à Pif, la maison de Rahan, Placid et Muzo et même... Corto Maltese. Le premier organe de presse francophone qui considère véritablement la bande dessinée comme destinée à tous les publics s'appelle Pilote. Créé en 1959 sous la houlette de René Goscinny, Pilote publiera, outre les séries grand public Astérix, Achille Talon, Buck Danny, les prémices de la bande dessinée pour adultes : Blueberry de Charlier et Jean Giraud, Philémon de Fred ou Les Dingodossiers de Goscinny et Gotlib. Victime de la crise de la presse dans les années 1980, Pilote cesse de paraître en 1989.

(À suivre), le mensuel pour adultes des éditions Casterman, né en 1978 et qui publie Pratt, Muñoz et Sampayo, Schuiten et Peeters ou Jacques Tardi, cesse quant à lui de paraître en 1997. (À suivre) est l'ardent défenseur du roman graphique, une forme d'expression popularisée par l'Américain Will Eisner en 1978 avec l'album Un pacte avec Dieu. Les spécificités du roman graphique ? Une publication proche du format roman, une écriture en noir et blanc qui développe des préoccupations littéraires sur une forte pagination. Cette forme de récit sera privilégiée par les auteurs et éditeurs indépendants à partir de la fin des années 1980, en France et aux États-Unis, à travers notamment les travaux d'Art Spiegelman, Marjane Satrapi, Chris Ware, Daniel Clowes, Lewis Trondheim, Joan Sfar et Riad Sattouf.

À l'orée du xxi e siècle, les territoires d'expression de la bande dessinée se sont largement ouverts sur le monde et développent des thématiques variées. En librairie, les romans graphiques côtoient les mangas, les BD d'humour et d'aventure, les bandes dessinées didactiques et de reportage. Le public s'est féminisé et de nombreuses auteures internationales comme Catherine Meurisse, Posy Simmonds, Marjane Satrapi, Riyoko Ikeda ou Pénélope Bagieu sont désormais invitées dans les festivals du monde entier. De nombreux blogs sont créés sur Internet.

Pour autant, le papier et l'album restent des supports privilégiés. La preuve : les BD blogs ne demandent qu'à être publiés en livre et les plus populaires d'entre eux finissent comme tels.

Le dessin possède une réelle pertinence à être publié sur papier. La main qui dessine transparaît lorsque le trait est imprimé. En France, jamais on n'a vu autant de livres de bande dessinée en librairie : environ cinq mille titres sortent chaque année quand il n'y avait que cinq cents nouveautés à la fin des années 1970. Selon l'éditeur et critique Benoît Mouchart, " la bande dessinée vient de vivre un nouvel âge d'or ". Le neuvième art, une expression inventée en 1964 par le critique de cinéma Claude Beylie, attend sa prochaine mue.

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L'histoire mouvementée de la bande-dessinée - L'éléphant - La revue de culture générale

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En 1996, dans un hors-série de la revue Le Collectionneur de bandes dessinées, des spécialistes français s'époumonaient à l'idée que les Américains, la même année, célébraient le centenaire de la BD. Pour les Français, la bande dessinée était née en Europe avec Histoire de M. Jabot du Suisse Rodolphe Töpffer en 1833.

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Un jeu sérieux pour apprendre à distinguer le vrai du faux sur internet, vérifier les sources d'une information

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Reality Check / Au-delà des faits! - Media Smarts