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Texto do autor "Hunky Dory”, de David Bowie

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Texto do autor "Hunky Dory”, de David Bowie

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Em 1971 o clima no mundo havia mudado. John Lennon cantava que o sonho havia acabado, Janis Joplin e Jimi Hendrix estavam mortos, vitimados por overdose aos 27 anos, a guerra do Vietnã continuava a todo vapor com pilhas e pilhas de cadáveres diários exibidos na TV na hora do jantar e a juventude, que três anos antes sonhava com uma revolução mundial, sentia a barra pesada da repressão pelos quatro cantos do planeta.

Em meio a esse clima de fim de festa, David Robert Jones, um londrino de Brixton que havia se projetado nas paradas de sucesso em 1969 com a canção Space Odity atingindo o quinto lugar na Inglaterra, colocava no mercado o álbum Hunky Dory, mostrando pra quem quisesse ouvir, que iria arrancar seu lugar no panteão da grande arte do século XX sem pedir licença nem percorrer caminhos fáceis.

"Em uma posição que fazia referência a imagem icônica de Marlene Dietrich, um Bowie andrógeno abria caminho para um desfile de seus inúmeros personagens conceituais".

Bowie, que assumiu esse sobrenome artístico em 1966 para não ser confundido com Davy Jones, integrante do The Moonkes, havia lançado nos EUA pela Mercury Records, não fazia nem um ano, o disco The Man Who Sold the World e já entrava na década de setenta botando o pé na porta.

Para não deixar Hunky Dory afogado em meio a tantos lançamentos de estação, Bowie, que compreendia como poucos a natureza líquida da modernidade Pop, sacou para imprensa alguns de seus talentos mais evidentes: a capacidade de criar personagens conceituais para seus discos e a habilidade ímpar de sondar as tendências musicais mais inovadoras e repagina-las para um público ávido por novidades.

Pra começo de conversa foi logo se declarando gay para a imprensa, apesar de ser casado e ter um filho, e acabou promovendo mais ainda o álbum na onda do escândalo que se seguiu. Em uma época em que ainda haviam legislações criminalizando a homossexualidade nas chamadas "democracias ocidentais" e que lugares como Stonewall ainda eram fechados pela polícia a base de gás lacrimogéneo e cassetetes, a capa do disco jogou ainda mais lenha na fogueira dos tabloides de fofoca.

Em uma posição que fazia referência a imagem icônica de Marlene Dietrich, um Bowie andrógeno abria caminho para um desfile de seus inúmeros personagens conceituais, que haviam começado com Major Tom, em 1969 e que mergulhariam pelo universo do transexualismo em Hunky Dory até desaguar no icônico alienígena Zyggy Stardust de 1972.

É importante você saber, amigo velho, que quando a gente olha pra discografia de Bowie e coloca pra rodar seus álbuns na sequencia em que foram lançados é normal sentir um espanto embaraçoso com as suas metamorfoses, especialmente se você é um daqueles ouvintes que gosta de estilos bem delimitados e fica puto quando sua banda ou compositor predileto resolve tocar alguma coisa "fora da caixinha".

Agora, na minha opinião, o que assombra mesmo quando a gente se aventura a seguir a produção de David Bowie é sua capacidade desconcertante de antecipar, em dois ou três anos, para onde as tendências estéticas apontam e quais trilhas o universo Pop vai percorrer no futuro.

Em meio a tantos lançamentos naquele ano, Bowie chamou atenção ao assumir que era gay, mesmo sendo casado e tendo filho.

E é justamente com essa capacidade antecipatória, tal qual um viajante dos subterrâneos que sonda erupções vulcânicas e movimentos tectónicos no mundo da arte, que Bowie aparece em Hunky Dory tocando com o baixista Tony Visconti e com a base da banda que iria compor a Spiders From Mars, mostrando o que de mais inovador e ousado os anos setenta nos reservaria.

De Dylan a Lou Reed, passando por Andy Wahool e Sid Barret, Bowie mostra ao público consumidorda industria Pop, ainda viajando de ácido com os restos do banquete hippie do flower power, que poderia ser quem ele quisesse ser.

Com se estivesse exibindo sua capacidade criativa para um público que ainda não havia entendido bem o que estava acontecendo no mundo, Bowie transita de uma referência clara ao Velvet Underground em Queen Bitch, a um mergulho no transtorno mental de Sid Barret em The Bewlay Brothers, passando, como um atleta da música, de um estilo a outro, sem deixar a sua marca particular se perder.

Sem medo de ser comparado, escreve uma carta em forma de música para Dylan em Song For Dylan e ainda faz uma homenagem que deixou Andy Wahol apavorado, na música que leva o nome do artista que agregava os mais bizarros personagens do lado selvagem da América ao redor de sua Factory.

Mesmo em canções mais "sessentonas" como Kooks, que fez, com o inexorável carimbo dos Beatles, para Duncan Bowie, seu filho recém nascido, o camaleão não consegue soar anacrónico. Com aquela petulância dos que sabem que vão marcar o nome na história da arte, Bowie manda uma mensagem direta para seus heróis contra culturais dizendo: "sou um de vocês".

É por isso que é difícil encontrar, mesmo nas canções mais orquestrais como Quicksand ou na insuperavelmente clássica Life on mars, algum traço que não indique, naquele longínquo 1971, que aquela carta de apresentação em forma de álbum não seja a obra de um dos grandes da música popular do século XX.

Sem exagero, quando os arqueólogos do futuro (se existir futuro) recuperarem as ruínas dos últimos anos do milênio e forem empreender os julgamentos estéticos que mantem os artistas no panteão dos grandes nomes da música, certamente Bowie estará lá. Até porque, se não foi ele que matou os anos sessenta e inaugurou as últimas três décadas do milênio no campo da música popular com álbuns como Hunky Dory, Zyggy Stardust, Low, Station to Station e tantos outros, foi certamente ele quem limpou o corpo e ornamentou o caixão para o velório.

Ficha do disco
"Hunky Dory", David Bowie
Gravadora: RCA/Victor

Produção: David Bowie / Ken Scott

Nacionalidade: Inglaterra

Duração: 41min37

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[SAFRA 71] "Hunky Dory", de David Bowie - Substantivo Plural

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Em 1971 o clima no mundo havia mudado. John Lennon cantava que o sonho havia acabado, Janis Joplin e Jimi Hendrix estavam mortos, vitimados por overdose aos 27 anos, a guerra do Vietnã continuava a todo vapor com pilhas e pilhas de cadáveres diários exibidos na TV na hora do jantar e a juventude, que [...]

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Texto do autor: "Eletric Warrior", de T. Rex

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Texto do autor: "Eletric Warrior", de T. Rex

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[SAFRA 71] "Eletric Warrior", de T. Rex - Substantivo Plural

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Rezam as lendas que povoam a história do Rock que segundos antes de Marc Bolan aparecer diante das cameras no programa Top of The Pops, alguns respingos de glitter teriam, "por acaso", caído sobre uma fina camada de rímel que cobria suas bochechas. Esse pequeno detalhe teria, junto com os acordes da canção Hot Love, [...]

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Texto do autor "Songs of Love and Hate", Leonard Cohen

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Texto do autor "Songs of Love and Hate", Leonard Cohen

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Texto do autor: "Para cada arte, uma liberdade"

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Texto do autor: "Para cada arte, uma liberdade"

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Áustria, 23 de Abril de 2014. Ontem foi o aniversário de Ana e resolvemos comemorar jantando em Grinzing, um bairro um pouco afastado do hotel que fica em uma parte mais alta da cidade e que tem um ambiente bem agradável, cheio de restaurantes onde se pode comer comida austríaca e ouvir um pouco de música.

Não sei se foi o vinho, a música ou o clima romântico do lugar, mas o fato é que perdemos o último ônibus e passamos um aperreio danado, já quase de madrugada, num frio de dez graus, andando pelas ruas do bairro em busca de um táxi que nos levasse de volta ao hotel.

Essa é uma lembrança muito importante para os viajantes que gostam de percorrer livremente o território desses países do norte. Os ônibus passam na hora certa. Não dá pra negociar o horário imaginando que eles vão atrasar. Geralmente só catástrofes naturais, raríssimos acidentes de trânsito ou atentados terroristas, justificam o atraso no transporte público nesses lugares obcecados pelo controle do tempo.

"Tempo", inclusive, é um termo muito interessante, porque pode ser usado tanto no sentido cronológico, como aquilo que é medido no percurso do relógio, como o que é da alçada das eras, das épocas, dos períodos históricos.

Maria Theresia Walburga Amalia Christina von Österreich, a Maria Teresa (1717-1780) foi a única mulher a chefiar o Império Habsburgo.

Olhando nesse sentido, Viena é uma encruzilhada de épocas diversas, sobrepostas em suas ruas, esquinas e prédios.

Passamos boa parte do dia de hoje nos arredores da praça Maria Tereza, entre os museus de História da Arte e de História Natural, dois palácios monumentais, expressões da época em que Viena era a capital do império Austro-húngaro e rivalizava em potência com o império russo, o prussiano e o inglês.

Os dois palácios foram construídos por Francisco José. Um deles foi dedicado a natureza e o outro a arte universal. A impressão que eu tive, indo de um museu a outro, batendo perna pelos jardins e parques públicos dos arredores, é que, se o grande signo para se decifrar Praga é a música, a pista fundamental para descortinar o enigma de Viena é a arquitetura.

Ali, no lugar mais oriental que os povos germânicos chegaram (se a gente excluir a Prússia, de onde foram expulsos, vale lembrar), a arquitetura monumental das ruas amplas e dos palácios grandiosos do tempo imperial permanece lado a lado com inúmeros projetos de construção de arquitetura contemporânea, como o próprio prédio do museu Leopold, onde a gente se deparou com a maior coleção privada de quadros de Egon Schiele, além de várias obras de Klimt, Oskar Koskoscha e quase todos grandes artistas do expressionismo austríaco.

O traço limpo e geometrizado da arquitetura moderna é visto em muitos prédios que se espalham ao largo dos palácios imperiais junto a grandes construções de vidro e concreto, que eclodem pelos terrenos planos da cidade como se tentassem ferir o espaço com sua geometria aparentemente inviável, mostrando que o tempo de Viena não é apenas o tempo de sua antiga história aristocrática.

Talvez seja a influência de Otto Wagner, que marcou a vida urbana da cidade na virada do século XIX para o XX, passando por cima, sem muito pudor, das marcas de ouras épocas; medievais, góticas e barrocas, para que a modernidade abrisse o seu cortejo de experimentações e ousadias arquitetônicas.

Olhando para as ruas largas, praças e parques abertos, a gente percebe que aquele imprensado das cidades históricas da Europa foi descartado em Viena, em nome de uma reforma urbana que, seguindo o que Paris havia feito na virada do século XVIII para o XIX, acabou se tornando a marca registrada das capitais imperiais europeias.

Por dentro do repolho dourado

Vou confessar aqui uma coisa: de todas as artes, a que eu mais tenho dificuldade de compreender é a arquitetura. Isso porque, ao contrário de todas as outras artes que parecem ainda manter um afastamento entre o sujeito que experimenta e a "coisa" experimentada, no caso da arquitetura, você entra na obra.

Então... por isso sempre achei que a arquitetura fosse verdadeiramente a mãe da instalação e da performance. Jogar a vida pra dentro da arte e a arte pra dentro da vida causa um curto circuito na minha cabeça de escritor, de modo que eu não sei mais se eu estou produzindo a obra ou sendo produzido por ela.

É verdade... eu já fui, em algumas fazes da minha trajetória, capturado pelo meu texto a ponto de não conseguir saber ao certo o que era minha literatura e o que era minha vida. Isso, que parece extremamente sedutor quando você tem a idade de Rimbaud, é fatal quando você começa a se aproximar da idade de Jorge Luís Borges (um escritor que parece já ter nascido velho).

Por isso agora, quando eu chego aos 40, depois de muito lutar para tomar o controle do meu texto, me sinto meio desnorteado quando tenho de entrar em prédios como o da Secessão, por exemplo, naquela Viena que um dia foi de Freud, Wittgenstein e Klimt.

O prédio, que fica a menos de 600 metros dos dois monumentais museus imperiais, erguidos por Francisco José, imperador da Áustria e da Hungria, não é apenas uma ousada obra de arquitetura moderna, é também um manifesto político.

Um artefato arquitetónico de combate estético contra um passado imperial que, na virada do século XIX para o XX, já dava sinais de esgotamento.

Inaugurado em 26 de Março de 1898, o prédio da Secessão, pejorativamente chamado pelos defensores de estilos mais clássicos de "prédio do repolho dourado" em função de sua cúpula que lembra em muito o vegetal mais conhecido da culinária alemã, foi financiado em parte com o dinheiro de Karl Wittgenstein, o pai do filósofo que eu havia estudado na graduação, especialização e mestrado.

Karl Wittgenstein controlava o monopólio do aço e ferro dentro do Império Austro-Húngaro, no final do século XIX; era dono de uma das maiores fortunas do mundo e foi o pai de Ludwig Wittgenstein, um dos filósofos mais influentes do século seguinte.

Proprietário de siderúrgicas por todo império e dono de uma das maiores fortunas de Viena, Karl Wittgenstein era um grande financiador e apreciador de arte. Ele jogou uma grana arretada na mão de Gustav Klimt, Kulo Moser, Joseph Hoffman e Alfred Roller para que os artistas pudessem lançar a pedra inaugural de sua galeria.

O prédio da Secessão acabou se tornando o centro de disseminação de um estilo que era chamado da Alemanha de Jugendstill e na França de Art-Noveau.

A ideia era que o lugar fosse uma espécie de "templo" para uma "religião da arte" que substituiria, numa clara influência das primeiras leituras que os jovens alemães estavam fazendo da obra de Nietzsche, a moralidade cristã e burguesa por um "culto a beleza".

Não é a toa que em 1902 o prédio tenha sido escolhido para a primeira exposição pública da estátua de Beethovem, esculpida por Max Klinger.

Feita a partir mármore grego, alabastro do Tirol, marfim africano e bronze, a escultura representava Beethovem como um ser semidivino, em uma posição em que tradicionalmente os antigos representavam o Zeus olímpico.

No clima do evento, Klimt e vários outros artistas plásticos renovaram o interior do prédio, criando um ambiente todo preparado para inauguração da estátua, com música (dirigida por ninguém menos que Gustav Mahler), dança, poesia e... lógico, pintura.

É ai que entra Klimt com o intuito de dar um "toquezinho de coadjuvante" para o evento principal (a exposição da obra de Klinger). O pintor, cujo pai era gravador de profissão e descendente de agricultores da Boêmia, resolveu decorar as paredes da sala em que a estátua seria exposta com um "friso" de estuque, onde seria feito uma pintura intercalada com folhas de ouro e prata, madrepérola e vidro espelhado.

A obra, chamada de "Friso Beethovem" se destinava a ser apenas um ornamento decorativo para uma sala. Algo que deveria ser descartado após a exposição. Apesar disso, como era de se esperar, acabou gerando mais repercussão do que a própria estátua que deveria ser o centro das atenções.

O escândalo correu a cidade com os críticos de arte mais conservadores brandando nos jornais e nas revistas especializadas contra a "falta de pudor" com que as figuras femininas haviam sido retratadas, tomando tudo aquilo como uma ofensa pessoal contra o próprio Imperador e um atentado contra o bom gosto estético.

Para a sorte da gente que aprendeu a amar a arte, o friso não foi destruído de imediato, como havia sido planejado. Em 1915, Erich Lederer, um colecionador de arte judeu, adiquiu o friso para sua coleção particular. Em 1938, a obra foi confiscada pelos nazistas que estavam imbuídos em uma cruzada contra as "formas degeneradas de arte" moderna.

O material só foi devolvido a Lederer após a guerra, e ficou nas mãos da família até 1972, quando o governo austríaco, livre da paranoia conservadora nazista, adquiriu a obra pelo valor equivalente hoje em dia a 1,1 milhão de euros.

O friso passou onze anos sendo restaurado, até que em 1986, voltou a seu lugar de origem no prédio da Secessão, para que gente de todo mundo, inclusive nós, nativos da ensolarada e distante taba de Poty, erguida entre o rio e o mar e escondida do mundo por um sudário de areia fina, pudessem contempla-la.

Arquitetura me botou fora do mundo

Quando eu e Ana entramos, 112 anos depois da exposição inaugural, na sala onde o friso Beethovem se encontra, tive um alumbramento.

Quase como se fosse uma miração ou um daqueles inconvenientes flash backs de ácido que vez ou outra assaltam os velhos viajantes; psiconautas da inesgotável farmácia de Pacha Mama, tive a nítida sensação de que todos os tempos daquele século que passou podiam se cruzar naquela sala.

Diante dos espaços vazios na parede, que marcavam a ausência de partes do friso, perdidas ou destruídas pelos nazistas, o que sobrou das quadro grandes cenas da pintura de Klimt ainda pareciam brilhar, mesmo diante da luz ténue que é usual nessas salas de exposição.

A humanidade sofredora em busca do auxilio de um cavaleiro dourado que a salve da tormenta; as forças hostis das regiões infernais, representadas por um sombrio e monstruoso macaco, o gigante Typheus, ao lado de suas filhas: doença, loucura, morte, luxuria, volúpia e excesso; as figuras do reino da arte, em sua superação dessas forças hostis e finalmente... um beijo para o mundo. Uma explosão de amarelo e dourado (uma das especialidades de Klimt) que funciona como uma contrapartida pictográfica da harmonia musical do coral que canta a Ode a Alegria, no último movimento da nona sinfonia de Beethovem.

Sinceramente eu não sei bem o que a arquitetura faz com a gente mas sei que estar dentro daquela sala, diante dos fragmentos daquele friso, que sobreviveram a fúria nazista em um século tão conturbado quanto o que passou, me colocou fora do mundo por um bom tempo.

Quando saímos do prédio em busca de algo para comer e assistir o jogo da ida do Bayer contra o Real Madrid pela semifinal da Champions, fiquei ainda uns instantes diante da fachada, em pé, na escadaria que leva ao pórtico de entrada daquele templo extravagante, erguido para homenagear todas as potências apolíneas que atravessam os tempos da humanidade e cruzam suas eras espalhando o narcótico da beleza.

Foi então que notei, gravado na fachada, o lema dos fundadores daquele movimento, como uma lembrança definitiva, uma lição essencial dos artistas do passado, não apenas para mim, para todo um futuro que se descortina diante desse novo século que se inicia.

"Para cada época sua arte, para cada arte, sua liberdade".

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Para cada arte, sua liberdade - Substantivo Plural

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Áustria, 23 de Abril de 2014. Ontem foi o aniversário de Ana e resolvemos comemorar jantando em Grinzing, um bairro um pouco afastado do hotel que fica em uma parte mais alta da cidade e que tem um ambiente bem agradável, cheio de restaurantes onde se pode comer comida austríaca e ouvir um pouco de [...]

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Irônico, divertido, fantasioso, surreal e, ainda assim, verossímil! Essas são algumas impressões que se pode ter a respeito do novo livro de Pablo Capistrano, uma alegoria direta e mordaz do atual estágio em que se encontra a sociedade. Mergulhado até o pescoço em questões atuais como política, violência, consumo e segregação, o escritor e filósofo tece uma colcha superlativa de retalhos em "Os corvos chegaram para jantar". Com textos curtos, dinâmicos e imagéticos, a obra merece todos os adjetivos inseridos neste primeiro parágrafo por criticar o 'status quo' de maneira direta e ácida.

"Os corvos chegaram para jantar" será lançado nesta sexta-feira (3), às 19h, no Between Food and Gallery em Petrópolis. A rodada será dupla: o escritor Márcio Benjamin aproveita o embalo para apresentar o romance-zumbi "Fome" - ambos saem sob os cuidados da editora Jovens Escribas.

"Considero este livro o mais didático entre os que já publiquei por ser muito direto; a mensagem é clara, os textos são curtos e sem paradoxos", adiantou Capistrano em conversa com a reportagem do VIVER, acrescentando que o conteúdo mistura humor, referências filosóficas e política "não partidária". Ao todo são sete textos, independentes, onde o elo de ligação entre eles são os corvos (alusão a Edgar Alan Poe e Alfred Hitchcock) e o centro comercial.

Todas as situações narradas se passam no mesmo ambiente, ou no entorno: um enorme, hipotético e misterioso shopping center, terreno fértil para criar analogias e reunir diversas representações do comportamento social. Na medida que a leitura avança, é bem possível que a literatura de mero entretenimento passe a servir como base para reflexões mais profundas.

"Comecei a pensar no livro depois daquela passeata, em junho de 2013, quando tive um alumbramento ao ver a BR ocupada por uma multidão diversa. Percebi como o natalense vem perdendo o espaço para carros e condomínios; o comércio migrando para dentro dos shoppings", lembrou Pablo. No início do ato ele pensou que o protesto iria até a Câmara Municipal. "Foi quando notei que estamos emparedados entre os dois principais shoppings da cidade. Passamos a viver em função desses lugares", disse Pablo, que confessou se esforçar para conseguir passar mais de uma hora e meia dentro de shoppings.

"Só vou forçado ou quando quando tem algum lançamento de livro", reforça. Depois do estalo (para o novo livro) passou a prestar atenção em figuras que virariam personagens: a dondoca, o segurança, o atendente da lanchonete, o tarado em manequins de vitrine. "Em certo momento faço uma digressão fantasiosa sobre o que gostaria que acontecesse nos shoppings. São contos que tratam da nossa relação com o enorme 'shopping' que chamamos de sociedade".

Pablo adiantou o mote de algumas histórias: em "Camarada Stálin, amo você!" uma dondoca se apaixona por uma foto do líder russo que melhora seu desempenho sexual. Já "Cabecinha de papel" conta a história do segurança contratado para executar pessoas 'fora dos padrões' que circulam em volta do shopping. "Inclusive um desses contos, 'Meu amigo Satanás', pode virar filme. Estou trabalhando com (o jornalista e cineasta potiguar radicado no Paraná) Aristeu Araújo em um roteiro", revela o escritor.

Serviço
Lançamento dos livros "Os corvos chegaram para jantar" de Pablo Capistrano, e "Fome" de Márcio Benjamin. Sexta-feira (3), a partir das 19h, no Between Food and Gallery - Rua Campos Sales, 384, Petrópolis.

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Irônico, divertido, fantasioso, surreal e, ainda assim, verossímil! Essas são algumas impressões que se pode ter a respeito do novo livro de Pablo Capistrano, uma alegoria direta e mordaz do atual estágio em que se encontra a sociedade.

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Poema visual
Fanzine
Fotorreportagem

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Thiago Gonzaga
(Escritor, Editor da Revista da ANRL

A literatura produzida no Rio Grande do Norte faz parte do sistema literário brasileiro. Entendemos, com base em estudos do mestre Antônio Candido, que esse sistema é um conjunto de fatores - os autores e obras geradas dentro de um mesmo código linguístico, o público leitor, etc - que garantem à arte da escrita uma determinada regularidade, uma permanência, gerando a tradição. Sem dúvida, os leitores são o componente essencial do referido sistema, pois sem leitores permanentes, nenhuma literatura pode se desenvolver. Através dos leitores, se estabelece uma rede de comunicação de ideias e gostos, surgem debates, estímulos, rejeições, experiências, opiniões e valores estéticos. São esses mesmos leitores que vão criar uma ponte, uma linha de continuidade entre o passado, o presente e o futuro da vida literária de uma cidade, de um Estado, de um país. Daí a importância de divulgarmos, de forma séria, os nossos artistas de valor.

Importante nome da nova geração literária, se é que podemos dizer da nova geração, é o do escritor Pablo Capistrano. Filósofo, poeta, ficcionista, ensaísta e professor, Pablo Capistrano leciona Filosofia e Direito no IFRN. Mestre em Metafísica e Doutor em Literatura pela UFRN, ele é um dos nossos mais representativos escritores desse inicio de século XXI. Integrou, nos anos 90, o grupo cultural Sótão 277, que reunia teatro, literatura e poesia.

Créditos: Giovana Hackardt

Pablo Capistrano é escritor e filósofo

Pablo Capistrano é escritor e filósofo

Pablo Capistrano escreveu crônicas e artigos para diversos órgão de imprensa como Jornal de Hoje (Natal), A Tarde (Salvador), O Mossoroense (Mossoró), Tribuna do Norte (Natal), Diário de Natal e O Poti (Natal), O Metropolitano (Parnamirim) e publicou os seguintes livros: "Domingos do Mundo", poesia, (1999) "Descoordenadas Cartesianas em três ensaios de quase filosofia", Ensaios, (2001), "Pequenas Catástrofes", romance, (2002), primeira edição pela AS EDITORES (na coleção Letras Potiguares) e em 2005, segunda edição pela ROCCO (no selo safra XXI), "Simples Filosofia", crônicas, (2009), "É Preciso ter sorte quando se está em guerra", contos, (2011), "Filosofia do Direito", notas de aula, (2011).

Embora seja filósofo por formação, Pablo Capistrano é um intelectual que passeia pela História, Literatura, Poesia, Religião e Direito. No seu mais recente livro "A Grande Pancada" faz um resgate da história do jazz através de crônicas, com destaque para fatos que envolvem grandes nomes do gênero. "A Grande Pancada" é o segundo título do autor lançado pela Editora Jovens Escribas, comandada pelo Dom Quixote das nossas letras, Carlos Fialho.

Por fim, vale dizer, que, atualmente vivenciamos um problema que não é só do Estado: a falta de acesso a obras literárias, por parte dos mais carentes, falta esta ocasionada inclusive pela má distribuição de recursos e pela visão de que o livro e a literatura são coisas dispensáveis. Continuaremos divulgando nossos autores para que cada vez mais livros e autores potiguares, como Pablo Capistrano, cheguem às escolas. E quem sabe um dia, poderemos sonhar todos, como disse outro mestre da literatura, Jorge Luís Borges: "Sempre imaginei que o paraíso fosse uma espécie de livraria".

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Thiago Gonzaga (Escritor, Editor da Revista da ANRL A literatura produzida no Rio Grande do Norte faz parte do sistema literário brasileiro. Entendemos, com base em estudos do mestre Antônio Candido, que esse sistema é um conjunto de fatores - os autores e obras geradas dentro de um mesmo código linguístico, o público leitor, etc - que garantem à arte da escrita uma determinada regularidade, uma permanência, gerando a tradição.

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A Lente é um site que reúne coberturas de fotodocumentaristas de todo o Brasil acerca de fenômenos socioculturais na contemporaneidade, privilegiando as imagens como linguagem para contar histórias reais presentes no cotidiano das cidades e que passam ao largo das coberturas tradicionais da mídia.

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Uma forma de apresentar a poesia

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Doutora em Estudos da Cultura

A poesia visual consiste numa junção entre a literatura (o texto do poema) com as artes visuais (a imagem criada através das palavras). De modo simplificado podemos dizer que o poema visual é uma poesia que está amparada na imagem.

Um poema visual funciona com base na união das palavras com especial atenção para a aparência da composição final. Na poesia visual a organização das letras e das palavras é fundamental, porque a imagem formada transmite um sentido.

Apesar de estar associada muitas vezes a um movimento mais recente (a poesia concreta), a verdade é que a poesia visual, que usa tanto as palavras quanto a disposição gráfica para comunicar, existe há muito mais tempo.

Há registros de poemas visuais presentes desde a Antiguidade. Aproximadamente em 325 a.C. foi produzido, por exemplo, o poema O Ovo, de autoria de Símias de Rodes, que é o mais antigo poema visual que se tem notícia.

Poema O Ovo, de Símias de Rodes, datado de 325 a.C.

Exemplos de poemas visuais

O ovo, de Símias de Rodes

O Ovo é o primeiro poema visual que temos notícia e foi escrito por volta de 325 a.C., por Símias de Rodes, um nome importante da literatura grega.

Através da tradução acima, feita por José Paulo Paes, observamos como a criação se trata de um poema que fala do nascimento do próprio cantar. Os versos imitam o formato de um ovo, fazendo com que forma e conteúdo dialoguem abordando o tema da origem.

Apesar do conceito de poesia visual parecer uma inovação, vale lembrar que toda a escrita teve origem num desenho (a palavra originalmente era manuscrita, desenhada). Isto é, a palavra escrita nasceu de uma imagem, que socialmente se convencionou por um código comum. Apesar de ter origem numa imagem, a escrita foi se descolando da sua componente gráfica, visual.

São poucos os exemplos antigos que sobreviveram de produções que exploram o aspecto visual do texto - um dos raros exemplares é O Ovo.

Lixo, luxo, de Augusto de Campos

O poema mais famoso do concretismo no Brasil talvez seja Lixo, luxo, escrito por Augusto de Campos em 1966.

A criação curtíssima e visualmente potente faz uma crítica à sociedade ao brincar com as palavras Lixo e Luxo.

Ao utilizar apenas duas palavras - o luxo, que ajuda a compor visualmente a palavra lixo - o poeta brasileiro provoca o leitor a pensar sobre uma série de interpretações possíveis.

Algumas delas seriam: o desejo de termos uma vida luxuosa faria brotar em nós o que há de pior (o lixo)? Somos lixo por estarmos inclinados a buscar apenas o luxo? Aqueles que só buscam o luxo são, na verdade, lixo? A sociedade de consumo nos estimula a acumular lixo?

A criação de Augusto de Campos, bem sucedida, consegue provocar o leitor.

Aranha, de Salette Tavares

Publicado em 1963, Aranha é um dos principais poemas da poesia experimental portuguesa. Salette Tavares (1922-1994) foi uma artista portuguesa que começou a criar a partir da década de 60.

Brincando com as palavras, vemos a criação de uma aranha feita a partir de oito traços simples. A palavra aranha, que é decomposta e recomposta, se transforma no formato do próprio animal. Além de carregar o contorno de uma aranha, há em cada linha a presença de signos fonéticos que aludem ao animal em questão.

Segundo a autora Salette Tavares, a criação teria sido inspirada mesmo numa brincadeira com os filhos, que andavam para cima e para baixo com uma aranha de brinquedo durante o carnaval.

Chove, de Guillaume Apollinaire

O poeta francês Guillaume Apollinaire (1880-1918) criou em 1914 o celebrado Chove (no original Il pleut), uma poesia visual que remete para o movimento das gotas de água em direção ao chão.

Os versos, que imitam a chuva caindo, não são escritos como é habitual, na horizontal, e sim no formato vertical, oblíquo, rumo ao solo.

O texto em si também fala da chuva, transmitindo a mesma mensagem tanto através da forma quanto do conteúdo:

Chovem vozes de mulheres como se estivessem mortas mesmo na recordação
Chovem também encontros maravilhosos da minha vida ó gotículas
E estas nuvens empinadas começam a relinchar um universo de cidades mínimas
Escuta se chove enquanto a mágoa e o desdém choram uma música antiga
Escuta caírem os elos que te retém em cima e embaixo
(tradução de Sérgio Caparelli)

Carmina figurata, de Rabanus Maurus

Carmina figurata foi um tipo de poema visual dos mais antigos que se tem notícia, tendo começado a ser criado por volta de 350, durante o Baixo Império Romano, e se estendendo durante um longo período da história.

Esse tipo de criação apresentava um formato de cruz em meio ao texto, no princípio meramente decorativo, brincando com as palavras de modo a fazer uma referência ao divino.

A imagem acima é de uma das criações feitas por Rabanus Maurus, um dos escritores que mais trabalharam em carminas figuratas. Esse tipo de poesia era profundamente marcado pela fé e deixa clara a devoção tanto do autor do poema quanto da geração onde estava inserido.

Caracol, de Augusto de Campos

O poema concreto Caracol foi criado em 1960 e animado digitalmente pelo próprio artista depois de três décadas, em 1995.

No poema visual três elementos são exibidos: a palavra, a imagem (a forma) e o som do próprio poeta recitando.

Na criação o poeta brinca com a frase "Colocar a mascara", encontrando dentro dela a palavra caracol, enquanto apresenta a imagem do animal caracol, fazendo-o girar sem parar, se apropriando do desenho do seu próprio casco.

Rio: o ir, de Arnaldo Antunes

Um dos grandes nomes da poesia visual contemporânea é o poeta e músico Arnaldo Antunes (1960).

O seu poema Rio: o ir é construído todo com um formato circular, um octógono, dando uma ideia de movimento constante, que seria uma metáfora da própria vida. A vogal o, posicionada bem no meio do poema, é também uma circunferência. O i, por sua vez, em maiúscula, pode também ser lido como uma barra. O jogo com as palavras pode resultar em outras leituras como "oir" (que em espanhol quer dizer ouvir) ou mesmo "rir".

A palavra também se presta a uma outra leitura: disposta na página de forma diferente o leitor pode experimentar lê-la ao contrário: o ir.

Poema objeto Maravilha de Ferreira Gullar

Ferreira Gullar foi um dos artistas do concretismo brasileiro que mais investiu na criação de poemas objetos.

Maravilha é um exemplo desse tipo de criação onde a palavra está escrita num suporte físico e há a necessidade de interação com o leitor/espectador para que o poema possa funcionar.

Nesse caso específico de um lado do cubo está escrita a palavra grega παράδοξον, que quer dizer incomum, inesperado. É essa palavra que fica por cima, cobrindo a palavra maravilha. O poema objeto comunica não só através das próprias palavras, mas também através da estrutura/conteúdo.

As diferentes formas de poemas visuais

A expressão poesia visual pode ser usada para definir um grupo amplo de produções artísticas que compreendem desde poemas objetos, passando por poemas digitais, poemas ligados ao vídeo, ao som, etc.

Uma forte produção em crescimento é a infopoesia, uma nova forma de se fazer poesia, no computador, a partir de uma linguagem visual.

Muitas são as formas possíveis de se produzir um poema visual. De modo bastante genérico resumimos que, nesse tipo de produção, há uma mistura entre a linguagem verbal (composta pelas palavras) e a não verbal (composta pelas imagens). O suporte, por sua vez, pode ser variado: o poema pode ser desenhado na página, exibido numa tela de computador ou projetado sobre uma superfície, por exemplo.

A poesia visual no Brasil

No nosso país a poesia visual começou nos anos 50 com o movimento concretista. Alguns dos grandes nomes do concretismo foram Décio Pignatari, Ferreira Gullar e os irmãos Augusto e Haroldo de Campos.

O ano de 1956 foi especialmente importante para o grupo de poetas porque conseguiram levar ao público a Exposição Nacional de Arte Concreta no MASP.

Estavam todos unidos por um mesmo ideal: um desejo de renovação da poesia e uma vontade de experimentar uma nova estética. Os escritores dessa geração investiram numa produção mais enxuta, rigorosa, que, apesar de curta, estimulava o leitor a pensar em múltiplas interpretações possíveis.

Essa nova forma de ver a poesia, brincando com o aspecto imagético, aproximou esse tipo de criação artística do Design.

Outro ponto interessante é que, apesar de se preocupar com a parte estética, a poesia concreta está longe de ser uma forma vazia de se escrever poesia. Os artistas dessa geração se voltaram especialmente para a questão da crítica social, criando uma série de denúncias do que achavam que corria mal na sociedade brasileira e, de uma forma mais geral, no ocidente capitalista regido pelo consumismo.

Para essa geração, a poesia passou a ser vista de outra forma, não mais como um poema sobre algo, mas sim uma poesia centrada em si mesma, uma realidade em si.

É bastante frequente encontrarmos entre os concretistas poemas sucintos, marcados pela repetição ou por um jogo de palavras, abolindo o verso tradicional (linear, rimado e pontuado, por exemplo).

Dessa época o livro mais famoso é Teoria da Poesia Concreta (1965), publicado por Pignatari e pelos irmãos Campos, reunindo as grandes obras dessa geração contestadora.

Conheça mais sobre esse assunto lendo o artigo Poemas para entender a poesia concreta.

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O que é um poema visual e principais exemplos

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Doutora em Estudos da Cultura A poesia visual consiste numa junção entre a literatura (o texto do poema) com as artes visuais (a imagem criada através das palavras). De modo simplificado podemos dizer que o poema visual é uma poesia que está amparada na imagem.

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Já ouviu falar nesse gênero?

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Existem várias formas de expressar a criatividade, como o quadros pintados à mão, HQs, desenho animado, entre outras formas. Mas você já ouviu falar em fanzine? Hoje, você criativo da área de design, vai conhecer o fanzine (se ainda não conhece) e por que é importante para aqueles que querem mostrar os seus trabalhos de forma independente.

A palavra fanzine vem de fanatic magazine , que na tradução para a língua portuguesa, significa revista de fãs. Surgiu no século passado, nos Estados Unidos, na década de 20 e no Brasil, na década de 60 em São Paulo.

É uma revista feita por um fã de qualquer assunto (isso não é regra), pode abordar temas como feminismo, ficção, música, história em quadrinhos, tipo de alimentação, cartoon, fatos históricos etc. Pode ser escrito em forma de poesia, conto, documentário, entrevista, só imagens, entre outras opções.

Existem várias maneiras de apresentação do fanzine, como digital, impresso em gráfica, artesanal (este pode ser costurado à mão, colado, grampeado ou apenas encaixado), colorido ou preto e branco, desenhado à mão, colagem, carimbo, pintura, fotografias etc.

O fanzine tem uma grande importância para as manifestações artísticas e culturais, por ser feita de forma independente, interesses que estejam envolvidos com dinheiro não interferem na criatividade e no trabalho do artista. Um designer, ilustrador ou qualquer profissional da área de criação, pode divulgar o seu trabalho por meio de um fanzine, pois é uma porta de liberdade de expressão e criatividade.

Dependendo da campanha publicitária, o fanzine pode ser um meio de apoio à divulgação do produto ou serviço, isso irá depender do cliente e criatividade da equipe que for realizar o projeto, por mais que não seja um fanzine na sua origem, ele vai seguir o modelo do que já existe.

Um outro diferencial do fanzine, é que não são distribuídos em bancas de revistas/livrarias e possui uma tiragem limitada, então eles são raros. Um dos lugares de venda ou distribuição gratuita, são exposições voltadas para divulgação desse trabalho ou eventos que tenham relação com o assunto do fanzine.

Não é comum encontrar pessoas que façam fanzine, mas existem criativos que confeccionam e vendem pela internet.

Ficou interessado? Que tal fazer um para expressar a sua criatividade e aproveitar a liberdade de assunto para elaborar algo do seu interesse?

Deixo você com alguns exemplos e dois vídeos que ensinam a fazer um fanzine. :)
Tutorial como fazer um fanzine do canal Lucas Alencar. Tutorial como fazer um fanzine sem costura do canal Porto Iracema das Artes.
Imagens retiradas do: Wikipedia, UFPEL, Catraca Livre, Ceará Agora.

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Existem várias formas de expressar a criatividade, como o quadros pintados à mão, HQs, desenho animado, entre outras formas. Mas você já ouviu falar em fanzine? Hoje, você criativo da área de design, vai conhecer o fanzine (se ainda não conhece) e por que é importante para aqueles que querem mostrar os seus trabalhos de [...]

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A noite de terça-feira (28) foi novamente de grande alegria para o grupo de teatro potiguar Carmin. O espetáculo "A Invenção do Nordeste" teve mais uma noite vitoriosa, dessa vez no "13º Prêmio APTR - Associação dos Produtores de Teatro", em evento que aconteceu no Teatro Prudential, no Rio de Janeiro. A peça conquistou o prêmio na categoria "Autor", com Henrique Fontes e Pablo Capistrano, e teve os atores Robson Medeiros e Mateus Cardoso premiados na categoria "Ator Coadjuvante".

"A Invenção do Nordeste" também concorria nas categorias de Melhor Espetáculo, Direção e Cenografia no evento, que homenageou a atriz Marieta Severo.

Esse não é o primeiro prêmio nacional da peça. O espetáculo do grupo do Rio Grande do Norte tem conquistado prêmios importantes nos últimos meses, como o Cesgranrio e o Shell.

Henrique Fontes, ator e responsável pela dramaturgia da peça ao lado de Pablo Capistrano, acredita que a arte é a única forma de reconectar as diferenças no Brasil. "Todo reconhecimento por trabalho em cultura e educação hoje parece ressoar como uma afronta aos 'homens de bem'. Em que ponto chegamos, em que essa lógica do capital conquistado pelo mérito, pela bala ou pela bíblia quer desfazer a base de construção de toda sociedade que é exatamente sua cultura e sua educação. Por isso, celebro e compartilho esse reconhecimento com todos que seguem acreditando na força do teatro de grupo para fazer essa reconexão", diz.

O grupo Carmin segue em direção à cidade de São Paulo para apresentar"A Invenção do Nordeste" no Itaú Cultural, nos próximos dias 1 e 2 de junho. O grupo está na produção de um novo espetáculo para o próximo semestre e também voltará a circular com o emocionante "Jacy".

O espetáculo é baseado no livro "A Invenção do Nordeste e Outras Artes", do Professor Dr. Durval Muniz de Albuquerque Jr, e busca desconstruir imagem estereotipada do Nordeste e do nordestino.

Um diretor é contratado por uma grande produtora audiovisual para realizar a missão de selecionar um ator nordestino que possa interpretar com maestria um personagem também nordestino. Depois de vários testes e entrevistas, dois atores vão para a fase final e o diretor tem sete semanas para deixá-los prontos para o último teste.

Durante as 7 semanas de preparação, os atores refletem (e discordam) acerca de sua identidade, cultura, história pessoal e descobrem que ser e viver um personagem nordestino não é tarefa simples.

Em 2018, a peça circulou por estados como Pernambuco, São Paulo, Rio de Janeiro e Minas Gerais.

A peça é dirigida por Quitéria Kelly que também assina o figurino; com dramaturgia de Henrique Fontes e Pablo Capistrano; no elenco: Robson Medeiros, Mateus Cardoso e Henrique Fontes; assistência de direção, dramaturgia audiovisual e desenho de luz: Pedro Fiuza; direção de arte e cenografia: Mathieu Duvignaud; produção executiva: Mariana Hardi; preparação corporal: Ana Claudia Albano Viana; preparação vocal: Gilmar Bedaque; trilha sonora original: Gabriel Souto; design gráfico: Teo Viana; Xilogravura: Erick Lima; costureira: Kátia Dantas; edição de vídeo: Juliano Barreto.

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Espetáculo potiguar 'A Invenção do Nordeste' conquista duas categorias do prêmio APTR

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A noite de terça-feira (28) foi novamente de grande alegria para o grupo de teatro potiguar Carmin. O espetáculo "A Invenção do Nordeste" teve mais uma noite vitoriosa, dessa vez no "13º Prêmio APTR - Associação dos Produtores de Teatro", em evento que aconteceu no Teatro Prudential, no Rio de Janeiro.

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"E Esse Tal de Carmin?" - Episódio 04: “A Invenção do Nordeste” (07min, doc, 2020)