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Según lo que vivimos en las escenas de los grupos, aprendimos para una próxima ocasión, que antes de rodar 1. No se debe repasar la escena, sino generar la conexión de los personajes con la historia. 2. Si los actores en la escena deben buscar algo, hay que mostrarles donde va a quedar el objeto y cuando se distraigan esconderles el objeto, para que en la escena busquen de verdad. 3. No intentar explicarles  a los actores como es la relación de los personajes, sino darles el nivel de confianza y conexión que hay entre ellos. 4. Motivar el porque la escena empieza donde empieza, por ej: sentados en una sala sin hacer nada. Todos estos consejos para mejorar en un próximo rodaje.

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Clase 02-04-19 EL RODAJE DE LA ESCENA GRUPAL

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Clase 02-04-19 EL RODAJE DE LA ESCENA GRUPAL

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En este rodaje aprendimos que las cosas técnicas como, el retraso en la ambientación del set, que la grabadora de sonido se descargue o que se dañe una cámara, no puede ser razón para perder la tranquilidad y confianza con la que veníamos construyendo la relación de trabajo con los actores. Tuvimos varias dificultades técnicas que nos atrasaron el rodaje, quedándonos aproximadamente 30 minutos para realizar tres planos según el plan de rodaje, lo cual se llego a cumplir solo dos planos cerrados sin darnos tiempo la batería de la cámara, para rodar completo el plano general de la escena, por lo que también aprendimos que siempre es mejor rodar primero los planos generales para tener toda la cobertura de la escena y luego los planos más cerrados como apoyo.

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Clase 19-03-19 REALIZACIÓN DEL ENSAYO CON LAS ACTRICES 

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Clase 19-03-19 REALIZACIÓN DEL ENSAYO CON LAS ACTRICES 

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En este ensayo con las actrices aprendimos que no debemos forzar la emoción, porque en el rodaje quizá no veamos esa misma emoción, así que debíamos fijarnos en sus acciones para llegar a esa emoción en la que ellas se han distanciado en su amistad y para llegar a esto nos era importante que ellas estuviera concentradas en la conversación de lo que Lorena le dice a Jhoanna y como reaccionan ante ello, en conclusión era indispensable que estuvieran en el Aquí y Ahora para escucharse.

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Aprendimos que el ensayo es un proceso, no un resultado, donde lo importante es pasar tiempo de calidad con los actores para crear confianza, recopilar información para conocernos, proponer alternativas para encontrar al personaje y finalizar los ensayos teniendo confianza que el trabajo que realizamos con los actores es el ideal y ellos lo harán bien. Y para lograr esto tenemos que plantear un Plan de Ensayo en el que tengamos claro, la duración, el objetivo del ensayo y las actividades para actuar la escena.

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Clase 05-03-19 DESGLOSE DE TEXTO (GUIÓN)

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Clase 05-03-19 DESGLOSE DE TEXTO (GUIÓN)

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Aprendimos que este desglose se realiza una vez ya esta definido el guión, para tener claro como vamos a guiar a los actores en la intención de cada escena, para esto tenemos que realizar los siguientes pasos:
1. Primera Lectura, en la que se lee de "chorro" la escena y damos nuestras primeras impresiones.
2. Segunda Lectura, tenemos que identificar los HECHOS que están planteados en el guión, para ver si nos generan preguntas, si hay que investigar o lo que me imagino de la escena. Dar ANTECEDES, NECESIDADES, OBSTÁCULOS E INTENCIONES de los actores en escena y por ultimo tener claro la ESTRUCTURA Y BLOQUE DRAMÁTICO de la escena, para saber donde inicia cada acto relevante dentro de la escena.

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Clase 26-02-19 HERRAMIENTAS PARA EL CASTI

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Clase 26-02-19 HERRAMIENTAS PARA EL CASTI

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Continuando con la clase de casting, debemos saber que herramientas estamos buscando en un actor como 1. Escucha 2. Capacidad de modificarse 3. Conexión entre actores y director 4. Proposición de actores 5. Capacidad de justificación 6. Nivel imaginativo del actor 7. Lenguaje común entre actores y director. Las cuales podemos verlas con alguna actividad de juego por ej: Decirle a un actor que le diga al otro con mímica que necesita llevar a un viaje, poner de frente a los actores y que se digan las cosas físicas del otro, etc. Y así podemos ver si tienen o no estás aptitudes o herramientas que buscamos.

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Aprendimos que un casting es un momento para encontrar a los actores con los que sentimos conexión para poder trabajar juntos. Que el casting no es momento de probar aptitudes actorales ni proposiciones sobre los personajes. Es un momento en el que como directores y siempre, debemos dar para que ellos nos den y así ayudarnos entre todos, para que los actores entren en confianza y se tranquilicen, porque el momento del casting es el más vulnerable para ellos.
En ese orden de ideas debemos tener en cuenta que a la hora de hacer el llamado a casting, lo más relevante es la edad, sexo y característica física, únicamente si es relevante dentro de la historia, porque así nos damos la oportunidad que lleguen diferentes actores al casting y poder conocerlos como personas, que es lo que realmente importa.

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En esta clase aprendimos que hay que Describir a los Personajes con cosas puntuales que sean relevantes en la historia, por ej: Soy profesora, tengo una cicatriz, tengo 30 años sin olvidar que sena detalles que puedan discriminar a los actores (color, peso, ojos, etc).
También tenemos que saber de Donde Viene el personaje, porque para el actor es importante saber sus antecedentes y el Contexto (¿con quién estoy y donde estoy?) del lugar que vienen y así poder construir unas bases para el desarrollo del personaje, lo que nos permite más adelante en el momento que estamos dirigiéndolos, saber que impulsos les generan las acciones o reacciones que necesita la escena y poder modificar o probar nuevos si no están funcionando, todo esto desde la guía y orientación y nunca diciendo como tienen que hacer las cosas.

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En esta clase vimos que la palabra Viewpoints (que viene de la danza) nos sirve para observar
1. Duración 2. Tempo

3. Repetición 4. Respuesta Kinestésica 5. Relación Espacial 6. Arquitectura  7. Topografía

Para poner en práctica estos puntos hicimos un ejercicio en el que caminamos de distintas maneras por el salón, nos decíamos nuestros nombres al caminar, nos mirábamos fijamente y nos acercábamos a quien nos transmitiera esa confianza. En el mismo ejercicio nos dimos cuenta de que nuestra profesa al dar las indicaciones de cada cambio en la actividad no participaba con nosotros para hacerlo, así que no interactuábamos con ella, lo que nos hizo caer en cuenta que como directores debemos dar toda la actitud a los actores, para que ellos se contagien, sino no van a dar la actitud que se necesite.

Llevando los Viewpoints a trabajo con los actores, hicimos uso de los verbos de acción, por ej: Intimidar y Seducir, y pedirles que actúen las opciones que se les ocurran con esos verbos, hasta que lleguen a la acorde para la escena. Siempre teniendo en cuenta que la construcción del personaje es 50% Actor y 50% Director por lo que hay que ser flexibles a la hora de recibir sugerencias para el personaje.

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Clase 29-01-19 LOS ESTÍMULOS Y LA NECESIDAD

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Clase 29-01-19 LOS ESTÍMULOS Y LA NECESIDAD

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En esta clase aprendimos sobre la memoria sensorial, que sirve para generar Estímulos sea dolor físico o imaginar algo, que se muestren a través de estímulos reales, por ej: Cocinar, no es solo revolver el contendió de la olla. Tenemos que generar herramientas para las reacciones (ACCIÓN👉 PROCESO👉 REACCIÓN) Y las acciones al tener que evolucionar deben estar marcando una Necesidad, donde primero se cumple la necesidad más prioritaria y luego las demás necesidades, porque es de humanos querer cumplir nuestras necesidades.

Siempre evitando una dirección por resultado al indicarlo todo lo que tiene que hacer, por hay no estamos generando la construcción de confianza en su actuación, la cual debe ser 50% actor y 50% director.

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En la primera clase aprendimos que para ser director hay que interesarse por entender y socializar con las personas, en este caso por nuestros actores, manejando conceptos de actuación para poder guiarlos,por ejemplo con la organicidad, la cual podemos ver en la Pirámide de la Verdad:

VERDAD
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AQUÍ Y AHORA
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ESCUCHA (ENTORNO/COMPAÑERO/YO)

No hay que enseñarles a actuar, porque eso es lo que ellos saben hacer, así que su actuación dependerá 50% del actor y 50% del director, por lo que hay que crear un vínculo de confianza con el actor.