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La lirica è stata scritta di getto da Manzoni subito dopo aver appreso, sulle colonne della "Gazzetta di Milano" del 17 luglio 1821, la notizia della morte di Napoleone Bonaparte, avvenuta il 5 maggio precedente.

Obiettivo dell'ode non è tanto glorificare la figura straordinaria del generale francese, né suscitare la commozione per la sua morte (del resto, già con il poeta aveva chiarito di non essere tra gli ammiratori dei dominatori stranieri in Italia...), quanto sviluppare attraverso la figura di questo "uom fatale" (v. 7) una personale riflessione sui limiti dell'agire umano e sul grande disegno della Provvidenza divina, cui occorre, cristianamente, adeguarsi. Ed è a partire da questa lettura tra etica e storia della figura del generale francese che l'ode sviluppa tematiche che, negli stessi anni, troviamo sia nelle tragedie (il Conte di Carmagnola e l' su tutte) sia nel Fermo e Lucia, primo nucleo dei Promessi Sposi.

Metro: Strofe geminate di settenari, rimati secondo lo schema abcbde fghgie. I versi dispari sono sdruccioli, quelli pari sono piani, l'ultimo è tronco.

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Alessandro Manzoni, "Il cinque maggio": parafrasi del testo - WeSchool

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La lirica è stata scritta di getto da Manzoni subito dopo aver appreso, sulle colonne della "Gazzetta di Milano" del 17 luglio 1821, la notizia della morte di Napoleone Bonaparte, avvenuta il 5 maggio precedente. Obiettivo dell'ode non è tanto glori

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Commento

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Il "Cinque Maggio" di Manzoni: parafrasi e commento

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Analisi del testo, spiegazione e commento dell'ode, a cura di Alessandro Mazzini. Il Cinque Maggio viene composta da Alessandro Manzoni "di getto" (cosa eccezionale per lui) alla notizia della morte di Napoleone Bonaparte, il 5 maggio 1821.

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Alessandro Manzoni

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Poeta preromantico

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La scena underground inglese di metà anni '60, nata dal collettivo che ruotava attorno alla fanzine International Times e al popolare club psichedelico UFO. Una controcultura che ebbe influenzò i Beatles, e in particolare Paul McCartney che più di ogni altro traghettò elementi di questa rivoluzione nel mainstream.

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In morte del fratello Giovanni

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Il sonetto In morte del fratello Giovanni viene composto da Ugo Foscolo nella primavera del 1803 e pubblicato lo stesso anno nel volume dei Sonetti. Il testo è dedicato alla memoria del fratello minore,Giovanni Dionigi, ufficiale dell'esercito cisalpino morto, molto probabilmente suicida, nel 1801. Il testo, uno dei più noti del poeta, è ricco di rimand letterari classici e sviluppa temi tipici della poesia di Foscolo (che ritroveremo in altri sonetti importanti come o o nell'opera maggiore de ): il destino di esule, la morte come pacificazione dai tormenti della vita, il valore simbolico del "sepolcro" per gli affetti familiari.
Analisi e commento
La caratteristica che spicca maggiormente di In morte del fratello Giovanni è senza dubbio l'ordine e la misura calibratissima dei versi, che sembrano quasi in contraddizione con il contenuto dolorosissimo del testo, che descrive la futura visita del poeta alla tomba del fratello, che si toglie la vita nel 1801, schiacciato dai debiti al tavolo da gioco o per un'accusa di furto.

La prima quartina presenta Foscolo che, riferendosi alla sua condizione di fuggitivo,si augura di poter visitare la tomba del caro fratello, morto nel pieno della giovinezza. Già dal primo verso è esplicitato il modello letterario che serve da spunto alla composizione. Si tratta del carme 101 del poeta latino Catullo, anch'esso dedicato al ricordo di un fratello defunto. L' del testo latino recita:

Mùltas pèr gentès et mùlta per aèquora vèctus
àdvenio hàs miseràs, fràter, ad ìnferiàs

La prima differenza rispetto al precedente letterario è che qui il ricongiungimento è solo ipotetico: il poeta si riconosce in fuga per il mondo, e non può assicurare che "un dì" (v. 1) arriverà finalmente a rendere omaggio al fratello "su la tua pietra" (v. 3). Questo elemento doloroso è sottolineato dall' uso dei pronomi in questi quattro versi: si noti l'insistenza con cui compaiono sulla pagina i pronomi e gli aggettivi possessivi ("io", v. 1; "me", v. 2; "tua", v. 3; "mio" v. 3; "tuoi", v. 4), come nell'inutile tentativo di instaurare un dialogo con chi non può più rispondere. Come nel resto del sonetto, la forma è però molto ben bilanciata e non fa trasparire la sofferenza del poeta: gli endecasillabi si dividono in maniera equilibarata tra quelli a maiore (v. 1 e v. 4) e quelli a minore (v. 2 e v. 3), contribuendo al ritmo pacato della poesia. Le rime, scandite secondo il classico schema ABAB, coinvolgono tutte parole grammaticalmente affini: si tratta infatti di participi ("seduto", v. 2; "caduto", v. 4) o di gerundi ("fuggendo", v. 1; "gemendo", v. 4). Ad elevare lo stile contribuisce un'altra citazione classica, molto nota e facilmente riconoscibile dal pubblico dell'epoca: il fratello, al v. 4, è paragonato ad un fiore troppo presto reciso, con un'immagine che rimanda al nono libro dell', dove la morte di Eurialo è paragonata ad un fiore reciso dall'aratro.

Nella seconda quartina Foscolo inserisce l'immagine della madre che, trascinando la sua stanca vecchiaia ("or sol suo dì tardo traendo", v. 5, dove è evidente la citazione petrarchesca di Movesi il vecchierel canuto e bianco), parla di lui con il "cenere muto" (v. 6) del fratello, mentre egli non può che salutare la sua famiglia da una terra lontana. Foscolo evidenzia così due temi a lui assai cari: la condizione di esule, che gli impedisce di ricongiungersi con i suoi cari in una situazione così infelice, e la funzione basilare del sepolcro di essere una testimonianza della "eredità d'affetti" di cui si parla al v. 41 de I sepolcri. La tomba di Giovanni è infatti per il poeta l'unico segno di una possibile riunione con la famiglia dispersa; si spiega così il tono patetico della quartina, in cui i personaggi coinvolti ("la madre", v. 5; "tuo cenere muto", v. 6; "io", v. 7) si cercano senza riuscire a trovarsi, in quanto Foscolo può salutare i suoi cari solo "da lunge" (v. 8). E la separazione è ancor più dolorosa se si considera che essa coinvolge non solo gli affetti familiari del poeta ma anche il suo fortissimo amor di patria, rappresentato dall'espressione "i miei tetti" del v. 8: l'esclusione è dunque doppia, in quanto Foscolo non potrà mai più toccare le "sacre sponde" della natìa isola di Zacinto.

Questo tema viene sviluppato ed approfondito nelle due terzine: con un'atteggiamento già visto in , Foscolo confessa di sentire vicini a sé gli stessi numi ostili che tormentarono l'animo del fratello e prega di trovare quiete nella morte. La suggestione della morte (e forse del suicidio) è presente pure nella seconda terzina, dove anzi diventa l'unico mezzo per tornare dalla "madre mesta" (v. 14), che otterrà dalle "straniere genti" otterrà solo le ossa. Le due terzine riassumono così gli argomenti fondamentali del testo (l'esilio, il destino infelice, la morte come cura, la lontananza dagli affetti): il termine centrale è "quïete" (v. 11), su cui si concentrano le riflessioni del poeta sulla morte e sulla sua esistenza.

La scansione del discorso all'interno del sonetto è assai ordinata: la fine ogni strofa coincide con una pausa forte del periodo e anche i singoli versi (con le eccezioni degli enjambements dei v. 3-4 e v. 9-10) si modellano sulla misura della singola frase. La sintassi, priva di significative inversioni, è poi prevalentemente paratattica, seguendo lo sviluppo del ragionamento del poeta tra la presentazione della scena del sepolcro (prima quartina), il rapporto con la madre e la patria (seconda quartina), la riflessione sul destino e la morte (prima terzina), la richiesta per il futuro e la propria fine (seconda terzina). La forma del sonetto è insomma statica e bloccata, come se Foscolo volesse dare una patina di quiete e di serenità al proprio dolore. Anche la frequenza di citazioni classiche (Catullo, Virgilio) e moderne ( Petrarca su tutti) può essere intesa come un "filtro" di cui Foscolo si serve per oggettivare e placare il proprio dolore, incasellandolo in una rete di rimandi e di memorie letterarie. Importante anche la duplicità di piani che attraversa il testo: da un lato c'è il ricordo del fratello morto (la cui circostanza del suicidio dà l'avvio al testo); dall'altro, molto più preponderante, c'è l'io del poeta, che a poco a poco prende corpo e spazio. La riflessione malinconica sulla morte di Giovanni diventa la prefigurazione senza speranza del proprio destino di esule. Il tema del suicidio, che resta sotterraneo in questo sonetto, è però diverso rispetto allo Jacopo Ortis: nel romanzo giovanile esso era infatti la manifestazione estrema dell'animo romantico del protagonista (e dell'autore); qui invece è un ideale classico di pace e serenità, che finalmente donerà pace a chi è in perenne lotta col mondo.

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Foscolo, "In morte del fratello Giovanni": commento e analisi

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Il sonetto In morte del fratello Giovanni viene composto da Ugo Foscolo nella primavera del 1803 e pubblicato lo stesso anno nel volume dei Sonetti. Il testo è dedicato alla memoria del fratello minore,Giovanni Dionigi, ufficiale dell'esercito cisalpino morto, molto probabilmente suicida, nel 1801.

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il Romanticismo
Il Romanticismo è un vasto e complesso movimento culturale, filosofico ed artistico che nasce in Germania e in Gran Bretagna a cavallo tra la fine del 1700 e l’inizio del 1800 e che poi si propaga in tutta Europa. Il termine italiano “romantico” deriva dal corrispettivo inglese romantic che, a metà del XVII secolo, designa l’atteggiamento irrazionale e immaginoso nei confronti della realtà, con particolare riferimento alla lettura dei romances (opposti al novel, di ispirazione realistica) e dei romanzi d’avventura. Il termine - che inizialmente ha una sfumatura negativa se non dispregiativa - va poi a definire quel rapporto con il mondo in cui sulla verità naturale prevalgono le sensazioni indistinte, le aspirazioni ideali, il fascino per il mistero e l’ignoto. Questa tensione all’assoluto (resa col termine tedesco Sensucht, “aspirazione, anelito”) si unisce col piacere che deriva dalla categoria estetica “sublime”, ovvero quel piacere che deriva dalla contemplazione di uno spettacolo (soprattutto naturale) grandioso e pauroso al tempo stesso 1.

Se il Romanticismo, soprattutto in campo storico e filosofico, nasce come reazione alla “ragione” illuministica, cui opporre invece il primato della “passione” e del “sentimento”, gli sviluppi e gli influssi culturali del movimento sono davvero sterminati e coinvolgono buona parte della cultura moderna. Il Romanticismo in senso stretto si sviluppa tra fine del XVIII secolo e primi decenni del XIX sulla scia del movimento tedesco dello Sturm und Drang e tra i suoi grandi temi possiamo citare:

Il primato dell’individualismo: in antitesi all’immagine razionale dell’uomo ereditata dalla filosofia illuministica e aal connesso primato del raziocinio si propugna l’irriducibile individualità di ogni essere umano, nella sua specificità storico-culturale e socio-politica. Ogni uomo, secondo i Romantici, non obbedisce solo ai principi della ragione ma anche (e soprattutto) alle sue passioni e ai suoi sentimenti;

Lo storicismo: opponendosi all’universalismo della filosofia dei lumi (simboleggiata al meglio dell’impresa dell’Encyclopédie di Diderot e D’Alembert) il Romanticismo rivaluta le tradizioni nazionali e il patrimonio culturale di ogni popolo, valorizzando e rivalutando periodi storici (tra tutti, il Medioevo, considerato dagli illuministi un “periodo buio” per l’umanità) prima caduti nel dimenticatoio 2. Parallelamente alla riscoperta della Storia c’è il crescente interesse per il folklore e la cultura popolare, ritenuta depositaria dei valori puri ed autentici ormai smarriti dall’uomo borghese;

Il sentimento e il dolore: due veri e propri Leitmotiv dell’eroe romantico è l’idea che le passioni e le pulsioni dell’uomo non possano trovare pace, e che la vita sia di fatto un “tendere verso” qualcosa di assoluto ed impossibile, che non è mai dato possedere completamente. L’uomo romantico anzi definisce la propria identità in stretta relazione allo Streben 3 a cui è sottoposto. Da qui la vasta gamma di ansie e disillusioni, speranze e disfatte cui va incontro l’uomo romantico, che si tormenta nella misura in cui la sua sensibilità è troppo sviluppata e il suo desiderio di patire impossibile da soddisfare completamente. Alla ricerca dell’ordine e dell’armonia si sostituisce allora la nostalgia indefinita per qualcosa che non si è posseduto mai del tutto oppure il desiderio irrisolto per ciò che non si può avere. Queste due tensioni spostano spesso in un “altrove” distante nel tempo e nello spazio (l’Oriente esotico, piuttosto che la Grecia classica o i secoli passati) il luogo della pace e della felicità individuali, mentre all’uomo romantico non resta che la “noia” che, intesa come assenza di contrasti e di emozioni, è la peggior condizione possibile 4. L’esaltazione delle passioni individuali conduce anche alla scoperta del lato irrazionale dell’individuo, con un particolare interesse per la dimensione del sogno e della follia;

Solitudine e titanismo: l’uomo romantico non è in armonia con il mondo in cui vive, che gli sembra piattamente orientato al soddisfacimento dei bisogni puramente materiali. Da qui derivano due atteggiamenti intrecciati tra loro: da un lato, la solitudine dell’eroe, che è tale proprio nellacapacità stoica di sopportare le conseguenze della propria eccezionalità; dall’altro, il titanismo, cioè la ribellione volontaria contro forze così grandi e superiori (il Tiranno, il Mondo, la Natura, Dio) che l’inevitabile sconfitta diventa un segno di coraggio e di animo indomito. Esito spesso tragico di queste due tendenze è il suicidio, attraverso cui l’eroe romantico dimostra, in modo estremo, di non volere e di non potere scendere a patti con un mondo che egli non accetta;

L’amore e la Natura: l’amore (inteso in particolare sotto la forma della passione assoluta e spesso infelice) e la Natura sono i due grandi termini di confronto dell’eroe romantico, che vede nell’esperienza amorosa il vertice più alto del suo animo superiore e nello spettacolo della Natura la rappresentazione plastica e concreta del concetto di “divino”, in cui infondere i propri tormenti e le proprie illusioni, secondo appunto un atteggiamento tragico e titanico. Le figure femminili romantiche sono spesso protagoniste di amori tragici, mentre i paesaggi naturali vedono la prevalenza di scenari notturni, lugubri rovine o cimiteri, boschi e cascate, secondo il gusto del “sublime” e dell’“orrido”. Per altro verso, è possibile che il paesaggio naturale divenga invece il confidente per le inquietudini del protagonista, che qui può finalmente trovare pace e serenità;

L’ironia: di fronte alla grandezza della Natura e all’Infinito a cui l’uomo tende nel suo Streben c’è posto anche per un atteggiamento antitetico al titanismo e al dolore. quello dell’ironia, che nasce appunto dalla sproporzione tra le aspirazioni ideali e la realtà di fatto in cui l’uomo di trova immerso. Tale concetto verrà teorizzato in particolare da Friedrich Schlegel (1772-1829) nei suoiFrammenti (1797-1798).

Nel suo complesso, il Romanticismo apre allora una complessa ed articolata fase della storia umana, che, inaugurando la modernità, modifica in profondità i rapporti tra l’uomo e il mondo sulla scia di grandi eventi storici come il fallimento della Rivoluzione francese e l’età napoleonica e i primi segnali della Rivoluzione industriale. Il suo effetto è ravvisabile, oltre che in letteratura e in filosofia, anche nelle altre arti. In campo artistico ha molta importanza la teorizzazione sul “sublime”, “l’orrido” 5 e sul “pittoresco” (ovvero ciò che sfugge alla norma e alla convenzione, con particolare riguardo per i paesaggi naturali). Con il Romaticismo, in arte prende spazio quindi la ricerca di temi e soggetti che si allontanino dalla tradizione classica e dal gusto neoclassico. L’arte, nel pensiero romantico, diventa laporta d’accesso privilegiata per la conoscenza e, al tempo stesso, il campo in cui si manifesta al massimo grado l’eccellenza spirituale dell’individuo. Il pensiero romantico, oltre che sulla letteratura, avrà un profondo influsso sulla pittura e la musica, che viene considerata in questo periodo il linguaggio per eccellenza del sublime e di tutto ciò che va oltre le facoltà razionali dell’uomo.

In Inghilterra, gli esempi di arte romantica vanno dalla rivalutazione dell’arte gotica da parte di John Ruskin (1819-1900) fino ai paesaggi dei quadri di William Turner (1775-1851), Johann Heinrich Füssli(1741-1825) e John Constable (1776-1837). In Germania è la pittura di Caspar David Friedrich (1774-1840) ad assurgere a modello e simbolo del movimento stesso, come nel suo quadro più celebre, ilViandante sul mare di nebbia del 1818:

Crediti: Caspar David Friedrich [Public domain], via Wikimedia Commons

In Francia, la scuola pittorica romantica si afferma con Théodore Géricault (1791-1824; La zattera della Medusa, 1818-1819) e Eugène Delacroix (1798-1863; La libertà che guida il popolo, 1830), mentre in Italia la scuola “romantica” è quella di ispirazione risorgimentale di Francesco Hayez (1791-1882; Il bacio, 1859). In ambito musicale, l’espressione più caratteristica del Romanticismo sono il dramma musicale e il “teatro totale” di Richard Wagner (1813-1883). La stagione romantica vede tra i suoi protagonisti anche Ludwig van Beethoven (1770-1827) e Franz Schubert (1797-1828), a cui poi si aggiungono, in area tedesca, Felix Mendelssohn (1809-1847), Robert Schumann (1810-1856), Franz Liszt (1811-1886) e, in Francia, Frédéric Chopin (1810-1849) e Hector Berlioz (1803-1869). Tra i nomi del Romanticismo musicale italiano si possono citare Niccolò Paganini (1782-1840), Gaetano Donizetti (1797-1848), Gioachino Rossini (1792-1868), Vincenzo Bellini (1801-1835) e Giuseppe Verdi (1813-1901).