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Huile sur toile de 59,9 cm par 49 cm, 1937.

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C'est le portrait de Dora Maar , qui était alors la maîtresse de Picasso. Dans les années 30, ses portraits prennent des aspects de plus en plus dramatiques. Les corps et les visages sont « triturés et déformés », avec une certaine violence esthétique due à la période de guerre civile qui frappe l’Espagne. Alors qu’elle s’apprêtait à partir, Dora Maar apprend la mort de son père : elle se met soudain à éclater en sanglots, avec un mouchoir aux pointes acérées qui lui agressent les yeux où l'on aperçoit des avions bombardiers. Les grosses gouttes de larmes restent collées à ses paupières. Le milieu du visage de Dora est recouvert du mouchoir mais l'on voit à travers. Il est peint en gris et en blanc pour accentué la tristesse de Dora quand elle a appris la mort à son père.
La première fois où j'ai vu cette œuvre je n'ai pas compris le sens ni même pourquoi il y avait du gris alors que le reste était coloré. Après avoir fait des recherches, je la trouve très touchante car on apprend que la guerre doit être vraiment difficile pour les femmes car elles ne participaient pas à cette guerre et elles attendaient des nouvelles de leurs maris , frère ou même père. Cette œuvre dénonce donc la souffrance des femmes espagnoles pendant la guerre d'Espagne et les guerres en général, Dora Maar en devient le symbole.

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Exposée à Bruges du 5 mai au 16 septembre 2018

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Cabinet d'architecte Studiocka, Plastic Whale

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Cabinet d'architecte Studiocka, Plastic Whale

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A l’occasion de la triennale de Bruges, une baleine de 12 m de haut et de 5 tonnes a été installé, surgissant du canal, près de la statue de Van Eyck. C’est une gigantesque sculpture réalisée à partir de déchets provenant de la « soupe de plastique » qui dérive dans les mers et océans du monde entier.

Le cabinet d’architecte Studiocka veut attirer l’attention sur la problématique de la pollution , qui nous con cerne tous, et amener les spectateurs à prendre conscience que chacun doit agir à son niveau.

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Oeuvre de 2022, collage et trucage photo

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Cette œuvre représente un océan d’une mer chaude avec beaucoup d’algues et de coraux. Au premier plan, on peut voir une multitude de poissons, su poisson clown au requin. Cette première image de l’œuvre est appelée "dans un passé lointain"  en Allemand.

La deuxième image est la même scène mais les coraux ont disparus pour certains, sont ternis pour les autres. Au premier plan, on ne voit plus beaucoup de poisson mais principalement des déchets et un bateau navigue à la surface, il s’agit d’un pétrolier. Cette deuxième image se nomme « 2022 ».

Cette œuvre a pour but de monter l’impact des activité humaines sur l’environnement maritime.

Pour cela elle compare l’océan il y a longtemps et océan aujourd’hui. La vue est de face, en plein dans la mer pour mettre celui qui regarde l’œuvre à la place des poissons qui sont remplacé quasi systématiquement par des déchets pour appuyer sur la cause de leur mort.

Cette œuvre envoie le message de cesser la pollution par le plastique (déchets) et le pétrole.

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J’ai choisi de créer une œuvre engagée contre les abus sexuels sur un modèle facile à reproduire et qui peut s’adapter partout. Celle-ci s’appelle « Abuser ».

J’ai découpé une main dans du papier rouge. Le rouge représentant la violence et l’interdit. Ensuite j’ai découpé des lettres dans des magazines pour écrire la phrase « Ne me touche pas sans mon accord » au milieu de la main et si j’ai utilisé ce style d’écriture c’est pour exprimer que la presse écrite et plus généralement les médias ont un rôle à jouer dans ce genre de situation. Depuis que ces derniers ont commencé à en parler (le film « Les chatouilles », la série « Thirteen reasons why », le mouvement « Me Too » et les différents # …), de plus en plus de personnes portent plainte, osent prendre la parole et casser les non-dits.

J’ai aussi utilisé des lettres de magazines car dans les films elles peuvent être utilisées pour garder l’anonymat et je trouve que cela va bien avec les tabous autour des violences sexuelles qui ne devraient pourtant pas exister.

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Depuis 2010, il y aurait plus de 6500 travailleurs migrants à avoir perdu la vie sur les chantiers de construction des stades de la coupe du Monde 2022 au Qatar. Argent, cynisme et violations massives des droits de l'homme peuvent résumer cet événement pourtant tant attendu et qui continue de faire rêver le monde entier. Plusieurs équipes de football ont décidé de boycotter la Coupe du Monde 2022 comme la Norvège. D'autres vont porter des maillots avec écrit "Civil Rights".
Le terrain de football représenté est un peu déformé, pour signifier qu'ils ne sont pas tous prêts et pour rappeler un billet de banque. Sur la pelouse, il y a écrit "No to Qatar" (Non au Qatar), et "All Dead" (Tous morts). Nous pouvons aussi percevoir "money" (argent) car la FIFA n'a pas penser à la beauté du sport et ses valeurs, mais seulement à l'argent.

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Sculpture, 1969-1970, taille réelle. Duane Hanson est un artiste américain (1925-1996) qui a réalisé cette œuvre durant la Guerre Froide.

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Cette sculpture a été faite entre 1969 et 1970 et exposée au Ludwig Forum für Internationale Kunst. C’est une statue faite en résine.  Supermarket Lady est une caricature de femme américaine des années 1960.
Elle porte des bigoudis, des chaussons, comme si elle partait faire les courses alors qu'elle n'était pas prête. Cela arrive au États-Unis mais nous paraît très étrange en Europe.  Le cadis est plein, la femme est négligée : « le caddie remplace le panier, les produits sont fabriqués industriellement, l’embonpoint du modèle montre l’opulence de cette société de consommation ».
L’œuvre dénonce la société de consommation qui "aliène" les étatsuniens. L’œuvre fait preuve d’un réalisme hors du commun.

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Peinture à l’huile, par le peintre allemand Otto Dix de 1929 à 1932 .  « Triptyque » en bois : panneau central de 204×204 cm, panneaux latéraux de 204x102cm.

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L’œuvre est exposée à Dresde en Allemagne.
Sur la partie de gauche, on voit des soldats partant dans les montagnes, vers la guerre. Au centre on aperçoit une scène de guerre, la souffrance des soldats et leur douleur. La guerre est un massacre. Les armes, les masques à gaz, les corps déchiquetés par la mitraille et les cratère d'obus témoignent de l'atrocité de la Première Guerre mondiale, première guerre  "totale et industrielle" à laquelle l'artiste à participé. En bas, on voit un tombeau avec des soldats morts ou un abri où ils dorment. A droite, on voit deux figures blanchâtres, peut-être des fantômes ou une image de la sagesse ou de la mort.
Ce tableau est triste, avec des couleurs sombres. Otto Dix compare la souffrance des soldats à celle du Christ qui devient celle des homme, avec le format du triptyque. Il dénonce l'inhumanité de la guerre pour que les hommes se souviennent de leur histoire et en tirent des leçons.

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Œuvre  du mouvement cubiste, 3.49m*7.77m, réalisée en 1937, conservée au musée de la Reine Sofia à Madrid. 

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Picasso est un peintre, sculpteur, dessinateur, graveur espagnol né en 1881 et qui a vécu en France où il est mort en 1973. Cette toile dénonce le bombardement de la ville de Guernica le 26 avril 1937 lors de la guerre civile espagnole, ordonné le Général Franco avec l'aide des fascistes italiens et allemands. Il y a eu plus de 1600 morts et presque 900 blessés. C'est une commande pour le pavillon espagnol de l'Exposition internationale de Paris de 1937.
Au centre, une lampe en forme d’œil éclaire la scène, on peut y voir l’œil du peintre qui veut attirer l'attention sur cet événement. A gauche, un taureau peut symboliser la brutalité et fait référence à la corrida. La figure du cheval exprime la souffrance, la peur et peut symboliser les victimes, le peuple opprimé. Entre les deux, une colombe disparaît dans l'obscurité, comme le rêve d'une paix impossible. On peut également voir des figures humaines qui expriment le désespoir et la douleur (une mère et son enfant à gauche, une personne dans les flammes à droite).
A travers son tableau, Picasso met en lumière l'horreur de Guernica mais dénonce toutes les guerres et leurs victimes.

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Huile sur toile, 260 cm x 325 cm, Octobre/Décembre 1830, conservé au Musée du Louvre.

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Eugène Delacroix, La Liberté guidant le Peuple

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Eugène Delacroix, La Liberté guidant le Peuple

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Eugène Delacroix est né en 1798 et mort en 1863. Il appartient au mouvement du Romantisme qui vise à représenter les sentiments intérieurs des personnages, à faire partager leurs émotions au spectateurs.
Au premier plan, une femme debout sur les gravats et les cadavres brandit un drapeau français, suivie par des civils armés. A l'arrière plan on voit des bâtiments et la cathédrale Notre-Dame de Paris dans la fumée.
Ce tableau représente un événement historique, le soulèvement populaire contre le roi Charles X à Paris les 27-28-29 juillet 1830. Les "Trois Glorieuses" se conclut par l'abdication et la fuite de Charles X et le début de la Monarchie de Juillet, lorsque Louis-Philippe monte sur le trône. La figure de Marianne, qui deviendra un symbole de la France à la fin du XIXe s'inspire de cette femme, allégorie de la liberté, portant le bonnet phrygien.

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Huile sur toile, 91.4x147.3 cm, 1964. Publié en couverture du magazine Look. Exposé au musée Norman Rockwell à Stockbridge (États-Unis). 

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Norman Rockwell, The Problem We All Live With

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Norman Rockwell, The Problem We All Live With

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De style hyper réaliste, la peinture représente une petite fille, Ruby Bridges, âgée de 6 ans qui s rend à l'école. Cela se passe juste à la fin de la ségrégation aux États-Unis, durant laquelle les personnes noires et les personnes blanches ne se mélangeaient pas.
Ruby Bridges va dans une école fréquentée par des enfants blancs. Elle est escortée par 4 hommes, des marshalls. Sur le mur, on voit écrit le mot "Nigger" qui est une façon insultante de désigner les personnes noires en anglais. On voit également qu'on lui a lancé des tomates.
Sa robe blanche fait ressortir sa peau noir et le rouge des tomate peut faire penser à du sang. Il y avait beaucoup d'actes d'extrême violence envers les personnes noires durant la ségrégation, même des assassinats.
Cette œuvre dénonce le racisme qui persiste après la fin de la ségrégation.

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Huile sur toile, 131x162cm, après 1945 et conservée au mémorial de l’héritage juif. Par David Olère,sculpteur juif déporté à d’Auschwitz (1943-1945).

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On voit une famille de six personnes, deux femmes, une jeune fille, deux jeunes garçons et un bébé, qui vient d’arriver dans le camp et qui a été séparée des personnes valides de leur famille pouvant donc travailler.
Tous ont l’air extrêmement fatigués et ont la peau sur les os. Au-dessus d’eux se trouve un cadavre translucide, ce fantôme a l’air de protéger la famille. A la gauche du tableau, on voit le bras d’un soldat Allemand avec une arme à feu qu’il tient dans sa main. Dans l’arrière-plan, plusieurs détenus travaillent avec acharnement. On voit qu’ils sont dans un camp de concentration, ici, d’extermination grâce au grillage se trouvant à l’arrière-plan, à gauche.
Les enfants, les femmes et les personnes âgées ne pouvant plus travailler sont séparées et directement envoyées dans les chambres à gaz et assassinés.
David Olère a peint un message fort décrivant les horreurs de la Shoah.

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Graffiti, réalisé en 2015 à Paris par l'artiste de street Art français Combo. Son père est franco libanais (chrétien) et sa mère marocaine (musulmane).

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L'artiste s'est représenté avec un gilet et une djellaba et il porte une assez longue barbe. Le graffiti est noir, il ressort bien sur le mur blanc.
On voit des signes religieux comme le croissant de lune qui forme un "C", l'étoile de David qui représente un "X" et une croix chrétienne qui forme un "T". Avec les lettres o, e, i et s ils forment le mot "coexist", coexister  en français.
Il a fait cette œuvre pour la laïcité, pour que les gens comprennent que les religions vivent ensemble quelque soit le pays. Chacun peut croire en ce qu'il veut et de doit pas avoir de propos raciste.

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Banksy est un artiste de street art qui est né en 1974. Il travaille sous pseudonyme et son véritable nom et son identité exacte sont encore inconnus. Apparemment britannique et actif depuis les années 1990, il utilise la peinture au pochoir pour faire passer ses messages, qui mêlent souvent politique, humour et poésie. Ses œuvres sont des images humoristiques, parfois combinées à des slogans.
Sur cette œuvre, une petite fille est assise dans la rue et tient un ballon qui forme le "O" de "No future". Banksy a voulut montrer que des enfants peuvent se retrouver dans la rue, ils ne vont pas à l'école, sont sans famille et malheureux et qu'il n'ont pas d'avenir.

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 Graffiti réalisé au pochoir sur le mur de séparation entre l'Israël et la Palestine, Cisjordanie, 2005 

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Banksy, The Armoured Dove (la colombe sous les balles).

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Banksy, The Armoured Dove (la colombe sous les balles).

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L'artiste dénonce en quelque sorte la guerre, la haine qui règne entre ses deux pays voisin. La raison de sa réalisation est par rapport au conflit entre la Palestine et l'Israël. Le contexte historique est le conflit entre la Palestine et l’Israël. Banksy  a réalisé clandestinement 9 peintures sur le mur coté Palestinien. Cette barrière de 700 km construite en 2002 par l'état d’Israël divise la Palestine en 2 et cerne Gaza faisant du pays « une prison à ciel ouvert ». Les images qu'il fabrique cherchent toutes à percer le mur, à le franchir.
Une colombe tient dans son bec une branche, plus précisément un rameau d'olivier, et porte un gilet pare-balles. L'oiseau est ciblé au cœur par un lasser rouge, peut être celui d'un sniper. On voit une silhouette sombre d'un homme au premier plan, surement celui qui vise la colombe.
Le message est très fort, le fait de représenter la paix  qui se fait «tuer» par une arme qui représente la guerre est simple à comprendre mais saisissant.
En réalisant ses œuvres sur le mur Banksy appelle la communauté internationale à réagir face à l'utilité de cette barrière qui cherche à protéger mais qui divise et isole des populations civiles.

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2003, Jérusalem, mouvement artistique de l’Art Urbain ou Street Art.

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Avec cette œuvre, Banksy a voulu symboliser un appel à la paix entre deux pays en guerre, Israël et la Palestine. Banksy utilise essentiellement des pochoirs pour faire ses fresques qui sont plutôt réaliste. Celui-ci représente un jeune homme dont le visage est en partie couvert, vêtu d’un sweat et un jeans lançant des fleurs, qui est la seule partie de l’œuvre en couleur, à la place de projectiles. Le fait de mettre de la couleur uniquement sur les fleurs attire le regard.

On peut voir une nouvelle version de cette œuvre qui est aujourd’hui visible sur le mur d’une station-service en Cisjordanie et plus précisément à Bethléem.

Cette fresque me laisse penser qu’il faut garder l’espoir que la paix entre les deux pays est toujours possible.

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Pochoir, réalisé en 2002 dans les rues de Londres.

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Une fillette est vêtue d'une robe et sa main est tendue vers un ballon qui s'envole, rouge en forme de cœur. Elle vient surement de le lâcher. Sur l'escalier à coté est écrit "there is always hope", "il y a toujours de l'espoir". Même lorsque tout semble perdu il ne faut jamais baisser les bras.
En 2014, Banksy fait une nouvelle version pour le 3e anniversaire de la guerre en Syrie. La petite fille est voilée pour représentée une enfant syrienne. Il indique sur les réseaux sociaux qu'il rend hommage aux 9.3 millions de personnes qui ont du fuir la guerre en Syrie.

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Peinture murale au pochoir, 7m, immeuble du Royal Mail dans le centre de Londres, 2008

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Banksy, Une nation sous vidéosurveillance 

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Banksy, Une nation sous vidéosurveillance 

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CCTV signifie "closed-circuit television". En bas à droite, un enfant en sweat rouge est monté sur une échelle pour peindre le "T" à l'aide d'un rouleau de peinture. A gauche, un policier filme la scène. L'artiste montre que même lorsqu'on dénonce le fait que la société soit sous surveillance constante, on est surveillé. L’œuvre elle-même est peinte à proximité d'une caméra de surveillance.
Cela peut également faire référence à la phrase du serment d’allégeance au drapeau étatsunien "one nation under God" (une nation sous la surveillance/protection de Dieu). Les Etats-Unis sont souvent critiqués car c'est une société capitaliste parfois qualifié d'impérialiste. Ils veulent "contrôler et même diriger le monde" et donc nous surveillent tous.

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Cette peinture se trouve dans la jungle de Calais.

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Sur cette œuvre on aperçoit un homme avec un baluchon sur le dos ainsi qu’un ordinateur dans sa main droite. L’homme sur cette œuvre est Steve jobs qui est le cofondateur et l’ancien PDG d’Apple.

Steve Jobs est le fils d’un migrant syrien qui s’est réfugié aux États-Unis.
Cette peinture décrit le mouvement de migrations venu de Syrie au début de la crise migratoire européenne. De nombreux migrants venus principalement de Syrie, d’Afghanistan et d’Érythrée sont venus s’installer dans la jungle de Calais. En montrant Steve Jobs sur cette œuvre cela fais passer un message fort sur le fait que l’on peut tout réussir si on en a les convictions.

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Graffiti qui a été réalisé le 18 Décembre 2018 sur les murs d’un quartier populaire de Port Talbot, au Pays de Galles.

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On voit un enfant avec sa luge qui tend les bras et qui tire la langue pour essayer d’attraper les flocons de neige. Il a l’air content qu’il neige. Tout parait normal en cette période qui approche de Noël. Mais quand on se déplace et qu’on fait face au mur perpendiculaire, on se rend compte qu’il ne s’agit pas de neige mais de cendres qui proviennent d’une poubelle en feu. Le graffiti est en noir et blanc, seul le feu est en couleur, sûrement pour le faire ressortir.

Cette œuvre est une œuvre engagée car elle dénonce la pollution de l’air en dessinant un jeune enfant encore innocent. Il semble dire « Voilà ce que nos enfants vivent, plus tard ils vivront dans un monde pollué si on ne change pas très vite ». Banksy veut faire éprouve un sentiment de culpabilité aux gens en montrant un enfant victime de la pollution.