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Ilustraciones que mezclan la anatomía humana y el arte

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Ilustraciones que mezclan la anatomía humana y el arte

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Lexi Ames mezcla en sus ilustraciones las dos cosas que estudió: biología y el arte. Es una mezcla bastante interesante pero sobre todo que llama la atención de cualquier persona que vea sus trabajos, por que dibuja muy bien, las proporciones del cuerpo, de las cabezas, de los animales son exactas.

Son de esas ilustraciones que no dejas de ver y no sabes por qué. Y no por que sean malas o feas, todo lo contrario intentas descifrar todos los elementos con lo que están hechas. Por una parte miras el esqueleto de un ser humano, pero por otro lado ves que está hecho con acuarelas, plumas, colores, etc.

Ilustraciones de la anatomía del cuerpo humano mezclando el arte

Cada que encuentro un diseño, ilustración o cualquier cosa que se vea rara o que sea muy creativa, la traigo al blog para compartirla con todos. Y cuando vi una de las ilustraciones que hizo Lexi Ames, no dude ni un segundo en traerla acá.

Y es que su dibujos cumplen con los puntos anteriores; es creativa, es rara, pero sobre todo es original. Y creo que es por eso que atrapan la atención de todas las personas que las ven.

Son dibujos donde se puede ver la anatomía de un cuerpo humano. Por ejemplo hay una ilustración que parece fue hecha con una pluma de color azul, donde se ve una cabeza de perfil de una mujer. Se puede ver partes del cráneo, de la piel, de músculos, se ven los ojos, los dientes, etc.

Otra cosa que llama la atención de las ilustraciones son las distintas técnicas que utiliza para hacerlas. Utilizar plumas o acuarelas, hace que los dibujos se vean como antiguos o gastados. También ayuda mucho el papel con texturas y colores que utiliza como base.

Acá dejo la dirección del portafolio donde podrán ver más ilustraciones de esta joven artista | [ Ilustraciones de anatomía ]

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Ilustraciones que mezclan la anatomía humana y el arte

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Lexi Ames mezcla en sus ilustraciones las dos cosas que estudió: biología y el arte. Es una mezcla bastante interesante pero sobre todo que llama la atención de cualquier persona que vea sus trabajos, por que dibuja muy bien, las proporciones del cuerpo, de las cabezas, de los animales son exactas.

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Aunque partiéramos de la propuesta zuccariana de la Idea, es evidente que a lo largo de toda la Historia del Arte el artista se ha valido de modelos para la realización de su obra. Estos modelos pueden dividirse en tres tipos: literarios, plásticos y de la naturaleza; siendo los primeros importantes para el tema, los segundos para la realización propiamente plástica y los terceros para ambos conceptos a la vez. Es decir, volviendo a Zuccari, unos inciden en el disegno interno y otros en el disegno externo, como veremos a continuación.

Los modelos literarios

Uno de los aspectos más apasionantes de los análisis artísticos es comprobar como ante una misma fuente literaria cada autor, según la época y su ideología artística, resuelve la composición de forma distinta.

Antes de pasar a la ejemplificación cabe dividir las fuentes literarias atendiendo a su idiosincrasia. Así, la mitología y la historia tendrán en los textos literarios del pasado, más o menos inmediato, sus modelos. La Biblia -Antiguo y Nuevo Testamento- informará los temas religiosos, así como las vidas de los santos, leyendas, evangelios apócrifos... Por último, la novela será en ocasiones efecto causal de temas plásticos, y la alegoría tendrá en los libros de emblemas y jeroglíficos sus fuentes predilectas.

Referente a la Mitología, las fuentes literarias son abundantes destacando Las Metamorfosis y las Heroidas de Ovidio, la Teogonía de Hesiodo, la Iliada y la Odisea de Homero, los Idilios de Teócrito, el Fabulorum Liber de Higinio, las Eglodas y la Eneida de Virgilio, la Aquileida de Estacio, el Excidium Trieae de Dares Frigio, los Imagines de Filostrato el joven, ...

Los textos históricos son menos abundantes, aunque cabe destacar las Vidas paralelas y las Vidas morales de Plutarco referentes a Alejandro Magno y los libros de historia fuente indispensable para un tipo de pintura que llegó a su culminación a finales del siglo XIX.

La Biblia en su conjunto será un libro recurrente en las composiciones religiosas, principalmente en el Antiguo Testamento: el Génesis, el Exodo, el libro de los Reyes, el Paralipómenos, Judit, Ester, Macabeos para los temas históricos; y los Salmos, Proverbios, Eclesiastés, el Cantar de los Cantares y los Libros proféticos y lamentaciones para los temas alegóricos. El Nuevo Testamento obtendrá de los Evangelios y Hechos de los Apóstoles los temas históricos; y del Apocalipsis los temas alegóricos.

A la Biblia cabe añadir las hagiografías y sobre todo los Evangelios apócrifos y el libro La Leyenda Dorada de Santiago de la Voragine.

Los textos literarios son abundantes aunque cabe destacar por su importancia el Orlando Furioso y el Orlando enamorado de Ariosto y la Divina Comedia de Dante.

Los libros de emblemas y jeroglíficos informarán los temas alegóricos y simbólicos, y tienen en la Iconología de Cesare Ripa, en la Fisiognomia de della Porta, en Alciato y en los Jeroglíficos de Horapolo sus fuentes de información a la vez literaria y gráfica.

¿Pero cómo utilizan los modelos los autores a lo largo de nuestro período? La enumeración exhaustiva escapa a las dimensiones de nuestra memoria, por lo que nos permitimos ilustrar esta pregunta con algunos pocos ejemplos.

En el tema La Conversión de San Pablo y la Crucifixión de San Pedro, podemos ver claramente como Miguel Angel en la Capilla Paolina (1442-1445) interpreta el tema narrado, el primero en los Hechos de los Apóstoles (9:1-9), y el segundo recogido de la tradición oral, de manera grandilocuente, propio de su particular concepto artístico. Caravaggio, en la Capilla Cerasi (1601) opta por prescindir de todos los elementos anecdóticos para centrarse en los personajes y potencias así su drama íntimo.

Un segundo ejemplo, el tema de Baco, es tratado anecdóticamente por Rubens de manera consecuente con su adscripción barroca; mientras, Carvaggio y Velázquez, en la línea naturalista, optan por la desmitificación del dios, el primero presentándolo enfermizo y el segundo relegándolo a un segundo término.

Los amores de Marte y Venus narrados en la Odisea (8:266-365) y en las Metamorfosis (4:171-189) son plasmados por los pintores del Quinientos centrándose en el hecho carnal del engaño, mientras Velázquez, en La Fragua de Vulcano, prefiere representar el momento en que Apolo comunica a Vulcano en su fragua el engaño de su esposa con Marte.

De la historia de Apolo y sus amores con Dafne, el Renacimiento -Pollaiuolo (1485)- escoge el momento de máxima tensión, mientras Poussin ( Apolo y Dafne, c. 1665) al final de su vida opta por representar a Apolo cansado y desengañado descansando junto al árbol de laurel en que se ha convertido Dafne.

En el tema Rebeca junto al pozo (Génesis, 24) la mayoría de autores, siguiendo el relato bíblico que dice textualmente: Bebe y daré de beber a tus camellos, colocan a estos animales en la composición, mientras Poussin, en su cuadro del mismo tema, en aras de una ordenación racional, huye de su inclusión.

Los ejemplos se podrían alargar, pero creemos que lo expuesto es demostrativo de que la libertad creadora supera los condicionamientos del modelo literario, pudiendo ofrecer los autores variadas soluciones de acuerdo con su ideología artística.

Modelos artísticos

A lo largo de la Historia del Arte las obras han servido como modelo a seguir o transgredir. El vehículo más idóneo para propagar obras artísticas ha sido el grabado, tanto el de creación como el de traducción, no pudiendo olvidar sin embargo, la obra original en su visión directa.

En el primero de los casos - el grabado- ha servido como modelo global o parcial. Recordemos aquí la versión que del Descendimiento de la Cruz del tríptico de la Catedral de Amberes (1609-1612) de Rubens, hizo Rembrandt (c. 1633) siguiendo un grabado de Vorstermann, o como los grabados de Durero y Raimondi influyeron en la pintura europea -principalmente española- del Renacimiento o los de Cornelisz Cort y el mismo Durero en la obra de Zurbarán. Asimismo, detalles paisajísticos, de arquitectura, o figuras y grupos aislados fueron utilizados por los artistas en sus composiciones pintadas o en relieves escultóricos.

La gran dificultad que entrañan es que son repertorios de forma sin color, problema que el mismo Poussin tuvo al querer realizar una pintura clasicista en función de modelos escultóricos de la Antigüedad carentes de cromatismo.

El estudio de esta serie de repertorios, que los artistas coleccionaban con celo, aunque a veces les eran proporcionados por los comitentes, es aún tarea por hacer, debido a la dificultad de elaborar un repertorio completo que tenga en cuenta la posibilidad de que hubieran sido consultados por los artistas. Señalemos que en ocasiones el historiador quiere encontrar modelos donde no existen y a veces las relaciones de causa-efecto son del todo improbables o fantasiosas, por no decir erróneas. Cabe añadir los repertorios de libros de arquitectura, verdaderos muestrarios para la difusión de las nuevas formas.

La obra en sí se convierte en modelo a seguir. Aquí el estudio de los viajes de los artistas es indispensable para evitar errores. Sería faltar a la verdad si creyéramos que los autores que toman un modelo preexistente son los de segunda fila. Un buen ejemplo es Velázquez, de quien no nos explicaríamos sus obras La Fragua de Vulcano (1629) y La túnica de José (1629) sin la influencia directa del clasicismo romano y el colorismo veneciano, o la Venus del espejo (1650) inspirada en el Hermafrodita Borghese.

Ejemplos ya contemporáneos a citar serían Le déjeuner sur l'herbe (1863) o el Pifano (1866), obras de Manet deudoras la primera de El Concierto de Giorgione y la segunda del Pablo de Valladolid (1632) de Velázquez. O también el antecedente renacentista de los pintores nazarenos o prerrafaelistas, y la impronta de Goya en la pintura romántica, realista y expresionista.

El mismo Dalí recrea temas del pasado -el Angelus de Millet (1858-1859)-, Picasso descompone Las Meninas, y el Equipo Crónica da volumen a los personajes de esta obra maestra velazqueña.

La naturaleza

En apartados anteriores ya hemos hecho mención de la importancia de la naturaleza como modelo en la teoría renacentista que prolongó su influencia hasta bien entrado el siglo XVII. Sin embargo, la gran revolución naturalista se realizó no en el campo de la teoría sino en la práctica, como lo demuestra Caravaggio. Su actitud de huir de los modelos -hecho por otra parte más literario que real- le llevó a proponer una enseñanza artística basada no en la copia de los mejores, sino en la observación de la naturaleza, de la realidad. Su influencia es aún hoy discutida en cuanto a su extensión; sin embargo, como muy bien señala Pérez Sánchez: "Lo que Caravaggio enseña a los pintores españoles es una actitud, no unos modelos. Caravaggistas van a ser los copistas de la realidad, no los copistas de Caravaggio. Y como la realidad es múltiple y diversa, el tono de los pintores españoles ha de ser necesariamente diverso."

La naturaleza será el modelo de los pintores holandeses seiscentistas, quienes retratarán su mundo de manera admirable al igual que de manera aislada realizarán algunos pintores de las escuelas meridionales.

El artificioso siglo XVIII, a pesar de la filosofía natural de Rousseau, abandonará la naturaleza por lo teatral, siendo el realismo a mediados del siglo XIX el que volverá a implantar el modelo de la naturaleza, que será llevado a su máxima inflexión por Corot y posteriormente por los impresionistas. La pintura de plein air, termino más literario que absolutamente real -pensemos en la afirmación que Degas hizo en una carta a un amigo de que al día siguiente iría al hipódromo, ya que después de haber pintado tanto este tema sería la primera vez que asistiría- y la aparición de la fotografía, hicieron protagonista absoluta a la naturaleza, a la realidad.

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Aunque partiéramos de la propuesta zuccariana de la Idea, es evidente que a lo largo de toda la Historia del Arte el artista se ha valido de modelos para la realización de su obra.

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Técnicas, materiales y herramientas sobre el dibujo artístico, para aprender a dibujar mejor. Aprende desde crear un boceto en papel hasta una obra final.

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El dibujo ha sido considerado herramienta esencial para el diseño. Esta ponencia muestra una estrategia didáctica que se basa en las habilidades y competencias del dibujante.

Seguidores: Nora Karina Aguilar Rendón Ciudad de México 134

Pensar que solo existe una forma o método para dibujar es limitar las posibilidades de solución al problema de representación, cuando en realidad son requeridos múltiples métodos de dibujo para resolver cualquier ejercicio práctico. Por otro lado, la elección del método debería estar relacionada con las habilidades particulares de cada alumno. Por ello, una parte importante de esta propuesta es la inclusión del conocimiento sobre una amplia diversidad de métodos de dibujo y la transmisión de ellos al alumno, pues así se brinda un abanico de instrumentos para dar estructura al pensamiento, para enfrentarse con la representación de un objeto o persona. Parini la define como "la estructura constitutiva es el núcleo generador de la imagen producida mentalmente cuando se piensa o se nombra una cosa y que, por tanto, podemos definir como representación mental". ¹

El concepto de estrategia de dibujo es un término originalmente propuesto por Gómez Molina (2006):

"El auténtico dibujo no está en el "dibujo final", sino en la "estrategia" que "dibuja" la malla que articula los estratos de "dibujos" que componen el proyecto. Una acción que permite mantener la individualidad de cada uno de ellos, como un sistema contradictorio de posibles reconstrucciones, y como la clave de una reflexión diferenciada sobre la identidad de los representado. La pérdida de los nombres, boceto, esquema, nota, apunte, esbozo, etc., su neutralización y su indiferenciación en el genérico "dibujo" es una pérdida irreparable de posibles construcciones de sentido". ²

Como estrategia didáctica, se propone que las asignaturas de dibujo no sean únicamente planeadas como taller, sino que en todo momento la enseñanza-aprendizaje y la práctica se eleven a un nivel académico integral de calidad, al involucrar conocimientos, habilidades y actitudes. Por ello, se plantea que en las asignaturas de dibujo se incluya un marco teórico, donde se citen a los exponentes o el contexto que sustenta el pensamiento que dio origen a cada método. Eso genera un cuadro histórico de lo que el método significó y sus aportaciones a la cultura en general. De esta forma el dibujo se entiende no solo como representación, sino como una forma de pensamiento y de un modo de interpretación del entorno.

Dibujo de visualización de espacio. Representación de profundidad.

Dibujo de visualización a partir de la memoria visual de corto plazo.

Esta estrategia busca una didáctica integral. El enfoque inevitablemente evoca al método de Pestalozzi, que pensaba firmemente que el dibujo educa la mente, la mano y el corazón. Nuestro método didáctico del dibujo está basado en una forma de desarrollo de habilidades, competencias y un medio para activar la creatividad.

La primera estrategia es demostrar a los alumnos lo que no están viendo y si están repitiendo esquemas en vez de observar. Sin una observación cuidadosa es imposible la incorporación de nuevos esquemas. Por otro lado el aprendizaje requiere una observación minuciosa para la reconstrucción y modificación de esquemas anteriores, así como la incorporación de nuevos. Es importante entender que el aprendizaje del dibujo para el diseño es un recurso valioso para el dibujo de representación sin modelo, y que todos podemos tener oportunidades de hacer más representaciones específicas cuanto más esquemas hayamos aprendido. Jerome Bruner (1987) nos explica que "la enseñanza del descubrimiento, en general, no implica tanto el proceso de guiar a los estudiantes para que descubran lo que esta "ahí fuera", sino, en realidad, el descubrimiento de lo que hay dentro de sus propias mentes".

Se puede concluir en que existen dos constantes en la didáctica y ejercicio del dibujo a lo largo de la historia artística: la petición del desarrollo de la observación y el uso de paradigmas y modelos. El binomio memoria-observación incluye dos elementos que, aunque han sido constantes en la historia del dibujo, nunca fueron considerados como recursos coordinados: uno no puede separase del otro. Se necesita una observación minuciosa del dibujante para incorporar, modificar o enriquecer un esquema.

Por otro lado se busca que alumno y el maestro identifiquen juntos habilidades y el uso de recursos específicos como:

1. Memoria visual: consiste en que el alumno pueda recordar la mayor cantidad de información visual.

2. Sintaxis: se refiere a la estrucutura y composición. Si el alumno logra situar los elementos en relación a otros, basado en el conocimiento y aplicación de métodos de dibujo (ejes, encuadres, dibujo de contorno o mapeo de sombras, geometrización, estructuras con volumen, figura de alambre, etcétera).

3. Trazo: demuestra el dominio del alumno en su capacidad psicomotriz; es evidente en el desempeño de su dibujo en la seguridad y soltura en el trazo, es visible en el peso de línea sobre la superficie.

La estrategia se refiere a considerar el proceso de construcción que se desarrolla particularmente en el bocetaje; al desarrollo de un proyecto particular para el cual se requiere de una estrategia de dibujo. Se entiende así que la estrategia del dibujo para el diseño no es el dibujo en sí, sino el proceso de visualización plasmado en el trazo.

1. Parini, Pino, Los recorridos de la mirada, España: Paidós, 2002, p. 77.

2. Gómez Molina, J.J. (Comp), (2006), Las lecciones del dibujo. Gómez Molina, J.J.: Los dibujos del dibujo, Editorial Cátedra, Madrid, p. 188.

Bibliografía

Edwards, B.,(1984) Aprender a Dibujar, Editorial Hermann Blume.

Bruner, J. (1987), La importancia de la educación, 1ª Edición. Paidós, España.

Bryson, N., (1991) Visión y pintura, Madrid: Alianza Editorial.

Damasio, A., (2010), Y el cerebro creo al hombre, Barcelona, Destino.

De Bono E.,(1996), El pensamiento creativo, Barcelona: Editorial Paidós.

Gombrich E., (1998), Arte e Ilusión, Madrid, Debate.

Gombrich, E., (1997), Temas de nuestro tiempo, Los artistas en su tarea: compromiso e improvisación en la historia del dibujo, Edit. Debate, Madrid.

Gómez Molina, J.J. (Comp), (2006), Las lecciones del dibujo, Gómez Molina, J.J.: Los dibujos del dibujo, Editorial Cátedra, Madrid.

Lowenfeld, V.(1975), W. Lambert Brittain, Creative and Mental growth, New York: Macmilan Publishing.

Pino, P., (2002), Los recorridos de la mirada, España, Paidós.

Vilchis Esquivel, L.,(2008). Método de dibujo de Gilberto Aceves Navarro, México: Universidad Autónoma Metropolitana.

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Estrategia didáctica en dibujo para el diseño - Nora Karina Aguilar Rendón

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Seguidores: Nora Karina Aguilar Rendón Ciudad de México 134 Pensar que solo existe una forma o método para dibujar es limitar las posibilidades de solución al problema de representación, cuando en realidad son requeridos múltiples métodos de dibujo para resolver cualquier ejercicio práctico.

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Modelos Del Cuerpo Humano - Banco de fotos e imágenes de stock - iStock

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Artistas más destacados del dibujo de la figura humana

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Artistas más destacados del dibujo de la figura humana

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Artistas más destacados del dibujo de la figura humana 

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Artistas Importantes de la Figura Humana Sagrada Familia Canigiani Pablo Picasso (1881 - 1973) Algunos Bocetos Miguel Ángel (1475 - 1564) Danae y la lluvia de Oro George Apperley Las señoritas Avignon La Transfiguración Pieter Paul Rubens (1577 - 1640) Pintor e ilustrador

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El cuerpo humano es una estructura conformada por diferentes extremidades, que le otorgan su forma característica, diferenciándolo de los animales. No existen dos cuerpos iguales. Es por esto que un día el psicólogo William Sheldon, inventó una categorización de los cuerpos, con el fin de relacionar los diferentes organismos humanos con sus modos y conductas.
La forma de los cuerpos de los individuos, se establece por la incidencia de varios factores como pueden ser la naturaleza ósea, el metabolismo, la masa muscular y la propensión para reservar grasas. Este psicólogo, los clasificó en tres categorías. Si bien en la actualidad se sigue utilizando esta clasificación, algunos profesionales concuerdan en que está un poco desactualizada porque existen muchas más clasificaciones posibles, por lo que optan por usar como base la ordenación de Sheldon y guiarse por alguna otra como la clasificación frutal, en donde se pueden diferenciar cuerpos con forma de manzana y de pera.
Clasificación en base a características somáticas:
Endomorfos: Los humanos con esta particularidad, poseen predisposición al sobrepeso por tener un metabolismo muy lento: almacenan grasas sin dificultades y de una manera muy fácil. Las particulares de este tipo de cuerpo son: consistencia blanda, con músculos poco desarrollados, un físico de aspecto redondeado, con dificultad para disipar peso, y la ventaja de ganar masa muscular fácilmente:

Ectomorfos: Corresponde a las personas de contextura delgada, y sus extremidades son alargadas. Mayormente se piensa que tienen un peso de consideración baja en proporción al peso "normal", pero esto ocurre porque tienen problemas para ganar masa corporal.

Una de sus principales dificultades, es la asimilación acelerada de los alimentos que comen, significando el mal aprovechamiento de los mismos. A este tipo de personas se las puede distinguir por algunas características puntuales como poseer un físico frágil, por su delgadez, por tener hombros pequeños, pecho plano y ser levemente musculado:

Mesomorfos: son cuerpos que nacen con predisposición a una contextura musculosa y deportiva. Tienen la ventaja de no necesitar ser demasiado escrupulosos con su dieta. Sin embargo, tienen muchísimas más posibilidades y facilidad para aumentar de peso, que la persona con características ectomórficas, y a causa de esto, deben controlar ese punto en particular. Son característicos los físicos duros y con marcada musculatura; en el sexo femenino se puede observar con forma de reloj de arena, mientras que en los varones se distinguen en forma de V o cuadrado. Es de destacar que poseen una postura excelente:
Clasificación frutal:
Esta clasificación se basa en la acumulación de grasa corporal. Se pueden distinguir dos casos, teniendo en cuenta el área en donde se visualiza una clara acumulación de tejido adiposo; la figura puede diferenciarse en dos formas de frutas.

Si el volumen de tejido graso se acumula en glúteos, muslos y cadera, estamos hablando con una persona con físico de pera:

En cambio si la grasa se manifiesta en la zona del abdomen, es definitivamente un físico en forma de manzana:
Clasificación con figuras geométricas:
La morfología, a través de esta categorización, demuestra que todos tenemos el mismo organismo pero con diferentes estructuras físicas. La anatomía se determina por las características estructurales que posea la persona, que además varía según el sexo. Habitualmente, aunque no están exentos de transformación muscular, los varones, suelen gozar de formas similares, que varían entre triangular o rectangular. En oposición, las mujeres experimentan otras figuras. A continuación, todas las posibles:

Cuerpo ovalado: usualmente se considera que las personas que poseen este tipo de estructuración, se encuentran por arriba de su pesaje ideal. Se caracterizan por no manifestar una forma detallada, hombros redondeados, sin prueba de que exista cintura delimitada y resaltando su parte más sobresaliente, la zona abdominal:

Cuerpo triángulo: Se destaca la proporción de la cadera más extensa, con respecto a la estructura de los hombros. Podemos observar un tipo de cintura muy acentuada. Los individuos, en su mayoría del sexo femenino, que poseen este tipo de anatomía, suelen disfrutar de un vientre llano, y un busto pequeño. Esto sucede porque en estos organismos se almacena la grasa mayormente en la superficie de las caderas:

Cuerpo triángulo invertido: Su característica principal es que sobresalen los hombros por encima de las caderas. Proporcionalmente son más grandes, por lo tanto el busto también lo es. Por otro lado, la cintura, no se encuentra ausente, sino más bien se localiza en un punto medio de definición, ni muy pronunciada, ni ausente. Por lo general las piernas tienen un aspecto delgado. Es la antítesis del cuerpo con forma de triángulo:

Cuerpo rectángulo: Por lo general no se observa en ellos una cintura delimitada. Los hombros se presentan de manera alineada y estructurada con respecto a la cintura. Es un cuerpo con proporciones similares, con respecto a los hombros, busto y caderas, alineado proporcionalmente. La característica a resaltar, por lo que se puede considerar a un cuerpo "rectángulo", es que no ostentan curvas definidas:

Cuerpo reloj de arena: Es uno de los físicos más anhelados por las mujeres, ya que se determina por tener caderas y hombros de volumen uniforme. Mostrándose con la cintura marcada y delimitada. Generalmente presenta busto acentuado y piernas estilizadas. Es un físico con aspecto curvo:

Cómo citar este contenido:

Enciclopedia de Clasificaciones (2017). "Tipos de cuerpos". Recuperado de: https://www.tiposde.org/ciencias-naturales/794-tipos-de-cuerpos/

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El cuerpo humano es una estructura conformada por diferentes extremidades, que le otorgan su forma característica, diferenciándolo de los animales. No existen dos cuerpos iguales. Es por esto que un día el psicólogo William Sheldon, inventó una categorización de los cuerpos, con el fin de relacionar los diferentes organismos humanos con sus modos y conductas.

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En Detalle: El Ser Humano como medida de la Arquitectura

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En Detalle: El Ser Humano como medida de la Arquitectura

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A través de sus detallados dibujos, el libro Arte de Proyectar en Arquitectura de Ernst Neufert ha sido parte importante de nuestra serie dedicada a los elementos y espacios arquitectónicos básicos. Aunque desde su primera edición -publicada en Alemania en 1936- el mundo parece haber cambiado enormemente, el famoso manual entrega conceptos elementales de diseño que siguen en su mayoría vigentes al tomar como unidad de medida al ser humano.

Sin embargo, la arquitectura parece tomar constantemente otros rumbos, alejándose de sus principios básicos para satisfacer requerimientos que muchas veces no tienen relación directa con su correcta habitabilidad. Ya en esos años, a Neufert le preocupaba el diseño desescalado: "creo que éste es el motivo de la usual falta de relación entre los edificios, ya que los proyectistas parten de escalas diferentes y arbitrarias y no toman en consideración la única correcta, el hombre".

¿En base a que parámetros hacemos arquitectura hoy en día?

Las medidas del ser humano son, declaradamente, el punto de partida de Neufert para el desarrollo de su libro. Su inquietud por el predominio de una arquitectura que había olvidado hace ya tiempo su origen primitivo de ser simplemente refugio para el hombre, lo llevó a recopilar una serie de dibujos y textos para dar un ejemplo de diseño en base a lo justo.
"Si queremos que esta situación cambie, se ha de enseñar al proyectista de donde han surgido las dimensiones, para evitar que las adopte de forma irreflexiva. Tiene que saber en qué relación están las partes de una persona y qué espacio ocupa en sus diferentes posiciones y al moverse".
No se trata de hacer espacios robóticos y estandarizados, se trata de diseñar dentro de un cierto rango de dimensiones funcionales en relación a sus usuarios, llevando al espacio a sus máximas posibilidades sin perder la escala justa y necesaria para ser habitado cómodamente.

"(El proyectista) tiene que saber de que medida son los objetos de los que se rodea el hombre (...), ha de saber cuánto sitio necesita el hombre, entre los muebles, para desarrollar sus tareas con comodidad, pero sin desperdiciar inútilmente el espacio". [1]

A pesar de la especificidad que puede alcanzar, es posible que esta unidad de medida permita que programáticamente los edificios sean más flexibles a largo plazo; los espacios responden a dimensiones que no cambiarán mayormente con el paso de los años, ya que son parte de la naturaleza del hombre. Otros parámetros espaciales de diseño incluyen siempre una cierta arbitrariedad que hará más compleja su adaptación y posible reconversión a nuevos usos.

¿De dónde nace nuestra arquitectura cuando proyectamos? ¿Estamos tomando como punto de partida la única medida que realmente importa?
* Dejamos con ustedes una serie de fotografías en las que los arquitectos han decidido incorporar al hombre como medida y escala del espacio diseñado, dejando en evidencia su justeza en cuanto a sus dimensiones e insinuando su correcta habitabilidad cotidiana y a futuro.* Más elementos y espacios básicos de la arquitectura en el siguiente link. [1] Citas extraídas de la Introducción "El Hombre como Unidad de Medida" del libro "Arte de Proyectar en Arquitectura" (1936), por Ernst Neufert.

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En Detalle: El Ser Humano como medida de la Arquitectura

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A través de sus detallados dibujos, el libro Arte de Proyectar en Arquitectura de Ernst Neufert ha sido parte importante de nuestra serie dedicada a los elementos y espacios arquitectónicos básicos.

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Ya hemos hablado en el blog de la utilidad de tener un átlas anatómico en la consulta para explicar a los pacientes algo más sobre las estructuras que componen el cuerpo humano, o para que los alumnos puedan repasar la anatomía y utilizarla en las exploraciones. En esta ocasión os quiero enseñar algo sobre un recurso gratuito que he encontrado en internet que creo que puede ayudarnos gracias al carácter interactivo de la herramienta. Es cierto que hay varios sistemas de visualización del cuerpo humano, incluso átlas interactivos para móviles. Éste no es mejor ni peor que cualquier otro, simplemente es uno más. Ofrece planes premium, pero la versión gratuita es muy interesante para una consulta puntual, o para enseñar en 3D el recorrido de algunas estructuras.

Una de las características interesantes es el apartado sobre situaciones o patologías concretas, en el botón " Conditions " se despliega un menú con un listado de situaciones patológicas que se explican sobre el modelo en tres dimensiones.

Os dejo a continuación un video de unos minutos que he grabado sobre algunas de las opciones que ofrece la herramienta, a la que podéis acceder desde http://www.biodigitalhuman.com

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Ya hemos hablado en el blog de la utilidad de tener un átlas anatómico en la consulta para explicar a los pacientes algo más sobre las estructuras que componen el cuerpo humano, o para que los alumnos puedan repasar la anatomía y utilizarla en las exploraciones.

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BIBLIOGRAFIA
Arttes Visuales 2
de Oscar Alonso Lara
Liliana Farias de la Vega.

REPRESENTACIONES ESCULTORICAS DEL CUERPO

La representación del cuerpo en la escultura ha sido una inquietante búsqueda de la forma para el hombre desde el paleolítico hasta nuestros tiempos, es una constante búsqueda de adoración y gusto a algo tan simétricamente perfecto como es la figura humana. Los artistas siguen experimentando con la figura humana y con diversos materiales en sus obras escultóricas para expresar y mostrar sensibilidad al espectador.

A diferencia de la pintura, el tratamiento de la figura humana en la escultura debe de ser más constante, es decir debe de seguir la proporción y los cánones de perfección en sus tres dimensiones (alto, ancho y profundo) para una mejor significación del tema a tratar.

Una de las principales características de la escultura que a diferencia de la pintura es que es tridimensional, tiene un alto, ancho y un volumen.

La escultura puede ser una representación realista o no realista.

REPRESENTACIONES REALISTAS

Las representaciones realistas del cuerpo humano en la escultura determinan ya en cierto grado una técnica fija, esto es, que se puede representar a un joven atlético y musculoso, o bien a un anciano con una piel arrugada dependiendo del tratamiento que le dé el artista, por otro lado las representaciones realistas de la figura humana dentro de la escultura debe encontrar una perfección en las proporciones de cada parte del cuerpo, es decir debe de ser una reproducción real, basada en la proporción armónica de 7 y 1/2 cabezas.

REPRESENTACIONES NO REALISTAS.

Las representaciones no realistas del la figura humana en la escultura obedecen a la intención del artista por exaltar sólo algún motivo de la obra, o bien, por deformar el cuerpo con un cierto grado de intención para provocar en el espectador una comunicación más directa con las formas de la pieza. Por ello la representación del cuerpo en una obra escultórica no realista profundiza más una composición de las formas, colores, etc; enalteciendo algún motivo, y es entonces que la figura representada pierde relación con el cuerpo como lo concebimos en la realidad.

Este tipo de representaciones es más libre, porque permite un tratamiento de la obra más independiente y entonces el artista experimenta las formas, desde el ahuecado, la textura o el ensamblado de piezas.

Esculturas Isla de Pazcua

ELEMENTOS COMPOSITIVOS EN LA ESCULTURA DEL CUERPO HUMANO

La escultura cuenta con elementos compositivos tales como la forma, el volumen, la dimensión, la textura y el material con el que se hace; en conjunto logran esa identificación con la gente, la cual hace suya en la vida diaria, por ejemplo, en las grandes avenidas o plazas de diferentes ciudades encontramos innumerables piezas escultóricas que representan distintas temáticas de los sucesos históricos de cada población.

Los elementos compositivos son:

La forma es el contorno de la pieza y la relación de la masa con el espacio. En el caso de una representación realista, las formas son totalmente apegadas a la realidad y no dan tanta oportunidad de experimentación, no así es el caso de las representaciones no realistas, ya que en estas piezas se permite más el juego con las formas tales como la abstracción a partir del manejo de espacios negativos o positivos, el ensamble, etc.

El volumen contiene el espacio que ocupa la materia en la pieza, es sensación de peso y equilibrio en la obra y se relaciona directamente con la dimensión.

La dimensión se determina por la proporción, el volumen y las medidas de la pieza, alto, largo y ancho.

La textura en las representaciones escultóricas del cuerpo está determinada por el tratamiento y el material que pretenda el escultor; la textura puede ser táctil, o bien solo aparentarla visualmente.

El material más conocido e impactante para la representación del cuerpo en la escultura, hasta el siglo XIX, era el mármol. Hoy en día los materiales son muy variados, ya sea cual sea se debe tener conocimiento de cómo manejarlo y conservarlo para el fin que queramos obtener. Los materiales que podemos encontrar son: madera, barro, piedra, bronce, fibra de vidrio y cera, como alguno de los más utilizados.

La escultura es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras en bultoya sean humanas, animales o imaginarias, detipofigurativo realista o no realista.

Desde la antiguedad el hombre ya esculpía en materiales sencillos con instrumentos rústicos, que posteriormente se convirtieron en útiles mas sofisticados aplicados con técnicas más específicas que se detallarán másadelante.

Enlos tiempos antiguosse utilizó mucho la escultura para representar la religión y los mitos.

LA ESCULTURA SE DIVIDE EN GRANDES RAMAS

ESTATUARIA. Conlleva el motivo principal.

Se divide a su vez en: de bulto redondo y de relieve

ORNAMENTAL. Es aplicado como auxiliar a otra estatua o a la arquitectura de unlugar.

La escultura estatuaria o bulto redondo.

Es por su estructura se puede observar desde cualquier punto. Si es humana se le denomina estatua y si es religiosa es imagen.

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REGLAS DE PARTICIPACION: Uso correcto de la ortografía. Respetar los comentarios de sus compañeros. Evita imágenes no relacionadas con el tema Especificar la Veracidad de la información de las páginas que consultan poniendo atención a lo siguiente. BIBLIOGRAFIA Arttes Visuales 2 de Oscar Alonso Lara Liliana Farias de la Vega.

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Gua completa de tcnicas, instrumentos y materiales empleados actualmente en ilustracin y diseo grfico.Ms de 250 ilustraciones a todo color, y ms de 300 ilustraciones y fotografas en dos colores y en blanco y negro.

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22.- Escala, cuadriculado y traslado de dibujos :: Valero

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Inicio Técnicas de Dibujo 22.- Escala, cuadriculado y traslado de dibujos

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Cómo Dibujar Expresiones del Rostro

Poder dibujar expresiones del rostro humano significa primero conocer las proporciones del rostro y posteriormente el comportamiento de los músculos ante diferentes emociones.

Dibujar las proporciones del rostro.

Antes de darle vida a un rostro hay que conocerlo, saber cuáles son sus proporciones, el color y tamaño de ojos así como su forma (achinados, redondeados...), tamaño y forma de las cejas, forma y tamaño de su boca (si el labio superior e inferior son más o menos carnosos...), el tamaño y forma de la nariz, el ancho y forma de la mandíbula, la altura de la frente y el peinado y color de pelo.

Muestra del estudio de la cabeza de un personaje.

Conocer las expresiones.

Las dos partes del rostro que dominan la expresividad del rostro son los ojos y la boca.

En los ojos las partes que más actúan son los párpados y las cejas. Unos párpados y cejas caídos significan una mirada triste. Por el contrario cuando se levantan puede significar una mirada alegre (si van acompañados de una boca que sonríe) o asustada (si van acompañados de una boca muy abierta enseñando los dientes).

Lo mejor es que, hasta que dominéis la expresividad, os baséis en la guía para expresiones que os dejo más abajo. También es imprescindible que toméis apuntes de vuestro rostro mirándoos en un espejo, esto os ayudará enormemente a que cojáis soltura.

Guía para de expresiones.

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Poder dibujar expresiones del rostro humano significa primero conocer las proporciones del rostro y posteriormente el comportamiento de los músculos ante diferentes emociones.

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La figura humana en el arte (Primera parte)

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La figura humana en el arte (Primera parte)

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El cuerpo como vehículo de la propia expresión implica un largo recorrido que involucra crecimiento y asociación de sensaciones, percepciones y emociones. El dibujo de una persona ofrece un medio natural de expresión de las necesidades y conflictos del cuerpo de uno.

El cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado "figura humana" por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte.

Al contemplar el mundo, el ser humano se identifica con él y, mediante esta relación, crea y se expresa artísticamente.

Prehistoria

La representación humana se inicia en este periodo de la historia, pero no era claro el sexo ni los rasgos físicos.

Mesopotamia

Las figuras de los mesopotámicos eran frontales, con las manos juntas; no daban la sensación de movimiento.

Las figuras humanas no eran realistas; dibujaron de perfil y sin movimientos.

Para los griegos el cuerpo humano era muy importante, las esculturas son claras manifestaciones de lo importante que eran.

El arte romano se caracteriza por su realismo extremo en el tratamiento de la figura humana.

Paleocristiano

En esta época, la figura humana pasa a segundo plano; el valor estaba en la representación y no en la estética.

La figura humana va tomando mayor importancia. Las mujeres son pintadas bellamente: el ropaje elegante, al cuerpo.

La figura humana tenía los rasgos marcados. El hombre tenía la barba en forma triangular.

Renacimiento

Ha sido uno de los movimientos más importantes dentro del ámbito del arte. El artista comenzó a interesarse por la anatomía humana, la cual fue hecha con perfección.

Manierismo

Los cuerpos tomaron la forma alargada, la cabeza pequeña y el semblante estilizado. Las posturas eran muy artificiales.

Los artistas muestran un gran sentido de movimiento y energía. Además, buscaron representar los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, reflejados en los rostros de sus personajes.

La figura humana pasa a ser más templada, se ven sonrisas en los rostros; utilizaron colores claros y los personajes fueron representados con elegancia. Los temas reflejaron la imagen de una sociedad en transformación.

Neoclasicismo

Las figuras humanas pasaron a formar parte de temas mitológicos, se utilizaron temas emotivos y con fondo moralizador. Utilizaron la línea y el volumen.

Romanticismo

Las figuras tenían las líneas más suaves y onduladas. El color era tenue y matizado; la composición fue más dinámica. La pasión y el sentimiento son transmitidos por la obra.

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La figura humana en el arte (Primera parte) - Edicion Impresa - ABC Color

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La figura humana en el arte (Primera parte) - Edicion Impresa

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Mujeres de cuerpos delicados, almas frágiles y  alta sensualidad es lo que encontrarás en las pinturas al óleo de Greg Mason. Descubre los m… | Pintura in 2019 | Art, Painting, All art

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Mujeres de cuerpos delicados, almas frágiles y  alta sensualidad es lo que encontrarás en las pinturas al óleo de Greg Mason. Descubre los más hermosos colores del erotismo en estas imágenes llenas de realismo. #PinCCarte #Pintura #DíadelaMujer

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idUS - Dibujo digital. Hacia una nueva metodología docente para el dibujo arquitectónico: un estudio de caso

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El objetivo de este trabajo es describir una nueva forma de enseñar dibujo a mano alzada con tableta-PC, aplicada al Dibujo Arquitectónico, después de documentar las deficiencias de los estudiantes en esta disciplina y su afinidad por los medios digitales.

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Envíanos tus ilustraciones a info@adaspirant.com y lo promocionaremos aquí, en nuestro portal, en facebook y en twitter. | See more ideas about Illustrations, Artworks and Digital Illustration.

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" La Estructura del Cuerpo Humano " , en latín " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem", es un libro escrito por Andreas Vesalius y publicado en su primera edición en el año 1543. Este libro marca un importante avance en la medicina y en la historia de la anatomía sobre el trabajo previo de Galeno que había dominado a toda la medicina durante la Edad Media. Ya desde su prólogo este libro se presenta como una restauración en la manera en que se miraba la medicina y la cirugía. Además, hace correcciones a varios conceptos errados en los trabajos previos de Galeno.
(Al final de la página hay un enlace para descargar el libro completo.)
El libro " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem " está dividido en siete partes o libros como indica su nombre y se basa en las clases que autor daba en la Universidad de Padua.

Hasta esa época, las disecciones las realizaba un cirujano barbero bajo la dirección de un doctor en medicina, puesto que se veía de mala manera que un médico se dedique a la disección.

La obra magna de Vesalius " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem", "La Estructura del Cuerpo Humano", se basa en la observación directa del cuerpo humano por parte del médico al realizar él mismo la disección. Esta obra representa un examen cuidadoso de los órganos y de la estructura completa del cuerpo que no hubiera sido posible sin los avances que se habían realizado durante las primeras etapas del renacimiento en las técnicas de impresión.

Andreas Vesalius vivió entre los años 1514 y 1564 nació en Bruselas cuando esta ciudad era parte de los Países Bajos de los Habsburgo. Fue profesor de la Universidad de Padua y más tarde se convirtió en médico Imperial de la corte del emperador Carlos V. También fue médico en la corte de Felipe II. " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem", "La Estructura del Cuerpo Humano", obra de la cual es autor, se la considera como uno de los libros más influyentes sobre anatomía humana.

Mientras Vesalius estaba en Bolonia, descubrió que la investigación anatómica de Galeno se realizó sobre animales debido a la prohibición que había en la antigua Roma para la disección de cuerpos humanos. Galeno en su lugar había diseccionado monos, que los consideraba estructuralmente más cercanos al hombre. Esto produjo muchos errores que se mantuvieron a lo largo de los siglos en la enseñanza de la medicina. Andreas Vesalius contribuyó a una nueva edició n de las obras completas d e Galeno y comenzó a escribir su propio texto anatómico basado en la investigación directa de los cuerpos humanos.

Hacia el año 1543, se ubicó en Basilea, Suiza, para supervisar los trabajos del imprentero Johannes Oporinus al publicar su libro " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem ". Esta obra pionera de la anatomía humana la dedicó a Carlos V. Para ese entonces, Vesalius contaba con 28 años de edad.

Vesalius no reparó en gastos para lograr esta gran obra y contrató a los mejores ilustradores, posiblemente alumnos del estudio del artista Tiziano. Uno de los posibles autores de las más de 250 ilustraciones de este libro podía ser Johannes Stephanus de Calcar, que además era amigo del autor.

Las ilustraciones se realizaron en xilografía, una técnica del grabado en madera. Eran muy superiores en calidad a las ilustraciones de los atlas anatómicos de la época que generalmente estaban realizados por los propios profesores de anatomía. Los bloques de madera fueron transportados a Basilea, Suiza, para ser utilizadas en el taller de Johannes Oporinus que contaba con la tecnología más avanzada de la época en artes gráficas. La primera edición vio la luz en el año 1543 y en 1555 se publicó una segunda edición.

Se encontró un libro con anotaciones al margen del propio autor, lo que deja pensar que contemplaba la idea de realizar una tercera edición que nunca se concretó.

El libro fue un éxito, permitió recuperar los gastos que implicó la obra y le dio a Andreas Vesalius fama en toda Europa. Fue nombrado médico del emperador Carlos V. En agradecimiento, Vesalius le regaló la primera copia publicada que cuenta con ilustraciones a color pintadas a mano.

Al poco tiempo Vesalius publicó un " Epítome" condensado que resultaba menos voluminoso y que contenía principalmente los grabados anatómicos, una ilustración del esqueleto humano y dos nuevas placas de grabado. La idea de esta publicación más económica era que permitiese la más fácil difusión y sea accesible a la mayor cantidad posible de estudiantes.

Algunos detalles para denotar de esta obra son la excepcional calidad de las ilustraciones. Muestran la disección del cuerpo humano en sucesivas capas. Las figuras están colocadas en poses artísticas en imitando obras pictóricas de la época. Un detalle curioso es que si se colocan algunas ilustraciones del cuerpo humano una al lado de la otra, se puede armar un solo escenario de fondo, como si fuera un rompecabezas.

Resumen

Cuando Andreas Vesalius publicó " La Estructura del Cuerpo Humano", en latín " De Humani Corporis Fabrica Libri Septem " logró uno de los más bellos libros de ciencia de todos los tiempos.

La obra tiene una clara intención didáctica, no sólo por sus magníficos grabados sino además por los abundantes cuadros sinópticos y los comentarios en los márgenes que facilitan la búsqueda.

La excelente tipografía de Johann Oporinus contribuye al merecimiento del libro. Resalta su impecable diseño, la belleza de los letras, la limpieza de la impresión.

La calidad de las ilustraciones xilográficas es extraordinaria, tanto en fidelidad como en valor artístico, con sus figuras en actitudes naturales que dan la impresión de movimiento.

Uno de los más importantes logros de Vesalius es el de haber reformado fundamentalmente la enseñanza de la anatomía y darle el sentido de belleza requerido para el estudio en las artes.

" De Humani Corporis Fabrica Libri Septem " marca el nacimiento de la anatomía moderna. Además, por tener una concepción artística y no sólo científica, así como por las ilustraciones de gran calidad, sirvió de inspiración para todos los libros de anatomía artística que surgieron posteriormente.

Puedes descargar el libro completo desde el siguiente enlace:
"De Humani Corporis FabricaLibri Septem" Andreas Vesalius.pdf
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134 - La Estructura del Cuerpo Humano - Gcomics

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Cuando Andreas Vesalius publicó "La Estructura del Cuerpo Humano", en latín "De Humani Corporis Fabrica Libri Septem" logró uno de los más bellos libros de ciencia de todos los tiempos y marca el nacimiento de una nueva visión de la anatomía.

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TRAYECTORIA DEL CUERPO HUMANO EN EL ARTE.

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TRAYECTORIA DEL CUERPO HUMANO EN EL ARTE.

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Reportajes y fotografías de Fotografías en National Geographic

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Reportajes y fotografías de Fotografías en National Geographic

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Algunas populares esculturas están irremediablemente vinculadas a una ciudad, lugar o a una persona. Auténticos iconos visitados al año por millones de turistas. En este ranking vamos a conocer cuales son probablemente las esculturas más famosas del mundo.

El Discóbolo es la denominación de una famosa escultura griega realizada por Mirón de Eléuteras en torno al 455 a. C. Representa a un atleta en un instante anterior al lanzamiento del disco. Una de sus copias romanas se encuentra en el Museo Británico de Londres, ya que como ocurre con muchas de las esculturas griegas más importantes, no se ha conservado la obra original, seguramente realizada en bronce.

El Pensador quizás sea la escultura más conocida de Auguste Rodin y una de las esculturas más famosas del mundo. La obra originariamente se llamó 'El poeta' y con ella el autor pretendió escenificar a Dante frente a las puertas del infierno. Sin embargo más allá de lo que se quería representar, la obra se convirtió en todo un símbolo de la filosofía. Se han realizado diversas copias pero la original la podréis contemplar en el Museo Rodin de París.

El imponente Moisés de Miguel Ángel es sin lugar a dudas una de las esculturas más famosas del mundo. Se trata de una escultura renacentista realizada en mármol blanco en 1509 para ser el eje central de la tumba del Papa Julio II, en la pequeña iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma.

Como anécdota os contaré que al terminar su obra, Miguel Ángel le dió un golpe en la rodilla, que hoy en día aún es visible, a la vez que decía '¿Por qué no me hablas?', viendo el realismo que había conseguido en esta escultura.

Localizadas en la Isla de Pascua, en Chile, son un conjunto de unas 600 estatuas de piedra monolítica envueltas en un áurea de misterio que generan desconcierto y muchas preguntas a las que aún no se ha podido dar respuesta con certeza, lo que las ha convertido en una de las esculturas más famosas del mundo. Existen varias teorías sobre su creación pero la más extendida es que las estatuas fueron talladas por los habitantes polinesios de la isla, entre los siglos IX y XVI, como representaciones de antepasados difuntos.

El Cristo Redentor o Cristo del Corcovado es la imagen más conocida de Brasil, todo un símbolo de la ciudad de Río de Janeiro. Se encuentra situado a 710 metros sobre el nivel del mar en el Parque Nacional de la Tijuca, en la cima del cerro del Corcovado. Con sus 38 metros de altura y 1.200 toneladas de peso es la obra art decó más grande jamás creada y una de las esculturas más famosas del mundo. Su fama a nivel mundial es tan enorme que en el 2007 fue considerada una de las Siete Maravillas del Mundo Moderno.

Quizás la Venus de Milo sea la escultura griega más famosa del mundo. Se la conoce también con el nombre de Afrodita de Milos y debe su nombre a la isla griega donde se encontró semienterrada en 1820. Esta escultura es una de las mejores representaciones del período helenístico, caracterizada por la falta de los dos brazos. Podréis disfrutar de ella en el Museo del Louvre de París.

La Piedad es una escultura realizada en mármol por Miguel Ángel entre 1498 y 1500 para San Pedro del Vaticano, que aún hoy conserva su emplazamiento original. Representa a una juvenil Virgen María sosteniendo en su regazo a Cristo, descendido muerto de la cruz.

En el año 1972 un hombre con problemas psicológicos la dañó de un martillazo y aunque se pudo restaurar, ahora tan solo se puede ver a través de un vidrio protector.

La Gran Esfinge de Guizaes una monumental escultura que se encuentra situada junto a las pirámides de Egipto en la ribera occidental del río Nilo, en la ciudad de Guiza. No solo está considerada una de las esculturas más famosas del mundo sino también la escultura monolítica más grande, mide 57 metros de longitud y 20 metros de altura, y la estatua monumental más antigua del planeta. Se estima que fue esculpida en el siglo XXVI a.c, formando parte del complejo funerario del rey, durante la dinastía IV de Egipto.

2- ESTATUA DE LA LIBERTAD

La Estatua de la Libertad es sin duda el símbolo más famoso de y una de las esculturas más famosas del mundo. Su nombre original es La libertad iluminando el mundo y fue un regalo que Francia hizo a los Estados Unidos en 1886 para conmemorar el centenario de la Declaración de Independencia. Mide 46 metros de altura (93 si contamos la base). En 1984 fue declarada Patrimonio de la Humanidad.

Casi con toda seguridad El David no solo es la obra más conocida de Miguel Ángel sino también la escultura más famosa del mundo, además de la más reproducida de la historia. Esta impresionante y bella escultura marcó un antes y un después en la historia por su aproximación rompedora a una escena habitual y sobre todo por la influencia que tuvo el contrapeso en la postura. Fue esculpida entre 1504 y 1505 en un bloque de mármol de carrara ya desbastado. La pude contemplar en la Galería de la Academia de Florencia y con sus 5,17 m quizás sea la escultura que más me ha sorprendido de todas las que he visitado.

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Las Esculturas más famosas del Mundo - Los Viajes de Domi

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Algunas populares esculturas están irremediablemente vinculadas a una ciudad, lugar o a una persona. Auténticos iconos visitados al año por millones de turistas. En este ranking vamos a conocer cuales son probablemente las esculturas más famosas del mundo. El Discóbolo es la denominación de una famosa escultura griega realizada por Mirón de Eléuteras en torno al 455 a.

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The Basics Part 2 by WhitneyCook.deviantart.com on @DeviantArt | bocetos de cuerpo humano in 2019 | Drawings, Human figure sketches, Anatomy drawing

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The Basics Part 2 by WhitneyCook.deviantart.com on @DeviantArt

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Técnicas de la pintura

Aprende en esta sección desde la importancia de los elementos visuales hasta las técnicas especiales para el óleo, la acuarela, el acrílico y los nuevos medios plásticos.

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1. Ver la Capilla Sixtina en tres dimensiones

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14 mayo 2008 " " 172 Comentarios

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Técnicas de la pintura - Pintura y Artistas

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Aprende en esta sección desde la importancia de los elementos visuales hasta las técnicas especiales para el óleo, la acuarela, el acrílico y los nuevos medios plásticos. Alfabetividad visual Técnicas de dibujo Materiales de arte Técnicas de acuarela Técnicas avanzadas Técnicas libres e ideas Temas relacionados con las técnicas de pintura Pintura al óleo Alla ...

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En las siguientes líneas voy a enseñarte cómo utilizar la cuadricula para realizar el bocetado de tu obra.

Si tienes problemas para realizar un boceto porque es muy complejo o porque aún no tienes habilidad con el lápiz, esta técnica es para ti.

La cuadrícula nos permite bocetar formas con precisión manteniendo sus proporciones exactas.

Lo que vamos a hacer es dividir nuestro modelo con cuadritos y de esta forma facilitarnos el dibujo.

Para comenzar con esta técnica necesitamos: papel, lápiz, una goma de borrar, una regla y la imagen del modelo original, en mi caso, siempre utilizo una fotografía.

Primer Paso

Elige el modelo, por ejemplo, esta fotografía.

Ten en cuenta que la fotografía tiene que tener el mismo tamaño que el lienzo.

Las medidas tienen que ser precisas.

Segundo Paso

Dibuja la cuadricula en la fotografía.

Mientras mayor sea el número de celdas, más fácil será reproducir el dibujo con precisión, pero cuidado, más trabajo te llevará hacer cada boceto.

Además, trabajar sobre tantas celdas puede llegar a ser desconcertante...

Por eso, elige la cantidad de celdas en relación a tu destreza en el dibujo y al detalle y dificultad del modelo.

Una vez terminada la cuadricula, pasamos a numerar las filas y columnas.

Tercer Paso

Realizamos el mismo proceso sobre nuestro cartón entelado o el tipo de lienzo que estés utilizando.

Te recomiendo utilizar un lápiz HB para trazar la cuadrícula y otro de mina más blanda para realizar el dibujo, un 2B por ejemplo.

Y sobre todo evita presionar cuando dibujas la cuadrícula para no dejar huella y facilitar el borrado cuando termines el dibujo.

Una vez hecha la cuadricula, pasamos a numerarla nuevamente, tanto vertical como horizontal.

Vendría a ser como una especie de batalla naval en la que vas buscando las coordenadas.

Las mismas coordenadas (horizontales y verticales) que encuentras en tu modelo las llevas tu lienzo.

Este método para dibujar te va a resultar muy sencillo.

La clave del dibujo es aprender a medir.

Cuando integras la cuadrícula, tu mente empieza a crear relaciones entre el espacio y las formas y poco a poco esas líneas horizontales y verticales se vuelven imaginarias, y ya no necesitarás dibujar la cuadrícula.

Esto lo lograrás con la práctica y empezando con este sencillo método de la cuadrícula.

Te saluda,

Mario Martinez.
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¿Qué te pareció este artículo? Puedes dejarme tu comentario abajo, será un placer leerte 😉
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CÓMO BOCETAR SI NO TIENES HABILIDAD CON EL PINCEL

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En las siguientes líneas voy a enseñarte cómo utilizar la cuadricula para realizar el bocetado de tu obra. Si tienes problemas para realizar un boceto porque es muy complejo o porque aún no tienes habilidad con el lápiz, esta técnica es para ti. La cuadrícula nos permite bocetar formas con precisión manteniendo sus proporciones exactas.

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Fullbody Step by step 1 by Kibbitzer | - ̗̀ references ̖́- in 2019 | Guy drawing, Art reference, Drawings

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La composición se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada.

En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible. Los elementos pueden ser tanto imágenes, como espacios en blanco, etc. Es muy importante tener en cuenta de que forma situaremos estos elementos en nuestra composición, para que tengan un equilibrio formal y un peso igualado.

El peso de un elemento se determina no sólo por su tamaño, que es bastante importante, sino por la posición en que este ocupe respecto del resto de elementos. Por ejemplo, si queremos hacer destacar un elemento en concreto, lo colocaremos en el centro.

En este capítulo:

La escala: Decimos que existe una escala cuando se da una relación matemática (proporción) entre las dimensiones de distintos elementos ... Leer página

La sección áurea: La regla áurea es conocida con numerosos nombres. La podemos llamar, entre otros, sección áurea, divina proporción ... Leer página

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La composición se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada. En un diseño, lo primero que se debe elegir son todos los elementos que aparecerán en él, luego debemos distribuirlos para colocarlos con el espacio disponible.

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COMO PINTAR CON RELLENOS Y TRAZOS EN ILUSTRATOR

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COMO PINTAR CON RELLENOS Y TRAZOS EN ILUSTRATOR

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Cómo pintar con rellenos y trazos en Illustrator

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Descubra cómo asignar, aplicar o eliminar atributos de relleno y de trazo al pintar en Adobe Illustrator.

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Para aprender a dibujar y a dar al dibujo un uso efectivo como instrumento de proyecto es indispensable adquirir ciertas artes fundamentales, como el trazo de líneas y la aplicación de colores. Todo el mundo está capacitado para aprender estás técnicas con dedicación y práctica suficientes.

No, obstante de poco sirve poseer una buena técnica si no se le acompaña del conocimiento de los fundamentos perceptivos sobre los que descansan el conjunto de las técnicas. Por mucho que los medios electrónicos evolucionen y amplien los métodos tradicionales de dibujo continua siendo un proceso cognoscitivo que incluye la visión en perspectiva y la reflexión visual.

"En realidad , aprender a dibujar es una cuestión de aprender a ver---------a ver correctamente ----, lo que significa mucho más que mirar simplemente con los ojos. Me refiero a que se trata de una observación el máximo número posible de sentimientos que pueda alcanzar con los ojos".

Recuerda siempre, en tu papel de diseñador de moda, que la ropa se hace para que la lleve gente de verdad. Por lo tanto, es importante comprender bien la estructura y las proporciones del cuerpo humano.

EL EJERCICIO DE DIBUJO de la figura te introducirá en un sistema simple y fácil que puedes usar para dibujar figuras más o menos bien proporcionadas. Este ejercicio no tiene nada que ver con la creatividad, sino que te ayudará a conocer las posibilidades y restricciones del marco en el que se desarrollan las creaciones

Este arquitecto escribió en la Época de los Romanos que el cuerpo humano es el modelo de Arquitectura ideal por que
encaja, con brazos y piernas extendidos en las formas
perfectas del cuadro y el círculo

PROPORCIONES DEL CUERPO HUMANO
OCHO CABEZAS Y MEDIA
LA ALTURA DE UNA FIGURA HUMANA REALISTA DE LA CABEZA A LOS PIES ES DE UNAS SIETE CABEZAS Y MEDIA.
PARA EL DISEÑO DE MODA SE PUEDE ALARGAR SÓLO
A PARTIR DE LA CINTURA HASTA OCHO CABEZAS Y MEDIA.

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Para aprender a dibujar y a dar al dibujo un uso efectivo como instrumento de proyecto es indispensable adquirir ciertas artes fundamentales, como el trazo de líneas y la aplicación de colores. Todo el mundo está capacitado para aprender estás técnicas con dedicación y práctica suficientes.

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Con Photoshop podremos colorear de forma sencilla fotos antiguas en blanco y negro o dar un toque de color a fotografías actuales, resaltando las zonas con un color diferente.

Veamos con unos sencillos pasos cómo conseguirlo.

Veamos con la siguiente fotografía en el vídeo cómo hacerlo:

Este tutorial nos puede servir tanto para colorear fotos antiguas en blanco y negro como para dar un toque de color distinto a fotografías actuales que ya están en color, para resaltar zonas de la imagen...

PASOS PARA COLOREAR FOTOS ANTIGUAS CON PHOTOSHOP:

Para no mezclar colores y corregir o cambiar un color de la imagen a posteriori, el primer paso es crear una capa nueva para cada uno de los colores con los que queramos colorear la imagen. Por ejemplo una capa para colorear la piel, otra capa para colorear el pelo, otra capa para la pared del fondo... y así con tanta capas como elementos que deseemos colorear con colores diferentes.

Vamos a crear una capa nueva donde comenzaremos a colorear la piel. En esta nueva capa seleccionaremos en el estilo de capa modo de fusión Luz suave. Además elegiremos un tipo de pincel básico no muy duro y con un diámetro adecuado al tamaño de nuestra imagen.

Podemos comenzar con un pincel con mayor número de píxeles para rellenar los huecos grandes y perfilar las zonas pequeñas con un diámetro menor de pincel.

Seleccionaremos un pincel básico con color similar al de la piel natural. Si no encontramos uno adecuado, podemos probar con C28, M56, Y70, K9. Debemos saber que al estar en estilo de capa modo luz suave, no pintaremos con el color exacto que elijamos, sino que este se fusionará con la capa inferior, quedando más claro. Ahora colorearemos toda la zona de la piel.

Repetiremos los mismos pasos para colorear en nuevas capas, el cabello, la pared, el suelo...

Colorear fotografía con Photoshop paso a paso:

No debemos olvidar siempre mantener el orden y nombrar a las capas de manera que podamos identificarlas fácilmente. La paleta de capas deberá quedar más o menos así:

Si necesitamos corregir para añadir o quitar color en algún punto , lo haremos con un pincel para añadir color en una determinada zona o goma de borrar para eliminar color si nos hemos salido de los bordes. Siempre teniendo cuidado de estar en la capa correcta.

Imagen para realizar ejercicio y repasar conceptos:

Descarga y prueba a realizar el ejercicio tú mismo siguiendo los pasos del vídeo.

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Cómo colorear imágenes en Photoshop rápido - InfoArt Online

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Cómo colorear fotos en blanco y negro con Photoshop: Con Photoshop podremos colorear de forma sencilla fotos antiguas en blanco y negro o dar un toque de color a fotografías actuales, resaltando las zonas con un color diferente. Veamos con unos sencillos pasos cómo conseguirlo.

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aprende a pintar la figura humana, como pintar un desnudo artistico, como pintar el cuerpo humano

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Los videos son en HD muy nítidos para que pueda observar con lujo de detalles la elaboración de la píntura paso a paso con explicaciones mientras voy pintando. - Tendra acceso por siempre a los videos, para que los consulte cuando desee. - Tambien puede descargarlos y tenerlos en su computadora.

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TIPOS DE LÁPICES QUE NOS AYUDARAN EN EL BOCETO

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TIPOS DE LÁPICES QUE NOS AYUDARAN EN EL BOCETO

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Tipos de lápices de dibujo - Arte y Cultura

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Técnicas de Dibujo con lapices de colores 

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Técnicas de Dibujo con lapices de colores 

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Técnicas de dibujo con lápices de colores

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DIBUJOS DE EL CUERPO HUMANO

¡Ahora ya puedes colorear las partes del cuerpo humano! Manos, ojos, rodillas, piernas, dedos.. ¡hay un montón! Además también podrás colorear aquellas partes que tenemos pero que no las podemos ver, como por ejemplo los pulmones, los riñones, o el corazón. Aprovecha la ocasión y diviértete coloreando y aprendiendo con estas partes del cuerpo humano listas para colorear y pintar online. Recuerda que en Dibujos.net puedes pintar de forma gratuita desde la tablet, el teléfono móvil o el ordenador de sobremesa. ¡No esperes más y ponte manos a la obra!

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Dibujos de El cuerpo humano para Colorear

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DIBUJOS DE EL CUERPO HUMANO ¡Ahora ya puedes colorear las partes del cuerpo humano! Manos, ojos, rodillas, piernas, dedos.. ¡hay un montón! Además también podrás colorear aquellas partes que tenemos pero que no las podemos ver, como por ejemplo los pulmones, los riñones, o el corazón.

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La preocupación por renovar los métodos y técnicas de la enseñanza primaria y secundaria quiere hacer de los individuos seres libres, que puedan desarrollar con mayor facilidad su personalidad e imaginación así como su capacidad creadora; quiere humanizar la enseñanza haciendo del trabajo escolar un placer para maestros y alumnos; quiere que las experiencias vitales sean el material escolar: la escuela debe ser parte de la vida.

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La diferencia de porción entre el cuerpo humano femenino y el masculino reside en el tronco. La mujer tiene una caja torácica mas pequeña , y los costados, mas cortos que los del hombre, se ensanchan en seguida para formar la curva de las caderas

Antes de empezar a dibujar un cuerpo humano tenemos que saber como esta dividido el cuerpo humano según el manga y anime. El cuerpo esta dividido en 3 partes. Observen el dibujo.

Una vez aprendido las partes fundamentales del cuerpo humano ya estamos listos para comenzar.. Aquí te mostramos la imagen, Tu puedes hacer estos pasos 😉

1- Cuerpo Masculino.

Dibuja primero una figura de palo o esqueleto empezando un circulo grande para la cabeza y círculos pequeños en el lugar de las articulaciones y círculos grandes para las manos y los pies, luego empieza a darle forma el cuerpo. Estudia los grupos musculares para obtener una idea de como están formados los hombros, brazos y piernas

2- Cuerpo Femenino

Dibuja el esqueleto empezando la cabeza y el torso, Añade detalles femeninos,El pecho de la mujer esta mas bajo que en el hombre y la pelvis se encuentra en posición mas alta que la del hombre.

No tienes por qué crear este esqueleto cada vez que dibujas un personaje. Simplemente úsalo para los dibujos más difíciles. Cuando hayas practicado un tiempo, verás que instintivamente dibujas las posturas sin necesidad de realizar tantos pasos: recuerda que el dibujo es pura práctica. Intenta crear varios poses con ello.

Si tienes esta figura de madera te ayudara.

La calidad de los maniquíes es muy importante ya que debe ser capaz de adoptar las posturas corporales manteniendo la relaciones anatómicas entre los miembros, para dar una imagen de movimiento natural para que sirva de modelo para el Dibujo de la figura Humana. En el aprendizaje del dibujo de la figura humana es muy usual que el aprendiz utilice éstos modelos de madera con el objeto de estudiar, la figura, la forma, la proporción del cuerpo humano, adicional mente se emplea para comprender el uso de la sombra.

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Cómo dibujar el cuerpo humano (Manga) | IlustraIdeas

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La diferencia de porción entre el cuerpo humano femenino y el masculino reside en el tronco. La mujer tiene una caja torácica mas pequeña , y los costados, mas cortos que los del hombre, se ensanchan en seguida para formar la curva de las caderas Antes de empezar a dibujar un cuerpo humano tenemos que saber como esta dividido el cuerpo humano según el manga y anime.