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Anita Malfatti

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Anita Malfatti - 35 obras de arte - pintura

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Quando se busca a representação da mulher no curso da história, percebe-se as implicações ideológicas de cada período. A mulher pode aparecer segundo idealizações neutras ou contraditórias, elaboradas segundo os valores de cada época. Pode ser na forma de criações e recriações artísticas que se sucedem e dialogam entre si, figurações plásticas e literárias, teatrais e cinematográficas.

A representação da mulher nos movimentos ou períodos da história da arte

Em todas as sociedades, há sempre algo de idealização na figura da mulher, como um arquétipo. Muitas vezes, conforme a imaginação masculina, com a qual também tem sido construída a autoimagem feminina. A representação da mulher na arte surge como uma imagem, da qual fazem parte atributos diversos, como beleza física, conformação saudável, formas generosas e maternais.

São muitas as imagens femininas captadas pela arte ao longo da história. Sucedendo-se, por vezes se sobrepondo, essas imagens sempre espelharam o papel da mulher em nossa sociedade tal como ele se revelava a cada nova época.

Estudando os movimentos artísticos da pré-história à contemporaneidade, podemos compreender as transformações da figura feminina tão ricamente reveladas pela arte em períodos diversos da história. A arte possui um papel significativo, no sentido em que mostra enquanto expressão, movimentos históricos e mudanças sociais.

Anita Malfatti, 1889-1964, São Paulo, São Paulo.
Filha de imigrantes (pai italiano e mãe norte-americana), Anita Malfatti foi fortemente influenciada pela mãe, que pintava e desenhava, e provavelmente nem sonhava que a filha se tornaria uma das mais importantes pintoras brasilieiras. Vítima de uma atrofia congênita na mão direita, Anita aprendeu a escrever, desenhar e pintar com a mão esquerda. O primeiro contato com a arte expressionista alemã em 1910, quando foi para Berlim e freqüentou a Academia Real de Belas Artes. A primeira exposição individual aconteceu em 1914, em São Paulo. Uma exposição sua, Primeira Exposição de Arte Moderna no Brasil, 1917-1918, inaugurada em dezembro de 1917, deu início ao Modernismo, que tem o seu ápice na Semana de Arte Moderna de 1922. Nesta exposição, ela conheceu Mário de Andrade, que tornaria seu grande amigo. O primeiro contato, no entanto, não foi dos mais amigáveis, já que o escritor gargalhou diante de obras da artista. O Homem Amarelo, uma das obras que foi alvo da ironia de Mário de Andrade, foi adquirida por ele anos mais tarde.

Filha de imigrantes (pai italiano e mãe norte-americana), Anita Malfatti foi fortemente influenciada pela mãe, que pintava e desenhava, e provavelmente nem sonhava que a filha se tornaria uma das mais importantes pintoras brasilieiras. Vítima de uma atrofia congênita na mão direita, Anita aprendeu a escrever, desenhar e pintar com a mão esquerda. O primeiro contato com a arte expressionista alemã em 1910, quando foi para Berlim e freqüentou a Academia Real de Belas Artes. A primeira exposição individual aconteceu em 1914, em São Paulo. Uma exposição sua, Primeira Exposição de Arte Moderna no Brasil, 1917-1918, inaugurada em dezembro de 1917, deu início ao Modernismo, que tem o seu ápice na Semana de Arte Moderna de 1922. Nesta exposição, ela conheceu Mário de Andrade, que tornaria seu grande amigo. O primeiro contato, no entanto, não foi dos mais amigáveis, já que o escritor gargalhou diante de obras da artista. O Homem Amarelo, uma das obras que foi alvo da ironia de Mário de Andrade, foi adquirida por ele anos mais tarde.

Tarsila do Amaral, 1886-1973, Capivari, São Paulo.
Considerada um dos nomes mais fortes do movimento modernista brasileiro, Tarsila do Amaral começou a pintar em Barcelona, na Espanha, onde concluiu seus estudos. Depois de ter se separado do marido, começou a estudar escultura em 1916, em São Paulo. Posteriormente, Tarsila estudou também desenho e pintura.Em 1920, Tarsila embarca para a Europa, com o objetivo de estudar na Académie Julian em Paris. Dois anos depois, regressa ao Brasil para atuar entre o grupo modernista, juntamente com Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia. Nessa mesma época, começa o seu romance com o escritor Oswald de Andrade, com quem fica até 1930. Seus quadros mais famosos são o Abaporu, de 1928, e Operários, de 1933. O Abaporu foi dado de presente de aniversário para Oswald de Andrade. Empolgado com a obra, ele criou o Movimento Antropofágico.

Djanira Motta e Silva, 1914 - 1979, Avaré, São Paulo.
Pintora, desenhista, ilustradora e cenógrafa, Djanira Motta e Silva começou a desenhar quando se tratava de uma tuberculose, em São Paulo, nos anos 30. O contato com a arte torna-se mais estreito quando ela se muda para o bairro de Santa Teresa, no Rio de Janeiro.
No ano de 1943, Djanira expõe pela primeira vez, na Associação Brasileira de Imprensa. Morando em Nova York de 1945 a 1947, sofre influência de Pieter Brueghel. De volta ao Brasil, pintou o mural Candomblé, na casa do escritor Jorge Amado. No Rio de Janeiro, foi uma das participantes mais engajadas do Movimento pelo Salão Preto e Branco, um protesto de artistas contra os altos preços do material para pintura. Uma de suas obras públicas mais importantes foi feita em 1963: o painel de azulejos Santa Bárbara, com 160 m2, no túnel Catumbi, Laranjeiras, Rio de Janeiro. Profundamente religiosa, Djanira ingressou a Ordem Terceira Carmelita e foi a primeira artista latino-americana a ter obras no Museu do Vaticano: o quadro Santana de Pé, doada ao acervo do museu, foi pintada com o braço esquerdo, pois ela havia fraturado a clavícula.

Pagu, 1910-1962, São João da Boa Vista, São Paulo.
Patrícia Rehder Galvão, mais conhecida como Pagu, nasceu em São Paulo em 1910. Escritora, jornalista, tradutora e desenhista foi uma das grandes mulheres do movimento modernista brasileiro, mesmo não participando ativamente da Semana Moderna de 1922. Militante do Partido Comunista, Pagu fazia parte também do movimento antropofágico da época, ao lado do marido Oswald de Andrade. Lutou pelos direitos trabalhistas e escreveu diversos ensaios e livros, alguns sob o pseudônimo de Mara Lobo. Chegou a morar na Liberdade, no Brás, na Aclimação e na Bela Vista, passando seus últimos dias em no Litoral, na cidade de Santos.

Hilda Hilst, 1930-2004, Jaú, São Paulo.
Nascida em 1930, Hilda Hilst foi uma poeta, dramaturga e cronista brasileira. Com mais de 40 livros escritos e publicados entre 1950 e 2000, foi considerada um das principais escritoras em língua portuguesa do século XX. Chegou a estudar no colégio Santa Marcelina e a frequentar o Curso Clássico da Escola Mackenzie, morando, durante algum tempo, em um apartamento na Alameda Santos. Ganhou diversos prêmios, como o "Prêmio Jabuti". Suas obras foram traduzidas para o alemão, francês, inglês, italiano e espanhol, ganhando prestígio mundial.

, 1927-2004, Nova Friburgo, Rio de Janeiro. Foi uma gravadora, escultora, pintora, cineasta, professora e artista multimídia brasileira, identificada com o movimento conhecido por neoconcretismo.
Lygia Pape iniciou seus estudos em arte com os gravadores Fayga Ostrower e Ivan Serpa. Deixou uma obra marcada pelo abstracionismo geométrico e por uma diversificação exemplar. Uma de suas obras mais instigantes é o Livro Noite e Dia, um conjunto de 365 peças de madeira diferentes umas das outras, em tons que vão do branco ao cinza. Importante representante da arte contemporânea no Brasil, Lygia possui uma trajetória artística que se iniciou com o abstracionismo geométrico.

Maria Bonomi, 1935, Meina, Itália
Maria Anna Olga Luisa Martinelli Bonomi é uma renomada artista plástica ítalo-brasileira que trabalha como gravadora, escultora, pintora, muralista, curadora, figurinista, cenógrafa e professora.

Fonte: Sociologia Seed
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7 mulheres que deixaram sua marca nas artes e nenhuma delas é Tomie Ohtake - arteref

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Quando se busca a representação da mulher no curso da história, percebe-se as implicações ideológicas de cada período. A mulher pode aparecer segundo idealizações neutras ou contraditórias, elaboradas segundo os valores de cada época. Pode ser na forma de criações e recriações artísticas que se sucedem e dialogam entre si, figurações plásticas e literárias, teatrais e cinematográficas.

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Anita Malfatti nasceu filha do engenheiro italiano Samuele Malfatti e de mãe norte-americana Eleonora Elizabeth "Betty" Krug, Anita Malfatti, segunda filha do casal, nasceu na cidade de São Paulo, em 2 de dezembro de 1889.

Georgina Malfatti, retrado de Anita Malfatti

Anita Malfatti inicia, bem jovem, o aprendizado em artes com a mãe. Aos 20 anos, procura aperfeiçoar seus estudos na Europa. Graças à ajuda financeira de seu tio o engenheiro-arquiteto George Krug (1869 - 1919), consegue mudar-se para a Alemanha e ingressar na Academia Imperial de Belas Artes de Berlim. Nessa cidade a artista ganha familiaridade com as coleções dos museus e das galerias. A Alemanha, em 1910, vive uma efervescência do expressionismo.

Veja abaixo as curiosidades sobre a artista e como ela foi a peça principal para o que se tornou a semana de arte moderna de 1922.

1) A primeira representante do modernismo no Brasil

Anita Malfatti é considerada a primeira representante do modernismo no Brasil. Aos 19 anos se formou em professora pela escola normal.

Sua pintura foi o estopim da vanguarda do modernismo brasileiro. Já em 1917, cinco anos antes da Semana de Arte Moderna, uma mostra com 53 de seus mais arrojados trabalhos chocaram a provinciana e acadêmica São Paulo.

Bengaladas, risos, devoluções de obras e bilhetinhos ofensivos. A causa? Um cruel artigo de Monteiro Lobato comparava o trabalho de Anita "aos desenhos dos internos dos manicômios". Em torno dela, começa então a arregimentação de jovens poetas e artistas inconformados com a forma como estavam as coisas, culminando com a Semana de Arte Moderna de 1922 - na qual a participação de Anita volta a escandalizar.

Mário de Andrade (sentado), Anita Malfatti (sentada, ao centro) e Zina Aita (à esquerda de Anita), em São Paulo, Brasil, 1922

2) Anita Malfatti possuía uma atrofia no braço e na mão direita.

Ela nasceu com atrofia no braço e na mão direita. Aos três anos foi levada pelos pais a Lucca (Itália), na esperança de corrigir o defeito congênito. Os resultados do tratamento médico não foram animadores e Anita teve que carregar essa deficiência pelo resto da sua vida. Voltando ao Brasil, teve a sua disposição Miss Browne, uma governanta inglesa, que a ajudou no desenvolvimento do uso da mão esquerda, no aprendizado da arte e da escrita.

3) Anita Malfatti aprendeu pintura com a mãe

Ainda na infância, falece seu pai Samuel Malfatti, esteio moral e financeiro da família. Sem recursos para o sustento dos filhos, D. Betty passa a dar aulas particulares de idiomas e também de desenho e pintura. Chegou a submeter-se à orientação do pintor Carlo de Servi para, com mais segurança, ensinar suas discípulas. Anita acompanhava as aulas e nelas tomava parte. Foi, portanto, sua própria mãe quem lhe ensinou os rudimentos das artes plásticas.

4) Anita foi para a Alemanha em 1910 e conheceu o grupo Die Brucke

Seus planos incluíam estudos em Paris, mas a situação financeira lastimável da família não permitiu. Foi então financiada pelo tio para acompanhar suas primas à Alemanha, em 1910. Lá entrou em contato com o grupo de vanguarda Die Brucke. Teve como mestres os impressionistas Fritz Burger, e posteriormente Lovis Corinth.

5) Sua primeira exposição individual foi em 1914

Em 1914, Anita montou sua primeira exposição individual, aos 24 anos. Seu objetivo era conseguir uma bolsa e voltar a viajar, mas por causa da guerra não pôde. Então seu tio financiou sua viagem para os Estados Unidos onde ela terminou passando 2 anos.

6) Monteiro Lobato fez fortes críticas ao trabalho de Anita

Anita montou outra exposição individual em 1917. No primeiro dia ela vendeu 8 quadros. Monteiro Lobato publicou uma crítica no jornal O Estado de S. Paulo, criticando Anita, dizendo que ela tinha se deixado influenciar por Picasso e sua turma. No dia seguinte as telas compradas foram devolvidas e todos passaram a atacá-la nos jornais. O primeiro a defendê-la foi o Oswald de Andrade, seguido depois pelo Mário de Andrade, Menotti Del Picchia e Guilherme de Almeida.

Na frente: Pagu, Elsie, Tarsila, Anita e Eugenia.(1922)

7) Anita ganhou o pensionato artístico do estado de São Paulo

Em 1923, ganha o Pensionato Artístico do Estado de São Paulo e vai para Paris, onde encontra com Tarsila e Oswald, Victor Brecheret, Paulo Prado e Di Cavalcanti. Anita vive então uma transformação profunda, perde o impulso marcante do expressionismo, deixa de lado o uso de cores fortes e artificiais e começa a representar o mundo de forma simplificada.

8) Anita Malfatti passou por dificuldades financeiras

Volta para São Paulo em 1928, reencontra os modernistas e participa das últimas manifestações do grupo. Nos anos 30, grandes dificuldades econômicas a obrigam a dedicar-se cada vez mais ao ensino da pintura e do desenho, e à pintura decorativa.

9) A reclusão após a morte de sua mãe e Mário de Andrade

Nos anos 40, depois da morte de sua mãe e de seu grande e amado amigo, Mário de Andrade, Anita se recolhe em sua chácara em Diadema, onde viverá reclusa até sua morte, em 1964.

Obras de Anita Malfatti

A Boba

A Boba

Feita durante sua estada nos Estados Unidos, A Boba é um dos pontos mais altos da pintura de Anita. É fruto de uma fase em que a sua pintura expressionista absorve elementos cubo-futuristas.

A Boba faz parte de um momento de "busca ativa"; a tela é construída com a cor, numa orquestração de laranjas, amarelos, azuis e verdes, realçando as zonas cromáticas delineadas pelas linhas negras, na maioria, diagonais - ordenação cubista.

No primeiro plano, uma angulosa e assimétrica figura recebe aplicação irregular da cor. Na fisionomia, a expressão anormal e vaga é ressaltada por traços negros, segundo a estética expressionista do irracional e desarmônico. O fundo, elaborado com rápidas pinceladas, serve de contraponto.

O Torso

Este desenho de um ginasta masculino, possivelmente foi feito no final de sua estada nos Estados Unidos. Anita se ocupa com o movimento dos músculos, a anatomia e a construção geométrica. Compõe a figura na diagonal, a musculatura distorcida parece saltar do papel. Cabeça e pés não cabem na folha, as mãos estão "ausentes e presentes". O uso do pastel demonstra a valorização das cores no desenho.

A Estudante

Pintura a óleo sobre tela de Anita Malfatti (São Paulo, 1896 - São Paulo 1964), executada entre 1915 e 1916. Dimensão: 76 cm de altura por 61 cm de largura. Pertence ao acervo do Museu de Arte de São Paulo. A obra foi doada ao museu pela autora.

Video sobre a exposição de Anita no MAM

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Curiosidades sobre Anita Malfatti e a Semana de Arte Moderna - arteref

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Anita Malfatti nasceu filha do engenheiro italiano Samuele Malfatti e de mãe norte-americana Eleonora Elizabeth "Betty" Krug, Anita Malfatti, segunda filha do casal, nasceu na cidade de São Paulo, em 2 de dezembro de 1889. Anita Malfatti inicia, bem jovem, o aprendizado em artes com a mãe.

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Sempre sendo Resistência!!!!
Por fim, lugar de mulher é onde ela quiser.

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MULHERES QUE FIZERAM A HISTÓRIA DA ARTE |As principais referências de Rita Manhães|

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A pergunta do título desse texto foi feita em 1973, pela historiadora da arte Linda Nochlin, em artigo homônimo. Nele, a estadunidense logo avisa que a questão - tão comum e repetitiva até os dias de hoje - é ardilosa, porque vem disfarçada de dúvida, mas na verdade reforça uma afirmação equivocada que ecoa na história, de que de fato não houve grandes mulheres artistas no mundo inteiro. A sentença ainda dissimula a ideia de que a mulher não é capaz de ser grande no que faz. Mesmo funções historicamente delegadas à mulher, como cozinhar ou cozer, são mais reconhecidas e profissionalizadas quando executadas por homens - nas listas de maiores chefs e estilistas do mundo, por exemplo, a maior parte delas é composta por homens.

O artigo de Nochlin disseca os avanços de gênero da década de 1960, mais especificamente sobre o processo de autoconsciência feminista que as disciplinas adquiriram, para propor uma nova crítica aplicada à História da Arte, que ainda conservava (e conserva até hoje) prerrogativa e monopólio masculinos. Os anos 60 do século XX significaram um questionamento importante com relação aos espaços ocupados pelas mulheres e os esforços de então foram canalizados para a iluminação de heroínas que a história ocultou, como provas de atuação sociopolítica das mulheres.

A verdade é que sempre existiram muitas mulheres grandiosas e excelentes nas artes, assim como em praticamente todas as outras áreas, mas na tradição da sociedade patriarcal, eventualmente elas sofriam pressões para se dedicarem exclusivamente às tarefas que lhes eram esperadas: o cuidado com a casa e a criação dos filhos. A professora Ana Paula Simioni, em sua pesquisa de doutorado, mostrou que as mulheres artistas do século XIX não eram respeitadas como profissionais, mas tratadas como amadoras, como se sua dedicação só pudesse ser resumida em simples gosto de lazer. A profissão esperada das mulheres sempre seria resumida ao lar ou aos cuidados.

Linda Nochlin comenta que, em meados do século XIX, um terço dos artistas que participaram do Salão de Belas-Artes era composto por mulheres. Entretanto, o número otimista desanima quando se observa que nenhuma delas se manteve na carreira por muito tempo e que apenas 7% foram premiadas com medalhas - nenhuma com o prêmio máximo. O título do artigo de Nochlin levanta mais uma questão, que ela mesma aponta e resolve. Quando se fala em "grandes" artistas mulheres, logo se evoca a figura romantizada do gênio, aquele que era agraciado com um dom metafísico, quase divino de produzir arte. E se as mulheres não eram grandes, é porque elas não receberam essa "bênção". Elas até poderiam se esforçar para conseguir produzir obras de arte grandiosas, mas jamais conseguiriam - era o imaginário patriarcal - até porque elas eram proibidas de frequentar as academias de arte oficiais. No Brasil, só foram aceitas na Escola Nacional de Belas Artes depois da proclamação da República; mesmo assim, não podiam assistir às aulas de desenho de corpo humano (era muito imoral para elas). Assim fica difícil ter reconhecimento social, não é? Difícil sim, impossível não.

Foram muitas as artistas que existiram ao longo da história, mas as violências simbólicas que sofreram, como a proibição de se matricularem nas academias, o impedimento de cursarem disciplinas importantes e a obrigação de se dedicarem exclusivamente ao lar, entre outras injustiças, mantêm muitos nomes ainda encobertos. Durante o Renascimento, por exemplo, as mulheres artistas geralmente tinham suas obras atribuídas a seus pais ou maridos, já que não assinavam as telas. É o caso de Marietta Robusti, filha de Tintoretto. E se nossa sociedade sempre enche a boca para falar em Leonardo, Michelangelo, Boticelli, Caravaggio e um sem fim de nomes de "grandes mestres renascentistas", uma lista igualmente grande e diversa de mulheres resta ignorada.

Properzia de Rossi, por exemplo, em pleno século XVI fez uma escultura em mármore em que uma mulher cheia de amor para dar puxa seu amante que quer sair da cama. Seu gesto mostra desejo e o comando de seu próprio corpo, que exibe decote aberto e os seios à mostra. Também no século XVI, Plautilla Nelli pintou repetidas vezes a imagem de Santa Catarina, de quem era devota. As irmãs Anguissola (Sofonisba e Lucia) pintavam diversos retratos, inclusive de si mesmas, em posições sérias e profissionais, segurando pincéis, no ofício de seu trabalho. A jovem bolonhesa Elizabetta Sirani enfrentou as regras da época e criou uma academia só para mulheres, em meados do século XVII. Em Portia Wounding her Thigh, Sirani evoca uma história do antigo império romano. Portia era esposa de Brutus, assassino de Júlio César. Ao saber que seu marido não lhe confidenciava segredos pelo receio de Portia fofocar, ela se cortou para provar que, mesmo sob tortura, conseguia manter a boca calada.

A tela de Sirani coloca em primeiro plano Portia com o vestido levantado e a perna à mostra, perfurada e ensanguentada. Sua mão segura o canivete pontiagudo. No cômodo do segundo plano da tela, há um grupo de mulheres que conversam em roda. A obra ilustra a recusa de Portia em incorporar o estereótipo feminino da mulher fofoqueira, além de materializar a violência simbólica sofrida pela segregação de gênero em cicatrizes no corpo e sangue.

Outra artista do século XVII que deu forma imagética à violência sofrida foi Artemisia Gentileschi. Estuprada por um amigo de seu pai, a artista teve que passar por julgamentos e perícias torturantes para comprovar sua virgindade anterior e exigir punição de seu agressor, que nunca chegou a cumprir a pena. Sua dor e repulsa à violência machista, entretanto, é protagonista de várias de suas obras, como Susana e os Anciões ou Judite Decapitando Holofernes.

Ainda poderia citar Lavínia Fontana (foto acima), que por sua origem familiar privilegiada conseguiu inserção nas cortes e foi reconhecida ainda em vida; Fede Galizia; Lucrezia Quistelli; Judith Leyster; Clara Peeters; Rachel Ruysch; Caterina van Hemessen; Levina Teerlinc e diversas outras renascentistas impossíveis de serem esgotadas aqui. Esses nomes constituem, em sua maioria, arquétipos da mulher dentro do patriarcado: muitas não se casaram, muitas foram diminuídas como amadoras, algumas pararam de pintar ao se casarem e terem filhos. Todas essas histórias não são coincidências, mas uma forma de poder naturalizada historicamente. À mulher, eram delegadas as funções da casa. Qualquer outra atividade que escapasse disso era malvista e/ou subjugada.

A situação atual melhorou, temos de fato mais mulheres ocupando os museus e as galerias, mas ainda estamos longe da sociedade igualitária que queremos, vide as denúncias do coletivo feminista Guerrilla Girls. Voltando a citar Linda Nochlin, o problema está menos nos nossos hormônios ou no nosso ciclo menstrual do que nas instituições e na educação.

Raisa Pina é jornalista e pesquisadora em arte, cultura e política, doutoranda em História da Arte pela Universidade de Brasília.

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Por que não existiram grandes mulheres artistas na história?

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A verdade é que sempre existiram muitas mulheres grandiosas e excelentes nas artes, assim como em praticamente todas as outras áreas, mas elas eventualmente sofriam pressões para se dedicarem exclusivamente às tarefas que lhes eram esperadas: o cuidado com a casa e a criação dos filhos.

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https://youtu.be/DnVUazlWKzo

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POR QUE NÃO HOUVE GRANDES MULHERES ARTISTAS? #VIVIEUVI

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Hoje, percebe-se que esse quadro já mudou, não tanto quanto deveria, mas as mulheres já possuem acesso aos seus espaços que lhes são de direito. Após muitas batalhas árduas, vemos as mulheres nos mais diversos ambientes, sendo detentora de seus destinos, na busca por aquilo que almejam. E é nessa perspectiva que as atividades desenvolvidas na Casa dos Ofícios do setor de arte da Casa de Apoio são pensadas, a fim de habilitar as mães e acompanhantes dos pacientes oncológicos e hematológicos a aprenderem um novo ofício, dando a essas mulheres a oportunidade de gerarem renda a partir dos seus trabalhos artísticos.

Levando em consideração esses aspectos, é interessante analisar como antes as mulheres não possuíam nem o direito de aprender ou participar de uma aula de arte e dentro de uma instituição como a Casa Durval Paiva, elas não só conseguem desenvolver essas atividades, como possuem um setor dedicado a elas. Isso reforça o quanto a Casa respeita toda a jornada de lutas e conquistas pelas quais as mulheres passam como também, considera de suma importância o seu papel em nossa sociedade. A instituição não só a respeita, como luta por seus direitos e proporciona a elas a oportunidade de uma vida digna.

Por Patrícia Oliveira Araújo

Arte Educadora - Casa Durval Paiva

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Falar sobre a mulher e o seu papel na sociedade nos abre precedentes para as constantes mudanças que já foram alcançadas. Sabe-se que a mulher vive em constantes lutas sobre seus direitos e deveres em nossa sociedade, que as batalhas são incessantes para garantir o que lhe é de direito.

Fazendo um recorte e analisando apenas a evolução da mulher dentro das artes, veremos que assim como tudo que deveria lhe ser de direito, na arte não foi diferente. Inicialmente, nas escolas de Belas-Artes, a mulher não era sequer aceita, pois não era classificada com digna em aprender, era apenas designada aos afazeres domésticos e qualquer coisa que a deixasse longe disso, era proibida.
Apenas em 1892, foi que as mulheres conseguiram se matricular regulamente em classes artísticas. Porém, não eram tratadas como tais, não por não possuírem talentos, mas sim por serem classificadas como incapazes de exercer a profissão, por não terem passado pelas academias de Belas-Artes. Mas como se “enquadrar” em algo que antes nem lhes era permitido o acesso a participação?