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La muerte es un tema presente en todas las culturas y a lo largo de toda la historia de la humanidad.
Me resulta interesante ya que en cada periodo de la historia, movimiento artístico, cultura y civilización la muerte tiene un significado diferente, y es abordada de diferentes maneras e interpretada de formas muy particulares y curiosas.
Considero que con este tema no tendré problema alguno con encontrar obras de arte que traten sobre la muerte. Además de esto, siento que será interesante explorar esta temática y comparar y contrastar los significado de esta a lo largo de la historia.

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Combate de arqueros en una covacha de Morella, provincia de Castellón, España. Mesolítico, entre el 9000 a. C. y el 4000 a. C.

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Prehistoria - Combate de arqueros en una covacha de Morella, provincia de Castellón

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Prehistoria - Combate de arqueros en una covacha de Morella, provincia de Castellón

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Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Combate de arqueros en una cueva de Morella, provincia de Castellón

Técnica: Pintura sobre piedra de cueva

Dimensiones: 1000 × 954

Fecha: desconocida, entre 9000 a. C. y 4000 a. C

Estilo o corriente artística: pintura rupestre levantina

Lugar: cueva de Morella, provincia de Castellón, España

La obra que escogí para el periodo prehistórico es una pintura de una cueva de Morella, provincia de Castellón, España. No se sabe el año exacto en el que se realizó, pero pertenece al mesolítico, el cual va del año 9000 a. C. al 4000 a. C.
En la pintura se puede apreciar una escena que representar un enfrentamiento entre siete arqueros, ya que estos se apuntan entre sí con sus arcos y sus flechas. La pintura muestra cómo los arqueros se encuentran en movimiento, al igual que sus flechas. La obra de arte probablemente fue creada con óxido de hierro o de manganeso (por eso tiene un color rojizo). En la pintura el artista no realizó ninguna iluminación ni se buscó crear una ilusión de profundidad. Las figuras no tienen ninguna expresión y son orgánicas, ya que muestran el cuerpo humano (pero no de una manera exacta). No existe ningún tipo de perspectiva y el espacio no es claro ya que debido a la posición de los cuerpos, no se sabe en dónde queda el piso/la tierra/el suelo, y dónde queda el cielo. En la obra el balance es asimétrico, y la escena se concentra en el centro inferior, un poco hacia la derecha. Los cuerpos de los hombres no son proporcionados, ya que las piernas, los brazos y los troncos son demasiado largos, y las cabezas muy pequeñas. A pesar de que la pintura esta compuesta solo por los arqueros, sus arcos y sus flechas, la imagen sugiere que se encuentran en un campo, o en un terreno plano y amplio. La obra se realizó con el fin de ilustrar cómo los combates eran comunes y cotidianos en esta época. La pintura se parece las de las cacerías de este entonces, lo que sugiere que este suceso era un equivalente a la caza.

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He escogido esta obra de arte ya que fue encontrada en la tumba de la reina Puabi de Sumeria.
A pesar de que la obra de arte no trata sobre la muerte sino de música, considero que hay una razón por la cual los sumerios querían que las personas cruzaran al más allá acompañados de música.

Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Arpa de Puabi

Técnica: Madera tallada, lapislázuli, piedra caliza, betún, oro y conchas

Dimensiones: 112.50 x 73.00 x 7.00 cm

Fecha: 2.600 a.C. aprox.

Estilo o corriente artística: Periodo Dinástico Arcaico (no es un estilo pero es un periodo)

Lugar: Museo Británico

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Arte egipcio -  El festín de Nebamun (Fragmento de la tumba de Nebamun)

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Arte egipcio -  El festín de Nebamun (Fragmento de la tumba de Nebamun)

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Ficha técnica
• Artista: Desconocido
• Título: El festín de Nebamun
• Técnica: Pintura sobre piedra
• Dimensiones: 80.00 x 119.00 x 22.00 x 99.50 cm
• Fecha: 1.370 a.C.
• Estilo o corriente artística: Periodo de la 18va dinastía
• Lugar: Museo Británico

La obra escogida hace parte de uno de los muros de la tumba-capilla de Nebamun, y su fecha de creación es 1.370 a.C.

En este fragmento se puede apreciar el festín en honor de Nebamun. La intención de incluir un festín en la tumba es llenar al muerto de abundancia y eterno disfrute en el más allá. El la pintura se puede ver como hay estantes llenos de vino, uvas y flores. Todos estos elementos representan la abundancia, la fertilidad, el disfrute, situaciones y acontecimientos que quieren que acompañen al difunto después de la muerte.

Esta escena y la intención con la cual fue hecha muestran el verdadero significado de la muerte para los egipcios: la vida no termina, continúa pero en el más allá y esta es la razón por la cual mueren acompañados de sus sirvientes (o imágenes de ellos), bienes materiales, abundancia y riqueza.

En ningún momento la obra presenta nostalgia, muerte, tristeza, miedo o temor, solo muestra lo que se quería para el futuro de Nebamun. De esta manera, las imágenes ganan un poder, controlan el destino del alma de Nebamun, dictan su futuro y aseguran una estadía en el más allá placentera.

La pintura está compuesta por varios cuerpos, lo que también sugiere que se espera que la persona esté acompañada en todo momento. Además de esto, el uso del color blanco para toda la vestimenta de las personas genera un mensaje de paz, de tranquilidad, y reafirma que Nebamun gozará de disfrute.

A pesar de mostrar diferentes situaciones, la pintura muestra un solo espacio: el festín. También muestra una representación inusual de los seres humanos, ya que se puede ver como algunas mujeres tienen la cabeza de frente, y no de perfil, lo que puede significar una inferioridad ya que no son presentadas con perfección.

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Arte griego - Periodo clásico y helenístico

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Arte griego - Periodo clásico y helenístico

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Fichas técnicas y descripciones generales

Obra 1 (derecha) – Grecia periodo clásico

Ficha técnica

Artista: Calímaco

Título: Estela sepulcral de Hegeso

Técnica: Escultura sobre mármol

Dimensiones: 1,49 × 0,92 m

Fecha: 410 – ca. 400 a.C.

Estilo o corriente artística: arte clásica griega

Lugar: Museo Arqueológico Nacional de Atenas

La obra es una estela de una tumba ática encontrada en el Kerameikos de Atenas. En el relieve se puede ver a una mujer (Hegeso) sentada, y al frente de ella se encuentra una sirvienta.

Obra 2 (izquierda) – Grecia periodo helenístico
Ficha técnica

Artista: se le atribuye Epígono, pero se desconoce con seguridad su autor

Título: Gálata Ludovisi (Gálata suicida)

Técnica: Escultura en mármol

Dimensiones: 211 cm

Fecha: aprox. 230 – 220 a.C.

Estilo o corriente artística: arte helenística griega

Lugar: Museo Nacional Romano del palacio Altemps

La obra es una estatua de la Escuela de Pérgamo, y es una copia romana en mármol. En esta escena se puede observar a Gálata de pie e introduciendo en su pecho una daga, mientras que a su lado su esposa, quien ya está muerta, se desploma.

Análisis comparativo

A pesar de que ambas obras son griegas, los mensajes, las intenciones y las situaciones en estas son bastantes distintas. Por un lado tenemos a una estela funeraria esculpida específicamente para una tumba ática, mientras que la escultura narra una situación en la que un hombre se está suicidando. Ambas hablan sobre la muerte, pero la abordan de maneras distintas: primero se tiene a una obra en la cual la estela tiene como propósito recordar a un difunto, resumir quien fue, mostrar su estatus y adornar la tumba mientras acompaña al cuerpo, pero también se tiene una obra que tiene como propósito ilustrar un suceso en el cual se aproxima la muerte de Gálata mientras vemos como su esposa esta ya muerta. En la primera obra la muerte se ve cotidiana y está siendo aceptada, ya que se crea una obra específicamente para decorar/acompañar al cadáver, y en la segunda obra la muerte es representada con dramatismo e intensidad, mostrando la brutalidad de un suicidio y retratando de manera gráfica como la daga está siendo introducida al pecho del hombre. Además de la intención de las obras y del mensaje que estas dan, la primera muestra a cuerpos más estáticos, realizando acciones pequeñas y sencillas, mientras que la escultura está compuesta por cuerpos en movimiento exagerado y poco natural, ya que Gálata parece no tener ningún problema con introducir la daga en su pecho con un solo brazo mientras que sostiene con el otro a su mujer, quien no se puede sostener a si misma ya que está muerta.

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analisis comparativo grecia clasica y helenistica

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Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Momia de Heráclides

Técnica: témpera de cera y dorado sobre tabla de madera; lino y encáustica

Dimensiones: 44 x 175.3 x 33 cm

Fecha: 150 a. C aprox.

Estilo o corriente artística: arte egipcio

Lugar: The J. Paul Getty Museum

La obra que escogí para el arte romano es un retrato sobre madera perteneciente a la momia de Herácles, la cual probablemente fue encontrada en El Hiba (o El Hibeh). Este retrato fue realizado aproximadamente hacia el año 150 a.C.

Este retrato de Herácles fue diseñado específicamente para su momia (romano-egipcia), y en el se puede ver un uso de joyería romana, a pesar de quela momia fue encontrada en Egipto. En este retrato se puede ver claramente la tradición de realizar un retrato personalizado para cada momia. Esta obra se conecta con la muerte ya que simboliza el último recuerdo del difunto y personaliza aún más a la momia, manteniendo la tradición de los egipcios y combinándola con las costumbres romanas. Para ambas civilizaciones y culturas la muerte era un tema de suma importancia, por lo que en este caso se ve el respeto y el homenaje que se le hace a los difuntos mediante el arte. Al ver este retrato se puede apreciar como la muerte no fue algo negativo para los romanos y los egipcios, y a pesar de que Herácles se ve serio en el retrato, la intención del artista nunca fue plasmar de manera melancólica el recuerdo del ya difunto, sino darle vida a la obra, imitar los rasgos característicos de la persona y crear un retrato digno de ser enterrado junto al cuerpo. Al comparar el retrato de Herácles con otros cinco puedo notar que ninguno otro tiene dorado o la corona que se encuentra en el retrato que se está analizando. Esto puede ser un indicativo de estatus y de poder, al ser el oro un metal ligado a la realeza y al poder, y al estar retratado (Herácles) con una corona/diadema (objetos ligados también a la realeza y al poder). Todos estos elementos indican que fue un hombre importante y apreciado, ya que su retrato resulta ser ¨especial¨ y ¨diferente¨.

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Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Penteo viene squartato dalle Baccanti. Casa dei Vettii (Ágave, Ino, Autónoe y el resto de las Bacantes atacando a Penteo)

Técnica: fresco

Dimensiones:

Fecha: Siglo I d.C.

Estilo o corriente artística: arte romano

Lugar: Casa dei Vetti, Pompeya, Italia

Análisis visual
Esta obra la escogí puesto que muestra una escena previa a la muerte de Penteo. A pesar de que en la obra no se habla explícitamente de la muerte, no se habla del significado de la muerte o no se hizo para representar la muerte, si se conoce la historia detrás de la obra se puede hacer la conexión y la relación con la muerte. Penteo fue rey de Tebas y prohibió el culto a Dioniso. Frente a esta decisión, Dioniso decide someter a las Bacantes a un delirio en el cual creían que Penteo era una bestia. La mujeres, entre las cuales se encontraba la madre de Penteo, Ágave, descuartizan a Penteo. Esta escena e historia nos muestra la manera en la que los dioses tomaban venganza: la muerte. La matanza era vista como una lección y es un ejemplo de cómo la justicia divina funciona y como eran tan cotidianos estos actos. A pesar de que la obra no muestra la matanza de Penteo, es evidente que este personaje está siendo atacado por el grupo de mujeres, y si se conoce la historia completa, se sabe que todo termina en la muerte del personaje. Además de la importancia de saber el contexto de la pintura, el significado del nombre de Penteo también puede ayudar al espectador a saber en qué terminara el ataque. Penteo significa “hombre de las penas”, por lo cual desde el principio se sabe que su destino no será bueno. A través de los elementos que componen la obra se puede entender que Penteo se encuentra en una situación complicada, además del hecho de que la expresión facial del hombre muestra su dolor, su angustia y su sufrimiento, y que refleja el destino de él. A pesar de que no se ve sangre, heridas, armas u objetos que insinúen la muerte, la obra, de manera efectiva, transmite el dolor de Penteo, comunica el hecho de que éste va a morir, y explica que las mujeres no sienten en ese mismo instante ningún tipo de remordimiento sobre lo que harán.

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Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Noé en el arca

Técnica: fresco

Dimensiones:

Fecha: periodo entre los siglos II y V d.C.

Estilo o corriente artística: arte paleocristiano

Lugar: Catacumba de Santa Domitila, Roma, Italia

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Ficha técnica

Artista: desconocido

Título: Crucifixión de Cristo – Stabat Mater (Estaba la Madre)

Técnica:

Dimensiones:

Fecha: hacia 1410

Estilo o corriente artística: arte bizantino

Lugar: Museo Nacional Bávaro, Múnich

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Fichas técnicas y descripciones generales

Obra 1 – Arte románico

Ficha técnica

Artista: Maestro de Tahull

Título: iglesia San Clemente de Tahull

Técnica: arquitectura

Dimensiones:

Fecha: 1123 d.C.

Estilo o corriente artística: arte románico

Lugar: Tahull, Valle de Bohí (provincia de Lérida, España)

La obra es una iglesia de arte románico. Está formada por una planta con tres naves divididas por tres columnas  cada una, y una torre  campanario. Es patrimonio de la humanidad.

Obra 2 – Arte gótico
Ficha técnica

Artista: Jean d´Orbais

Título: Catedral de Nuestra Señora de Reims (Cathédrale Notre-Dame de Reims)

Técnica:

Dimensiones: 81 cm

Fecha: 1211 d.C.

Estilo o corriente artística: arte gótico

Lugar: ciudad de Reims, en el departamento de Marne, al noroeste de Francia

La obra es una catedral francesa compuesta por tres pórticos con estatuas y estatuillas.  Es patrimonio de la humanidad.

Análisis comparativo

He escogido estas dos obras porque, a pesar de que no tratan explícitamente sobre la muerte, son lugares sagrados en donde se celebra la vida y la muerte, la resurrección y la eternidad de Dios. Además de ser un lugar para recordar el sacrificio de Jesús por la humanidad, es donde los católicos se despiden de los muertos, realizan misas para despedirse de sus seres queridos y asegurarse de que lleguen al cielo.

Ambas son edificaciones hechas para la religión católica y se encuentran en Europa. A pesar de que ambos edificios fueron creados con el mismo propósito, hay muchas diferencia entre ambos. La iglesia de San Clemente de Tahull es mucho más sencilla que la Catedral de Reims: sólo tiene una torre, no tiene las estatuas y estatuillas que rodean a la catedral, las ventanas son mucho más pequeñas, sin decoraciones y con arcos redondos, no en punta. La Catedral de Reims es mucho más “elaborada” que la iglesia, tiene grandes ventanales redondos, arcos en punta para mayor estabilidad y permitir que las paredes no sean demasiado gruesas, las puestas son grandes y altas, al igual que las ventanas, y está completamente cubierta por estatuillas y estatuas.

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Historias del arte arqui románica y gótica

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Análisis renacimiento italiano y nórdico historias del arte

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Arte neoclásico y arte romántico análisis 

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Vanguardia artística del siglo XX - Expresionismo

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Vanguardia artística del siglo XX - Expresionismo

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Vanguardia artística sxx - expresionismo