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Colaboradores de Galipedia, "Moda," Galipedia, a Wikipedia en galego, https://gl.wikipedia.org/w/index.php?title=Moda&oldid=6198402 (consultado o 10 de decembro de 2022)

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A é un termo aplicado a maioría das veces a unha corrente de expresión predominante, aínda que tamén se usa como modo de expresión que pode -ou non- ser seguido polos demais. Ligada ao termo vai a idea de que a moda cambia máis axiña cá cultura na súa totalidade.

A moda pódese definir como o uso pasaxeiro que regula o xeito de vestirse, de construír, de vivir etc., segundo o gusto do momento ou como o uso social que condiciona a indumentaria segundo unhas normas preestablecidas que varían de acordo coa época e a civilización. Indica no seu significado máis amplo unha elección ou, máis ben, un mecanismo regulador de eleccións, realizadas en función duns criterios de gustos, diferentes en cada cultura. Aínda que os aspectos da moda poden ser feminina ou masculino, algunhas tendencias son androxinias.

A moda, ou as modas, e máis concretamente a moda nos , designa o xeito de vestirse, conforme ao gusto dunha época nunha zona determinada. É un fenómeno que implica ao colectivo a través da sociedade, a visión que ela reenvía, os códigos que impón e o gusto individual. O concepto de moda pasa a necesidade de vestir. O fenómeno da moda foi durante moito tempo un privilexio da aristocracia, da corte, e dos ricos que querían imitar as formas; posteriormente popularizouse e converteuse nun fenómeno de masas.

A difusión da moda vai ser lenta ata fins do século XVII, en diante foron as primeiras publicacións periódicas as que lle deron publicidade. Antes, o comercio, as cartas, os matrimonios, as viaxes e ata a espionaxe eran os sistemas principais de difusión da moda. A ruta da seda tivo un gran papel pero baixo o segredo da elaboración destes tipos de tecidos . No século XVI comezáronse a popularizar as bonecas de dimensións pequenas ataviadas segundo a moda do momento con todos os seus detalles, tal e como menciona unha carta do rei Francisco I de Francia dirixida a Isabella d'Este, duquesa de Mantua. En 1672 fundouse en Francia o xornal literario e de moda Le Mercure Galant, seguido doutras publicacións similares noutros países europeos.

A moda pode ser observada desde un punto de vista estritamente artístico ou artesanal, pero tamén pode ser analizada como un instrumento do desenvolvemento económico.

Etimoloxía

A palabra moda deriva do latín modus, que significa xeito, norma, regra, tempo, melodía, ritmo.

En francés, mode aparece na escrita a partir de 1482 e refírese aos cambios nos detalles da roupa reservada para a elite. A expresión a "nova moda", "estar á moda" é do 1549.

En italiano, o termo moda aparece co seu significado actual no tratado La carrozza da nolo, ovvero del vestire alla moda, do clérigo Agostino Lampugnani, publicado en 1645.

En canto ao inglés fashion deriva tamén do latín facto, que en francés dará façon. Xa en 1489 aparece por escrito como o xeito de vestir ou de vivir das clases altas. Vogue, style, look e outros son case sinónimos. Mode tamén se utiliza en inglés.

Os creadores de imaxe

Ata o século XV a historia da moda é a historia da vestimenta, dado que ata aquel momento os cambios na vestimenta eran moi lentos ou practicamente inexistentes, non se pode falar de moda no sentido actual.

As leis dos modos da época romana son un valioso documento para coñecer o xeito de vestir daquel tempo, estas leis limitaban o luxo no xeito de vestir masculino e feminino.

Xa no 215 a.C. a Lex Oppia buscaba limitar a riqueza dos vestidos das mulleres, Xulio César e outros emperadores interviñeron contra os traxes de homes e mulleres fixando tamén o prezo.

As imposicións no xeito de vestir era xusto o contrario do concepto de moda propiamente dito; por exemplo en moitos lugares obrigábase os xudeus a portaren un distintivo no seus vestidos e en ningún caso había unha liberdade no xeito de vestirse que, en toda Europa occidental, estaba suxeita a numerosas regulamentacións.

Este tipo de leis antisuntuarias e de obrigacións no vestido continuaron ata o século XVIII. En 1789, ás portas da Revolución francesa, os burgueses parisienses presentáronse á apertura dos estados xerais con vestido negro e gravata branca, vestido este que se lles impuxo para humillalos ante a aristocracia que estaba moi luxosamente ataviada. Aínda así este contraste no xeito de vestir provocou o efecto contrario posto que a Asemblea Nacional Constituínte aboliu as diferenzas de clase, en Francia, en canto ao vestiario.

Co renacemento redescóbrese a humanidade como centro do Universo,; por primeira vez estudáronse as proporcións. Ata a primeira metade do século XVI homes e mulleres usaban vestidos que seguían as formas do corpo sen alteralas. Na segunda metade do século XVI iniciouse un proceso de maior rixidez no vestiario debido á influencia da moda de España e da intervención moral da contrarreforma. Os vestidos volvéronse a pechar e a finais do século púxose de moda a gorgueira -que era un pescozo de tea amidonado- e as saias femininas eran en forma de campá ríxida.

Cara a 1630 a moda masculina toma un aire case militar cunha especie de corpiño e botas altas de coiro, cunha espada á beira e bigote marcial. Nesta época domina a moda francesa tanto nos homes como nas mulleres.

O caso do rei Sol, Luís XIV, foi un auténtico paradigma, impuxo unhas modas e unha etiqueta que se copiou en toda Europa. En Versalles había unhas regras precisas de como debía vestir a nobreza. Unha novidade absoluta foi a introdución do habit a française (vestido como os franceses) que constaba de tres pezas: unha chaqueta de coiro, unha longa peza á cintura e uns pantalóns curtos ata o xeonllo. Outra novidade co mesmo éxito foi a perruca masculina con rizos, esta facía máis grande e estilizada a silueta de quen a levaba.

É neste século cando a moda aparece como unha industria e queda totalmente igualada para toda a civilización occidental. É tamén no século XVIII, como consecuencia do triunfo da burguesía e do individualismo, que aparecen os primeiros nomes de creadores de moda e de estilistas.

No século XVIII será o triunfo do onde a moda feminina da época se caracteriza pola opulencia e a elegancia, con cores vivas, flores bordadas e labores de encaixe. Maliciosamente puxéronse de moda as falsas pencas no escote, na parte descuberta do peito, pero aínda con todo isto a figura da muller estaba rixidamente engaiolada. As mulleres da clase alta só podían sentar nun diván e éralles difícil pasar pola porta xa que levaban baixo as saias unha armazón chamada cancán. O vestido máis utilizado ata o 1770 chamábase andrienne, tamén chamado roupa á francesa, que levaba un longo manto para o que se necesitaban metros de tea.

Logo de 1770 os vestidos foron máis redondeados e acurtáronse ata ensinar o nocello. Apareceron gabardinas abrochadas por detrás e abertas por diante, chamadas polonaise, e chaquetas curtas e estreitas. Finalmente o gusto neoclásico que se abría camiño achegou a simplicidade e as mulleres vestiron traxes camiseiros, con vestido longo, suave e fino. Para o home continuou o uso do habit a française, pero con cores claras e decoración bordada. Acompañábase tamén cun pequeno colo duro. Logo de 1770 comezaron, sobre todo na moda masculina, a insinuarse influencias inglesas que xa emprendera a Revolución industrial e tiña gran riqueza nas súas colonias.

Na Francia revolucionaria unha violenta reacción popular afectou tamén á moda aristocrática: comezaron a desaparecer prezados tecidos, cosméticos e outros. Abandonouse a seda pola muselina de algodón. Tamén para as " xoias" comezou a usarse o ferro. As mulleres levaban unha banda vermella ao redor do pescozo chamada graficamente a guillotina. Foi tamén popularizado o corte do cabelo à la victime, que recordaba o que se impuña aos condenados á guillotina.

A perruca usábana os dous sexos. A raíña de Francia María Antonieta facíase facer polo seu peiteador, Leonard, peiteados monumentais nas perrucas. Ata a Revolución Francesa só se vían brancas. Tamén os cosméticos se difundiron entre homes e mulleres: en xeral a figura masculina vaise ver máis afectada e menos marcial que no século XVII.

No século XIX, o inglés Charles Frederick Worth, durante o Segundo Imperio Francés, crea o modelo actual do modisto creador e, aproveitando os avances da revolución industrial, foi o primeiro que mirou de industrializar as súas creacións e todos os complementos do vestir, que ata entón nada máis que eran feitos en pequenas artesanías.

Sobre todo é o xeito de vestir masculino o que sofre un cambio máis profundo e radical. Para substituír o que se considera a frivolidade do século anterior, imponse un look austero e rigoroso, corte simplificado, tecido de punto robusto e decoración reducida ao mínimo. Todo isto abre a influencia inglesa que propón unha elegancia máis práctica e civil, informal e deportiva... Por iso a sinxeleza do vestido do gentleman entrou en toda Europa, en particular o frac e a levita ( frock coat) que permitía cabalgar de forma cómoda.

O dandi máis famoso foi Beau Brummell co seu lema: "Para ser elegante non é necesario facerse notar" que foi lei para os homes que querían seguir a moda. Para Brummell a gravata non debía ser amidonada e tiña que ter o nó adecuado ás diferentes ocasións, o corte de cabelo e as luvas tamén eran moi importantes para el.

Nas mulleres burguesas de principios de século a moda eran os vestidos lixeiros e case transparentes. O inconformismo consecuencia da Revolución francesa durara menos de 20 anos. O papel da muller durante boa parte do século XIX estaba reservado ao espazo privado e ao fogar, evitando mostrar sensualidade na forma de vestir. O vestido pechado á beira do pescozo tiña mangas longas e ombreiros caídos mentres as liñas do corpo insinuaban fraxilidade, dozura e suavidade. O busto era unha coraza de tea ríxida, as saias estaban provistas dunha armadura que ata podía provocar dor.

Este século foi tamén o século da prostitución e as que tamén acabarían influíndo na moda. O novo ideal estético e literario era o de femme fatale. Se a principios de século o vestido feminino mostraba o nocello, pouco despois os vestidos fixéronse máis longos ata cubrilos. Neste século os movementos literarios e sociais sucesivos tiveron moita influencia na moda: o neoclasicismo coa imitación dos trazos estilísticos das estatuas gregas e romanas, o romanticismo con traxes cubertos de pequenos ornamentos, o eclecticismo da década de 1870 e o Modernismo (floral) a finais de século. Logo de 1890 adaptáronse sempre os traxes das mulleres por ciclos, pero, coa intención, aínda, de esconder todo o posible a pel do corpo.

O caracterizouse polo descubrimento de fibras artificiais e a difusión do prêt-à-porter (listo para levar), como feito sociolóxico de igualación. Ata ese momento as persoas só puideran comprar as pezas de vestir á medida e por previo encargo, con custos moi elevados. O feito de poder comprar os vestidos, como nas tendas hoxe en día, levou os modistos creadores a lanzaren os seus propios complementos: perfumes, bixutería, luvas, medias etc., para cubrir, deste xeito, eles todo o campo do consumo da moda.

A moda comeza no ano 1900 coa chamada silueta S, debido ao corsé que empuxaba os peitos cara arriba, estreitando a cintura e as súas saias axustadas á cadeira ensanchándoas en forma de campá ao chegar ao chan. No mundo laboral comézanse a incorporar os traxes xastre e o corte con influencia masculina para as mulleres. Os vestidos eran longos, cubrían os zapatos; as plumas e os encaixes facían furor, destacando os grandes chapeus con infinidade de adornos e ornamentos. A moda practicamente só foi seguida polas clases altas e medias. En 1908, a silueta foi moito máis recta, sen marcar tanto a cintura e produciuse unha vaga de orientalismo debido aos deseños de Paul Poiret e os ballets rusos.

Os sistemas de comunicación tiveron unha gran evolución e con eles aumentou a difusión da moda: o cine (primeiro mudo, despois sonoro e máis tarde en cor), a televisión, as revistas en cor, a maior facilidade de desprazamentos, a publicidade, o incremento do nivel de vida e do comercio, a liberación da muller, todo axudou á difusión das propostas da moda.

A principios de século, na década de 1920 ( Os anos tolos) imponse na moda o estilo flapper (en francès garçonne), que propón unha muller delgada, case sen peito e co cabelo cortado ao bob cut, vestida con cores vivas, con xoias rechamantes e saias moito máis curtas das que se viron ata entón. O Ballets Russes de Sergei Diagilev, que actuaba en París, tamén impuña a súa estética de influencias orientais. O pret-à-porter (listo para levar) aínda non existía pero déronse os primeiros pasos entón .

Inglaterra continuaba no seu papel de modelo da elegancia masculina. O home aínda así seguía ligado ao estilo tradicional do século xix: chaqueta, chaleco, pantalóns e camisa. A vestimenta para levar posta no inverno era variada e en ocasións máis cerimoniosas, aínda moi frecuentes entón, levábase o frac, o smóking e o "tight". As cores eran escuras, a camisa rigorosamente branca, co colo ríxido e almidonado. Para manter a brancura, sempre perfectamente puída, o colo e os puños estaban separados da propia camisa. Eduardo VII, príncipe de Gales e fillo de raíña Vitoria, foi un modelo de dandy: inventou novas pezas masculinas como os pantalóns con prego e volta. Parece que o smóking (obtense simplemente cortando a cola do frac) foi idea súa.

Tras a primeira guerra mundial o escenario europeo cambiou moi profundamente, vaise producir o ascenso dunha nova clase social enriquecida pola guerra que vai ser a nova clientela das firmas da moda. E xurdiu a influencia dos Estados Unidos, o jazz e o charlestón na música e o star system nos espectáculos. Os actores de cine pasaron a ser modelos a imitar. Pero o fenómeno sociolóxico máis importante foi a emancipación das mulleres, que se fixeron máis presentes na vida en xeral.

O novo modelo feminino era unha muller delgada, sen curvas nin peito, con cabelo o estilo masculino. As saias eran máis curtas. A finais da década de 1920 afirmouse o estilo bebé con saia ata os xeonllos, zapatos con correa e chapeus á Cloche. A moda propuña un novo xeito de entender o vestido: práctico, sinxelo, de custo reducido e elegante. Predecesora desta moda foi Coco Chanel. Foi ela quen lanzou a súa chaqueta curta e recta característica, sen colo. Foi a primeira en propor a bixutería feita con vidros coloreados. Non deseñou pantalóns para as mulleres xa que aínda eran tabú no seu tempo.

Logo de 1930 o ideal feminino copia as estrelas do cine de Hollywood: os beizos de Joan Crawford, o pelo da loura platino Jean Harlow, os pantalóns de Marlene Dietrich. A muller ideal era lonxilínea e feminina, levaba tacóns altos e tinguía o pelo. A italiana emigrada aos Estados Unidos Elsa Schiaparelli era unha das deseñadoras de referencia inspirada no surrealismo e o cubismo, así como nos cadros de Salvador Dalí e de Pablo Picasso.

Durante a segunda guerra mundial houbo restricións nos abastecementos de todo tipo que afectaron á moda e durante aqueles anos as liñas propostas polos deseñadores pasaron a ser simples e pouco espectaculares. Nos Estados Unidos estendéronse os pantalóns vaqueiros. Ata algunhas mulleres pintaban as medias nas pernas xa que faltaba o nailon.

Christian Dior foi o artífice da moda de posguerra lanzando, en 1947, o chamado New look. Dior fora anteriormente anticuario e tiña na cabeza unha muller señorial, refinada e romántica. No vestido propuña a cintura de avespa e as saias longas e anchas. Os traxes de Dior eran falsamente naturais e gustáballe o branco e o negro. O aspecto ultrafeminino da roupa acentuábase cos complementos: eran obrigatorios as luvas, os zapatos con tacón e os gorros.

Co final da segunda guerra mundial o papel preponderante dos Estados Unidos e a Unión Soviética afirmouse. Os estadounidenses influíron en Europa na moda, na fala, no baile, no canto etc. Os mozos europeos adoptaron unha moda máis deportiva e informal: os pantalóns vaqueiros, as camisetas, as chaquetas de pel e a brillantina para o pelo. Por primeira vez os mozos vestíanse de xeito diferente aos seus proxenitores. Os vaqueiros foran inventados no século XIX como indumentaria dos traballadores grazas á robustez do seu tecido, con dobre costura e remaches de metal. Os universitarios americanos adoptárono tras o éxito da película " The wild one" ( O salvaxe) (1954) co mozo Marlon Brando. Pero os fenómenos Elvis Presley e o rock and roll, vanse afianzar definitivamente. En Europa tamén o mundo da moda pasou a ser de consumo masivo.

Ata a súa morte, en 1957, Christian Dior foi presentando as súas coleccións, algunhas das cales se inspirában nas letras do alfabeto, como a liña H de 1954 , co busto alargado, igual que no retrato de Ana Bolena, muller de Henrique VIII. Sucesivamente presentou a liña E e a liña A. O ano da súa morte revolucionou a moda coa liña saco. Chanel reabriu a súa firma de modas e volveu propor a chaqueta sen colo e a saia simple e recta. Chanel detestaba a Dior e consideraba os vestidos do seu competidor incómodos e pouco prácticos para unha vida activa. Lanzou o zapato sen tacón coa punta de cores diversas. Yves Saint Laurent foi o sucesor da firma Dior. Na súa primeira colección propuxo a liña trapecio, era fresca, xuvenil, e substancialmente unha continuación do saco de Dior.

Na moda para o tempo de lecer destaca o. Os pantalóns marchaban cara ao éxito, cun lazo pasando baixo o pé. A malla, desde sempre considerada unha materia pobre e popular, comezou a ser parte das coleccións.

Na década de 1960 cambia radicalmente a moral e o estilo de vida no que se estaba aínda radicado. En 1964 estalaba a intervención norteamericana na guerra do Vietnam. Na Universidade de Berkeley estala a primeira manifestación de estudantes, e pouco despois o maio de 1968 onde se manifestaban tamén contra o mundo elitista que precisamente eran os sustentadores da moda de alta costura. Os manifestantes do maio francés levaban: anoraks, bufandas, vaqueiros, xerseis deformados e zapatillas de tenis.

En California un reducido grupo de intelectuais formaron a beat generation cunha nova filosofía de vida baseada na procura da liberdade pero tamén no consumo de drogas e alucinóxenos. En Inglaterra a música beat, que representaban os Beatles e os Rolling Stones, coa capacidade de agregar millóns de adolescentes que copiaban a vestimenta dos seus ídolos musicais. Os Beatles levaban pantalóns estreitos e curtos, chaquetas curtas e uniformes do século XIX. Os Stones, máis informais, preferían camisa e pantalóns de satén, colares e brazaletes, e maquillábanse. Nos dous grupos era fundamental o pelo longo que estaba mal visto nos homes desde había un século, as cores rechamantes substituían o vestido gris da burguesía. Londres converteuse na meta dos mozos europeos, Barbara Hulanicki, abre na cidade a tenda Biba, que foi a primeira boutique de moda xuvenil. Os vestidos eran máis coloreados e cómodos, facendo nas mulleres que o novo modelo feminino xa non fosen as actrices do cine senón as modelos: Twiggy, Jean Shrimpton, Veruska. Tamén Brigitte Bardot gustaba polo seu bronceado sensual, a cola de cabalo e os longos cabelos rizados. En Inglaterra Mary Quant lanzou en 1964 a minisaia. Inventaron os pantys de cores. En Francia André Courrèges foi o único en seguir a moda nova, adoptando as saias curtas, zapatos sen tacón e liñas xeométricas e facendo grande uso dos pantalóns femininos. Audaz e innovador, Courrèges lanzou en 1969 a moda espacial.

Paco Rabanne lanzou os vestidos metálicos. En 1965 Yves Saint Laurent propuxo a colección Mondrian que se baseaba na pintura de Pieter Mondrian; eran os anos do pop art e do op art, de Victor Vasarely. Andy Warhol presenta en 1962 un vestido estampado coas súas famosas latas de sopa Campbell.

Finalmente neste período xorden os traxes Unisex, coa famosa sahariana ideada por Saint-Laurent, vestidos transparentes ao estilo Nude look. En 1967 apareceu a maxisaia polo grande éxito da película Doutor Zivago. Tamén apareceu a solución intermedia a midisaia.

Nos Estados Unidos, como reacción á guerra do Vietnam, xorde o flower power ( O poder das flores), e o festival de Woodstock.

Os hippys de principios da década levaban camisas grandes e longas, túnicas transparentes, cores chispeantes, flores xigantes, xoias de todo tipo e vestidos exóticos. Os cabelos transformáronse nunha maraña de rizos sen peitear. Isto todo era como unha antimoda e símbolo da liberdade.

Nos anos setenta xa non se pode falar de moda senón en plural, modas. Yves Saint Laurent por exemplo aplicou ás súas coleccións femininas vestimentas típicamente masculinas como o smóking, a gabardina e os bombachos. Como consideración ao folclore, creou un famosa colección ao estilo ruso, seguida doutra ao estilo chinés. Varias veces as súas coleccións estiveron inspiradas no mundo da arte, do pop, o cubismo (colección Picasso) ou o fauvismo.

Nesta década hai unha redefinición do concepto de estilista. Non bastaba con ser un bo artesán e crear vestidos de óptima factura e de calidade senón tamén dar unha imaxe atractiva do propio produto. A competencia, debido á globalización, pasou a ser desapiadada. Co desenvolvemento de internet cada marca creou a súa propia páxina web, non só para chamar a atención senón para vender algúns dos seus produtos directamente ao cliente.

A moda dos anos oitenta caracterizouse polo culto ao éxito e á eficiencia. A estética punk dulcificouse na pasarela. Desenvolveuse a ansia por ter boa forma física e ata para persoas que xa non eran mozas adaptáronse vestidos deportivos. Nese momento a moda pasou a ser realmente internacional. Coa redución da importancia da alta costura francesa, cada nación desenvolveu un estilo propio. En Europa foron Alemaña, Italia e Inglaterra mentres emerxían os Estados Unidos e sobre todo o Xapón; os deseñadores xaponeses maioritariamente emigraron a París desde onde desenvolveron a súa creatividade con liñas de corte impecable e de materiais insólitos.

En Italia, Milán en concreto, destacan Giorgio Armani, Missoni, Gianfranco Ferré, Gianni Versace, Dolce & Gabbana. O éxito deste último débese en gran parte a vestir á cantante Madonna.

O ideal de beleza feminina era o dunha muller deportiva e delgada, musculosa e ambiciosa, con éxito privado e público.

O fenómeno yuppie ( Young Urban Professional) nos Estados Unidos, era unha persoa agresiva e ambiciosa, os yuppies traballaban na bolsa con poucos escrúpulos e frecuentaban ambientes e restaurantes exclusivos, esnifando cocaína e vestían á italiana, especialmente Armani e Versace.

A moda hoxe en día

Desde mediados do século XX, a moda constrúese aos poucos e dando unha imaxe dun inevitable fenómeno social. Modistos como Paul Poiret a principios do século, ou posteriormente Madeleine Vionnet, Cristóbal Balenciaga, Christian Dior, Yves Saint Laurent, Hubert de Givenchy , Pierre Cardin e Coco Chanel e André Courrèges, Nina Ricci e, máis recentemente, Thierry Mugler, Giorgio Armani, Gianni Versace, Christian Lacroix, Helmut Lang e Miuccia Prada, Antoine Chaulieu e Tom Ford convertéronse en figuras públicas. Convertéronse en creadores de tendencias das grandes marcas da distribución internacional. O seu rol é conseguir achegarse ao colectivo dos consumidores.

Nos países temperados, a moda renóvase en función dun sistema de acordo coas estacións anuais, en períodos de seis meses: outono/inverno e primavera/verán. Antes de que a colección chegue ás tendas, sempre hai un gran traballo en equipo xa que as coleccións deséñanse con seis ou oito meses de anticipación.

O primeiro paso é a procura de indicadores para prever a dirección da moda do futuro. Con esta recolleita de información, prepárase un caderno coas tendencias, máis coñecido polo seu nome inglés trend book (libro de tendencias).

Para poder realizar esta recolleita de ideas, hai varios pasos inevitables, diversos eventos que hai que ter presentes. En primeiro lugar, son os desfiles de moda, como o de "Première Vision" (Primeira Visión) en París, e o "Pitti Uomo i Pitti Immagine" (Home Pitti e Imaxe Pitti) de Florencia e Milán, onde hai un gran número de salóns. Ademais tamén existen os desfiles de moda pero o máis accesible son os escaparates e ver como viste a xente nas rúas. Por iso, fotográfanse varios detalles interesantes sobre como viste a xente da rúa, incluso os fashion buyers (compradores de moda) van comprar roupa e accesorios en determinadas tendas de referencia.

A continuación, establécese un apuntamento dos diferentes elementos, e póñense en marcha diferentes grupos de ideas que se concretan nos diferentes temas. Cada un destes temas inclúe diversos materiais así como diferentes tipos de pezas cos seus pequenos detalles.

Así, cada páxina dun libro de tendencias presentarase cunha mostra de téxtiles, debuxos técnicos detallados, unha ilustración de moda (a figura) e, posiblemente, con fotografías das referencias. O resultado será exhibido nos salóns de moda da tempada ou vendidos directamente ás grandes marcas de roupa. Estes libros poden anticipar a tendencia da moda en dúas ou tres tempadas; é dicir, a modo de exemplo, no outono/inverno de 2005, presentouse a tendencia dos libros de primavera/verán de 2006, xa se acabaron de deseñar as de outono/inverno do 2006/2007 e iniciouse a procura da proposta de primavera/verán do 2007.

Nun libro de tendencias ( trend book) aparecen un conxunto de ideas, aínda non hai ningunha colección creada. O deseñador utilízao para crear a súa propia colección, e só tomará os elementos que lle interese. Como exemplos de deseñadores de trend book cabe destacar Nelly Rodi, Peclers ou Promostyl en París, e A+A en Milán.

Unha vez que as ideas e os temas foron seleccionados, os deseñadores deben crear as súas coleccións cunha tempada de antelación, ou ata dúas. Deben seleccionar as ideas e os tecidos definitivos que decidiron promover, proporcionar impresións ou bordados, e detalles dos pequenos accesorios como poden ser clips ou botóns. A continuación, han de montar unha colección que inclúa os trend books de diferentes grupos. Por exemplo, nun tema sobre a maxia, levaranse a cabo unha ducia de pezas coa idea da bruxería, outra sobre as fadas, unha sobre as variñas máxicas etc. Nunha colección, en función do tamaño da marca, pode haber entre dous e seis grupos de traballo.

Os deseñadores deben asegurarse de que a colección sexa equilibrada e que os diferentes compoñentes vaian ben coordinados. Cada modelo será representado por un debuxo técnico que mostrará claramente todos os detalles, cunha visión dianteira e outra traseira, e ata máis tarde detállanse elementos máis específicos. Unha vez terminado este traballo, a presentación farase en forma de debuxos técnicos de cada un deles cunha mostra do tecido téxtil ou das referencias pertinentes.

O modelista é responsable dos seus debuxos técnicos para deseñar un patrón do vestido. Nesta etapa prodúcense frecuentemente contactos entre o modelista e o deseñador para axustar a proposta á realidade do día a día. Finalmente, o modelista segue adiante e elabora os prototipos para ver se é o que realmente se quere facer. Aínda hai marxe de mellora e o proceso complétase unha vez que se incorporan os últimos cambios.

Unha vez que o patrón de cada prototipo foi producido polo modelista, pásase á fase de industrialización, que a miúdo é máis responsabilidade do patrocinador e o gradeur ( modelista xefe). O patrocinador, a partir do patrón coas principais pezas do vestido, encárgase de montar todos os anexos de pezas técnicos, por exemplo dobreces, e algúns persoais de montaxe. O gradeur é o responsable de traducir o modelo elaborado e adaptalo a un talle de referencia, un modelo descrito válido para todos os talles que se queiran producir.

Unha vez que o patrón de cada modelo entra en fase de industrialización, a roupa prodúcese en maior ou menor cantidade segundo a distribución esperada. Esta é a confección do vestido, que posteriormente é empaquetado e enviado aos diferentes puntos de venda.

Algúns modelos poden ser creados especificamente para un desfile de moda, por exemplo, para anticipar a colección da marca. Nunha colección, aproximadamente o 20% dos modelos non se venderán nunca.

Véxase tamén

Jeanne Allen. Showing your colors, Angus & Robertson

Yvonne Deslandres i Florence Müller. Histoire de la mode au s. XX

Guillaume Erner. Victimes de la mode

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A é un termo aplicado a maioría das veces a unha corrente de expresión predominante, aínda que tamén se usa como modo de expresión que pode -ou non- ser seguido polos demais. Ligada ao termo vai a idea de que a moda cambia máis axiña cá cultura na súa totalidade.

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Dior Dress Dior_2323Flickr licencia CC BY

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Presentación CANVA

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Os coloridos conxuntos da raíña Isabel II

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The 50 Most Unforgettable Fashion Moments

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The 50 Most Unforgettable Fashion Moments

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“The times they are a-changing,” words once sung by a budding folk singer by the name of Bob Dylan, seem not only applicable to the upheaval of values and barriers in the 1960s, but also an industry that thrives on reinvention. Even as we peer into our closets – no matter how frightening the state…

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13 momentos que cambiaron la moda para siempre

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Ahora que las 27 ediciones de Vogue se unen bajo el tema de la creatividad, rendimos homenaje a los pioneros que vislumbraron el futuro de la moda.

El reto: describir el papel que tuvieron los pensadores más creativos de la moda en los grandes avances culturales del último siglo sin usar los adjetivos 'revolucionario', 'pionero' o 'innovador'.

Todos estamos familiarizados con la lista - Coco Chanel, Elsa Schiaparelli, Christian Dior, Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Miuccia Prada, Rei Kawakubo-, las insignias de la intelligentsia de la moda que han cambiado nuestra forma de pensar el mundo. Pero, ¿cuándo exactamente ocurrieron sus saltos creativos? ¿Cómo lograron superar las normas sociales? Y, ¿a quiénes indignaron en su época?

Ahora que las 27 ediciones de Vogue en todo el mundo se unen este mes con el tema de la creatividad, rendimos homenaje a las mentes revolucionarias, pioneras e innovadoras que vislumbraron el futuro de la moda y lo volvieron realidad. Estos son los 13 momentos que cambiaron la moda para siempre.

1911: 'El Rey de la Moda', Paul Poiret, y el nacimiento de la editorial de moda

'Más que cualquier otro diseñador del Siglo XX, Paul Poiret elevó la moda al estatus de arte', reza el titular oficial del Metropolitan Museum of Art sobre la creatividad radical del modista parisino. La exhibición de 2007 del Instituto del Traje se hizo en su honor, y se llamó, adecuadamente, 'Paul Poiret, el rey de la moda'. Su reino fue ultrarrevolucionario.

Cuando Poiret no estaba organizando decadentes bailes de sociedad como método ingenioso para presumir sus últimos diseños entre su clientela adinerada, se estaba deshaciendo de los corsés, codeándose con embajadores de las celebridades (como la estrella francesa del escenario Gabrielle Réjane) y convirtiéndose oficialmente en el primer modista en lanzar una línea de perfumes. El momento decisivo que cambiaría la cara de la moda para siempre llegó en 1911, cuando el fotógrafo de arte Edward Steichen capturó sus diseños para el número de abril de la revista Art et Décoration, en lo que hoy conocemos como una de las primeras editoriales de moda.

Después, en 1932, Steichen tomaría la foto para la primera portada a color de Vogue Estados Unidos, en la que se ve a una modelo ejercitándose en traje de baño contra un cielo muy azul, en el número de julio. La caída de la bolsa de 1929 obligó a Poiret a cerrar para siempre, pero su duradero legado creativo serviría de esbozo para la industria multimillonaria que estaba a punto de surgir.

1926: el vestido negro de Coco Chanel se presenta al mundo en el número de octubre de Vogue

'¡Estas mujeres, carajo, las voy a vestir de negro!', declaró Chanel, la iconoclasta. El resultado fue el vestido negro, un diseño que tipificó sus intenciones igualitarias y se anunció al mundo con una ilustración en Vogue Estados Unidos. La pieza muestra un vestido negro a la rodilla, de manga larga. Para los estándares actuales, la figura es recatada, incluso conservadora. Sin embargo, si nos remontamos a 1926, el vestido encarna el espíritu liberal de los 'felices años veinte'. Chanel cambió el guion y rechazó las nociones de clase de que la ropa negra era el uniforme de los sirvientes y de los funerales: esa jugada sería la clave de su éxito.

La década de 1930: Elsa Schiaparelli encabeza colaboraciones con artistas, humor y un ingenio astuto

La diseñadora italiana que hizo de la moda una parte indisociable de uno de los mayores movimientos artísticos del Siglo XX, el surrealismo (encarnado en su 'vestido de langosta' de 1937, una colaboración con Salvador Dalí), empezó con suéteres modernos y utilitarios. 'Durante la guerra, no todo era glamour. Hacía cosas para Hollywood, pero también ropa deportiva' le dijo a Suzy Menkes la nieta de Schiaparelli, Marisa Berenson, en 2003. En la época de la prohibición del alcohol en los años veinte, la diseñadora usó su buen juicio y agudeza artística con resultados legendarios: 'el vestido para esconder una anforita de whisky', recuerda Berenson.

1947: Christian Dior devela el 'Nuevo Look' (y todas las mujeres lo quieren)

No puedes evitar pensar que Dior sabía que sucedería algo muy importante mientras se preparaba para revelar su primera colección el 12 de febrero de 1947. La historia recuerda las 90 figuras que conformaron la colección de Alta Costura primavera-verano 1947 -una presentación que será por siempre uno de los mejores debuts de la moda - simplemente como el 'Nuevo Look'.

El modista, que había establecido su taller en el número 30 de la Avenida Montaigne de París unas semanas antes, en diciembre de 1946, marcó un inicio fresco y emocionante para las mujeres de todo el mundo, pues trazó una línea entre la austeridad de la Segunda Guerra Mundial y la nueva silueta, que se regocijaba en su femineidad y celebraba la figura de la mujer con su falda generosa, cintura ceñida y hombros esbeltos y esculpidos. Era el inicio de una nueva era.

1954: Karl Lagerfeld inicia su carrera en el mundo de la moda como asistente de Pierre Balmain

Décadas antes de que Karl Lagerfeld ascendiera al estatus de káiser al frente de Chanel en 1983, el joven diseñador haría sus pininos a la sombra de Pierre Balmain, el arquitecto que se convirtió en maestro modista y cuyos diseños fueron descritos por Diana Vreeland como 'la esencia de la alta costura'. Para Lagerfeld, el taller de Balmain ha de haber sido una invitación electrizante hacia un epicentro creativo donde vestir a las estrellas -incluida la futura sensación global del cine, Brigitte Bardot-era parte de su rutina diaria.

1961: Roy Halston Frowick diseña el sombrero tipo casquete que usó Jackie Kennedy para la toma de posesión de su esposo

El sombrerero del medio oeste, quien se hizo de un nombre en Bergdorf Goodman, en Nueva York, se volvió famoso gracias a una clienta de muy alto perfil. Mientras el mundo veía a John F. Kennedy rendir su juramento presidencial, su esposa, Jackie Kennedy, también se consagraba como ícono cultural mundial.

Halston combinó el diseño del sombrero con el abrigo azul huevo de pato del diseñador palaciego Oleg Cassini: un estilo sumamente 'limpio' ideado específicamente para mostrar la actitud moderna de la primera dama. Los espectadores de todo el mundo se enamoraron del sombrero, un diseño terriblemente franco que Kennedy abolló por accidente durante la ceremonia de inauguración mientras trataba de contener el viento. 'Todos los que lo imitaron le pusieron una abolladura', apuntó Halston. Ocho años después, en 1969, lanzaría su marca de moda homónima, Halston, y se convertiría en el modista no oficial de la era Studio 54 con sus característicos diseños lánguidos de ultralujo.

1966: Yves Saint Laurent desdibuja las líneas de género en la moda

El look estelar de la colección otoño-invierno 1966 de YSL, 'Le Smoking', fue el primer esmoquin específicamente diseñado para mujeres: un diseño influido por el traje con moño negro de hombre que había usado la artista Niki de Saint Phalle.

El nombre mismo se refiere a las solapas de seda del saco, que permiten que se pueda sacudir con facilidad la ceniza de los cigarros después de la cena. Por muchas razones, 1966 parece sumamente tarde para tal parteaguas. A fin de cuentas, ése fue el mismo año en que los dobladillos al muslo se convirtieron en la marca de estilo de las jóvenes sesenteras, cuando las adolescentes suburbanas y las veinteañeras a la moda de todo el mundo adoptaron (e imitaron) las minifaldas de Mary Quant. Incluso contra el trasfondo progresivo de los sesenta, el esmoquin femenino quedó como un rito de iniciación bohemio, perfecto para los diseños andróginos del ingenioso Saint Laurent. Tres décadas antes, en 1933, el jefe de policía de París había amenazado con arrestar a la actriz Marlene Dietrich por atreverse a usar un traje de hombre.

1974: Beverly Johnson fue la primera modelo negra en la portada de Vogue Estados Unidos

'Los cambios suficientemente significativos para cuestionar el statu quo no se dan muy seguido, pero en 1974, cuando Beverly Johnson salió en la portada de [el número de agosto de] Vogue [Estados Unidos] fue un momento trascendental. Habían pasado más de ocho décadas, pero por fin una persona de color aparecía en la portada de la revista de moda más importante del mundo ', escribió en 2016 Janelle Okwodu, también en Vogue.

Decir que Johnson soportó los rechazos de una industria plagada de discriminación racial es poco; fue una experiencia que impulsó su trabajo de activista y su lucha por los derechos civiles. 'El sueño de toda modelo [es] salir en la portada de Vogue", le dijo Johnson a CNN. 'Cuando [tienes] la portada de Vogue, ya lo lograste. Y luego, cuando me enteré de que era la primera persona de color en la portada y lo que significaba, pensé: Wow, esto de verdad es muy importante.'

1976: Calvin Klein es el primer diseñador en mostrar jeans en las pasarelas

En una jugada que hoy llamaríamos 'leer al público', un joven Calvin Klein sacó la mezclilla de todos los días a las pasarelas. Por supuesto, sus jeans estimularían un imperio global propio gracias a una de las campañas publicitarias más provocadoras del Siglo XX, pero si miras más de cerca, los primeros jeans de Klein de los setenta ofrecen otra genialidad: su nombre venía cosido en el bolsillo trasero derecho.

1978: Miuccia Prada se hace cargo del negocio familiar de accesorios de lujo

La nieta más joven de Mario Prada tenía planes visionarios para la empresa familiar con sede en Milán. Prada mostraría su primera colección ready-to-wear en la temporada Otoño-Invierno 1988, una pasarela llena de figuras agraciadas, pero con actitud.

'Yo no soy una diseñadora de moda, yo soy yo', supuestamente dijo a los críticos dentro de la compañía en esa época. En la misma confesión, reveló su punto óptimo creativo: 'Tal vez lo que encante es estar en el punto justo entre desagradar a la gente e intrigar a todo mundo. Hacer algo normal que parezca profundamente extraño.'

1982: Rei Kawakubo impresiona en la Semana de la Moda de París

'En 1981, cuando Rei Kawakubo empezó a mostrar sus colecciones Comme des Garçons en París, ya tenía una red de leales seguidores japoneses conocidos como Los cuervos', escribió en 2017 Laird Borrelli-Persson, en Vogue. La exploración artística que Kawakubo hacia del color negro fue una característica propia de su estilo eminente y del de sus primeros fans (que eran muchos). Si los ochenta fueron la era del exceso en Wall Street, del Thatcherismo y del 'vestuario de poder' llamativo, el trabajo instintivo de Kawakubo fue el contrapunto. Las noticias corrieron rápido entre las galerías doradas de la Semana de la Moda de París.

Desde el instante en que empezó a hacer ropa en los setenta, el objetivo de Kawakubo era diseñar para una mujer 'que no esté dominada por lo que piensa su marido'. No tenía formación profesional de diseñadora, como señaló la escritora Judith Thurman en su perfil de 2005 para The New Yorker, cosa que fue una ventaja al establecer una de las empresas vanguardistas más veneradas de la moda. 'Ella dice a menudo que está agradecida de haberse saltado la escuela de moda o haber sido aprendiz, porque, al final, aunque no sepa coser ni cortar un patrón, no tenía preconcepciones que desaprender ni maestros que superar.'

1992: Alexander McQueen se gradúa de Central Saint Martins

El prodigioso talento de McQueen para la narración mitologizada ya estaba bien en marcha cuando terminó su colección para graduarse de CSM en 1992. El diseñador, quien había perfeccionado sus habilidades como aprendiz en Savile Row, tituló su trabajo de fin de cursos 'Jack el Destripador acecha a sus víctimas'.

La colección, que se presentó como parte de un show grupal junto con sus contemporáneos, le dio un toque muy personal a la noción de 'la heroína'. Ciertas piezas incluso se adornaron con cabello humano encapsulado. 'La inspiración para el cabello viene de la época victoriana, cuando las prostitutas vendían paquetitos de bucles, que la gente compraba para entregar a sus amantes', reveló McQueen en una entrevista para Time Out en 1997. 'Lo usé como rasgo distintivo con bucles de pelo en Perspex. En las primeras colecciones, era mi propio cabello'.

1992: Marc Jacobs ofrece una dosis de realidad en la pasarela

El espíritu rebelde y carismático de Jacobs fue lo suficientemente potente como para asegurar que lo contrataran y lo despidieran en la marca deportiva estadounidense Perry Ellis a principios de los noventa. No estaban listos para el infame desfile 'grunge' de la temporada primavera-verano 1993 del diseñador, pero, bueno, nadie lo estaba.

Los cuadros, los juegos de proporciones y las siluetas que insinuaban tiendas de segunda mano suburbanas (incluidos babydolls encogidos y vestidos lenceros a la antigua) estaban a punto de convertirse en básicos de pasarela en la Semana de la Moda de Nueva York, donde, al igual que en la música, se estaba dando un cambio de guardia. En menos de 30 minutos, Jacobs había metido un palo en la rueda de la alta moda y ofrecía algo totalmente accesible que reflejaba un movimiento juvenil universal que marchaba a todo motor.

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13 momentos que cambiaron la moda para siempre

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De Coco Chanel y Calvin Klein a Karl Lagerfeld y Schiaparelli, Vogue rinde homenaje a los diseñadores que previeron un futuro de moda y lo hicieron realidad.

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Millores momentos da moda na TV

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10 of the best ever Met Gala fashion moments

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Bella Hadid y el vestido creado con spray en la pasarela

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modelos de victoriaś secret

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as suffragettes e seu código de cores

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ó estilo de Cher

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90s supermodelos

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INTRODUCIÓN E LIGAZÓN CON INFORMACIÓN

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Moda, Tendencias y Economía Circular · Micolet

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¿Cuáles crees que son? Hemos hecho un top 10 para que descubras los momentos más impactantes de la moda, los vestidos más bonitos, y looks más icónicos

A lo largo de la historia de la moda, ha habido algunos looks y algunos momentos que han marcado un antes y un después. Te traemos los mejores looks de alfombra roja, las cantantes más atrevidas y las 'celebrities' más estilosas.

Hay algunos que han pasado a la historia por ser elegantes y otros por ser atrevidos, y algunos por la polémica que causaron en su momento. Pero todos tienen algo en común, la gran influencia que han tenido posteriormente y el punto de inflexión que han supuesto en la historia de la moda.

Jennifer López y Versace

En los premios de la música Grammy en el año 2000, la cantante y actriz de origen puertorriqueño, Jennifer López se presentó en la alfombra roja con un vestido verde de gasa con estampado tropical. Fue la absoluta protagonista de la gala con su escotazo hasta debajo del ombligo.

Tal ha sido la repercusión y la influencia que ha tenido este look que en el último desfile de Versace, tras la presentación de la colección, Jennifer López cerró el desfile paseando con un nuevo diseño inspirado en el 'jungle dress' del 2000. Las redes sociales echaron humo.

Lady Diana y el vestido de la venganza

Fue en 1994 cuando la princesa Diana, una figura amada por el pueblo británico, apareció con este despampanante vestido en la fiesta anual de Vanity Fair. Fue un diseño de la diseñadora griega Christina Stambolian, un vestido negro mini con los hombros descubiertos y escote, un auténtico escándalo para la familia real.

Es conocido como el "vestido de la venganza" porque ese mismo día, su ya exmarido, el príncipe Carlos, confesó que el motivo de su divorcio con "Lady Di" fue una infidelidad por parte de él con Camila Parker Bowles. Después de que hiciera pública esta noticia, Diana apareció deslumbrante con este estilo femme fatale y la gente lo aplaudió, como si hubiera sido una venganza a su exmarido y a la familia real británica. Simplemente, icónica.

Rihanna, la diosa del MET

La historia de amor entre la gala anual del Museo MET y la cantante Rihanna la conocemos desde hace años. Es la reina de la gala más importante de la moda de cada temporada, siempre se convierte en la protagonista con sus arriesgados, pero a la vez increíbles looks.

La gala MET cada año tiene una temática dependiendo de la exposición que haya en el museo, y los invitados tienen que ir vestidos acorde a esta temática. El momento más icónico de la historia de la gala fue, obviamente, protagonizado por Rihanna.

En 2015, la temática era "China: la visión a través del cristal", la barbadiense se presentó, una hora tarde, por cierto, con un vestido de la diseñadora china Guo Pei, tardó 20 meses en confeccionarse y pesaba nada más y nada menos... ¡que 25 kilos! Un vestido con una capa larguísima amarilla y bordada. Además, su look 'beauty' fue un homenaje a la cultura china. Es considerado como el momento que marcó un antes y un después en la historia de la gala de moda más importante del año.

Las auténticas 'super-models'

Las modelos de los 90 fueron las figuras más importantes de la década en la industria de la moda, y ahora ya nada es como antes. Hubo varias que se hicieron con todas las campañas, las pasarelas más famosas... Naomi Campbell, Claudia Schiffer, Linda Evangelista, Carla Bruni...

En 2017, Versace cerró el desfile con cinco de las top model más famosas de la década de los 90: Cindy Crawford, Naomi Campbell, Helena Christensen, Claudia Schiffer y Carla Bruni. Se apagaron la luces y al encenderse, aparecieron las cinco en poses apolíneas en un altar, vestidas todas de Versace, representando que son las diosas de la moda y las pasarelas aún. Un momento que ninguna 'fashionista' se puede perder.

Angelina Jolie, la más influyente

En la alfombra roja de los Oscars 2012, nos quedamos mudas. El estilo de Angelina, y ella misma, han estado siempre en el punto de mira. Ese año captó todas las miradas de los paparazzi, y de todas nosotras. Su look se convirtió en un clásico y tuvo mucha influencia en outfits posteriores en las alfombras rojas.

Llevó un vestido negro de Versace, espectacular, por cierto, palabra de honor y con una abertura en la falda desde los pies hasta la cadera. La actriz posó con la pierna fuera con una postura de diva total e inventó así "el vestido Angelina". A partir de ese momento todos los vestidos que tienen una abertura así la pierna se llaman así, un momentazo en la historia de la moda.

Cher, la más atrevida

No se nos vienen muchas celebrities a la cabeza cuando pensamos en alguien atrevido en los años 70 y 80. Los looks de Cher, icónicos, nos podrían parecer algo "usual" hoy en día, pero teniendo en cuenta que vestía estas combinaciones hace 30 y 40 años... Era muy, muy atrevida.

Se exponía a las críticas de todos y a ella le daba igual, nadie era tan valiente como ella a la hora de vestir. Transparencias, vestidos ceñidos, tops, escotes kilométricos, y todo lo lleva con su estilazo particular. El que pasó a la historia de la moda fue, sin duda, el que llevó a una entrega de premios en 1978, este mono transparente espectacular con plumas blancas. Una diva, de los pies a la cabeza.

Gwitney Paltrow, la más elegante

Volvemos a los Oscars de 2012, la actriz estadounidense se llevó el premio de la más elegante de la alfombra roja. De hecho, está considerada como una de las más elegantes de la historia de la alfombra de los premios Oscars.

Nos robó el corazón con su sencillez y elegancia, un vestido largo blanco, simple, pero con una capa fina e impecable cayéndole por los hombros y unida al vestido. En cuanto los complementos, un brazalete espectacular de diamantes y un anillo a juego. Con un peinado sencillo concluye su look, creando un outfit 10.

Marilyn Monroe, el icono

Una de las estrellas más icónicas de Hollywood, cuya fama está latente hoy en día, no podía faltar en esta lista. No fue influyente solo en la industria del cine, sino que fue un icono de moda en su época, y lo que es más, ha dejado una huella enorme en la moda de las décadas posteriores.

Catalogada en un estilo glam y refinado, Marilyn no tenía límites. Como la podías ver un vestido sexy y con escotado, también la podías ver con un look casual para la época. De hecho, logró una cosa muy complicada en aquellos años, poner de moda una prenda masculina entre las mujeres. En ese momento, las mujeres estaban acostumbradas a llevar siempre falda y vestidos, Marilyn tuvo un papel importante en este cambio de falda a pantalón, un símbolo de empoderamiento femenino.

Carrie Bradshaw, cuánto nos has regalado...

La actriz Sarah Jessica Parker dió vida a la escritora Carrie Bradshaw en la serie Sexo en Nueva York durante una década. La serie marcó un antes y un después en la moda, y lo que más, el estilo de su personaje, también lo hizo. Sus famosos Manolo Blahnik, su falda de tul... Looks icónicos que nunca se nos olvidarán.

Sin embargo, hemos elegido el que nos parece que más sorprendió a los fans de la actriz, el famoso vestido de Dior. Un vestido mini de tirantes, con un estampado de periódico, sí, como lo lees... Un vestido que todas creímos que no iba a triunfar y que iba a ser una de esas prendas que nadie llevaría. Parker lo llevó en una de las películas, con unos taconazos Loboutin, y consiguió el look más sexy de la saga. Algo que solo ella puede hacer.

La inigualable Madonna

Es imposible negar que la cantante Madonna, reina del pop, ha tenido un impacto en la industria de la moda. Especialmente, en la época de los 80 y 90 fue un icono de masas. Tuvo muchos momentos icónicos y memorables para la historia de la moda, pero hemos escogido el que puede nadie perderse.

Madonna en uno de sus conciertos con el famoso corset de Jean Paul Gaultier. (Fuente: @madonnaqueenpics)

Nada más y nada menos que Jean Paul Gaultier diseñó un corsé personalizado para la cantante. A la italiana le encantaba provocar y sorprender a su público, en una de sus giras musicales, se presentó ante sus fans con un corsé, unas medias y unos tacones. La forma del pecho estaba puntiaguda, y sus cejas negras y su pelo platino hacían el resto. Única.

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Los 10 momentos más icónicos de la moda - Moda, Tendencias y Economía Circular · Micolet

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A lo largo de la historia de la moda, ha habido algunos looks y algunos momentos que han marcado un antes y un después. Te traemos los mejores looks de alfombra roja, las cantantes más atrevidas y las 'celebrities' más estilosas.

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Kim Kardashian na Met Gala 2022 co vestido de Marilyn Monroe

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Michelle Pfeiffer na película Scarface

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Vestido de carne de Lady Gaga

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Little black dress Chanel

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New Look Christian Dior

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Audrey Hepburn desayuno con diamantes

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Chanel 1992

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Harry Styles na portada de Vogue 2020

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Vestido da vinganza da Princesa Diana

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Dior runway 2010