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En cette période de montage d'exposition ... Oriol Vilanova Au M muséum, Leuven 

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En cette période de montage d'exposition ... Oriol Vilanova Au M muséum, Leuven 

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M Museum, Leuven, 18.03_5.06.2016
D'Oriol Vilanova, on connaît principalement l'incroyable collection de cartes postales, constituée ces quinze dernières années et riche de milliers de spécimens d'origines et d'époques très disparates. Cette collection, que l'artiste alimente quasi-quotidiennement en arpentant notamment les nombreux marchés aux puces de Bruxelles et qui constitue le socle de sa pratique artistique, n'est toutefois que le point de départ d'une démarche beaucoup plus vaste et ambitieuse qui porte, pour le dire rapidement, sur les paradoxes inhérents à la culture de masse, avec un intérêt spécifique pour des thèmes tels que l'immortalité, les relations entre le temps, la mémoire et l'histoire, les icônes anciennes ou la réécriture du passé. Ainsi, Oriol Vilanova s'interroge sur la manière dont notre point de vue peut être orienté, dont certaines images ou œuvres parviennent à nous interpeller, et se révèle particulièrement attentif au processus d'élaboration d'un cadre narratif, d'une mise en scène - que ce soit pour une performance, une pièce de théâtre, mais également des objets et œuvres d'art. Il a donc saisi l'opportunité d'une invitation du M Museum pour développer un propos aussi critique qu'instructif sur le rôle joué par les musées dans la construction de notre regard. En s'emparant de différents éléments constitutifs d'une exposition - qu'il s'agisse des vitrines, des éléments de scénographie ou des produits dérivés -, il propose une réflexion sur la mise en scène, l'artifice, ce que l'on nous donne à voir et ce que l'on nous cache, et plus globalement ce que représente l'institution muséale aujourd'hui. Si ces problématiques sont au cœur du travail de l'artiste depuis de nombreuses années - comme par exemple dans sa performance Goodbye ¹, produite par le FRAC Champagne-Ardenne en 2012, qui s'articulait autour d'une peinture d'Hubert Robert représentant le musée du Louvre en ruine -, c'est la première fois qu'elles se développent avec une telle ampleur. La première des trois installations présentées, Without Distinction (2016), consiste en la réunion de trente-cinq vitrines provenant de différentes institutions culturelles belges - du fameux musée royal de l'Afrique centrale au musée royal des Beaux-Arts, tous deux sis à Bruxelles, en passant par De Singel à Anvers ou la Maison des Arts de Schaerbeek. Là où ces éléments de scénographie se doivent en général d'être aussi discrets que possible, ils sont ici vidés de toute œuvre, de tout objet, et sont simplement montrés pour ce qu'ils sont. Outre l'impression générale, extrêmement spectaculaire du fait du nombre de vitrines réunies, ce qui interpelle, c'est la manière dont chacune d'elles parvient à évoquer une histoire parallèle de l'exposition, et ainsi souligner l'impossibilité de neutralité de ce type de mobilier - que ce soit du fait de leurs formes, de leurs couleurs et des matériaux utilisés, voire parfois des traces laissées au sein même des vitrines.La seconde installation, intitulée Voilà (2016), poursuit la réflexion engagée par l'artiste sur cette dichotomie entre monstration et disparition. Elle se compose d'un mur blanc en demi-cercle, placé dans un couloir, à côté duquel on pourrait facilement passer sans le remarquer. Néanmoins, à l'approche, apparaît un léger espace qui laisse à penser qu'une œuvre a été placée derrière ce mur mais nous reste malheureusement inaccessible. Comme celle évoquée précédemment, cette installation joue de l'absence pour mieux révéler l'indicible et capter notre attention. Si le procédé utilisé par Oriol Vilanova dans la dernière installation est tout autre, les interrogations soulevées sont pourtant similaires : à quel point une scénographie ou une mise en scène oriente-t-elle notre perception d'une exposition ? Ces partis-pris de présentation révèlent-ils des structures de pouvoir sous-jacentes ? Anything, everything (2015-) se compose de 2 800 cartes postales - toutes issues de la collection personnelle de l'artiste - représentant des œuvres d'art ou des objets issus de l'artisanat. Parmi les innombrables possibilités de présentation d'un tel ensemble, Oriol Vilanova a cette fois opté pour un display en fonction des couleurs de fond des images qui fait totalement disparaître les objets représentés au profit d'une déclinaison chromatique. Par là même, il annule totalement l'effet recherché par cette mise en scène, à savoir la mise en valeur de l'objet photographié, et met en lumière par la profusion et la saturation des procédés et mécanismes qui restent d'ordinaire invisibles. Revient alors en tête le titre de l'exposition, " At First Sight " [Au premier coup d'œil], invitant chacun à s'interroger sur ce qui lui est donné à voir. En cherchant ainsi à dévoiler ce qui est habituellement sous-jacent, caché, voire invisible, Oriol Vilanova modifie sensiblement notre point de vue de spectateur et nous pousse à adopter une " métaposition ", à porter un regard plus distancié sur l'acte d'exposer mais également sur le fait de visiter une exposition, et à aller au-delà des apparences.

1 Cf. Oriol Vilanova, Goodbye, (texte de la performance), Éd. FRAC Champagne-Ardenne, Reims, 2014.

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M Museum, Leuven, 18.03_5.06.2016 D'Oriol Vilanova, on connaît principalement l'incroyable collection de cartes postales, constituée ces quinze dernières années et riche de milliers de spécimens d'origines et d'époques très disparates.

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La critique d'art est-elle encore libre ? 

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La critique d'art est-elle encore libre ? 

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critiquer d'exposition : Close Enough — 12 Women Photographers of Magnum

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critiquer d'exposition : Close Enough — 12 Women Photographers of Magnum

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Du mois de septembre au 16 décembre, le centre de photographie contemporaine Hangar présente Close Enough - 12 Women Photographers of Magnum. Cette exposition collective implique une réflexion sur une nouvelle tentative de valoriser le travail (individuel) d'un groupe (collectif) de " femmes photographes ".

Par son statut d'être humain qui " pose un regard " sur le monde, le métier de photographe est soumis à un procès inévitable d'individualisation. Depuis sa création en 1947, Magnum incarne le mythe du photographe-iconographe au service d'une réalité. L'objectif de l'agence est celui de rassembler des subjectivités photographiques par un système de production et d'édition qui couvre le droit à l'image, la divulgation, et qui laisse pleine liberté aux thématiques de ses membres.

Ce fonctionnement s'est traduit par une histoire de la photographie documentaire principalement masculine qui, par ses propres " pères fondateurs " (Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger et David Seymour) a sculpté l'image mythique du reporter documentariste. Une image qui a très souvent écarté le regard photographique féminin, jusqu'à nos jours. Sauf quelques rares exceptions.

A plane files low over students riding a train at a funfair over the weekend. Istanbul, Turkey, 29 August 2018 © Sabiha Çimen/Magnum Photos

À l'occasion des 75 ans de l'agence, le centre de photographie contemporaine Hangar opère un choix : il nous présente le travail de douze photographes femmes, membres actives de l'agence Magnum entre les années 1980 et 2023. Or ce choix peut interpeller le public à plusieurs niveaux.

La première question qu'on se pose en parcourant l'exposition, c'est de savoir si ces douze photographes représentent l'ensemble des femmes de l'agence Magnum, ou s'il s'agit d'une éventuelle sélection curatoriale. Finalement, on se demande si on est face à " quelques rares exceptions " contemporaines.

L'impression est d'accéder à la production d'un nombre largement inférieur de reportages, vis-à-vis de la production mythologique de Magnum. Mais comme tient à le préciser Delphine Dumont, directrice de Hangar, les femmes photographes de la célèbre agence Magnum ne sont que 12 sur 47 membres actifs. Une donnée statistiquement embarrassante qu'il faudrait au moins interroger au cours de l'expo, une entreprise qui nous semble, dans un premier temps, inachevée.

The Necklace, Buenos Aires, Argentina, 1999 © Alessandra Sanguinetti/Magnum Photos

Le choix d'une exposition groupée sur douze conditions et projets individuels (humanitaires, sociaux et culturels) risque d'estomper le message sous le prétexte d'une production 100% " féminine ". Car le travail effectué par les photographes risque d'être marginalisé au profit d'une classification qui les efface une deuxième fois, si la condition " minoritaire " n'est pas interrogée.

D'un point de vue de " reconditionnement " historique, l'exposition exclusivement féminine conserve ses légitimes raisons d'exister. La révolution institutionnelle opérée par Linda Nochlin en est témoin. Mais si le cadre est collectif et contemporain, tel qu'on peut y assister dans les expos des plus grands artistes et photographes hommes, un retour sur les contextes de création, de production et de divulgation de leurs approches semble nécessaire. Non seulement pour comprendre au mieux leur statut partagé de femmes photographes, mais aussi pour formuler un problème qui perdure : l'invisibilisation du travail des femmes photographes.

Al-Mahalla al-Kubra, Al-Gharbiya, EGYPT, November 2015 © Bieke Depoorter/Magnum Photos

Heureusement, même si on passe (encore) à côté d'une importante réflexion, on a la possibilité de connaître et d'explorer le travail de douze grandioses photographes. Parmi elles, une mention particulière doit être prêtée aux travaux de Myriam Boulos, Bieke Depoorter, Alessandra Sanguinetti et Sabiha Çimen.

Dans l'ensemble, on assiste à un carrousel de très belles images, là où le code esthétique et l'éthique documentaire se questionnent réciproquement, à des scénographies (parfois déséquilibrées) car on survole des rythmes, des récits et des projets de longue ou courte durée et des productions différentes.

En conclusion, occuper cet espace est une vraie occasion pour la photographie documentaire féminine. Mais ne pas mentionner la disparité est une occasion ratée. Le choix de présenter une minorité doit toujours être interrogé. Non par un connecteur thématique qui, lui, appartient aux artistes et reste tout à fait légitime dans sa diversité, mais par une recontextualisation curatoriale qui s'expose, et qui nous pose la question.

Autrement, même le titre de l'exposition, semble se référer à certaines opérations de marketing qu'on décrit dans les termes du féminisme washing, ou des dynamiques très connues du marché de l'art, mais peu alignées sur l'éthique photographique et documentaire.

Si Close Enough est le conseil de Robert Capa, l'engagement actuel devrait être de vouloir aller encore plus près.

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KAROO | Close Enough - 12 Women Photographers of Magnum Close enough but not even?

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Du mois de septembre au 16 décembre, le centre de photographie contemporaine Hangar présente Close Enough - 12 Women Photographers of Magnum. Cette exposition collective implique une réflexion sur une nouvelle tentative de valoriser le travail (individuel) d'un groupe (collectif) de " femmes photographes ".

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Madame Georgette - projet de  Pauline Tsikalakis et Flavio Montrone

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Madame Georgette - projet de  Pauline Tsikalakis et Flavio Montrone

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Dans ce voyage visuel consacré au thème de dé/nicher, s'inscrit ici une autre démarche sensible qui mérite le temps narratif d'un arrêt. Ce projet porte le nom de Madame Georgette, un dispositif implanté sur une remorque à vélo, habillé en camera obscura itinérante et doté de grandes lunettes optiques. Pour citer leurs créateurs, Pauline Tsikalakis et Flavio Montrone : " Madame Georgette est comme une grand-mère qui observe, enregistre et partage les images et les histoires des territoires belges et de ses habitants. "

Lors du confinement de 2020, Pauline Tsikalakis et Flavio Montrone, jeune couple d'artistes photographes actifs en Belgique depuis 2016, cogitent sur un projet aussi commun que communautaire. Comme la plupart des projets qui nécessitent un temps de délassement, c'est dans cette pause temporelle et spatiale que mûrit Madame Georgette. Leur volonté y est d'aiguiller une démarche artistique qui correspond à leur manière d'appréhender le(s) territoire(s) et les communautés qui l'habitent.

Le premier croquis de Madame Georgette se définit autour de la recherche et du processus photographique, de la démarche socioculturelle et du dialogue comme vecteur de traces orales, figuratives et documentaires. De manière très naturelle, les transformations vécues en 2020, relatives aux rapports aux territoires, confèrent au projet une approche plus étendue, visant la lenteur et la justesse accordée au temps de la réflexion.

Les parcours de Madame Georgette

Étape par étape, pièce par pièce, en mars 2021, la forme mobile de Madame Georgette voit le jour : elle incarne le premier dispositif argentique de prise de vue, de développement et d'impression photo sur roues. À travers le projet Il y court un ruisseau, Madame Georgette voit sa première implantation dans la province du Hainaut, à Leval-Trahegnies, de février à septembre 2021. Grâce à un financement octroyé par la Fédération Wallonie-Bruxelles, dans le cadre de la bourse Un futur pour la culture, cet appareil géant et insolite atterrit dans la cour de l'école Saint-Pierre et Saint-Martin, et il conquiert les yeux et les esprits de plus de 200 élèves de primaire et maternelle.

La deuxième bourse délivrée par la Fédération Wallonie-Bruxelles permet à Pauline et Flavio d'expérimenter plus en profondeur, tant sur le plan technique que déontologique. L'objectif étant de continuer à faire vivre la démarche sur un nouveau territoire tout en l'adaptant à leur mobilité, le vélo. En allant à la rencontre des gens là où ils sont, en expérimentant leur place dans l'espace public. De fait, le projet se configure surtout comme un système de valeurs partagées: d'inclusion, de dialogue, de durabilité, par une approche de plus en plus écologique concernant les choix des déplacements et des matériaux exploités.

Suivant sa trajectoire instinctive, Madame Georgette se déplace et suit le parcours accidenté ou monotone des routes, des places, des quartiers innovants et des villages anciens, des pavés, des lieux reconditionnées, des parkings, des commerces, des contradictions urbaines, des traces des histoires et des migrations, de la nature en réappropriation ou en abandon, des signes matériels et immatériels de " l'habiter ", des présences et des longues et nombreuses absences.

Un principe : s'adapter aux autres

Une fois ce dispositif en évolution permanente mis au point, Pauline et Flavio nous expliquent l'enjeu de camoufler cette grande boîte pour la rendre la plus accessible possible et qu'elle se fonde dans le territoire choisi. Pour cela, il faut imaginer Madame Georgette comme une machine à conduite communautaire, une écriture à plusieurs mains, une image prise à partir de multiples regards. Dans cette optique, les auteurs défendent une interaction horizontale, qui s'adresse au plus individuel comme aux limites du collectif, élaborant une question et une thématique à la fois.

" Cette démarche nous aide à dresser des portraits sensibles des réalités humaines et sociales, individuelles et collectives. "

Ce principe d'adaptation technique et artistique fait de Madame Georgette une productrice d'images et d'expériences à la fois mixtes et inédites. En cela, la gestion complète du processus analogique est le vecteur de compréhension de la démarche. Jonglant à la manière de capteurs d'histoires, et non pas en cherchant une imposition sur un lieu donné, les auteurs profitent d'une certaine liberté de styles, de thématiques et de sujets photographiques qui font la synthèse cohérente du dialogue et des possibilités étalées avec les publics.

C'est donc la valeur que Pauline et Flavio consacrent aux autres qui opère une réelle différence. Leur démarche passe par l'écoute active, la prise de temps, la prise de parole, la culture de la technique. Et pas seulement dans des situations de dialogue fortuit : parfois ils peuvent assister à un manque d'interaction, symptomatique des tissus sociaux et des liens qui se sont effacés et qui n'ont plus les moyens de se reproduire. Madame Georgette vit donc l'attente et l'acceptation que certains jours, dans certaines conditions, il ne se passera probablement rien : elle va considérer ce " rien " comme une portion constitutive du récit.

À travers les temps imposés par la chimie, la sensibilité des matériaux, les calendriers sociaux, Madame Georgette crée une métaphore du dialogue humain et tisse les liens directs aux résultats : rendre l'image des lieux et de ses habitants.

Être dans ou devant les lieux

Tout en incarnant un outil actif de réflexion, Madame Georgette s'éloigne d'une configuration pédagogique et cherche à se distinguer de principes strictement éducatifs. Cette philosophie de l'image et de la recherche itinérantes se différencie de toute démarche transmissive hiérarchisée, car Madame Georgette ne veut pas apprendre aux autres, elle veut apprendre et créer à partir des autres. Raison pour laquelle Pauline et Flavio prônent, depuis le premier jour, une démarche à l'écoute du terrain.

Ce choix reflète et justifie leur conciliation d'un projet documentaire qui voyage hors des sentiers battus, qui se détache des structures institutionnalisées et qui correspond à leurs choix de vie. Où le seul et ambitieux objectif est celui de la justesse et de la découverte permanente. Ce rapport au lieu, qui est propre à la photographie documentaire, ne défend pas une construction nostalgique ou de préservation d'un patrimoine, mais plutôt un enregistrement lent, naturel et sur le vif d'une réalité sociale. Le projet s'affirme ici comme un véritable outil d'autodétermination, de conscience collective et territoriale.

Rendre aux autres

" En tant qu'auteurs, nous pensons que c'est avec les gens qui se trouvent là où ils sont qu'on peut enregistrer le territoire au plus juste, tout en transmettant l'idée que ce qui nous entoure mérite d'être regardé. "

Comme tous les exercices temporaires, fournir des traces est la seule manière d'exister dans le temps. Pauline et Flavio considèrent à ce propos l'autoédition le moyen le plus approprié de rendre au public le produit de leurs interactions. Cette circularité de la recherche s'achève dans le dernier geste de Madame Georgette : la mise en valeur de l'échange par l'offre gratuite de l'image et de l'objet-livre. " Rendre " est donc un geste structurel, à la base de l'échange des récits et des rencontres dans un lieu donné.

" Madame Georgette a partagé un coffre à trésors contenant la matière produite sous la forme d'éditions, les objets glanés, les histoires, les souvenirs, un héritage immatériel. Tout ce qui nous lie. "

Résumée en quelques mots, voici la vie de Madame Georgette : se déplacer, se stabiliser, s'ouvrir au dialogue, accueillir les histoires, partager la démarche technique et créative, restituer un regard individuel et collectif, définir un territoire. Cet ensemble a une finalité commune, qui est celle de faire groupe, faire lieu, finalement, se dénicher. Elle s'appelle Madame Georgette, et elle est une grande machine de recherche humaine, qui révèle et revêt les rêves et les utopies de Pauline Tsikalakis et Flavio Montrone.

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Dans ce voyage visuel consacré au thème de dé/nicher, s'inscrit ici une autre démarche sensible qui mérite le temps narratif d'un arrêt. Ce projet porte le nom de Madame Georgette, un dispositif implanté sur une remorque à vélo, habillé en camera obscura itinérante et doté de grandes lunettes optiques.

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Transbordeur photographique : Les histoires écologiques de la photographie

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Transbordeur photographique : Les histoires écologiques de la photographie

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Les histoires écologiques de la photographie

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Le dossier " Les histoires écologiques de la photographie " interroge dans une perspective historique les rapports entre la photographie et l'écologie, entendue dans la pluralité de ses acceptions : comme une science interdisciplinaire apparue dans le courant du XIXe siècle, recherchant une compréhension globale de l'environnement ; comme mouvement

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Gregory Halpern présente sa bibliothèque 

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Gregory Halpern présente sa bibliothèque 

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Façon de voir - Exposition Matière critique 

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Façon de voir - Exposition Matière critique 

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Photo Brussels Festival : "Matière critique" à l'ISELP (jusqu'au 23/3), avec Marie Papazoglou et Hélène Petite Expo Jacques Sonck à la Fondation A (jusqu'au 31/3) La Maison Jupiter avec Thierry Decuypere (V+) Réalisation : Fabrice Kada

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Photo Brussels Festival : "Matière critique" à l'ISELP (jusqu'au 23/3), avec Marie Papazoglou et Hélène Petite Expo Jacques Sonck à la Fondation A (jusqu'au 31/3) La Maison Jupiter avec Thierry Decuypere (V+) Réalisation : Fabrice Kada

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Tous les matins, Charlotte Maréchal donne la parole aux artistes qui se cachent dans les différents quartiers de Bruxelles et nous fait découvrir leur talent. Aujourd'hui, c'est Juliette Nesson aux commandes du Brunch. Ce lundi, elle reçoit Laure Winants, artiste et chercheuse qui a installé son atelier d'artiste au cœur de la banquise arctique à l'occasion d'une expédition polaire. Aujourd'hui, elle expose avec 7 autres artistes, à l'ISELP, dans le cadre du Photo Brussels Festival. L'exposition "Matière critique" met à l'honneur la photographie plasticienne. Les œuvres présentées explorent la dimension matiériste, critique voire politique de la photographie contemporaine.

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Les artistes de chez nous - Laure Winants

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Tous les matins, Charlotte Maréchal donne la parole aux artistes qui se cachent dans les différents quartiers de Bruxelles et nous fait découvrir leur talent. Aujourd'hui, c'est Juliette Nesson aux commandes du Brunch. Ce lundi, elle reçoit Laure Winants, artiste et chercheuse qui a installé son atelier d'artiste au cœur de la banquise arctique à ...

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Margaux Brugvin - Historienne de l'art - Portraits de photographes 

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Margaux Brugvin - Historienne de l'art - Portraits de photographes 

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Tips and Mistakes to avoid when applying to photography grants . PhMuseum 

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Tips and Mistakes to avoid when applying to photography grants . PhMuseum 

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Having organized grants since 2013, we have noticed best practices and recurring issues that often affect applications. Check them out and keep these suggestions in mind when it comes to preparing your next submission. Details always make the difference.

Even if we delegate the responsibility of awarding the prizes of our grants program to independent juries, our team always reviews all of the applications for editorial purposes. As the deadlines of the PhMuseum 2024 Photography Grant fast approaches, we updated our list of recommendations to improve your submission. Check them out:

1. Select a Strong Cover Picture /

A photography project must be considered as a whole and read as a connected sequence of images conveying a clear narrative. Nevertheless, what gives the first impression of your work is the cover image. Think about something that will catch the judges' attention and will help them remember your project among the many submissions they have to go through. It might be something that represents your project, is visually impacting, or perhaps refers to the title.

2. When it Comes to the Edit, Less is (Often) More /

Especially if you are applying with new ongoing work, the excitement of showing new images can sometimes lead to an overloaded edit. Although the limit is set to 20 images, a grant is not the right place to improvise and submit pictures that you are not sure about, just for the sake of showing more material. Through the years we have seen many promising projects that were made weaker by their final edit. If you are unsure about yours, consider asking someone you trust in helping you finalise your selection before applying. You can even consider booking a 30-min or 60-min review with an expert from our team - it will be a good investment to develop your project, and it will help you define a powerful edit for grants and prizes in the coming months, too. Don't commit the mistake of adding too many "filler" images as this will undervalue your entry. Remember: on this occasion, less is more.

3. A Good Contextual Statement /

The project statement is an essential part of your submission. When well written, it shows self-confidence and proves that you own your creative work. This will help the judges to engage with it and understand your perspective. You want to be clear, accurate and synthetic. We recommend keeping it within 300 to 500 words, dividing the text into clear paragraphs, and starting with a strong introduction. Also consider that the use of English will make your entry easily accessible to all judges. Having a second pair of eyes that proofread your statement always help. You could also try a free app like Grammarly. Lastly, you can choose whether to use captions or not. If you decide to go for it, we recommend being organised and keeping a consistent format. Using captions well is a smart way to show the extra time and care you took in applying.

4. The Right Sequence /

The way you sequence images will affect what you are trying to express. A strong sequence might make the difference and really get the judges into your project. It's a personal process, different for every work: there isn't any wrong or right way to it. It's about rhythm and flow, a bit like composing music. A way to start could be by selecting the strongest 2 to 4 images and deciding where you want to place them. Work on it according to the subject, to your personal style, and use some dose of instinct. It might also be the right time to check your whole edit with experienced friends or colleagues.

5. The Right Title /

Remember what we said about the cover picture? The title has the same function; it should be inviting and on point. When presenting your work, you want to make it stand out among the others. So spend some time thinking of a good, coherent title. Be bold but not pretentious, think simple but don't be banal.

6. Do Not Include Two Works In The Same Submission /

If you wish to apply with two or more projects, we strongly advise to create two distinctive entries. Including two or more works in the same submission will generate confusion among the judges and likely undervalue your work. One consistent project is better than two rushed ones.

7. Do Not Wait For The Deadline /

Applying for a grant takes time and you don't want to leave it to the last minute. Furthermore, when trying to submit, there might be too many users connected, implying a slow or unreliable connection; you might experience technical issues or simply have questions for the organisers, yet not enough time for them to get back to you. You might simply miss it. There are many reasons to prepare your application in advance, especially if you ask for other people's help, so do not wait until the very last moment. It might impact the quality of your submission.

8. Details, Details, Details /

Make a list of all the points above and ask yourself if everything is in order. Carefully read the guidelines, take extra time in finalising the edit and always proofread what you have written. Details always make the difference, especially at the very last stage of selection, when the judges need to decide on a winner among works that are on similar levels. Little details can mark the line between an applicant and a shortlisted photographer; between a shortlisted photographer and a prize-winner. Before clicking "submit", take a few minutes to double-check everything once more.

9. Research before applying /

Conduct a bit of research before starting with your application. Who are the past winners? Do not focus on the main prizes only. Study the jury, is there anyone, in particular, you want to show your work to? Making the jury aware of your practice is a great networking tool to connect with them in the future. Finally, be aware that applying for grants is a way to get your work out there, receive feedback and challenge your project.

10. Talk about what you care about /

Works that stand out are often those in which the photographer's passion and knowledge of a certain issue are deep and genuine. If you care for the subject of your storytelling, it will be easier for you to focus, express your authorship and eventually communicate something to an audience or a panel of judges. Don't forget who you are, what you are passionate about and what really matters for you.

Submission Guidelines / File size, number of images, personal info such as your age to be considered for the New Generation Prize, etc... Please read and follow the guidelines which are there to help you present a well-crafted application in front of the judges.

Copyrights / Watermarks are not required and can sometimes look unprofessional to the eyes of the judges.

Post Production / Unless it's essential to express your project's idea, don't over-process images.
The PhMuseum Photography Grant has established itself as a leading prize in the industry over the last 12 years, renowned for recognising the importance of contemporary photography and for supporting emergent artists through cash prizes, exhibitions at international festivals, educational activities and exposure on online media. You are welcome to present your work before 25 January 2024 at 11.59 pm (GMT) to take advantage of the Early Bird reduced fee. The Regular Deadline is 15 February 2024 at 11.59 pm (GMT), Learn more and apply at phmuseum.com/g24

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Tips and Mistakes to Avoid When Applying to Photography Grants, Awards and Prizes - PhMuseum

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Having organized grants since 2013, we have noticed best practices and recurring issues that often affect applications. Check them out and keep these suggestions in mind when it comes to preparing your next submission. Details always make the difference.

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Penser les images - Série de podcast - Par les temps qui courent - Marie Richeux 

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Penser les images - Série de podcast - Par les temps qui courent - Marie Richeux 

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© Jean-Louis SWINERS, Getty

À propos de la série

En lointain écho à l'actualité cannoise, une série de 5 entretiens où cinéastes, philosophe et critique de cinéma nous expliquent leur façon d'aborder les images dans leurs métiers.

Nous profitons du calendrier cannois et de ce que le cinéma et les images qu'il produit se trouvent plus qu'à leur habitude présents dans la sphère médiatique, pour vous proposer toute une série d'émissions que nous avons baptisées Penser les images. Dans cet ensemble de cinq entretiens, chacun, chacune, depuis sa pratique spécifique vient éclairer cette formule. Historienne, réalisatrice, critique de cinéma ou cheffe opératrice, nos invité.es évoquent leur façon personnelle et professionnelle de penser les images.

Provenant de l'émission

Par les temps qui courent, du lundi au vendredi de 22h15 à 23h00 sur France Culture

Chaque soir, dans la plus grande liberté de parole, femmes et hommes déploient leur pensée, leur représentation du monde, leur rapport à la création, leur dialogue avec l'époque. Un échange à l'écoute, avec l'art et la culture sous toutes leurs formes.

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Penser les images : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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En lointain écho à l'actualité cannoise, une série de 5 entretiens où cinéastes, philosophe et critique de cinéma nous expliquent leur façon d'aborder les images dans leurs métiers.

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Le mouvement de grâce

La Table des matières

" Un jour de 2013 nous avons eu envie de croiser nos savoir-faire en filmant la philosophie en train de se faire. J'ai posé une caméra au-dessus du bureau de Georges, me suis assis à côté de lui, et ai demandé : "Qu'est-ce que tu fais en ce moment ?".
Sans le savoir, nous avions inauguré un corps filmique en croissance, plus de 60 h actuellement, sur les gestes qui produisent la philosophie de Georges Didi-Huberman.
La Table des matières constitue une archive de laquelle émergent, selon les incitations, différentes formes pour refléter le gai savoir de Georges. Notre dialogue amical ouvre l'accès aux prémisses gestuelles et intellectuelles de ses livres, ses cours, ses expositions. Et plus amplement, une façon de vivre la philosophie au quotidien. "
H.H.

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Le mouvement de grâce | La Table des matières | Imec

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les gestes qui produisent la philosophie de Georges Didi-Huberman

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Exposition Namur : Dedans/Dehors, contre-vues sur la prison

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Exposition Namur : Dedans/Dehors, contre-vues sur la prison

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Dedans/Dehors, contre-vues sur la prison

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Dans cette exposition collective, sept plasticien·ne.s  et photographes renouvellent l'imagerie partagée de la prison à travers des œuvres mêlant force poétique, [...]

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Toward documentary choreography - Beurs symposium

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Toward documentary choreography - Beurs symposium

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A three-day symposium focusing on the intersection between embodied and documentary practices, reflecting on new choreographic articulations of sociopolitical issues.

In recent decades, there has been an increasing interest in embedding elements from reality into performance. The testimonial plays of Lola Arias, the lecture performances of Rabih Mroué and Hito Steyerl, or the hybrid installations of Walid Raad propose complex dispositives and dramaturgies that question our modes of engagement with factual information.

While the field of contemporary dance is known for its critical experimentations, the inclusion of factual information in its practice remains largely uncharted. Choreographers often use documentary elements such as texts, photographs, or videos as sources of inspiration in their artistic process, but few of these items remain visible in the final stage work. The intersection between embodied and documentary practices, however, opens up possibilities for new choreographic articulations of sociopolitical issues of various sorts and alternative ways of engaging with such matters. It results in what art philosopher Frédéric Pouillaude calls "factual representations" that consequently lead to a "poetics of factuality" (Pouillaude 2020).

For this symposium, which follows from his practice-based PhD research, choreographer Arkadi Zaides invites various practitioners and scholars to reflect collectively on the notion of "documentary choreography". By looking at concrete case studies and by proposing various theoretical lenses, the participants will explore the strategies used by artists when combining embodied and documentary practices. Through different formats, they will consider the potentiality of such blending not only to challenge the boundaries of contemporary dance and documentary theater, but also to engage critically with social and political issues.

This event is made possible with the generous support of: Antwerp Research Institute for the Arts (ARIA); the Flemish Government; the Faculty of Arts and Philosophy of Ghent University; the Faculty of Arts (Department of Literature) of the University of Antwerp; CoDa | Cultures of Dance - Research Network for Dance Studies (funded by the Research Foundation Flanders - FWO). It is organized as a part of Arkadi Zaides' practice-based PhD in the Arts at the University of Antwerp, Royal Conservatoire Antwerp, Ghent University, and KASK/School of Arts (HoGent) and his active membership within the CORPoREAL research group at the Royal Conservatoire Antwerp and the research center S:PAM (Studies in Performing Arts & Media) at Ghent University.

Programme Summary

THU 07.12

17:00 - 17:30
Gathering

17:30 - 17:45
Opening notes, Annouk Van Moorsel (Head of Dance and Educational Programmes in Dance, Drama, and Music at the Royal Conservatoire Antwerp; co-chair of the research group CORPoREAL), Arkadi Zaides (choreographer, PhD researcher)

17:45 - 18:30
A Choreographic Move towards Visceral Realism, Frédéric Pouillaude (professor of Aesthetics at Aix-Marseille University)

18:30 - 19:15
Between Conflict and Community: The Politics of Witnessing in Documentary Dance, Timmy De Laet (associate professor of Theatre and Dance Studies at the University of Antwerp and Coordinator of CoDa│Cultures of Dance - Research Network for Dance Studies)

19:15 - 20:00
Samah Hijawi (artist, writer, astrologer) in conversation with Frédéric Pouillaude and Timmy De Laet

FR 08.12

10:00 - 10:30
Gathering

10:30 - 11:30
Human Rights in Art and Law: An Encounter and a Conversation, a conversation between Sandra Noeth (curator, body theorist, professor at the HZT-Inter-University Centre for Dance Berlin) and Eva Brems (professor at the Faculty of Law & Criminology at Ghent University, head of the Human Rights Centre)

11:30 - 12:15
The Documentary Choreography as a Heterotopian Affirmation of Reality: Unlearning Citizenship and Visibility in Necropolis, Christel Stalpaert (professor at the Department of Art History, Musicology and Theatre Studies at Ghent University, co-director of the research center S:PAM)

12:15 - 13:00
Roundtable discussion between Christel Staelpart, Sandra Noeth, Eva Brems, and Arkadi Zaides

13:00 - 14:15
Break

14:15 - 15:00
Screening of Aphasia (Act Three) - "A Kid from the Neighbourhood" by Jelena Jureša (visual artist and filmmaker, post-doc researcher at KASK/School of Arts (HoGent))

15:00 - 16:00
Clubbin' in Complicity, An van Dienderen (filmmaker, teacher & senior researcher at KASK/School of Arts (HoGent)) and Thomas Bellinck (theater and exhibition maker, doctoral researcher at KASK/School of Arts (HoGent)) in conversation with Jelena Jureša

16:15 - 18:00
Screening of Barail, a movie by and in the presence of Denis Cointe (author-director) followed by an aftertalk

SA 09.12

10:00 - 10:30
Gathering

10:30 - 12:00
Muscular Rumination, Carolina Mendonça (choreographer, dramaturg)

12:00 - 12:15
Break

12:15 - 13:15

BAD FACTS, BAD FAITH, BAD FATE, Ligia Lewis (choreographer)

13:15 - 14:00
Moya Michael (choreographer & performer) in conversation with Carolina Mendonça and Ligia Lewis

14:00 - 15:00
Break

15:00 - 18:00
Towards Documentary Choreography, inner outer circle discussion

18:00 - 18:30
Ending notes
Detailed programme and speakers' biographies in pdf >>
Arkadi Zaides works as a choreographer, curator, and researcher. He obtained a master's degree at the AHK Academy of Theatre and Dance in Amsterdam. Since 2021, he is a doctoral researcher in the Arts at the University of Antwerp, Royal Conservatoire Antwerp, Ghent University, and KASK/School of Arts (HoGent). He is a member of the CORPoREAL research group at the Royal Conservatoire Antwerp and the research center S:PAM (Studies in Performing Arts & Media) at Ghent University. His performances and video installations have been presented at numerous dance and theater festivals, museums, and galleries across Europe, North and South America, and Asia. Zaides is a recipient of various awards, among them a prize for demonstrating engagement in human rights issues, awarded to him by the Emile Zola Chair for Interdisciplinary Human Rights Dialogue.
https://arkadizaides.com/

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Towards Documentary Choreography Encounter #1

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A three-day symposium focusing on the intersection between embodied and documentary practices, reflecting on new choreographic articulations of sociopolitical issues. In recent decades, there has been an increasing interest in embedding elements from reality into performance.

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Institut Mémoires de l'édition contemporaine

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Une exposition de Georges Didi-Huberman/
avec les films de Henri Herré

PROLONGATION JUSQU'AU 19 NOVEMBRE

Pour la première fois, Georges Didi-Huberman ouvre ses archives et expose son atelier : un immense fichier de travail, commencé dès 1971, composé de plus de 148 000 fiches, et qui recueille le plus précieux de ce qu'il a lu, vu, aimé... Pas de pensée sans stock, pas de recherche sans outil, pas d'invention sans ordre.

Lecteur dévorateur, regardeur insatiable, Georges Didi-Huberman trace, pour Tables de montage, une ligne de coupe dans cet immense réservoir. 4 000 fiches choisies : l'atlas miniature de sa recherche entre disparates, affinités électives et gai savoir. Chaque fiche, c'est l'espace d'une pensée qui s'ouvre.

La pensée circule, associe, bifurque. Éloge de la méthode. Chorégraphie de la pensée.

Du mercredi au dimanche, de 14 h à 18 h.
Les mercredis à 14h30 : atelier tout public.
Les samedis et dimanches à 16 h visites guidées gratuites.
Fermeture le 18 mai, le 14 juillet et le 1er novembre.

Atelier tout public / d'une image l'autre
Le mercredi à 14h30

Une petite machine personnelle, une autre sorte de machine à écrire...
L'Imec vous invite à venir faire parler les images, à l'aide d'une petite machine personnelle, inspirée de celle de Georges Didi-Huberman, le commissaire de l'exposition Tables de Montage.
Venez manipuler des images issues de l'exposition et des extraits d'œuvres littéraires pour créer votre histoire personnelle, votre propre récit.
Bricolez, expérimentez ... et observez ce que vous êtes capable d'inventer à partir des matériaux, images et textes, à votre disposition.
Un atelier ludique, à mi-chemin entre l'initiation montage et le jeu de cartes, que l'on nomme parfois réussite et parfois patience !
Dans la limite des places disponibles, réservation indispensable à l'adresse : mediations@imec-archives.com

Visite commentée / en aparté
Samedi et dimanche à 16h

Entrez dans l'atelier de Georges Didi-Huberman ! Philosophe et historien de l'Art, il accumule avec minutie fragments de textes, photographies et images en tous genres. En artisan de la pensée, il les assemble pour créer des constellations visuelles et textuelles afin de saisir notre réalité. L'Imec vous propose d'explorer cette " machine à dialogue " inédite, et de pénétrer au cœur d'un processus d'écriture inlassablement répété : regarder les images, recueillir des fragments de pensée et raconter le monde par le montage d'idées.

Visite gratuite, dans la limite des places disponibles.

Découvrir les extraits des vidéos d'Henri Herré présentés dans l'exposition :

vernissage jeudi 4 mai à 18 h 30/
Inaugurons ensemble la nouvelle exposition de l'Imec ! En historien de l'art, en philosophe et en ami, Georges Didi-Huberman présentera le film Retour à la rue d'Éole, de Maria Kourkouta (Grèce, 2013, 14 minutes).

Réservation : vernissage@imec-archives.com
Lien pour la presse

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Une exposition de Georges Didi-Huberman/ avec les films de Henri Herré PROLONGATION JUSQU'AU 19 NOVEMBRE Pour la première fois, Georges Didi-Huberman ouvre ses archives et expose son atelier : un immense fichier de travail, commencé dès 1971, composé de plus de 148 000 fiches, et qui recueille le plus précieux de ce qu'il a lu, vu, aimé...

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Conférence ISELP - 7 décembre - La carte postale 

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Conférence ISELP - 7 décembre - La carte postale 

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Site by Antek - graphism OSP - ISELP © 2021

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En quatre séances, les chercheuses Anne Reverseau et Magali Nachtergael vous proposent de découvrir un panorama des circulations et appropriations de cet objet populaire dans la culture contemporaine, tant visuelle que littéraire.

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Conférence de presse : les rencontres de la photographie 2023 

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Conférence de presse : les rencontres de la photographie 2023 

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Les Rencontres d’Arles 2023 se tiendront du 3 juillet au 24 septembre. Conférence de presse diffusée en direct ici et sur les réseaux sociaux du festival ce vendredi 24 mars à 10h30 (heure de Paris/9h30 UTC).Programme des…

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A propos de la fabrique d'un roman, un jeune autrice, Blandine Rinkel (ça peut faire écho à la fabrique d'un projet artistique en général)

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A propos de la fabrique d'un roman, un jeune autrice, Blandine Rinkel (ça peut faire écho à la fabrique d'un projet artistique en général)

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Vers la violence, la fabrique d’un roman

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Comment écrit-on un livre ? Comment précise-t-on une histoire ? À partir d’entretiens entre l’autrice et son éditrice, de confidences et de lectures, cette Expérience de Blandine Rinkel plonge dans l’écriture de son troisième roman “Vers la violence” paru aux éditions Fayard.

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Réminiscence d'un cours de soutien à l'option durant lequel, à la question "avez vous ete touché.e il y a peu par une exposition ?", j'avais cité ces collages photographiques anonymes et archaïques qui parsemaient les lignes une et cinq (voire plus si affinités ?), en mettant en exergue leur capacité à questionner, simultanément la production d'images vernaculaire et leurs résistances au temps qui passe, et à l'espace depuis lequel le regard se pose sur une image (le métro comme espace de flux, à l'inverse du fonctionnement figé du whitecube)

https://instagram.com/ozzygatto?igshid=YmMyMTA2M2Y=

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Depuis son enfance, Hans-Peter Feldmann collectionne des images, celles des pochettes surprises, celles découpées dans des imprimés de toute espèce, ses propres photographies, plus récemment des peintures anonymes, sans hiérarchie aucune. Ce fonds colossal constitue la matière première de son travail, basé sur des opérations d'assemblage ou d'inventaire, sous la forme de séries, d'installations et d'éditions. Ses toutes premières œuvres, des peintures dans la mouvance pop qui reproduisent des images trouvées, des couvertures de livres, comportent déjà, au verso de la toile, des coupures de revues. Mais, dès 1968, avec la publication de modestes compilations thématiques, autoproduites, sous le titre générique de Bilder, il va radicaliser le Pop Art par l'adoption du support médiatique lui-même, la page imprimée. Pionnier du livre d'artiste, il commence ainsi son " monde de papier ". S'il reflète l'environnement public saturé d'images, le traitement des reproductions leur confère un troublant mutisme et une quasi neutralité qui contrastent avec le tapage des médias. Les motifs sélectionnés, pour qui est tant soit peu familiarisé à l'univers de Feldmann, s'avèrent pourtant liés à ses intérêts personnels (genoux, oiseaux, footballeurs, mers, chaussures...) et une esthétique personnelle transparaît aussi, de manière bien paradoxale puisque ses séries semblent dénuées de toute signification et transcrire fidèlement les conventions iconographiques des posters décoratifs ( Sonntagsbilder), des illustrations de magazines, de la photographie amateur, des calendriers postaux, etc. Les dispositifs de monstration imitent même les usages domestiques : images simplement punaisées sur le mur, petits cadres à poser sur la cheminée, livres qui reproduisent le traditionnel album photo.

L'artiste semble vouloir maintenir en retrait sa subjectivité pour laisser toute la place aux projections de chaque spectateur, mais celui-ci décèlera sans aucun doute une tendresse pour ces usages, les plus familiers de la photographie. De l'humour aussi, mais, même dans les pratiques les plus triviales ou les plus kitsch, jamais de l'ironie. Elle n'est perceptible que dans son défi aux normes artistiques, au statut d'œuvre et, en certaines circonstances, à la forme même de l'exposition. Ainsi, en 1974, il envoie aux adresses de son galeriste Paul Maenz l'illustration d'un calendrier presque tous les mois (onze sur douze à chaque destinataire, pour éviter le fétichisme de la série complète). En 1996, alors qu'il est invité par la Vleeshal de Middelbourg, il propose d'exposer une œuvre de tout créateur local désireux de participer. Lors du Skulptur Projekte Münster 2007, il choisit d'intervenir dans les toilettes publiques... Il se joue de toutes les conventions qui régissent l'objet d'art pour le relier à la vie, " la vie normale " comme il aime le dire.

Face à ses images, déjà vues ou semblables à celles que nous rencontrons quotidiennement, qui façonnent notre représentation mentale du monde, nous procédons par reconnaissance, par recontextualisation parfois, mais surtout par associations. Nous établissons, de manière spontanée, un dialogue entre les photographies vues et celles innombrables enregistrées dans notre cerveau. À notre tour, nous nous les approprions d'une manière toute singulière, nous relions le domaine public à la sphère privée. Même devant les images les plus intimes de Feldmann, prises dans son cercle familial et amical, nous succombons à la tendance de les confronter avec notre propre bagage iconographique. Chaque lecture se fait idiosyncratique et se renouvelle à chaque itération. Isolée de tout commentaire, l'image apparaît pour elle-même. Elle révèle les codes du registre auquel elle appartient ou nous surprend, elle nous affecte, nous émerveille aussi devant l'inépuisable diversité du vivant et la beauté du quotidien (One pound of strawberries, photographiées une à une).

La fascination de l'artiste pour l'image n'est pas dénuée d'une dimension analytique et même politique. Paru en 1998, le livre Die Toten, pour lequel il revient à l'autoédition alors qu'il est désormais courtisé malgré lui par les éditeurs, reproduit, au fil de ses pages et de manière chronologique, une image journalistique de toute personne tuée dans une action liée au terrorisme de gauche en Allemagne depuis 1967, sans distinction immédiate entre acteurs de violences et victimes, directes ou accidentelles. Seuls apparaissent, au dessous de la photographie, le nom et la date du décès. Cette compilation, qui a exigé trois ans de recherche, a suscité bien des controverses, mais le travail d'archivage s'avère, aux yeux des historiens, un document rétrospectif inédit ; pour l'artiste, une réflexion sur la mort et les images, d'une diversité insoupçonnée, qui servent à en faire la communication. En 2000, il convainc l'éditeur de l'hebdomadaire viennois Profil de publier un numéro sans aucun texte, tout en gardant la mise en page exacte des illustrations, ainsi libérées du langage. Sorti le 7 février, au moment de l'accession de l'extrême droite au pouvoir, Profil ohne Worte a été compris comme un prise de position, une indignation qui suspend la parole. Le silence se fait commentaire !

Hans-Peter Feldmann estime que les mots épuisent l'œuvre et il a voulu son art aussi laconique que possible, exception faite du langage qui se fait image, ainsi de courts textes encadrés comme des photos de famille, de mini performances où il suggère, par une phrase adressée à une personne, une image imaginée, ou encore de brefs récits à fort potentiel iconique. Qu'il veuille bien excuser ces quelques notes, mais il faut bien dire que l'œuvre entier stimule tout à la fois la narration personnelle et le désir du partage.
Catherine Mayeur (rédaction du texte) Biographie
Hans-Peter Feldmann est né à Düsseldorf en 1941. Ces indications sont les seules qu'il estime importantes à communiquer pour permettre de situer son parcours. Il a toujours abhorré les curriculum vitae artistiques, car ils ne comportent pas d'autres informations utiles au spectateur et font figure de palmarès. Plutôt que la liste d'expositions et de distinctions, il préférerait partager les titres des films ou des livres qu'il a aimés. Il a d'ailleurs photographié, à l'échelle 1/1, sa bibliothèque ( Bücherregal, 2002).

En 1979, il décide de quitter le monde de l'art, opposé à la dimension spéculative introduite désormais dans le commerce des œuvres et la tendance à délaisser les préoccupations politiques des projets artistiques des deux décennies précédentes. En 1989, Kasper König le persuade d'exposer à nouveau. Il refuse cependant de signer ou de limiter l'édition de ses œuvres. Pour lui, la création artistique ne doit pas être séparée des autres activités de la vie
Vernissage public le 18 avril à 18h
Press preview : 18.04 dès 11h

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Hans-Peter Feldmann / 100 Jahre - Fondation A Stichting

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Depuis son enfance, Hans-Peter Feldmann collectionne des images, celles des pochettes surprises, celles découpées dans des imprimés de toute espèce, ses propres photographies, plus récemment des peintures anonymes, sans hiérarchie aucune. Ce fonds colossal constitue la matière première de son travail, basé sur des opérations d'assemblage ou d'inventaire, sous la forme de séries, d'installations et d'éditions.

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Le Grand Hornu et son centre de documentation 

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Le Grand Hornu et son centre de documentation 

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Accessible à tous depuis mars 2007, le centre de documentation du Grand-Hornu propose un fond documentaire riche de 9.000 volumes traitant des arts actuels, de design, d’architecture et d’archéologie industrielle, ouvert à tous et consultable sur place.

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La réalisatrice, documentariste, journaliste et photographe Laura Poitras ©Getty - CINDY ORD / GETTY IMAGES NORTH AMERICA

"Toute la beauté et le sang versé" (sortie le 15 mars) est un film documentaire sur le scandale des médicaments opiacés aux États-Unis et l'action militante de l'artiste photographe Nan Goldin. La réalisatrice, Laura Poitras est l'invitée de l'Heure Bleue.

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Laura Poitras : "Toute la beauté et le sang versé"

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"Toute la beauté et le sang versé" (sortie le 15 mars) est un film documentaire sur le scandale des médicaments opiacés aux États-Unis et l'action militante de l'artiste photographe Nan Goldin. La réalisatrice, Laura Poitras est l'invitée de l'Heure Bleue.

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https://facebook.com/events/s/hommage-a-annie-ernaux-film-sc/1313917115814968/

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Hommage à Annie Ernaux + film screening 'J'ai aimé vivre là'

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► More info & tickets: https://bit.ly/TD_HomagetoErnaux ► Language: French With: Myriam Leroy, Nathalie Skowronek, Caroline Lamarche, Rokus Hofstede and Pascal Claude (interview) ⚡Check the...

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ESPACE
VANDERBORGHT

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Peter Lindbergh “Untold Stories” exhibition de Bruxelles / Home | Website Peter Lindbergh - Untold stories

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Come and discover from 15 DEC 2022 to 14 MAY 2023 at Espace Vanderborght the intimate exhibition “Untold Stories” paying tribute to Peter Lindbergh’s life and work.

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Outils pratiques pour sa carrière de photographe 

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Outils pratiques pour sa carrière de photographe 

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Elles font la culture - Aides financières et conseils pratiques pour les photographes femmes

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Quels tarifs appliquer à vos prestations photos ? Résultats du sondage "Partage ton prix"

Lecture: 5 minutes

Objectif: Bien encadrer ses prestations
Comment fixer un tarif juste quand on manque de visibilité sur les prix pratiqués sur le marché? ﻿
Vous êtes nombreuses à ressentir des difficultés sur ce sujet et de manière générale on observe que les femmes photographes sont moins bien rémunérées que leurs homologues masculins. Alors pour réduire cette opacité et briser le tabou des tarifs, nous avons listé des exemples de prestations et nous vous avons proposé de partager, de manière anonyme, vos estimations de prix.

fiche

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Elles font la culture - Aides financières et conseils pratiques pour les photographes femmes

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Quels tarifs appliquer à vos prestations photos ? Résultats du sondage "Partage ton prix" Lecture: 5 minutes Objectif: Bien encadrer ses prestations Comment fixer un tarif juste quand on manque de visibilité sur les prix pratiqués sur le marché?

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Façons de voir - L’expo photo Brut à Bruxelles

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Le collectionneur français Bruno Decharme, dans le cadre de l’expo photo Brut à Bruxelles, par La `S’ Grand Atelier (Vielsalm)
Vincent Wattiez autour de la question de l’habitat léger et la gentrification des espaces de camping.
Réalisation

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L'interview de Lisette Model à Radio France en 1980.
Il s'agit d'un entretien avec Jean-François Chevrier et Brigitte Legars à New York en mai 1979 qui a été diffusé dans l'émission "Nuits magnétiques", France Culture, le 14 novembre 1980 (Fonds Archives sonores de l'INA).

Cf : http://www.lepost.fr/article/2010/05/08/2065965_lisette-model-ou-l-art-d-etre-soi-meme-en-regardant-les-autres_1_0_1.html

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Lisette Model interview à Radio France 1980

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L'interview de Lisette Model à Radio France en 1980. Il s'agit d'un entretien avec Jean-François Chevrier et Brigitte Legars à New York en mai 1979 qui a été diffusé dans l'émission "Nuits magnétiques", France Culture, le 14 novembre 1980 (Fonds Archives sonores de l'INA). Cf : http://www.lepost.fr/article/2010/05/08/2065965_lisette-model-ou-l-art-d-etre-soi-meme-en-regardant-les-autres_1_0_1.html

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Fisheye Magazine - Un magazine de photo contemporaine

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Dans , Philippe Chancel fait la part belle à " une jeunesse de France " longtemps relayée à la marge. À l'image, des êtres au sortir de l' adolescence se réunissent en bandes pour assouvir une quête de reconnaissance. Entre moments de joie et de trouble, toutes et tous semblent préservés d'une conjoncture économique et sociale pourtant loin de leur être favorable.

" Cette capsule temporelle scande à mes yeux le firmament de mes nuits blanches dans ce Paris interlope du début des années 1980 pris à la marge de ce qu'il avait de plus sauvage et de plus intense. Il fallait y croire pour le voir. La photographie apparaissait alors pour moi comme une possibilité fragile d'incarner ce qui ne pouvait pas être raconté autrement ", confie Philippe Chancel à la toute fin de Rebels, son dernier livre paru aux éditions The Jokers Publishing. Au fil des 126 pages se profile une jeunesse métissée qui s'épanouit selon ses propres règles dans le tumulte d'une société en pleine mutation. Depuis la crise pétrolière de 1979, les Trente Glorieuses ont définitivement tiré leur révérence, ouvrant la voie au chômage et à l'ascension du Front national. Une conjoncture peu encline à réaliser le rêve d'intégration, de multiculturalisme et d'égalité porté par la gauche de François Mitterrand, tout juste arrivé au pouvoir. À l'instar des rebelles exaltés qu'il capture, une grande partie des clichés auraient pu rester dans l'ombre. L'élaboration d'un tel ouvrage est le fruit des encouragements de Valérie Weill Chancel, l'épouse de l'artiste, convaincue de la justesse et de la pertinence des archives.

La mixité culturelle contre la fracture sociale

Dans ce contexte nébuleux, le jeune photographe alors âgé d'une vingtaine d'années cherche un sens à son existence à travers celle des autres. Le hasard de cette quête le pousse à s'immiscer au sein des Del Vikings et des Black Panthers, deux bandes de rebelles de tous horizons, grandement inspirés des États-Unis, des mouvements de protestation et de la culture rockabilly des années 1950. Si son entreprise ne relève pas de l'évidence - d'autant plus qu'il refusait catégoriquement de choisir son camp -, elle se solde par une réussite. Au cœur de fêtes improvisées ou dans les rues parisiennes, une déclinaison de moments de liesse s'entrecoupe de conflits plus ou moins véhéments. Les jeunes dansent, s'embrassent, s'habillent comme bon leur semble, se toisent du regard, s'affrontent et se retrouvent, encore et encore. À l'image de cette énergie brute, Philippe Chancel documente des instants de vérité d'une jeunesse à fleur de peau, qui ne demande qu'à s'émanciper.

" Les Del et les Panthers étaient majoritairement des garçons, mais les filles n'étaient pas cantonnées à une position de spectatrices, renseignait le photojournaliste à l'occasion d'un entretien donné pour Huck Magazine, consigné en début d'ouvrage. Radieuses et convoitées, elles étaient à la fois les enjeux et les causes de rivalités amoureuses au sein des deux bandes. Elles voulaient par ailleurs s'affranchir des codes en vigueur en remettant en jeu les conventions habituelles d'attachement au mâle dominant. " Ses tableaux monochromes, saisis sur " Kodak Tri-X, boosté par [son] flash ", illustrent efficacement le récit d'individus issus des classes ouvrières qui célèbrent leurs idéaux, à savoir une mixité culturelle qui s'oppose à la fracture sociale annoncée par le FN. Ils ont également aidé Jimmy Laporal-Trésor à la réalisation des Rascals, long-métrage - qui sortira en salles le 11 janvier prochain - qui retrace l'histoire des bandes à l'origine du mouvement Antifa.
Rebels, une jeunesse de France, édition The Jokers Publishing, 136 p., 60 €.
© Philippe Chancel

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Philippe Chancel retrace l'histoire marginale de bandes de " rebels "

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Dans , Philippe Chancel fait la part belle à " une jeunesse de France " longtemps relayée à la marge. À l'image, des êtres au sortir de l' adolescence se réunissent en bandes pour assouvir une quête de reconnaissance.

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À écouter : Raymond Depardon sur franceculture 

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À écouter : Raymond Depardon sur franceculture 

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Depuis sa ville natale de Villefranche-sur-Saône jusqu'aux confins du continent africain, Raymond Depardon (né en 1942) saisit des images et des témoignages qui allient poésie et réalisme et tenant toujours à distance l'exotisme. Après avoir commencé par des petits reportages à Paris, il fonde, en 1966, avec Gilles Caron l'agence Gamma. Raymond Depardon part au Tchad en 1970 où le film qu'il tourne alors contribue à faire libérer l'ethnologue Françoise Claustre, retenue en otage depuis trois ans ; puis au Chili (1971) et enfin au Liban où il couvre la guerre civile en 1978 à Beyrouth, d'où il rejoint l'Afghanistan, avant l'intervention soviétique. L'année d'après, il rejoint l'agence Magnum Photos et part photographier Glasgow, en Ecosse, alors frappée par la pauvreté.

Cinéaste autant que photographe, Raymond Depardon réalise des films depuis les années 1960, avec un thème, l'enfermement, qui revient comme en boomerang, dans sa filmographie, notamment dans "San Clemente" en 1982, voyage immobile en compagnie des patients d'un asile psychiatrique vénitien, puis "Faits divers" en 1983, filmé entre les murs d'un commissariat parisien. Son travail sur la société française traitant de la justice, de la psychiatrie et de la classe politique rencontre un vif succès. Lauréat de nombreux prix (prix Georges Sadoul, 1979, Grand Prix national de la photographie, 1991), il a reçu le César du meilleur documentaire pour "Reporters" (1981) et "Délits flagrants" (1994) et le prix Louis Delluc pour "La Vie moderne" (2008). À partir de 2004, Raymond Depardon sillonne les routes pour photographier à la chambre - appareil qu'il aime bien car il lui impose des contraintes - le territoire français. Ce travail a été présenté à la BnF en 2010 : "La France de Raymond Depardon". En 2006, il fonde le BAL aux côtés de Diane Dufour, un projet de l'Association des Amis de Magnum, qu'il préside.
En 2012, Depardon et sa femme, Claudine Nougaret, véritable compagne de travail puisqu'elle est son ingénieure du son depuis plus de 30 ans, signent "Journal de France", un documentaire sur ses débuts à la caméra, ses reportages autour du monde et des bribes de leur mémoire. En 2016, ils partent ensemble à la rencontre des Français pour les écouter parler dans "Les Habitants".
À l'occasion de la sortie d'un nouveau recueil sur ses photographies, "Entre-temps", Raymond Depardon est notre invité pour déplier sa pensée et son parcours, au micro d'Arnaud Laporte.
Dégager l'oeil et l'écoute

"Claudine Nougaret, ma femme, est plus "Cartier-Bresson" que moi, parce qu'elle perche, elle a l'air de rien, elle ne se met pas dans l'axe, elle ne gêne pas la caméra, ni le regard des gens. Et puis les gens parlent, ils racontent une histoire, cherchent son regard. Et elle ne veut pas que l'interview ou les paroles lui soient destinés, elle a tout un rituel magnifique. Moi, je suis derrière ma caméra, je suis un peu protégé, je suis un peu hypocrite, mais c'est là qu'on obtient des choses qui traversent le temps. Que ce soit des photographes, des hommes politiques ou des gens qui souffrent aux urgences ou à l'hôpital psychiatrique. C'est difficile. Mais il faut vraiment être présent, mais pas trop non plus." Raymond Depardon

La menace de la cancel culture

"Dans une manifestation on ne peut pas demander le droit à l'image à tout le monde. Je comprends qu'on puisse porter préjudice à des gens avec des photos. Bien sûr qu'il faut faire très attention et notamment avec des populations qui souffrent. C'est vrai que l'Ethiopie, par exemple, est un pays incroyable où les gens ont sur eux des photos ou des dessins qui leur portent bonheur, un peu comme nous, on a des photos de nos enfants dans notre portefeuille. (...) Quand tu fais des photos il faut aller vite, il ne faut pas insister, il faut sourire. Et bien sûr, ils ne vont pas voir la photo. Mais toi, tu sais que cette photo, elle va te permettre de communiquer." Raymond Depardon

"Entre-temps", un recueil-livre

"Dans le recueil, il y a 80 photos sur 20 ans. (...) Je les vois comme des choses abstraites, comme des pensées, un peu comme si c'étaient des phrases que j'avais écrites dans un carnet. Ces photos sont autonomes, elles tiennent toutes seules, sans être non plus nostalgiques. La photographie est un art moderne. Être photographe, ce n'est pas seulement faire des photos, préparer son reportage et puis après, publier un livre ou le vendre à la presse, c'est aussi de travailler, d'avancer sur son propre regard. Je passe par différents systèmes qui sont des tirages de lecture que je regarde comme des cartes à jouer." Raymond Depardon

Ses actualités :

Livre : L'atelier EXB vient de publier un recueil des photographies de Raymond Depardon, intitulé "Entre-temps", avec des textes signés Serge Toubiana, auteur, critique de cinéma, président de la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Une exposition de ses photographies aura lieu en début d'année prochaine, à la galerie Magnum à Paris.

Sons diffusés lors de l'émission :

- L'ingénieure du son et productrice Claudine Nougaret, au micro de Marie Richeux, dans "Par les temps qui courent" sur France Culture, diffusée le 06/02/2020

- Extrait du film "Afrique, comment ça va avec la douleur ?", réalisé en 1996 par Raymond Depardon. Édition DVD : ARTE vidéo (2006)

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Raymond Depardon : "La photographie est un art très moderne"

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Alors qu'il publie un nouveau livre de photographies prises entre 1979 et 2006, intitulé "Entre-temps", Raymond Depardon évoque, au micro d'Arnaud Laporte, ce qui nourrit son travail, et la façon dont son regard empathique nous donne à voir autrement le monde dans lequel nous vivons.

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Des Punks en Chine ?! Musique, alcool et déviance - Épisode 62

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Essai intéressant sur la rencontre de l'objet avec la photographie. Petit aperçu sur le site. On pourrait d'ailleurs le mettre en parallèle avec Aby Warburg et son Atlas Mnemosyne.

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" Malraux place la photographie d'œuvre d'art au cœur de sa méthode : elle est le principal instrument de sa rhétorique. A la fois féconde et complexe, cette rhétorique visuelle lui permet de fonder une nouvelle conception de l'art, un nouveau musée. Cet espace - le Musée imaginaire - n'est pas seulement une idée-force mais aussi une aventure visuelle sans précédent. " J'appelle Musée imaginaire la totalité de ce que les gens peuvent connaître aujourd'hui même en n'étant pas dans un musée, c'est-à-dire ce qu'ils connaissent par les reproductions, (...) les bibliothèques ", déclare Malraux. Le Musée Imaginaire est un phénomène mental qui résulte d'une expérience cumulative et visuelle. C'est un domaine de formes qui nous habite. C'est un espace dépourvu d'existence physique, n'existant que par et dans l'esprit du spectateur et se matérialisant par une proposition visible, la photographie éditée... "

" La photographie des tableaux a joué un rôle moins complexe. Comme jadis la gravure, elle étendait notre connaissance plus qu'elle ne touchait notre admiration, notre connaissance, ou notre curiosité, car nombre de ces photos ont joué le rôle d'ambassadeurs, jusqu'au développement des nouveaux procédés de reproduction en couleurs. Ils sont loin d'être parfait, et ne le sont jamais lorsqu'ils reproduisent un original de grandes dimensions. Leur progrès, en vingt ans, a pourtant été saisissant. La reproduction ne rivalise pas avec le chef-d'œuvre présent : elle l'évoque ou le suggère. Vouloir la rejeter en raison de ses faiblesses est aussi vin que l'était, naguère, vouloir rejeter le disque. Elle ne fait pas plus négliger les originaux, que le disque n'a fait négliger le concert. Elle nous mène à contempler ceux qui nous sont accessibles, non à les oublier ; et s'ils sont inaccessibles, qu'en connaîtrions-nous sans elle ? Or l'histoire de l'art depuis cent ans, dès qu'elle échappe aux spécialistes, est l'histoire de ce qui est photographiable. "

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" Malraux place la photographie d'œuvre d'art au cœur de sa méthode : elle est le principal instrument de sa rhétorique. A la fois féconde et complexe, cette rhétorique visuelle lui permet de fonder une nouvelle conception de l'art, un nouveau musée.

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Documentaire de Cecilia Mangini sur les Pleureuses dans le Salento d'après un texte de Pier Paolo Pasolini. J'ai présenté rapidement le thème des Pleureuses durant mon exposé, je me suis dis que pour celles.eux que ça intéresse, cette vidéo montre très bien cette tradition grecque ancestrale.

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Série de podcasts : l'économie selon les photographes. Dorothea Lange, Bernd et Hilla Becher  

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Série de podcasts : l'économie selon les photographes. Dorothea Lange, Bernd et Hilla Becher  

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Bernd (1931 - 2007) et Hilla (1934 - 2015) Becher sont deux photographes allemands, qui ont toujours travaillé en couple et ont photographié de manière systématique le patrimoine industriel, de l'Allemagne à la France en passant par les Etats-Unis. Leur œuvre est constituée de séries qui forment une typologie d'infrastructures industrielles, représentées de la façon la plus neutre possible. Château d'eau, grues, silos, cheminées : Bernd et Hilla Becher ont photographié tous types de construction, suivant un protocole similaire à chaque prise de vue. Il s'agit de photographies carrées, toujours prises en noir et blanc avec un angle surplombant et selon un cadrage dénué de toute présence humaine.

Voir le beau dans l'industrie : le couple Becher, témoins des fleurons de l'industrie allemande, une beauté brute

La Rhénanie est l'une des plus vieilles régions industrielles d'Allemagne, Hervé Joly précise " le bassin de la Ruhr a un poids économique et industriel considérable au sein du land de la Rhénanie et dans l'Allemagne toute entière. La Ruhr est une extraordinaire conurbation, de 5 millions d'habitants dans une très grande densité, avec de très grandes villes comme Duisbourg, Essen, Dortmund qui se touchent les unes et les autres, avec au milieu un nombre considérable de gisements et de mines de charbon, dont la dernière a fermé en 2018. A cette industrie charbonnière s'est logiquement associée une industrie métallurgique, qui reste encore aujourd'hui très importante avec de très grandes entreprises qui en sont issues comme Krupp ou Thyssen, aujourd'hui fusionnées. Cette région ne s'est pas seulement désindustrialisée, il y a eu aussi de nouvelles industries qui s'y sont développées". A partir de 1959, Bernd et Hilla Becher voyant les mines de charbon qui commencent à fermer, vont vouloir immortaliser ces sites industriels en les photographiant. Françoise Haon complète " leur pratique documentaire relevait d'un travail de mémoire pour des bâtiments industriels qui allaient disparaître et d'un intérêt pour l'histoire. Ils étaient en quelque sorte les " messagers du passé " pour un patrimoine négligé, pour des bâtiments (sur une période de 1880 à 1950), pour lesquels il y avait une méconnaissance totale du sujet lorsqu'ils ont commencé à les photographier à la fin des années 50. Les historiens en architecture de l'époque ne s'intéressaient pas au sujet" par ailleurs " les Becher ont également fait référence à leur filiation à la Nouvelle Objectivité (die neue Sachlichkeit) : mouvement apparu en Allemagne à la fin de la Première Guerre mondiale et qui a duré jusque dans les années 30, réaction spontanée contre l'Expressionisme pour un art du constat le plus précis possible".

Sauver un patrimoine méconnu et menacé : Bernd et Hilla Becher face à la recomposition de l'industrie allemande

Dans les années 70, le phénomène de la désindustrialisation est néanmoins beaucoup moins important en Allemagne qu'ailleurs, il s'agit davantage d'une transformation industrielle, Hervé Joly ajoute " l'industrie allemande traditionnelle du charbon et de l'acier s'était préparée de longue date à ces transformations, elle s'était diversifiée depuis très longtemps dans des activités de construction mécanique, de machines-outils, et elle a poursuivi cette diversification au cours des années 70 vers de la construction électrique et de l'électronique. Les groupes industriels ont survécu avec une évolution de leur activité. Ces industries sont moins spectaculaires visuellement et c'est pour cela qu'elles intéressent moins les Becher, qui voient l'industrie de l'extérieur et n'entrent pas dans les usines. Ils photographient une industrie ancienne qui est très spectaculaire et qu'on peut observer de l'extérieur. L'industrie moderne est beaucoup plus décevante, quand on se promène dans une zone industrielle aujourd'hui, il n'y a pas grand-chose à voir, on voit des immeubles en tôles". Par ailleurs, le couple Becher a une approche documentaire de ce monde industriel, mais aussi une approche esthétique, Françoise Haon précise " il y a effectivement une approche artistique de leur travail. Ils se considéraient comme des outsiders, pour eux, leur travail a été longtemps à la limite de l'art. Ils n'avaient pas d'intention esthétique au départ, puisqu'il s'agissait de cette volonté de sauvegarder le patrimoine industriel, avec ce travail de mémoire, mais il leur importait que les objets de l'image soient isolés de façon à les mettre en valeur, afin qu'ils soient vus dans toute leur plénitude".

Références sonores

Références musicales

" Macky Messer " de Hildegard Nkef
"Siebzhen Jaar blondes Haar " de Udo Jürgens
" ", des Yeah Yeah Yeahs

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Bernd et Hilla Becher : souvenirs de la Ruhr industrielle : épisode 3/3 du podcast L'éco dans l'œil des photographes

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Bernd (1931 - 2007) et Hilla (1934 - 2015) Becher sont deux photographes allemands, qui ont toujours travaillé en couple et ont photographié de manière systématique le patrimoine industriel, de l'Allemagne à la France en passant par les Etats-Unis. Leur œuvre est constituée de séries qui forment une typologie d'infrastructures industrielles, représentées de la façon la plus neutre possible.

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Les Impatientes - Short photography film

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Pour réaliser ce travail, Lionel Jusseret s’est immergé durant six mois dans le quotidien d’une maison de retraite. Il y rencontre une communauté invisible qui, malgré elle, se retrouve en marge de la société. Ces hommes et ces femmes nés entre 1920 et 1945 sont appelés la génération silencieuse. Ayant traversé la Seconde Guerre mondiale, ils ont connu le manque et ont travaillé dur toute leur vie. Réputés peu revendicatifs, ils sont décrits comme fatalistes et conventionnels.

Prix Diapéro 2022 : Mention

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Les Impatientes - Short photography film

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Les Impatientes , court métrage documentaire de création réalisé avec Lionel Jusseret

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Born in 1953 in Paris, France
Lives and works in Malakoff, France

Depuis la fin des années 70, Sophie Calle fait l'objet de nombreuses expositions à travers le monde. Tour à tour décrite comme artiste conceptuelle, photographe, vidéaste et même détective, elle a développé une pratique immédiatement reconnaissable, alliant le texte à la photographie pour nourrir une narration qui lui est propre. Ses travaux forment un vaste système d'échos et de références internes, connectés entre eux comme les chapitres d'une oeuvre globale dans laquelle Sophie Calle brouille quelquefois les frontières entre l'intime et le public, la réalité et la fiction, l'art et la vie. Son travail orchestre méticuleusement une réalité sous-jacente - la sienne ou celle des autres - tout en laissant la place au hasard.

solo shows

2020
- Prenez soin de vous, Galerie Perrotin, Paris, France
- Was Bleibt, Kunstmuseum, Ravensburg, Germany
- Because, Fraenkel Gallery, San Francisco, USA

2019
- Regard incertain, Kunstmuseum, Thun, Switzerland
- Un certain regard, Fotomuseum, Winterthur, Switzerland
- Cinq, Musée des Beaux-Arts, Musée Borély, Musée Grobet Labadie, Museum d'Histoire Naturelle, Chapelle De La Vieille Charité, Marseille, France
- Cuídese Mucho, Santiago Museum of Contemporary Art, Chile
- Exquisite pain, Hara Museum, Tokyo, Japan
- Ma mère, mon chat, mon père, dans cet ordre, Perrotin, Tokyo
- Parce que, Koyanagi Gallery, Tokyo, Japan

2018
- Dead End, Château La Coste, Le Puy-Sainte-Réparade, France
- Sophie Calle - l'Hôtel / Voir La Mer, Espace Louis Vuitton, Munich, Germany
- Souris Calle, Perrotin, Paris, France
- Parce que, Perrotin, Paris, France

2017
- Crossing the Line Festival - Sophie Calle: Voir la mer curated by French Institute Alliance Française (FIAF), Times Square, New York, USA
- Beau doublé, Monsieur le marquis ! Sophie Calle et son invitée Serena Carone, Musée de la Chasse et de la Nature, Paris, France
- Missing, curated by Evelyne Jouanno / Ars Citizen, Fort Mason Center for Arts & Culture, San Francisco, USA

2016
- Histoires vraies, Théâtre Liberté, Toulon, France
- For the Last and First Time, Nagasaki Prefectural Art Museum, Nagasaki, Japan

2015
- Sophie Calle, Fraenkel Gallery, San Francisco, USA
- For the Last and First Time, Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Japan
- Cuídese mucho, Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires, Argentina
- Modus vivendi, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, Spain
- Sophie Calle: North Pole, University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, USA
- Pour la dernière et pour la première fois, Musée d'art contemporain de Montréal, Canada

2014
- Sophie Calle, Makoto Aida, Galerie Perrotin, Hong Kong
- Cuídese mucho, Museo Tamayo, Mexico city, Mexico
- MAdRE, Castello di Rivoli, Turin, Italy
- Sophie Calle, An Introduction, Un cabinet d'amateur, Sofia, Bulgaria
- Cuídese mucho, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Mexico
- Rachel Monique, Church of the Heavenly Rest, New York, USA
- Voir la mer, Église Notre-Dame de l'Assomption, Valloire, France

2013
- Dérobés, Galerie Perrotin, Paris, France
- Last Seen, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, USA
- Absence, Paula Cooper Gallery, New York, USA
- Chambre 20, Hôtel La Mirande, Avignon, France
- Où et Quand?, 313 Art Project, Seoul, South Korea
- For the Last and First Time, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan
- Take Care of Yourself, Lillehammer Kunstmuseum, Norway

2012
- Pour la dernière et pour la première fois, Galerie Perrotin, Paris, France
- Pour la dernière et pour la première fois, Rencontres d'Arles, Chapelle du Méjan, Arles, France
- Rachel Monique, Festival d'Avignon, Église des Célestins, Avignon, France
- Historias de pared, Banco de la República, Bogotá, Colombia
- Moi aussi, Musée du Septennat, Château-Chinon, France
- Historias de pared, Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia
- Take Care of Yourself, Espoon modernin taiteen museo, Espoon, Finland
- Take Care of Yourself, The Pulitzer Arts Foundation, Saint Louis, USA

2011
- Take Care of Yourself / Hoia end. Ole tubli, Tallinna Kunstihoone, Tallinn, Estonia
- Son Kez, Ilk Kez, Sakip Sabanci Müzesi, Istanbul, Turkey
- True Stories, Prospect.2, 1850 House of the Louisiana State Museum, Nouvelle-Orléans, USA
- Room, Crossing the Line, The Lowell Hotel, New York, USA

2010
- Sophie Calle: 2010 Hasselblad Award Winner, Hasselblad Foundation, Göteborg, Sweden
- Rachel Monique, Friche du Palais de Tokyo, Paris, France
- Where and when? Lourdes, Art Gallery Christina Wilson, Copenhaguen, Denmark
- Talking to Strangers, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark ; De Pont Museum, Tilbourg, Netherlands

2009
- The Address Book, Gemini G.E.L., Los Angeles, USA
- Cuide de você, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro ; Museu de Arte Moderna de Salvador de Bahia ; SESC Pompeia, São Paulo, Brazil
- Earth: Art of a Changing World, Royal Academy of Arts, London, UK
- Talking to Strangers, Whitechapel Gallery, London, UK

- Calle Sophie, Palais des Beaux-Arts, BOZAR, Brussels, Belgium
- No Sex Last Night, Centre Oi Futuro, Rio de Janeiro, Brazil
- Take Care of Yourself, Paula Cooper Gallery, New York, USA
- Où et Quand? Berck / Lourdes, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany

2008
- Où et Quand ? Berck / Lourdes, Galerie Perrotin, Paris, France
- Prenez soin de vous, Fondation pour l'art contemporain DHC/ART, Montréal, Canada
- Prenez soin de vous, Bibliothèque nationale de France, site Richelieu, Paris, France

2007
- Prenez soin de vous, Pavillon français de la 52e Biennale de Venise, Italy
- Douleur exquise (mise en scène Frank Gehry et Edwin Chan), Rotunda 1 de Bonnevoie, Luxembourg

2006
- La Cabine téléphonique (en collaboration avec Frank Gehry), Pont du Garigliano, Paris, France
- True Stories, Galerie Perrotin, Miami, USA

2005
- Exquisite Pain, Paula Cooper Gallery, New York, USA
- Exquisite Pain, Portland Art Museum, USA

2004
- M'as-tu vue, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, Germany
- M'as-tu vue, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Germany
- True Stories, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany
- Die Entfernung - The Detachment, Kunst im Deutschen Bundestag, Berlin, Germany

2003
- M'as-tu vue, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Dommages collatéraux, Galerie Perrotin, Paris, France
- Sophie Calle, Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Japan
- Editions, Gallery Koyanagi, Tokyo, Japan

2002
- Gotham Handbook, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany
- Sophie Calle, Spectrum, International Prize for Photography of the Foundation of Lower Saxony, Sprengel Museum, Hanovre, Germany

2001
- Double Game, Paula Cooper Gallery, New York, USA
- Sophie Calle, Public Places - Private Spaces, The Contemporary Jewish Museum, San Francisco, USA
- Vingt ans après, Galerie Perrotin, Paris, France
- Editions, Galerie Perrotin, Paris, France

2000
- Die wahren Geschichten der Sophie Calle, Fridericianum, Cassel ; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany
- Sophie Calle..., Librairie des Archives, Paris, France
- Sophie Calle, École régionale des Beaux-arts de Dunkerque, France
- Souvenirs de Berlin-Est, XXXIes Rencontres internationales de la photographie , Librairies Actes Sud, Arles, France
- Sophie Calle - Sol LeWitt, Donald Young Gallery, Chicago, USA

1999
- Les Tombes, Galerie Clara Rainhorn, Brussels, Belgium
- Doubles-jeux, Galerie Erna Hécey, Luxembourg
- Doubles-jeux, Galerie Sollertis, Toulouse, France
- Double Game, Camden Arts Centre, London, UK
- Appointment with Sigmund Freud, Freud Museum London, UK
- Souvenirs de Berlin-Est, Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg, France
- De l'obéissance, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany
- Double Game, Gallery Koyanagi, Tokyo, Japan
- Douleur exquise, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan
- The Eruv, The Jewish Museum, New York, USA

1998
- L'Hôtel. La sphère de l'intime, Printemps de Cahors, France
- Doubles-jeux, Centre national de la photographie, Paris, France
- Double Game, Site Gallery, Sheffield, UK
- Detachment - Die Entfernung, Kulturwissenschaftliches Institut, Essen, Germany
- The Birthday Ceremony, Tate Britain, London, UK
- L'Erouv, Musée d'art et d'histoire du Judaïsme, Paris, France

1997
- Relatos, Fundación " la Caixa ", Barcelona ; Palacio de los Condes de Gabia, Grenada, Spain
- Detachment - Die Entfernung, Galerie Urs Meile, Lucerne, Switzerland
- Comme si de rien n'était, Fondation Ledig-Rowohlt, Château de Lavigny Switzerland
- The Sleepers, Suite vénitienne, Birthday Ceremony, Donald Young Gallery, Seattle, USA
- Suite vénitienne, White Cube, London, UK

1996
- True Stories, Tel Aviv Museum of Art, Israel
- The Eruv of Jerusalem, Artfocus - International Biennal of Contemporary Art, Jerusalem, Israel
- Sophie Calle, High Museum of Art, Atlanta, USA
- Des Histoires vraies, Gallery Koyanagi, Tokyo, Japan
- L'Erouv, XXVIIes Rencontres internationales de la photographie, Librairie Actes Sud, Arles, France
- L'Erouv, Journées d'art contemporain de Porto, Synagogue de Porto, Portugal
- The Detachment - Die Entfernung, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany
- Relatos, Fundación " la Caixa ", Madrid, Spain

1995
- Fravaer, Portalen, Copenhaguen, Denmark
- Proof, University Art Museum, University of California, Santa Barbara ; Center for Contemporary Art, Cleveland ; David Winton Bell Gallery, Brown University, Providence, USA
- Les Autobiographies, Printemps de Cahors, France
- Les Tombes, Galerie Arndt & Partner, Berlin, Germany

1994
- L'Absence, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Netherlands
- The Husband, Fraenkel Gallery, San Francisco, USA
- The Sleepers, Bockley Gallery, Minneapolis, USA
- Les Aveugles, Sala Amárica, Vitoria-Gasteiz, Spain
- Romances, Contemporary Arts Museum, Houston, USA
- L'Absence, Galerie Chantal Crousel, Paris, France
- Des histoires vraies, FRAC Provence-Alpes-Côte d'Azur, Marseille, France
- Des histoires vraies, Galerie Sollertis, Toulouse, France
- L'Absence, Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, Switzerland

1993
- Blind Color, Leo Castelli Gallery, New York, USA
- Proofs, Hood Museum of Art, Dartmouth College, Hanover, USA
- Los Ciegos, Las Tumbas, Anatoli, Sala Mendoza, Caracas ; Museo de Arte Contemporáneo de Maracay, Venezuela

1992
- The Graves, Mills College Art Gallery, Oakland, USA
- A suivre, Lunds Konsthall, Lund, Sweden
- Sophie Calle, Donald Young Gallery, Seattle, USA
- Pierre tombale, Centre culturel français, Palerme, Italy
- Les Tombes, Galerie Sollertis, Toulouse, France

1991
- Sophie Calle, Luhring Augustine Gallery, New York, USA
- Sophie Calle, Pat Hearn Gallery, New York, USA
- A suivre, ARC, Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, France
- Sophie Calle in under skinnët, Kulturhuset, Stockholm, Sweden

1990
- Sophie Calle. A Survey, Institute of Contemporary Art, Boston, USA
- The Sleepers, Matrix Gallery, Berkeley University, USA
- Les Tombes, Galería La Máquina Española, Séville, Spain
- Les Tombes, Galerie Crousel-Robelin Bama, Paris, France

1989
- Sophie Calle. A Survey, Fred Hoffman Gallery, Los Angeles, USA

1988
- Sophie Calle, Galería Montenegro, Madrid, Spain

1987
- J'ai rencontré des gens qui sont nés aveugles, Centre d'art de Flaine, France
- Anatoli, Museotrain du FRAC Limousin, Limoges, France

1986
- Anatoli, École des Beaux-Arts de Dunkerque ; Centre d'art contemporain, Orléans, France
- Les Aveugles, Galerie Crousel-Hussenot, Paris, France ; Tasmanian College of the Arts, Hobart, Australia ; De Appel, Amsterdam, Netherlands

1985
- Sophie Calle, APAC - centre d'art contemporain, Nevers, France

1984
- L'Hôtel C., Galerie Formi, Nîmes, France

1983
- L'Hôtel C., Galerie Chantal Crousel, Paris, France

1981
- Les Dormeurs, Galerie Canon, Geneva, Switzerland

1980
- The Bronx, Fashion Moda, New York, USA

group shows

2021
- I Got You, Hot Wheels, Athens, Greece
- Le supermarché des images, Red Brick Art Museum, Beijing, China
- We are Animals, Kunsthal, Rotterdam, The Netherlands
- Mother!, Louisiana Museum of Modern Art , Denmark

2020
- Push The Limits, Fondazione Merz, Turin, Italy
- Animals in Art, Arken Museum of Modern Art, Ishoj, Denmark
- Le supermarché des images, Jeu de Paume, Paris, France
- Looking at Women, Bernal Espacio, Madrid, Spain

2019
- Creatures: When Species Meet, Contemporary Arts Center, Cincinnati, USA

2018
- In the cut - The Male Body In Feminist Art, Stadtgalerie Saarbrucken, Germany

2017
- Review : 25 years De Pont, De Pont Museum, Tilburg, Netherlands
- Schlaf. Eine produktive Zeitverschwendung, Museen Böttcherstraße, Bremen, Germany
- An Inventory of Shimmers: Objects of Intimacy In Contemporary, curated by Henriette Huldisch, MIT Visual Arts Center, Cambridge, USA
- Person of the Crowd: The Contemporary Art of Flânarie curated by Thomas Collins, The Barnes Foundation, Philadelphia, USA
- 2017 Deutsche Börse Photography Foundation Prize Shortlist, The Photographers Gallery, London, UK ; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, Germany
- Picturing Love: Photography's Pursuit of Intimacy, Katonah Museum of Art, Katonah, USA

2016
- The Human Condition, Session II: Human And The Others. Love, friendship, suspicion, aversion, Moscow Museum of Modern Art, Moscow, Russia
- Tell Me What I Mean, To__Bridges__, Bronx, USA
- Dream States: Contemporary Photographs and Video, Metropolitan Museum of Art, New York, USA
- L'image volée, curated by Thomas Demand, Fondazione Prada, Milan, Italy
- Public, Private, Secret, curated by Charlotte Cotton, International Center of Photography, New York, USA

2015
- ON TIME: Photoworks from the JPMorgan Chase Art Collection, Paris Photo, Paris, France
- Archive Bound, The Center for Book Arts, New York, USA
- For Future Reference, Centre for Contemporary Photographs, Fitzroy, Australia
- Wild Noise, The Bronx Museum of the Arts, USA
- Urban Anxiety, Bonniers Kunsthall, Stockholm, Sweden
- Arts & Food, curated by Germano Celant, La Triennale di Milano, Italy
- The Memory of Time, National Gallery of Art, Washington DC, USA
- Gallery 3010, Sfeir-Semler Gallery, Beirut, Lebanon

2014
- S'il y a Lieu Je Paris Avec Vous, Le Bal, Paris, France
- Unsold, Gallery Koyangi, Tokyo, Japan

2013
- I Look to You and I See Nothing, Galerie Perrotin, Paris, France
- The Opposite of Justice, Base Arte Contemporanea Odierna, Bergamo, Italy
- Everyone Carries a Room Inside, Museum on the Seam, Jerusalem, Israel
- Happy Birthday Galerie Perrotin / 25 ans, Tripostal, Lille, France
- Within & Beyond: Works from Gemini G.E.L., Talley Dunn Gallery, Dallas, USA
- Fault Lines, curated by Constance Lewallen, Kadist Art Foundation, San Francisco, USA
- Walk-On: 40 Years of Art Walking from Richard Long to Janet Cardiff, Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland, UK
- The Distaff Side, The Granary, Sharon, USA
- Merci Mercy, 980 Madison Gallery, New York, USA
- Conceptual Geographies: Frames and Documents: Selections from the Ella Fontanals- Cisneros Collection, Miriam and Ira D. Wallach Art Gallery, New York, USA
- The Unphotographable, Fraenkel Gallery, San Francisco, USA

2012
- Urban Archives: The Rituals of Chaos, Bronx Museum of the Arts, USA
- Célébration Rêve de nature, Musée des Beaux-Arts de Valence, Valence, France
- Carnal Knowledge: Sex + Philosophy, Leslie Tonkonow, New York, USA
- This Will Have Been: Art, Love, and Politics in the 1980's, Museum of Contemporary Art, Chicago, ; Walker Art Center, Minneapolis ; Institute of Contemporary Art, Boston, USA
- Spies in the House of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York, USA
- Sophie Calle, Christian Marclay, Paul Pfeiffer, Walid Raad, Michael Sailstorfer, Carey Young, Paula Cooper Gallery, New York, USA

2011
- Signed, Sealed, Delivered, Zach Feuer Gallery, New York, USA
- Body Gesture, Elizabeth Leach Gallery, Portland, USA
- Prospect.2 Biennial, curated by Dan Cameron, multiple venues, New Orleans, USA
- For the Last and First Time, Sakip Sabanci Museum, 12th Istanbul Biennial, Turkey
- The Rest, Pepe Cobo y cia, Madrid, Spain

2010
- The Talent Show, PS1 Contemporary Art Center, New York, USA
- Memory, Westport Arts Center, Westport, USA
- You can't get there from here buy you can get here from there, apexart, New York, USA
- Memories of the Future, Leeum Samsung Museum of Art, Seoul, South Korea
- Che Fare? Arte Povera, the historic years, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, Liechtenstein
- Human, Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nice, France
- Introducing the Fisher Collection, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, USA
- Exposed: Voyeurism, Surveillance, and the Camera, Tate Modern, London, UK
- In Full Bloom, curated by Antonio Grulli, Galleria Raffaella Cortese, Milan, Italy
- Feeling what no longer is, A.I.R. Gallery, Brooklyn, USA
- The Talent Show, curated by Peter Eleey, Walker Art Center, Minneapolis, USA
- I Love You, curated by Pernille Taagaard and Lise Mortensen, ARos Aarhus Kunstmuseum, Århus C, Denmark
- Haunted: Contemporary Photography/Video/Performance, curated by Jennifer Blessing and Nat Trotman, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA
- FALL OUT - art, desire and disengagement, curated by Mads Damsbo and Merete Jankowski, Gl Holtegaard, Denmark, and Malmö Kunsthal, Sweden

2009
- 1989. End of History or Beginning of the Future? KUNSTHALLE wien, Vienna, Austria
- Reading & Writing, Barbara Krakow Gallery, Boston, USA
- From Private to Public: Collections at the Guggenheim Guggenheim Museum Bilbao, Bilbao, Spain
- The Lens and the Mirror: Self-Portraits from the Collection, 1957-2007, The Metropolitan Museum of Art, New York, USA
- Darkside II - Fotografische Macht und fotografierte Gewalt, Krankheit und Tod, Fotomuseum Winterthur, Winterthur, Switzerland
- With You I Want to Live: Francie Bishop Good & David Horvitz Collection, Museum of Art, Nova Southeastern University, Fort Lauderdale, USA
- After Image, Paula Cooper Gallery, New York, USA
- Regift curated by John Miller, Swiss Institute, New York, USA

2008
- Mr.'s Nobody Dies Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- Damaged Romanticism: A Mirror of Modern Emotion, Blaffer Gallery, The Art Museum of the University of Houston, USA
- The New Normal, curated by Michael Connor, Artist Space, New York, USA ; traveling to Haurte Centro de Arte Contemporáneo, Huarte, Spain
- Slightly Unbalanced, organized by Independent Curators International, Chicago Cultural Center, Chicago, USA; traveling to Huntington Museum of Art, Huntington, USA; and to Paul and Lulu Hilliard University Art Museum, Lafayette, USA

2007
- Exhibitionism: An Exhibition of Exhibitions of Works from the Marieluise Hessel Collection, curated by Matthew Higgs, Hessel Museum of Art, Annandale-on-Hudson
- Seeing Things, Dorsky Gallery, Long Island City, USA
- Group Exhibition of Gallery Artists, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, USA
- Philosophy of the Bedroom, Chelsea Art Museum, New York, USA

2006
- Art, Life & Confusion, organized by René Block and Barbara Heinrich, 47th October Salon, Belgrade, Republic of Serbia
- Transitional Objects: Contemporary Still Life, curated by Dede Young, Neuberger Museum of Art, Purchase College, Purchase, NY - Strange Powers, organized by Laura Hoptman and Peter Eleey, Creative Time, New York, New York
- Dormir, rêver...et autres nuits, Musée d'art contemporain Bordeaux, France
- Dark Places, Santa Monica Museum of Art, Santa Monica, USA

2005
- Exhibition of Gallery Artists, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris
- Sophie Calle + Hiroshi Sugimoto, Gallery Koyanagi, Tokyo, Japan
- Theorema. Une collection privée en Italie, la collection d'Enea Righi, Collection Lambert, Avignon, France
- At The Mercy of Others: The Politics of Care (2005 Whitney Museum ISP Exhibition), The Art Gallery of The Graduate Center of the CUNY, New York, USA
- Experiencing Duration: Biennale d'art contemporain de Lyon 2005, Lyon, France
- Superstars: From Warhol to Madonna, Kunstfofrum Vienna Kunsthale, Austria

2004
- Barbara Krakow Gallery, Boston,
- Shutters, University at Buffalo Art Gallery, Buffalo, USA
- Beauty Matters, Tina Kim Fine Art, New York, USA
- Realm of the Senses, James Cohan Gallery, New York, USA

2003
- Love, Bregenzer Kunstverein / Magazin4, Bregenz, Germany
- Silent Screams Difficult Dreams, Arndt & Partner, Berlin, Germain
- Gegenwartig: Feldforschung, Hamburger Kunsthalle, Germany
- Un été a Toulouse, Galerie Sollertis, Toulouse, France
- Treat yourself: health consumers in a medical age, Science Museum, London, UK
- The Furtive Gaze, The Museum of Contemporary Photography, Columbia College Chicago, USA
- Warum !, Martin-Gropius-Bau, Berlin, Germany
- Fantome du plaisir, Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, Graz, Germany
- Talking pieces, Museum Morsbroich Leverkusen, Germany
- Rituale, Akademie der Künste, Berlin, Germany
- Fables de l'identité, Collection NSM Vie / ABN AMRO, Centre National de la Photographie, Paris, France
- Collection, Nouvelle Presentation, Musee d' Art Contemporain Lyon, France

2002
- New Hotels for Global Nomads, Cooper-Hewitt, National Design Museum, New York, USA
- Testing the Arches, Center for Curatorial Studies Tenth Anniversary, Bard College (curated by Ilaria Bonacossa and Cecilia Brunson), Annanndale-on-Hudson, USA
- En Route, Serpentine Gallery, London, UK
- The Photographic Impulse, (curated by Tom Collins) Henry Art Gallery, Seattle, USA
- Family, Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield, USA
- Iconoclash, Center for Art and Media, Karlsruhe, Germany
- Self/In Material Conscience, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Cuneo, Italy
- Photography by Gallery Artists, Donald Young Gallery, Chicago, USA
- Mirror Alterations, Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on Hudson, New York, USA
- Surrounding Interiors: Views Inside the Car, Davis Museum and Cultural Center, Wellesley College, USA
- Taboo: Mavericks and Hot Iron, Kunsthaus Baselland, Muttenz, Switzerland
- Public Affairs, Kunsthaus Zürich, Switzerland
- Iconoclash, Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Germany
- Mitologie Individuali, PAC, Mailand, Italy
- Self: In Material Conscience, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy
- Stories, Haus der Kunst, Munich, Germany
- Photographier, Collection Lambert, Musée de l'Histoire, Luxembourg

2001
- Part Two (1988-1994), Pat Hearn Gallery, New York, USA
- Game Show, Mass MoCA, North Adams, USA
- Conversation(s), Musée Départemetal de Gap, Marseille, France
- Ellipsis, Leslie Tonkonow Artworks + Projects, New York, USA
- Dévoler Institut d'art Contemporain, Villeurbanne, France
- Beautiful Productions, art to play, art to wear, art to own, Whitechapel Art Gallery, London, UK
- Depicting Absence / Implying Presence, San Jose Institute of Contemporary Art, San Jose, USA
- Purloined Artists Space, New York, USA
- A Private Reading, The Book as Image and Object, Senior & Shopmaker Gallery, New York, USA
- CTRL [Space]: Rhetorik der Überwachung von Bentham bis Big Brother, curated by Thomas Y. Levin, Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Germany
- Things to Come, Galerie Erna Hecey, Luxembourg
- Arret sur image: Zeitgenossische Kunst aus Frankreich, Kunst-Werke, Berlin, Germany

2000
- The Go-Between, Galerie Erna Hécey, Luxembourg
- Carpe Diem - La part d'autobiographique dans l'ouvre d'art, Ecole supérieure des Beaux-Arts de Nimes, France
- A Table, Villa du Parc, Annemasse, France
- Vanitas Parsonae, Robert Miller Gallery, New York, USA
- Petites Mythologies, Chateau de Tarascon, France
- L'empire du temps, myths at création, Louvre, Paris
- Werke Raum 1, Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany
- Ich ist etwas anderes, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany
- La casa, il corpo, il cuoare; Constructions of the identities, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna; National Gallery, Prague, Czech Republic
- Die scheinbaren Dinge, Haus der Kunst, Munich, Germany
- Automobility, Shedhalle, Zurich, Switzerland
- La Photographie Traversée, Résonances, Croisements, Disparitions, XXXIèmes Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, France
- Around 1984: A Look at Art in the 80's, P.S.1, New York, USA

1999
- Veronica's Revenge: Photographs from the Lambert Art Collection, Casino Luxembourg at Musée national d'histoire et d'art, Luxemburg
- Museum as Muse, Museum of Modern Art, New York, USA
- Necropolis, Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois, Paris, France
- Urban Mythologies, Bronx Museum of Arts, New York, USA
- Passage New French Art, Setagaya Art Museum, Tokyo, Japan
- True Stories, Barbara Gross Galerie, Munich, Germany
- Souvenir Utopie, Stadthaus Ulm, Germany
- L'art cu centre, Auswahl von Arbeiten aus dem Centre Georges pompidou, Epinay-sur-Seine, France
- Collection du Musée Cantonal des Beaux-Arts de Sion, Switzerland
- Arsaevi, Museo d'arte contemporaneo, Skenderija center, Sarajevo, Bosnia
- Collection de la Fondation Cartier, Centre culturel de Belém, Portugal
- L'écrit, le mot, le texte, Fondation d'art contemporain Daniel et Florence Guerlain, Les Mesnuls, France
- Le sommeil ou quand la raison s'absente, Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, Switzerland
- Arts / Ecriture, FRAC Provence Alpes cotes d'Azur, Chapelle Ste Anne, Arles, France
- Une histoire parmi d'autres, FRAC Nord Pas de Calais, France
- The Jewish Museum, New York, New York, USA
- Carlton College Art Gallery, Northfield, Minneapolis, USA

1998
- RESOLUTION, Arndt & Partner, Berlin, Germany
- Early Forms, Galerie Chantal Crousel, Paris, France
- Deep Storage - Arsenale der Erinnerung, Kunstmuseum Düsseldorf, Germany
- Premises, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA
- Words and Images, Miami Art Museum, USA
- Musée d'art et Judaisme, Paris, France
- L'étonnante gravité des choses simples, Abbaye Saint-André, Meymac, France
- Le fragment, la durée, le montage, Ecole des Beaux-Arts, Quimper, France
- Paris, Galleri F-15, Moss, Norway
- Collection contemporaines, nouvelle présentation, Musée d'art Moderne de Villeneuve d'Ascq, France
- Collection d'art contemporain de la Fondation La Caixa, Palacio de los Condes de Gabia, Grenada, Spain
- La sphere de l'intime, Printemps de Cahors, France
- Narrador d'historias, Fondacio La Caixa, Madrid, Spain
- Photographies, Gaerie Erna Hécey, Luxemburg

1997
- Veronica's Revenge: Photographs from the Lambert Art Collection, Centre d'Art Contemporain, Geneva, Switzerland
- Trade Routes: History and Geography, Johannesburg Biennale, Johannesburg, South Africa
- Montenegro Biennale, Montenegro
- Sophie Calle: The Husband (Autobiographical Stories) and Other Works, Society for Contemporary Photography, Kansas City, USA
- Mascara I Mirall, Museu d'art contemporani (MACBA), Barcelona, Spain
- Fenetre sur Cour, Galerie Almine Rech, Paris, France
- Framed Area, Amsterdam (film in einem Drive-in), Netherlands
- La Photographie comtemporaine en France : Dix ans d'acquisitions, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Amours, Cartier Foundation, Paris, France
- 7. International Biennale der Fotographie, Turin, Italy
- Deep Storage - Arsenale der Erinnerung, Haus der Kunst, Münhen / Kulturforum Berlin, Germany
- Crossing: France / Hawaii, Honolulu Academy of Arts, USA
- Floating Images of Women in Art History, Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, Tochigi, Japan
- Survey Results Show... Oakville Galleries Ontario, Canada
- Engel, Engel, Kusthalle Wien / Galerie Rudolfinum, Prague, Czech Republic
- 20 ans, Le Consortium, Dijon (film), France
- Le Songe de Constantin, Villa Noailles, Hyeres, France
- Fenetre au sud, Cergy-Pontoise, France
- A Vendre, Galerie Erna Hécey, Luxemburg
- Message, Galerie Schüppenhauer, Cologne, Germany

1996
- NowHere, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark
- Identités et affinités, Musée des Beaux-Arts, Dole, France
- By Night, Fondation Cartier, Paris, France
- Imagined Communities, Oldham Art Gallery, Oldham; John Hansard Gallery; University of Southhampton: Firstsite at the Minorities, Colchester; Walsall Museum and Art Gallery; Royal Festival Hall, London; Gallery of Modern Art, Glasgow
- Passions privées, Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Paris, France
- More than Real, Palazzo Reale: Caserta, Galleria Raucci/Santa Maria, Naples, Italy
- Bons enfants, Plakataktion Kunst im offentlichen Raum, Germany
- Carte blanche à fouad bellamine, Villa Roudani, Casablanca, Marocco
- Dîtes-le avec des fleurs, Galerie Chantal Crousel, Paris, France
- Fool's Rain, ICA, London, UK
- Le Voyage Extraordinaire, Musée d'art contemporain, Lyon, France
- La photograohie contemporaine en France - dix ans d'acquisitions, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Exposure, Luhring Augustine Gallery, New York, USA
- Arts dans la ville, Musée de la Mine, Puits Couriot, Saint-Etienne, France
- Concours des circontances, FRAC Centre - Ecole régionale des Beaux-Arts de Tours, France
- Réels, Fictions, Virtuel, XXVIIèmes Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, France
- 1989-1995: deuxième époque, F.R.A.C. Limousin, France
- For the Museum of Contemporary Art: Sarajevo 2000, the 1996 Collection, Moderna Galerija, Ljubljana, Slovenia
- Art Focus, Jerusalem, Israel
- Féminin-Masculin Cinéma, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Voyeur's Delight, Franklin Furnace, New York, USA
- L'expérience du Monochrome... Musée d'Art Contemporain de Lyon, France
- Operat '96 - Narrative Art 1970-1990, Ravenna, Italy

1995
- Incidents, Casa da Parra, Santiago de Compostela, Spain
- Art Museum, Center for Creative Photography, University of Arizona, Tucson, USA
- Els límits del museu, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona, Spain
- Photography and Beyond: New Expressions in France, The Boca Raton Museum of Art, Boca Raton, Florida; Museum of Contemporay Photogrpahy, Chicago, Illinois; Museum of Photographic Arts, San Diego, California; Bard College Museum, New York, New York; The Israel Museum, Jerusalem, Israel
- Moderna Galerija, Museum of Modern Art, Ljubljana, Slovenia
- Printemps de Cahors, France
- Fetishism, Brighton Museum & Art Gallery, Brighton; Sainsbury Center for Visual Arts, University of East Anglia, Norwich, UK
- Fantômes et autres revenants, Château de Biron, Monpazier, France
- Féminin/masculin, le sexe de l'art, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- The Vision of Art in a Paradoxical World, Bienal Internacional de Istanbul, Turkey
Stereo-Tip, Soros Center, Mestna Galerija, Ljublijana, Slovenia

1994
- Art & the Social conscience, Project Row Houses, Houston, USA
- The Psycho-Pathology of Everyday Life, Ruth Bloom Gallery, Santa Monica, USA
- Arte in Francia, 1970 / 1993, Galleria Communale d'Arte Moderna, Bologna, Italy
- Evidence of Death, The Light Factory, Photographic Arts Center, Charlotte, USA
- Some Went Mad...Some Ran Away, Serpentine Gallery, London; Museum of Contemporary Art, Chicago, Illinois; Portalen, Copenhagen, Denmark
- Endstation Sehnsucht, Kunsthaus Zürich, Zürich, Switzerland
- Gift, The InterArt Center, New York, USA
- ...ou les oiseaux selon Schopenhauer, Musée des Beaux-Arts, Agen, France
- Züge, Züge. Die Eisenbahn in der zeitgenössischen Kunst, Galerie der Stadt Esslingen; Städtische Galerie, Göppingen, Germany - Taking Pictures, International Center of Photography, New York, New York
- Donald Young Gallery, Seattle, Washington, USA
- A Sense of Place, Elizabeth Leach Gallery, Portland, USA
- Art and the Social Conscience, Robert McClain & Co., Houston, USA
- Where is Home?, Kent Gallery, New York, USA
- Beyond Photography, Israel Museum, Jerusalem; Ludwig Museum, Koln; Serpentine Gallery, London; The Boca Raton Museum of Art, Boca Raton, Florida; Contemporary Arts Museum, Houston, Texas; The High Museum, Atlanta; Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania; Museum of Photographic Art, San Diego; Museum of Contemporary Art, Chicago, USA

1993
- Luhring Augustine, New York, USA
- Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, New York, USA
- Memories, Facts & Lies, Blum Helman Gallery, New York, USA
- Blind Color, Leo Castelli, New York, USA
- Wooster Gardens, New York, USA
- Doubletake, Kunsthalle Wien, Vienna, Austria
- Documentario 2, Spazio Opos, Milan, Italy
- Nachtschattengewächse - The Nightshade Family, Museum Fridericianum, Kassel, Germany
- Histoire de voir, Château de Villeneuve, Vence, France
- Strange Hotel, Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Denmark
- Camaras de Friccion - P. Cabritas Reis, S. Calle, A. Wilding, J. Usle, Galeria Luis Adelantado, Valencia, Spain - Über-Leben, Bonner Kunstverein, Bonn, Germany
- Group Exhibition, Barbara Krakow Gallery, Boston, USA
- Building a Collection, Part I, Museum of Fine Arts, Boston, USA
- Public Figures, Herron Gallery, Indianapolis, USA

1992
- Donald Young Gallery, Seattle, USA
- Doubletake: Collective Memory and Contemporary Art, Hayward Gallery, London, UK
- Avstand, Muséet för Nutids Konst, Helsinki, Finland
- Le Portrait dans l'Art Contemporain, Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nice, France - Theoretically Yours, Chiesa di S. Lorenzo, Aosta, Italy
- Bedroom Eyes: Room with a View, California State University, Fullerton, USA
- France, Troisième Génération, World Fair, Sevilla, Spain

1991
- Vanitas, Galerie Crousel-Robelin; Bama, Paris, France
- Erotic Desire, Galerie Perspektief, Rotterdam, Netherlands
- Indivisualités: 14 Contemporary Artists from France, Art Gallery of Ontario, Toronto, Canada
- Disloacations, Museum of Modern Art, New York; Carnegie International, Pittsburgh, USA
- L'Amour d'Art, Musée d'Art Contemporain de Lyon, France
- La Photographie dans la Collection, Musée des Beaux-Arts, Nîmes, France
- Grandes lignes, quand l'art entre en gare, Gare de l'Est, Paris, France
- The Interrupted Life, The Museum of Contemporary Art, New York, USA
- Hommage a Georges Boudaille, Gare d'Austerlitz, Paris
- Lato Sensu, Kopenhagen; Hamburg, Germany ; Musée des Beaux-Arts, Mulhouse, France
- Too French, Hong Kong Museum of Art, Hong Kong
- Les Couleurs de l'Argent, Musée de la Poste, Paris, France
- Musée d'Art Contemporain de Lyon, France
- Dislocations, Museum of Modern Art, New York, USA
- Storie, Gallerie Caolli, Milan, Italy
- Donald Young Gallery, Seattle, USA

1990
- Autour de René Payant, Musée d'Art Contemporain, Montreal, Canada
- Sydney Biennale, Sydney, Australia
- Seven Obsessions, Whitechapel Art Gallery, London, UK
- The Ready-Made Boomerang, Sydney Biennale, Sydney, Australia
- Modèles Déposés - 1, C.A.U.E., Limoges, France
- Keys for a Building, Galerie Crousel-Robelin/Bama, Paris, France
- Beyond the Photographic Frame, Mito Arts Foundation, Ibaraki, Japan
- Images in Transition: Photographic Representation Towards the 90's, The National Museum of Modern Art, Kyoto; The National Museum of Modern Art, Tokyo, Japan
- Donald Young Gallery, Chicago, USA
- Exposed, Vivian Horan Fine Art, New York, USA
- Strip-tease de l'intime, Galerie Urbi & Orbi, Paris, France
- Sophie Calle, Tim Rollins & K.O.S., Stephen Prina, Trans-Avant-Garde Gallery, San Francisco, USA

1989
- At Face Value, Kettle's Yard Gallery, Cambridge, UK
- Frontières, Galerie Christine Le Chanjour, Nice, France
- Arnolfini Gallery, Bristol, UK
- Serpentine Gallery, London, UK
- Tenir l'image à distance, Musée d'Art Contemporain, Montreal, Canada
- Tendances Actuelles de la Photographie en France, Centre National de la Photographie, Paris, France - Nos Années 80, Fondation Cartier, Jouy-en-Josas, France
- Histoires de Musée, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France
- Fictions (organized by Jérôme Sans), Aéroport de Mirabel, Montréal, Canada
- Aubes 3935, Montréal, Canada
- Monat der Fotografie, Leinwandhaus, Frankfurt, Germany
- Buena Vista, John Gibson Gallery, New York, USA
- Contemporary European Art, First Bank Skyway Gallery, Minneapolis, USA
- L'Invention d'un art, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Painting / Object / Photograph, Barbara Krakow Gallery, Boston, USA
- Culture Medium, International Center of Photography, New York, USA
- Shifting Focus, Arnolfini Gallery, Bristol, UK

1988
- Au-delà de l'Image, Photofest, Houston, USA
- Art & Text, First National Bank, Minneapolis, USA
- Cornelius Craig Gallery, New York, USA
- La Photo à la Rescousse de l'Art, Apt, France
- Tendances Actuelles de la Photographie en France, Centre National de la Photographie, Palais de Tokyo, Paris, France

1987
- The New Who's Who, Hoffman/Borman Gallery, Los Angeles, California - Scared to Breath, Galerie Perspektief, Rotterdam, Netherlands
- Galerij de lege Ruinte, Bruges, Belgium

1986
- 'F' Four French, Lang & O'Hara, New York, New York - Galerie du Jour, Agnès B., Paris, France

1985
- Kunst mit Eigen-Sinn, Museum of Modern Kunst, Vienna, Austria

1984
- Salon de Montrouge, France
- Post-Olympic Art, L.A.C.E., Los Angeles; Beau-Lezard, Paris, France
- Nouvelles Acquisitions du F.N.A.C., Centre Georges Pompidou, Paris, France
- La Chambre, Centre National de la Photographie, Palais de Tokyo, Paris, France

1983
- Il n'y a pas à proprement parler une histoire..., Maison de la Culture, Rennes, France
- À Pierre & Marie, 36, rue d'Ulm, Paris, France

1982
- Du Livre, Musée des Beaux-Arts, Rouen, France
- Une autre Photographie, Maison de la Culture, Créteil, France
- Réseau Art, Paris, France
- Le Poids des Mots, Le Choc des Photos, Au fond de la cour à droite, Chagny, France

1981
- Galerie Chantal Crousel, Paris, France
- Autoportraits, Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Galerie Zabriskie, Paris, France
- Culture Medium, International Center of Photography, New York, USA
- Acquisitions Récentes des Collectionneurs Genevois, Musée d'Art et d'Histoire, Geneva, Switzerland
- Erweiterte Fotografie - 5. Winer International Biennale, Wiener Sezession, Vienna, Austria

1980
- 11, Biennale des Jeunes, A.R.C.; Musée d'art Moderne de la Ville de Paris, France
- Une Idée en l'Air, The Clocktowe ; Fashion Moda, New York, USA

public collections

The Metropolitan Museum of Art, New York, USA
Museum of Modern Art, New York, USA
The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA
Brooklyn Museum, New York, USA
Museum of Contemporary Art, Miami, USA
Los Angeles County Museum of Art, USA
Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin, USA
Isabella Steward Gardner Museum, Boston, USA
Pérez Art Museum Miami, Miami, USA
San Francisco Museum of Modern Art, USA
Kadist, San Francisco, USA
Walker Art Center, Minneapolis, USA
Kemper Art Museum, Saint-Louis, USA
MCA Chicago, USA
JP Morgan Chase Art Collection, New York, USA
Musée National d'Art Moderne - Centre Pompidou, Paris, France
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, France
Fondation Louis Vuitton, Paris, France
Musée de la Chasse et de la Nature, Paris, France
Centre National des Arts Plastiques, Paris, France
Tate Museum, London, UK
Musée d'Art Contemporain de Montréal, Canada
De Pont Museum of Contemporary Art, Tilburg, Netherlands
Fundaciòn "la Caixa", Barcelona, Spain
Castello di Rivoli, Turin, Italy
Sakip Sabanci Müzesi, Istanbul, Turkey
Museum on the seam, Tel Aviv, Israel
Louisiana Museum, Copenhagen, Danemark
Hasselblad Foundation, Göteborg, Sweden
The National Museum of Photography, Copenhagen, Danemark
Guggenheim, Bilbao, Spain
MOCAK Museum of Contemporary Art in Krakow, Poland
Cimetière des Rois, Genève, Switzerland
Musée de Nîmes, France
Chateau La Coste, Puy-Sainte-Réparade, France
Musée d'Art Contemporain de Lyon, France
FRAC Limousin, Limoges, France
FRAC Provence-Alpes-Côte d'Azur, Marseille, France
FRAC Île-de-France, France

2021

2020

2019

2018

paris

76 RUE DE TURENNE 75003 PARIS
10 IMPASSE SAINT CLAUDE 75003 PARIS

32 projects of Sophie Calle "Parce que" and "Souris Calle"

2017

2015

2014

hong kong

50 CONNAUGHT ROAD CENTRAL, 17TH FLOOR - HONG KONG

Chiho AOSHIMA, Daniel ARSHAM, Sophie CALLE, Johan CRETEN, Tracey EMIN, Daniel FIRMAN, GELITIN, Laurent GRASSO, JR, Gregor HILDEBRANDT, KAWS, Bharti KHER, Klara KRISTALOVA, MR., Guy LIMONE, Ryan MCGINLEY, Takashi MURAKAMI, Prune NOURRY, Jean-Michel OTHONIEL, Paola PIVI, Terry RICHARDSON, Germaine RICHIER, Aya TAKANO, Xavier VEILHAN, Andy WARHOL, Marina ABRAMOVIC, Valerie BELIN, Guerrilla Girls, Alex KATZ, Annette MESSAGER, Yoko ONO, Rob PRUITT, Cindy SHERMAN, Taryn SIMON, Mickalene THOMAS, Agnès THURNAUER, Tom WESSELMANN

3G I R L

curated by Pharrell Williams

2013

Sophie CALLE, Johan CRETEN, Wim DELVOYE, ELMGREEN & DRAGSET, Lionel ESTÈVE, Bernard FRIZE, Bharti KHER, KOLKOZ, Klara KRISTALOVA, Guy LIMONE, Takashi MURAKAMI, Jean-Michel OTHONIEL, Paola PIVI, Claude RUTAULT, Michael SAILSTORFER, Xavier VEILHAN

2012

Chiho AOSHIMA, Sophie CALLE, Johan CRETEN, Bernard FRIZE, GELITIN, Bharti KHER, KOLKOZ, Klara KRISTALOVA, Martin OPPEL, Jean-Michel OTHONIEL, Paola PIVI, Aya TAKANO, Tatiana TROUVÉ, Piotr UKLANSKI, Chris VASELL, Xavier VEILHAN, Peter ZIMMERMANN

2009

2008

2006

2005

2004

2001

podcasts

Talk between Sophie Calle & Taiki Yamanaka (ENG, JAP)

Talk between Sophie Calle and Taiki Yamanaka on the occasion of the artist's exhibitions in Japan.

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Sophie Calle a été décrite comme une artiste conceptuelle, une photographe, une réalisatrice de film et même une détective. Elle a développé une pratique reconnaissable d'emblée par son approche narrative distincte et la fréquente combinaison d'images et de textes. Découvrez Sophie Calle chez Perrotin

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Une inspiration forte pour notre projet "Le village".

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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Au cours des années 1990 et 2000, Raymond Depardon sillonne la France paysanne avec sa chambre photographique 6 x 9. De cette exploration du monde rural, il réalise des photographies en noir et blanc qui racontent la terre, les hommes, le travail manuel, l'isolement et la fragilité des petites exploitations agricoles mais aussi la beauté des paysages français.

" Ces hommes et ces femmes qui habitaient et persistaient à cultiver ces territoires désolés étaient des sages, des philosophes, des héros, en avance sur l'indispensable décroissance à venir. Ce choc politique et idéologique a été un moteur pour mon projet. " Raymond Depardon

Cinéaste, photographe et journaliste international, Raymond Depardon, né en 1942 à Villefranche-sur-Saône, occupe une place singulière dans le champ de l'image contemporaine. Cofondateur de l'agence Gamma en 1967, il rejoint en 1978 l'agence Magnum et réalise des reportages dans le monde entier jusqu'au début des années 1980. Par la suite, tout en gardant une pratique quotidienne de la photographie, il tourne des films documentaires en cinéma direct dont la trilogie Profils paysans : L'Approche, Le Quotidien et La Vie moderne (2001-2008).

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Raymond Depardon, Rural par Raymond Depardon

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Au cours des années 1990 et 2000, Raymond Depardon sillonne la France paysanne avec sa chambre photographique 6 x 9. De cette exploration du monde rural, il réalise des photographies en noir et blanc qui racontent la terre, les hommes, le travail manuel, l'isolement et la fragilité des petites...

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Document PDF
Nom et prénom dans le titre du document
A rendre pour le prochain cours de chaque groupe.

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Pour "célébrer" la victoire de Lula au Brésil, je partage ce documentaire sorti en 2019 qui trace le procès de Lula, la présidence sous Dilma Rousseff et la montée de Bolsnaro au pouvoir.
Il est disponible sur Netflix ici en Belgique.

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https://artfiction.ch/livre/disperser-la-nuit-recits-du-surgun-photo-club/

Un peu de littérature, sans savoir si cela rentre ou non dans la thématique du padlet.
Un délicieux roman fictionnel - très bien écrit - au sujet du Surgun Photo Club, groupe secret d'exilé.e.s dans la cave d'un foyer de travailleurs de Noisy le Sec, qui s'attachent à tenir avec une ritualité assez incroyable leur petit laboratoire de développement et de tirage argentique.

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Exposition sur Jeff Wall jusqu'au 12 novembre

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Galerie Greta Meert is pleased to present Jeff Wall's second exhibition at the gallery. This exhibition, which unfolds on all three floors of the gallery comprises both new and earlier photographs spanning the Canadian artist's career from the 1980s to the present.

From documentary and 'near documentary' photographs to the ambitious productions of his cinematographic pictures, Jeff Wall's repertoire allows him to explore the in-betweens of picture-making granted by a prolonged observation of everyday life. Through his sustained engagement with the pictorial form of the tableau-from transparencies in lightboxes to silver gelatin prints-the artist continues to expand the notion of photography as art by simultaneously addressing its specificities and its complex kinship to other forms of art and means of depiction. As written by Aaron Peck, for Wall "photography becomes a way, through the legacy of the avant-garde, to further the project of the depictive arts, which, by an accident of their nature, document the spirit and details of the time in which a particular artwork is composed."

In planning this exhibition, Wall considered the inevitable repetitions that occur when working in pictorial form. By acknowledging the return of certain themes throughout his work, he paradoxically reinforces the singularity of the tableau. For instance, in Monologue (2013), Listener (2015), and in his more recent Event (2020), where two men at a formal gathering are engaged in a confrontation, the artist captures the act of talking- an element that evades photography and therefore shows a limit. In Wall's lexicon, these scenes constitute occurrences, a wide category of pictures that contrast with non-occurrences as exemplified by the many landscapes presented in this exhibition, including Rock surface 1 & 2 (2007), and Hillside near Ragusa (2007).

While such groupings could again be made with pictures like Mask maker (2015), Man in a mirror (2019) and Sunseeker (2021), which all depict figures in various states of absorption, some more subtle yet perceptible echoes can also be found across radically different pictures. The geographic and economic demarcation in Property line (2015) unexpectedly bears a relation to the tangible line of the cubicle in Pawnshop (2009), where a man is seen about to dispose of his prized possession-a blue electric guitar.

Jeff Wall was born in 1946 in Vancouver (Canada) where he lives and works. He has exhibited widely, including solo exhibitions at Glenstone, Maryland (2021); Economou Collection, Athens (2019); Kunsthalle Mannheim, Germany, touring to Mudam Luxembourg (2018); P rez Art Museum, Miami (2015); Stedelijk Museum, Amsterdam, touring to Kunsthaus Bregenz, Austria and Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark (2014-15); Art Gallery of Western Australia, touring to National Gallery of Victoria, Melbourne and Museum of Contemporary Art Australia, Sydney (2012-13); Pinakothek der Moderne, Munich, Germany (2013); Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela, Spain (2011); Museo Tamayo, Mexico City (2008); The Museum of Modern Art, New York touring to The Art Institute of Chicago and San Francisco Museum of Modern Art (2007); and Tate Modern, London touring to Schaulager, Basel, Switzerland (2005). Group exhibitions include 5th Shanghai Biennale (2004); Documenta 11, Kassel, Germany (2002); 12th Biennale of Sydney (2000); 24th Bienal de S o Paulo (1998); and Documenta 10, Kassel, Germany (1997).

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Galerie Greta Meert is pleased to present Jeff Wall's second exhibition at the gallery. This exhibition, which unfolds on all three floors of the gallery comprises both new and earlier photographs spanning the Canadian artist's career from the 1980s to the present.

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Un des premiers historiens de l'art a avoir utilisé l'image - la photographie en particulier- comme moyen d'archivage. Il l'a fait à travers l'Atlas Mnémosyne, qu'on peut découvrir en quelques lignes et quelques extraits sur ce site.

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Atlas Mnémosyne composé par Aby Warburg entre 1927 et 1929.
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" [...] Pour le philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman, un atlas est à peine fait de " pages " au sens habituel du terme: plutôt de tables, de planches où sont disposées des images, planches que nous venons consulter dans un but précis ou bien que nous feuilletons à loisir, laissant divaguer notre " volonté de savoir " d'image en image et de planche en planche. L'étalage, constituant alors l'ossature principale du dispositif qu'il décrit dans son essai Atlas ou le gai savoir inquiet.

Les recherches de Didi-Huberman ont largement été irriguées par la vision d'un autre historien de l'art, Aby Warburg. Il développa à partir de 1926 une nouvelle approche de sa discipline en établissant des correspondances inattendues entre des reproductions d'œuvres parfois très éloignées dans le temps, le style et la technique, épinglées sur une toile noire puis photographiées avant d'être éventuellement modifiées. Son but principal était de déceler les survivances des formules du pathos (ou Pathosformeln), c'est-à-dire les représentations des émotions issues de l'art de l'Antiquité et leur résurgence pendant la Renaissance. Il nomma Atlas ce projet de cartographie mémorielle et mouvante du savoir visuel, interrompu par sa mort en 1929, mais de toute évidence inachevable dans son essence [...] "

" Warburg se définit lui-même comme " historien ", un " historien des images " et non de l'art. En tant que tel, il cherche à retrouver ou à construire les liens qui paraissent unir les époques à partir de l'examen des images. Une telle démarche n'a en soi rien de très nouveau. Ce qui fait son originalité, c'est l'intérêt qu'il manifeste pour ce qui n'est pas l'image, mais que celle-ci rend accessible et qui rend celle-ci compréhensible : la vie des hommes, leurs passions, leurs peurs et leurs désirs, leurs activités, leurs modes de pensée ".

" Si Aby Warburg a été le premier à définir une méthode d'interprétation iconologique, s'il a créé une bibliothèque des sciences de la culture unique au monde, l'innovation décisive qu'il a introduite dans le champ épistémologique de l'histoire de l'art est bien Mnémosyne: œuvre absolument originale et unique, dont l'ambition n'est rien moins, que de poser les fondements d'une grammaire figurative générale, et qui ouvre des perspectives dont la portée n'a pas encore été totalement mesurée. Par la complexité des problèmes auxquels s'est confronté Warburg face à cet immense corpus d'images, c'est l'attention de l'ensemble des sciences humaines qu'il a attirée sur son œuvre.

Resté inachevé à la mort de l'auteur, ayant mobilisé l'énergie intellectuelle et physique de ses dernières années, Mnémosyne peut être considéré comme l'aboutissement de toutes ses recherches. Il constitue le plus ambitieux corpus d'images jamais réuni, dont la genèse et l'évolution sont liées à une pratique discursive et à un mode de transmission du savoir que préconisait Warburg, mais qu'il convient aussi d'examiner sous l'angle de ses relations avec le problème de la mémoire et avec sa bibliothèque.

Aby Warburg (1866-1929) a laissé une œuvre inachevée et fragmentaire. Au croisement de l'histoire de l'art, de la philosophie, de l'anthropologie et de la psychologie historique, les recherches d'Aby Warburg ont marqué profondément plusieurs générations d'historiens de l'art (de F. Saxl à E. Wind, en passant par E. Panofsky et E. Gombrich) et contribué à donner à la discipline certains de ses principaux fondements méthodologiques. "

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Atlas Mnémosyne composé par Aby Warburg entre 1927 et 1929. - " [...] Pour le philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman, un atlas est à peine fait de " pages " au sens habituel du terme: plutôt de tables, de planches où sont disposées des images, planches que nous venons consulter dans un but précis ou bien que nous feuilletons à loisir, laissant divaguer notre " volonté de savoir " d'image en image et de planche en planche.

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Exposition qui se déroulait au même moment que celle de Thomas Hirschhorn. De chouettes photos en noir et blanc, qui nous emmènent dans la forêt amazonienne et nous montre comment des communautés indigènes vivent dans des zones où l'éco-système n'a pas encore été abîmé et permet de réfléchir à je cite le MAXXI "  écouter et réfléchir à la situation écologique et à la manière dont les gens font face à la crise aujourd'hui."

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Exposition qui a eu lieu au MAXXI à Rome, de Thoms Hirschhorn de ses Pixel-Collage réalisées entre 2015 et 2017. Les images sont parfois choquantes, méconnaissables. Ils mélangent des corps blessés, ensanglantés avec des images  de publicité ou de mode sur un fond complètement violet. Elles interrogent notre regard sur l'image mais surtout l'image en pixels qui rend parfois l'oeuvre illisible et nous montre comment l'image peut être contrôlées, modifiées. (la vidéo est en italien mais les sous-titres sont disponibles en anglais), mais ça donne un aperçu de l'exposition.

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mostre: Thomas Hirschhorn. The Purple Line

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Rencontre Eric Tabuchi et Nelly Monnier - 4 novembre 18h - 21h - auditoire Victor Bourgeois ULB , 19 Place Eugène Flagey 

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Rencontre Eric Tabuchi et Nelly Monnier - 4 novembre 18h - 21h - auditoire Victor Bourgeois ULB , 19 Place Eugène Flagey 

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Le photographe français Eric Tabuchi nous fera l'honneur d'être à Bruxelles le vendredi 4 novembre 2022 afin de nous présenter le troisième volume de son Atlas des Régions Naturelles. La rencontre aura lieu sur le campus de l'ULB à Flagey, à l'auditoire Victor Bourgeois, 19 Place Eugène Flagey (1050) de 18h à 21h.

L'Atlas des Régions Naturelles est une aventure photographique singulière, autant par ses dimensions que par sa durée. Commencée en 2017, son ambition est de documenter de manière égale les 450 régions naturelles ou "pays" composant le territoire français.

En sillonnant ces petites entités géographiques et culturelles parfois tombées en désuétude face au découpage administratif de l'Hexagone, Nelly Monnier et Eric Tabuchi collectent les éléments visuels de ce qui fonde une région. Ils associent indifféremment les particularismes impulsés par l'homme - architectures traditionnelles, toponymes, esthétiques locales, traces de l'histoire - et les motifs naturels, tels que reliefs,paysages, couleurs, végétation, etc.

Aventure éditoriale autant que photographique, chaque volume de l' ARN est soigneusement co-édité par les Editions Poursuite et le Centre d'art GwinZegal dans la plus pure tradition des Atlas: 16 chapitres se succédant au rythme de trois régions suivies d'un thème. Sur 384 pages, ce sont plus de 600 images qui racontent aussi bien l'architecture que son rapport au paysage, des entrées thématiques fonctionnent comme autant de typologies formelles (ainsi des Architectures d'entraînement, Discothèques, Géométries publiques et Infrasculptures pour le volume 3) et une carte fait pour chaque volume office d'index.

Biographie
Après des études de sociologie où il découvre l'oeuvre d'August Sanders, Éric Tabuchi commence son travail photographique. En 1999, en compagnie d'autres artistes, il fonde à Paris le collectif Glassbox avec qui il participe à de nombreuses expositions. À partir de 2007, Éric Tabuchi publie plusieurs livres - Hyper Trophy, Twentysix abandoned gazoline stations, Alphabet truck - chez Florence Loewy.

Il expose notamment au Palais de Tokyo, au Confort Moderne et aux Abattoirs. Depuis 2012, il travaille à l'élaboration d' Atlas of Forms. En 2017, il commence l' Atlas des Régions Naturelles, projet qu'il entend mener ces prochaines années.

Né d'un père japonais et d'une mère danoise, son travail s'articule autour des notions de territoire, de mémoire et d'identité. Les typologies architecturales constituent le principal de son oeuvre. En plus de sa pratique photographique, Eric Tabuchi produit des objets et réalise des installations. (source : CNAP)

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Le photographe français Eric Tabuchi nous fera l'honneur d'être à Bruxelles le vendredi 4 novembre 2022 afin de nous présenter le troisième volume de son Atlas des Régions Naturelles. La rencontre aura lieu sur le campus de l'ULB à Flagey, à l'auditoire Victor Bourgeois, 19 Place Eugène Flagey (1050) de 18h à 21h.

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Rencontre Vincen Beeckman 17 novembre - Peinture Fraîche 

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Rencontre Vincen Beeckman 17 novembre - Peinture Fraîche 

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Nous recevrons Vincen Beeckman pour le lancement et la signature de son nouvel ouvrage La Devinière, le jeudi 17 novembre, de 18h à 21h au 9 rue Lesbroussart.

" Ce petit univers te salue ou t'ignore. Tu souris. Tu discutes, tu joues aux échecs. Tu as froid pour lui, tu souffres avec elle, tu trembles avec lui. Tout est étonnant et tout est naturel. ", écrit Vincen Beeckman à propos du projet " La Devinière ", démarré il y a plus de huit ans.

Par sa pratique collaborative de la photographie, Vincen Beeckman réussit à abolir la distance avec ses sujets et nous invite à rencontrer les résidents de La Devinière.
Ce centre de psychothérapie institutionnelle, fondé en 1976 par Michel Hock comme une alternative à l'hôpital psychiatrique, fut créé pour accueillir une vingtaine d'enfants atteints de troubles mentaux et réputés incurables. Ils y résident toujours aujourd'hui. Libres de leurs mouvements, les pensionnaires organisent leurs journées selon leurs besoins avec l'encadrement d'une équipe thérapeutique attentive.
La Devinière livre un récit intime et puissant de la vie et des différents états d'esprit de ce groupe qui vit ensemble depuis de longues années dans ce lieu pensé pour lui. Fidèle à sa pratique engagée de la photographie, Vincen Beeckman prend le temps de construire des relations sincères et solides. Chaque semaine ou presque, il se rend au centre pour rencontrer les " gosses " comme ils sont familièrement appelés par l'équipe thérapeutique qui les suit depuis leur plus jeune âge. Il joue avec eux aux échecs ou au Uno, participe aux fêtes et anniversaires, partage les drames et les angoisses, apporte des cadeaux et en reçoit. Il montre ses photographies et tient un journal qu'il rédige souvent en leur présence.

Il y rencontre " Jean-Claude, "l'homme le plus fort du monde", qui s'entraîne à soulever des charges qu'il fabrique avec tout ce qu'il trouve ; Éric, un génie de la construction, qui dessine, planifie et construit des cabanes ; Laeticia, fan de AC/DC, qui a toujours un nouvel amoureux ; ou encore Vincent qui déchire les photos et les donne à Jean-Luc, passionné de puzzles, qui les recolle...".

L'ouvrage alterne des séquences photographiques et des extraits du journal de Vincen Beeckman, reproduits en fac-similé. Les textes répondent aux photos dans un style vif et direct, presque télégraphique, racontant l'instantané, l'absurde, les joies, les apaisements, les cris, les tensions, les créations, les jeux et les amours. Leurs vies apparaissent au fil des pages avec une netteté grandissante. Brutes, parfois brutales. Mais subtilement elles rencontrent celle du commun des mortels : on y parle coiffure, chaussures, confinement, fêtes et vaccins. Vincen Beeckman a construit ce récit avec eux. Jean-Luc, Philippe, Éric ont réalisé l'image de la couverture ainsi que la scénographie de l'exposition qui sera présenté au musée Arts et marges de Bruxelles. Pour le photographe, le moment important sera celui où tous découvriront l'ouvrage et l'exposition.

Biographie
Pour Vincen Beeckman (né en 1973), la collaboration est essentielle. Il travaille principalement avec des personnes marginalisées et vulnérables, donnant une visibilité à des communautés peu reconnues. Par exemple, lors du projet au long cours " Cracks ", il a utilisé des appareils-photo jetables pour établir un lien avec les sans-abris de la gare centrale de Bruxelles. Vincen Beeckman les a invités à se photographier eux-mêmes, donnant lieu à des images franches qui témoignent des échanges entre le photographe et la communauté. L'œuvre du photographe ne se laisse pas facilement enfermer dans un seul genre photographique mais se déploie en une grande constellation - c'est peut-être parce que Vincen Beeckman est un créateur aux multiples facettes : artiste, curateur et éducateur. Ses travaux ont été exposés à de nombreuses reprises : Folkwang Museum, Essen ; BPS22, Charleroi ; Le Vecteur, Charleroi entre autres, et ont été sélectionnés pour le Grand Prix Images Vevey, Photobook of the Month (Photo London), Foto Wien Photobook Award, BUP Book Award, ou plus récemment Prix Photo Élysée 2022.

Le travail de Vincen Beeckman sur La Devinière sera exposé du 24 Novembre au 15 janvier à Art et Marges, dans le cadre du festival Photo Brut Bxl.

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La Devinière - Vincen Beeckman - Peinture Fraiche

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Par sa pratique collaborative de la photographie, Vincen Beeckman réussit à abolir la distance avec ses sujets et nous invite à rencontrer les résidents de La Devinière.Ce centre de psychothérapie institutionnelle, fondé en 1976 par Michel Hock comme une alternative à l'hôpital psychiatrique, fut créé pour accueillir une vingtaine d'enfants atteints de troubles mentaux et réputés incurables.

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Une très bonne ressource pour faire des recherches en sciences humaines. On peut chercher par sujet, documents, collections. On peut avoir aussi accès à certaines thèses.

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ISIDORE est un moteur de recherche permettant l'accès aux données numériques des sciences humaines et sociales (SHS).

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Fondation A Stichting - Expositions Photographie Documentaire à Bruxelles

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Consacrée à l'image photographique et partenaire de projets d'expositions et d'éditions de photographie: Walker Evans, Lewis Baltz, ...

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Interview Katherine Longly - Hernie et Plume

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Interview Katherine Longly - Hernie et Plume

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Couverture de Hernie & Plume 2013 - 2020 de Katherine Longly aux éditions The Eriskay Connection, graphisme Rob van Hoesen. © Katherine Longly. © éditions The Eriskay Connection.

Katherine Longly, Hernie & Plume 2013 - 2020. © Katherine Longly.

Katherine Longly, Hernie & Plume 2013 - 2020. © Katherine Longly.

Katherine Longly, Hernie & Plume 2013 - 2020. © Katherine Longly.

Extrait du communiqué de presse
J'ai rencontré Blieke, Nicole et leur petit chien 'Plume' un soir de décembre, alors que je photographiais les décorations de Noël dans un camping de la périphérie bruxelloise. Un homme est sorti de son chalet, et m'a demandé ce que je faisais là. Je me suis confondue en excuses, et il a poursuivi : " Viens plutôt à l'intérieur boire une bière avec nous ". Nous sommes devenus amis, c'était en 2013. Blieke et Nicole m'ont ensuite invitée à une série de fêtes loufoques, et m'ont raconté quelques épisodes de leur étonnante trajectoire de vie.

'Hernie & Plume' approche les thématiques de la mobilité sociale, de la précarité, du vieillissement, interroge aussi quelques stéréotypes, mais c'est avant tout une belle et tendre histoire d'amour.

J'ai tout de suite aimé le petit chalet tout en bois de Blieke et Nicole. La décoration y est chaleureuse, éclectique, joyeuse et un peu bordélique. Les objets déposés ça et là sont autant de reliques de moments de convivialité, d'amitié ou d'amour amassés au fil des années. Au centre de l'espace trône cette immense table, toujours habillée d'une toile cirée colorée, qui change au fil des saisons et garde les traces du passage du temps et des ripailles. Les amis ne sont jamais très loin. Blieke et Nicole sont des zwanzeurs, comme on dit en bruxellois ; ils aiment rire et faire la fête. Comme lorsqu'ils m'ont invité au mariage en bonne et due forme de deux petits chiens, ou qu'ils m'ont organisé une fête d'anniversaire digne d'un épisode de Fort Boyard.

Blieke me disait souvent, lorsque je passais les voir, que j'avais encore raté une soirée exceptionnelle ; je leur ai donc confié des appareils photo jetables noir et blanc afin de consigner eux-mêmes tous ces instants que je ne pouvais capturer.

Au fur et à mesure de nos échanges, Blieke et Nicole ont évoqué leur rencontre, leurs blessures, leurs fiertés, les accidents de la vie. Leur santé est devenue fragile, leurs amis se sont fait plus rares. Mais leur amour n'a fait que croître et s'épanouir.

Le récit de leur histoire joue avec les stéréotypes que l'on projette immanquablement sur l'autre, et nous confronte aussi à notre possible étroitesse d'esprit. Au fil de la lecture, différents faits divers criminels sont évoqués. Quelle est l'implication du couple dans ces événements ? Sont-ils des déclinaisons bruxelloises de Bonnie et Clyde ? À partir d'archives personnelles que le couple m'a confié, le lecteur pourra, par petites touches successives, interroger ses propres préjugés et découvrir la véritable histoire de Blieke et Nicole, qu'ils partagent avec une sincérité et une générosité déconcertantes.

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🔊 "Hernie & Plume 2013 - 2020" photographies de Katherine Longly

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Extrait du communiqué de presse J'ai rencontré Blieke, Nicole et leur petit chien 'Plume' un soir de décembre, alors que je photographiais les décorations de Noël dans un camping de la périphérie bruxelloise. Un homme est sorti de son chalet, et m'a demandé ce que je faisais là.

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Les dyptiques exposés à la galerie Magnum associent une photo de Martin Parr (à gauche) à une photo amateur. MARTIN PARR/MAGNUM PHOTOS ET THE ANONYMOUS PROJECT COURTESY OF POLKA GALERIE

Sur les murs de la galerie Magnum, à Paris, des diptyques sont accrochés, sans légende. Ici, des bodybuildeurs fiers de leurs abdos ; là, des gâteaux d'anniversaire en gros plan ; là encore, des ongles vernis de rouge enserrant le pied d'une coupe dans un décor que l'on devine festif. L'une des photos est signée du photographe Martin Parr, l'autre est anonyme, une scène de la vie quotidienne exhumée de l'oubli par Lee Shulman.

Depuis cinq ans, le Britannique à la tête de The Anonymous Project expose des tirages d'images diapositives des années 1930 à 1980 dans des mises en scène élaborées. Des murs de la gare de Lyon, à Paris, aux parcs de Rueil-Malmaison (Hauts-de-Seine), en passant par la piscine olympique de Deauville, le festival de photographie d'Arles ou la façade du Musée national de l'automobile, à Mulhouse, mais aussi en Corée du Sud, à New York, à Londres... Partout, The Anonymous Project et son esthétique vintage intriguent et questionnent la pratique photographique professionnelle. Ces images amateurs d'une beauté mélancolique deviennent les vestiges d'un temps de l'innocence dans la représentation de soi intime, auxquels le grain argentique offre un vernis d'authenticité à l'heure des filtres Instagram.

Des " capsules temporelles "

Lee Shulman, 49 ans, est " tombé dans " The Anonymous Project, en 2017, quand, à la faveur d'un déménagement, son père lui rend un carton de diapositives datant de l'époque de ses études de cinéma. Pendant sa première année à la National Film School de Londres, dans les années 1990, Shulman accumule des dizaines de portraits, majoritairement d'inconnus arrêtés dans les rues de la capitale britannique, où il est né. Pour former l'œil des élèves, " les profs avaient donné pour consigne de ne rien filmer pendant un an et de s'en tenir à la photo ", explique-t-il.

Lee Shulman. DANIELE RATTI

A la fin de ses études, Shulman signe chez Partizan (la société de production qui représente le réalisateur Michel Gondry), et s'engage dans une carrière de réalisateur de publicités. Un destin tout tracé pour ce fils de comptable qui a grandi non loin des plateaux de tournage, dans le sillage de son père, ami de longue date et manageur financier du réalisateur anglais Ridley Scott. Au début des années 2000, Shulman tombe amoureux d'une Française et s'installe à Paris. Côté professionnel, il enchaîne les spots pour Ikea, le fromage Leerdammer, le déboucheur Destop Turbo, tourne quelques clips pour Renan Luce ou la chanteuse Daphné ...

" On est vite oublié dans la vie. En trois générations, il ne reste plus aucune trace. " Lee Shulman

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Photographie : " The Anonymous Project ", la mémoire en diapos

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Depuis 2017, le Britannique Lee Shulman collectionne des diapositives prises par des inconnus du monde entier et les met en scène dans des expositions. Baptisé " The Anonymous Project ", ce travail questionne la distinction entre les photographies d'amateurs et de professionnels.

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Un article en deux parties à lire ici, par Jerome Benaroch, philosophe et talmudiste :
https://lundi.am/Image-et-politique
https://lundi.am/Image-et-politique-II

La première partie revient sur la construction et la force d'une Image et s'attache ensuite à construire un cadre au sein duquel la photographie peut revêtir des habits politiques, et ce non uniquement dans un rapport de monstration du fait politique.
La seconde partie, elle, est l'occasion pour l'auteur de s'atteler à une lecture d'images choisies de Wilhelm Schürmann, dans laquelle il exprime justement les potentialités d'existence politique des images.

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La génération Z est en passe de devenir la génération la plus importante et la plus diversifiée qui soit. Elle représente 2,5 milliards de personnes, né·es entre 1996 et 2010, qui scrollent sur Instagram depuis leur plus jeune âge. C'est la première génération qui ne peut imaginer la vie sans Internet et qui a grandi dans un monde entièrement numérique.

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"Comment photographie-t-on les réfugiés ?"

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"Comment photographie-t-on les réfugiés ?"

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quelques pistes de réflexion vis à vis de débats ayant eu lieu en interpersonnel entre des étudiants. revient notamment sur les travaux photographiques publicitaires de Benneton.

https://www.radiofrance.fr/franceinter/podcasts/l-instant-m/l-instant-m-du-jeudi-11-novembre-2021-1897199

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Collectif de photographie documentaire trouvé ce week-end (26/09)

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One image of our collective work on the flood in western Germany is among TIME’s Top Photos of 2021.

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Le nederlands fotomuseum (sur Rotterdam)

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Le nederlands fotomuseum (sur Rotterdam)

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Chouette musée pour découvrir le patrimoine photographique des Pays-Bas avec une exposition permanente (histoire de la photographie néerlandaise) et des expositions temporaires. Il y a la série "TYPISCH NEDERLAND" de Jan Dirk van der Burg jusqu'au 30 octobre et il y a une légère similitude avec notre projet "La Série". (Rotterdam est à ~2h40 en flixbus de Bruxelles) N.Q.

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Bezoek het nationaal museum voor fotografie in Rotterdam. Het museum is geopend van dinsdag tot en met zondag. Bekijk ons programma.

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Dépôt Boijmans Van Beuningen (sur Rotterdam)

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Dépôt Boijmans Van Beuningen (sur Rotterdam)

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Un chouette dépôt d'art avec de nombreuses œuvres exposées de toutes sortes. C'est aussi un drôle de bâtiment, un mixte entre un vaisseau spatial et un pot de fleurs géant. Avec un intérieur qui mélange le massif et la transparence. Magnifique rooftop avec chouette restaurant (il faut prendre la tarte aux pommes). Malheureusement le billet est cher: 10€ pour étudiant et 20€ pour un ticket normal... N.Q.

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Depot Boijmans Van Beuningen is het eerste publiek toegankelijk kunstdepot ter wereld.

Depot Boijmans Van Beuningen is het eerste publiek toegankelijke kunstdepot ter wereld. Het depot staat naast Museum Boijmans Van Beuningen in Museumpark in Rotterdam. Bezoekers zien het resultaat van 174 jaar verzamelen. Meer dan 154.000 verzamelde kunstwerken opgeslagen bij elkaar, gerangschikt en gestructureerd in veertien depotruimten met vijf klimaten. Naast de objecten zijn alle werkzaamheden die komen kijken bij het beheer en onderhoud van een collectie te zien.

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Depot Boijmans Van Beuningen - Museum Boijmans Van Beuningen

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Podcast sur la place des femmes photographes dans l’histoire de la photographie 

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Podcast sur la place des femmes photographes dans l’histoire de la photographie 

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Il y a plusieurs épisodes vraiment intéressants ou le tout dernier assez général, et qui fait une “synthèse.

https://podcasts.apple.com/fr/podcast/quelle-est-la-place-des-femmes-dans-lhistoire-de-la/id1482628271?i=1000577005446

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‎Une Autre Histoire : Quelle est la place des femmes dans l’histoire de la photographie ? [Table-ronde] sur Apple Podcasts

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‎Afficher Une Autre Histoire, ép Quelle est la place des femmes dans l’histoire de la photographie ? [Table-ronde] - 22 août 2022

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Brigitte Patient - Podcast et interviews de photographes 

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Brigitte Patient - Podcast et interviews de photographes 

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Brigitte Patient, Interviews & Podcasts sur la photo

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Longtemps voix de France Inter, Brigitte Patient poursuit ici ses interviews sur la photographie à travers le podcast " Écoutez voir " produit par Wave Audio.

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L'exposition tisse et contraste les perspectives diverses de photographes européens et celles longtemps marginalisées de photographes africains, dans un régime colonial qui a strictement contrôlé et manipulé les images. Les photos sont révélatrices, parfois choquantes, et elles mettent en lumière les relations complexes entre le passé et le présent, l'Afrique et l'Europe, le Congo et la Belgique.

Recaptioning Congo est le fruit de plus de dix ans de recherche internationale par la commissaire Sandrine Colard. Il s'agit de la première grande exposition traitant de l'histoire unique et délicate de la photographie au Congo belge en Belgique. Avec des images allant de la propagande à la photographie de studio et amateure africaine, Recaptioning Congo est une plongée exceptionnelle dans la construction photographique d'une idéologie coloniale et dans son rapport avec l'histoire des images créées par et pour les Africains.
La publication 'Recaptioning Congo - Récits africains et photographies coloniales' éditée par Lannoo, est en vente dans la boutique du FOMU au prix de 45€.

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FOMU Antwerpen | Expositions | Recaptioning Congo | 16.01.2022 -...

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L'exposition tisse et contraste les perspectives diverses de photographes européens et celles longtemps marginalisées de photographes africains, dans un régime colonial qui a strictement contrôlé et manipulé les images. Les photos sont révélatrices, parfois choquantes, et elles mettent en lumière les relations complexes entre le passé et le présent, l'Afrique et l'Europe, le Congo et la Belgique.

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40 ans de photographie au CRP/ - Exposition multisites en Hauts-de-France

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40 ans de photographie au CRP/ - Exposition multisites en Hauts-de-France

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Le CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France fête son anniversaire.

En quarante ans, il est devenu un lieu incontournable, une référence pour la photographie contemporaine, en France et à l'international.
À cette occasion, nous vous proposons un voyage inédit dans les collections grâce à une grande exposition multisites organisée avec quinze lieux partenaires dans tous les Hauts-de-France.
Une façon de mettre en avant la force de notre réseau, notre implication sur le territoire ainsi que notre fonds photographique d'exception.
En parallèle, profitez d'une programmation culturelle variée et accessible ponctuée de temps forts : rencontres avec les artistes, visites spéciales, ateliers de pratique, stages, lecture de portfolios, ... Chacun peut vivre l'événement CRP/ partout dans la région. Festival, musée, scène nationale, lieu patrimonial, artistique et touristique, tous célèbrent avec nous cet événement.
Quarante ans c'est un cap. Alors que le CRP/ se tourne vers son passé pour mesurer ce qui a été fait, il saisit ce moment idéal pour se projeter vers des perspectives nouvelles et un avenir ambitieux !

1 évènement, 16 lieux !

> De part et d'autre, 40 ans de photographie au CRP/
en collaboration avec Diaphane, festival Photaumnales
Galerie du Chevalet, Noyon (60)
27 septembre > 31 décembre 2022

Graphisme : Matthieu David Studio

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40 ans de photographie au CRP/ - Exposition multisites en Hauts-de-France

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En quarante ans, le CRP/ est devenu un lieu incontournable, une référence pour la photographie contemporaine en France et à l'international. Pour ses 40 ans, le centre d'art vous propose un voyage inédit dans ses collections grâce à une grande exposition multisites organisée avec quin...