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Les 5.5 Designers produisent pléthore de projets depuis 20 ans. Le premier projet, juste après leur diplôme, Réanim, est celui qui les a lancé dans la vie active. 20 ans après moultes projets ont vu le jours et peuvent être rattachés à de nombreuses thématique set problématiques en design et métiers d'arts : Copie Originale, U4HK, Print Your Duralex, Mobilier de Jardin, Bernardaud... Leurs lectures et interprétations vis-à-vis de thématiques et de questionnements sont larges et permettent une appropriation personnelle, permettant de les utiliser aisément, si maitrisés, dans des dissertations ou comme appuie pour des cheminements créatifs.

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Une vue globale de design global Stratégie • Produit • Packaging Identité de marque • Espace

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Lors de l'avant-première du film Babylon à Sydney, l'actrice Margot Robbie arbore une tenue qui enflamme les réseaux sociaux : la robe Versace inspiré d'un look de défilé porté par Carla Bruni en 1995 ne fait pas l'unanimité. Celle que porte Robbie est agrémentée d'une dentelle rouge, et c'est ce détail qui fâche certains internautes. Les créations de mode devraient-elles être conservées tel quel ou bien pouvons-nous nous autoriser à les transformer ? Tandis que certains affirment que remettre une pièce de mode au goût du jour est un véritable crime, d'autres encouragent cette pratique permettant de renouveler la notoriété d'une marque. Dans ce cas-ci, le débat seul a permi à la robe de retrouver sa gloire d'antan. Et vous, qu'en pensez-vous ?

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"L’essence d’un projet, c’est l’harmonie parfaite entre l’esthétique, l’utile et le juste."

À travers cette phrase, WRIGHT cherche à mettre en avant la notion d'équilibre, entre les différents points de la conceptions en design et en architecture. Un élément conçu ne doit pas simplement être juste, pas simplement utile, pas simplement esthétique. On ne doit pas délaisser l'esthétique au dépend de la fonction, la fonction au dépend des matériaux et d'une conception responsable. Les conceptions en design et métiers d'art se doivent d'être réfléchies, envisagées, et proposées comme étant équilibrées et en harmonie, aussi bien sur l'aspect esthétique, sur l'aspect utilitaire et sur l'aspect juste et responsable.

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Shellmet de TBWA\Hakuhodo et Koushi Chemical Industry, 2022

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Ces designers japonais ont conçus une casque de protection. Ce casque a une particularité surprenante. Il est fabriqué avec des coquilles Saint-Jacques ainsi que de plastique recyclé. Son but est de réutiliser les coquilles jeté en grande quantité au village de Sarufutsu. En effet, dans ce village l'exportation des restes de coquilles Saint-Jacques avait été arrêté. Pour éviter de les garder inutilmenent ce casque permet la sécurité, de réutiliser les coquilles, mais également d'éviter l'accumulation de coquille qui pourrait engendrer des contaminations au niveau du sol. Dans la composition du casque il rajoute du carbonate de calcium au mélange, ce qui augmente de 33% la solidité d'un casque ordinaire.

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La place de l'industrie n'a cessé de croître depuis les Révolutions Industrielles, mais de plus en plus de monde souhaite faire rupture avec le mode de vie basé sur la consommation les individus préfèrent se tourner vers l'upcycling, le design démontage, l'éco-conception, la réhabilitation, et renoncer à l'obsolescence programmée.

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Cup n'go tasse nomade en tyvek par Paulin Giret

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Paulin Giret, jeune étudiant designer du côté de Nantes Design Atlantique en compagnie de ses camarades Tristan Riaud et Théophile Collet, nous présentent leur projet baptisé Cup N’Go réalisé lors d’un workshop autour d’un matériau : le Tyvek (Fibres de polyéthylène) souvent utilisé en milieu professionnel : combinaison, médecine etc…

« Cup n’go est une tasse nomade à emmener lors de randonnées, de pique-niques…? Nous avons exploité les qualités spécifiques de ce matériau : (imperméable, léger, pliable et résistant) pour fabriquer un objet simple et pratique. Elle se décline en trois tailles pour offrir à l’utilisateur des contenances différentes, du café au jus de fruit en passant par le verre d’eau. Cup n’go est vendu avec sa poignée et 3 recharges de Tyvek. Quand le contenant est abîmé, il est inutile de racheter l’ensemble du produit car le papier est interchangeable.«

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Fauteuil décompression, Matali Crasset, 2013

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La chaise décompression est à première vue basique en bois avec un dossier bleu. Mais celle-ci cache sous son assise tout un élément gonflable, qui une fois ouvert, vient créer un dossier plus large et des accoudoirs volumineux, transformant ainsi la chaise en véritable fauteuil club. L'objet joue avec la démesure de par sa couleur osée et sa forme, disons-le franchement, assez gonflée.

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L’Initiative Chrysalis s’est associée à Intouch Group pour lancer un programme qui défend les femmes de couleur atteintes d’un cancer du sein.

Les affiches abondent en leur centre des illustrations de femmes noires au sein nu, barré par un signe inégal. Chaque affiche présente des statistiques soulignaient le trait biaisé des femmes de couleur « si ma peau était blanche mon taux de survie au concert du sang augmenterait de 26% ».  Le choix du dessin de la typographie manuscrit apporte un ton vibrant et humain au message

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Miss Thaïlande a porté une robe faite de languettes de canettes au concours Miss Univers. Anna Sueangam-iam a déclaré que cette robe rendait hommage à son éducation et à ses parents qui étaient éboueurs. “Ayant grandit avec des parents éboueurs, j’ai passé mon enfance au milieu des ordures.” Elle dit avoir voulu “montrer à l’univers que ce qui est considéré comme sans valeur par beaucoup possède en fait sa propre beauté”.
La robe, conçue par Manirat, combine des languettes d’aluminium provenant de canettes avec des cristaux Swarovski.

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Cover drawing for Keita Genji, Ochiai Shohei, 2021

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(je triche un peu) parce que cette semaine j'utilise cette affiche pour présenter en fait tout l'univers de Ochiai Shohei. Cet artiste japonais a étudié au département de conception de produits de la Tama Art University, élargissant ses connaissances et ses compétences dans le monde de l'art et du design. près avoir obtenu son diplôme, le tokyoïte à commencé à monter son portefolio, en le remplissant de dessin d'objets, dans un style bien à lui. Shohei a en effet un style illustratif distinctif, défini par son « manque de patience », comme il dit. Bien sûr, il respecte la formule typique de la perspective, mais parfois, il devient « très impatient » lorsqu'il s'agit d'illustrer ce type de compositions. Alors, ses œuvres prennent cet aspect déstructuré.  Cependant, ce n'est pas un point négatif. Au contraire, cela donne à son travail un avantage unique et le fait se démarquer de la foule - sans parler du fait que cela rend ses objets légèrement biaisés par rapport à leur représentation réelle. Pour moi, un des plus grandes force de ses illustrations, c'est avant tout le fait qu'elles soient très reconnaissables donc, mais surtout que derrière l'aspect "dessiné par un enfant", eh ben c'est super technique en vrai (et super dur à reproduire (essayez vous verrez (mdr)).

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Le Grey Album est un album de Mashup reprenant les paroles a cappella du Black Album du rappeur américain Jay-Z et les pose sur des samples du White Album des Beatles, le tout pour formé le Grey album !
La pochette est un aplat de gris, l'album des Beatles étant un aplat de blanc et celui de Jay-Z un aplat noir avec la silhouette assombris du rappeur. On peut utiliser cet pochette d'album en référence pour montrer le mélange de deux domaines différents afin de crée un hybride de deux styles, ici, le rock et le rap. Ces deux styles ont des auditeurs différents mais reste similaire dans leur fond les deux ayant été décrié et on su touché par la suite touché le grand public cette album reprenant le plus grand rappeur américain de l'époque avec l'un des groupe de rock les plus célèbre.

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LIGHT BULB HEELS, Nicholas KIRKWOOD, Printemps 2019

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Grand fan de films de Science-Fiction, Nicholas KIRKWOOD s'inspire de films et d'icônes de la Pop Culture comme “1984,” “Bladerunner,” “Black Mirror,” “The Handmaid’s Tale” et “THX 1138.” Ces inspirations viennent à se retrouver dans ses éléments de la collection Printemps présentées à la Fashion Week de Londres en 2019. Epurées, futuristes et multifonctionnelles (marcher et éclairer) ces talons surprennent de par leur structure et leur simplicité !

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Crée par Carlings en 2018, NEO-EX est une collection de vêtements virtuels et donc immatériels. Le principe est donc d’acheter les vêtements sur le site internet, virtuellement, sans jamais le recevoir matériellement. Après avoir « inséré » une photo de notre choix lors de l’achat, le vêtement s’intégrera à cette dernière afin de se modéliser sur le corps. Il s’agit donc de vêtements irréels, accessibles et en faveur de l’écologie

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Entre exubérance ornementale et merveilleux, le Grotto II de HANSMEYER renvoie aux grottes de la Renaissance, tout en se présentant comme l'aboutissement d'algorithmes, ouvrant ainsi sur une dimension d'invisible. Il fait ici fusionner nature et structure à travers des formes improbables, que l'on pourrait découvrir au microscope, mais le tout à échelle humaine et ce grâce à l'impression 3D. On peut ici donc dégager des références microscopiques, aux chapelles baroques ou aux grotesques de la DOMUS AUREA de Néron. La profusion ornementale brouille ici les limites entre nature et architecture, ouvrant sur la dimension de "merveilleux".

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ABOUT A WORKER , 2017, Kim Hou & Paul Boulenger

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ABOUT A WORKER ,crée en 2017 par Kim Hou et Paul Boulenger, est un studio de design qui donne aux travailleurs du monde entier la possibilité de s'exprimer à voix haute en devant des designers, tout en valorisant leurs métiers et leurs talents créatifs. L'objectif de ce studio est de mettre en avant les ouvrier.es et de valoriser leurs conditions et leur savoir-faire. Ainsi, chaque collection est différente et a été crée par des ouvrier.es différents. L'inspiration vient de leur contexte de vie et de leur uniforme de travail. Le but de ce studio est donc d'initier les ouvrier.es au design mais aussi de parler de leurs vies et des problématiques qu'ils et elles vivent au quotidien. Leur travail s'inscrit alors dans une démarche de design social. Le vêtement est utilisé comme un médium pour permettre l'expression et crée un dialogue. On essaye d'humaniser la condition ouvrière et de valoriser ces gens, souvent oubliés...

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Hassan Ragab est un concepteur polyvalent qui a une formation en architecture et en conception informatique et qui s'intéresse beaucoup aux arts visuels.
Cette image est générée à l'aide d'une intelligence artificielle du même genre que DALL*E 2 , elle s'appelle "Midjourney"

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A (Mid)Journey To The Virtual World Of Hassan Ragab

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Asics limitless concept, Kacimi LATAMENE, 2021

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S'imaginant ce à quoi les chaussures de demain pourrait ressembler, le designer bordelais modélise énormément de paires en 3D, où il s'interroge quant aux matériaux utilisés et au manière de les mettre en forme. La Asics limitless est un très bon exemple de cette démarche ; la chaussure étant composé en deux parties, dont la principale est un seul bloc de matière. Effectivement, les chaussures moulées en nanomatériau semblent destinées à être l'avenir de la chaussure, étant plus simple et moins cher à produire, mais aussi plus facilement recyclable. Les précurseurs en la matière sont évidemment Crocs, mais plus récemment le succès de la Yeezy Foam Runner de Kanye West, mais aussi les Puddle Boots de Bottega Venta par exemple.

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L'artiste Jim Davis met en scène sa célèbre mascotte Garfield, de la série de bande dessinée éponyme, datant du début des années 80. Presque quarante ans plus tard, et après non moins de soixante-quinze albums, une série animé et deux films, le personnage est cette fois si utilisé comme table basse. Cette unique version de la Garfield Coffe Table se compose d'un plateau ovale en verre et, en guise de pieds, les pattes du célèbre chat. En effet, une sculpture en résine de Garfield allongé sur le dos fait office de base du meuble. L'heureuse acheteuse de cette pièce unique donc, n'est d'autre que l'artiste Ava Nirui, figure devenue importante du monde de la mode.

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Charlotte Taylor, directrice artistique & designer

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Charlotte Taylor conçoit de nombreux espaces intérieurs en 3D grâce à une intelligence artificielle. Elle brouille alors la frontière entre le virtuel et le réel, lui permettant de s'émanciper du pragmatisme inhérent à l'architecture.

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Le Carrousel des Mondes Marins, Nicole Concordet et Christophe Theilmann, 2012

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Véritable théâtre à 360°, il vous accueille dans une incroyable sculpture dédiée à la mer. Spectateurs d’étranges et inquiétantes créatures marines qui tournent dans une gigantesque pièce montée sur trois niveaux, vous découvrez la mer dans tous ses états, depuis les fonds marins, les abysses et jusqu’à la surface de la mer.

Ce carrousel géant, de près de 25m de haut et de 22m de diamètre, est une machinerie qui réveille l’art forain. Trois manèges sont empilés dans une véritable dentelle de béton, surmontée d’un chapiteau orné de frontons, et gardés par 16 pêcheurs originaires de tous les océans du monde.

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Pour la Fashion week au Japon, en 2011, le designer japonais Kunihiko Morinaga a proposé une collection automne/hiver colorée et géométrique. Composée de différents types de vêtements (smoking, robe, pantalon, sweat shirt...), cette collection peut paraitre assez normale de loin. Cependant les vêtements sont composés de centaines de carrés, s'apparentant à des pixels. Le designer s'est donc inspiré du numérique (et du virtuel :) )et aux jeux vidéos comme Minecraft.

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Collection de sculptures "portable" et produit en grandissant entierrement de racines. La collection inclue une robe avec un col et autres sculptures inspirées de coraux tel que des lampes. Les créations de Holloway explorent la possibilité de textiles poussant à partir de racines et imagine un futur ou la mode est durable et compostable.
Les racines forment une sorte de squelette botanique qui capterait le carbone et aiderait donc au problème de la pollution. Holloway utilise les racines à la manière d'une imprimante 3d permettant la nature de tisser son chemin à travers des modèles complexes créés en cire d'abeille. Chaque processus de pousse de la racine donne un résultat différent donc aucune pièce n'est identique.

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La cultissime robe blanche du film « sept ans de réflexion », William Travilla, 1955

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« Donnez à une fille les bonnes chaussures, et elle peut conquérir le monde »

Alors que Marilyn Monroe est la star la plus en vogue de tout Hollywood, William Travilla, son amis costumier, n'est autre que le créateur de mode qui se cache derrière ses robes les plus mythiques.

La dimension qu’à pris cette « petite robe idiote » comme le disait Travilla, est cependant hors-norme. En effet, retour sur cette tenue qui a marqué le 7ème art.

New York, par une chaude journée de l’été 1954, une jeune femme aux boucles blondes, évidemment incarnée par Marilyn Monroe, cherche un brin d’air dans la ville suffocante. Alors qu’elle avance sensuellement à l’angle de la 52ème Lexington Avenue sur une bouche d’aération en plein passage de métro, voilà qu’un souffle soulève sa robe blanche de cocktail et dénude ses jambes…

Cette "petite robe idiote", Travilla l'avait fabriquée à partir de crêpe de rayonne-acétate : un tissu synthétique assez lourd pour bouger élégamment au rythme des pas chaloupés de Marilyn, mais assez léger pour se soulever sous la force du courant d'air. Le dos nu ainsi que le décolleté plongeant ont ce jour-là, affolés la presse new-yorkaise… si bien que la prise a dû être refaite 14 fois.

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Le défilé Dior « What If Women Ruled the World », 2020, de Judy Chicago

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Judy Chicago, artiste femme américaine, est une des fondatrices du mouvement féministe artistique aux Etats-Unis.

Cette dernière explore et multiplie l’esthétique féminine remettant en question la domination masculine et la réussite des femmes. De par ces choix marqués, l’artiste provoque le changement et prend comme parti pris l’exploration des aspects de l’identité féminine.

Judy Chicago réalise une scénographie pour le défilé Dior (printemps-été 2020) : « What if women ruled the world ? ». Ces mots sont d'ailleurs brodés sur les tenues du défilé. L'artiste y représente la femme comme une déesse inspirée de la Grèce Antique, vision renforcée par les habits composés de drapés et d’éléments dorés, la plupart brodés de messages féministes. Une des tenues du défilé mettait par exemple en scène la citation de l’écrivaine Chimamanda Ngozi Adichie : « We Should All Be Feminists ».

Judy Chicago utilise donc le design de mode ainsi que  la performance pour illustrer le corps de la femme dans une dimension héroïque, questionnant la domination masculine et  célébrant les réussites de la femme de par l’évocation des symboles de pouvoir féminin émises par une performance vestimentaire céleste.

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Défilé Printemps/Eté 2023 Coperni – Prestation de Bella Hadid

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C’est il y a quelques semaines que la célèbre marque couture Coperni a fait le buzz sur les réseau sociaux. L’évènement, qui s’est déroulé dans la Salle des Textiles du Musée des Arts et Métiers à Paris, a vu de nombreuses grandes mannequins défiler dans ces tenues signées Coperni. Cependant, c’est le final du défilé qui deviendra virale. La mannequin Bella Hadid est arrivée sur scène telle une toile vierge, et a laissé deux designers crée une robe en spray à même son corps nu. Une fois le vêtement crée, une designer est venue le sculpter. Le tissu pulvérisé est un spray développé par Manel Torres. C’est alors au contact de la peau que le tissu se matérialisait, prenant alors empreinte sur le corps de la mannequin, épousant son corps, ses courbes. Telle une seconde peau, ce tissu en spray innovant, semblable a du latex, a révolutionné l’industrie de la mode. De plus la prestation fut réalisée en seulement 7 min.

Coperni a donc réussi a marquer les esprits avec ses projets innovants et cette prestation phénoménale.

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The Hypnoflip Invasion est un album de rap et de rock indépendant de 2011. C'est le troisième album du groupe "Stupeflip" où on peut retrouver sur cette pochette peinte par Julien Barthélémy l'un des membres et chanteur principale du groupe l'intégralité des personnages créés par le groupe comme par exemple "King Ju" le personnage principale que joue Julien Barthélémy au centre. Cette pochette cherche à représenté l'aspect dérangeant, l'agressivité et la saleté qui peut se dégagé de leur musique ( dans laquelle on y retrouve les codes du rap, rock, métal et autre style) notamment avec par exemple la saturation des instruments que l'on peut mettre en parallèle avec  la saturation en rouge. L'atmosphère malsaine dégagée par les personnages  certains humains d'autres à l'apparence de monstres grotesques rappelle leurs paroles souvent crues ou bien dénuées de sens on peut d'ailleurs retrouver cette esthétique dans leurs clips où les costumes réalisés avec les moyens du bord et les vidéos tournées et réalisées par le groupe donne un aspect série Z à leurs réalisations.

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Cette chaise provocante est l'une des trois œuvres de la série «meubles» (aux côtés de Handstand et Table) qui montrent des femmes portant des vêtements connotés. Les femmes y sont alors vu, littéralement, comme des objets. Ils ont fait polémique lors de leur première exposition. Jones les a effectivement produits au moment où le mouvement de libération des femmes est devenu important et les femmes artistes ont critiqué le «regard masculin». Le designer a déclaré en 2014 "Les sculptures sont piégées dans leur temps, mais j'espère que les gens sont assez robustes pour les considérer comme ludiques et les considérer comme une autre façon de regarder l'humanité." Fun fact ; cette chaise est notamment connue pour être visible dans la scène d'intro du film Orange mécanique de Stanley Kubrick (1972), puisque étant un élément de déco iconique du Korova Milk-Bar.

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Première robe métallique, Paco Rabanne, 1966

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Paco Rabanne dévoile lors de sa toute première collection de Haute-Couture intitulée “Douze robes importables en matériaux contemporains” cette robe. Influencé par son passage aux beaux-arts, le couturier rompt immédiatement avec les codes institutionnels de la Haute-Couture, redéfinissant même la notion de vêtement en proposant le travail de nouveaux matériaux.

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Glass Sculpture, Welead BESHTY, 2005-2014

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Entre 2005 et 2014, l'artiste Welead BESHTY à créer des sculptures de verre qui entraient à la perfection et au milimètre prêt dans des boites de taille standard du distributeur de colis FedEx. Il les envoyaient ensuite à travers les Etats-Unis, afin de pouvoir les exposer dans des salons et galeries diverses, en y incorporant les inévitables fissures, casses et brisures apparentes, qui font entièrement parti de sa démarche de création.

Ce n'est pas tant l'objet en verre qui est intéressant ici, mais plutôt le (mauvais) travail des employé de FedEx qui vient donner sens aux sculptures de BESHTY.

Comme a pu le déclarer Walead Beshty dans une interview, en ajoutant :
“Je voulais faire un travail qui était spécifiquement organisé autour de ces voyages, l’art se matérialisant manifestement par son mouvement d’un endroit à l’autre.”

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Collection "Cyborg", défilé Gucci automne-hiver 2018, Alessandro Michele

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Le créateur de la collection Cyborg, sans doute l'une des plus décalées
de la marque, a pris la parole concernant celle-ci. En effet, beaucoup
n'ont pas compris le message qu'il y avait derrière, pourtant essentiel.
Cette collection d'automne visait à questionner l'identité et l'illusion. A
travers des vêtements provenant d'inspirations de diverses cultures des
quatre coins du monde, Michele voulait questionner l'ère post-humaine en
créant des vêtements qui sont la métaphore sur la façon dont les gens
d'aujourd'hui construisent leur identité. "Nous sommes le Dr Frankenstein
de nos vies", a déclaré Michele. "Il y a une clarté clinique sur ce que je
fais. Je pensais à un espace qui représente l'acte créatif. Je voulais
représenter le labo que j'ai dans la tête. C'est un travail physique, comme
celui d'un chirurgien".
Pour sa collection, il s'est inspiré de sa lecture du livre de 1984 de la
philosophe féministe Donna Haraway "A Cyborg Manifesto: Science,
Technology, and Socialist-Feminism in the Late Twentieth Century", dans
lequel la technologie dicte l'avenir de l'Homme.
Ainsi, Gucci Cyborg de Michele définit le modèle d'un monde chimérique
de possibilités émancipatrices où ce que nous portons et qui nous
sommes dépend entièrement de chacun de nous.
Il voit ceci comme entièrement positif, et comme la possibilité d'être
libéré des limites de la condition naturelle dans laquelle nous sommes
nés. « Nous existons pour nous reproduire, mais nous avons évolué. Nous
sommes dans une ère post-humaine, c'est sûr ; c'est en cours. Il a mis en
évidence la décomposition des rôles de genre binaires qui se joue dans
ses collections. Il n'y a plus qu'à être des filles ou des garçons aujourd'hui
: "Maintenant, nous devons décider ce que nous voulons être."
La collection se propose donc de casser les genres, et d'inventer un être
hybride, un "Cyborg Gucci". Cette créature biologiquement indéterminée
exprime son identité multiple à travers des vêtements qui évoquent tous
les continents, croisent les époques et mixent les emblèmes de la pop
culture

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Appréciée des membres de la famille royale, cette robe dite "portefeuille" devint dès sa création un véritable symbole de l'indépendance de la femme.
Son encolure en V et sa taille cintrée à nouer ainsi que son jersey de soie infroissable en font une tenue élégante et intemporelle.
La personne qui la porte peut régler selon ses envies le niveau de décolleté ainsi que la longueur de la robe et donc la porter de jour comme de nuit.

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Running with the beast est un album de rock du groupe de rock néerlandais zZz sortie en 2009.
Sur la pochette de l'album on trouve des empreintes de laissées sur le papier par deux coqs qui se battent, l'un peint en bleu et l'autre peint en rouge. Plusieurs modèles de pochettes ont été réalisé avec la même méthode donnant donc des résultats différents pour chacune d'elles.

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Clara Daguin est une designer française qui mélange le savoir faire manuel de la broderie/couture ainsi que de la technologie dans ses creations. Ceci a pour but de prouver qu'une symbiose entre l'Homme, la nature et la technologie est possible.

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David Ray Carson est un graphiste et designer américain né le 8 septembre 19551 à Corpus Christi au Texas. Il est connu pour avoir cassé certains codes de la typographie afin de jouer avec les polices de caractères et de faire dialoguer les textes et l'image, en particulier dans ses mises en pages pour des magazines.

Il a reçu de nombreux prix, et ses travaux les plus célèbres sont les mises en pages et les couvertures du magazine Ray Gun dont il était le directeur artistique. Son esthétique est souvent appelée "typographie grunge".

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Le concepteur informatique et artiste numérique Hassan Ragab explore l'architecture non modulaire en utilisant l'outil d'intelligence artificielle de texte à image Midjourney. Les structures rivetées révèlent des façades colossales sculptées avec des motifs complexes et des ouvertures balayantes. Pour cette série, les bâtiments sont revêtus de formes organiques qui ressemblent à une végétation luxuriante comme moyen d'une nouvelle forme d'ornementation. Le résultat voit la conjonction de solutions construites et de surréalisme, élargissant les limites de l'imagination physique et architecturale.

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Le créateur Issey Miyake a créé une collection de robes blanches. Celles-ci sont par la suite enflammées par l’artiste Cai Guo Qiang à l’occasion de la performance “Dragon Explosion” à la Fondation Cartier de Paris. L’aléatoire fait donc partie du processus de création puisqu’il crée le motif de la robe. Tout d’abord, de la poudre à canon est placée aléatoirement sur les robes puis elles sont brûlées en créant des flammes et ainsi des motifs apparaissent une fois le feu éteint. L’artiste n’a donc jamais le contrôle sur les flammes et se fit au hasard. Le feu laisse donc une empreinte hasardeuse sur les robes plissées.

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Depuis plus de 23ans, Franck Slama alias invader, recouvre les murs à travers le monde de petites créature venue d’un autre monde, inspirée de puis sa tendre enfance par le jeu space invadeur dont il tient son pseudo. Il a fait plus de 4000 œuvres dans 79 pays.Il a même emmener une des ses oeuvres dans la station ISS et sous l'eau. Il confectionne lui-même ces colles afin d’arrêter de se faire voler ses œuvres en effet on ne peut retirer les morceaux qui constituent l’œuvre sans l’endommager. Pour financer sont matériel ils a lancé une application ou l’on peut prendre en photos ces œuvres et les petit extraterrestre -, et cela vous remporte des points.
Essioux Garance

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Lorsque le Bat-signal apparaît dans le ciel de Gotham City, cela signifie que la ville a besoin du chevalier noir, l'un des héros emblématiques de DC Comics. En effet,
Batman se montre toujours prêt à intervenir, à tel point que le photographe Sebastian Magnani a tenté d'imaginer le moment où le super-héros attend le signal.

C'est rigolo de s'imaginer, à travers la vision et les plans de l'artiste, les moments d'attente, voire fastidieux, que traverse Batman avant de passer à l'action. C'est précisément parce que c'est un personnage reconnu pour ses moments d'action et de force, que de le voir dans des scènes de la vie quotidienne, dominées par un calme absolu et l'absence, crée un contraste ironique mais visuellement saisissant.

A travers cette série de photos, Magnani augmente encore plus la capacité d'imagination et de fantaisie qui accompagne le monde de la bande dessinée.

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MANGA ORMOLU, Brendan TANG, environs 2016

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Élément robotique et art traditionnel de la céramique chinoise se mélangent et se superposent dans cette série intituler: Manga Orolmolu. Travaillant avec de la poterie depuis le jeune âge. Brendan Tang est un artiste avec un style extrêmement reconnaissable dans son hybridation d’esthétisme entre un style de céramique traditionnel chinoise et l’esthétisme cyberpunk venant des mangas et de la pop culture. Ces éléments qui prennent parfois une place exubérante traduisant selon les mots de l’artiste « les besoins de l’humain de devoir traduire et retranscrire des idées excentriques dans la réalité, les formes et le matériel démontrent vivement les forces conflictuel et complémentaire qui façonnent les perceptions de nous même et des autres. »

Pour l’artiste c’est une façon de miroiter dans cette notions d’hybridation ses origine mixte Canadien et asiatique

Sources:
http://www.brendantang.com/#/new-gallery-5/
https://youtu.be/YPxnnq0pc6M

ESSIOUX Garance

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Sveta Axonova, “The sequence Project”, 2014

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En 2014, la designer danoise Sveta Axonova a choisi d’utiliser 9 chemises blanches afin de créer un projet expérimental autour de l’accident et de l’aléatoire. Apres avoir disposé les vêtements sur le sol, la designer les a aspergées d’une teinture, d’un colorant noir. Les taches laissées par ce-dernier créeront alors l’effet d’accident, tel un liquide que l’on peut renverser sur un textile. Chaque vêtement, unique par son motif, a ensuite été retravaillé à l’aide de différentes techniques d’ennoblissement textile.

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L'album de Cage the Elephant fait parti des genre Punk Blues, Rock Alternatif, Garage Rock ou encore Indie Rock. La pochette de cet album peut faire lien avec le mouvement Dada, absurde et dénué de sens qui à émergé de 1916 à 1923. Bien que sorti en 2008, la pochette vient à reprendre des codes dadaïste : Collage absurde, détournement, photomontage, découpage de lettres ou de mots précis. C'est une appropriation contemporaine et réhabilité des codes Dadaïstes. Dada est mort, vive Dada !

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Baguette tables, Gosia et Tomek Rygalik, 2011

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Selon un étude de 2011 menée par la FAO, un tiers de la nourriture est perdu ou gaspillé le long de la chaîne alimentaire, depuis la production jusqu'à la consommation, ce qui représente environ 1,3 milliard de tonnes par an. C’est au Vienna Design Week Laboratory de 2011 que Gosia et Tomek Rygalik ont conçu les “Baguette tables” réalisé en pain rassis servis lors de l'événement et qui était destiné à être jeté. Le but était de ”lancer le débat sur le gaspillage alimentaire” via cette expérience et montrer que “Les matériaux de construction sont partout autour de nous.”

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Défilé Jean Paul Gautier x Olivier Rousteing, 2020

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“Un hommage aux femmes qui créent de nouvelles générations, ces deux femmes enceintes, des femmes fortes, des mères nature, avec tout le travail sur le cuir.”

Jean Paul Gaultier a dévoilé sa nouvelle collection haute couture imaginée par Olivier Rousteing lors de la Fashion Week de Paris. Comme à chaque saison depuis la retraite de Jean Paul Gaultier en 2020, un nouveau designer rejoint la maison éponyme le temps d’une collection afin de réinterpréter son célèbre univers couture. Cette fois-ci ce n’est autre que le directeur artistique de Balmain qui s’est attelé à la tâche.
Bienvenue dans le monde de Jean Paul Gaultier par Olivier Rousteing, considérant les femmes comme de véritable amazone. Le temps d’une collection, Olivier Rousteing s’est prêté à l’exercice désormais ritualisé : sa vision haute couture de Jean Paul.
“Cette collaboration m’a aidé à comprendre qui je suis sans Balmain”, avouait Rousteing en amont de la grand-messe. “Ma féminité ici est différente de celle de Balmain. Ma fille est plus dure.”

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IN THE COURT OF THE CRIMSON KING, King Crimson, 1969

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In the Court of The Crimson King est un album de Rock Progressif de 1969. La pochette se présente sous forme de volet. La première de couverture représente le "21st Century Schizoïd Man" et l'intérieur le "King Crimson" en personne. C'est Barry Godber (1946–1970) qui a peint le dessin de la couverture de l'album. Il a utilisé son propre visage, vu à travers un miroir, comme modèle. Ici c'est le travail des couleur et l'expressivité des visages qui tend à être intéressant. La bichromie et les nuances des deux couleurs (rose et bleu) permet de créer une ambiance particulière qui vient à coller avec les musiques proposées par le groupe. C'est le travail d'expressivité qui vient à primer ici.

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King Crimson In the Court of the Crimson King

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L’art à tout casser, PRESENCE PANCHOUNETTE, 1990. Collection du Musée d’Art Moderne de Paris. 

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L’emblématique discobole de Myron datant vers 450 avant J-C se retrouve sur un lave-vaisselle. Au tour de cette machine, on retrouve de nombreuses assiettes cassées, éparpillées. Cette œuvre dénonce particulièrement la société de consommation. Avec le discobole qui, à la place de lancer son fameux disque, lance des assiettes. Cela montre alors le nombre d’assiettes qui sont consommés, mais également le nombre de produits consommés. Un paradoxe finalement entre la machine qui nettoie et embolie alors qu’à côté l’on retrouve les assiettes

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Nommé « The plastic sea » cette collection printemps-été 2022, créer par Rushemy Botter et Lisi Herrebrugh. 

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Cette collection a fait grandement parler d’elle notamment grâce à ses gants préservatifs. Chaque mannequin portrait un préservatif rempli d’eau qui enveloppé entièrement la main. Les créateurs cherchaient à ramener l’eau sur le podium. Il voulait collaborer avec la nature plutôt que de créer une nouvelle ligne de vêtement. L’océan serait sa grande source d’inspiration et parlerait alors de son futur compromis par la société de consommation au niveau du plastique. C’est donc avec une capsule rebondissante remplie d’un liquide bleu qu’a démarré le show. Cela ressemblait fortement à des petits aquariums portatifs amenés sur le devant de la scène.

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Blow Up Doll Art, Sanders REIJGERS, 2009

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A travers cette collection, le designer néerlandais Sanders REIJGERS assemble des morceaux de poupées sexuelles gonflables afin de créer de nouveaux objets. “Ces poupées sont si odieuses et vulgaires que je considère comme un véritable challenge le fait de les transformer en quelque chose de beau” exprime REIJGERS. Ses créations excentriques rassemblent des accessoires de sport (ballons, gants), des vêtements (principalement des vestes) mais aussi des sculptures quelconques telles que la photo ci-dessus. REIJGERS propose un dérivé de l'upcycling perturbant et expose ces poupées sous différentes coutures

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Ce projet est fait de bouteilles de shampoing et gel douche en savon. Le but est de sensibiliser et de réduire la consommation de plastique pour l’environnement.

Plus clairement « Soapbottle » est un emballage fabriqué à partir de savon, au fur et à mesure de l'utilisation du contenu, l'emballage du savon se dissout très progressivement. Une fois terminé, les restes peuvent être réutilisés comme savon à main ou transformés en détergents. Le savon est composé d'ingrédients naturels et est biodégradable : les déchets peuvent être totalement évités.
C’est un projet écologique et qui peu être utilisé comme solution durable.

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Skipping Rocks Lab, à base d'extrait d'algues

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Chaque année, la pollution plastique attaque les océans. Une des principales sources de cette pollution est issue des bouteilles d’eau et de soda en plastique. Pour cette raison, voici une innovation dans le monde du sport : des capsules d’eau pour éviter le gaspillage de bouteilles durant les marathons. D’autre part, les capsules sont biodégradables et comestibles

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Eric Klarenbeek et Maartje Dros, 2018-19, récipients en algue

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Le Labo Algues de l'Atelier Luma réalise des objets imprimés en 3D à partir de microalgues et de biopolymères. Ce projet initié par l'Atelier Luma offre une nouvelle vie aux algues de Camargue. L'ambition d'Algae Geographies ? « Valoriser les zones humides comme les nouveaux incubateurs de biomatériaux cultivés localement », explique Caroline Bianco, directrice associée. Pionnier en la matière, l'Atelier Luma, basé à Arles, est devenu un véritable pôle de connaissances et d'expertise sur l'algue, qui combine idées innovantes et nouvelles formes de collaboration. En proposant des modèles inédits de production circulaire grâce à une biofabrication décentralisée, la plateforme de recherche s'illustre aujourd'hui avec l'impression en 3D d'objets domestiques, fabriqués à partir de microalgues et de biopolymères. En combinant design et biologie, le Labo Algues de l'Atelier Luma a même été sélectionné pour le prix Beazley Designs of the Year du musée du Design à Londres, qui récompense aussi bien les matériaux récemment développés que les méthodes novatrices de gestion de ressources.

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Imprimer avec une imprimante 3D, explorant les frontière entre la vie et la mort. Eposé au design museum de Londre.
C'est une « interprétation contemporaine du voyage de l’âme », explique Neri Oxman.
La collection se sépare entre 3 catégorie passé présent et futur mais seul la 3ème catégorie est exposé.

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Repulp Design, Victoria Lièvre & Luc Fischer, 2020

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Consciente de la quantité de déchets astronomique que constitue les peaux d'agrumes, V. Lièvre se lance dans le projet Repulp Design et invente un nouveau matériau : des peaux d'agrumes récupérées de bars, grandes surfaces, restaurants etc sont séchées puis rendus en poudre. Moulé et durci, elle se transforme en véritable matériau robuste, imperméable et compostable : une alternative à la pétrochimie ! Tous les produits sont fabriqués en France, cependant les peaux d'agrumes sont récupérées de plusieurs continents et une tasse coûte 19,90 euros...

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Azucar, Franck Fontana & Sébastien Cordoleani, 2008

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C’est du design culinaire qui expérimente la matière à travers des sortes de friandises/ bonbons pour travailler un nouveau procédé de fabrication. On utilise, la transparence du sucre une fois liquide, sa brillance, la possibilité de couler, de mouler, de souffler qui nous propose une multitude de création. Ces friandises sont donc faite grâce à la technique du souffleur de verre, ici, on souffle le sucre. Ainsi, les designers ont cherché à créer une surprise formelle qui nous rappellent l’enfance et nous fait appel à notre imaginaire.

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Fait à partir de cosses de maïs mexicain, ce matériau innovant crée par Fernando Laposse en 2019 permet de fabriquer des objets aussi bien utilitaires (lampes, boites) que des objets décoratifs. En effet, les différentes couleurs de maïs (rouge, violet, pourpre, noir, rose, jaune) créent un motif. Ce dernier ressemble à du bois et est solide. Son créateur tenait à uniquement utiliser du maïs recyclé afin de sensibiliser à l’utilisation des déchets dans le design, mais aussi à rendre l’usager plus responsable en achetant des produits écologiques. Fernando Laposse veut aussi mettre en lumière l’urgence climatique.

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Ari Jonsson développe une matière gélatineuse à base d’eau et d’agar-agar qui a pour propriété de s’adapter facilement à la forme que l’on souhaite lui attribuer. Il présente donc une bouteille biodégradable faite à partir de sa gélatine d’agar-agar au festival DesignMarch de Reykjavik en mars 2016. Efficiente, esthétique, et innovante, cette bouteille restera intacte lorsqu’elle sera remplie d’eau. Mais une fois vide, elle commence à se décomposer jusqu’à disparaître entièrement.

L’agar-agar est un gélifiant fabriqué à base d’algues marines qui est utilisé pour gélifier certains produits alimentaires. Désormais, cette poudre végétale est aussi un espoir de limiter la catastrophe environnementale que nous traversons avec les déchets plastiques.

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Remplies de poudres de légumes, ces tétines sont à assembler et « shaker » avec un biberon de lait infantile. Les bébés font ainsi l’apprentissage du goût et des bienfaits des légumes ; la diversification de leur alimentation se fait plus tôt et en douceur. Comme un livre d’images, le packaging des tétines donne à voir aux bébés un détail caractéristique de chaque légume : carotte, haricot vert, poivron, brocoli, tomate.

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Remplies de poudres de légumes, ces tétines sont à assembler et " shaker " avec un biberon de lait infantile. Les bébés font ainsi l'apprentissage du goût et des bienfaits des légumes ; la diversification de leur alimentation se fait plus tôt et en douceur. Comme un livre d'images, le packaging des tétines donne à voir aux bébés un détail caractéristique de chaque légume : carotte, haricot vert, poivron, brocoli, tomate. Crédit Photo Hervé Ternisien

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Remplies de poudres de légumes, ces tétines sont à assembler et " shaker " avec un biberon de lait infantile. Les bébés font ainsi l'apprentissage du goût et des bienfaits des légumes ; la diversification de leur alimentation se fait plus tôt et en douceur. Comme un livre d'images, le packaging des tétines donne à...

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Le designer Japonais présente un nouveau type de bois au salon Maison & Objet de Paris. C'est un bois fabriqué à partir de débris forestiers normalement considérés comme "sans valeurs" pour la construction de mobilier. KANO met donc ici en avant une production véritablement axé sur l'éco-conception où rien n'est perdu, tout est utilisé ! Les différents débris une fois assemblés, permettent de concevoir différents produits habillés d'un motif unique et abstrait.

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Véritable « sanctuaire » des skateurs, graffeur, rider de BMX, l’église SK8 Liborius est une élise catholique de style gothique destiné à la démolition, abandonné qui fut réaménager comme son nom l’indique en skatepark. Un groupe de skateurs venus de ST louis (Missouri) ont directement repérer le potentiel de ce bâtiment ils y ont mis 300000$ et tout leurs coeur et énormément d’amour dans cette entreprise créant l’endroit le plus cool de la terre. Le projet de rénovation à durer 2 ans, aider par des bénévoles heureux de voir cette bâtisse retrouver la vie d’une manière un peu plus moderne.

Cette église est la parfaite représentation de l’hybride et de la rénovation mais aussi la transposition d’un culture à une autre.

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MARMARA FORUM CLOUD PLAYGROUND, Carve Architects, Istanbul, 2020

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Bien que sphérique et rondouillet à souhait, cette structure est composée d'une armature métallique qui lui permet maintien et solidité. L'un des points de départ à donc été de penser à des structures hautes avec de grands volumes, où l'intérieur est un espace de jeu. L'aire de jeux se compose de quatre zones qui s'adressent à différents groupes d'âge : pour les petits aux plus grands ; un espace pour les tout-petits ; un dôme d'escalade est présent et une tour d'escalade de près de huit mètres de haut avec un toboggan interne est également inclus... On retrouve l'idée de bulle de par la forme de la structure mais aussi grâce aux vitres qui donnent cet aspect bulle de savon multicolore grâce aux rayons du soleil.

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marmara forum cloud playground Carve Architects

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DAMIERS DE BRETAGNE, Jacques BINOUX, Michel FOLLIASSON avec Abro & Henri KANDJIAN, 1976, Courbevoie

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Cette architecture aux allures typique des années 70 peut faire penser à la Nakagin Capsule Tower de KUROKAWA de 1972. On retrouve sur ces deux architectures l'usage abusif du cercle, motif récurrent qui vient orner le béton et créer une esthétique particulière sur des immeubles d'habitation. La dynamique du cercle est ici cassée avec l'usage du oblong vitré sur les parois des balcons. Le tout vient alors créer un décalage entre le cercle figé dans le béton et le oblong, sorte de cercle étiré dans la longueur dans le cadre en verre. Le tout vient à créer une architecture qui sort presque des "Liminal Spaces".

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Damiers de Bretagne, BINOUX FOLLIASSON ABRO et KANDJIAN 1976 Courbevoie

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THE CHAMBER CHURCH, Büro ZIYU ZHUANG, 2021, Qindao, Chine

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Cette architecture vise à créer un espace spirituel qui respecte le passé et regarde vers l'avenir. En regardant la façade, nous trouvons les archétypes des constructions religieuses (églises notamment) dans l'histoire. Le design fait écho aux souvenirs qui leur sont associés, mais Büro ZIYU ZHUANG les interprète dans une modernité intemporelle créant en un sens une "Eglise du futur". À la fois extrêmement épurée comparée à ses consœurs, cette église met en avant la pureté que l'on peut retrouver dans les textes religieux. L'intérieur est tout aussi épuré et le mobilier traditionnel contraste fortement cette architecture futuriste.

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NAKAGIN CAPSULE TOWER, Kisho KUROKAWA, 1972

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Bien qu'aujourd'hui en cours de démolition, la Capsule Tower de KUROKAWA à été pendant de nombreuse années le symbole de la modularité et de l'optimisation de l'espace. Composée de plus de 200 capsules habitables aux dimensions similaires, elles offraient une possibilité d'aménagement tout aussi variés que les habitants qui y résidaient. Le but était de proposer un habitat universel où chacun pouvait vivre selon ses goût tout en côtoyant des individus aux antipodes de sa propre vision. Les capsules devaient initialement être remplacées tous les 25 ans, mais le manque de financement à fait que la tour est aujourd'hui délabrée et donc, démontée...

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Cette maison à été conçue par Eric Wasser, un ébéniste alsacien. La forme de celle-ci s'inspire d'un cadrant solaire, sa forme ressemble à une toupie inclinée. La maison est inclinée vers le sud, la façade inclinée vers le sud, est composée d'une verrière qui laisse entrer la lumière du jour, ce qui permet de chauffer la maison sans qu'il y est besoin d'un chauffage quelconque. Par ailleurs quand le soleil est haut (en été), les rayons n'atteignent pas les vitres ce qui permet de garder la fraîcheur de la maison. Pour ce qui est de l'eau chaude elle est fournie par des panneaux solaires.

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SeaGlass est né du génie de l’architecture wxy. Inspiré par le nautile chambrité, le pavillon en spirale de verre et d’acier apporte l’art, l’architecture et la musique aux enfants de tous âges.
SeaGlass Carousel at The Battery a été créé en coopération entre The Battery Conservancy et le Département des parcs et des loisirs de la ville de New York.

La George Tsypin Opera Factory a créé une expérience sous-marine mystique. Le cavalier est assis dans des poissons irisés qui glissent à travers les images et les sons d’une aventure aquatique à 360 °.

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L'Inntel Hotels Amsterdam Zaandam, Wilfried van Winden, 2010

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Cet Hôtel 4 étoiles situé à Zaandam au Pays-Bas est constitué de 4 façades elles même constitués de 70 autres façades reprenant des caractéristiques traditionnelles de la région de Zaan dont les façades des maisons traditionnelles ainsi qu'une variations de nuance de "vert de Zaan", une couleur verte que l'on appliquait sur les maisons de l'époque. Une seule des façade est peinte en bleu en référence à Claude Monet qui en 1871 a réalisé "la Maison bleu, Zaandam" lors de son passage dans cette ville. Il fait partie d'un projet visant à réaménager le centre historique de la ville, mis en place en 2003 par la commune. Il fait partie d'un projet visant à réaménager le centre historique de la ville, mis en place en 2003 par la commune.
Ce projet est intéressant car premièrement on peut en ressortir la notion de superposition mais cela nous montre également comment via l'architecture on peut représenter et rendre hommage au passé historique d'un lieu. Dans ce cas, cela passe par les maisons traditionnelles, la couleur et une anecdote faisant référence à un autre artiste ayant lui même rendu hommage à cette région de part sa peinture.

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Twentysix Gasoline Stations, Edward Ruscha, 1963

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Edward Ruscha est un peintre, photographe et réalisateur américain né en 1937.

Cette œuvre est considérée comme le premier livre d‘artiste. On y trouve 26 photos de stations essence avec leur nom et leur emplacement. Les photos sont en noir et blanc et suivent la route 66 entre Los Angeles, où Edward Ruscha vivait à cette période, jusqu’à Oklahoma City où il a grandi.

Le photographe a souhaité ici prêter attention aux détails de la vie quotidienne auxquels nous ne sommes pas attentifs.

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NS résidence, Michelle Wentworth, 2019

Ce projet explore la rencontre entre le luxe et l'ultra-minimalisme. La maison est séparée en trois espaces, la salle de bain, la chambre et la pièce de vie.

Les lignes sont simple et la vue est dégagée ce qui permet d'avoir une sensation d'être dans un grand espace.

Toute la maison est parcourue de grandes baies vitrées pour créer une connexion avec l'espace extérieur.

L'espace est monochrome, clair et chaud, ce qui rajoute de la douceur à l'architecture.

Tout est vide et cela renforce l'idée de discrétion et de calme.

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Une fois que les visiteurs entrent par la petite sphère en forme de miroir, ils arrivent dans le grand espace intérieur de l’expérience. Les visiteurs pourront regarder un film tout en étant simultanément retournés dans tous les sens! La structure portable vise à offrir aux gens une expérience cinématographique traditionnelle à l’ère du streaming numérique. Se situant en Corée, la structure a été conçue pour être transportée dans tout le pays cette année – faite à moitié de matériel gonflable et à moitié de robotique mécanique.

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Le Waldspirale, bâtiment situé à Darmstadt en Allemagne, a été conçu par l’architecte autrichien Friedensreich Hundertwasser en 1998 et 2000. Son nom signifie la forêt spirale pour sa forme de spiral vu de dessus du bâtiment et pour son toit recouvert de vert. Ce bâtiment contient 12 étages et 105 appartements. Il comporte également un kiosque et un café sur le toit de l’immeuble.  Cette architecture unique au monde attire le regard par sa taille, ses couleurs et ses nombreux motifs aléatoires. Les dômes et les pilotis sont nombreux dans la structure. Si l’extérieur est impressionnant, l’intérieur est tout autant.

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Musée Zeitz d'art contemporain d'Afrique-MOCAA, Le Cap (Afrique du Sud), Heatherwick studio, 22 septembre 2017

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Le musée d'art contemporain d'Afrique, ou MOCAA ouvre au Cap en Afrique du Sud le 22 septembre 2017 dans un ancien complexe de silos de béton et devient ainsi le plus grand musée d'art africain avec 9500 m2 de surface. Conçu par Heatherwick Studio, le musée s'articule autour de l'atrium central (image ci-dessus) qui semble être taillé dans les silos. On pourrait croire être dans une ruche, un monde miniature et organique, tandis que nous nous trouvons dans un ancien complexe industriel, des tuyaux de béton de 33 m de haut et 5.5 m de diamètre parfaitement cylindriques et standardisés.

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Kiosk K67 créé par le designer Yougoslave: Saša J. Mächtigs ont des modules en polyfibre. Elle seront soit utilisé en unité individuel ou peuvent être ajouter pour créer un agglomération, les capsules sont généralement rouges et peuvent être utilisé en tant que kiosk à journaux, vente de tabac, de café étudiants, sandwicherie ou même de capsule de DJ comme par exemple celui qui se situe au coeur de manhattan qui a été réhabilitée et qui diffuse de la musique. On trouve la majorité en Yougoslavie mais on en trouve aussi au Japon, en Iran, en Nouvelle-Zélande, au Kenya, en Union sovietique et au États-Unis. Au croisement entre une inspiration de l’école du Bauhaus et de l’école d’Ulm

Garance ESSIOUX

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C'est une agence d'architecture et de design circulaire. Ils conçoivent des bâtiments, des espaces et des objets à partir du réemploi et des filières locales.
En effet ils réutilisent des matériaux de bout en bout afin de limiter l'impact environnemental et de recycler les déchets.
Leurs projets consistent par exemple, à la reconversion d'une école primaire en logements et en commerces. Ou bien la rénovation 'une maison pour une famille recomposée, ou encore la réhabilitation de logements à Paris.
Pour faciliter la construction et la mise en œuvre des leurs projets, ils vendent les meubles Tournesol de différentes tailles. Ces meubles sont modulables et intemporels et s'adaptent à chaque univers. De plus ils sont construits à Toulouse et 100% fabriqués à partir de déchets.

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Silk Pavilion est une structure en métal recouverte de 6500 vers à soie vivants guidés par un bras mécanique. Chaque ver a tissé environ un kilomètre de fil, permettant de recouvrir totalement le dome de trois mètres de diamètre. Contrairement à la production habituelle de la soie, lors de laquelle les vers à soie sont bouillis afin de récupérer la soie composant leur cocon, l'ouvrage a été réalisé par les vers à soie vivants. L'équipe de designers décrit ce processus comme "imprimante biologique".
Un fois le processus terminé, après environ 3 semaines, un pavillon en forme de dôme isolant du bruit est créé.

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Air Fountain, Daniel Würtzel, Copernicus Science Center, Varsovie

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Les installations cinétiques Air Fountain de Daniel Würtzel utilisent l'air et des matériaux légers. On retrouve ces véritables sculptures aérienne en constante évolution dans de nombreux lieux, ici en exemple au centre Copernic de Varsovie (exposition permanente).
Les tissus scintillants volent librement et en continu au-dessus d'une base en forme de disque avec un dessus en miroir noir. Sans moyen de propulsion visible, la magie est totale. Les spectateurs doivent se concentrer sur la danse des tissus, leurs reflets d'encre et distillés dans le dessus du miroir noir, et peut-être spéculer sur la source et les motifs de leurs mouvements. Cette pièce peut être réalisée à pratiquement n'importe quelle échelle comme une sculpture, une installation architecturale, comme une scène ronde et mobile en elle-même, ou incorporée dans une surface plane plus grande.
Regardez la vidéo sur ce lien:
https://vimeo.com/246794773

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le blobterre de matali crasset au centre pompidou 2012

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Cette installation se situant au centre Pompidou à Paris prend la forme d’un jardin artificiel. Son but principal est l’exploration et la création. En effet cet espace comporte ses propres sons, ses propres odeurs, des éléments végétaux spécifiques et des habitants. C’est à l’usager de réaliser des expériences découvrir ce nouvel espace qui sort du temps. Matali Crasset a donc collaborer avec ses anciens contacts pour concevoir cet espace de découverte permettant à tous de découvrir, explorer, expérimenter, sentir,...

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Sarbalé Ke, la "Maison de la célébration", Francis Kéré, 2019

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Sarbalé Ke, la "Maison de la célébration" en langue bissa du Burkina Faso, est une installation créée pour le festival de musique et d'arts Coachella 2019.

L'installation comprend 12 tours de baobabs, reflétant le matériau, la texture et la disposition spatiale de l'architecture du lieu de naissance de Francis Kéré, Gando, au Burkina Faso. En Afrique de l'Ouest, le baobab est très apprécié comme point de repère communautaire et vénéré pour ses vertus médicinales et nutritionnelles.

Les matériaux utilisés pour les tours de baobab ont été choisis en tenant compte de leur coût et de leur disponibilité locale. La structure en acier est habillée de panneaux de bois triangulaires bleu, orange, rouge et rose mats.

Après le festival, Sarbalé Ke a été déplacé vers son emplacement permanent dans l'est de la vallée de Coachella, où il sert de pavillon de rassemblement public.

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Hôpital Familier, étrange ordinaire, 2016

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Le projet Hôpital Familier est un projet de création d'un cocon familier et confortable pour accueillir les familles à l'hôpital.
Pour cela ils ont mis en place un atelier qui a permis aux futurs usagers de discuter sur les besoins et les envies des familles.
Ils avaient un espace prédéfinit de 20 mètres carré.
Les étapes ont été la création de planches de dessin, de maquettes 3D et de dessin techniques avant un prototype.
Pour la fabrication de l'environnement ils ont fait appel à des entreprises locales.
L'esthétique est très naturel, on retrouve du bois, les murs sont blancs, mais les décorations sont colorés. En effet il y a du rose, du rouge et du violet. Ces ambiances et ces couleurs dans l'ensemble chaudes, apportent de la douceur et de la tendresse.

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La « Maison des Jours Meilleurs » Jean Prouvé, 1956

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La création de la Maison des Jours Meilleurs est née du refus de la part des pouvoirs publics de financer la construction de logements d’urgence, refus qui donnera lieu au désormais célèbre appel de l’Abbé Pierre lancé sur les ondes durant l’hiver 54. Dans la foulée, le fondateur d’Emmaüs sollicite Jean Prouvé pour concevoir un habitat de type F3, reproductible et économique, composé de deux chambres et un salon, avec cuisine et salle d’eau. Maître dans l’industrialisation des procédés de construction, l’architecte applique un principe structurel précédemment mis au point dans son usine de Maxéville (Meurthe-et-Moselle), qui associe deux éléments pour former l’ossature principale : une poutre unique en tôle pliée et un noyau central en acier qui, tel un container, abrite cuisine et salle d’eau.

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Marni flagship store, Sybarite, London, 2003

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Incorporant des éléments sculpturaux organiques, le design du Marni Flagship store de Londres créait un sens unique de connectivité visuelle qui encourageait l'exploration complète de la boutique à deux niveaux. Le rez-de-chaussée en résine d'un blanc éclatant s'étendait de manière transparente jusqu'au premier étage de sorte que les deux niveaux semblent attachés.

Des marches en acier inoxydable étaient découpées dans la vague inclinée qui relie les étages et ajoutent à la fluidité du mouvement. Des rails en acier inoxydable poli, utilisés pour l'affichage des marchandises, migraient librement dans l'espace comme des pattes d'insectes futuristes.

La ferronnerie en miroir ondulaient et s'enroulaient à travers les trois zones principales de l'atelier, formant une ligne continue et fluide sans avoir besoin d'installations au sol. La couleur joue un rôle important dans la création de cet espace fantastique, avec un plafond rouge vif, percé de grands luminaires elliptiques sur mesure.

Pendant tout ce temps, les vêtements eux-mêmes captaient une lumière blanche diffuse qui met en valeur les motifs et les textures. Des coins salons découpés avec de la moquette douce étaient présents dans chaque zone commerciale et un espace VIP séparé abritait des cabines d'essayage privées et des sièges elliptiques en cuir blanc.

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Palais Bulles, Pierre Bernard et Antti Lovai, 1979-1984

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Le palais Bulles se situe à Théoule-sur-Mer, sur les collines de l'Ester. Cette villa aux "mille hublots" a été acquis par le couturier  et créateur de mode Pierre Cardin depuis 1992. Actuellement la villa rose est en vente et en attente d'un acheteur potentiel. Cette maison est également connue sous les noms de maison Barbapapa et maison Hobbit. Il s'agit d'une villa rose créée entre 1979-1984 par Pierre Bernard avec un architecte hongrois Antti Lovai. Depuis 1999 le bâtiment est classé monument historique et symbole d'une architecture organique aux allures futuristes.

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L'entreprise D-Form a conçu cette école élémentaire en 2016. C'est une écoconstruction. En effet ce bâtiment n'utilise que des matériaux responsables comme la paille (pour l'isolation), de l'enduit de terre. De plus il comporte un toit végétalisé, ainsi que de grandes fenêtres (notament au plafond) ce qui permet d'économiser de l'électricité et ce qui apporte également un intérieur plus chaleureux et lumineux.

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Boats and boating--Equipment and supplies

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Implanté dans le nouveau quartier de la Création, le siège social d’IDM s’est imposé en quelques années comme un repère dans la ville de Nantes. Baptisé «Manny», le bâtiment conçu par l’architecte Michel Bertreux du cabinet TETRARC, incarne une certaine forme de créativité qui fait écho à la vision d’IDM et de ses équipes. Manny et ses deux œuvres (Angela Bulloch et Rolf Julius) font partie de la séquence du «Voyage à Nantes» consacrée à l’architecture contemporaine.
Si la structure reste classique, l'enveloppe, véritable peau du bâtiment, est inédite.
«  Toutes les façades sont vitrées. Au-delà il y a une sorte de peau brillante, un peu luisante, animale, entre la sensualité et la force, celle du béton et ses strates simples. Cette peau donne la sensualité à l'ensemble »
Manny offre à la lumière 3 000 lames d'aluminium délicatement posées sur l'ossature du bâtiment. On pense à une résille qui ondule. Certains disent un nid ouvert. Voire une peau métallique

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LePetitChef est une création des artistes de Skullmapping, et a été lancé pour la première fois en mai 2015.

Ce restaurent propose de manger dans plusieurs monde totalement immersive grâce au mindmaping vidéo. ils ont  créé différents plats, de l’entrée, du plat principal au dessert, transportant nos quêtes d’un paysage enneigé à une île tropicale, tout en restant assis à votre table.

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Home Studio in Tokyo, Tan Yamanouchi & AGWL, 2023

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Dans un quartier composé de résidences géométriques ordinaires, cette structure émerge du sol et semble en mouvement, cette maison étant prévue pour une mangaka montante, en évoquant l'irréel et le fictif tout en restant  lié à la vie quotidienne.
À l'intérieur, tout est pensé pour permettre à l'artiste d'avoir des espace pour sa vie de famille et un espace pour son travail, bien séparés.

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Le Biomuséo est un musée d'histoire naturelle au Panama qui a pour but d'exhiber les richesses naturelles du pays. C'est la première architecture de Frank Gehry en Amérique centrale. Le musée prend place sur une ancienne base militaire. La structure globale reprend le concept du déconstructivisme. Cependant, cette fois-ci, l'architecte met en forme des couleurs très vives, saturées, qui se voient de très loin. Pourtant connu pour ses architectures grisonnantes, l'architecte a su se réinventer pour le pays natale de sa femme. Ces larges panneaux qui nous feront peut-être penser à des origamis colorés reposent sur une structure métallique impressionnante qui prend la forme d'une canopée.

Les activités à l'intérieur du musée semblent être à la hauteur de la fantaisie de l'architecte. Ce sont des espaces interactifs et immersifs, parfois même est réalité virtuelle qui vous y attendront…

Les jardins autour du musée ont été organisés en jardins botanique pour accompagner l'expérience pédagogique du musée, qui est entouré de part et d'autre des rives par les eaux du Golf de Panama.

Ce projet, bien que très beau et bien qu'il remplisse parfaitement sa fonction fut un gouffre financier. Il a coûté 100 million de dollars, soit 40 de plus que prévu, les travaux on duré 3 ans de plus que prévu… D'ailleurs, la fondation recherche toujours 15 millions de dollars manquant.

https://www.journal-du-design.fr/architecture/the-biomuseo-frank-gehry-51189/
https://thegoodlife.fr/biomuseo-folie-de-frank-gehry/

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The Biomuseo par Frank Gehry - Journal du Design

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Frank Gehry est, sans aucun doute, un des architectes les plus reconnus au monde. On lui doit notamment le fabuleux Musée Guggenheim à Bilbao en Espagne.

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 Jewell changi airport Safdie Architects

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Ce complexe de divertissement se trouve à l’intérieur d’un aéroport. Une construction géométrique mélangeant nature et aéroport. On y retrouve cinq étage de jardins, des fast-food, des magasins, des structures de détente et de loisirs, un cinéma, etc.. Cette espace comporte la plus grande cascade intérieure du monde (40m). Ainsi qu’un toit en verre, qui forme un vortex. Il donne sur la cascade.

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Le Pavillon des Arts de l'Islam,  Louvre, 2012 -  M. Bellini - R. Ricciotti

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Le Pavillon des Arts de l'Islam du Louvre met en avant environ 3000 œuvres des Arts de l'Islam. Le but ici était de donner un véritable espace à cette collection (qui est une des plus riche du monde dans sa catégorie), de ne plus être marginalisée. En effet, auparavant, ces œuvres était exposées dans un très petit espace entre différentes galeries.
Tous les murs sont recouverts de 6cm de béton noirs ce qui donne de la profondeur aux espaces et met en valeur les artefacts.
Des technologies liées au béton tel que Ductal® ou  Agilia® on été utilisées pour couler le béton plus vite ou en obtenir un de meilleure qualité. Enfin c'est un voile de verre et de métal qui flotte au-dessus de la cour, et qui n'est pas sans rappeler les textile des arts de l'islam. Aussi cette esthétique aérienne se marie très bien avec les bâtiments renaissants qui l'encadre.

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Crée et présenté lors de la foire du meuble de Cologne en 1969, Visiona 69, par Joe Colombo, est une réinvention de l'habitat moderne et modulable à la manière du designer.

En effet, le salon était une plate-forme de présentation des derniers développements en matière de design de meubles et de textiles d'intérieur.

Le projet "Visiona 69" a organisé des unités de vie mobiles multifonctionnelles d'une cuisine, d'une chambre, d'une salle de bain et d'un salon. L'ameublement a été créé pour un couple sans enfant vivant sur 80m2 et mis en place pour répondre à tous les besoins de base. Des éléments pouvaient être prolongés ou ajoutés grâce à des murs pivotants.

Tous les textiles du cadre de vie de Colombos sont tenus dans des tons de bleu et de rouge. A travers toutes les différentes nuances de ces deux couleurs, tout l'appartement apparaissait violet. De plus, avec ses éléments futuristes inspirés directement de l'univers de Barbarella, tout le concept de Colombo était moderne et tendance à cet époque.

L'ensemble comportait différentes unités d'habitation. "L'unité de vie centrale" pour la journée était adaptée aux activités courantes comme la lecture, l'écoute de la musique ou la télévision intégrée dans le plafond. La "cellule de nuit" contenait un lit, une armoire et la salle de bain. Ainsi, la "cuisine box" était climatisée et munie d'une table extensible.

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L'équipe de conception d'installations artistiques WHYIXD suspend 177 fleurs mécaniques en mouvement à l'intérieur du "Maker Building" à Taipei pour le 30e anniversaire de Cooler Master. L'installation de lumière cinétique est suspendue dans l'atrium de 7 mètres de haut du bâtiment, formant une formation ondulatoire fluide de points lumineux en forme de fleur d'acier. La structure «Cyclonic Bloom» s'inspire du logo et du langage de conception de l'entreprise, tandis que les fleurs font référence au mouvement et à l'apparence d'un ventilateur de refroidisseur de processeur, le symbole de la marque. Les textures métalliques conçues comme des végétaux organiques répondent au style architectural du « Maker Building » qui allie géométrie, nature organique et art de la lumière. L'installation affiche un mouvement continu selon les mouvements de floraison des fleurs, ainsi que l'interaction des gens avec l'œuvre d'art lumineuse.

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WYNDHAM CLUB HOUSE, MIA Design Studio, 2022

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Sur l'île vietnamienne de Phu Quoc, le Wyndham Club House apparaît comme un nouvel ajout d'hospitalité par MIA Design Studio. Combinant des qualités modernes et traditionnelles, la structure présente un extérieur audacieux en briques nues présentant divers motifs qui créent des jeux d'ombre et de lumière captivants tout au long de la journée. L'effet qui en résulte évoque une qualité de lanterne qui "exhale la beauté de l'artisanat dans la méticulosité et la précision du maçon local", écrit le studio.Au-delà de sa valeur esthétique, le revêtement en brique permet de bloquer/adoucir les rayons solaires intenses par temps chaud tout en assurant une ventilation naturelle du bâtiment, condition préalable aux climats tropicaux. En entrant dans le Wyndham Club House, les visiteurs sont accueillis dans des espaces hautement sensoriels qui mêlent l'éclairage, la végétation et les éléments aquatiques dans un cadre méditatif. Un exemple frappant est la grande lucarne planant au-dessus d'un étang zen. Orné de plantes suspendues, un tel affichage invite à la détente, à la douceur visuelle et à la respirabilité - un clin d'œil à l'ambiance générale de l'île. Renforcer davantage le caractère local utilise des matériaux comme le bambou, le bois et la meule.

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Bureau Betak’s vision for Dior’s, A/W 2016 show, Cour carrée du Louvre

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Ce dispositif est une énorme boite miroitante au milieu de la cour carrée qui abrite un espace d'exposition des nouvelles collections de Dior. Ce bâtiment de 500 m2 peut accueillir 300 personnes et a mis 18 jour à être monté, 11 à être démonté.
On retrouve un jeu de transparence possible grâce à la parfaite symétrie de l'architecture classique du musée.

(vidéo)
https://cdn.jwplayer.com/previews/2eh1MWME

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Cette œuvre d’Eva Jospin est importante par sa taille (3,60 m x 2,50m) et a connu un succès immédiat. Une forêt imaginaire et mystérieuse implantée dans une église gothique. Pour cela, elle a utilisé du carton qu’elle a récupéré et sculpté afin de créer cette forêt à la symbolique propre à chacun. En effet, elle reflète les souvenirs de voyages de chacun et permet de se plonger dedans. C’est une véritable œuvre immersive où l’on retrouve un jeu de profondeur et d’ombres.

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Nouveau Monde, Alexis Tricoire, Grand Palais, Paris 2015 

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Alexis Tricoire, jeune designer talentueux met en scène, dans le cadre de la grande exposition Solutions COP 21 au Grand Palais, une installation monumentale, Nouveau Monde. Située à l'accueil de la grande Nef une immense hutte, en bois et recouverte de végétal, invite le visiteur à se confronter frontalement au dérèglement climatique et ce au travers d'une animation vidéo matérialisant les zones anormalement chaudes et froides de notre planète, montrant ainsi l'accélération du réchauffement de notre Terre.

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L’école flottante de Makoko, M. Adeyem, 2013

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La construction de ce bâtiment flottant a commencé dans un moment de crise. Les habitants vivent dans un des plus grands bidonvilles sur l’eau au monde. En effet, les bâtiments de Makoko reposent sur des pilotis fixes qui sont toujours sujets à des inondations du fait des précipitations et de l’élévation de la mer qui ne fait qu’augmenter. C’est pourquoi dans un cadre d’urgence, l’architecte M. Adeyem a commencé à dessiner une structure en charpente de bois afin de perdurer une éducation aux plus jeunes populations de la ville. Ce projet est très engagé et montre que les designers peuvent s’investir et créer des dispositifs pour améliorer la vie de chacun.

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Haussmann 2.0, Vincent Callebaut Architectures, 2023

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Ce projet reprend le nom de celui qui a transformé tout Paris entre 1853 et 1870 et participe au plan de transition énergique « Paris Smart City 2050 ».L’architecte a ici intégrer les énergies renouvelables ainsi que des matériaux biosourcés (bois lamellé-croisé, chanvre, bambou, paille, …) aux bâtiments parisiens. Le but est que chaque bâtiment puisse produire sa propre énergie et recycler ses déchets. Avec ce projet, l’architecte amène la nature directement au cœur de la ville, avec aussi des formes futuristes. C’est donc une architecture bio-inspirée mettant grandement la nature en avant pour aider à atteindre l’objectif de neutralité carbone en 2050.

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Le Namba Parks est une réalisation architecturale ambitieuse et novatrice d’une superficie totale de 11 500 m2 qui allie commerce et écologie et pallie le manque d’espaces verts à Osaka, au Japon.
Ce centre commercial est une oasis dans la ville où les gens peuvent profiter des arbres et des fleurs tout en parcourant les boutiques. En plus des boutiques à la mode pour hommes et femmes, le centre commercial comprend un espace événementiel extérieur, un jardin sur le toit, un complexe de cinéma et des magasins spécialisés.
Jardins suspendus, cascades artificielles, murs de pierres ondulants imitant un canyon, le Namba Parks est une oasis de verdure —5 300 m2 d’espaces verts — dans une ville qui en manque cruellement.

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Ce triptyque représente l'ombre de la trajectoire d'un papillon de nuit autour d'une source lumineuse.
Geoffrey Mann souhaite représenter le mouvement poétique de cet animal en plain vol.
Pour cela il utilise le verre soufflé (qu'il fait lui-même : il est verrier) ainsi que de l'impression 3D pour matérialisé la trajectoire en ombre. Il y a un jeu de contraste entre le noir et le blanc. Les formes fluides donnent un effet de légèreté ce qui rappel le moment poétique.

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Après la Coccinelle, ce minibus compact est le deuxième en ligne à connaître un succès considérable. Le T2 conserve la même philosophie que son aîné mais apporte plusieurs améliorations, à commencer par son grand pare-brise panoramique. Il est également plus performant et possède une caisse plus grande. Il permet alors de voyager plus facilement. Le combi mesure 4.42m de long sur 1.72m de large et 1.96 de haut, il est équipé d’une porte coulissante sur le côté du véhicule.

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Tabourets Bimbo Stool, Peter Brandt, 1994

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Bimbo est un tabouret empilable fabriqué en bois moulé par compression. Un trou découpé en guise de poignée permet de déplacer facilement le tabouret. Bimbo peut être utilisé presque partout où l'on a besoin d'un petit endroit temporaire pour s'asseoir ou de quelque chose sur lequel poser un pied lorsqu'on ne peut pas l'atteindre et, bien sûr, comme petite table mobile.

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Hélène Haüsler et Renate Müller, Rhino, 1967

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Rhino fût réalisé par deux designers allemandes s'inspirant des codes Bauhaus (fonctionnalité, couleurs primaires...) afin de créer un jeu pédagogique pour les enfants ayant des difficultés moteurs. Ce dernier est en tulle, en cuir coloré et rembourré de paille c'est qui le rend rigide (et mignon) et lui permet d'accompagner et de soutenir les enfants lorsqu'ils jouent avec leurs permettant de se stabiliser.