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Circodata : encyclopédie des arts du cirque

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Circodata : encyclopédie des arts du cirque

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[TEASER] Delay the Sadness - S-E-D/ Sharon Eyal // Samedi 3 et Dimanche 4 oct.

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Création de Delay the sadness : entretien avec Sharon Eyal

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Création de Delay the sadness : entretien avec Sharon Eyal

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© Crédit photo © Vitali Akimov

© Crédit photo © Vitali Akimov

Avec Delay the Sadness, Sharon Eyal signe une pièce profondément personnelle, où la perte et le deuil se transforment en élan vital. Une composition rigoureuse rythme cette chorégraphie collective intense, où fragilité et puissance tissent ensemble un ballet mu par un chaos d'émotions qui émaillent chaque vie humaine.

Qu'est-ce qui a mis en mouvement la création de Delay the Sadness ?

Mon travail prend racine dans la mémoire et dans les émotions. J'ai créé cette pièce en pensant à ma mère disparue récemment et pour toutes les mères du monde. Je pense qu'une création ne commence jamais vraiment, elle se poursuit en prolongeant un fil déjà tissé, un battement déjà présent. Un nouveau projet naît d'un mouvement qui est toujours-déjà là.

Le titre évoque la tristesse, comment avez-vous transformé ce sentiment en mouvement ?

Les émotions sont toujours là, présentes comme une multitude de boutons prêts à être activés. S'engager dans une création revient à définir les boutons qu'il faut presser. Ici la tristesse, le chagrin et l'optimisme se trouvent mêlés. Comme je travaille d'une manière très physique, tout vient du corps, le mouvement devient le langage, l'endroit où l'émotion se traduit. Je fais confiance aux sensations qui naissent de cette physicalité et qui voyagent ensuite vers des émotions puissantes. Nous portons déjà tout en nous, le défi consiste simplement à faire des choix, à les combiner et à laisser le tout s'exprimer.

" Même en étant au sein d'un groupe... nous restons profondément seuls. "

Comment avez-vous transformé l'expérience intime de la perte, du deuil, en la création d'une pièce de groupe ?

À mon sens, même en étant au sein d'un groupe, parmi des gens qui partagent un même espace, une respiration commune, nous restons profondément seuls. Je crois que c'est justement la manière dont nous bougeons ensemble depuis cette solitude partagée qui peut faire surgir une émotion commune depuis les profondeurs.

Comment travaillez-vous avec les danseur.euses ? Utilisez-vous l'improvisation ou le mouvement est-il déjà défini en amont ?

Les danseur.euses influencent toujours la création. Je travaille avec des individus et je les connais si intimement que je peux déjà imaginer le mouvement sur leur peau. En studio, la première étape part toujours de mon propre corps : je danse, et le directeur de répétition ou les danseur.euses filment. À partir de là, le mouvement leur est transmis. Je travaille à partir de mon improvisation, mais la physicalité reste très stricte, le mouvement est précis, technique, minimal, intense. C'est à partir de cette clarté que l'inspiration se nourrit. C'est un processus qui grandit entre nous, avec le temps.

" Un ballet à la fois futuriste et étrangement ancien, qui évoque le menuet, les danses de salon ou une fusion complexe de tout cela, dans une physicalité très ancrée. "

Votre langage chorégraphique est en effet marqué par une intensité physique. Delay the Sadness s'inscrit-elle dans cette continuité ou avez-vous ressenti des changements d'énergie ?

Cette pièce est extrêmement personnelle - j'y chante même. Lorsque j'improvisais en studio et que je construisais le mouvement pour le transmettre ensuite aux danseur.euses, j'ai eu l'impression que quelque chose s'ouvrait en moi, que plonger dans cette création devenait un moyen de guérir. Quelque chose s'était fissuré et pourtant il fallait continuer à avancer à travers cette sensation. C'est comme si j'avais atteint là une couche encore plus profonde, plus brute, plus à vif que jamais.

Votre écriture mêle danse contemporaine, classique, Gaga... Comment décririez-vous ce mélange de pratiques qui fonde votre style ?

Mon style, comme vous le dites, combine tout. Ce sont comme des sentiments mêlés, comme des herbes dans une soupe : ni une chose, ni deux, plusieurs à la fois. Ce mélange résulte de toute une vie d'expériences traduites dans le corps et dans l'amour de la danse. Il est vrai que je ressens aujourd'hui une forte attirance pour la technique classique. Ce que j'aime dans le ballet, c'est la friction, l'extrême technicité, la clarté, la composition. Dans mon écriture cela se combine avec une approche très humaine, une articulation neuve et brute, qui puise dans l'émotion. C'est peut-être une nouvelle mutation ! Un ballet qui soit à la fois futuriste et étrangement ancien, qui évoque le menuet, les danses de salon ou une fusion complexe de tout cela, dans une physicalité très ancrée.

Êtes-vous intéressée par des notions comme la vulnérabilité ou la résilience du corps ?

Je m'intéresse à l'interaction entre la force et la fragilité, à la manière dont l'une définit l'autre. D'ailleurs je ne parlerais pas vraiment de force mais plutôt de précision. Pour moi, la puissance se révèle dans la fragilité. C'est permettre un moment de silence, avoir la capacité d'écouter. Au final, tout tourne autour de cette fragilité, comme un fil unique qui traverse tout le travail.

Comment décririez-vous le rythme de cette pièce ?

Je pense qu'il ressemble à l'océan : fluide, mais aussi profond et sombre. C'est un espace où l'on peut plonger, se laisser submerger, presque se noyer. Il vous enveloppe dans des couches de textures, à la fois denses et translucides, collantes mais transparentes.

" La musique peut transformer et guérir. "

La musique occupe toujours une place essentielle dans votre travail. Comment s'est construite la collaboration avec Josef Laimon ?

La musique est l'une de mes plus grandes sources d'inspiration. Elle change mon humeur, remue tout à l'intérieur, elle insuffle la vie et je crois qu'elle peut transformer et guérir. Josef est un ami très cher et un musicien extraordinaire. Travailler avec lui a été très organique. Pour la première fois de ma vie, je chante dans une pièce et je n'aurais pas pu le faire sans lui. Mon fils Charly chante aussi, nous avons un petit duo ensemble, ce qui rend la pièce profondément émouvante. La musique elle-même est teintée de tristesse, mais aussi riche de couches et de textures inattendues. Je dis souvent à Josef qu'elle ressemble plus à une matière qu'à de la musique, parfois, j'oublie même que c'en est.

Les costumes et le maquillage jouent sur l'uniformité et la singularité, comment avez-vous travaillé ces contrastes ?

Dans le choix des costumes et du maquillage, comme pour la chorégraphie, il y a toujours cette tension délicate entre le collectif et l'individuel. Nous avons co-créé les costumes avec mon mari Gai Behar et ma fille Noa, qui est aussi maquilleuse et coiffeuse pour cette création. Nous avons cherché un contraste entre des tons pâles et vieillis et des teintes fraîches, proches de la peau. Ce mélange évoque le temps, la mémoire et la présence vivante. Le maquillage donne l'impression qu'il est en relief, que l'on pourrait presque le toucher. Il évoque la porcelaine, comme celle d'une poupée fragile prête à se fendre. J'aime énormément les costumes, le maquillage et les coiffures de cette pièce parce qu'ils sont porteurs d'une résonance très intime pour moi, ils me rappellent ma mère, et la participation de ma fille rend le tout profondément personnel.

Est-ce que Delay the Sadness marque l'ouverture d'un nouveau cycle ou s'inscrit-elle dans la continuité de vos œuvres précédentes ?

Je ne sais pas si l'on peut parler de cycles de création, mais Delay the Sadness a clairement ouvert quelque chose de nouveau en moi, une transparence. J'ai l'impression d'avoir exposé une autre couche de mes émotions dans cette pièce. La fissure s'y creuse un peu plus.

Qu'est-ce qui continue à vous pousser à créer dans ces temps compliqués ? La danse est-elle pour vous une forme d'espoir ?

Toute ma vie la danse m'a guérie. Elle m'apporte de la joie et une forme d'intégrité. Je ne peux tout simplement pas m'en passer, et je continuerai à créer encore et toujours. Et j'aimerais ajouter quelque chose au sujet de mon mari, Gai Behar, qui travaille avec moi. Il est ma plus grande inspiration, mon plus grand soutien, et un immense, immense amour.

Propos recueillis par Marie Pons pour La Villette, octobre 2025

Biographie de Sharon Eyal

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Data-danse est une plateforme numérique interactive créée pour guider le spectateur, de 8 à 99 ans, dans sa découverte de la danse. En libre accès sur internet, intuitive et ludique, Data-danse s’utilise de manière autonome ou accompagnée par un médiateur, un enseignant, un animateur, etc.

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La danse englobe une variété de disciplines et d'écritures.
Classique, urbaine, latine, sportive ou encore jazz sont quelques unes des différentes composantes de l'art du mouvement. La danse, les danses.

Nous connaissons tous la danse jazz. C'est la danse la plus enseignée dans les studios amateurs en France et pourtant elle est peu présente sur les plateaux.

Issue d'une tradition populaire, la danse jazz est un langage du cœur. Sa singularité réside dans un mélange d' énergie et de relaché.

Les origines de la danse Jazz

À l'heure actuelle, nous la connaissons sous le terme Modern jazz. Elle est le résultat de différents mouvements de la culture afro-américaine.

Les prémices de la danse jazz s'observent dès le 17e siècle pendant la période sombre de l'esclavage. La danse et la musique y avaient une place très importante dans la vie quotidienne de cette communauté empêchée.
La danse jazz actuelle puise dans cet héritage son énergie physique, sa polyrythmie et son sens de l'improvisation.

C'est au 19e siècle qu'elle s'ancre plus profondément.
Diverses formes nouvelles de spectacles apparaissent : le Cake Walk ( danse populaire née vers 1850 parmi les Noirs du Sud des États-Unis, pour imiter avec ironie l'attitude de leurs maîtres se rendant aux bals) , les Minstrels Shows ( forme de spectacle populaire utilisant le blackface) ou encore les Vaudevilles ( spectacle de variété mélangeant danse, chant et cirque) mettant en scène l'énergie de cette danse.

Anecdote de Rick Odums dans le podcast 196.
" En Louisiane, les noirs américains jouaient dans les bastringues. Quand le public voulait que ça chauffe encore plus, il scandait " jass it up ! ". Ce qui a donné par la suite le terme jazz. "
Pour Rick Odums, le jazz est métissage.

La danse jazz naît officiellement au début du 20e siècle aux États-Unis.
À la fin de la Première Guerre mondiale, musique jazz et danse jazz dialoguent et vivent ensemble. Ce courant artistique porté par la communauté noire célèbre la fête, le vivre ensemble.
Dans le cabaret new-yorkais "The Cotton Club", Louis Armstrong, Duke Ellington et Cab Calloway font danser les Nicholas Brothers, Bill Bojangles ou encore Earl Snakehips Tucker. La musique basée sur le rythme et l'improvisation entraîne des mouvements jubilatoires.
Mais aux débuts des années 1940, certains musiciens jazz, comme Charlie Parker et Dizzy Gillespie, tournent le dos à la tradition pour créer un jazz plus complexe où la virtuosité instrumentale est primordiale. De ce fait, musique et danse prennent des chemins différents.

Aujourd'hui, le terme " danse jazz " s'emploie pour désigner un large panel de spectacles aux États-Unis : clips, danses de scène, revues, cabarets, comédies musicales ou encore claquettes. Sa définition et son identification sont donc complexes.

Vers une danse scénique

Pendant la période de l'entre-deux-guerres, le jazz connaît un fort succès dans les cabarets et les night-clubs : beaucoup de danses de couples afro-américaines naissent. C'est le cas du Lindy-hop par exemple.

Puis, les comédies musicales et les claquettes prennent de l'ampleur sur les planches de Broadway comme devant les caméras hollywoodiennes. Le spectacle musical utilise une danse jazz très expressive où la beauté et les mouvements d'ensemble sont très importants. "Chantons sous la pluie" de Stanley Donen en 1952 et "Tous en scène" de Vincente Minnelli en sont de parfaits exemples.

Fred Astaire en est la star. Danseur, chanteur et musicien, il est, avec sa partenaire Ginger Rogers, l'icône des comédies musicales. En le regardant, danser paraît facile. Toujours souriant et élégant, il séduit le public grâce à son jeu de jambes inédit et virtuose. Légende de la danse, il perfectionne ses enchaînements au millimètre près.

Les claquettes sont une branche de la danse jazz que l'on retrouve beaucoup dans les premières comédies musicales. Dans cette danse musicale, l'artiste accompagne ses mouvements de phrases rythmiques et percussives grâce à ses chaussures ferrées au niveau de la pointe et du talon.

" Faites-le grand, faites-le bien et faites-le avec style." Fred Astaire

La danse jazz poursuit son invention jusque dans les années 40. Elle passe d'une danse sociale à une danse de scène grâce à des personnalités comme Jack Cole.

Danseur et chorégraphe américain, Jack Cole se forme auprès de Ted Shawn et Ruth Saint-Denis, fondateurs de la danse moderne, au sein de la Denishawn School. Il danse sur les planches de Broadway avant d'être chorégraphe d'une vingtaine de comédie musicales. Son style s'inspire des danses orientales : sa gestuelle est très angulaire et mêle isolations, travail sur plusieurs niveaux et polyrythmie.
Père fondateur du Modern jazz, il cherche à installer une danse plus sophistiquée dans le paysage chorégraphique américain.

Le style jazz s'impose alors comme le nouveau langage gestuel de l'époque. Chacun va l'utiliser à sa manière. Bob Fosse le détourne sur scène comme pour le cinéma.
Bob Fosse est un danseur, chorégraphe, metteur en scène et réalisateur américain. Né en 1927, il va devenir une figure emblématique du genre musical. C'est la séquence Steam heat qui marque la quintessence de son écriture chorégraphique.
Il est connu pour ses œuvres Cabaret et And All That Jazz, Sweet Charity, et Chicago. Bob Fosse invente une danse minutieuse, caractérielle, intime et rythmique : une danse " haute couture " comme pourraient le dire ses héritiers. Il aime beaucoup utiliser la position du hinge, la large quatrième position des pieds, ou encore la jazz hand où les doigts sont très écartés.

En parallèle, un mouvement noir américain prend son essor sur les planches des théâtres. Katherine Dunham et Pearl Primus en sont les pionnières. Mais nous retenons souvent l'un de leur héritier : Alvin Ailey.

Célèbre chorégraphe, il travaille à partir de la richesse de la culture noire : musiques, gestes et rythmes. Son but est d'affirmer, de promouvoir et de populariser cette culture. Né en 1931, c'est un artiste très engagé contre les discriminations raciales.
Il crée alors l' Alvin Ailey American Dance Theater en 1958.
Dans sa pièce " Revelations ", il propose une danse puissante chargée d'histoire et d'émotions.
Sa danse emprunte des éléments aux techniques modernes Horton et Graham associées à des éléments de la danse africaine et à la danse jazz. Alliant technique et expressivité, les chorégraphies d'Alvin Ailey sont un grand succès mondial. Sa danse est ancrée dans le sol, les isolations et les dissociations sont inévitables, tout comme les barril-jumps et les tilts qui s'enchaînent dans ses chorégraphies. La mobilité de la colonne dans les ondulations est également très présente. Chez le danseur jazz, la colonne est très mobile afin d'offrir de nombreuses possibilités de torsions, de spirales et de mouvements.

Aujourd'hui la danse jazz est toujours largement enseignée en France. C'est la danse la plus pratiquée dans les écoles de danse françaises, selon certaines études.

L'un des plus célèbres centres de formation du danseur jazz fut celui de Rick Odums.
Danseur, chorégraphe et pédagogue américain Rick Odums s'est implanté en France avec sa compagnie, les Ballets Jazz de Rick Odums, dans les années 80 puis avec son école, l' Institut de Formation Professionnelle de Rick Odums.
Jusqu'à juin 2023, il a fait vivre la transmission de cette discipline aux jeunes avec l'aide de toute son équipe pédagogique depuis ses studios historiques implantés à la rue de Clichy, puis à Pantin pour ses dernières années d'activités. L'école est désormais fermée.

Anne-Marie Porras est également une figure incontournable de cette danse avec son école L' EPSEDANSE qu'elle implante à Montpellier dans les années 80 et qui sera le premier centre de formation habilité pour le DE Jazz. Celle qui a choisi le jazz pour la liberté a désormais formé 4 générations de danseurs.

Parmi les ambassadeurs actuels de cette discipline, on peut compter sur Carl Portal, Julie Sicard mais aussi sur Anthony Despras qui en est une figure montante.
Anthony souhaite la rendre accessible à tous en la dansant sur de la musique éclectique.
Sa barre technique est inspirée de celle de Matt Mattox et il travaille autour de la musicalité, des nuances, des notions d'impact et d'impulse, de la fluidité, du travail de poids du corps et des coordinations.

Pour voir du jazz sur scène en 2023 et 2024, quelques idées :
La comédie musicale WEST SIDE STORY au théâtre du Châtelet
Le spectacle Stories de la RB Dance Company en tournée dans toutes la France,

La danse jazz est institutionnalisée en France, au même titre que le classique et le contemporain. Il est possible de passer son DE à Paris de professeur de danse jazz dans les établissements suivants : l' Académie Internationale de la Danse, l' espace Pléiade, le Centre National de la Danse de Pantin ou encore Choreia au Centre des Arts Vivants.
De plus, il existe le Diplôme National Supérieur Professionnel du Danseur en danse jazz présent au sein du Pôle Supérieur d'Enseignement artistique de Paris-Boulogne Billancourt depuis 2011.

Sources

Éliane Seguin, Histoire de la danse jazz, 2003, éditions Chiron

La Danse Jazz et ses fondamentaux, Livre de Cécile Louvel

Danses jazz: une poétique de la relation, Livre d'Eliane Seguin

"HISTOIRE DE LA DANSE JAZZ" , offjazz.com

Présentation d'Anthony Despras sur le site du LAX STUDIO

Lecture à compléter avec les podcasts 195 - Anthony Despras, 196 - Rick Odums et Anne-Marie Porras - 197

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LES FONDAMENTAUX DE LA DANSE JAZZ - Tous Danseurs

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Jean-Christophe Meurisse et les Chiens de Navarre | ARTCENA

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Le metteur en scène Jean-Christophe Meurisse et ses chiens inventent depuis plus de dix-huit ans un théâtre basé sur l’improvisation. Sur scène, tout est possible. C’en est jubilatoire et cathartique, parfois dérangeant ou même choquant. Et tant mieux. Pour rire (et réfléchir), mieux vaut ne pas être brossé dans le sens du poil.

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Jean-Christophe Meurisse : retour sur son parcours et son processus créatif

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Jean-Christophe Meurisse : retour sur son parcours et son processus créatif

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Les Chiens de Navarre sont de retour pour nous jouer un mauvais tour. Jean-Christophe Meurisse, le metteur en scène et fondateur du fameux collectif, bouscule la scène des Bouffes du Nord avec La peste c'est Camus mais la grippe est-ce Pagnol ?. Une performance uniquement fondée sur l'improvisation qui nous réserve des surprises tant le spectacle se réinvente chaque soir au gré des comédiens.

On vous présente quelque chose qui n'a aucune notion d'efficacité. On vous présente le vide et, regardez, ils vont faire quelque chose.

Ce qui est intéressant pour le spectateur à travers cette expérience c'est de voir l'artisanat même de l'écriture avec des acteurs.

Un metteur en scène qui a du chien

Si la transgression est déjà de mise dans son parcours scolaire, Jean-Christophe Meurisse transfère son énergie subversive sur les planches dès le début de son parcours. Il suit une formation d'acteurs au conservatoire du 9ème à Paris puis intègre l'ERAC où ses désirs s'affirment. Sur les planches pendant huit ans, il est dirigé notamment par A. Milianti, S. Amouyal, C. Marnas et bien d'autres. Ne parvenant pas à s'exprimer au sein de ce théâtre qu'il juge élitiste et poussiéreux, l'ennui s'empare de lui et le conduit à quitter la scène.

Pour se libérer, il faut connaître tout ce qui vous emprisonne, c'est à dire que pour braver certaines conventions il faut quand même savoir ce que l'on brave_._ [...] J'ai voulu m'affirmer en tant que metteur en scène et donc je me suis nourri des insatisfactions, des colères que j'avais en tant que comédien ou en tant que spectateur. Il y a plein de choses que je trouvais sérieuses, pénibles, redondantes. Et pourtant, paradoxalement, c'est là où j'ai eu mes plus grandes émotions.

En 2005, animé par la rage de rire et de revenir à un travail d'improvisation, Jean-Christophe Meurisse rassemble huit comédiens de sa génération de toutes formations et fonde sa propre meute : Les Chiens de Navarre. Le nom très dadaïste donne le ton : à la manière d'un cadavre exquis, Meurisse impulse une situation à partir de laquelle le collectif improvise selon la méthode d'écriture de plateau. Sur la scène, ou plutôt le " terrain vague " comme il préfère l'appeler, les frasques et gags s'enchainent et donnent naissance à un théâtre mordant, entre tendresse et méchanceté, à l'ambition cathartique.

On ne va pas chercher obligatoirement le rire. Et de toute façon, le rire n'est pas que celui, éventuellement, d'une potacherie ou d'un gag. Les spectateurs ne rient pas tous au même moment. Il y a un rire de résistance parce que quelquefois, face au pire, le rire. C'est comme un fusible en soi, c'est à dire que face à des choses terribles qu'on peut raconter il ne reste plus qu'une chose qui est propre à l'homme : le rire.

Ce qui m'intéresse, c'est d'avoir une planète, rencontrer un acteur qui a une autre planète et on essaye d'en créer une troisième. Je veux voir des associations d'imaginaire autour d'une seule parole_._

Le collectif de la libre association

Après plusieurs spectacles peu remarqués, Les chiens de Navarre sortent enfin de l'underground avec Une raclette en 2008. Ce récit de soirée qui dégénère rencontre un grand succès que le collectif confirme par la suite avec notamment Nous avons les machines (2012) où ils épinglent l'action humanitaire, Les danseurs ont apprécié la qualité du parquet (2012) et Quand je pense qu'on va vieillir ensemble (2013). Le collectif passe ensuite la famille à la moulinette en 2015 avec Les Armoires normandes puis s'attaque à l'identité nationale dans Jusque dans vos bras sous forme de saynètes clownesques irrévérencieuses. Jean-Christophe Meurisse a également transposé son regard corrosif au cinéma, d'abord dans le moyen-métrage Il est des nôtres qui obtient le Prix du public et celui de la meilleure interprétation pour tous ses acteurs au Festival Silhouette de Paris, puis dans le long-métrage Apnée en 2016. Ce roadmovie avec pour décor une France suffocante, écrit et réalisé comme toujours par Meurisse, réunis la troupe sous format réduit avec Céline Fuhrer, Thomas Scimeca et Maxence Tual. Le film est sélectionné pour la semaine internationale de la critique au festival de Cannes.

Comme dans toutes les pièces et dans les films, il y a une dramaturgie. C'est juste que les acteurs s'en emparent avec leurs propres mots. Les acteurs ne sont jamais autant vrais et naturels que quand ils emploient leurs propres mots dans une situation parce qu'ils ne pensent pas à l'état d'une interprétation, d'un dialogue de cinéma ou de théâtre, ils pensent plutôt aux mots qu'ils vont choisir pour parler à l'autre.

J'aime bien laisser émerger l'inconscient quand on travaille et qu'on répète, ne surtout pas tout maîtriser mais laisser aller le non sérieux, la sauvagerie de l'inconscient. J'aime bien représenter sur scène, grâce à mes acteurs, la face cachée de l'être, les neuf dixièmes de l'iceberg qu'on ne voit pas. Il faut arriver à s'abandonner dans une écriture, dans une parole un peu automatique, comme on le fait en ce moment aux Bouffes du Nord pour faire émerger des choses folles.

Le premier acteur lance un dialogue où une didascalie et ils doivent suivre ensemble. C'est comme un orchestre. C'est un peu le même principe que le jazz band. C'est rassembler des solistes de jazz qui sont tous des excellents musiciens, et les jazzmen improvisent entre eux.

Son actualité:

Performance La peste c'est Camus mais la grippe est-ce Pagnol ? conçue par Jean-Christophe Meurisse du 16 au 24 octobre aux Bouffes du Nord. Avec en alternance les comédiens des Chiens de Navarre : Caroline Binder, Solal Bouloudnine,Lorella Cravotta, Claire Delaporte, Céline Fuhrer, Matthias Jacquin, Charlotte Laemmel, Manu Laskar,Hector Manuel, Cédric Moreau, Olivier Saladin, Pascal Sangla, Anne-Elodie Sorlin, Alexandre Steiger, Maxence Tual, Jean-Luc Vincent, Adèle Zouane... Et des invités exceptionnels : Margot Alexandre, Arnaud Aymard, Fred Blin, Olivier Martin-Salvan, Stéphane Soo Mongo, Fred Tousch...

On retrouvera également Jean-Christophe Meurisse et Les Chiens de Navarre au Théâtre des Bouffes du Nord du 11 juin au 4 juillet avec Tout le monde ne peut pas être orphelin.

Sons diffusés pendant l'émission :

Manifeste Dada déclamé par l'acteur et metteur en scène François Maistre, émission L'art et les hommes, 16 sept. 1963

Buffet froid, Bertrand Blier en 1979

Parodie de Question pour un champion

Extrait du film Apnée de Jean-Christophe Meurisse, 2016

Extrait de la pièce Une raclette de Jean-Christophe Meurisse

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Jean-Christophe Meurisse : "Le rire c'est ce qui nous sauve"

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Metteur en scène et fondateur des Chiens de Navarre, Jean-Christophe Meurisse revient sur les planches avec une performance mordante, aux Bouffes du Nord. Au micro d'Arnaud Laporte, retour sur son parcours et son processus créatif.

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Les faits qui ont inspiré la pièce : l'histoire de Jacqueline Sauvage 

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Les faits qui ont inspiré la pièce : l'histoire de Jacqueline Sauvage 

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Le président de la République François Hollande reçoit cet après-midi les filles de Jaqueline Sauvage, qui demandent la grâce de leur mère…

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Les faits qui ont inspiré la pièce : l'affaire de l'animateur Tex

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Les faits qui ont inspiré la pièce : l'affaire de l'animateur Tex

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Licenciement d’un animateur de télévision à la suite d’une plaisanterie sexiste

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[TEASER] Immaqaa, ici peut-être- Mathurin Bolze // Vendredi 12 et Samedi 13 mars

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Interview : Mathurin Bolze, circassien et metteur en scène

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Interview : Mathurin Bolze, circassien et metteur en scène

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[TEASER] Le Roi et l’Oiseau - Chapelier fou // Vendredi 11 déc.

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Wojciech Kilar - Le Roi et l’Oiseau (Bande originale du film)

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✔ Abonnez-vous à Ciné Music Club → http://bit.ly/1JOo9CO ♫ Ecoutez la Bande Originale complète → https://www.youtube.com/watch?v=Pe0C1FSRjgw&list=PLzhk329J-Y…

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Albane Penaranda and Antoine Dhulster and Mathias Le Gargasson

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Genèse du film “Le Roi et l’oiseau” après “La Bergère et le ramoneur” de Paul Grimault : épisode 7/10 du podcast Le cinéma d’animation, de l’ombre à la lumière | France Culture

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AUDIO Le cinéma d’animation, de l’ombre à la lumière, épisode 7/10 : Genèse du film “Le Roi et l’oiseau” après “La Bergère et le ramoneur” de Paul Grimault. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Genèse du film “Le Roi et l’oiseau” après “La Bergère et le ramoneur” de Paul Grimault, et découvrez nos podcasts en ligne.

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On ne jouait pas à la pétanque - Eric Feldman

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[TEASER] On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie - Éric Feldman // du 24 au 26 nov

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Interview : Eric Feldman, auteur et comédien

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Interview : Eric Feldman, auteur et comédien

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On ne jouait pas à la pétanque dans le ghetto de Varsovie, avec Eric Feldman

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[TEASER] Pierre & le Loup - Sergueï Prokofiev, Émilie Lalande

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Composé en 1936 par Prokofiev, Pierre et le Loup est à la fois un conte musical et une œuvre pédagogique : elle a pour but d'aider les enfants à connaître et reconnaître les instruments.

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Découverte de l'œuvre musicale : instruments et personnages

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Découverte de l'œuvre musicale : instruments et personnages

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Irena Sendlerowa : portrait et contexte historique de Varsovie de 1940 à 1945

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Irena Sendlerowa : portrait et contexte historique de Varsovie de 1940 à 1945

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Irena Sendler ou Sendlerowa, la mère des enfants de l’holocauste

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“La Juste du ghetto de Varsovie”, Irena Sendler, ouvrière membre de la Résistance polonaise, fut arrêtée par les nazis pour avoir sauvé 2 500 enfants juifs du ghetto de Varsovie durant la Seconde Guerre mondiale…

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L'Aéropostale avec Antoine de Saint-Exupéry 

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L'Aéropostale avec Antoine de Saint-Exupéry 

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Long-courrier vers le sud, histoire de l’Aéropostale : épisode du podcast Antoine de Saint-Exupéry, dessine-moi une histoire | France Culture

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AUDIO Antoine de Saint-Exupéry, dessine-moi une histoire, épisode : Long-courrier vers le sud, histoire de l’Aéropostale. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Long-courrier vers le sud, histoire de l’Aéropostale, et découvrez nos podcasts en ligne.

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La bande originale de nos vies - Eugénie Ravon

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La Bande originale de nos vies - Fiche pe_dagogique WEB

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Conférence : le tube musical dans la création théâtrale

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Conférence : le tube musical dans la création théâtrale

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Conférence - Usage du tube musical dans la création théâtrale

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Playlist les arts de la marionnette : découvrir les différentes techniques de manipulation en vidéo

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Playlist les arts de la marionnette : découvrir les différentes techniques de manipulation en vidéo

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Cet article a initialement paru sur le site nationalgeographic.com en langue anglaise.

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Les traumatismes peuvent-ils se transmettre par les gènes ?

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Une expérience bouleversante « ne disparaît pas quand vous mourez. Elle vous survit. »

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Dossier les arts de la marionnette : les différentes techniques de manipulation

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Dossier les arts de la marionnette : les différentes techniques de manipulation

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Le PAM : bibliothèque numérique pour les arts de la marionnette

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Le PAM : bibliothèque numérique pour les arts de la marionnette

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Institut International de la Marionnette (IIM)

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Page d’accueil - Portail des Arts de la Marionnette

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Page d’accueil - Portail des Arts de la Marionnette

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Pour aller plus loin : BD "Irena l'ange du ghetto" aux Editions Glénat

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Pour aller plus loin : BD "Irena l'ange du ghetto" aux Editions Glénat

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Jean-David Morvan and Séverine Tréfouël and David Evrard

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Irena - Édition complète (Grand format - Cartonné 2021), de Jean-David Morvan, Séverine Tréfouël, David Evrard | Éditions Glénat

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L’histoire vraie d’une héroïne oubliée. Décédée en 2008, déclarée Juste parmi les nations en 1965, Irena Sendlerowa, résistante et militante polonaise

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Théâtre et cinéma en dialogue : secrets de création de La Cordonnerie

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Théâtre et cinéma en dialogue : secrets de création de La Cordonnerie

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En coulisse et sur scène, La Cordonnerie est un duo de créateurs qui œuvrent à tous les étages. Et c’est aussi beaucoup de contraintes techniques liées au film et à la production de bruitages sur scène qu’ils relèvent avec l’aide de toute une équipe.

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Parcours d'artistes : Métilde Weyergans et Samuel Hercule

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Parcours d'artistes : Métilde Weyergans et Samuel Hercule

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Parcours d'artiste - Métilde Weyergans et Samuel Hercule by ARTCENA

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Auteurs, metteurs en scène et comédiens, Métilde Weyergans et Samuel Hercule inventent un art singulier qu'ils appellent le « ciné-spectacle », à la croisée du théâtre, du cinéma muet, du jeu d'ombres, de la manipulation d'objets et de la création sonore. Le tandem de la compagnie La Cordonnerie s'aventure entre les lignes des chefs-d’œuvre littéraires et des contes populaires pour en tirer la trame de fictions qu'ils tissent subtilement avec des questions de société. Portées par la fantaisie et l'humour, leurs créations de haute précision ouvrent grand l'imaginaire, permettant à chacun de s'y retrouver, quelque soit son âge, sa culture et son expérience de la vie. Ils nous racontent leur parcours d'artiste.

CRÉDITS :
Un épisode de « Parcours d’artiste », une série de podcasts d’ARTCENA
Production : ARTCENA
Journaliste : Gwénola David
Création sonore : Marc Sayous
Extrait sonore : "Blanche Neige ou la chute du mur de Berlin" (2015)
Photographie : © Sébastien Dumas

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Entretien avec Airelle Caen, acrobate et membre fondatrice du collectif XY : création du spectacle "Le pas du monde"

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Entretien avec Airelle Caen, acrobate et membre fondatrice du collectif XY : création du spectacle "Le pas du monde"

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Podcast Collectif XY X Tous Danseurs. Acrobates et chorégraphes. Spectacle. Le Pas du Monde. La Villette X Chaillot

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Entretien avec Josette Baïz : parcours artistique et processus de travail avec les enfants

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Entretien avec Josette Baïz : parcours artistique et processus de travail avec les enfants

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Podcast Josette Baïz X Tous Danseurs. Danseuse, chorégraphe, enseignant. Compagnie et groupe La Grenade. Faits d’hiver

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[TEASER] Bezperan - Bilaka, Daniel San Pedro // Vendredi 29 et Samedi 30 janv.

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Le spectacle raconté par le Collectif Bilaka

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Le spectacle raconté par le Collectif Bilaka

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"Bezperan", la nouvelle création de la compagnie de danse basque Bilaka

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Collectif Bilaka - Scène nationale du Sud-Aquitain

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Implanté à Bayonne, Bilaka est un collectif d’artistes qui œuvre au prolongement contemporain des danses et des musiques traditionnelles du Pays…

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Présentation de la manière dont les chorégraphes contemporains revisitent le Folklore.

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Roméo et Juliette - Guillaume Séverac-Schmidt

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[TEASER] Roméo et Juliette - Guillaume Séverac-Schmitz // Jeudi 4 et Vendredi 5 mars

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 A Folia - Marco da Silva Ferreira nous raconte les origines du spectacle

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27 reactions | 🤸 a Folia - Les origines 🇵🇹

D'origine portugaise, le chorégraphe Marco da Silva Ferreira a décidé de partir de "La Folia", une danse folklorique, née dans les rues du nord du Portugal au XVIe siècle qui s'est transformée en un pilier de la musique baroque. 

Une pièce surprenante, à mi-chemin entre danses folkloriques et danses urbaines, à découvrir à partir du 7 mars à Nancy !

________________
📆 7, 8, 10 et 12 mars à l'Opéra national de Lorraine (Nancy)
Instantly Forever (création)

Chorégraphie : Petter Jacobsson et Thomas Caley
Musiques : Igor Stravinsky, Steve Reich

a Folia (création)
Chorégraphie : Marco da Silva Ferreira
Musique : Luis Pestana
___________________
🎟 Tarifs de 12€ à 35€
Infos : https://ballet-de-lorraine.eu/fr/piece/programme-2-instantly-forever-a-folia?fbclid=IwAR3RyH3xTfCq9Dpj4KAjEEUOR7QbAGOCnw45Tedk8J6Am1jz6NW4CPIu58U
Réservations : https://balletdelorraine.mapado.com/event/256572-programme-2-instantly-forever-de-petter-jacobsson-et-thomas-caley-a-folia-de-marco-da-silva-ferreira?fbclid=IwAR074S7z8VzA8vxfVxpxGblcXuIvB3VrE3h03WYqw61ANmWfWYPahPwJuQI | CCN - BALLET DE LORRAINE

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🤸 a Folia - Les origines 🇵🇹

D'origine portugaise, le chorégraphe Marco da Silva Ferreira a décidé de partir de "La Folia", une danse folklorique, née dans les rues du nord du Portugal au XVIe siècle...

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[EXTRAIT] FUGACES - Aina Alegre // Vendredi 8 janv.

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Pour aller plus loin : le flamenco contre les normes 

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Pour aller plus loin : le flamenco contre les normes 

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Danser contre les normes : le flamenco renoue avec la transgression | Tracks | ARTE

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Suzanne une histoire du cirque - Anna Tauber, Fragan Gehlker

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Anna Tauber : “C’est une déclaration d’amour à l’art du cirque”

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Anna Tauber se définit comme “circassienne hors piste” mais cette fois-ci, elle est en scène. Elle vient nous raconter l’histoire de Suzanne, voltigeuse des années 50. C’est un spectacle, un film, une conférence, tout à la fois.

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Entretien avec Anna Tauber à propos du spectacle

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Entretien avec Anna Tauber à propos du spectacle

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La Brèche, Pôle National Cirque en Normandie

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Suzanne: une histoire du cirque - Association du Vide & Avant La Faillite

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[TEASER] Radio Live - Réuni·es - Aurélie Charon // Mardi 23 févr.

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Journal La Terrasse : entretien avec Aurélie Charon

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Journal La Terrasse : entretien avec Aurélie Charon

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Chapitre Réuni.es : extrait du spectacle

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Chapitre Réuni.es : extrait du spectacle

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Compagnie Des Indes. Metteur en scène ou réalisateur

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79e Festival d’Avignon. “Radio Live - Réuni·es” de Aurélie Charon, extraits

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Depuis une dizaine d’années, le projet Radio Live fait dialoguer sur scène des jeunes gens autour des questions d’engagement et d’identités. Dans ce nouvel opus qui se décline en trois chapitres, Aurélie Charon tend le micro à huit personnes venant de zones de conflits en Syrie, à Gaza, en Bosnie, en Ukraine, au Liban, au Rwanda... Chaque soir, par groupes de trois, ils et elles partagent ce que la violence des conflits a ébranlé dans leur espace intime, familial, social, artistique et militant. Une enquête journalistique qui se réinvente à chaque représentation par le biais du dessin, de la vidéo, de la musique. Une réflexion sur l’amitié en tant que force collective et une invitation à « se rassembler avec des personnes qui ne nous ressemblent pas » pour mieux se tenir à distance de la haine. On part de Kigali au Rwanda, on arrive dans le quartier de Monclar à Avignon en passant par Damas. Au cœur du spectacle, un voyage ensemble à Kigali au moment des commémorations du génocide contre les Tutsis de 1994. Comment réconcilier des identités multiples : entre la France et le Maroc, la Palestine et la Syrie, le Rwanda et le Congo. Comment penser la justice après un génocide ou une guerre civile ? Tous trois portent leurs récits et leur désir de justice.